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10 Mayo / 11 Junio 2018 Máster en Mercado del Arte

y Gestión de Empresas Relacionadas

CENTRO CULTURAL GALILEO MADRID

Estado Liminal

Nº 02 · Colección Artistas Emergentes Universidad Nebrija

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10 Mayo /11 Junio 2018 Máster en Mercado del Arte

y Gestión de Empresas Relacionadas

CENTRO CULTURAL GALILEO MADRID

Estado Liminal

Nº 02 · Colección Artistas Emergentes Universidad Nebrija

Universidad Nebrija© Universidad Nebrija, 2018 Nada Sobra Exposición desarrollada dentro del marco de la 12ª

Edición Máster Universitario en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas bajo la dirección de Diana Angoso de Guzmán

Universidad Nebrija C/Pirineos, 55 | 28040 | Madrid (España)

Dirección Sergio Rubira

Coordinación docente

Lola IglesiasDaniel Silvo

Equipo comisarial Trashbucks, formado por: Alejandro Montes del Vigo, Ana Muñoz Estepa, Beatriz Pérez Campaña, Ying Qu

Coordinación general: Lola Iglesias y Daniel SilvoCoordinación y producción: Alejandro Montes del Vigo, Ana Muñoz Estepa, Beatriz Pérez Campaña, Ying QuCoordinación de artistas: Alejandro Montes del VigoDiseño y montaje: Ana Muñoz EstepaPatrocinios y colaboraciones: Beatriz Pérez CampañaPrensa y comunicación: Ana Muñoz EstepaWeb: Ying Qu

Edición y coordinación Diana Angoso de Guzmán

Diseño y maquetación Saudade ArtiagaServicio de Publicaciones Universidad Nebrija

Sede: Centro Cultural Galileo (Distrito de Chamberí, Madrid)Calle Galileo, 39 | 28015 | Madrid (España)

Agencia AseguradoraHISCOX seguros de arte, Riskmedia

Edición: Universidad NebrijaISSN: 2530-8092

Depósito legal: M-14459-2017

Patrocinadores: Caviart, Hotel Sancho, Wash Lavandería Autoservicio, Cervezas Ambar, RME Imprenta Digital

Copyrigth: Basurama, Jon Gorospe, Raúl Hidalgo, Gala Knörr, Julia Llerena, Elisa Pardo, Enrique Radigales, Álvaro Torres Vallejo, Manuel Antonio Domínguez, Isidro López-Aparicio.

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Irene Cantero

Fito Conesa

Mario Espliego

Nuria Güell

Jimena Kato

Nacho Martín Silva

Andrés Pachón

Paula Rubio

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1. Presentación: Diana Angoso de Guzmán

2. Bienvenida: Esther Gómez Morante

3. En medio de todo, en mitad de nada

4. Artistas y obras

- Mario Espliego - Irene Cantero - Fito Conesa - Nuria Güell - Jimena Kato - Andrés Pachón - Paula Rubio Infante - Nacho Martín Silva

5. Texto Alfredo Aracil

6. El equipo

7. Patrocinadores

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Estado Liminal es un proyecto expositivo avalado por el Máster de Mercado de Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija, realizado en colabora-ción con el Centro Cultural Galileo (Ayunta-miento de Madrid- Distrito Chamberí).

El Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija se oferta desde 2009 como un título oficial con un completo plan de estudios, cuyo objetivo es la formación de profesio-nales expertos en mercado del arte. Dentro del programa de estudios se ubica la reali-zación de un trabajo final de máster (TFM). En este caso, se trata de una exposición realizando la selección de artistas, comi-sariado y gestión completa de la misma, la cual se inaugura en el mes de mayo y su-pone una gran experiencia formativa. María Alcalá Franco, Désirée Arrizabalaga, Marta Corral Renda, Celso Cuesta Ibaseta, Ánge-la Ruiz Sansano y Yu Wang son el grupo de alumnos responsables del proyecto.

A su vez, este equipo curatorial cuenta con la coordinación de Andrea Pacheco, directora artística de la plataforma de investigación y encuentros profesionales FelipaManuela, comisaria independiente y profesora en la Universidad Nebrija, y Carlos Delgado Mayordomo, comisario Independiente, crítico de arte y profesor en la Universidad Nebrija.

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En el curso 2005-2006 tuvo lugar la primera edición del Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas. Trece años después, el contexto artís-tico de nuestro país ha cambiado, aunque la necesidad de estudios de posgrado especializados en arte contemporáneo sigue vigente.

La historia de las exposiciones fin de Máster ha ido en paralelo a la del propio Máster, nutriéndose la docencia y la investigación de la práctica profesional.

La octava edición de la exposición fin de Máster organizada en colaboración con el Centro Cultural Galileo ofrece un panorama de artistas seleccionados por un equipo de alumnos del Máster bajo la dirección de Andrea Pacheco y la coor-dinación académica de Carlos Delgado Mayordomo. Como en ocasiones ante-riores, les ha correspondido a los alumnos crear un discurso curatorial desde su concepción hasta su puesta en marcha realizando labores de coordinación, patrocinio, comunicación, montaje y maquetación del catálogo.

Bajo el título “Estados Liminales”, se dan cita artistas interesados en explorar los espacios intermedios en los que se disuelven las fronteras y los límites. Esos ritos de paso –siguiendo la terminología de van Gennep- formalizan cambios de estado de la relación del individuo con la comunidad. Si las obras presentadas aluden a la liminidad, ese espacio de transición entre un estadio a otro, este proyecto curatorial ha servido como rito de paso de los alumnos desde el ámbito académico del que proceden a la práctica profesional a la que se dirigen.

Nuestro agradecimiento al equipo por su esfuerzo, a los profesionales por su implicación y a los colaboradores por su patrocinio. Solo queda dirigir la mirada a las obras seleccionadas, auténticos protagonistas de la exposición, al tiempo que agradecer a los artistas su generosa participación en este proyecto.

Prof. Dra. Diana Angoso de Guzmán Directora del Máster en Mercado del Arte

Escuela Politécnica Superior, Universidad Nebrija

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Esther Gómez Morante

Concejala-Presidenta Distrito Chamberí

Desde las instituciones públicas hemos adquirido el firme compromiso de ha-cer de la ciudad un espacio de reflexión común y hacerlo en colaboración con las instituciones educativas. El Centro Cultural Galileo de Madrid permanece en constante diálogo con las vecinas y vecinos de Chamberí y de Madrid y en esta ocasión lo hace a través de la exposición “Estado liminal” que ofrece la posibilidad de repensar sobre la sociología de Arnold Van Gennep y el concepto de liminalidad.

La Universidad Nebrija y el Centro Cultural Galileo mantienen una larga tra-yectoria de colaboración que cumple ya siete años y que redunda en un bien para todo el distrito de Chamberí. Desde la Junta Municipal del Distrito espe-ramos que sean muchos los vecinos y vecinas que disfruten de esta exposi-ción y que se acerquen a conocer en primera persona esta muestra llena de ingenio y sociología.

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“Don’t let me hear you say life’s taking you nowhere, angel” Golden years - David Bowie

Estado Liminal es cuando no estás ni en un lugar ni en otro, la locura transitoria que aparece en la película Mulholland Drive de David Lynch (2001) o vivir en los Golden Years a los que dedica una canción David Bowie (Álbum Station to Station, 1976). Una persona en estado liminal vive en el umbral, entre algo que se ha ido y otra cosa que está por llegar. La enfermedad y la adolescencia, son estados liminales; también el viaje que emprende un refugiado, un inmigrante o un turista. Es la sensación de pertenecer a todo y, a la vez, no pertenecer a nada. Liminal es estar perdido y encontrado en una etapa de apertura y de ambigüe-dad constante; la fase intermedia de un tiempo-espacio con un principio y un final, interceptado por ritos de paso. Liminal es también una situación de guerra, un lugar de tránsito como un aeropuerto, al igual que un hospital o una cárcel. Un alejado ejemplo de nuestro contexto se encuentra en los limes -límites o fronteras en latín- formados en el Imperio Romano. En estos lugares se realizaban dife-rentes intercambios con los pueblos germánicos y, a parte de los problemas en torno al umbral territorial, también eran zonas ricas con importantes intercambios intelectuales y económicos.

El concepto de liminalidad, tal y como se entiende en el proyecto expositivo que se presenta en el Centro Cultural Galileo, aparece en el libro Ritos de paso1 publi-cado en 1909 por el sociólogo francés Arnold Van Gennep (1873-1957), donde señala la existencia de un tipo de rituales que marcan socialmente la transición de un estadio a otro y que pueden darse tanto a nivel individual como grupal: los ritos de paso. Van Gennep diferencia tres fases en cualquier rito de paso. La primera fase es la de separación, en la que el individuo o grupo se aparta de una situación previa, dentro de una estructura social o de un conjunto de condiciones sociales. La segunda fase es la de marginalidad o limen. Esta es una etapa de transición, donde las características o rasgos del individuo o grupo que atraviesa el proceso son variables y confusas. Esto ocurre al encontrarse en un momento

1 VAN GENNEP, A., Los ritos de paso. España, Taurus, s.f., 1986 (1909).

En medio de todo, en mitad de nada

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intermedio, diferente del proceso inicial, pero también del estado final. Por último, una tercera fase de reincorporación o agregación, en la que el iniciando cumple el cambio, adquiriendo una serie de pautas sociales. Es a partir de ahí, cuando el “sujeto ritual” ha de cumplir unas expectativas sociales y culturales.

Por consiguiente, la liminalidad alude a aquella fase de transición donde el esta-do del sujeto del rito es ambiguo, ya que posee muy pocos o ningún atributo tanto de su estado pasado como del venidero. Por tanto, durante el período liminal, el individuo o grupo sometido al rito no se ubica ni aquí ni allí, sino en un lugar extraño, desconcertante, híbrido y difícil de definir.

Este es el punto de partida que el equipo curatorial de esta exposición ha tomado para explorar y reflexionar sobre los sujetos, colectivos, pero también espacios, lugares y situaciones transitivas desde la creación artística actual. La pubertad, la locura, la privación de libertad o la migración son, sin ser exhaustivos, algunos de los ámbitos donde hemos localizado a este sujeto liminal y transitivo cuya si-nuosa identidad se encuentra plagada de transgresiones directas o figuradas de las reglas morales que son impuestas desde las estructuras de poder.

Como ha señalado el antropólogo Víctor Turner en La selva de los símbolos (1967), estudio acerca del estado liminal durante los ritos de paso:

«los seres transicionales resultan ser particularmente contaminantes, puesto que no son ni una cosa ni otra; o tal vez son ambas al mismo tiempo; o qui-zás no están aquí ni allí; o incluso no están en ningún sitio (en el sentido de las topografías culturales reconocidas), y están, en último término, ‘entre y en mitad de’ todos los puntos reconocibles del espacio-tiempo de la clasificación estructural». 2

A esta situación intermedia hace también alusión Marcel Duchamp (1887-1968) en su conferencia The creative art en 1957, donde se refiere a la creación ar-tística como estado liminal, alegando que «lo que el arte es en realidad es este eslabón perdido, no los enlaces que existen [...] la brecha, el intermedio, lo limi-nal, lo no retinal»3. Para Duchamp el acto creativo se produce en esa brecha, entre la intención y la realización. Durante esa fase se producen una mezcla de sensaciones, positivas y negativas, tales como el esfuerzo, la decepción o la sa-tisfacción, aunque no siempre los artistas sean conscientes de ellas. Crear sería, de cierta forma, un estado intermedio y transitorio.

2 TURNER, V., La selva de los símbolos,Madrid, S XXI, 1980, p.1083 DUCHAMP, Marcel, “The Creative Art”, en: Art News, LVI (4), 1957.

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De forma directa e indirecta, los artistas seleccionados para esta exposición han explorado estas cuestiones desde diferentes perspectivas. Mario Espliego (Gua-dalajara, 1983) se acerca al tema a través de la revolución soviética, una época convulsa y agitada que supuso un complejo período de cambio. Esta instalación se divide en tres fragmentos. En primer lugar, se refleja la creación y destrucción de la figura del héroe mediante la proyección de la cabeza de David. Un segundo fragmento trata sobre las radios de Gustav Klutsis (1895 – 1938), creadas en el al-bor de la Revolución Rusa con fines propagandísticos. Por último, trece bustos de Lenin aluden a las miles de esculturas ejecutadas tras la muerte del líder soviético, el cual había manifestado en vida un rechazo hacia los monumentos personalis-tas. Cabe destacar que esta obra, titulada Rito de Paso (2018), se ha realizado ex profeso para la presente exposición. Espliego es doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, por lo que ha impartido numerosas con-ferencias y talleres. Por otro lado, ha realizado muestras individuales como en el MACBA de Barcelona o en el Museo Arhem ubicado en los Países Bajos, entre otros espacios. Asimismo, ha ganado numerosas becas y premios tanto naciona-les como internacionales.

A través de la performance, valiéndose de su cuerpo y de un intermitente juego de luz y oscuridad, Irene Cantero (Sevilla, 1985) conjuga danza e instalación para explorar «aquello que se sale de la norma, lo no domesticado, lo que se ex-presa libremente, lo que comprende realidades heterogéneas». La pieza indaga en ese lugar límite donde todo se expone sin disfraz. El título, Be you still (2017), proviene del poema To my heart, bidding it have no Fear (1899) del escritor Wi-lliam Butler Yeats (1865-1939), puesto que contiene todos los conceptos con los que la artista trabaja: presencia, insistencia, compromiso y resistencia. En su recorrido artístico, destaca la obtención de becas de creación e investigación como la Beca Danceweb-Impulstanz de Viena o la beca para la Real Academia de España en Roma (RAER). Asimismo, ha participado en el programa de artis-tas en residencia de La Casa Encendida y del Centro de Arte Dos de Mayo. Por otra parte, Cantero se implica de forma activa en diferentes proyectos con el fin de investigar la anatomía humana, la danza desde la transdisciplinaridad y la resistencia y la luz.

Fito Conesa (Cartagena, 1980) compone una oda a la adolescencia, quizá el estado liminal por antonomasia, donde un coro de jóvenes voces masculinas cantan al unísono. La obra es un registro de una pieza musical sin palabras, donde sólo se interpretan diferentes sonidos que remontan a una suerte de espacio transitorio, entre el presente y el pasado. En definitiva, una obra de-dicada al estado liminal de la voz y la pubertad, donde los sujetos en plena

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metamorfosis sonora se ven obligados a abandonar su carrera a la espera de una voz nueva que llegará. El artista ha dirigido, coordinado y colaborado en numerosos proyectos con diferentes instituciones como la Universidad de Gra-nada o el MACBA. Además, ha participado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Caixa Fórum Barcelona o La Casa Encendida en Madrid, entre otras.

La artista Núria Güell (Girona, 1981) expone ese sentimiento de no pertenencia a una nacionalidad concreta. Una liminalidad iniciada con un proceso apátrida que no llega a finalizar, puesto que, durante la realización de la obra, Güell des-cubre que únicamente se puede perder la nacionalidad por castigo del Estado, nunca por voluntad propia. En palabras de la artista, Apátrida por voluntad pro-pia (2015-2016) «surge de mi desidentificación con la estructura Estado-nación y de mi rechazo a la nacionalidad como construcción identitaria impuesta». En la carrera de Güell, destaca especialmente haber expuesto en la 4º Bienal de Ate-nas (2013) o en Bienal de París en Beirut (2016). Asimismo, ha estado presente en el Middelsbrough Institute of Modern Art de Reino Unido, en Festwochem de Viena o en el Museo de Arte Moderno de Moscú, entre otros espacios. Por otro lado, cuenta con numerosos premios y reconocimientos tanto nacionales como internacionales.

Jimena Kato (Lima, 1979) reflexiona en su obra sobre la incertidumbre del sujeto migrante. La artista peruana de ascendencia japonesa muestra en su instalación la condición de nómada, errante, donde todos los hogares son tem-porales. Por este motivo, Enclenques (2013) remite a los tipi, un tipo de vivienda portátil utilizada por diversos pueblos indígenas en América. Kato dispone un conjunto de piezas con riqueza de texturas y colores que juegan con la esta-bilidad. En cuanto a su trayectoria, la artista ha participado en numerosas ex-posiciones colectivas. De hecho, su obra se ha podido ver en Francia, Bélgica, España, Perú y Estados Unidos. Por otra parte, cabe mencionar que obtuvo el premio El Ranchito (Programa de residencias de Matadero Madrid-AECID con Cuba como país invitado) y fue galardonada en la IV Edición del Open Studio, Madrid, 2015.

Por su parte, Andrés Pachón (Madrid, 1985) alude en su obra a la colonialidad de las imágenes. El artista refleja las falacias que sostienen las fotografías de Fernando Debas realizadas en 1887 con motivo de la Exposición de Filipinas celebrada en 1887, en la ciudad de Madrid. Pachón, con la serie Tropologías I (2013) cuestiona el estatuto de verdad que se le aplica a la fotografía y nos re-cuerda las atrocidades del colonialismo. En sus propias palabras: «los retratados

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han sido “incorporados” en el fondo artificial, un espacio liminal desde el que el observado pasa a ser el observador». A lo largo de su carrera, el madrileño ha expuesto en diferentes espacios como el Museo Nacional de Antropología de Madrid o La Rodríguez Gallery, de Polonia. Asimismo, su trabajo se ha presenta-do en ferias como Volta 11 en Basel, ARCO Madrid 2014 o Art15 London’s global art fair; y ha sido galardonado con el Premio XXVII Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid o la Beca Transvisiones Alcobendas, en la ciudad de Lima, entre otros logros.

La instalación de Paula Rubio Infante (Madrid, 1977), El peso de la justicia (2007) reflexiona sobre el sistema penal español durante la dictadura franquista y los primeros años del periodo de transición. La artista documentó el estado actual de los espacios de la prisión de Carabanchel, cuyo cierre y traslado de los presos tuvo lugar en 1998. El funcionamiento del sistema penitenciario y el estado de privación de la libertad, por consiguiente, son dos temas subyacentes que la autora nos muestra en la vigorosa instalación. En lo que se refiere a su trayectoria profesional, su trabajo se ha caracterizado por un pronunciado interés en los conflictos de poder, las clases dominantes y las subyugadas mediante violencia. Cabe destacar que la artista ha ganado numerosos premios desde su licenciatura como el premio El Ojo Crítico de Artes Plásticas en el año 2015 o el 1º Premio ARCO-Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas en el año 2011. Asimismo, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en el panorama nacional y latinoamericano.

Por último, la obra de Nacho Martín Silva (Madrid, 1977) propone un tipo de liminalidad relacionado con una situación política: la Guerra Fría que fue pro-tagonizada por una compleja situación donde el bloque capitalista y el bloque comunista se disputaron el planeta. En el díptico titulado Past and present (2016) también se plasma el resultado de los diferentes expolios realizados por las “primeras potencias” mundiales del patrimonio cultural de los países con menos riqueza. En palabras del artista:

El díptico parte de dos modelos aparentemente disímiles: el hongo atómico de Hiroshima y una cerámica griega del Louvre. A partir de lo que cada una de esas imágenes sugiere al espectador y el nivel de representación que cada uno de los lienzos ofrece, la obra se sitúa en un punto entre el desconcierto y el destello de comprender algo desconocido.

Nacho Martín Silva, en su recorrido profesional, ha estado presente en la Maus Hábitos de Lisboa, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo y el Museo Fun-

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dación Eugenio Granell en Santiago de Compostela, OTR y Matadero de Madrid, entre otros. Además, en el año 2014 fue galardonado con el Premio Estampa-Ca-sa de Velázquez.

A modo de conclusión, como equipo curatorial de este proyecto, nos sentimos en cierta forma atravesando un estado liminal. Un estadio intermedio entre la vida estudiantil y el mundo laboral. Ante nosotros se abren puertas y se cierran otras. De cierta forma, nos exponemos a un futuro lleno de posibles oportunidades que podremos alcanzar, pero también de incertidumbre al encontrarnos con un pano-rama de acceso al empleo determinado por un mercado laboral desregularizado, precario y con elevadas tasas de paro.

Marta Corral RendaÁngela Ruiz Sansano

Abril, 2018

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Irene Cantero (1985)Be you still, 2017

www.enprofundidad.eu/inicio/irene-cantero

Be you still (2017) es una pieza performática que conjuga danza e instalación para explorar el contexto inestable, es decir, Cantero habla de la susceptibilidad de mutar, de la manipulación del espacio y los elementos que forman parte de él. La artista asimismo busca una interacción plural con los espectadores, ape-lando a una experiencia personal y directa de los asistentes y la construcción de la identidad. En la pieza, el movimiento del cuerpo de Cantero se enfrenta con una luz fluorescente. Según la artista: “Es un estado de guerrilla, resistente y maleable al mismo tiempo, que muestra un cuerpo expuesto que habla sobre este hecho mismo, el de exponerse, resistir, hacer las cosas de verdad y no solo hablar de ellas, compartirlo y responsabilizarse de un acto estético y ético.

Be you still, 2017 Performance / Instalación y video performance

Medidas Variables

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Fito Conesa (1980)Non Unísono, 2017

www.fitoconesa.org

La obra Non Unísono, un registro de una pieza musical coral, trata los cambios vocales provocados por la pubertad. Este proyecto - premiado por Generaciones 2017- exhibe un coro de voces masculinas que interpretan a su modo la notación musical. Los diferentes tonos, cadencias e intensidades son presentados en un espacio efímero entre presente y pasado, un simbolismo asociado al estado liminal y transitorio de la voz.

Esta pieza, interpretada por jóvenes, no produce palabras, solo sonidos. Por ello, su interpretación puede resultar compleja y en consecuencia requiere de una concentración exhaustiva por parte del coro. El artista glorifica a través de un recorrido narrativo y teatral el “momento simbólico o de tránsito personal” por el que pasa cada hombre.

Non Unísono, 2017 Vídeo monocanal 10’

Medidas Variable

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Mario Espliego (1983)Rito de paso, 2018

www.marioespliego.net

Rito de paso es un trabajo que cuestiona, a partir del busto, la imagen de la revolución soviética a través del líder de la URSS V.I.Lenin. El paradigma de hé-roe, afectado por la deformación hasta quedar irreconocible, converge con el carácter utópico del Plan Monumental del líder soviético. Esta obra evidencia la facilidad de lo quebrantable en las imágenes y la importancia del proceso hasta el resultado final.

En relación con Damnatio Memoriae, una ley romana que ordenaba la destruc-ción de las imágenes de mandatarios que habían sido castigados o sancionados por el régimen imperante se plantean dos cuestiones. Por un lado, la visión super-ficial hegemónica, frente a ciertas formas históricas posiblemente modificadas y la huella histórica del frágil material, sujeta a la deformación.

The inconsistency of the surface, 20XX Xxxxxxxxx xxxxxx

Medidas Variables

Rito de paso, 2018 Instalación, pieza audiovisual, metal y cemento

Medidas Variables

Ensayo I, 20XX Xxxxxxxxx xxxxxx

Medidas Variables

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Núria Güell (1981)Apátrida por voluntad propia, 2015-2016

www.nuriaguell.net

La artista, al no sentirse identificada con la estructura Estado-nación, rechaza la imposición de pertenecer a la nacionalidad española. Para ello, solicita la re-nuncia a la misma para pasar a ser apátrida, pero esa petición se le deniega. Esto trae consigo que la artista encargue a una abogada un informe en base a la legislación española en el cual se concluye que sólo se puede perder la nacio-nalidad si eres castigado por el Estado pero en ningún caso por voluntad propia. En un segundo informe, basado en el derecho de autodeterminación, se reveló que el derecho sólo se aplica al colectivo que pretende reproducir la estructura Estado-nación.

Tras un año y medio, se le notifica al artista, por parte del Ministerio de Justicia, que la petición es inviable, lo que conlleva a una obligatoriedad de pertenencia al mismo.

Apátrida por voluntad propia, 2015-2016 Fotografía en papel

50×70 cm

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Jimena Kato (1979)Enclenques, 2013

www.jimenakatomurakami.net

La obra Enclenques (2013) presenta un conjunto de piezas simples, elaboradas con madera, cuya disposición juega con la estabilidad, el punto de equilibrio de los cuerpos, las distintas combinaciones y las posibilidades de los materiales. En palabras de la artista, “los diferentes materiales sintéticos de varias texturas y colores responden de manera distinta a cada manipulación, a cada posición de los listones, creando una especie de vocabulario matérico de lo posible, el conato de una construcción primaria más o menos estable”. La obra se concibe como un toldo o un tipi, es decir, un tipo de alojamiento temporal, por lo que po-see carácter nómada, errante.

Enclenques, 2013 Material de embalaje e industrial y listones de madera

Medidas variables

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Nacho Martín Silva (1977)Past and present, 2016

www.nachomartinsilva.com

La obra de Nacho Martín Silva Past and Present (2016) formó parte de una expo-sición celebrada en Mallorca titulada Appreciated Future, en la cual se abordaba el concepto de “Guerra Fría”. Con este pretexto, el artista realizó un díptico que representa una explosión nuclear (obra de la izquierda) y una cabeza de una miniatura griega de terracota, actualmente ubicada en el museo Louvre de París (obra de la derecha). Esta última pieza plasma el resultado de los diferentes ex-polios realizados por las “primeras potencias” mundiales del patrimonio cultural de los países con menos riqueza.

Past and present, 2016 Óleo sobre lienzo

24×24 y 24×16 cm

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Andrés Pachón (1985)Untitled I de la serie Tropologías I, 2013

www.andrespachon.com

Untitled I de la serie Tropologías I (del estudio de Fernando Debas), es una obra que deriva de los archivos fotográficos coloniales que se conservan en el Depar-tamento de Documentación del Museo Nacional de Antropología de Madrid. La obra, modificada mediante intervenciones infográficas, cuestiona las verdades de las fotografías originales de 1887. En las fotografías originales aparecen los “modelos” filipinos delante de un paisaje salvaje fantástico. Este trampantojo des-velaba la imagen idealizada que tenía Occidente de estas civilizaciones desco-nocidas. El fotógrafo español Fernando Debas retrató una serie de filipinos que participaron en la Exposición de Filipinas de 1887 en Madrid.

La obra de Andrés Pachón presenta críticamente la idealización de la socie-dad occidental respecto a este mundo exótico y desconocido, que fue expuesto como una curiosidad de feria en esta exhibición de fines del siglo XIX. Esta obra refleja las falacias que enmascaran las fotografías del estudio de Debas.

Untitled I de la serie Tropologías I, 2013 Fotografía impresa sobre tela

250×200 cm

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Paula Rubio Infante (1977)El peso de la justicia, 2007

www.paularubioinfante.com

El peso de la justicia (2007) forma parte de una serie fotográfica de la autora en blanco y negro de 1998, tras el traslado de los presos y el cierre de la prisión de Carabanchel. En marzo de 2007, gracias a su padre que trabajó en estas instalaciones y a la colaboración de la Dirección General de Instituciones Peni-tenciarias, Rubio Infante volvió a entrar en la prisión para documentar el estado actual de los espacios.

La instalación proyectada por la artista consta de nueve pesos caseros, realiza-dos según el procedimiento utilizado en el Centro Penitenciario Madrid I y dos fotografías del lugar realizadas una semana después de que los presos fueran reinstalados. En las imágenes aparecen espacios como las celdas de los prisio-neros destinados a ser ejecutados por el garrote vil, el gimnasio o la lavandería de la ex cárcel.

El peso de la justicia, 2007 Instalación, fotografía y escultura

Medidas variables

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“Los hombres que llegan a la isla la ocupan realmente y la pueblan, pero en realidad si han

llegado a estar lo suficientemente separados y a ser lo suficientemente creadores, no harán otra cosa más que otorgar a la isla una imagen

dinámica de sí misma, una conciencia del movimiento que la produce, hasta el punto de

que a través del hombre la isla tomará finalmente conciencia de sí misma como isla

desierta y sin hombres” Gilles Deleuze

En las (mal) llamadas culturas primitivas, los estados liminales no suponían un tránsito o un desplazamiento subjetivo sin más. Entrañaba, más bien, una llega-da traumática aunque celebrada por la comunidad, como un triunfo del orden social. Un punto y aparte en la vida personal del sujeto, victorioso tras un exi-gente camino de privaciones y formalidades, siempre con un objetivo claro, un origen y un punto final. Esto es, la superación de un rito de paso, de acuerdo a las enseñanzas de la antropología cultural. Por ejemplo: el tránsito de la infancia al mundo adulto, cuando no quedaba más remedio que dejar atrás lo que uno había sido hasta entonces, junto con sueños, ilusiones y jovialidad. Pienso en la película Walkabout (1971) de Nicolas Roeg, en la que una chica y su hermano pequeño se pierden en el desierto australiano tras un turbio incidente familiar y allí, en medio de peligros y soledades, se encuentran con un joven aborigen que les enseña las claves de cómo sobrevivir por sí mismos. Otro ejemplo podría ser el salto que media entre razón y locura, que en las culturas no-occidentales no era perseguido ni medicalizado, como lo es ahora, sino respetado desde la creencia en otras formas de saber de naturaleza mágica o espiritual. Un último ejemplo serían los procesos de hermandad y las distintas ceremonias iniciáticas de sectas o grupos ocultistas, con toda su parafernalia estética y hermética.

Lo liminal como condición. Resistencia y afecciones en la era de lo inestable

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Acierta, en todo caso, el título de este proyecto expositivo curado por el grupo de alumnos del Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas, de la Universidad Nebrija, cuando cruza la noción de “estado liminal” con el cam-po de las artes visuales. Porque el arte contemporáneo, tanto en su acercamiento a temas y conflictos como la migración, la alteridad o los espacios de reclusión, como en la relación institucional que se describe entre artista, obra y espectador, se refiere constantemente a una cierta territorialidad en disputa: a un lugar de posiciones inciertas, marcado por desplazamientos constantes, así como por un sentido escurridizo y tentacular que aun operando dentro de determinados códi-gos comunicacionales es capaz de ponerlos en entredicho, produciendo efectos inesperados que surgen del encuentro entre discurso, objeto y lugar.

Aunque es posible que, en la actualidad, la idea de lo liminal haya perdido parte de su aura romántica. Sin duda, parece ausente de la manera en que la expe-riencia contemporánea es violentada por transformaciones ya no deseadas o puntuales, sino por alteraciones constantes y forzadas que caracterizan, en con-junto, una realidad atravesada por precariedades de todo orden. Donde viajar ya no supone un hito ni una gesta heroica, sino un momento de suspensión en aeropuertos, autopistas y aduanas distintas pero idénticas, dentro de una lógica que no distingue entre ocio y trabajo. De igual forma que las comunicaciones, cada vez más banales, tienen en la instantaneidad y en la disponibilidad total su destino y horizonte general. En ese sentido, los estados liminales de antes, en tanto momentos míticos y fundacionales, ha dejado de tener vigencia. O tal vez estén más vigentes que nunca, ya que en la actualidad esos tránsitos, ambiguos y dolientes, lo atraviesan todo, enfrascados como estamos en un ida y vuelta perpetuo. Que sin duda está emparejado con la obligación de ser, por encima de todo, emprendedores. Es decir, sujetos forzados a superar sus límites, que se reinventan ad infinitum, tratando de ser mejor a cada intento, para los que resulta igual de molesto ser uno mismo que verse forzado a transformarse incesante-mente, cambiando por ejemplo de residencia y trabajo.

En ese sentido, más allá de lo celebratorio, o del supuesto éxito que entraña alcanzar un estatus que en realidad significa inscribirse bajo signo de la nor-malización biopolítica, lo realmente interesante de este proyecto curatorial es su apuesta por desplazar la noción de lo liminal fuera de los márgenes académicos. Me explico: el valor de la propuesta se sostiene en cómo ha transportado el conflicto de los ritos de paso del estudio de las culturas primitivas y del ámbito de la narratología a la pugna constante que constituye nuestra experiencia de vida actual. Porque si algo comparten los trabajos seleccionados para formar parte de esta muestra es la decisión con la que abordan esta pulsión de cambio

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o -según la jerga neoliberal- crecimiento personal, que se expande por el cuerpo político, de lo más privado al espacio público, de modo que tanto lo que pasa por el cuerpo como lo referido a las instituciones y las formas de gobierno ha terminado adquiriendo una dimensión inestable, pasajera, casi caprichosa, que irremediablemente desemboca en síntomas como la ansiedad o la depresión, propios de un malestar estructural.

Desplegando estrategias formales y poéticas que debaten la subjetividad do-minante, existe un grupo de propuestas en la exposición que literalmente se en-redan en problemáticas referidas a cómo el poder disciplina los cuerpos con normativas y representaciones oficiales que, si bien resultan seductoras, según el léxico spinoziano han de ser calificadas como pasiones tristes, en la medida en que nos restan potencia. Pienso en los casos, más evidentes, de Núria Güell y Paula Rubio Infante. Dos trabajos que, operando con lenguajes distintos, re-producen gestos y documentos tomados de la parte más pesadillesca de la bu-rocracia, como la estructura identitaria de los estados-nación, las institucionales policiaco-penales o los aparatos de reclusión. O también en el caso de Jimena Kato y de Mario Espliego, aunque de forma más elíptica, cuando recurren a pro-ducciones estéticas como banderas o bustos para reflexionar sobre temas como la errancia o la fragilidad del sentido. Gestos poéticos que se deben extrapolar fuera de la estética o la ideología, a ejemplos menos grandilocuentes como las personas migrantes que, igual que las estructuras pictóricas de Kato, transitan con sus pertenencias y sus frustraciones de frontera en frontera. Así como en el conjunto presentado por Espliego, formado por un vídeo y varias esculturas de distinto tamaño, con las que el artista evidencia la capacidad de los discursos públicos y de los líderes para construir relatos hegemónicos. Algo que se pue-de emparentar, en cierto sentido, con el trabajo que presenta Andrés Pachón, Untitled I de la serie Tropologías I (del estudio de Fernando Debas). Una inves-tigación que parte de archivo del Museo de Antropología de Madrid, sobre los usos coloniales de la imagen. Pachón interviene una serie de fotos tomadas por Fernando Debas a “modelos” filipinos delante de exótico escenario con técnicas infográficas, desvelando así la idealización y domesticación que marca la repre-sentación del otro.

Pensar, también con las manos, produciendo imágenes y gestos, según Gilles Deleuze, supone una forma de resistir: una fuerza de choque que desborda el pensamiento hacia el afuera, en dirección a la vida cuando ésta es comprendida como un campo de encuentros, y no como un rito orquestado por las necesida-des y los ritmos que impone el mercado. Menos evidente, la participación de Nacho Martín Silva consiste en un díptico compuesto por una pintura de una

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explosión y otra de un fragmento de una escultura griega, hoy conservada en el Louvre de París. Dos imágenes que, más allá de su “tema” -la Guerra Fría y el expolio de antigüedades practicado por las grandes potencias-, son interesantes en tanto que habilitan una reflexión sobre la pintura misma. Un medio y, además, una forma de ser. El pintor obsesionado con su hacer. Enfrascado en largas con-versaciones sobre capas y límites invisibles para los profanos, tratando de dar con la fórmula exacta para hacer visible nada más que lo esencial. El campo de exploración de la pintura como un proceso sensible y corporal, abierto a la incertidumbre, ahora bien, a una incertidumbre deseada, que no se ve obligada a cumplir ridículos planes y objetivos laborales.

Sobre el cuerpo y los afectos que congrega a su alrededor, trabaja la propuesta de Irene Cantero. Entre la instalación y la performance, la artista produce un ambiente que busca la participación del espectador. En este espacio de inter-cambios sensibles, un fluorescente se enfrenta a los movimientos del cuerpo de la artista, generando cambios constantes que difuminan los límites del yo y del nosotras. Non Unísono, la obra presentada por Fito Conesa en este proyecto, igualmente recurre al cuerpo y a la vitalidad de sus transformaciones. Por medio de un registro de audiovisual de un coro de jóvenes en los límites de la pubertad, la pieza despliega un juego de ritmos, cadencias y repeticiones sonoras que, más allá de la palabra, se enmarcan en un dispositivo afectado por la familiaridad de la voz, pero también por su dimensión siniestra y desestabilizadora.

Si bien es legítimo desconfiar de la efectividad social del arte, esto es, de su po-tencia de cambio en un sistema diseñado para incorporar cualquier crítica, privi-legiando la práctica artística que solo interpela al arte contemporáneo, contextos como este proyecto favorecen un buen número de desplazamientos en los códi-gos estéticos y éticos. En ese sentido, además de abrir un diálogo sobre cómo los ritos de paso se han extendido a multitud de experiencias antes estables, hoy rendidas a un estado de hiperactividad incesante, Estado liminal performativiza la vulnerabilidad de una experiencia liminal convertida en condición de una vida que, como señala López Petit, ha de ser rentabilizada, un modo de existencia incierto, que soslaya cómo la subjetividad puede sentirse a la vez propia y ajena.

Alfredo Aracil Compositor, doctor en Historia del Arte,

gestor y asesor cultural

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DIANA ANGOSO Directora académica Máster en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas Universidad Nebrija

ANDREA PACHECO Coordinación generalExposición “Estado Liminal”

CARLOS DELGADO Coordinación académica TFM “Estado Liminal”

MARIA DOLORES IGLESIAS Coordinadora Premio Universidad Nebrija de adqui-sición a la creación artística

ÁNGELA RUIZ SANSANO Alicante, 1989Diplomada en Magisterio Infantil por la Universidad de Alicante (2009-2011), graduada en Historia del Arte por la Universidad de Granada (2012-2016). Responsable de stand y guía en AR-COMadrid’18.Se encuentra realizando sus prácticas en el Museo Thyssen- Bornemisza.

CELSO CUESTA IBASETA Santander, 1994Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca (2012-2016). Se encuentra realizando sus prácticas en Subastas Goya.

DESIRÉE ARRIZABALAGA Álava, 1995Graduada en Historia del Arte por la Université de Pau des Pays de l’Adour en Pau, Francia (2014-2017). Realizó sus práticas en Feriarte 2018. Respon-sable de stand y guía en ARCOMa-drid’18.

MARÍA ALCALÁ FRANCO Sevilla, 1991Graduada en Bellas Artes por la Uni-versidad de Sevilla (2013- 2017). Se encuentra realizando sus prácticas en la Galería The Goma.

MARTA CORRAL RENDA Vizcaya, 1994Graduada en Historia del Arte (2013-2017) por la Universidad de San-tiago de Compostela. Se encuentra realizando sus prácticas en La Fresh Gallery.

YU WANG China, 1984Licenciada en Diseño Artístico por el Instituto Artístico de Jilin, en la rama de Escultura (2008). En Madrid realizó el Curso Superior de Cultura Española en el Centro Complutense (año 2011-2012). Desde el año 2014 es guía de la colección del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y, desde 2016, agente comercial de Mercado Chino en el departamento de Marketing y Promoción del Museo Nacional Thys-sen- Bornemisza.

Equipo Académico

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Av. de Filipinas

C/ de Alberto Aguilera

C/ de Meléndez Valdés

C/ de Fernández de los Ríos

Teatros del Canal

Museo ABC

C/ Donoso Cortés

C/ del Marqués de Urquijo

C/ de la Princesa

C/ Cea Bermúdez

C/ Tutor

Islas Filipinas

Quevedo

Bilbao

San Bernardo

Santo Domingo

Plaza España

Canal

Moncloa

Ciudad Universitaria

Argüelles

Universidad Nebrija Campus Madrid-Princesa

Centro Cultural Galileo

Centro de Arte Moderno

C/ de Fernando el Católico

51

C/ de L

ucha

na

C/ de Sagasta

Teatros del Canal

Cines Verdi

Quevedo

Bilbao

Tribunal

Canal

Centro Cultural Galileo C/ Fernando el Católico, 35. 28015 Madrid. ccgalileo@madrid.es www.madrid.es/cgalileo

Campus Madrid-Princesa C/ Sta. Cruz de Marcenado, 27. 28015 Madrid. informa@nebrija.es www.nebrija.com

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Este proyecto es una iniciativa del MÁSTER EN MERCADO DEL ARTE Y GESTIÓN DE EMPRESAS RELACIONADAS de la UNIVERSIDAD ANTONIO DE NEBRIJA, con la colaboración del CENTRO CULTURAL GALILEO (Distrito de Chamberí) y el apoyo del AYUNTAMIENTO DE MADRID.