informarte #1 - enero 2010

4.Una suerte de editorial

6.¿Es el Arte un

medio seguro para invertir?

7.Gertrud Goldschmidt

Copyright 2010 Grupo Inverarts XXI, C.A. Todos los derechos reservados. Cualquier uso no autorizado o divulgación está prohibida. Este informe ha sido preparado y expedido por Grupo Inverarts XXI, C.A. El contenido aquí presentado fue obtenido de diversas fuentes y no se garantiza su precisión o integridad. Este informe de investigación se prepara para la circulación general y se distribuye para información general. No tiene en cuenta los objetivos específicos de ningún inversor, caracaterísticas y objetivos de inversión, situación financiera y/o necesidades particulares de ninguna persona en concreto que pueda recibir este boletín. Usted debe buscar el asesoramiento de especialistas sobre la conveniencia de comprar o vender cualquier obra de arte o de las estrategias discutidas o recomendadas en este boletín y debe entender que las declaraciones sobre perspectivas de futuro son como tales tendencias que pueden verse

10.Maestro Juan Carlos Gayoso

12.

13.Tips del Maestro Gayoso

14. MERCADE’ ARTE

afectadas por diversos factores. Los inversores deben tener en cuenta que el ingreso de comprar obras de arte, en su caso, puede fluctuar y que el precio de cada obra de arte es suceptible de variar. La rentabilidad pasada no es necesariamente una guía para el rendimiento futuro. Las tasas de cambio de divisas extranjeras pueden afectar negativamente al valor, al precio o los ingresos de cualquier valor o inversión asociados mencionados en este boletín. Si tiene cualquier duda sobre el contenido o desea un estudio específico sobre su caso particular, siéntase en la libertad de escribirnos a: [email protected]

mundo de las artes busca estimular la creación independiente a fin de que sea verdadera muestra del talento (ergon) de sus creadores. Creer en un artista no es vender sus obras, es creer en su proyecto. Por ello en Inverarts vamos más allá de la comercialización de una pieza, haciendo patente el acto de fe en el artista, en su modus vivendi.

2.- El Espectador como fuerza vital: Cuando en Inverarts tenemos el gusto de encontrar apasionador por el arte que buscan formar colecciones pensamos en él/ella como más que nuestro cliente, pensamos en ellos como parte vital del mundo de las artes. Sin espectador la obra muere. Así, siguiendo el primer precepto, vemos en nuestros clientes la sangre de las venas del arte. Así debe ser tratado. Nosotros ganamos cuando él gana.

3.- El Valor Agregado: En Inverarts queremos que todos exploten al máximo su potencial; sí, hablamos del artista, de la pieza y del espectador. Todos forman parte del ciclo de vida del arte. Por ello creemos fundamental que todos logren la máxima valoración de su aporte. Con un enfoque financiero profesional, asesoría personalizada en adquisición y colocación de piezas, servicios de avalúos certificados, estudios de piezas, valoración de colecciones y proyección de inversión usted puede estar seguro de recibir atención de primera. Adicionalmente usted cuenta con información actualizada vía web y lista de distribución con el Boletín InformArte, Twitter, Facebook y Wordpress. Aparte de una casa de subastas, somos la única empresa venezolana que tiene presencia en la red internacional de ArtPrice. También estamos avanzando en la creación de un software dedicado , aplicaciones para smartphones y trabajamos en alianza con una empresa norteamericana para la realización de un gran evento en 2011 con carácter internacional. Mes a mes recibirá más detalles por los medios antes mencionados.4.- La visión orgánica: Así como cada miembro del cuerpo, la sangre y el cerebro, en Inverarts el corpus del arte es comprendido de forma integral. Nuestro equipo cuenta con profesionales no sólo del mundo de las artes, sino de la informática, de las finanzas, del derecho, del mercadeo, y de la administración de empresas. Cada uno es líder en un área y todos son líderes de Inverarts porque entendemos que la única vía de hacer que un proyecto de la segunda década del siglo XXI tenga éxito es comprendiendo la macro realidad. Para el arte no hay fronteras, idiomas, monedas, mercados, tecnologías, ni medios indisponibles. Todo es parte del todo y el todo es mayor a la suma de las partes.

Como la relación entre usted y nosotros será cercana deseo relatarle porqué me hallo involucrada con este mundo sin ser Museóloga o Licenciada en Artes -tampoco soy artista.

Una de las razones por las que he ido incursionando en el mundo del arte es porque siento que es una de las pocas cosas que pueden conservar un halo de pureza. Creo que si tuviera que relatar mi relación con el arte tendría que comenzar por un día en el que me sentí asustada por un libro. Tenía unos 8 años aproximadamente, estaba en la biblioteca de mi casa y vi un libro grande, delgado, que se mezclaba con los miles de papeles y guías de mi hermana que estudiaba Derecho. Agarré el libro y me pareció espantosa, visceralmente espantosa, aquella portada: era el cuadro Autorretrato con Mono de Frida Kahlo de 1938. Aquella mujer, Frida, me pareció tan horrible que no pude resistirme a abrir las página y sumergirme en su fealdad. Ya lo dijo Rilke, “todo

UN

A SU

ERTE

DE

EDIT

OR

IAL ¿Por qué dedicar

la vida al Arte?Respuesta a dos hemisferios.

I nformarte es más que un boletín que pertenece a una empresa dedicada a comercializar arte. Lo que usted tiene

en este momento en su pantalla, en sus manos o en su smartphone es una pequeña, pero significativa, muestra de un proyecto integral.

Inverarts persigue crear impacto en el mundo de las artes, mezclar profesionalismo con vanguardia y dinamismo con seguridad. Inverarts, como empresa, pretende llevar las artes a la segunda década del siglo XXI, en la comprensión de unas economías globalizados e hipercompetitivas. Si, hablamos de los años 10’s del nuevo siglo y de hondas transformaciones en los mercados, en los países, en las empresas y en los hogares. ¿Cómo ha impactado la tecnología, el internet y la globalización al hombre contemporáneo? Es una respuesta que hallaremos caóticamente, pero no por ello menos completa, en el arte. Ya los griegos definían al caos como “la nada y el todo” porque están todos los elementos para que todo exista pero no hay nada en concreto. Aquí no hay una única respuesta perfectamente estructurada, sino miles de respuestas que se complementan para darnos a entender qué define al hombre de la segunda década del siglo XXI.

Cuando en Inverarts pensamos en arte pensamos en cuatro aspectos:

1.- En las partes como un todo: El arte se muestra como la forma de expresión más íntima y real que existe para que un hombre/mujer haga relación vital con su entorno. Por tanto, es un producto antropológico del tiempo al que pertenece. Para nosotros, el arte -la pieza- y el artista -creador- son parte indivisible de nuestro equipo. La pieza juega un papel central al ser parte de “la creación” y el artista, como “vidente” de las formas suprasensibles que yacen en nuestro mundo, es pilar central de nuestro proyecto. Ellos/nosotros somos -juntos- Inverarts. El Maestro Gayoso (nuestro primer artista representado) me señaló en una oportunidad que “El artista es un estado de emociones y sentimientos, como tal, crea” por ello nuestra filosofía de integridad con el

Nancy H. Arellano [email protected]

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ángel es terrible”; y creo que Frida, en la terribilidad, me sedujo al arte. Tanto así que, casi diez años después, hice mi trabajo de grado (bachillerato) sobre Frida Kahlo.

Luego, en mi inhabilidad de pintar, y mi facilidad para escribir (creo) me decanté por estudiar letras. Aún fiel enamorada de las artes... aún seducida por su poder hipnótico. Dejé letras luego de dos años, honestamente, porque sentía necesidad de escribir con el alma en vilo frente a la hoja de papel, quería leer a mi antojo y escribir más del mundo: El problema era que el mundo parecía sólo versar sobre los “mundos posibles” (termino literario) y sentí que debía conocer más de aquello que estaba más allá de los laberintos literarios. Quería saber de París más allá que “del lado de allá” y comprender la americanidad más allá que “del lado de acá” Claro que hubo profesores maravillosos; pero me faltaba algo. No supe qué era. Sólo salí de allí con la esperanza de cambiarme de universidad a una donde las letras no sólo se estudiaran sino que se respiraran, poder sentir arte, pasión, historia, mundo. El cambio tardaría más de dos años; así que en medio de mi “angustia contemporánea” me hablaron de una carrera novísima: Estudios Liberales. Liberales no me daría la profundidad de algo, sino me permitiría saborearlo todo. Un bufé de magníficos platos de los cuales sólo probaríamos una cucharada, pero sabríamos qué nos deleita y qué nos causa repulsión.

Empecé a estudiar Estudios Liberales, estudié política, economía, filosofía, historia... política internacional... leí otra vez mucho; estudié casi todas las ramas humanistas. Tomé electivas de mitología, de literartura de vanguardia, de sociología, de fotografía... Me fascinó la libertad de la nueva casa de estudios... Supe entonces que no se trataba de la universidad, que se trataba de entregarme yo misma al arte y que el arte lo toca todo. Luego vi un curso de Literatura y Arte de Vanguardia que me hizo volver a sentir la emoción de la búsqueda: Duchamp, Tzara, Marinetti, Dalí, Bretón (no los pongo en orden sino como fluyen) y la memoria de la piel (a lo Kavafis) me recordó por qué amaba tanto al arte. Al final, volvía a las letras con un Diplomado de Escritura Creativa, y volvía a las artes leyendo a Wilde, Sontag, Van Gogh, Gombrich, Hauser... leyendo sobre arte, leyendo artistas, leyendo sobre estética, porque aún leyendo a Hegel, a Hume, a Nietzsche o a Russell, vuelve a aparecerse el fantasma del arte como una sombra.

Meses después, en el posgrado, hablando de finanzas internacionales, sigo apasionandome por el arte; veo el Indice Mei Moses, o Artactic o ArtPrice, veo las sumas de Sothebys o Christie’s; reviso las inversiones en este magnífico mercado, tendencias, cifras, crecimiento, impacto, índice de confianza, y en ello soy capaz de ver a la humanidad apostando a la “poiesis”, divagando sobre “el ser”, asintiendo ante la más dura crítica del consumismo o diciendo que “el talento” de Degas es sublime. Veo a la gente “comprando” masivamente críticas al consumismo... veo las ironías de la sociedad envilecerse y reirse. Veo el miedo, el éxito, el fracaso, la decadencia y la cobardía, veo a la conciencia pasearse entre los pasillos del arte ¿O por qué en las guerras guardan las grandes piezas en búnkers? Veo en el arte la respuesta de las élites (y las masas) a la cultura, veo (con ojo antropológico)a la humanidad a través del arte. La belleza y la fealdad (si pueden lean a Eco con su Ha de la Belleza y la de la fealdad) la armonía y el caos, la visión de lo bueno y lo malo; las dicotomías del mundo están en el arte.

Basta ver el arte barroco para comprender el miedo de la Iglesia Católica frente al desarrollo de las ciencias. O basta ver el Pop Art para comprender cuál fue el papel del capitalismo en el siglo XX.

A la pregunta de por qué el arte, intento responder cada día... ¿por qué dedicar mi vida al arte?

El arte es pasión, primero que nada, y es búsqueda. La búsqueda apasionada de un sentido. Este sentido, es, para todos, una forma esencial de la existencia. En esta línea de pensamiento, queda sólo decir que el arte es un medio común y es un objeto extendido de consumo. ¿creo que el arte carece de valor? No, creo que tiene un valor inestimable. ¿Creo que hay un precio? Si, no porque el arte tenga precio, sino porque vivir en este mundo lo tiene, y como los artistas son seres que viven en este mundo, pues creo que el arte ha tenido que tener precio; además el deseo extendido sobre las piezas (la demanda) ha terminado por poner precio a las pequeñas grandes muestras de sentido que son las piezas de arte (oferta).

Dedico entonces mi vida al arte en dos sentidos: quiero vivir el arte, apasionadamente y en mi propia búsqueda de sentido; y creo en vivir del arte, porque es la objetivación de nuestras pasiones y sentido de trascendencia; por tanto el mejor “producto” con el que contribuir al PIB y una de las mejores formas de inversión. ?O acaso no han visto la página de “productos” de Frida Kahlo? Cremas, tequila, muñecas, y... ¡Hasta un avión! ¿Estamos de acuerdo con ello? No precisamente. Las razones: las daré en el próximo Editorial (Arte como Mercancía).

Mi misión, como la veo hoy día, es lograr hacer arte y que miles de artistas puedan vivir del arte, hacer del arte una profesión redituable, una inversión que ofrezca ganancias y en todo, como todo en la vida, que sea una pasión vívida. Para aquéllos que piensan en el Arte como Inversión también hay bastante de que hablar, y hacer.

Hoy, asumo que soy una de las fieles amantes del arte y creo que la industria tiene un potencial milenario. ¿O cuánto produce Stonehedge, Lascaux y Altamira? Por no decir la Acrópolis de Atenas, Machu Pichu y el Louvre.

En su prólogo a Rayuela, Jaime Alazraki señala sobre la obra de Cortazar, que ésta refleja “La nostalgia por esa inocencia primera en que el hombre vivió conciliado con el mundo.” Para mí el arte, Rayuela en él, es en sí la nostalgia por la conciliación, por la comunión católica (sin religiosidad)

El arte puede verse matemática, financiera, metafísica y estéticamente como un bien deseable. El Arte es la esencia del mundo; y nuestra época no es diferente a los 5.000 años anteriores... ¿Usted a visto la IMac del Moma?

Bienvenido a InformArte.

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El Arte es una de las formas más antiguas de inversión. Ya para

el siglo XV los Médicis eran famosos mecenas del arte; esto debido a su valor probado. No es de extrañar entonces que muchos de los más adinerados, sigan la tradición de invertir en arte.

Algunos sienten una profunda emoción frente a una pieza porque ven en ella el reflejo del sentido de trascendencia que nos define como humanos; para otros, es la pasión pura que conmueve o el medio idóneo para expresar las formas del “yo” frente al “otro” o a lo otro. Pero entre la inmmesa gama de significados -y sensaciones producidas, el arte -nos guste o no- sencillamente tiene un precio.

Bien es sabido que valor y precio son dos variables que no siempre van de la mano, por lo menos en el arte; pero ello puede suponer una oportunidad magnífica para quien se avalanza en este apasionante mundo, como lo es el de la inversión en arte.

Quienes afirman que invertir en arte es peligroso, y que se trata de un mercado caprichoso tienen en parte razón. Pero el arte, como mercado dirigido por el comportamiento humano, responde a directrices y sus variaciones pueden ser previsibles. No hablamos de una ciencia exacta pero sí de una lógica económica y de un sistema organizado. ¿O acaso no hay una importante lección aprendida por la crisis financiera?

Tanta especulación hay en el arte como puede haberla en el

sector inmobiliario, o en los commodities, pero aún las

tres formas de inversión dan rentabilidad a muchos -no a todos. ¿Qué queremos todos los individuos productivos? Salvaguardar nuestro dinero.

Hoy día, con una g l o b a l i z a c i ó n avanzada y con

una crisis f i n a n c i e r a en el ayer

cercano, es evidente que la

desconfianza en los métodos tradicionales de inversión se hace patente. Si bien los mercados bursátiles se han ido estabilizando

una nueva caída ha sido predicha ya, por grandes economistas y actuarios.

Lo más importante en el arte, así como en la

bolsa, es no caer en la especulación indiscriminada, sino armar una suerte de portafolio que aminore riesgos. Es decir, hablamos de una colección diversificada de piezas de artistas y tendencias.

Hay que entender que detrás de la inversión que se hace en cada pieza (bien material) hay una “apuesta”

a la propuesta estética del artista (bien inmaterial); porque cada artista termina por ser una síntesis única de su tiempo. Es esencial entonces atender a la evolución estética que puede traducirse en innovación, porque Occidente siempre ha pagado magníficamente bien a los innovadores.

Si bien la bibliofilia, la filatelia, la numismática en lo referente al coleccionismo representan una inversión con algún margen de revalorización, porque la combinación de la pasión, la emoción y el valor tienden a determinar que siempre hay alguien dispuesto a satisfacer esa “necesidad” con un “equivalente” monetario; está más que probado que el arte se encuentra por encima de todas ellas, siempre y

cuando se cuente con el asesoramiento adecuado respecto al tema.

¿Qué tiene de particular el Arte?

El arte brinda y ha brindado un sentido de

pertenencia y de secuencia a la existencia de todas las civilizaciones anteriores y la nuestra no es la excepción. Así el arte, como aspecto material de toda cultura, se encuentra íntimamente relacionado con el sentimiento de identidad y pertenencia; en este sentido hallamos que una obra

En el arte, como en los

negocios, la asesoría profesional es indispensable.

El Arte es uno

de los medios más antiguos de preservación de

patrimonio

Equipo de Coordinación de Estudios Econó[email protected] para invertir?¿Es el Arte un medio seguro

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icónica es portadora de una valor impagable pero de un precio estipulable. La cifra la determinan, muchas veces, los factores antes mencionados como la emoción y la pasión que despierte en los círculos que acceden al mundo exclusivo de las subastas de las grandes casas de arte como Sotheby’s y Christies, o bien la trayectoria del artista y su histórico de precios.

Al momento de introducirse en este fascinante mundo deben tomarse en cuenta ciertos aspectos: una previa evaluación del presupuesto disponible (entrada), las tendencias del mercado (Gráfico 1), las posibilidades de comercialización rápida (salida), el margen de riesgo dispuesto a asumir y, algo muy importante, es comprobar la autenticidad de la pieza (las firmas, estudio técnico, certificados válidos y/o las pruebas con luz ultravioleta). Claro todo depende del monto, fecha de la pieza y origen. Es importantísimo tener conocimiento de la llamada “provenance” de la obra para estar seguros del origen lícito y de que ho ha estado involucrada en la legitimación de capitales.

Una vez seguidos estos pasos, la garantía de la inversión es indiscutible, prueba de ello es España, donde los invesionistas enaumentado sus beneficios hasta un 32% en dos años. Según un informe de la Asociación de Artistas

Visuales de Catanluña (AAVC), el sector de la creación plástica genera 1.468 millones de euros anuales con un valor bruto de 824 millones de euros sobre la economía española. Y eso que España no es el mayor

mercado, el cual es liderado por Estados Unidos, Reino

Unido y Francia. (Ver gráfico 2)

Dos de las principales sociedades comerciales de subastas que hoy e día lideran

el mercado del arte (Sotherby’s y Christie’s)

coinciden en la idea de que el arte no ha tenido la misma reducción de valor que los mercados financieros globales. De hecho, para finales de 2008, según la firma francesa Art Price, el valor total de las subastas de arte sumaron 8,3 billones de dólares. De este modo, invertir en

arte significa resguardar el valor del dinero ya que las obras de arte tienen la virtud de permanencia, se disfrutan cuando se desea y tienen la ventaja de ser entendidas como bienes comerciables en los distintos mercados (Ver gráfico 2) Además, las obras de arte ofrecen múltiples opciones a la hora de ser electas como inversión, entre sus características resalta la gran cantidad de estilos y técnicas disponibles en el mercado (Gráfico 1), así se pueden adaptar sin inconvenientes al gusto de cada usuario y su disfrute no genera ninguna depreciación.

¿Por qué invertir en Arte?• Porquesesecotizaentodaslasmonedas.• Porlavaloracióndelaspiezas,queesdeconocimientointernacionalypúblico.• Porquelaposibilidaddecomercializarlasentodoslosmercadosdisminuyeelriesgodelainversión.• Porquetransformasucapitalenbienestangiblesdesolidezprobada.• Porquecontribuyealenriquecimientodenuestracultura.• Porquedelamanodeexpertos,invertirenarte...esnocometererrores.

El valor total de las

subastas de arte sumaron 8,3 billones de

dólares

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Los artistas pasan, el arte queda.

Gego, una artista alemana, orgullo de Venezuela. Nace en Hamburgo en 1912, veintisiete años más tarde se traslada a Venezuela, será a partir de 1952 cuando se inicie en las artes plásticas. Entre 1958 y 1977 ejerce la docencia como profesora de escultura de la escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas, fue además jefe de la cátedra en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela y profesora del Instituto de Diseño, Fundación Neumann, de Caracas. Goldschmidt convierte la línea en una herramienta inolvidable para el arte, la aplica en dibujos, acuarelas, esculturas, serigrafías y tejidos, girando siempre en torno con la superposición.

Con un meticuloso trabajo de la transparencia, la iluminación y la flexibilidad,

Para Gego una simple sucesión contínua de infinitos puntos era en realidad una figura totalmente artística, fue de este modo como creó sus “Líneas Paralelas”, “Reticulárea”, “Tejeduras” y “Dibujos sin papel”; obras con una genialidad única por la concepción propia de las mismas y el valor de haberlas llevado a cabo, esculturas y dibujos que cobran vida frente al espectador por su pecularidad de transgredir la forma, el tiempo y los materiales, de modo tal que el resultado es la creación de un espacio úncio e infinito.

Pero nadie mejor que María Elena Ramos para definir a Gego y su arte:

En el siglo XX se dieron posiciones tan radicales en uno u otro sentido; artes figurativas de fuerte componente político que actuaron desde un pensamiento contenidista y comprometido; artes abstractas que acentuaron la

preeminencia de la forma y la materia artística, desligando explícitamente su objeto de la objetualidad mundana, a la que consideraron anecdótica y narrativa; artes conceptuales que enarbolaron la idea de que “el arte es idea” más que cuerpo, concepto más que forma, proyecto más que realización. La obra de Gego parece existir y sostenerse por encima de cualquiera de estas, u otras, radicalidades explícitas. Como esos seres

que parecen levitar unos centímetros sobre la aspereza del suelo porque en realidad

están siempre un poco más allá de la inmediatez de las cosas, Gego y su obra, la una con su vivacidad, la otra con su vitalidad, las dos y cada una a su manera, nos llevan a la extraña comarca del arte sin ataduras, a un espacio que

Maddy Ló[email protected]

Gertrud Goldschmidt

Esfera (1959).

Museo de Arte Moderno NY (MOMA)

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sólo puede existir lejano a los enunciados cortantes, a las convicciones absolutas, a los extremos radicales, e incluso a las posiciones rupturales consideradas como más libertarias.

Hay que señalar que otra razón de vitalidad del arte, y no la menos significativa, es el potencial de apertura que una obra moviliza en el espacio y en el tiempo. Apertura fuera del espacio original en que se dio a conocer (y así entonces su vocación de universalidad) y apertura más allá del tiempo de vida del artista (y, así, su vocación de trascendencia). La obra de Gego, en el año 2000, a siete años de la muerte de la artista, parece sugerir una vitalidad en expansión en el espacio internacional del arte -pues ya centros artísticos de varios continentes se interesan en ella y la solicitan para diversas exposiciones-; y, sobre todo, parece sugerir una gran vitalidad hacia el tiempo futuro*.

Dibujo sin papel (1988).

Museo de Arte Moderno NY (MOMA)

Es importante resaltar que Gego forma parte de la Colección FEMSA, de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, Colección Constantini, entre otras. Además sus obras han sido expuestas en Galerías como la del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, el Museo de Arte Moderno en Nueva York, el Museo de Bellas Artes, la Sala Mendoza y la Universitaria de Arte en Caracas.

Cuando el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona decidió dedicarle un espacio a la artista, lo hizo con

el propósito de corregir el hecho de que era una figura poco conocida en Europa para el momento. En Inverarts, si bien sabemos que Gego es una de las artistas más conocidas de nuestro país, nos proponemos difundir su obra entre las generaciones venideras resaltando el hecho de que esta artista decidió dedicarse a su trabajo en tierra venezolana. Gego además de ser una de las artistas más importantes del siglo XX, representa parte de nuestro Patrimonio Cultural, por lo cual es merecedora de un lugar único dentro de nuestra propia historia del arte.

Esta artista logró que una de sus piezas se vendiera en 411.200 dólares. La obra “Retícula Cuadrada” realizada en 1972, se convirtió en una de las más buscadas en la puja que realizó Sotheby’s el 10 de noviembre de 2004.

Para Mayo del presente año, la importante casa de subastas de arte Sotherby`s espera adjudicar obras por un valor conjunto de 10 millones de dólares en la subasta de arte latinoamericano que se realizará en Nueva York, dentro de esta colección se encuentra nuestra artista como autora de “Doble Catedral” y “Dibujo sin papel”.

* María Elena Ramos.- Crítico de arte. Fragmento del prólogo al libro que

acompaña la exposición Gego 1955-1990 (Editado por la Fundación Cisneros).

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Juan Carlos Gayoso

Quien ha vivido en la ciudad de Caracas comprende el carácter central del Ávila en el discurrir de la vida de una urbe como lo es la capital venezolana. Juan Carlos Gayoso, o el Maestro Gayoso, para muchos, es uno de los más devotos “amantes” del parque natural que corona a la movida ciudad, recordándole su esencia, en medio de la turbulenta cotidianidad.

Hablar del maestro Gayoso es hablar de la policromía y las formas polifacéticas de este monumento “digno de los dioses” que es el parque nacional Guaraira Repano. Sin embargo, hay que asumir que no podemos dejar de entregarnos antes sus vívidos paisajes de los campos y los voluptuosos escenarios naturales que nos renuevan en una experiencia de contacto con lo natural. “Captar la esencia de la naturaleza es comprender lo que subyace a la forma, con el pincel intento expresar mi relación, íntima, con el paisaje”. El Maestro con esas palabras nos pone de frente con una concepción “intimista” del realismo, la misma que guió la mano de aquéllos que, en otros tiempos, vistieron de “realismo” la toma psicológica de la España de la Inquisición o la Francia del siglo XIX.

¿Cómo podríamos nosotros en pleno siglo XXI comprender la dicotomía de la Caracas urbana al pie del Ávila?

El Maestro se formó desde pequeño en las artes plásticas, comenzando por el dibujo , la acuarela y el óleo, hasta la escultura en bronce. Con su arrivo a tierras venezolanas en los años 70’ Gayoso se impondría un estilo propio, producto de la multicromía del paisajismo del trópico. Así, óleo, acuarela y medios combinados, se muestran como las herramientas para dar vida a la expresión pictórica. Su técnica preferida es el óleo, al que considera “el único material capaz de plasmarlo casi todo”.

Admirador de Rembrandt, su estilo hiperrealista busca, más allá de la copia exacta de la realidad, “la esencia de las cosas en un sentido casi metafísico”. En la pintura encontramos una extensa colección de sus obras realizadas en las técnicas al óleo, acuarela, acrílico aguas tintas, c o m o también

Nancy [email protected]

La memoria de lo natural que se impone al concreto urbano

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en esculturas en bronce. No obstante, el Maestro Gayoso, afirma ser un alma fáustica por lo cual no se cansa de incursionar en nuevas técnicas y medios para expresar “la visión de las cosas” que es el leit motiv de todo artista.

Ha participado en diversas exposiciones internacionales individuales y colectivas en Argentina, Brasil, Uruguay, Suiza, Alemania, EUA, México, España y Venezuela. Y algunos de sus coleccionistas privados están en: Israel, España, Italia, Perú, Brasil, Argentina, Uruguay, Japón, México y Venezuela.

Una obra llena de detalles acusiosos e imponentes reflejan los paisajes de las tierras venezolanas, tales como los Andes, los llanos, la selva y los característicos Ávilas de la ciudad de Caracas. En todas sus obras la policromía y un denodado trabajo de la luz se hacen presentes.

Este Caraqueño por elección, a lo largo de su extensa carrera en las Artes Plásticas, de más de 37 años, llegó a especializarse en la disciplina del dibujo, en las técnicas como pastel, crayón, plumilla y sanguina. Durante varios años, complementariamente estuvo dedicado a la pedagogía, enseñando a nuevos artistas sobre las formas de “plasmar las formas”.

El maestro Gayoso es un personaje de esta gran ciudad, quien, a través de su obra, nos invita a conectarnos con el yo-real en contacto con el verde que se impone al concreto. Más allá y, justamente por todo lo anterior, contar con una pieza del Maestro, quien se han venido revaluando en los últimos 5 años en Europa, producto de la tendencia del mercado hacia el realismo, puede decirse que es todo un placer en varios sentidos.

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La comprensión del arte va más allá de su apreciación. Entender el arte no es solamente quedar hipnotizado frente a una pieza por su belleza o perfección, entender el arte implica cierto razonamiento que viene dado por el lenguaje con el cual los artistas impregnan sus obras para transmitir sus conceptos, luego queda de nuestro lado la interpretación o la “sensación” que produce.

En 1950 un hombre de nacionalidad venezolana se encontraba pisando suelo francés, y será en el país europeo donde comience a crear un nuevo concepto dentro del arte, inspirado principalmente por Paul Cézanne y la manera en que éste lograba cierto impresionismo en sus obras destruyendo formas con técnicas de luz. Jesús Rafael Soto es el nombre de ese venezolano, quien po su afán de implementar nuevas maneras de interactuar con el arte se convertiría más tarde en El Padre del Cinetismo.

Muchos, al hablar sobre el arte de Soto, podrían relacionarlo a un conjunto de trampas que logran la particularidad de una mal llamada ilusión óptica. En el libro Diálogos con el Arte de María Elena Ramos, el mismo Soto nos deja claro que “el ojo ve lo que le enseñamos a ver”, de este modo es obvio que frente a una imagen a la cual no estemos familiarizados, y más aún si en ella está implícito el arte cinético, pueden haber dos reacciones: la primera sería la de pensar que la imagen nos engaña y caer en la idea de ilusionismo, y la segunda trataría de más bien buscar ese detalle que hace la imagen diferente.

Por medio de la manipulación de materiales y técnicas, Jesús Soto logró un arte singular, mezclando elementos como plexiglás y nylon con una cierta transparencia logró lo que podría llamarse la no existencia de una forma visible, es así como el artista nos invita a reaccionar de la segunda manera y nos da a entender que aunque creamos tener sentido de las dimensiones y

del espacio, no es así. El padre del cinetismo, con el uso de medios no convencionales pretendía hacer

descubrir al espectador lo que él mismo no estaba acostumbrado a ver, destruyendo la forma clásica con elementos tradicionales.

No queda más que afirmar que Soto más que un artista, fue un Gran Maestro por

saber dominar la luz, los espacios, los colores, las transparencias y los

materiales, pero más aún, por saber cómo combinarlos.

JESÚSRAFAEL

Maddy Ló[email protected]

LA NO EXISTENCIA DE UNA FORMA V IS IBLE

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¿Por qué causa las obras de arte plasmadas sobre papel se pueden deteriorar?

Uno de los más importantes y básicos factores en la preservación de obras de arte plasmadas sobre papel y derivados del mismo, es la estabilidad del ambiente circundante, lo que requiere un control estricto de la temperatura y de la humedad.

Los cambios de temperatura causados por factores interiores o exteriores (como la calefacción y los repentinos cambios climáticos) son el mayor problema. Sobre todo las fluctuaciones repetidas durante un periodo de varias horas o días son las más dañosas porque los materiales no tienen tiempo de acostumbrarse. Por ejemplo, la abundante humedad, la falta de presencia de rayos ultravioletas indirectos, las emanaciones de vapores cercanos a las obras, la falta de ventilación y temperatura inadecuada del ambiente, sobre todo los días de lluvia, son factores preponderantes para acelerar y desencadenar cambios físicos químicos en el papel, deteriorando en corto tiempo la obra de arte.

La humedad relativa recomendada, se sitúa entre 40% y 55% a lo largo del año permitiendo fluctuaciones entre los dos extremos pero controlando una fluctuación diaria de más o menos 3%. La temperatura también tiene que ser controlada todo el año entre 17ºC y 25ºC, permitiendo fluctuaciones entre los dos extremos pero controlando una fluctuación diaria de más o menos 3ºC. En los lugares donde se encuentren presentes bibliotecas o fuentes de humedad, se recomienda instalar un sistema de humidificación donde tiene que reaccionar rápidamente para hacer disminuir la humedad, cerrarse rápidamente cuando el nivel de humedad es elevado y modular la operación de 0-100% hasta arreglárselas con el control cerrado requerido.

Los ambientes demasiados secos, también son perniciosos para las obras sobre papel, pues aunque la humedad puede entrar en el interior de esos materiales una vez que estén secos, la repetición de los ciclos de hidratación y deshidratación no es buena para la estructura interna del papel y puede causar daños.

Juan Carlos [email protected]

TIPS DEL MAESTRO GAYOSO

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MERCAD´

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ARTE

Si desea consultar más obras, le invitamos a visitar nuestra Tienda Online Internacional

http://web.artprice.com/store/Inverarts/

informarte #1 - enero 2010

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