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United Rock League Junio 2011TRANSCRIPT
“Demos una oportunidad a la Paz”. La música no se debe de detener, y mucho menos por situaciones completamen-te ajenas a ella misma. Decía John Lennon que le diéramos una oportunidad a la paz… y es precisamente el día de hoy lo único que puede pasar por nuestras mentes después de leer algunas noticias que afectaron directamente a la escena musical de nuestro México. Demos una oportunidad a la Paz. El Café Iguana, ubicado en Monterrey, Nuevo León, durante el mes de Mayo celebró su veinte aniversario, y es en esta edi-ción donde podrán encontrar un artículo redactado por uno de nuestros colaboradores de aquella región del país. Es deseo de todos y cada uno de los que hacemos de Uni-ted Rock League que dicho lugar, semillero de bandas del ta-maño de Kinky, Jumbo, Plastilina Mosh, Zurdok, Quiero Club, Control Machete y más, reencuentre el camino después de los hechos ocurridos a finales del mes pasado. La música siempre ha sido el vehículo perfecto para expre-sar los más profundos sentimientos del humano. La tristeza se ha visto reflejada en formas tan bellas que provocan tran-quilidad ante la adversidad. La música es todo aquello que se quiere expresar con algo más allá que la simple unión de palabras, es extrapolar la razón, y adornarla con un sin fin de acompañamientos. Con relación a lo anterior, Vicente Gayo, banda originaria del Estado de México y que es nuestra entrevista principal del mes de junio, mantiene la idea de que la música puede ser-vir para despertar y vencer, en cualquier campo en que esas ideas sean aplicables, por supuesto, para bien. La sinergIa de ideas que puede encontrarse en torno a la música deben de convertirse en la materia para alcanzar la transformación que en este momento se necesita en tantas ciudades del país. Demos una oportunidad a la paz, para que la música siga flu-yendo, para que los sentimientos sigan expresándose, para que los participantes de la escena nacional del rock puedan trabajar sin temor alguno. La música puede lograrlo, todos juntos podemos alcanzarlo. Este número es dedicado a la gente del Café Iguana y a todos los demás que forman parte de esos lugares que han tenido que cerrar sus puertas en Barrio Antiguo por situaciones to-talmente ajenas a la cultura musical. ¡Un abrazo fuerte a toda la raza hermana de Monterrey y de todo el Norte del País! Desde el D.F. para todo México. Los invitamos a seguir siendo parte de esta Liga del Rock que quiere seguir haciendo periodismo de Rock. Atentamente,Junta Editorial de United Rock League.@unitedrockleague
JUNI
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6.11
Francisco Pérez Mejía
“Frasko”Editor en Jefe y RRPP
Twitter: @FraskoteSergio Hernández Juárez
Dir. Eventos y MKT
Twitter: @sergio810511
Colaboradores:
Viridiana Martínez Villamor
Eunice Rugama
Juan Manuel López
Daniel “Jimmy Lurias”
Ulises Díaz
Montserrat Vallecillo
Samantha Núñez
Nadia Ximena
James Velásquez
Joel Hernández
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Abril
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United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en
Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción
total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores.
El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores
y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.
06.11
Sharon MedinaOzz ZavalaJael Hirata Ortiz
Fernando Velasco Carro
Erick Castro (Monterrey)
Karla Coria (Monterrey)
Israel Lara Colaborador (Argentina)
Rafa Ledesma
Dir. Arte/WebMaster
Andrea Becerra
Corrección de Estilo
Fotos
Frida Escobar Santiago
Eventos
Pimienthas
CONTENIDOS
VICENTE entrevista
26
BIOGRAFÍATREN REZNOR
22
SCREAM 438U2 360 TOUR 6ROCKSOUND 43
12LOLLAPALOOZA2011GAYO
U2 360° Tour Por: Virix Villamor @pecasvilFotos: U2.com
6 Reviews
7 Reviews
U2 360° Tour Gritos de 360 grados estallaron en el Estadio Azteca, el pasado 11, 14 y 15 de Mayo cuando U2 la Legendaria Banda Irlandesa se presentara con su gira 360 Tour en el Coloso de Santa Ursula, con un escenario estruendosamente increíble, la famosa garra que ha recorrido varios países del mundo… no se hizo esperar para pisar
tierra azteca, después de 5 largos años de su ultima gira Vertigo World Tour.
En punto de las 9:30 pm después de la presentación de Snow Patrol (banda abridora) en un momento de calma de fondo “Space Oddity” de David Bowie anunciaba la llegada al
escenario de Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen, gritos, flashazos, aplausos inundaban el estadio, “Even Better Than The Real Thing”
estallaba entre luces y la inconfundible voz de Bono, era para enloquecer a cualquiera!! Gente de todas las edades abarrotamos el lugar, una experiencia mágica,
clásicos y canciones de su último disco “No Line On The Horizon” como “Get On Your Boots” y
“Magnificent” rasgaban la garanta de los espectadores asombrados con el gran
y espectacular escenario, el audio excelente, la vista perfecta
desde cualquier punto del estadio.
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Ya entrada la noche canciones nunca antes escuchadas en vivo como “Stay Faraway So Close”, “Ultraviolet (Light My Way)” que en lo particular es de mis favoritas, enchinaban la piel de los fans que por años, décadas hemos crecido y vivido con su música, eso era algo catártico!! a su vez remplazadas en el último concierto por: “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” , “All I Want Is You” y “Love Rescue Me” rolas que al ser escuchadas en vivo electrifican el cuerpo.
Bono interactuando con sus fans nos dejaba perplejos, enviando mensajes de paz mezclados con imágenes en las megas pantallas, unificando los ideales de esta gran banda en contacto con el público, un juego de luces asombroso, la peculiar voz de Bono, la guitarra característica de The Edge, el bajo de Adam y la batería de Larry eran la fórmula perfecta para olvidarse de todo y conectar con la música!! chicos, jóvenes y grandes se identificaban en algún momento de sus vidas con las letras y la voz no era suficiente para expresarlo.
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Llegó el momento de “With Or With Out You” una canción himno de muchos, luces de encendedores, celulares, una esfera de luces en la punta de la garra era lo que iluminaba aquel espacio que en conjunto con la voz de Bono he de confesar que robo un par de lágrimas de mis ojos, no dudo que en muchos de los espectadores de igual manera, “podré morir en paz” pensaba después de escuchar y ver tal evento.
Me declaro fan absoluta de esta banda que por años me ha marcado, podría verlos mil veces y no bastaría para llenarme de U2, sé que algunos de ustedes comparten esta idea unidos por esta gran banda y como dice la canción: “One life with each other, sisters… brothers; One”
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12 Features
Por: Frasko @fraskoteFotos: Flick-r Lollapalooza Y SUS 20 AÑOS
Reportaje especial
13 Features
El fenómeno de una ciudad cosmopolita se refleja en la organización de uno de los festivales más importantes sobre la faz de la tierra. Veinte años pasaron
rápido, y es en 2011 cuando, con todo y las pausas que ha tenido, Lollapalooza se viste de manteles largos para celebrar un aniversario más.
Este festival, que incluso se llevó a cabo en Chile apenas hace un par de meses, ha albergado en sus escenarios a músicos que van desde el poderoso metal, como es el caso de Metallica, hasta el pop excéntrico de Lady Gaga.
Muchos otros géneros han encontrado refugio, como es el caso del Punk,
ejemplificado con Rancid. También bandas mainstream han ocupado un lugar en los escenarios de este importante festival, entre las que podemos mencionar a The Killers y The Strokes.
Iconos de la cultura independiente, como es el caso de Broken Social Scene y Arcade Fire han hecho lo propio en las tarimas del Grant Park, así como leyendas de la música, del tamaño de Patti Smith.
Así es Lollapalooza, un evento donde la diversidad musical es el principal argumento, dejando de lado la intolerancia, y que esto convierte al Grant Park de la ciudad de Chicago en la capital del Rock, más como una actitud y no como un género.
Este festival también ha sido el pretexto perfecto para reunira Pixies,
Soundgarden y Jane’s Addiction, estos últimos encabezados por Perry
Farrell, frontman y fundador de Lollapalooza.
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La experiencia en Lollapalooza 2010. Una mirada al pasado.
Desde el primer momento en que ingresas al Grant Park de la ciudad de Chicago, sabes que lo que experimentarás, no lo olvidarás en lo que te resta de vida.
Un gigantesco letrero con los colores naranjas y azules, que exaltan la emoción y las ganas de escuchar música y que por las noches se ilumina para indicar la salida, nos dio la bienvenida. Miles de personas caminaban en dirección a los diferentes escenarios, en los que desde tempranas horas, se podía disfrutar de diversas presentaciones con artistas locales y del extranjero.
La primer banda que ves en Lollapalooza, es un recuerdo digno de atesorar y que pienso, no se repetirá en ningún otro momento de mi existencia. Un trayecto que me llevó hasta donde apreciaría a una banda venezolana en pleno territorio estadounidense. Los Amigos Invisibles animaban a los cientos de asistentes, entre los que figuraban muchos latinos. Ese tipo de imágenes, aun provocan una sonrisa en mi rostro.
Por mencionar solo algunas de las bandas que se presentaron el primer día de Festival en Lollapalooza 2010, y que tuve la oportunidad de presenciar, además de la banda venezolana que mencioné anteriormente, fueron: The New Pornographers, The Black Keys, Dirty Projectors, The Big Pink y The Strokes. Tal y como se puede apreciar, desde el primer día del evento, las emociones pueden variar, pero la música de calidad, es una constante, algo que se repite minuto a minuto en los grandes escenarios.
Sin duda alguna, una de las presentaciones que aquella ocasión enmarcaron y pagaron el boleto, fue la de The Black Keys, quienes estrenando disco en 2010, actuaron de forma magistral, interpretando canciones de su nuevo disco y algunos clásicos que hicieron gritar a más de una (y uno, me incluyo).
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Para el segundo día de actividades, pese a la distancia entre el hotel en el que estuve hospedado y el lugar de los conciertos, las energías parecían ir en forma contraria a lo que lógica pudiera dictar. La banda Stars, así como The XX, Metric, Cut Copy, Spoon deleitaron la tarde, y por supuesto los señores de Green Day, quienes con todo el poder del espectáculo que poseen, ofrecieron poco más de dos horas de música, éxito tras éxito.
Además de la actuación de los intérpretes del clásico de los noventas, “Basket Case”, la presentación que sin duda más disfruté fue la de Metric. Lástima que han cancelado su visita a México varias veces, por que sin duda, son un show digno de pagar por ver.
Y así, entre el cansancio acumulado y la melancolía de tener que regresar al D.F. al día siguiente del fin del festival, la última jornada fue marcada por el épico regreso de una de las agrupaciones que dictó en la década de los noventas el rumbo del Grunge. Una banda equiparable al tamaño de Pearl Jam, Nirvana y Alice In Chains: Soundgarden regresó con bombo y platillo en Lollapalooza 2010.
Tras una dura elección que incluyó el consejo de algunos amigos en twitter, decidí perderme la presentación de Arcade Fire para observar la reunión de Chris Cornell y compañía. No me arrepiento en ningún momento de aquella decisión de esperar un par de meses para ver a los creadores del disco “The Suburbs” y asistir a ver a los padres de la canción generacional titulada “Black Hole Sun”.
Entre otras presentaciones, tuve la oportunidad de escuchar “Time To Pretend” en vivo, en la voz de los señores de MGMT, aprecié la música pulida de The National, el poder de Minus The Bear, así como a los que posteriormente tuve la oportunidad de conocer en México justo antes de que dieran una entrevista para United Rock League: Yeasayer.
En resumen, la experiencia de Lollapalooza 2010, es algo que como periodista musical, me dio una perspectiva más de las barreras que se pueden cruzar en forma de melodías.
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¿Qué nos espera en Lollapalooza 2011?
Una vez más, la diversidad en géneros se hace presente en un festival de Lollapalooza, y que mejor que en este su veinte aniversario.
Entre los headliners podemos encontrar a Eminem, que después del lanzamiento de su disco “Recovery” en el año 2010, confirma el éxito obtenido en producciones pasadas. Definitivamente una presentación bastante interesante.
Por otro lado y con un concepto totalmente diferente, encontramos a los viejos lobos de mar de Foo Fighters. Con su recién publicado disco “Wasting Light” en el año 2011, cargado de acordes fuertes de guitarra y retomando un poco la vieja escuela de Grohl, esta agrupación pretende cimbrar el Grant Park de Chicago.
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Por su parte, los músicos ingleses de Muse y Coldplay, vienen a refrendar el por qué con sus discos “Resistance” y “Viva La Vida” en el momento que fueron publicados, los llevaron de gira por diversos países del mundo, entre los cuales, México fue sede de sus presentaciones.
La presencia Latina tiene su lugar en la edición del veinte aniversario de Lolla. Ceci Bastida, así como la cantante y actriz Ximena Sariñana representan a México. Por su parte, Chile aporta a la banda que radica en nuestro país desde hace varios años: Los Bunkers.
También chilenos Ana Tijoux y Chico Trujillo hacen su aparición en el cartel oficial para este 2011.
Otras bandas que son indispensables de apreciar son: Deftones, A Perfect Circle, Deadmau5, My Morning Jacket, Cee Lo Green, Arctic Monkeys, Explosions In The Sky Ratatat, Crystal Castles, Cage The Elephant, OK GO, Two Door Cinema Club, entre otros.
Todo un festín musical el que depara a la gente que tenga la oportunidad de asistir a este gran evento que se llevará a cabo del 5 al 7 de agosto de 2011 en la ciudad de Chicago, ll.
URL Recomienda:
* Comprar los boletos del concierto, avión y hospedaje con anticipación en caso de que decidan no comprar el paquete que ofrecen algunas agencias de viajes.
.
. *Los hoteles que parecieran estar muy lejos, no lo están, y la mayoría tienen servicio de shuttle a alguna estación de metro o al aeropuerto.
Recomendamos investigar muy bien este tema.
*Si vas a viajar en el metro, existe una tarjeta que
puedes comprar para viajar durante 3 días.
*Se recomienda el uso de bloqueador solar.
*Manténganse hidratados.
*La ropa ligera también es factor para que el calor no disminuya sus energías.
*Uso de gorras y sombreros es válido.
*Tener espíritu de convivencia, ya que en Lollapalooza puedes conocer gente de muchos lugares del mundo.
* Llevar tu programa con las horas de las presentaciones, para estar en tiempo y no perderte a los artistas que quieres ver.
* Ganas de disfrutar uno de los mejores festivales de música.
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A lo largo de lo
s años el Skate mexicano se ah id
o consolidando
de la mano de m
uchas marcas (e
n su mayoría
extranjeras) y de
personas que no se rinden ante nada, hoy por h
oy vemos frutos
de todo ese sudor d
erramado y de ta
ntos años de picar piedra.
Los mexicanos por naturaleza somos chingones y ante nada nos
rendimos, así que era obvio que tarde o temprano nacería una marca
mexicana dispuesta a apoyar el talento nacional, suena difícil de creer
y para cualquiera seria casi imposible, pero la realidad es otra y eso
fue lo que Joel Cortes “Renol” y su socio Sergio Méndez demostraron
al crear la única marca de Footwear para Skate mexicana llamada
“Casta propaganda”.
Recientemente visitaron la Ciudad de México para ver a 2 de sus riders dejar el alma en las rampas de La Fuente Skate parck en el Pasado contest del AMPA “Mexico Patina” dejando a Michael Schott en 3er lugar, URL tuvo la fortuna de entrevistar a Renol:
URL:¿Como fue el proceso para concretar la marca?
Renol: Fue algo largo pues nos tomó un buen tiempo decidirnos
por el nombre que gracias a amigos y algunos miembros del team
pudimos definir, el logo estuvo a cargo de Teddy Kelly otro gran amigo
y uno de mis Artistas favoritos, el es de Mazatlan Sinaloa pero vive en
California así que me tocó ir con el a estarle dando lata diariamente
hasta que sacamos la idea jeje.
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URL: ¿Tiene
a l g ú n s i g n i f i c a d o
el nombre Casta Propaganda?
Renol: Casta significa en los diccionarios algo así como -Un grupo
de personas que conviven entre ellas sin mezclarse con las demas- y es una palabra que
se utiliza mucho positivamente así que una vez que nos propusimos ese nombre ya no salió de nuestras cabezas pues nos gusta pensar que gracias a las influencias de la marca como son el Skateboparding, la música y el arte urbano en vez de ser algo negativo como la mayoría de la sociedad puede pensar, nosotros creemos que es algo positivo y tratamos de transmitirlo cada que podemos “La calle es libre! y lo de propaganda lo usamos porque simplemente es la manera en que la marca hace toda su difusión
URL: ¿Como es el proceso creativo y
cuanto tardan en diseñar un nuevo tenis?
Renol: Un tenis es todo un trabajo de equipo normalmente yo propongo alguna idea y se la mando al team y a los diseñadores y ya con su ayuda vamos puliendolos, corrigiendo cosas o agregando otras, poco a poco toma forma hasta llegar al resultado final, puede durar hasta 4 meses este proceso.
URL: ¿Que opinas de la escena skate nacional?
Renol: Ha madurado mucho los ultimos años, la escena ha crecido demasiado y va bien pues cada vez mas las marcas grandes le apuestan a México pero hace falta mucho mas.
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URL: hace un casi un año formaron
parte del Not Been Done, ¿como fue para ustedes formar
parte de este evento?
Renol: Fue hasta el momento el proyecto mas grande para casta como marca, y fue una experiencia de ensueño para todos, el viajar en 1 van de Leon a Los angeles California, deteniendonos en cada ciudad a grabar en las calles, ¿que mas podriamos pedir? gracias a esto pudimos llegar a muchisima gente y tuvimos menciones internacionalmente sobre nuestro corto desde costarica hasta españa, eso nos llena de orgullo.
URL: ¿Quien fue el primer rider que decidieron sponsorear y por que?
Renol: La verdad no hubo un 1er patrocinado como lo mencione anteriormente.
URL: ¿Tienen algún objetivo? digamos no se inspirar a los chavitos a patinar o algo por el estilo?
Renol: Hacer tenis para la banda, ser originales, ser autenticos es muy importante para nosotros creemos que la banda lo esta viendo y por eso le gusta la marca.
URL: ¿Por que la calle es libre?
Renol: Es un mensaje que decidimos transmitir y que nació una tarde en una sesión
de fotos había muchos niños jugando en bici y a la pelota estorbandonos, yo le estaba gritando a una niña que
estaba dentro de mi encuadre -Niña quitate!- y sorpresivamente ella me contesta -Que! la calle es libre!- jaja no pudimos nadie de los presentes decir algo en contra de eso y se nos pego la frase hasta que decidimos hacerlo nuestro slogan pues en realidad se ha convertido en algo emblematico de la marca, pues el skateboarding, el Rock, el arte ¡nace de las calles! hay que darle libertad!
URL: ¿Cuanto tiempo les tomo grabar el cortometraje?
Renol: Lo grabamos en poco mas de 1 mes y se edito en otro tanto y con las fechas del festival encima, al final el resultado fue muy bueno Victor Alcantara el director logró una pieza original destacando todo lo que vivimos de una manera loca con un collage de imagenes y personajes que encontramos a lo largo de nuestro camino, al final todos quedamos contentos con el resultado dejandonos una de nuestras satisfacciones mas grandes en nuestras carreras tanto al team y a mi en lo personal con el trabajo de foto fija que logré.
URL: A raíz de ¡La Calle es Libre! ganaron muchos fans (incluyéndome) incluso fans que ni patinan ¿alguna ves pensaron que esto podía pasar?
Renol: Definitivamente no lo pensamos haha Mamas, tíos, abuelitas, monjitas, policias, en general hemos recibido muy buenos comentarios de gente que nunca pensamos que le pudiera interesar y al contrario siempre nos dicen que gracias a el corto de la calle es libre han logrado entender el “Feeling” del skateboarding. se imaginan? son cosas que para nosotros no tienen precio!
URL: ¿Se aventarían a organizar un concurso?
Renol: Algún día aunque no hay fecha todavia jeje
URL: Ya por ultimo, ¿planes a corto plazo, llámense demostraciones, tour, nuevos modelos?
Renol: Por el momento estaremos grabando para algunos comerciales y estamos por anunciar 2 modelos nuevos que todavía no puedo darte mas información, pero a partir de julio de este año en www.castapropaganda.com.mx anunciaremos.También estaremos exponiendo en el Chou Room en Guadalajara del 19 al 22 de julio de este año! los esperamos!
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MICHAEL TRENT REZNOR Por: JOY @hero9105
Biografía
Allá por el año de 1965, es decir hace 46 años, nació Trent Reznor en el poblado de Pensilvania, Estados Unidos. El genio detrás de Nine Inch Nails, es un músico
multiinstrumentista, compositor y productor también, quien es considerado como uno de los artistas más trascendentales para la escena del rock alternativo actual.
Criado por sus abuelos a partir de los cinco años y después de la separación de sus padres, Reznor comenzó a interesarse en el arte. Música, literatura y la televisión, fueron los encargados de hacer estallar la bomba de creatividad que Trent llevaba en su interior.
¿Cómo? Al hacerlo imaginar todas aquellas cosas que podía conocer al explorar el mundo. Siendo un niño solitario que no encajaba en ningún lado, convirtió en su mayor deseo el hecho de escapar de su pequeño pueblo y conocer el exterior.
Inició tocando en algunas bandas independientes como tecladista y saxofonista, se involucró en el teatro, tiempo después inició la carrera de Ingeniería en Computación pero después de un año abandonó la universidad para dedicarse de lleno a su carrera musical. Influencias Reznor ha declarado ser seguidor de bandas ícono como los extravagantes Kiss y los metaleros Ministry, también está fuertemente influido por David Bowie y su Ziggy Stardust , quien a su vez ha elogiado a Trent comparando el impacto de NIN con el que tuvo la legendaria banda de rock The Velvet Underground. Por otra parte, gracias a Gary Numan y a su disco The Pleasure Principle, Reznor nunca hubiera entrado al mundo de la música.
Se puede decir que, tanto Bowie como Numan son las más importantes influencias de Reznor, tanto así que han compartido escenario en distintos conciertos y festivales alrededor del mundo. Nine Inch Nails Su máximo proyecto inició cuando Reznor consiguió trabajo de mantenimiento en Right Track Studio, estudio de grabación que ahora es conocido como Midtown Recording. Su jefe y dueño del estudio, Bart Koster, le concedió a Trent usar las instalaciones en las horas libres para grabar algunos demos que posteriormente se convertirían en el primer álbum de Nine Inch Nails, nombrado Pretty Hate Machine. Nine Inch Nails nació en Cleveland, Ohio en EUA en el año de 1988. El único miembro oficial es Trent, quien después de grabar los álbumes, contrata a un grupo de músicos para irse de gira.
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Por: Eunice Rugama @jessicaeunice
EL IR Y VENIR DEL PERFORMANCE
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El perfomance es un trabajo que constituye las acciones de un individuo o grupo en un lugar determinado y durante un tiempo concreto, cuya acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener la duración que el performer deseé.
Este evento artístico es una forma de ser y estar en el espacio, expresando cualquier suceso propio de la vida cotidiana. Sus principios están basados en cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo del performer y la relación entre él y la audiencia.
De acuerdo con Germán Martínez, director de teatro, el perfomance contrasta del teatro y el cine, debido a que omite un guión y se desarrolla a partir del entorno y personalidad del perfomer. No obstante, menciona que esta acción artística puede considerarse como arte al presentar su propia simetría, conformidad y armonía al exponer una pieza, como se le hace llamar a la representación en el perfomance.
Ejemplo de ello es el picnic formal de Pancho López , mismo que se ha presentado en diversos lugares como en el Centro Histórico, el aeropuerto, entre otros. De modo que el picnic formal, como su nombre lo indica, refiriere al hecho del comer en un picnic, expresándose en cualquier sitio en el que pueda montar un mesa, una silla, una copa, velas y por supuesto un platillo digno de un picnic formal; en otros casos, la representación de la diva como ícono de Eugenia Chelet, aludiendo a las acciones de éstas como una forma de divinidad, así la artista se refiere a diversas divas del cine en bailes y actitudes propias de éstas.
De este modo, el perfomance puede verse como una actividad vana por su actitud despreocupada al presentarse en lugares insospechados, sin embargo, esta actividad requiere una compleja disciplina, ya que el performer se representa a sí mismo ante ningún tiempo y ningún libreto establecido, menciona Germán. El performance retoma a la creatividad y la emplea en diferentes expresiones artísticas como la música, la gestualidad, la fotografía, la escritura y la plástica con el propósito de comunicar diferentes emociones, actitudes, sueños o realidades de los perfomers encerrados en sí mismos, para convertirse en una visión global de un hecho emocional o racional que se explica en un instante.
Por: Eunice Rugama @jessicaeunicePERFORMANCE
Vicente GayoVicente GayoVicente GayoVicente Gayo26 Encore
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Vicente GayoPor: Samantha Núñez @unacosapandrosa Fotos: Frida Escobar
En portada
Vicente GayoVicente GayoVicente Gayo
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EExisten bandas que cuando las escuchamos en discos, en su myspace o youtube, en fin, cualquier medio electrónico, nos pueden parecer, irreales, complejas, inusuales e incluso
podemos darles la vuelta porque no logramos entender su “onda”. Pero una vez que tenemos la oportunidad de verlas en vivo es como si todas las piezas del rompecabezas encajaran y todo cobrara significado. Es así como descubrimos a los grandes exponentes del momento, una de esas bandas sin duda es: Vicente Gayo.
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Llegamos al estudio que se encuentra en la Roma y lo primero que vemos al entrar es una gran batería y guitarras, en el cuarto de atrás se encuentra Alan ajustando algunos cables para sus próximas tocadas, una gran pantalla, consolas, los famosos juguetes, miles de stickers y un sillón. Poco a poco van llegando los demás integrantes de la banda y por un momento todos olvidamos la entrevista comenzando a platicar de cosas más casuales, su hospitalidad y la buena onda que se traen entre ellos demuestra que más que ser una banda, son grandes amigos.
Estos cuatro chicos, inquietos por crear y conocer más, siempre están en búsqueda de nuevos sonidos. Javier fue quien descubrió el circuit bending y todos aceptaron incluirlo en su sonido. “
La ejecución es distinta y difícil coordinar y componer con esos elementos. En vivo los ampliamos y los reproducimos desde un PAD, a veces sí lo hacemos en tiempo real pero todo depende del set, donde vayamos a tocar y cuánto tiempo tenemos para tocar. Hace unos meses hicimos todo un set sólo de circuit bending que fue con visuales y el audio igual estaba generado de instrumentos modificados. Es un reto hacerlo y acoplarlo a una banda”.
Una banda tan peculiar en su manera de hacer música tiene un concepto peculiar para definirla: “La música es expresar lo que sienten, expresar lo que les gusta”. “Para mí la música es la personalidad de los cuatro”. ”La manera más fácil y a la vez la más completa de poder llegar a cualquier parte del mundo”.
Esto nos llevó a preguntarnos cuál es su parte favorita de ser Vicente Gayo, a lo que Alan, sin pensar dos veces, contestó: “hacer lo que te gusta, crear música, proponer y salir a tocar”. Josué más reflexivo tomó su tiempo y respondió que su parte favorita de integrar esta banda es abrir la expectativa en cuanto a creatividad: “A mí como elemento del grupo me hace sentir con ganas de aprender más cosas, siempre quieres hacer algo má, me despierta creatividad”.
Armando, con la sonrisa y sencillez que lo caracterizan, asegura que para su parte favorita es salir a tocar a provincia o al extranjero, llegar a otro estado y que la gente le diga por su nombre, que lo conozcan es lo que más le gusta de formar parte de Vicente Gayo.
“Salir y tocar en otras partes que nunca imaginé que fuera a conocer y gracias a mis amigos con los que toco, gracias a Vicente Gayo, a nuestra música. Conocer gente y conocer más grupos, tocar en festivales con bandas que jamás pensé ver en mi vida y dejar un mensaje cuando alguien se te acerca y te dice que le dejaste algo positivo y están en ese mismo “mood” que tú, con las ganas de hacer un cambio” finaliza Javier.
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La plática se iba tornando cada vez más interesante y no podíamos dejar de lado el hecho de que cada vez surgen más festivales musicales en el mundo y estos talentosos chicos han tenido la oportunidad de participar en varios como parte del Line-up y también como público. Así fue que, con toda la creatividad que los caracteriza, los Vicente Gayo nos dijeron cómo es que ellos armarían un “Vicente Gayo Fest”:
• Seria en carpas pequeñas.•Sería en distintos días (viernes a domingo). • Siempre pensar en la gente, en el público y un lugar donde puedan disfrutar de las tocadas. • Un cartel de bandas no tan conocidas pero que estén proponiendo. • Bandas mexicanas. • Horarios más leves. • Accesible en cuanto a precios. • Una carpa donde haya lo que nosotros queremos promover que es hacer un cambio, que la gente haga lo que quiera y le guste, que haya exposiciones y todo lo que envuelve a la música desde sonido hasta visual, mercancía de las bandas, discos, acetatos, lograr que la gente vuelva a hacer lo que hacía antes; sentarse y en verdad escuchar un disco. • No pensar que por ser un festival sólo es de rock, también hay bandas que tocan hip-hop, reggae, querríamos unir a esas escenas musicales, esas culturas, que pueda ir cualquier tipo de gente.
Además de creativos, esta es una banda de cuatro jóvenes conscientes de su situación, el país donde viven y la manera en que esto les afecta. Es por eso que Armando, Alan, Javier y Josué se muestran serios pero seguros de lo que tienen que hacer, pues aunque es un hecho que el cambio no lo van a lograr ellos solos, aseguran que el cambio empieza por uno mismo y hacer las cosas bien, haciendo lo que te gusta y no quejándote. Se inicia si tú marcas un cambio al principio y así, poco a poco va a ir un grupo de gente cambiando su mentalidad.
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Quizá tú haciendo música vas a influenciar a alguien que quiere ser diputado y tiene las mismas ideas que tú y de una u otra manera poco a poco va a ir cambiando esto, no podemos combatir lo negativo con más negativo, nosotros nos quejamos pero hacemos música que puede generar un cambio. Aportamos lo que podemos y nos comprometemos con nuestra música y con la gente a la que le gusta nuestra música, en vez de quejarnos, comentan Javier y Armando.
¿Cómo suena Vicente Gayo?
Vicente Gayo suena a la película que más inspiró a Javier, “Redemption: The Stan Tookie Williams Story, que trata un hombre de raza negra que crece en los años 40 con todo el problema de discriminación y racismo, crea un movimiento en los 70 que son como pandillas, es mucha violencia lo que sucede y él termina en la cárcel, ahí escribe un libro de todo lo que había vivido y ese libro gana el premio Nobel a la Paz. “Lo que yo veo ahí es que cuando una persona realmente quiere lograr un cambio, lo puede lograr”, afirma Javier.
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Vicente Gayo suena a uno de los libros favoritos de Josué: “El Principito, para mi habla de la sencillez y cómo uno viene al mundo, cómo es que no nos damos cuenta de la sociedad que esta maleada y tú todo lo ves bien porque no aprendes nada de la malicia de la gente, cómo todo puede ser sorprendente y uno le deja de dar esa importancia conforme va creciendo, todo se vuelve material y no ve lo que hay más allá. Es uno de mis libros favoritos”.
Vicente Gayo suena a uno de los personajes que ha inspirado la vida de Armando: Alejandro Jodorowsky “Aprendí bastante en sus libros. Mi favorito es Psicomagia porque es donde engloba todo el cotorreo que trae”.
Vicente Gayo suena al momento de la vida en que Alan decidió qué rumbo tomar: “Cuando me salí de la escuela, fue el momento que marcó que ya iba a hacer música, fue en la mitad de segundo de preparatoria cuando decidí salirme e ir a estudiar cursos”.
Todos estos momentos individuales y personales se fusionan para lograr el sonido de la banda en su conjunto: Vicente Gayo.
Para finalizar Javier nos cuenta de un proyecto individual que tiene pendiente: “Tengo un proyecto que nunca he sacado pero que está ahí, creo que en algún punto lo voy a sacar, he grabado y tengo muchas cosas, se perdió la música que tenía pero voy a intentar hacer otras cosas. Se llama Javier Sánchez, igual que yo”.
Estos fueron los Vicente Gayo una banda bastante agradable y talentosa, con muchos proyectos y mensajes bastante interesantes que quieren transmitir.
No olviden irlos a ver en vivo!
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AÑOS DE APOYAR AL ROCK
Por: Erick Castro Agradecimiento Especial a: Iván Guadiana
(Management/Gerente)
VEINTE
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VEINTE Catalogado como la casa del rock en Monterrey, el Café Iguana se ha distinguido por el apoyo a la escena del rock nacional e internacional, siendo un ejemplo a seguir para muchos de los
establecimientos, no solo locales, sino foráneos que han seguido la misma fórmula para cosechar grandes éxitos como los que este lugar ha tenido.
Fundando el 9 de mayo de 1991 por Rodrigo Ríos “Funny”, la intención realmente fue formar un establecimiento de café donde la gente pudiera pasar un rato agradable disfrutando de actividades culturales como la lectura de poesía o danza contemporánea.
Debido a que las máquinas de café no llegaron a tiempo, el dueño se vió en la necesidad de comprar cerveza para poder atender a la clientela que asistió el lugar. Siendo la mitad del espacio de lo que es hoy el Café Iguana, los artistas empezaron a pedir un espacio donde pudieran expresar su trabajo a la gente, donde el rock empezó a consumir la mayor parte del tiempo, siendo él mismo el que empezaba a llenar el establecimiento de gente.
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Tras la popularidad y crecimiento en el número de asistentes, “Funny” se ve en la necesidad de ampliar el establecimiento, que se ha caracterizado por el apoyo que le brindan a las agrupaciones de distintas partes del mundo, que en aquellos momentos hacían que el lugar reventara.
Manejando la filosofía “Primero el artistas, después el bar”, muchos de los músicos empezaron a creer en el proyecto, debido a la desconfianza que actualmente ronda por el medio de la musica, gracias a los promotores o establecimientos que de alguna manera u otra afectan los bolsillos de las bandas
En el 2003 el lugar se transforma y crece. Toma como parte del lugar, el estacionamiento de lo que antes era la Hacienda San Miguel para realizar el espacio de conciertos, donde se consolida como el mejor espacio de rock de la ciudad.
Sin una gran nómina, el equipo del Café Iguana aumenta debido a las necesidades que el lugar requería, dando así una fuente de empleo importante para muchas personas que radican en Monterrey.
El Café Iguana ha visto crecer a bandas como Jumbo, División Minúscula, Kinky, Plastilina Mosh, Maligno y muchas otras agrupaciones que se han apoyado en este lugar para proyectar su música a la gente.
Una de las situaciones más difíciles por las que ha pasado el Café, como se le conoce coloquialmente, fue en el 2003, donde la administración del municipio de Monterrey llegó, literalmente a cerrar el establecimiento a unos minutos de que Zoé se subiera a tocar al escenario; donde había aproximadamente más de 1100 personas esperando el evento.
El lugar estuvo a punto de cerrar por un largo tiempo en el 2007, debido a los sucesos de violencia que empezaban a formar parte de la vida cotidiana de esta ciudad y donde la misma gente le pedía a la gerencia del Café Iguana que no deseaba que el lugar se llenara de esta clase de ambientes que estaban presenciándose en todo el Barrio Antiguo. Más de 3 mil artistas se han presentado en el Café Iguana, de los cuales podemos mencionar algunos como: Gustavo Cerati, Babasónicos, Rata Blanca, Misfits, Zoé, L.A. Guns, Sepultura, Brigth Eyes, Apocalyptica, The Sounds, Stratovarius, Bersuit Vergarabat, The Whitest Boy Alive, por mencionar algunas de las tantas agrupaciones que han estado presentes en el lugar.
El gran equipo del Café Iguana liderado por “Funny”, ha hecho del Café Iguana un lugar mítico para muchos de los seguidores del rock, incluso es un lugar de referencia en la ciudad y para el rock internacional.
Son 20 años de muchas experiencias y para celebrarlas, el lugar ha realizado durante todo el mes de Mayo presentaciones gratuitas de grupos como Inspector, El Gran Silencio, Jumbo, Plastilina Mosh, División Minúscula y muchos otros artistas, a manera de agradecimiento hacia los seguidores del lugar por asistir cada noche a pasar un rato especial.
Larga vida al Café Iguana.
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SCREAM 4 Por: Selene @ @selene_tajin
SCREAM 4
Cuarta entrega de la saga “Scream” que nos deja muy en claro que las secuelas de películas de terror suelen ser de mala calidad cinematográfica.
Esta ocasión parece que la cinta es más un capricho del director Wes Craven, que dirigiera las 3 entregas anteriores, que un intento por revivir la franquicia que tuvo su punto álgido a finales de los años 90.
Esta cuarta película deja sobre entendido que el mayor provecho del argumento se exprimió en Scream 3 y en esta parte quedaron sólo malos intentos de escenas de suspenso que en vez de causarte algún tipo de temor, provocan risas en la sala de cine, generando un poco de confusión al atinar si estás viendo Scream 4 o Scary Movie.
El filme cuenta en su mayoría con el reparto original: Neve Campbell (Sidney Prescott), Courteney Cox (Gale Weathers), ambas actrices de apariencia mucho más madura, indudablemente, y David Arquette (el Sheriff Dewey Riley); además de jóvenes destacados como Emma Roberts y Hayden Panettiere, que evidentemente pasan a segundo plano frente a los actores que aparecen en toda la saga.
La historia de esta entrega se basa en recordar que han pasado 10 años desde que iniciaron los asesinatos en Woodsboro, un poblado que aparentemente ha recuperado su tranquilidad y a donde Sidney Prescott regresa como una escritora exitosa, ya que se encuentra en gira promocionando su último libro. En su llegada a dicho lugar se encuentra con el aniversario de los asesinatos cometidos por el viejo conocido “Ghostface” y un par de jóvenes aficionados a las películas de terror celebran estos hechos, por lo que se generará una excelente oportunidad para iniciar una nueva ola de crímenes.
Lo más característico en esta trama es que se usan escenas más crudas, un ejemplo de ello es cuando matan a Olivia, una de las jóvenes integradas a la saga, donde se pueden ver las tripas saliendo de su estomago mal herido, o el hecho de matar a uno de los personajes con una descarga eléctrica y ver el cuerpo aún después de muerto con humo saliendo, estas son escenas que el director no había usado en las películas anteriores; además, refiriéndonos al guión, la historia se tropicaliza con nuestra vida cotidiana agregando elementos actuales como Facebook o elementos que inundan internet hoy en día.
Sin dejar de cumplir con tomas clásicas de la escuela de cine americana en películas de terror, retoma reglas básicas que crean tensión, como los planos donde los personajes se giran para descubrir que el asesino está a sus espaldas, la dirección es una
Por: Selene @ @selene_tajin
mezcla de escenas predecibles, acompañadas de un brutal final que finalmente muestra el sarcasmo de los remakes que se están haciendo actualmente en el cine de Hollywood.
En cuanto al soundtrack, las piezas musicales más destacables son propiedad de The Sounds y 6 Day Riot, ofreciendo ambas agrupaciones los sonidos de rock alternativo que los caracterizan, y claro, también se incluyen las piezas musicales clásicas para un cine de terror caracterizadas por sus tonos largos, que son excelentes puertas a la entrada del suspenso.
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125 A
ÑOS
Por: J
uan M
anue
l @ co
con_
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Estimados lectores de URL MAGAZINE, vamos a dar un pequeño giro a nuestra acostumbrada reseña sobre la lectura clásica, contemporánea, de suspenso, novela, poesía, entre otras.
En esta ocasión la recomendación será “los 125 años de Coca Cola”. Este libro que contiene 208 paginas cargadas de historia narradas a través de campañas publicitarias, imágenes, diseños, fotografía, latas, muchas latas, ediciones especiales, de colección y que indudablemente aun para los que nos negamos al codiciado refresco, podemos reconocer sus 125 años de historia que se dicen fácil. Su posicionamiento dentro de la cultura pop ha sido “una vieja escuela” para futuras generaciones y que conservan su estilo de unión…
Sin lugar a dudas para todos aquellos que gustan por tener una basta biblioteca, este libro de colección no puede faltar en nuestros libreros, tanto el contenido como la presentación del mismo acompañado de distintos eventos alrededor del mundo crean todo un entorno de inspiración, nostalgia, anhelos, sueños y deseos sobre nuestra historia.
Coca Cola se ha hecho presente en los momentos más representativos de la historia, ha logrado estar en cada rincón de este planeta, así como su posicionamiento como marca y sabor. No podemos negar que estas paginas de historia y arte encabezan como mencione antes, los festejos y aniversario de este “gaseoso refresco”, los invito a conocer sus paginas, diseño y a formar parte de tan prestigiada edición.
Figuran entre otros artistas y trabajos de CLOT, James Jarvis, G-Shock, native, Subcrew, Head Porter, Emeco, Jack Spade, TeNeues, Kotik, Maricart, Jean-Charles de Castelbajac, Foot Stool, así como ediciones especiales de Daft Punk y Karl Lagerfeld.
No olviden mandarnos sus comentarios y sugerencias, aquí les dejo algún material…, también pueden bajar una aplicación para Ipad!!!
Editores Assouline
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ROCK
SOUN
D
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Adele es una joven compositora, inglesa
con un gran talento musical, su voz
cautivadora ha logrado demostrar la
perfecta combinación entre autenticidad
y talento, a sus sólo 19 años debutó en
el año 2008 con gran éxito, logró ventas
mayores al millón de copias, admirable
para una cantante que no busca éxitos
a través de melodías fáciles o llenas
de ritmos repetitivos que aparecen
en los manuales de pop, ella crea su
propio estilo, definiendo su estilo como
“heartbroken soul” (soul de con corazón
roto). La narrativa y la sencillez de contar
cada una de las canciones combina el
“Brit soul” con bossanova, llevándola a
adquirir la autenticidad, distanciándose
de la posibilidad de convertirse en una
artista comercial, que no por ello deja de
vender miles de discos.
En el mes de enero de este año lanzó
al mercado en Reino Unido su segundo
álbum que lleva por nombre “21”,
producido tanto en Malibu, Estados
Unidos por Rick rubin, y Ryan Tedder,
como en Londres con Paul Epworth,
según la canta-autora Adele, decidió
darle este nombre por la edad que tenía
cuando hizo dicha producción
además como secuencia
cronológica de su primer disco “19”,
es en este último LP muestra su
crecimiento personal y profesional,
introduce las realidades de
una vida más adulta donde las
responsabilidades chocan con
angustia y cicatrices emocionales.
“21” ha sido considerado más
melancólico que el anterior por
una reciente ruptura amorosa
que tuvo con su antigua pareja
ADELE 21
Qué decir frente a una banda que ha marcado los mejores recuerdos de mi
infancia. El Surfer Rosa sonaba a todo volumen los domingos por la tarde,
en aquel entonces no sabía que es uno de los discos emblemáticos dentro
de la trayectoria de los Pixies, que pertenece según los críticos al rock
alternativo, tampoco tenía conocimiento que dicho álbum haría historia por
ser grabado en dos semanas, así como por contener una de las canciones
más covereadas: “Where Is My Mind?”, y la producción a cargo de Steve
Albini daba el sello distintivo a la banda al recurrir a técnicas alternativas o
mejor dicho rudimentarias para conseguir sonidos más reales.
Black Francis, Kim Deal, Joey Santiago y Dave Lovering lanzaron en 1988
el primer y único sencillo de éste disco: Gigantic. Todo el álbum contiene
canciones de corta duración que varian entre minuto y medio y la más
larga de cuatro minutos. Con melodías concisas, la banda definió su estilo
en la voz y los gritos de Francis, el bajo de Deal y la guitarra de Santiago, así
como la bateria de Lovering. Las letras giran en torno a la mutilación y el
voyerismo.
El Surfer Rosa fue una influencia para bandas posteriores en sonido, como
fue el caso de Kurt Cobain con Nirvana, The Smashing Pumpkins, PJ Harvey
entre otros. Es imposible negar el aporte de la agrupación a través de esta
producción discográfica, que no sólo definió su sonido sino su presencia
legendaria en los escenarios.SURFER ROSA
The Pixies
Esta producción es buena, debido a
que mas allá de ser pretenciosa suena
a que los chicos hicieron un trabajo
en el cual se divirtieron lo suficiente
como para poder realizar canciones
como “It´So Easy”, que mas allá de ser la
rola del año simplemente la escuchas
y el ritmo es muy contagioso. Una de
las rolas que menos me gusto fue
“Wish You Were Here”, siento que no
tiene nada que ver con la temática
en general del disco aunque también
vale la pena escucharla y así cada
quien pueda juzgarla.
SOMETHING TO DIE FOR
The sounds
Por Nadia Ximena @NadiaXimena
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S o m e t h i n g
To Die For; la
propuesta que
muestran en esta nueva
producción, es muy diferente
a lo que venían manejando en
los 3 álbumes anteriores, debido
a que el ritmo que se escucha en
este material es un pop-rock-dance-
electrónico (por intentar definirlo de
alguna forma), el cual no sigue una
constante entre canción y canción
sino todo lo contrario, ya que tiene
desde la canción que es muy bailable,
pasando por una que es mas rockera
y termina con una bastante popera.
Gracias a estos cambios de ritmos
dentro de la misma producción, la
banda se ha tenido que enfrentar
a críticas muy diversas desde el
que opina que es lo mejor que la
agrupación ha podido realizar hasta
el que considera que ese tipo de
cambios tan drásticos en una misma
producción hacen que la banda se
muestre con un material que no fue
preparado lo suficiente
Toca Hypnomango. Nace como
proyecto solista de René Rodriguez,
que luego de algunos años trabajando
y definiendo su estilo, logra grabar y
poner su material en circulación.
Ambientes un tanto arrastrados y una
cadencia mezclada de voz, guitarra,
percusiones y demás sonidillos y
arreglos, hacen que los beats de
Hypnomango rápidamente se vuelvan
amigos del movimiento de tu cabeza
o pies marcando el ritmo. Su sencillo
“El Mundo No Es Real” es una buena
prueba de ello.Su EP muestra signos vitales muy
estables, que no sólo con los riffs
súper intensos de guitarra, o líricas y
vocalizaciones muy bien elaboradas,
entiendes su concepto. De entre
muchas de las influencias y sensaciones
que transmite su estilo de música, el
compilado de tracks que Hypomango
presenta en su “bebé”, resulta un
verdadero paseo, un buen viaje, un
camino, o una alternativa musical que
te llevará a un lugar muy próximo al
destino que el autor pretende.
Si bien puede catalogarse dentro
de un estilo que, coloquialmente, se
le refiere como “música llevadera”, y
auténticamente transmiten algo de
eso. Música que con algunos tonos de
impulsos rockeros y toques de grunge,
hacen que en sus ondas sonoras, y
que en su acompañamiento, puedan
sumergirte, de una manera muy
apacible, a historias, y uno que otro
cuento que cuenta notas. .
HYPNOMANGO
Por Luis Antonio Ayala Fuentes
Esta producción es buena, debido a
que mas allá de ser pretenciosa suena
a que los chicos hicieron un trabajo
en el cual se divirtieron lo suficiente
como para poder realizar canciones
como “It´So Easy”, que mas allá de ser la
rola del año simplemente la escuchas
y el ritmo es muy contagioso. Una de
las rolas que menos me gusto fue
“Wish You Were Here”, siento que no
tiene nada que ver con la temática
en general del disco aunque también
vale la pena escucharla y así cada
quien pueda juzgarla.
SOMETHING TO DIE FOR
Por Montserrat VallecilloThe sounds
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Clash y los Ramones, afirmaciones
que no me han parecido del todo erradas
al escuchar con atención el disco, pues
en más de la mitad del disco no dejas
de recordar algunas melodías de ambas
bandas. Simplemente los sencillos “If you
wanna” y “Under Your Thumb”, resulta
poco imposible no reconocer a The
Smiths en “Post Break Up Sex”.
Ahora la pregunta sería: ¿acaso han
llegado a considerarse como la banda a
liderear el rock “indie” gracias a que tienen
detrás a los managers de bandas como
Franz Ferdinan y Kaiser Chiefs, además
de haber sido ganadores del Premio MTV
a la mejor banda a principios del 2011?
Para responder a ello no queda más que
esperar un segundo álbum en donde
podamos saber si era una simple chispa
que se valió de los sonidos clásicos de
rock o si en realidad son una banda que
se está formando y tiene un propuesta
propia.
Una banda que no ha sido muy sonada
en la radio, de la cual no conocemos
mucho, pero que en cuanto escuchas
este álbum homónimo con el que
debutó en el año 2009, te encuentras
con el sonido que caracteriza a las
bandas inglesas de rock indie.
Una banda juvenil, formada en el año
2005 por jóvenes veinteañeros: Romy
Madley Croft (voz) y Oliver Sim (bajo)
amigos desde la guardería y Jamie
Smith (ritmos y producción). Todo el
conjunto se conoció en Elliot School,
un colegio del sur de Inglaterra,
incluida Baria Qureshi, una guitarrista
que a finales del año 2009 abandonó
la banda; de este episodio resulta
curioso que la banda no buscó un
reemplazo, simplemente decidieron
continuar y quedar como un trío
musical.
Un punto más de admiración a esta
banda es que aunque la banda
había trabajado con dos productores
diferentes, en su álbum ellos fueron
productores propios, dándole
un mayor estilo underground e
independiente.
Tal vez se deba a que sus ensayos
eran de noche, lo que los llevó a
producir el sigilo de sus canciones;
tonos íntimos, sonidos obscuros,
minimalistas propias del género indie
pop, dándole un papel importante al
bajo y a las cajas de ritmos.
De este disco eligieron las canciones “Basic Space” y “Crystalized” como primeros sencillos, y esta última tomó por una semana el primer lugar en las canciones más buscadas en Itunes.Su música también ha sido utilizada en varios promocionales publicitarios como HBO, AT&T y NBC, así mismo en series televisivas como Cold Case, Law & Order, Lie To Me y Grey´s Anatomy,incrementando su reconocimiento a nivel
mundial.
XX
por Selene
Vivian Girls es una agrupación que
nació en Brooklyn, Nueva York (EEUU),
cuyas integrantes Cassie Ramone, Katy
Goodman y Fiona Campbell, tratan de
crear un sonido particular, que aunque
con tintes de Punk Rock en sus inicios,
en “Share The Joy” exploran otras
atmósferas. En esta nueva producción, presentan
algunos sonidos diferentes, los cuales
podemos percibir que se acercan mucho
al concepto de Dream Pop, empleando
algunos puentes melódicos como los
incluidos al principio de “I Heard You Say”.
The XXSHARE THE JOY
Vivian Girls
Por momentos el disco se torna
repetitivo. Mucho ruido pero nada que
motive a mantener el interés. Es el mismo
tono de voz canción tras canción y muy
predecible en cuanto a melodías se
refiere. Lo anterior se puede notar en el
cambio de “Vanishing Of Time” a “Death”.
Realmente aburrido todo lo que pasa
después de la primer canción. El tercer
disco en la carrera de toda banda es
importante para consolidar su camino,
pero con Vivian Girls al parecer fue todo
lo contrario. Más que buscar algo que
las hiciera brillar -tal y como lo habían
hecho con su disco homónimo y con
“Everything Goes Wrong”- las chicas de
Brooklyn denotan otro interés, que tal
vez tenga que ver con llegar a un público
más amplio. La batería es el elemento a rescatar
dentro de los poco más de treinta y cinco
minutos de duración de este material,
que en lo general, no pasa la prueba del
añejamiento.
por Fraskote
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Blue Songs no es un mal disco, simplemente la agrupación dejó una expectativa muy alta debido a su disco debut. Esta producción es digna de ser escuchada y que ustedes mismo saquen sus conclusiones acerca de la propuesta que trae esta banda.
Lo único que puedo decir es que el disco en definitiva no es uno de mis favoritos, pero aun asi sigo siendo Fan de este proyecto y esperaré ansiosa la siguiente propuesta que lancen al mercado.
Después de su primera entrega titulada A Guide to Love Loss & Desperation, el trío de Liverpool regresa con This Modern Glitch. ¿Por qué nombrarlo así? La verdad es que no lo sabemos, pero algo que sí sabemos y que tenemos muy claro es que The Wombats no hace música sólo por hacerla.
Y es que en esta nueva producción, podemos escuchar 10 nuevas rolas de muy buen rock británico. Rolas que no pierden el estilo bailable y pegajoso que caracteriza a la banda. Buenos guitarrazos, un potente bajo y la batería sincronizada al ritmo de los elementos electrónicos añadidos a cargo de los teclados y sintetizadores, crean un ambiente lleno de buena vibra, todo acompañado de una voz tan energética que nos incita a corear cada una de las canciones del This Modern Glitch.
Podemos darnos cuenta, si ponemos atención al disco, que la mayoría de las rolas tienen algo en común: una tendencia o efecto grower, es decir, comienzan con un ritmo lento y tranquilo que termina convirtiéndose en un estallido de sonido armoniosamente bien acoplado.
Desde el año pasado tuvimos la oportunidad de escuchar Tokyo (Vampires and Wolves) como el primer sencillo, seguido de Jump Into The Fog, Anti-D y Techno Fan, canciones que ya tienen videoclip y que podemos ver en el canal de YouTube de la banda.
por Joy
Dos trabajos anteriores, Air & Lack Thereof (2009, Hemlock Recordings) y The Bells Sketch (2010, Hessle Audio), fueron la base para que este cantautor británico esté en boca de todos este año 2011 con su álbum debut homónimo. Con 11 cortes minimalistas y con la sorpresa del cover “Limit To Your Love” de Feist, realmente mágico, nos da una probadita de lo que será su álbum debut. “James Blake” tiene un aire de confort y placer, con toques minimalistas que se pueden apreciar en su totalidad dentro del el album. Definitivamente las melodías te mantienen en las nubes con ese soul magnífico del cual no quieres bajar y mantenerlo en punto neutro.A pesar de ser considerado dentro del movimiento Post-Dubstep, James Blake tiene influencias desde Massive Attack, como lo podemos escuchar en su tema “I Mind”, donde la electrónica está presente diminutivamente sin caer en las etiquetas que dentro de esta industria musical podemos considerar, pues desde electrónica hasta un soul, así como elementos básicos como pianos con sonidos naturales, está muy presente en este disco, como ejemplo lo podemos escuchar con lapsos de simpleza en el track “Give Me My Month”. Y esos silencios continuos en “Lindesfarne I”, que se mantienen en el soul abriendo camino hacia el vacío, como si te fuera a tragar.
Cada canción, cada letra, al final te devuelve a ese soul con aires de Gospel presente en “Measurements” y en la totalidad de las canciones, haciendo a un lado al Pop, sin embargo, de que está presente su esencia lo está, y a un paso muy corto. James Blake ha subido como la espuma y sobre todo por esa accesibilidad a todo tipo de público, y hemos visto el éxito que ha conseguido con este acaparamiento, demostrando que su álbum no presenta limitaciones. El disco es una delicia, un aeroplano que se mantiene en punto neutro. Las melodías son lentas, cálidas, soñadoras, son un trance e identificación en temas como “Wilhelm Scream”, donde nos damos cuenta que Blake ha ido un paso más allá que en sus EPs y vemos que utiliza la voz como un instrumento más en su música y que esto es la tónica del disco. Definitivamente el álbum me ha encantado y puedo afirmar que James Blake es un candidato especial para que este 2011 se siente en la cúspide como de los mejores materiales en este año.
Estamos delante de uno de los nombres y de las grandes revelaciones de 2011. Canciones: Wilhelm Scream , I Never Learnt To Share , Why Don’t You Call Me
PorPamela Ascencio @heywera
En fin, un buen regalo para todos nosotros los melómanos que disfrutamos de la buena música en la liga del rock.
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La eterna melancolía que acompaña a Grohl se expresa en la canción “I Should Have Know”, la cual escribió y dedicó a un amigo llamado Jimmy Swanson, que falleció a causa de una sobredosis en 2008.
Canciones melódicas más acercadas a lo que nos tenían acostumbrados los Foo son “Walk” o el primer track del disco, “Bridge Burning”.
En lo general, “Wasting Light” es un buen álbum, que refleja completamente el rumbo que quisieron retomar los Foo Fighters y que a través de una buena producción a cargo del jefe Butch Vig, lograron captar en este LP compuesto por 11 canciones.
FOO FIGHTERSWasting Light
Cuando se dijo que Butch Vig sería el productor del disco número siete en la carrera de Foo Fighters, inmediatamente las especulaciones sobre el parecido que pudiera llegar a tener con el “Nevermind” de Nirvana –último trabajo de Grohl con Vig- fueron muchas, o que al menos alguna similitud -en cuanto a sonido se refiere- se hiciera presente en el nuevo álbum. Después de escuchar una y otra vez “Wasting Light”, se puede afirmar que aquellas suposiciones no trascendieron.
Con lo anterior no se pretende decir que la nueva producción discográfica de los Foo es mala, sino que simplemente no será el trabajo por el cual recordaremos en la historia de la música, a la banda liderada por Dave Grohl.
Lo que es un hecho es que el disco está enfocado a retomar el concepto de banda de Rock. Desde el punto de utilizar equipo análogico y ser grabado en el “Garage” de Dave Grohl, hasta la incorporación de Krist Novoselic en el bajo para la canción “I Should Have Know”.
El disco posee esos elementos que pudieran ser considerados como añoranza al pasado o interés real por regresar a sus más profundas raíces.
Las canciones “Rope” y “White Limo”, son poseedoras de escalas de guitarra potentes, en las cuales podemos identificar ese intento por hacer Rock al estilo de la vieja escuela. Las líneas de baterías en ambas melodías son remarcables.
Reco
men
daci
ónde
l mes
por Frasko @fraskote
por Frasko @fraskote
Supongo yo, que Yannis, Jack, Jimmy, Edwin y Walter, integrantes de la banda inglesa Foals, quedaron maravillados con el público mexicano el pasado 16 de octubre allá en la curva cuatro del Autódromo Hermanos Rodríguez cuando tocaron en el Festival Corona Capital. Pero, al igual que ellos y según mi percepción, nosotros también quedamos extasiados con aquella presentación.
No pasó mucho tiempo para que el anuncio se hiciera público, Foals regresaría a tocar a nuestro país el 11 de mayo en el José Cuervo Salón.
El día llegó y con él, las largas filas de fans comenzaban a formarse afuera del recinto. En punto de las 7:15 de la noche las puertas abrieron y el acceso general comenzaba, pero no fue hasta una hora después cuando Vicente Gayo iniciaba como banda telonera del quinteto inglés.
Las luces se apagaron después de la presentación de los oriundos de Ciudad Satélite, para dar lugar a la presentación de Foals que iniciaban con Blue Blood, una espléndida rola que coreamos todos los asistentes. En seguida los ingleses nos pusieron a cantar, bailar y brincar como locos con Olympic Airways, Total Life Forever, Cassius, Balloons y Miami, mientras demostraban, con sonrisas, la alegría que sentían gracias a la calurosa respuesta de su público azteca. After Glow y Black Gold siguieron con la fiesta. Minutos después, uno de los momentos cumbre de toda la noche llegó: Spanish Sahara comenzaba a sonar y con ello, la gente se comenzaba a tranquilizar. Una que otra lágrima derramada se vió y el José Cuervo Salón tenía una sola voz.
Posteriormente, sonaron rolas como Red Socks Pugie y Electric Bloom, y se apagaron las luces.
Ya al final y después de pocos minutos, la banda se dió el lujo de interpretar tres rolas más: The French Open, Hummer y Two Steps, Twice para terminar con una excelente presentación.
FOALSVive Cuervo Salón
Por Joy @hero9105Foto: Ocesa
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THE MOONWALKER
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THE MOONWALKERpor Frasko @fraskote
Una historia llena de matices, pero marcada siempre con las constantes del éxito y la espectacularidad, además de que, con la exposición mediática que poseía, fue
relacionado en algunos de los más grandes escándalos en la historia de la música. Michael Jackson fue un músico no solo de moda, sino que se ha convertido con el paso de los años en el ícono y figura más representativa de la historia del pop, de todos los tiempos.
Michael Jackson “The Moonwalker” cumple, en este mes de junio (25-06-2009), dos años de haber abandonado el campo físico de existencia, pero que cada día que pasa se va convirtiendo en una leyenda, ya que su música camaleónica, poseedora de un sello propio, completamente diferente y original, ha inspirando incluso a los más grandes exponentes de la música de nuestros días.
Jackson no tuvo una niñez plena, esa es una realidad, ya que colaboró desde temprana edad, por allá del año de 1964 en los Jackson Brothers, que posteriormente se convertirían en los famosos Jackson Five. Esa vida que desde niño, -obligadamente o no- tuvo que llevar, lo marcó para siempre, reflejando constantemente a través de sus creaciones ese sentimiento de melancolía y añoranza a una infancia perdida.
Lo anterior es más que notable a lo largo y ancho de la película “Michael Jackson Moonwalker”, en la que encontramos múltiples escenas de caricatura, presencia constante de figuras fantásticas, como la transformación en auto del personaje central, así como el enorme robot, además de que las historias, cuya temática de lucha entre el bien y el mal, siempre encuentran nutrientes en la ciencia ficción y acompañan en todo momento a los elementos de canto y baile que marcaron a una generación. ¿Quién no recuerda la escena cuando interpreta “Smooth Criminal”?
Hablar de la historia de Michael Jackson es hablar de un personaje controversial, con defectos y virtudes, como cualquier ser humano sobre la faz de la tierra, pero que sin duda, si se analiza dentro del contexto musical, siempre tendrá todos los elementos para ser catalogado como un ser único y fuera de su propio entorno.
Michael era un tipo preocupado por diferentes temas, dentro de toda esa conducta atípica se podía encontrar al humano. Como se puede observar en la película “This Is It”, este talentoso personaje creía en la transformación del mundo a través de la música. Todos y cada uno de los detalles de sus conciertos eran vigilados meticulosamente, al punto de exigir perfección en lo que sus músicos interpretaban. Lo anterior no solo los llevaba a dar un gran show, sino a convertirlos en mejores artistas. La participación de Jackson en el soundtrack de “Free Willy” denotó ampliamente su preocupación por la naturaleza, muy a su estilo a través de una película de corte infantil.
Hablar de Michael será sinónimo de Grammys, millones de discos, récords mundiales, Neverland, escándalos, controversias, pero también de un tipo con una capacidad vocal sin igual, tratada de imitar ridículamente por cientos de artistas en la actualidad, y que otros más humildemente han tomado como mera inspiración.
Dicen que honor a quien honor merece, y es por eso que a continuación les dejo una lista con algunas interpretaciones de canciones emblemáticas de Michael Jackson realizadas por varias figuras representativas de diversos géneros musicales:
1. Metallica interpretó en el año 2003 durante la entrega de los premios MTV diversos “intros” de canciones, entre los que se destacó “Beat It” de Michael Jackson.
2. Chris Cornell, vocalista de Soundgarden y Audioslave, interpretó una versión bastante peculiar, llena de acordes que van desde un blues hasta porciones grunge sobre la mítica canción “Billie Jean” en un concierto para MSN.
3. Alien Ant Farm, banda de metal alternativo originaria del Sur de California, en el año 2001 interpretó una de las que sin duda han sido de las mejores versiones de una canción de Michael, además de acompañarla de un gran video: “Smooth Criminal”.
4. Ian Brown, músico inglés quien fuera vocalista de la legendaria banda The Stone Roses, realiza un fantástico cover de uno de los sencillos más representativos de la historia del pop: “Thriller”. Un músico genial para una canción generacional.
5. Sheryl Crow, compositora norteamericana, que ha tenido diversos acercamientos con el rock alternativo, así como con el country y el folk, dio vida a otra que también es un clásico de los Jackson Five: “I Want You Back”.
6. Slash, ex miembro de Guns n’ Roses, colaboró en dos canciones para el disco “Dangerous” del año 1991. Uno de esos dos tracks fue nada más y nada menos que “Black or White”, misma que fue interpretada en el décimo aniversario de la cadena de vídeos MTV en 1991 y en muchos otros conciertos.
7. Stevie Wonder y el cantante y pianista John Legend interpretaron en el aniversario número veinticinco del salón de la fama del Rock & Roll la canción “The Way You Make Me Feel” que fue uno de los sencillos del disco “Bad” del año 1987.
Cada quien tendrá su propia opinión al respecto del llamado “Rey del Pop”. Sin duda, una figura representativa de la música contemporánea.
#TrueFact: En la película “Moonwalker”, Michael interpreta un cover de The Beatles: “Come Together”.
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