capÍtulo ii desarrollo 1. bases teÓricas 1.1. diseÑo …
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CAPÍTULO II
DESARROLLO
1. BASES TEÓRICAS
1.1. DISEÑO GRÁFICO
Según Bridgewater (1992), el diseño gráfico es una herramienta de
trabajo y necesita de un contexto para ser aplicada. El diseño va unido a las
páginas de un libro, a una cubierta, a la señalización, a la carteleria, a las
producciones audiovisuales y a otras posibilidades que se conocen y con
resultados que están a la vista.
Al mismo tiempo Zappaterra (2000), define el diseño gráfico como un
lenguaje con símbolos sociales, y a su vez menciona que un tipo manuscrito
no siempre ha de utilizarse en un contexto “real” ni tiene por qué hacer
referencia a la caligrafía romántica y al vocabulario que suele asociársele.
En el mismo contexto Zappaterra (2000), señala que el diseñador
gráfico como comunicador social debe trabajar en diferentes áreas y medios
y deberá ser capaz de cumplir las instrucciones de los clientes con unos
términos muchos más amplios de lo que antes era posible.
De acuerdo a los autores anteriormente mencionados, se puede decir
que el diseño gráfico se basa en la comunicación visual generada a partir del
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desarrollo de una idea.
El diseño gráfico se clasifica en: diseño web, multimedia, editorial, de
modas, de interiores y experimental.
1.2. EDITORIALES
El término editorial tiene tres grande usos o significados. Como adjetivo,
el concepto se refiere a aquello perteneciente o relativo a los editores o las
ediciones. Un editorial, por otra parte, es un artículo periodístico no firmado
que presenta un análisis y, por lo general, un juicio sobre una noticia de gran
relevancia. Se trata de una nota que refleja la línea ideológica y la postura del
medio de comunicación sobre el asunto en cuestión. En este sentido, el
editorial también es un género periodístico.
La página www.definicionabc.com (2014), explica que sin embargo, el
avance de las nuevas tecnologías permite la existencia de editoriales en los
cuales se imprimen materiales a pedido o que se limitan a publicar los textos
en formato digital. En consecuencia el diseño de editoriales forma parte del
trabajo del diseñador gráfico, pues dentro de este campo existe una amplia
posibilidad para la creatividad y la innovación gracias a los avances
tecnológicos de los últimos tiempos.
1.3. TIPOS DE EDITORIALES
Los materiales impresos se caracterizan por codificar la información
mediante la utilización del lenguaje textual (suele ser el sistema simbólico
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predominante) combinado con representaciones icónicas. En su mayor parte
son materiales que están producidos por algún tipo de mecanismo de
impresión.
En este sentido, Flanagan (1991), plantea como los materiales
impresos se diferencian de otros tipos de medios por el hecho de estar
compuestos de hojas o pliegos (normalmente hechos de papel) sobre los que
la información se presenta en hileras de caractereres o símbolos.
Así mismo, señala el autor que a veces se intercala también material
visual, entre las líneas. En ocasiones, el material impreso no es más extenso
que una sola hoja de papel; otras veces, contiene una serie de páginas que
pueden estar cosidas, pegadas, atadas, encuadernadas o grapadas por uno
de los dos lados, formando una especie de paquete.
Las publicaciones editoriales se clasifican en: Díptico, Tríptico, Folleto,
Catálogo, Periódico, Libro y Revista.
1.3.1. DÍPTICO
Es un impreso formado por una lámina de papel o cartulina que se
dobla en dos partes.
1.3.2. TRÍPTICO
Es un impreso formado por una lámina de papel o cartulina que se
dobla en tres partes.
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1.3.3. FOLLETO
Es un impreso de varias hojas que sirve como instrumento divulgativo o
publicitario.
1.3.4. CATÁLOGO
Son las publicaciones que ofrecen información sobre una serie de
productos y servicios de una empresa o institución. Es el mejor medio que se
tiene para ofrecer sus servicios o productos al público ya que permite mostrar
de forma correcta los contenidos deseados por la empresa, sin limitar calidad
y espacio.
1.3.5. PERIÓDICOS
Es la publicación periódica que presenta noticias (crónicas, reportajes) y
artículos de opinión o literario además de proporcionar información diversa a
sus lectores como meteorológica, bursátil, de ocio o cultural (como
programación de cine o teatro), de servicios públicos (como farmacias de
guardia, horarios y líneas de transporte o similares); a veces también incluye
tiras cómicas y diversos tipos de suplementos.
De acuerdo con www.enciclopedia.wiki.com (10/07/14), el periódico es
una publicación de periodicidad constante (de ahí su nombre), generalmente
diaria, con el propósito fundamental de informar objetivamente a la
ciudadanía de los acontecimientos más importantes sucedidos
recientemente.
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1.3.6. REVISTAS
Tal como lo explica, www.kaplussh.wordpress.com (10/07/14), es una
publicación de aparición periódica, a intervalos mayores a un día. A
diferencia de los periódicos, orientados principalmente a ofrecer noticias de
actualidad más o menos inmediata, las revistas ofrecen una segunda y más
exhaustiva revisión de los sucesos, sea de interés general o sobre un tema
más especializado. Por lo general, están impresas en un papel de mayor
calidad, con una encuadernación más cuidada y una mayor superficie
destinada a la gráfica.
En correspondencia con el sitio web www.definicionabc.com (10/07/14),
una revista es una publicación impresa editada de manera periódica (por lo
general semanal o mensual). Actualmente, existen revistas sobre una amplia
variedad de temas y dirigidas a distintos tipos de público. Hay revistas
infantiles, femeninas, para hombres, de interés general, de espectáculos,
deportivas, de análisis político, económico y humorístico, entre otras.
De manera similar en la página www.deconceptos.com (11/07/14), se
denominan comúnmente revistas a las publicaciones realizadas de forma
periódica, sobre uno o varios temas, de interés general o entretenimiento,
generalmente ilustradas. Cuentan muchas veces con publicidad, para poder
costear los gastos de producción, a cargo de editoriales. Algunas revistas se
venden y otras son de distribución gratuita.
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1.3.7. LIBROS
En la página www.definicionabc.com (11/07/14), se puede hablar de
libros prácticamente desde tiempos inmemoriales y a través de diversas
técnicas de producción como las pinturas rupestres en el Paleolítico, que
“imprimían” sus memorias en la piedra. Durante la Edad Antigua y Media los
libros eran raros y costosos y se producían a mano en pergaminos. A partir
de la creación de la imprenta de tipos móviles por parte de Gutenberg
alrededor del año 1450 y el abaratamiento de los costos, comenzaron una
explosión bibliográfica que generó la proliferación de los libros impresos.
Es una obra ya sea manuscrita, impresa o pintada, dispuesta en hojas
de papel encuadernadas y protegidas por una cubierta. En general, para ser
considerado un libro, debe tener al menos 50 páginas, puede estar
distribuido en varios tomos o volúmenes. Se llama libro a una obra que trata
sobre cualquier tema e incluso que no contenga palabras sino solo
imágenes.
Un libro es una obra impresa, manuscrita o pintada en una serie de
hojas de papel, pergamino, vitela u otro material, unidas por un lado (es
decir, encuadernadas) y protegidas con tapas, también llamadas cubierta.
Hoy día, no obstante, esta definición no queda circunscrita al mundo
impreso o de los soportes físicos, dada la aparición y auge de los nuevos
formatos documentales y especialmente de la World Wide Web. El libro
digital o libro electrónico, conocido como e-book, está viendo incrementado
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su uso en el mundo del libro y en la práctica profesional bibliotecaria y
documental. De acuerdo con www.audioarticulos.com (11/07/14), el libro
también puede encontrarse en formato audio, en cuyo caso se
denomina audio-libro. De acuerdo con lo anterior, un libro puede ser
científico, literario o lingüístico, muchas otras variantes.
1.3.7.1. CLASIFICACIÓN DE LOS LIBROS
De acuerdo a su contenido los libros se clasifican principalmente en 9
tipos, los cuales a su vez en más subtipos, pero debido a su extensión se
mencionaran solo los principales.
(A) DE GRAN FORMATO
Son librosde gran formato y tapa dura donde su diseño y una exquisita
edición, con abundantes ilustraciones, tienen más importancia que los textos.
Este tipo de libros tiene gran auge comercial como artículos de regalo y se ha
convertido en complemento decorativo de los hogares, por su atractiva
presentación se exhiben en salones y despachos, sobre mesas, en lugar de
guardarse en estanterías; así lo expresa www.bibliodigital.udec.cl/index.php
(11/07/14).
Generalmente son ediciones de lujo en grandes formatos. En estos
libros la importancia está en el diseño editorial y las fotografías o
ilustraciones, el texto aunque tiene importancia, generalmente es bastante
breve y acompaña el material gráfico. Están pensados para interesar a un
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público amplio y ser dispuestos en mesas como entretenimiento para las
visitas y como elemento decorativo. Por ello son frecuentes en espacios y
áreas donde la visita del público implica esperar, con el fin de captar la
atención de la persona e interesarla por su lectura.
Según www.redgrafica.com (11/07/14), son ejemplares con cuidadas
encuadernaciones y con imágenes llamativas, impresas en papel de calidad.
Debido a su alto coste de fabricación no dan tanta importancia a los textos,
muchos se imprimen para su distribución internacional en una sola versión,
bilingüe o en más idiomas.
(B) DE VIAJE
Se conoce como libro de viaje la publicación de las experiencias y
observaciones realizadas por un viajero. Estos libros suelen estar
ocasionalmente ilustrados con mapas, dibujos, grabados, fotografías, entre
otros, realizadas por el autor o por alguno de sus compañeros de viaje. La
literatura sobre los viajes en realidad no es nueva, existe desde hace
bastante tiempo y ha sido cultivada por muchos autores de todos los
continentes.
Es un género muy solicitado con una amplia gama de público. Hoy en
día existen publicaciones especializadas sobre el tema, escritas por personas
dedicadas expresamente a recorrer el mundo en busca de datos
interesantes. Existen fundamentalmente dos tipos de libros de viajes: a) Los
que escriben los propios naturales de un país sobre su mismo país y b) lo
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que escriben los extranjeros sobre un país que no es el suyo.
Así lo plantea www.bibliodigital.udec.cl/index.php (11/07/14), al decir
que estos últimos revisten un particular interés porque revelan puntos de
vista diferentes, a veces enriquecedores para los habitantes del país visitado
o inspeccionado, haciendo gala de un gran poder de observación y análisis
profundizando realmente en la identidad y/o problemática de un país.
Así los libros de viajes conforman un género literario que ha gozado de
una enorme popularidad durante siglos, pese a que su definición sigue
resultando difícil. Por lo general se entiende como libro o relato de viajes el
que se ajusta a una o más de las siguientes características: relato no ficticio
escrito en primera persona del singular (o plural) que describe un viaje a
través de un país extranjero con numerosas observaciones sobre el paisaje,
la geografía, la flora, la fauna, los habitantes, el modo de vida, la historia y las
costumbres sociales del país.
(C) CIENTÍFICOS
Son aquellos en donde se emplea lenguaje científico. Siendo este el
lenguaje utilizado para la comunicación, cuyo universo se sitúa en cualquier
ámbito de la ciencia, producida esta comunicación exclusivamente entre
especialistas, o entre ellos el público en general, de cualquier situación
comunicativa y canal establecido.
Los textos científicos pertenecen a las ciencias experimentales puras,
las cuales estudian las realidades físicas del mundo y se caracterizan pos la
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búsqueda de principios y leyes generales que posean validez universal. Por
otro lado, los textos técnicos se refieren a las ciencias aplicadas en sus
vertientes tecnológicas e industrial. Estas ciencias tecnológicas son las que
estudian las posibles aplicaciones y derivaciones prácticas de los principios y
leyes generales establecidas por las ciencias experimentales. Es común
englobar ambos tipos de textos y referirse a ellos como contenido científico-
técnico. Algunas de las cualidades de los textos son:
(a) Claridad: se consigue a través de oraciones bien construidas,
ordenadas y sin sobreentendidos. En general los textos científicos mantienen
una sencillez sintáctica, aunque también existen textos de sintaxis más
compleja.
(b) Precisión: se deben evitar la terminología ambigua y subjetiva, en su
lugar, emplear términos unívocos (términos con un solo significante y
significado).
(c) Verificabilidad: se debe poder comprobar en todo momento y lugar la
veracidad de los enunciados del texto. Esto puede comprobarse tanto
mediante leyes como mediante hipótesis.
(d) Universalidad: explica que los hechos tratados puedan ser
comprendidos en cualquier parte del mundo por cualquier miembro del grupo
al que va dirigido. Para ello se recurre a una terminología específica que se
puede traducir como mucha facilidad de una lengua a otra. Estos términos
científicos, también llamados tecnicismos, suelen ser unívocos, ya que
designan una única y precisa realidad.
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(e) Objetividad: se le da primacía a los hechos y datos sobre las
opiniones y valoraciones subjetiva del autor.
A decir de www.textoscientificos.com (11/07/14), los textos científicos
incluyen las siguientes 6 subcategorías, de un total de seis: Astronomía,
Biología, Diccionarios, Lingüísticas, Manuales, Medicina.
1.3.7.2. SECCIONES DEL LIBRO
Cuando se habla de secciones, se refiere a las diferentes partes en que
se puede dividir un libro, una revista o un periódico. Existen algunas
secciones utilizadas por todos, otras son más características de un tipo de
publicación determinada. Por ejemplo: Una revista puede constar de portada,
contraportada, editorial, sumario o contenido, en la que se pueden encontrar
diferentes temas y anuncios. Sin embargo, un libro puede tener infinidad de
partes diferentes como la portada, contraportada, página de guarda,
presentación, prólogo, bibliografía, la cubierta, lomo, solapas, la página de
créditos, la dedicatoria, el prefacio, la nota de agradecimientos, el sumario, el
texto con sus partes, capítulos e ilustraciones; y los materiales finales como
apéndices, notas bibliográficas, páginas de créditos de las ilustraciones,
glosarios, índices, colofones.
(A) SECCIÓN EXTERNA
En el momento en que se comienza a concebir una determinada
publicación se debe analizar todos los factores (el lector, contenido, objetivos
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de la publicación), pero sobre todo se debe tener que concebir ese trabajo
pensando en que nuestro principal objetivo es acercar el contenido de la
publicación al lector, por lo que dos cosas serán fundamentales, como
construir una estructura o anatomía que invite y ayude a navegar por las
diferentes partes o secciones que constituyen una publicación, se debe
seleccionar un abanico tipográfico que nos ayude en esa tarea así como un
entorno visual que sea el mejor anfitrión para esa invitación.
(a) Sobrecubierta: es la parte colocada sobre la cubierta. Se utiliza en
algunos casos para añadir calidad a la publicación y como elemento
decorativo y protector de la edición. Normalmente adquiere el diseño de la
cubierta, pero en aquellos libros en los que la cubierta es de piel o tela la
sobrecubierta es un papel con una impresión y contenidos diferentes que
proporciona los datos de la obra (titulo, autor, editorial).
(b) Solapas: son las partes laterales de la sobrecubierta que se doblan
hacia el interior. En muchas ocasiones se utiliza este espacio para incluir
datos sobre la obra (sinopsis), el autor (bibliografía) u otras colecciones o
títulos de la misma editorial.
(c) Tapa (Cubierta): estas pueden ser de diferentes materiales, papel,
cartón, cuero u otras menos comunes. En la parte anterior de la cubierta,
tanto en la forma como en el concepto a trasmitir debe estar en relación con
el contenido del libro. Los elementos que normalmente aparecen en ella son
el título de la obra, autor y la identificación gráfica de la editorial.;
normalmente se incluye alguna fotografía o ilustración que lo identifiquen con
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una determinada colección.
(d) Lomo: es la parte del libro en la que se unen los pliegos de hojas
constituyendo el canto del libro, por lo que dependiendo del número de éstas,
del gramaje del papel y del tipo de encuadernación, variará el grosor.
Normalmente en esta parte se coloca el título del libro, el autor del mismo, y
la editorial o logotipo de la misma.
(e) Contratapa: en las novelas se utiliza como resumen del texto
principal o en ciertos casos, para ubicar la biografía del autor.
(B) SECCIÓN INTERNA
(a) Página de Cortesía o de Respeto: son páginas en blanco que se
colocan al principio, al final, o en ambos sitios, dependiendo de la calidad del
libro.
(b) Contraportada: es la parte del libro enfrentada con la portada. A
veces contiene otras obras del autor u otros aspectos, y otras veces no lleva
ningún tipo de contenido.
(c) Portadilla: es la primera página impar anterior a la portada. Se suele
escribir solo el titulo de la obra o también con el nombre del autor.
(d) Portada: es la primera página impar que contiene el nombre de la
obra y en algunas ocasiones el nombre del autor y la editorial. Suele
contener los mismos datos de la tapa.
(e) Créditos O Página De Derecho: contiene datos específicos de la
edición: año, número de la misma, nombres de los colaboradores (diseñador,
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fotógrafo, ilustrador, traductor, etc.), Copyright (derechos reservados al autor
y editor) e ISBN (International Standard Book Numbers, que corresponde al
código numérico del país de edición, editorial y temática del libro).
(f) Dedicatoria: es la página impar en la que el autor dedica la obra.
(g) Índice: cuando se trata más de un tema, existirá la necesidad de
poder ubicarlo y ver la distribución de los mismos. Para esto se establecerá
un índice al principio o al final del texto principal.
(h) Texto Principal: estará compuesto en la tipografía elegida, según la
elección del cuerpo, interlineado y característica de la caja tipográfica variará
su longitud. En relación con la tipografía podrá hacerse uso de más de una
familia o de variaciones dentro de una misma familia para poder diferenciar
entre títulos, subtítulos, epígrafes, citas, notas, etc. El cuerpo del libro
contiene también, presentación, prólogo, introducción capítulos o partes,
anexos y bibliografía, además de las ilustraciones, láminas o fotografías que
contenga.
(i) Cabezal/Encabezamiento: es la indicación del nombre de la obra,
autor, capítulo o fragmento ubicado en la parte superior de cada página
correspondiente al texto principal (no siempre se utiliza).
(j) Pie De Página: es la ubicación habitual del folio (o numeración de
página) y de notas y citas correspondientes al texto principal.
(k) Folio o Numeración de Página: es la indicación de la numeración en
cada una de las páginas, permite al lector ubicar la página que desea
fácilmente. Para la numeración se considera a partir de la portada en
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adelante. No se folian las páginas fuera del texto principal ni las blancas.
(l) Biografía Del Autor: se le puede ubicar en las solapas, si las hubiese,
o en la contratapa.
1.4. DISEÑO EDITORIAL
Tal como lo explica Carbajal (2009), el diseño editorial consiste en la
diagramación de textos e imágenes incluidas en publicaciones tales como
revistas, periódicos o libros. Se deben tratar uno o varios temas y la elección
de ellos depende en gran medida a qué tipo de público irá dirigido.
El diseño de alguna revista o cualquier otro medio tiene ciertas
características en cuanto a formato, composición, contenido de las páginas,
etc., e incluso jerarquía de los elementos para tener una noción de cómo irán
estructurados y distribuidos.
Cualquiera de estos medios puede proyectar una sensación de unidad,
deben seguir un patrón único y a partir de conceptos se crean estilos para
diferenciar algunas reproducciones, así lo expone www.dobleclic.com (2014).
El diseño editorial se ocupa de la maquetación, confección de
publicaciones tales como revistas, libros y periódicos. Asimismo se aplica a
ciertos folletos, publicidades o cualquier diseño principalmente textual. Este
tipo de diseño se ocupa de la organización de la información a partir del texto
que la contiene. El tratamiento se le hace al texto, al soporte y a lo contenido
con el objetivo de lograr cierto efecto comunicativo, una determinada manera
de transmitir y jerarquizar la información. Por ejemplo, no será la misma
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forma de jerarquizar la información la que utilice un texto académico que un
libro infantil.
En el primero, el texto se presenta de corrido y el diseñador sólo se
ocupa de que éste sea lo más fácilmente legible posible. En cambio, en el
libro infantil se hace mucho hincapié en resaltar con distintos elementos lo
que es más importante para facilitar la lectura, tal como lo expresa
www.ricardolince.com (11/07/14).
1.4.1. ELEMENTOS PARA EL DISEÑO DE MEDIOS IMPRESOS
La combinación de los elementos es lo que permite que el diseñador
fusione el contenido de una publicación, aportándole, al mismo tiempo, una
identidad única, según lo expone Bhaskaran (2006). Por supuesto, la
importancia de cada uno de estos elementos variará con el tipo de
publicación diseñada, Sin embargo, un buen diseño nunca debe invalidar el
contenido, y viceversa; en lugar de ello deben trabajar juntos para apoyarse y
sacar uno lo mejor del otro.
Considerando la potencialidad que tiene cada elemento que se
selecciona desde un punto de vista visual manejado de forma adecuada,
llega a definir base sólidas de comunicación, por lo tanto, el diseñador debe
procurar en todo momento encontrar un equilibrio formal entre los elementos,
con el propósito de hallar un adecuado sentido del diseño, que logre
comunicar eficazmente el mensaje deseado. Con este proceso hay que
considerar el uso racional de los elementos gráficos.
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Cabe destacar la importancia de siempre mantener un adecuado peso
compositivo para establecer el equilibrio armónico entre cada uno de los
elementos. El diseñador debe buscar y encontrar las relaciones entre
elementos y espacio donde ha de interactuar.
Basado en esta premisa, se establece la importancia atribuida en
relación del tamaño y ubicación de cada elemento, según la importancia que
se desea adjudicarle sobre el resto de la composición; el diseño teniendo
clara la información sobre aquello que se quiere comunicar, puede comenzar
a generar las soluciones adecuadas.
Una composición gráfica puede ser influenciada por uno o muchos
elementos gráficos, así mismo puede componerse exclusivamente de la
presencia de texto o solo imágenes, puede poseer grandes espacios vacíos
o constituir una combinación equilibrada entre elementos.
Por consiguiente, los elementos compuestos de un impreso en sentido
general son la diagramación, el texto y la imagen, pues a través de estos
elementos el diseñador hace llegar el mensaje del contenido y establece,
dentro del espacio compositivo, que de igual manera permite la unificación de
todos los elementos, y así obtener un excelente resultado.
1.4.2. FORMATOS EN EL DISEÑO EDITORIAL
Se define el formato como el tamaño del área que se tiene para realizar
una composición, es decir para diseñar. En el aspecto Editorial hay
ocasiones en las que el formato puede ser elegido por el diseñador, lo que le
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da muchas posibilidades a la hora de componer. Pero en la mayoría de las
ocasiones, esto no sucede, y el espacio o formato esta predefinido, lo que
obliga al diseñador a adaptarse a dicho formato. De cualquier forma, la
composición o ubicación de los elementos, deberá hacerse en coherencia
con el formato, Un aspecto que se debe tener en cuenta dentro de los
formatos es la imagen, es decir el espacio en blanco que rodea la
composición. Dependiendo del tipo de trabajo que se esté realizando el
margen tendrá una función diferente.
Por ejemplo, si lo que se está haciendo es el diseño de un libro, los
márgenes pueden tener una doble misión.
Por un lado estética, dejando un margen blanco en los extremos
(superior, inferior, derecho e izquierdo) de la composición para que esta sea
más clara y agradable de leer. Por otro lado. Práctica, ya que los márgenes
pueden servir para facilitar la encuadernación del libro. A su vez los formatos
se dividen en diferentes estructuras: Formatos de una columna, formatos de
dos columnas y formatos de tres y cuatro columnas, cada uno de ellos posee
su función dependiendo del producto que se va a elaborar, lo que permite
seleccionar el formato más idóneo.
1.4.3. DIAGRAMACIÓN EN EL DISEÑO EDITORIAL
De acuerdo a lo expresado por www.diagramacionteoria.blogspot.com
(11/07/14), diagramar no es más que distribuir, organizar los elementos del
mensaje bimedia (texto e imagen) en el espacio bidimensional (el papel);
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mediante criterios de jerarquización (importancia) buscando funcionalidad del
mensaje (fácil lectura) bajo una apariencia estética agradable (aplicación
adecuada de tipografías y colores).
1.4.3.1. ELEMENTOS DE LA DIAGRAMACIÓN EN EL DISEÑO EDITORIAL
Los elementos de la composición y la forma de su disposición, es
«todo» en una maquetación. Cada uno de estos elementos tiene su función
dentro del diseño y por tanto su grado de importancia, que cumplan su misión
será su cometido. Para lograr un buen diseño editorial hace falta pensar en
una serie de elementos haciendo del producto final atractivo visualmente
atrayendo al público, y guardando un equilibrio en sus páginas permitiendo
así que el producto no sea tedioso al momento de leer.
Existen una serie de aspectos a considerar al momento de proceder a
la diagramación de un producto editorial, a saber:
RECORRIDO VISUAL: mediante el recorrido visual se establece una
serie de relaciones entre los elementos plásticos de la composición. El orden
en la lectura de los elementos visuales viene determinado por la propia
organización interna de la composición, que define una serie de direcciones
visuales.
Tal como lo explica García T. en la página www.imageandart.com
(12/07/14), de forma establecida por el sistema de percepción visual,
influenciados además por factores culturales, se procede siempre a leer la
información gráfica según un esquema direccional constante y
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preestablecido. En el mundo occidental, la escritura se realiza en sentido
horizontal con un trazado de izquierda a derecha. Por lo tanto, se posee una
inclinación natural a mantener esta direccionalidad en la decodificación que
se hace de los mensajes gráficos
Teniendo en cuenta este principio, el diseñador ha de intentar distribuir
la información gráfica procurando mantener esta estructura de lectura en la
disposición de los elementos, adjudicando a cada uno la ubicación óptima
para que la transmisión de su mensaje alcance la máxima efectividad
comunicativa. Los recorridos visuales básicos son los siguientes:
Cuando el lector se enfrenta a una única página, la entrada al área de
diseño se realiza siempre por el margen superior izquierdo. La salida se
efectúa siempre por el margen inferior derecho.
Desde la entrada hasta abandonar la página se habrá realizado un
promedio máximo de diez fijaciones visuales por hoja, habiendo detenido una
media de dos veces en cada bloque de información. Siempre se realiza un
recorrido visual en sentido descendente avanzando de izquierda a derecha.
Cuando la información gráfica a la cual se enfrenta está constituida por
una doble página, el recorrido variará notablemente. En el caso de
enfrentarse a una información en formato díptico se pasará de la primera
página o portada (en la cual se realizará un recorrido visual idéntico al
anteriormente citado), al interior de nuestra comunicación, procediendo a
abrir la página por el margen exterior derecho. En el momento en que
literalmente empezamos a pasar la página comienza nuestro contacto con el
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contenido gráfico de la doble página interior.
RETÍCULA: tal como lo explican en www.blogartesvisuales.net
(12/07/14), una retícula, consiste en dividir el espacio de trabajo en pequeños
módulos (o rectángulos), que sirven de guía para la ubicación de los
elementos. La finalidad de la retícula es intentar establecer orden donde hay
caos; hacer que el receptor encuentre el material en el lugar esperado y que
el diseñador piense de forma constructiva y estructurada.
El diseñador debe encontrar un equilibrio entre la retícula diseñada y el
material (texto o ilustraciones), en caso de no adaptarse a esa estructura
establecida. Todo trabajo de diseño se debe regir por una estructura
previamente estudiada. Esto permite obtener claridad, legibilidad y
funcionalidad a la composición, además de facilitar el trabajo creativo.
Por otra parte, el uso de un sistema reticular estricto no sólo acelera el
proceso de producción al permitir al diseñador introducir el contenido con
rapidez, sino también proporciona al lector una mayor sensación de
familiaridad.
TIPOS DE RETÍCULAS: la retícula hace la lectura se efectúe con
mayor rapidez, se visualice el contenido a distancia y se retenga con más
facilidad en la memoria la información que se está recibiendo. Los tipos de
Retículas son:
RETÍCULA DE MANUSCRITO: es una estructura de base rectangular,
ocupa la mayor parte de una página. Acoge textos largos y continuos, tiene
una estructura principal (margen y texto) y estructuras secundarias se
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definen otros detalles como folio, título de capítulo, notas de pie, numeración,
etc.
RETÍCULA DE COLUMNAS: sirve cuando se presenta información
discontinua, así se disponen entre columnas verticales, es de carácter
flexible y se utiliza para separar diversos tipos información, por ejemplo:
columnas para texto y otras para imágenes.
RETÍCULA MODULAR: sirve para proyectos complejos. Los módulos
pueden ser verticales u horizontales dependiendo de la organización de las
imágenes. Retículas que sirven para diagramar periódicos, sistemas de
diseño de información tabulada como cuadros, formularios y programaciones.
RETÍCULA JERÁRQUICA: esta rompe con todos los esquemas
anteriores, basada en la suposición intuitiva de alineaciones relacionadas a
las proporciones de los elementos.
Figura 1. Grilla o Retícula Editorial Fuente: Gavin y Harris (2008)
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1.4.3.2. IMÁGENES
Una imagen es la representación visual de un objeto, una persona, un
animal o cualquier otra cosa plausible de ser captada por el ojo humano a
través de diferentes técnicas como la pintura, el diseño, la fotografía y el
video, entre otras.
Es además cierto que en los libros la imagen se convierte en un
elemento de extraordinaria importancia. Aunque son también muchos los
autores que afirman que en la mayor parte de los casos la imagen asume en
papel secundario en relación al texto: es el texto el que fundamentalmente
aporta la información y el que determina el eje paradigmático del libro, siendo
la imagen un elemento complementario.
Por otra parte, la distribución de las imágenes y su tamaño, respecto al
texto, puede hacer que varíe el orden de lectura de un documento, el cual, es
importante tener en cuente el número de imágenes, rompiendo a su vez la
monotonía de las composiciones. Establece Arens (2004), cuando se halla
ante un anuncio impreso, la mayoría de los prospectos ven primero la
fotografía o imagen, luego leen el encabezado y finalmente el cuerpo de
texto, en ese orden.
Gran parte del éxito del anuncio depende de la ilustración esta ha de
ser diseñada teniendo en cuenta la meta de captar la atención del lector,
identificar el tema del anuncio, despertar el interés del lector con el
encabezado, ayudar a convencer al lector sobre la verdad de lo afirmado en
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el texto, entre otros.
(A) FOTOGRAFÍAS
Es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de
la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material
sensible a la luz, así se expresa en www.oscarberrueta.com (12/07/14).
Esto se corrobora en www.dobleclic.com (12/07/14), al exponer que la
fotografía, aporta realismo y constituye en la mayoría de los casos un modelo
de la realidad, por tanto, debe tener fuerza y un sentido específico y claro.
Las fotografías utilizadas no deben contener información innecesaria, ya que
esto puede provocar confusión y desinterés.
(a) Tipos De Fotografías: de acuerdo a la temática de las fotografías se
las puede clasificar en los siguientes tipos:
(b) Fotografía Comercial o Publicitaria: según José Manuel Susperregui
(2001), la fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o
sociales. Desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y
dirigir el consumo y como un componente más de la publicidad. Los
fotógrafos, con el fin de que sus imágenes resulten atractivas utilizan una
amplia gama de sofisticadas técnicas.
(c) Fotografía Artística: según Fernando Navarro (2002), bajo el nombre
de fotografía academicista, también conocida como fotografía artística o
pictoralista, se conoce la fotografía que busca introducirle a la actividad de
fotografiar elementos de la pintura. La fotografía artística, que surgió a
35
mediados del siglo XIX, se basó en las temáticas y géneros de la pintura
academicista.
(d) Fotografía Periodística: según www.definicionabc.com (15/07/14),
este tipo de fotografía busca narrar una historia de forma visual y puede
abarcar las temáticas más diversas: deporte, cultura, sociedad, política, entre
otras. Las fotografías periodísticas son realizadas a fin de ser publicadas en
distintos medios ya sean diarios, revistas, sitios web.
(e) Fotografía Aérea: la página www.tiposde.org explica que para tomar
estas fotografías se instalan cámaras especiales en aviones. Son utilizadas
para cartografía, analizar los crecimientos de ciudades, la distribución de la
flora y fauna y descubrir restos de civilizaciones antiguas. Además, es una
herramienta muy usada en el ámbito militar para vigilancia y espionaje. Por
último, las cámaras fotográficas pueden ser instaladas en satélites con fines
meteorológicos o geológicos.
(f) Fotografía Submarina: la página www.zugar.net (15/07/14), expone
que para capturar imágenes dentro del agua, la cámara debe ser colocada
en alguna caja hermética que posea alguna ventana delante del objetivo. En
caso de que se superen los diez metros de profundidad, será necesaria la
utilización de alguna luz artificial. Estas fotografías son utilizadas
básicamente para la exploración marina y para capturar la fauna y flora
acuática. La calidad de estas fotografías dependerá en gran medida de la
claridad que tenga el agua.
(g) Fotografía Científica: según www.muyinteresante.es (15/07/14),
36
algunos instrumentos como los espectroscopios, microscopios y telescopios
pueden ser usados para tomar fotografías, las cuales son muy útiles debido a
la versatilidad de los elementos a investigar. En el área de la medicina, la
fotografía fue un gran aporte ya que captan imágenes de rayos X, lo que
permitió la realización de las radiografías. Esta, además de ser utilizada para
realizar diagnósticos medicinales, se emplea para descubrir fallas en
recipientes de presión, piezas mecánicas y tuberías, aumentando la
seguridad en plantas nucleares, submarinos y aviones.
(B) PLANOS FOTOGRÁFICOS
Según www.artesvisuales.blogspot.com (15/07/14), menciona que en
fotografía igual que en el cine, se habla de plano cuando se quiere expresar
la proporción que tiene el tema dentro del encuadre. Dicho encuadre
dependerá de lo que el fotógrafo quiera representar y de cómo lo quiere
representar.
Los planos fotográficos son los siguientes:
(a) Plano Panoramico o Gran Plano General: según Villavizencio
(2003), comprende un campo visual extenso, la figura humana se representa
pequeña o apenas se percibe, es ideal para presentar el escenario.
(b) Plano General: en la página www.dzoom.org.es (15/07/14), explica
que en este plano la figura humana ocupa solamente un 1/3 del cuadro.
(c) Plano Conjunto: la página www.areadedibujo.es (15/07/14), dice que
este plano se utiliza cuando se quiere representar un grupo de personas de
37
cuerpo o completo.
(d) Plano Americano: en este plano se abarca el personaje hasta las
rodillas; el mismo nos permite mostrar la expresividad del personaje así como
parte del escenario, tal como lo explica la página www.areadedibujo.es
(15/07/14).
(e) Plano Medio Largo: la página www.areadedibujo.es (15/07/14),
explica que en este plano se corta a los personajes por la cintura, y a su vez
permite mostrar relación y dialogo.
(f) Plano Medio Corto: en este plano se corta los personajes por el
tórax, con este encuadre ya se percibe algo más de expresión en los
personajes, tal como lo manifiesta www.areadedibujo.es (15/07/14).
(g) Primer Plano: según www.areadedibujo.es (15/07/14), en este plano
se representa el rostro del personaje, lo que permite trasmitir emociones y
sentimientos de esta manera se puede intuir el estado emotivo del personaje.
(h) Plano Detalle: este plano nos permite dirigir la atención a una parte
determinada del cuerpo o a un objeto, enseñando algo de forma especial; tal
como expone www.areadedibujo.es (15/07/14).
(C) ÁNGULOS DE CÁMARA
Es una de las técnicas que comúnmente se usa para dar más
importancia a un sujeto o resaltar las características de éste es cambiar el
ángulo desde el que tomamos la foto. Existen diversos tipos de ángulos a la
hora de tomar las fotos tal como se explica en la página www.xatakafoto.com
38
(15/07/14):
(a) Normal: este ángulo es aquél en el que la cámara se
encuentra paralela al suelo. Es en el que se hacen la mayoría de fotos
cuando el fotógrafo se encuentra de pie. Da la sensación de estabilidad y se
ha de hacer siempre a la altura de los ojos. Uno de los errores en este
aspecto es la fotografía de niños desde nuestra altura, los cuales obtendrán
mucho más protagonismo si se les fotografía desde su altura.
(b) Picado: la foto se toma a una altura superior a la de los elementos
de la escena. Este punto de vista tiende a disminuir el peso visual de los
sujetos u objetos fotografiados. Si se le utiliza para fotografiar paisajes, se
puede reducir la presencia del fondo. En las fotografías urbanas en ángulo
picado es posible captar de la mejor manera coches y peatones en
movimiento. En los retratos de personas, éste ángulo representa a un sujeto
débil o inferior.
(c) Contrapicado: en el contrapicado por el contrario al picado, el
fotógrafo se coloca a una altura inferior a la de los elementos de la escena.
Con el contrapicado se logra que los objetos o personas bajas cobren altura.
Con estos ángulos conseguimos invertir el sentido de las proporciones con
resultados muy sugerentes. En el caso del retrato de personas, se obtiene la
apariencia de un personaje fuerte o superior.
(d) Nadir: en este ángulo la cámara se coloca completamente bajo el
sujeto, de manera perpendicular al suelo obteniendo un efecto más
exagerado aún que con el ángulo picado. Se logra una perspectiva central,
39
ya que las líneas tienden hacia el centro de la escena.
(e) Cenital: la cámara se ubica desde arriba, totalmente perpendicular al
suelo. El ángulo cenital es muy usado en producciones cinematográficas o
tomas desde helicóptero para grabar extensiones muy amplias. Los mapas
por satélite son el ejemplo más representativo de ángulo cenital.
Figura 2. Ángulos de Cámara Fuente: www.xatakafoto.com
(D) ILUSTRACIONES
Es otra forma de transmitir una idea, un concepto. El dibujo publicitario
se ha desarrollado notablemente en los diferentes medios publicitarios.
Puede ser tan eficaz como la fotografía y de igual manera representar
sensaciones. Dependiendo de la composición o estructura la ilustración,
reflejará sensaciones diferentes. Teniéndose en cuenta que la ilustración
dentro de un diseño, no es una parte independiente, sino un elemento,
formando parte de una composición, es decir de un todo.
40
Así como lo manifiesta www.dobleclic.com (12/07/14), el objetivo de una
ilustración es, llamar la atención, comunicar un mensaje o ambas cosas. Las
figuras, los fondos y todos los elementos que compongan la ilustración han
de tener un aspecto agradable y atractivo. Además se debe conseguir, no
solo el aspecto estético o de atracción, sino expresar las cualidades o
características de lo representando. Existen varios tipos de ilustraciones,
como se desglosa a continuación:
(a) Ilustración Editorial: se denomina ilustración al dibujo o imagen que
adorna o documenta el texto de un libro. Por lo tanto es una estampa,
grabado, o dibujo realizados por algún medio artístico o digital. Las
ilustraciones son imágenes asociadas con palabras. Pues conllevan un
mensaje.
Para Proenza (1999), se utiliza para acompañar artículos temáticos,
para comentar noticias o para evocar el contenido de un libro. Esta ilustración
generalmente se diferencia de la ilustración publicitaria en que la imagen no
está para vender o promocionar un producto sino para reforzar y realzar las
palabras escritas a las que acompaña.
Hay, campos en que la distinción se diluye –cubiertas para libros
populares de gran tirada, por ejemplo- pero, en general, la ilustración editorial
tiende a estar relacionada con ideas y con servir o comunicar conceptos al
lector. Es un campo en el que se han producido algunos de los trabajos de
ilustración más innovadores y experimentales.
(b) Ilustración Informativa: de acuerdo con Colyer (1994), este término
41
trae a la mente estadísticas, señales de tráfico, gráficos y diagramas, pero,
de hecho, la ilustración informativa cubre una gran variedad de estilos y
requiere una amplia gama de talentos. Es un campo en el que se pueden ver
estadísticas apoyadas o explicadas por símbolos parecidos a los dibujos de
historietas, o bien un tema tratado con un enfoque casi clásico usando un
extraordinario nivel de técnica de dibujo.
La ilustración es un gran medio instructivo: la información es asimilada
más fácilmente cuando es transmitida visualmente. La ilustración informativa
pura se basa esencialmente en gráficos, y en este caso el uso de la
tipografía y los símbolos y la capacidad de organizar y transmitir los datos
son tan importantes como la habilidad para dibujar. Puede ser también la
única forma en que ciertos temas pueden ser visualizados o explicados.
(c) Ilustración Médica: según Colyer (1994), es un campo
increíblemente especializado, que requiere años de estudios de postgrado.
Pero el adiestramiento científico es solo un paso para ser ilustrador medico;
un uso imaginativo de estas capacidades técnicas es importante. Muchos
ilustradores médicos están empleados a jornada completa en hospitales y
escuelas de medicina.
1.4.3.3. ESPACIOS EN BLANCO
Lo constituye todas aquellas partes de la composición donde exista
ausencia de elementos gráficos, su función es la de definir, equilibrar y
compensar el peso visual de los elementos, considerándose al momento de
42
realizar una composición, en virtud de ofrecer armonía al trabajo.
En www.dobleclic.com (12/07/14), se explica que tienen más
importancia de lo que parece, aunque algunos anuncios casi prescindan de
ellos. Los espacios es blanco transmiten claridad, libertad, espacio, y ayudan
en muchos casos a equilibrar la composición.
1.4.3.4. TEXTOS
Es normalmente el elemento al que menos se le presta atención, bien
porque resulta pesado, aburrido, o en algunas ocasiones, con la imagen
(infografía, ilustración) y el titular ya parece que se han desarrollado los
elementos fundamentales, además el texto “nadie lo lee”. La cuestión es
tener siempre presente cuando se habla de un anuncio, por ejemplo, aunque
el tanto por ciento de personas que lean el texto sea bajo, para quien lo lea el
cuerpo de texto puede ser el mejor vendedor, por lo que se deberá cuidarlo.
Es quizás por este motivo, por el que se debe prestarle una atención
especial al bloque de texto, hacerlo lo más legible y claro posible, procurar
que no sea pesado o denso, debemos hacer cruzar la barrera del desinterés.
Visualmente ese bloque de texto debe invitar al receptor, esto lo afirma
www.dobleclic.com (12/07/14).
De acuerdo con Alliende (1994), en el marco de una concepción de
lectura como comunicación entre un lector y un texto escrito, el éxito de esa
comunicación depende de características de ambos factores. El concepto de
legibilidad alude entonces, al conjunto de atributos de un texto que favorecen
43
u obstaculizan la comunicación eficaz con un lector de acuerdo a la
competencia de estos y las condiciones en las que se realiza la lectura. La
legibilidad está fundamentalmente ligada a la comprensión, ya que esta es su
aspecto más importante, pero no se confunde con ella. Todo texto legible es,
por eso mismo, comprensible. Pero no todo texto comprensible es de por si
legible.
Un texto muy fácil escrito con letra microscópica, puede ser
conceptualmente comprensible, pero materialmente ilegible a simple vista.
Se puede identificar varios tipos de textos dentro de la lectura según las
características que presenta, a saber:
Titulares: es el elemento lingüístico más importante de la composición,
tiene la misión de llamar la atención e introducir al resto del contenido. El
titular puede ser largo, corto, más o menos grande, no hay leyes sobre este
tema, pero si algunas recomendaciones parten de estudios realizados.
Algunos autores como www.dobleclic.com (12/07/14), recomiendan las
frases y las palabras cortas, de los titulares estén compuestas de
mayúsculas y minúsculas, que sea tipografía con serif para su mejor
legibilidad, que el texto no esté en negativo, o que no se utilicen elementos
de puntuación en los titulares cortos.
Subtítulos: en correspondencia con lo planteado en
www.escrituraylectura.com.ar (12/07/14), los subtítulos representan niveles
inferiores de organización, dentro de cada título, se corresponden con
secciones más reducidas. Esta distinción entre títulos y subtítulos lleva
44
implícita una concepción jerárquica de la estructura del texto.
Pie de Foto: el pie de foto o leyenda es el texto que aparece en diversos
materiales impresos junto a las fotografías y tiene como objetivo anclar un
sentido concreto para cada imagen. Esta leyenda puede tener varios párrafos
o constar tan sólo de tres o cuatro palabras. Normalmente lo escriben los
redactores o los encargados de maquetar la foto y no los propios fotógrafos.
Tal como lo afirma www.dobleclic.com (12/07/14), este elemento tiene
como misión dar información sobre la fotografía, y normalmente es preciso y
no muy denso. Aunque pueda parecer de poca importancia, es uno de los
elementos más leídos, por lo que se debe aportar una información
suplementaria a la imagen y que pueda despertar más interés en otros
elementos de la composición.
1.4.3.5. TIPOGRAFÍA
Conforma el cuerpo del contenido, es la parte de la información visual
del diseño en general, por lo que su elección ha de ser realizado bajo un
estudio preliminar encontrando la acorde a la temática y al tipo de
publicación. Se recomienda el uso de pocas fuentes y familias tipográficas
para tener un buen equilibrio y peso visual, pues exagerar en el uso de las
fuentes tipográficas ocasiona un desorden y por consiguiente la dificultad de
la lectura, se sugiere el uso de caracteres abiertos, proporcionados y
regulares cuando se trate de textos largos.
Sin duda, el mayor nivel de legibilidad se logra si hay un contraste
45
máximo entre tipografía y fondo negro sobre blanco o viceversa. Se pueden
buscar variaciones de color, siempre que se tenga en cuenta este principio
de contraste. Sin embargo, Arens (2004), sugiere el uso de dos clases de
tipografía según sea el caso de su uso. La tipografía adecuada para cabeza
debe ser más grande y pesada que el texto; esta se emplea principalmente
en encabezados, subencabezados, logotipos, direcciones y para hacer
énfasis. Por otra parte, el tipo a utilizar para el cuerpo del texto debe ser más
pequeño y fino,
El diseñador, atendiendo a estas razones, debe realizar un contenido
atractivo ante la vista, mediante el uso juicioso de la tipografía y las imágenes
evidenciadas en un previo estudio de los elementos, así como el tipo de
público objetivo al cual está destinado el contenido, en virtud de generar un
interés por parte de sus lectores. Dentro de este contexto, manifiesta Forges
(2000), que la mayoría de los diseñadores editoriales, confía en una gama de
trucos tipográficos con el propósito de romper la monotonía del texto, de esta
forma inyectar el ritmo y la energía a la página, sin confundir al lector o
distraer su atención de lo que realmente importa, que es el contenido.
En cuanto a la caja tipográfica, se entiende como el limite virtual del
área que se imprimirá, se compone de cuatro imágenes: superior, inferior y
laterales (izquierdo y derecho) su dimensión según cada caso particular, la
caja tipográfica permite al diseñador tener en cuenta el límite del espacio de
trabajo, es por medio de este elemento que el creativo diagrama el contenido
textual y las imágenes, para que al momento de la impresión todo
46
permanezca en su lugar.
En lo que respecta al cuerpo de texto, este proporciona la mayor carga
informativa detallada del contenido general, de igual manera es aquella que
menor atención ofrece al ojo del espectador, su peso visual suele ser menor,
presentándose con un aspecto global más ligero.
Basado en este hecho el diseñador debe hacerla más atractiva ante el
público para así poder cumplir la función de informar, considerando que el
elemento está compuesto mayormente por líneas de texto, se debe tomar
énfasis en la legibilidad, siendo recomendable el uso de una hasta dos
familias tipográficas, tipo palo seco y sencilla ya que se permite la facilidad
de la lectura y por consiguiente su comprensión. Se toma en cuenta también
la longitud entre línea para evitar la fatiga en la lectura, así mismo es
importante considerar el uso adecuado del color de fondo.
De allí pues, que el cuerpo de texto es la parte complementaria del
titular, debe de mantenerse una armonía compositiva entre ambos, una
combinación adecuada de estos dos elementos constitutivos del texto, puede
generar multitud de propuestas gráficas creativas, si se trata adecuadamente
su ubicación, y se estudia acertadamente las proporciones, esto con el fin de
lograr el perfecto equilibrio tipográfico dentro del espacio compositivo.
Para Morison (1929), disponible en la página www.tiposconcaracter.es
es el arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con
un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y
organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la
47
comprensión del texto.
Cuando se proyecta realizar una diagramación es necesario seleccionar
los tipos (letras) que se van a usar. Esta selección es solo para esa
publicación por lo que se tiene que hacer con mucho cuidado de acuerdo al
tipo de publicación, el segmento al que va dirigido, sus características
culturales, etc.
De acuerdo con www.plataforma.uchile.cl (12/07/14), los tipos expresan
un significado de acuerdo a su forma natural: delgadas, regulares, gruesas.
Estas características luego sirven para identificar los estilos: blanca (light),
ultra light, normal, bold, extra-ultra-demi-bold, heavy, black., es decir, su
contextura la asigna un carácter.
De lo anterior se infiere que la finalidad de toda composición gráfica es
transmitir un mensaje concreto. Para ello, el diseñador se vale de dos
herramientas principales: las imágenes y los textos. Sin embargo, el medio
de transmisión de ideas por excelencia es la palabra escrita. La esencia del
buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de la palabra
escrita. Además de su componente significativo, cada letra de una palabra es
por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la
composición final.
Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman
los textos de una composición gráfica es muy importante. De este
planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en
una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto
48
visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes
tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la
ciencia o arte de la tipografía.
1.4.3.6. IMPOSICIÓN
Es la disposición que se hace de las páginas de una determinada
manera en el libro, de forma que salga en orden una vez impresa, plegada y
cortada la hoja, Así lo expresa Proenza (1999).
Sin embargo, Bann y gargan (1990), definen la imposición como “la
colocación de las páginas en su correcta posición en publicación, de forma
que en el trabajo acabado vengan en el orden correcto y con los márgenes
correctos”.
Hay que destacar que ambos autores coinciden con el concepto que
definen, con respecto a imposición, que es el orden correcto en que van
colocadas las páginas, y es necesario tomarlo en cuenta a la hora de llevar al
medio impreso el producto editorial.
1.4.3.7. COLOR
El color no es una característica de una imagen u objeto, sino que es
más bien una apreciación subjetiva nuestra. Se puede definir como, una
sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus
mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de
onda.
49
De acuerdo con lo expresado en www.definicion.com (12/07/14), es una
sensación producida por los rayos luminosos en los órganos visuales y es
interpretada en el cerebro. Se trata de un fenómeno físico-químico donde
cada color depende de la longitud de onda. Cuando se va a desarrollar de un
proyecto gráfico es elemental definir el color o los colores a emplear. Para
ello es necesario conocer de antemano cierta información:
- El tipo de publicación: de carácter científico (ecología, arqueología,
matemática), si es deportiva, técnica, social, política, comercial, artística,
turismo, entre otros.
- El público al que va dirigido: por edad (niños, jóvenes, adultos); por
ámbito geográfico (rural, urbano); por actividad laboral (obreros, gerentes,
maestros, choferes, entre otros).
- Revisar fotografías, dibujo y gráficos que irán en la publicación. Tal
como se explica en www.aprendiendoconzkj.blogspot.com (12/07/14).
(A) CLASIFICACIÓN DEL COLOR
De acuerdo con Moles en www.plataforma.uchile.cl (12/07/14), clasifica
los colores de la siguiente manera:
(a) Color Denotativo: se percibe por los ojos de manera natural, directa,
el mundo de lo real. Tal como lo plantea Netdisseny en
www.mailxmail.com/autor-netdisseny (12/07/14), aquí se habla del color
cuando está siendo utilizado como representación de la figura, es decir,
incorporado a las imágenes realistas de la fotografía o la ilustración. El color
50
como atributo realista o natural de los objetos o figuras.
Por lo tanto, el color es denotativo cuando se utiliza como
representación de la figura, u otro elemento, es decir, incorporado a las
imágenes reales de la fotografía o la ilustración. Podemos distinguir tres
categorías de color denotativo: Icónico, saturado y fantasioso, aunque
siempre reconociendo la iconicidad de la forma que se presenta. En el color
denotativo se distinguen tres categorías: Icónico, saturado y fantasioso,
aunque siempre reconociendo la iconicidad de la forma que se presenta, tal
como se describen a continuación:
(b) Icónico: expresa una clara función identificadora de los objetos,
escenarios, la piel, etc.; tal como se explica en
www.aprendiendoconzkj.blogspot.com (12/07/14). La expresividad cromática
en este caso ejerce una función de aceleración identificadora: la vegetación
es verde, los labios rosados y el cielo es azul.
El color es un elemento esencial de la imagen realista debido a la forma
incolora aporta poca información en el desciframiento inmediato de las
imágenes. La adición de un color natural acentúa el efecto de realidad,
permitiendo que la identificación sea más rápida.
Así el color ejerce una función de realismo superponiéndose a la forma
de las cosas: una naranja resulta más real si está reproducida en su color
natural.
En consecuencia se puede inferir que un color icónico a la expresividad
cromática como función de aceleración identificadora: la tierra es marrón, la
51
cereza es roja y el cielo es azul. El color es un elemento fundamental de la
imagen realista ya que la forma incolora aporta poca información en el
desciframiento inmediato de las imágenes.
La adición de un color natural acentúa el efecto de realidad, permitiendo
que la identificación del objeto o figura representada sea más rápida. Por lo
tanto el color ejerce una función de realismo que se superpone a la forma de
las cosas: una manzana será más real si se reproduce o plasma en su color
natural.
La iconicidad cromática correspondiente a la función hiperrealista del
color en un nivel vinculado a la máxima voluntad de imitación. Ya no se trata
solamente de contribuir a la identificación de las cosas representadas, ni a la
inteligibilidad de las imágenes. En este nivel el color se hace más detallista y
preciso, y en combinación con la textura microscópica de las cosas
representadas -y no sólo con su forma-, o reforzado por la agudeza detallista
del objetivo fotográfico, el color opera una verdadera sensualización de la
imagen.
(c) Saturado: una segunda variable del color denotativo es el color
saturado. Este es un cromatismo exaltado de la realidad, más brillante, más
pregnante. Son colores más densos, más puros, más luminosos.
Así lo explica Netdisseny en www.mailxmail.com/autor-netdisseny
(12/07/14), el color saturado obedece a la necesidad creada por la fuerte
competitividad de las imágenes que nos asedian, donde la exageración de
los colores forma parte del triunfo de las imágenes como espectáculo visual
52
de nuestro entorno cotidiano. El mundo resulta más atractivo de esta forma.
El cine, la fotografía, la ilustración, la televisión, los carteles, los embalajes;
ofrecen una imagen cromática exagerada que crea una euforia colorista.
Ello se corrobora en www.aprendiendoconzkj.blogspot.com (12/07/14),
es el cromatismo exaltado de la realidad. Es la utilización del color puro,
brillante exagerado permitiendo la pregnancia del mensaje.
Por lo tanto, es un color alterado o manipulado en su estado natural y
real. Más brillante, son colores más densos y más puros y luminosos. El color
saturado nace de conseguir una exageración de los colores y captar la
atención con estas. El entorno resulta más atractivo, alterando el color de
esta forma, el cine, la fotografía, la ilustración, carteles, etc, obedecen a una
representación gráfica cromática exagerada que crea euforia colorista.
(d) Fantasioso: otro matiz, de acuerdo con www.mailxmail.com/autor-
netdisseny (12/07/14), de la denotación cromática realista es el color
fantasioso, en el que la fantasía o manipulación nace como una nueva forma
expresiva. Por ejemplo las fotografías solarizadas o coloreadas a mano, en
las que no se altera la forma, pero sí el color. De esta forma se crea una
ambigüedad entre la figura representada y el color expresivo que se le aplica,
creando una fantasía de representación. La forma permanece mientras que
el color se altera, hasta tal punto que en ocasiones la forma queda semi-
oculta tras la plenitud cromática.
De manera similar aprendiendoconzkj.blogspot.com, (12/07/14), explica
que es la modificación del color natural para generar fantasías visuales (un
53
elefante color rojo).
Así la fantasía y manipulación, se presenta como una nueva forma
expresiva, por ejemplo, las imágenes coloreadas a mano en las que no se
altera su forma, pero si el color. De esta forma se crea un ambigüedad entre
la imagen o fotografía representada y el color expresivo que se le aplica,
creando así una fantasía, respetando las formas pero alterando el color
natural.
(e) Color Connotativo: de acuerdo con lo expresado por
www.aprendiendoconzkj.blogspot.com (12/07/14) corresponde a valores no
perceptibles fisiológicamente. Se refiere al aspecto subjetivo de la
percepción, emana sensaciones de calma, sosiego, calidez, tristeza, etc. Las
sensaciones están relacionadas con elementos culturales del entorno. Existe
una relación entre los colores y determinados hechos propios de la cultura de
un grupo social. Para trabajar con esta categoría de colores, se debe tener
conocimiento o información acerca del entorno social al cual se dirige el
mensaje.
De lo anterior se desprende que la connotación es la acción de factores
no descriptivos, sino precisamente psicológicos, simbólicos o estéticos, que
suscitan un cierto clima y corresponden a amplias subjetividades. Es un
componente estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad.
Son las diferentes impresiones que emanan del ambiente creado por el
color, que pueden ser de calma, de recogimiento, plenitud, alegría, opresión,
violencia, entre otros; así lo pone de manifiesto www.newsartesvisuales.com
54
(12/07/14). En consecuencia se infiere que la connotación es la acción de
factores no descriptivos, sino psicológicos, simbólicos o estéticos que hacen
suscitar un cierto ambiente y corresponden a amplias subjetividades. Es un
elemento estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad.
(f) Simbólico: aún ligado a la psicología, constituye, a diferencia del
anterior, una codificación. En este sentido ha pasado de ser un fenómeno
sensitivo, espontáneo y generalizado, a ser un fenómeno cultural. Se sabe
cuando un color símbolo es un elemento sensible pues está en lugar de algo
ausente, y no hay entre ambos relación causal. Hay pues una relación de
convención social, ello se explica en www.plataforma.uchile.cl (12/07/14).
(g) Color Esquemático: de acuerdo a www.plataforma.uchile.cl
(12/07/14) es la capacidad de simplificación que se puede hacer de una
cantidad inmensa de colores a un reducido conjunto a eso se puede asignar
valores reconocibles en un contexto más o menos amplio, sus variaciones
son:
(h) Señaletico: asociado a símbolos gráficos y tipografías que puede ser
capaz de identificar una organización o un conjunto de actividades (deportes,
seguridad, comercio).
Ello se corrobora en www.plataforma.uchile.cl (12/07/14), al decir que el
color señalético, usa toda la fuerza del color esquemático, para convertirse
en la base de un amplísimo repertorio de signos gráficos de fuerte impacto
visual que se conoce como código señalético.
(i) Convencional: según www.plataforma.uchile.cl (12/07/14), busca una
55
expresividad propia de carácter decorativo o funcional.
1.4.3.8. PAPEL
El papel es todo aquel material para trazar o imprimir, cuyo gramaje no
es superior a 150 g/m², si se pasa de este peso, ya entra en la categoría de
cartulina o cartón, según lo manifiesta Proenza (1999). Por otro lado es un
elemento en el costo final de impresión, ya que según Cotton y Collier (1993),
abarca el 20% del costo total del producto editorial.
De igual manera el papel se define como una delgada hoja elaborada
mediante pasta de fibras vegetales que son molidas, blanqueadas, desleídas
en agua, secadas y endurecidas posteriormente, así lo define
www.algesa.com (12/07/14). A la pulpa de celulosa, normalmente, se le
añaden sustancias como el polipropileno o el polietileno con el fin de
proporcionarle diversas características.
Ahora bien existen diversos tipos de papel entre los cuales se
encuentran los de calidad estándar, hechos con pulpa de madera y
fabricados con moldes o maquinas como el alisado tipo Offset. Y los papeles
de calidad superior que se caracterizan por llevar, generalmente, impreso el
nombre del fabricante de cada hoja, ya sea en seco o con marca de agua. El
papel varia de grosor al igual que su calidad dependiendo en que, y para que
se va a utilizar.
56
1.4.3.9. ENCUADERNACIÓN
Se llama encuadernación a la acción de coser o pegar varios pliegos o
cuadernos de texto y ponerles cubiertas. Las encuadernaciones tienen por
objeto procurar al libro tres ventajas: su conservación, su fácil manejo y su
presentación artística. Empieza a utilizarse hasta la época romana con la
invención de los códices pero ya en los volúmenes egipcios y greco-
romanos. Hay que destacar que la elección por el diseñador de un método y
materiales de encuadernación, está condicionada por una cantidad de
factores estéticos, prácticos y ergonómicos. Según lo mencionado por
González (1996), existen métodos de encuadernaciones temporales y
permanentes.
MÉTODOS TEMPORALES
- Lomos plásticos colocados por deslizamiento.
- Anillos metálicos.
- Sistema de espiral o peine, costura lateral.
MÉTODOS PERMANENTES
- Lomos pegados a una funda de papel.
- Encuadernación cocida – Empastado.
No obstante, el tipo de encuadernación se realiza a través de un
proceso que implica el montaje físico de una publicación a partir de hojas de
papel sueltas. La forma de encuadernar una publicación puede tener un
efecto increíble en su aspecto y función, así lo expone Bhaskaran (2006).
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Existen numerosas opciones de encuadernación para que el diseñador elija
cuando planifica una publicación, entre las que tenemos:
A LA FRANCESA: usa hojas de papel sueltas plegadas por la mitad y
luego encuadernadas por el borde abierto. Las hojas dobladas de esta
manera pueden pegarse o encuadernarse con un canutillo, grapas o
puntadas. Es útil si el diseñador desea evitar la impresión a doble cara.
CANADIENSE: es básicamente una encuadernación en espiral
envuelta con una cubierta. La publicación puede abrirse del todo y las
páginas pueden doblarse por completo, presenta un volumen con
encuadernación a la americana con un lomo impreso.
ENCUADERNACIÓN A LA AMERICANA: se utiliza sobre todo para
libros en rústica, revistas, informes corporativos, manuales, folletos e
informes manuales. Sus ventajas son la versatilidad, la posibilidad de crear
un lomo imprimible y el atractivo visual general de la publicación.
COSIDO A CABALLETE: es una de las técnicas más sencillas y más
utilizadas. Este estilo de encuadernación es perfecto para publicaciones
breves, como folletos, panfletos, boletines, pequeños catálogos, y fascículos.
La cantidad de páginas debe ser múltiplo de cuatro.
EN ESPIRAL O MECÁNICA: consiste en hojas sueltas de papel unidas
por un espiral o canutillo. A menudo llamada por encuadernación con
canutillo de alambre (metal), este tipo puede realizarla un encuadernador
profesional, o la misma persona utilizando una máquina especial. Se usa
para manuales de oficina.
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1.5. ABVOCACIÓN DE LA VIRGEN DEL ROSARIO DE CHIQUINQUIRÁ
Una de las advocaciones con que se venera a la Virgen María en el
Catolicismo es “Nuestra Señora del Rosario de Chiquinquirá”.
En Colombia la imagen descansa en la Basílica de Nuestra Señora del
Rosario de Chiquinquirá, a donde acuden miles de peregrinos no solo el día
de su fiesta patronal el 9 de julio sino todos los domingos, cuando se
celebran las misas y procesiones
En Venezuela, en el estado Zulia, también se venera y descansa en su
Basílica en la ciudad de Maracaibo un retablo con la imagen de la Virgen de
Chiquinquirá, y cada año el 18 de Noviembre se celebra la tradicional “Feria
de la Chinita realizándose procesiones y misas en su honor.
Según la historia una humilde anciana lavandera habitante de un barrio
humilde de Nueva Zamora de Maracaibo denominado El Saladillo, cuyo
nombre no se sabe, cumplía su faena en las orillas de la laguna de
Coquivacoa cuando una tablita llegó a sus manos, sin ninguna particularidad
que la hiciere especial, pero al parecer la misma fue recogida por la
lavandera dándole la utilidad de tapa para la tinaja de agua. Al tiempo a la
anciana le pareció reconocer en la tablita una imagen muy borrosa de
carácter religioso y quizá por reverencia la colocó en una de sus paredes.
El martes 18 de noviembre de 1709 se encontraba absorta en sus
quehaceres, por lo que no prestó atención a una serie de golpes que se
59
escuchaban en la pared donde colgaba la imagen. Los golpes se escucharon
de nuevo, pero ella no se movió. Sin embargo, a la tercera vez, se dirigió
extrañada al lugar de donde venían los golpes y sorprendida vio cómo en la
tablita se apreciaba claramente la imagen de la Virgen de Chiquinquirá y
salía de ella una luz brillante. La sorpresa de tal fenómeno la llevó a la calle
donde comenzó a gritar: "Milagro, milagro" y con esto se dio inicio a la gran
devoción de los zulianos hacia la Madre de Jesucristo.
La imagen se presume fue lanzada como despojo en aguas del mar, de
un saqueo de algún pirata en el por aquel entonces Virreinato de la Nueva
Granada (hoy Colombia) y se desconoce cuánto tiempo pudo estar flotando
en las aguas del mar hasta llegar a la Laguna de Coquivacoa (hoy Lago de
Maracaibo). La mirada de la Virgen en la imagen viene dada hacia la
izquierda, como dando a presumir que sigue su camino a la entonces
Provincia de Venezuela, haciéndose desde entonces la "indocumentada"
más querida de este país, presagiando quizá también el gran éxodo de
colombianos que han llegado a Venezuela.
La devoción a la Virgen del Rosario de Chiquinquirá es muy grande en
la ciudad de Maracaibo y a la misma se le atribuyen multiplicidad de favores,
algunos de los más sorprendentes se han exaltado en hermosos vitrales en
la misma Basílica.
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Fotografía 1. Replica de la Virgen de la Chinita Fuente: www.diariorepublica.com
Todos los 18 de noviembre Maracaibo y el estado Zulia en general se
ha venido celebrando la fiesta de la Chinita, como cariñosamente se le
denomina en el país, fecha que se ha convertido a partir de ese entonces, en
ocasión de fiestas para los fieles del pueblo zuliano y sus alrededores. Con el
alumbrado de la avenida Bella Vista, al son de la gaita (música originada en
la época colonial y que hoy en día está dedicada en gran medida a la
celebración de las fiestas de la Virgen y protestas del pueblo zuliano), fuegos
artificiales que alumbran el cielo marabino, chimbangueles (música de
tambores) que retumban, bandas orquestales hay un marco de fiesta,
acompañando a la Virgen en su recorrido por las calles donde se dice ocurrió
el milagro de la renovación
61
La Virgen del Rosario de Chiquinquirá es la formal patrona de la Ciudad
de Maracaibo, el estado Zulia y de la Guardia Nacional de la República
Bolivariana de Venezuela, fue coronada canónicamente con las ofrendas de
oro junto a piedras preciosas y semipreciosas tales como rubíes, zafiros y
esmeraldas que su pueblo le ha obsequiado desde la colonia. Dicha corona
está sostenida por cuatro ángeles de plata. Cuenta la imagen con un cetro de
oro, zafiros y esmeraldas; la imagen también cuenta con una corona
elaborada con piedras denominadas "tumas" obsequio de la etnia guajira.
La imagen de Nuestra Señora del Rosario de Chiquinquirá se ha
trasladado en varias oportunidades a múltiples sitios; una de las más
recordadas fue cuando visitó la capital de la República y de manera más
frecuente ha sido paseada por las diferentes parroquias del estado Zulia,
trasladándose en lanchas por el lago y los ríos, en vehículos terrestres y
hasta en helicóptero. Hoy estas visitas continúan pero haciendo uso de una
réplica por resguardo de la imagen original.
Las celebraciones en honor a la Virgen del Rosario de Chiquinquirá,
dejaron de ser las modestas fiestas patronales del pasado para adquirir
características internacionales de festejo de gran complejidad donde
confluyen eventos religiosos y populares, todos reunidos bajo el nombre da la
Feria Internacional de la Chinita.
En ella se realizan a partir de la “Bajada de la Virgen” ataviada con sus
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mejores galas, las famosas procesiones, corridas de toros, bailes en sitios
públicos y privados de la ciudad, amaneceres gaiteros, juegos de béisbol, la
gran gala de la belleza, (concurso de belleza que permite elegir a la soberana
que será la reina de la feria por todo el año, el desfile de carrozas y
comparsas, además muchas otras actividades.
El 18 de noviembre es un día importante en el que todos los marabinos
(naturales de Maracaibo) le hacen un homenaje a la Virgen de Chiquinquirá.
Ese día es conocido y celebrado como (La Feria De La Chinita) y se celebra
con mucho entusiasmo, alegría, fe y fidelidad por todos los habitantes de la
ciudad. A la par se desarrolla el juego de béisbol Copa la Chinita, actividad
deportiva muy frecuentada por la fanatizada zuliana, que se reúne (luego de
una larga noche de parranda) a darle ánimo y apoyo al equipo pelotero de las
Águilas del Zulia. A la semana siguiente se realiza la procesión de la Aurora y
en ella se pasea la imagen desde la basílica a las 3.00 de la madrugada,
para que junto a su pueblo reciba el día en la calle. Finalmente, el domingo
siguiente se restituye la imagen a su Camerún.
1.5.1. EL MANTO DE LA VIRGEN DEL ROSARIO DE CHIQUINQUIRÁ
Como parte importante de las fiestas que se realizan con ocasión de las
fiestas a “La Chinita” se ha hecho costumbre la elaboración de un manto o
traje especial para ofrendar a la Virgen y resaltar la vistosidad de los desfiles
y procesiones.
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Fotografía 2. Manto de la Virgen La Chinita
Fuente: www.reportecatolicolaico.com
Tal privilegio lo han tenido varios diseñadores y personalidades
reconocidas de la ciudad, acumulándose hasta ahora un gran número de
impresionantes y elaboradas piezas de diseño que reposan en la Basílica de
la Chiquinquirá.
Este material por sus características y su valor simbólico y religioso
merecen el mayor cuidado y mantenimiento posible para poder ser
apreciados por futuras generaciones. También sería importante una
adecuada catalogación y registró grafico de cada Manto realizado, actividad
que aun no ha podido ser llevada a cabo y que contaría con el seguro
beneplácito de la Iglesia, de los fieles y de los autores de los Mantos.
Cada año con la previsión suficiente es designada una persona en
64
particular para encargarse de la realización del Manto. Como es fácil
entender , el compromiso es tal, que la persona designada siente el normal
deseo de destacar en su trabajo la mejor idea posible y el diseño más
especial que pueda producir para tan especial asignación. Completando su
tarea con la colocación del Manto, que es conocido como “vestir a la Virgen”
antes de la impresionante bajada y correspondiente procesión.
De estas tareas y de estos resultados solo existen registros parciales y
gráficas accidentales que tienen un valor documental que aun no se realiza
formalmente.
La colocación del Manto es un acto Privado y sagrado que se realiza
con la solemnidad y sobriedad requerida.
Una vez que el Manto llega al presbiterio de la Iglesia la Reliquia de la
Virgen debe estar colocada en la mesa dedicada a esta actividad. La reliquia
original de la virgen por medidas de seguridad y por respeto a la misma solo
puede ser manipulada por los Servidores de María elegidos en esa ocasión,
y el diseñador encargado en esa momento, junto al director general de la
decoración del templo y de la Imagen. Al llegar el presbítero y después de
previa aprobación del trabajo realizado bendice el manto y autoriza a la
colocación del mismo. Se autoriza el ingreso de algún feligreses para el
registro fotográfico y se procede a los ajustes y correcciones necesarias que
las costureras deban realizar.
Finalizada la prueba del Manto, se desmonta el mismo y la reliquia es
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llevada por los servidores a la posición sobre el tobogán para asegurarla en
el mismo aparejo que servirá para la bajada de la imagen a la mesa donde
esperara el Padre para la ceremonia del beso a la Imagen. El diseñador y los
servidores trasladan y montan el manto. Finalizada esta ceremonia tanto la
imagen como el Manto se colocan en el trono que será el que se llevara en
procesión solemne.
2. BASES LEGALES
Cuando se está desarrollando un producto editorial, se deben tomar en
cuenta ciertas bases legales las cuales soporten los derechos de autor sobre
la obra y sobre la propiedad intelectual del mismo. A continuación, se hará
referencia de algunas leyes las cuales tendrán como objetivo principal el
apoyo y protección de la propuesta editorial resultante de la presente
investigación.
LEY DE DERECHO DE AUTOR. (Gaceta Oficial N° 4.638, 1 de Octubre
de 1993).
Del Capítulo I, de los derechos protegidos, en la Sección Primera, de
las obras de ingenio:
Artículo 1° y Artículo 2°. Referentes a todos los tipos de obra de
ingenio de carácter creador, cualesquiera que sea su género, conociendo
como obras de ingenio las siguientes: libros, folletos, manuales, obras
dramático-musicales, programas de computación, etc.
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Del mismo capítulo, en la Sección Segunda, de los autores:
Articulo 5°, Articulo 6°, Articulo 7°. Estos artículos definen al autor
como creador intelectual de la obra y por lo tanto recibe los derechos de la
misma tanto los de orden moral, como patrimonial. Por otra parte la ley
decreta que el autor será reconocido por el nombre, seudónimo o signo, que
no deje lugar a dudas sobre su identidad.
LEY DE PROPIEDAD INTELECTUAL (Gaceta Oficial N° 5.481, 13 de
Abril de 1997)
Articulo 1°. Hecho Generador: La propiedad intelectual de una obra
literaria, artística o científica corresponde al autor por el solo hecho de su
creación.
Articulo 2°. Contenido: La propiedad intelectual está integrada por
derechos de carácter personal y patrimonial, que atribuyen al autor la plena
disposición y el derecho exclusivo a la explotación de la obra, sin más
limitaciones que las establecidas en la ley.
ISBN (NUMERO INTERNACIONAL NORMALIZADO PARA LIBROS)
(Decreto N° 2.256 Gaceta Oficial N° 37.688, de fecha 13 de Mayo del 2003)
Articulo 3°. A los efectos de la aplicación del Sistema Internacional
Normalizado para Libros (ISBN), se entenderá por:
- Edición: la primera impresión de un libro o de un folleto, hecha por la
misma plancha.
- Reedición: las ediciones sucesivas de un libro o de un folleto que
contengan modificaciones en el contenido o en el formato.
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Articulo 4°. Estarán sujetas a la aplicación de este decreto las
siguientes obras:
- Las ediciones, reediciones, reimpresiones, de libros y folletos editados
en el país, que no sean publicaciones periódicas.
- Las obras publicadas en el Sistema Braile en microfichas.
- Las obras que constituyan una unidad con su material audiovisual
acompañante (discos gráficos, cassetes, CD- ROM, transparencias y otros).
LEY DEL LIBRO. (Gaceta Oficial N° 36. 189, 21 de Abril de 1997). Del
Capítulo I. Del Objeto de la Ley
Articulo 1°. Se declara de interés público la salvaguarda, promoción y
difusión del libro en todo el territorio nacional, así como el desarrollo y el
fomento de la industria editorial venezolana.
Articulo 2°. Esta ley tiene por objeto la protección y el fomento de la
industria editorial, el estimulo del habito de la lectura y la democratización del
acceso al libro como uno de los factores principales en la transmisión de
conocimientos, la formación educativa y la difusión cultural.
Articulo 3°. A los efectos de esta Ley, se entiende por libro a toda
publicación unitaria impresa, no periódica, que se edite de una sola vez o a
intervalos, en uno o varios volúmenes o fascículos.
Articulo 4°. A los efectos de esta Ley, se consideran sujetos de la
misma a los:
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- Autores: son autores las personas físicas que realizan o crean una
obra literaria, científica o artística, que se publique como libro y aquellas que
de conformidad con la Ley sobre Derecho de Autor se consideren como
tales.
- Editores: son editores las personas naturales o jurídicas que por
cuenta propia eligen, realizan o encargan los procesos industriales para la
transformación de las obras creadas por los autores en libros.
- Distribuidores: son distribuidores las personas naturales o jurídicas,
domiciliadas en cualquier parte del territorio nacional, que debidamente
autorizadas se dedican a la venta de libros al por mayor.
- Libreros: son libreros las personas naturales o jurídicas, que
debidamente autorizadas se dedican, exclusiva o principalmente, a la venta
de libros en establecimientos mercantiles de libre acceso al público.
- Impresores: son impresores las personas naturales o jurídicas que,
además de ostentar la titularidad de una empresa de artes gráficas, posean
las instalaciones industriales y los medios necesarios para la producción de
libros.
- Diseñadores: las personas naturales o jurídicas que respondan
profesionalmente por el diseño global de impresos, caratulas, formatos,
diagramación interna, ilustraciones y otros aspectos de la composición.
Del capítulo IV. Del Control de Ediciones y Protección de Derechos
de Autor
Articulo 8°. En todo libro impreso o editado en Venezuela se harán
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constar los siguientes datos:
- El titulo de la obra.
- El nombre o seudónimo del autor, compilador o traductor.
- El numero de la edición o reimpresión y la cantidad de ejemplares.
- El lugar y la fecha de impresión.
- El nombre y el domicilio del editor.
- El Número Internacional Normalizado para Libros (ISBN).
3. CASOS DE ESTUDIO
El estudio de casos en un proceso de investigación es muy importante
ya que permite comparar y tomar como referencia algunos trabajos
realizados previamente por otras personas y poder estudiar en ellos las
ventajas y desventajas que cada una posee.
3.1. ANÁLISIS DE LOS CASOS DE ESTUDIO
Para crear el proyecto, se ha investigado un poco acerca de casos
realizados anteriormente y así poderlos comparar entre sí.
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Gráfico 1. Caso de estudio Nº 1 Le Fotografie
Fuente: Elaboración Propia (2014)
Gráfico 2. Caso de estudio N° 2 West Side Story
Fuente: Elaboración Propia (2014)
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Gráfico 3. Caso de estudio N° 3 Lens on life
Fuente: Elaboración Propia (2014)
Gráfico 4. Caso de estudio N° 4 Vivian Mayer Street photographer
Fuente: Elaboración Propia (2014)
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Gráfico 5. Caso de estudio N° 5 Cienaga Los Olivitos
Fuente: Elaboración Propia (2014)
4. MÉTODOS Y PROCESOS DE DISEÑO
Todo proyecto de diseño debe ser concebido y ejecutado bajo
lineamientos claramente especificados, sea cual sea la magnitud de dicho
proyecto e independientemente al área del diseño que este pertenezca, debe
ser regido bajo un método de diseño.
Dentro de las partes del diseño de información se encuentra el análisis
y la reflexión de la teoría y metodología del diseño, este espacio trata de
sintetizar y englobar lo que muchas veces el diseñador deja de lado.
73
4.1. MÉTODO PROPUESTO POR COTTON (1993)
Paralelamente Cotton (1993), expresa que el trabajo del diseñador
gráfico se divide en tres áreas principales, el diseño creativo, la producción
de originales que interpreta el diseño y la coordinación de los diversos
procesos necesarios para la producción del trabajo impreso final solo
mediante el conocimiento íntimo de todos estos procesos, podrá el diseñador
producir un trabajo creativo que aproveche al máximo su capacidad
potencial. El autor antes citado propone el siguiente esquema como proceso
de Diseño gráfico, el cual consta de 8 pasos, estos son:
Generación de ideas. Las ideas pueden tomar forma de listas,
diagramas en forma de telaraña o cualquier información que ayude a fijarlas.
Pequeños bosquejos. Estos son los borradores iníciales a pequeña
escala.
Borradores de trabajo. Se elaboran los bosquejos pequeños, dándoles
tamaño real.
Visual de trabajo. El trabajo casi completo, listo para su presentación
al cliente.
Composición tipográfica e ilustración. Especifique y ordene la
composición tipográfica, produzca gráficos lineales y haga encargos de
ilustración.
Preparación del original. Prepare original y especifique los procesos
que darán como resultado el trabajo terminado que se le solicitó.
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Corrección de pruebas. Supervise registro, reproducción de color y
posibles fallos.
Supervisión de imprenta. Establezca una buena relación tanto con la
casa de producción como con el impresor.
Figura 3. Síntesis del Método de Cotton (1993)
Fuente: Elaboración Propia (2014)
4.2. MÉTODO PROPUESTO POR MUNARI (1997)
Este método proyecta una serie de operaciones necesarias, dispuestas
en un orden lógico dictado por la experiencia. Relaciona la proyección con la
solución de pequeños problemas bajo el método cartesiano pero sin
esquema fijo. El método de diseño de Munari B. (1997. Pág. 9) se basa en
las cuatro reglas del método cartesiano, aquí se presenta un resumen de los
nueve pasos considerados por Munari:
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La primera, habla de definir el problema en su conjunto, el cual servirá
para definir los límites por donde deberá moverse el proyectista.
La segunda, menciona los elementos del problema en los cuales se
debe desfragmentar el problema, dividirlo en tantas partes sea posible para
facilitar su resolución.
La tercera, propone la recopilación de datos, organizar los
pensamientos, desde el más sencillo hasta los más complejos y suponiendo
un orden entre los cuales no preceden naturalmente a los otros.
La cuarta, indica realizar un análisis de datos que ayudará en
proporcionar sugerencias sobre qué es lo que no hay que hacer para
proyectar bien un proyecto.
La quinta habla de la creatividad, vinculada todavía a la forma artística-
romántica de resolver un problema. Mientras la idea, vinculada a la fantasía
puede proponer soluciones irrealizables por razones técnicas o materiales.
La sexta los materiales- tecnología, consiste en otra pequeña recogida
de datos a los materiales y a las tecnologías las cuales el diseñador tiene a
su disposición, en aquel momento de realizar su proyecto.
La séptima, es la experimentación y es cuando ahora el proyectista
realizará una experimentación de los materiales y las técnicas disponibles
para realizar su proyecto.
La octava indicar o realizar modelos que permiten extraer muestras,
pruebas, informaciones, que pueden llevar a la construcción de modelos
demostrativos de nuevos usos para determinados objetivos.
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Y por último verificar el modelo a un determinado número de probables
usuarios y se les pide que emitan un juicio sincero sobre el objeto en
cuestión.
Munari (1997) toma en cuenta al problema y a su análisis o estudio para
así poder determinar claramente las posibles soluciones. Después menciona
la recolección de datos como elemento importante para formular una buena
solución del problema, continua con la creatividad por parte del diseñador lo
cual determinará claramente el producto final. El autor afirma la utilización de
la tecnología como herramienta para el diseño y no como plantilla de calcar,
sigue con la experimentación de técnicas de expresión que ayudarán a
formar el carácter del diseño, el modelado de maquetas y poner a prueba
dicha maqueta forma parte de la conclusión de Munari.
Figura 4. Síntesis del Método de Munari (1997)
Fuente: Elaboración propia (2014)
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4.3. MÉTODO PROPUESTO POR SCOTT (1993)
Scott señala que a la hora de diseñar no solo entra en juego el aspecto
intuitivo, si no que es importante y fundamental los juicios racionales, y
establece un proceso de cuatro pasos intervinientes en el desarrollo del
producto.
(a) Causa Primera: Se denomina así por el motivo o necesidad que
induce al diseñador.
(b) Causa Formal: Constituye al segundo paso, es decir la forma del
objeto, la cual debe enriquecerse a medida que se investiga con respecto a
técnicas y materiales a utilizar.
(c) Causa Material: Este se refiere a los materiales empleados para la
construcción, los cuales deben ir en armonía con el objeto propuesto.
(d) Causa Técnica: Por último se señala esta técnica, ya que ella le
dará forma a ese material seleccionado para la elaboración del objeto ò
producto.
Figura 5. Síntesis del Método de Scott (1993)
Fuente: Elaboración propia (2014)