ramonarevista de artes visualeswww.cooltour.org/ramona

buenos aires, diciembre de 2000

Florencia Cacciabue y Facundo Ceraso: conversación

Dossier Ricardo Carreira. Escriben: Ana Longoni, Pablo Suárez

León Ferrari, Romero, Roberto Jacoby, Jorge Carballa

Ricardo Piglia habla sobre ramona

Prior en Recoleta

Stupía por Héctor Libertella y Fabio Kacero

Apuntes para la historia del arte argentino por Cippolini

Lucio Dorr en el C. C. San Martín

Esnoz en Dabbah Torrejón

Dossier Trama Dos

Muestras en La Plata, Rosario, Tucumán, Misiones

Arte Mondongo por Margulis y Avancen

Proyecto de Ley de Mecenazgo por Mauro Herlitzka

Salgado en Proa

Jeff Koons y Helmut Newton por Timo Berger

Sensorial Mediática y Flash 2k por Peisajovich y Jacoby

Nuevos espacios: La Victoria y Espacio Tornasol

Mini balance 2000

Fiesta ramona: ver contratapa

ramona índice

Ddiez

revista de artes visuales n*8.

diciembre de 2000

Una iniciativade la Fundación START

Editor responsableGustavo A. BruzzoneConcept managerRoberto JacobyRealizaciónMaria Luisa Di ComoCecilia PavónRumbo de diseñoRosDiseño gráficoGastón PersicoWebMartin GersbachDistribuciónA. Paulo MazzeoPublicidadGuadalupe Fernández Karina FariasEladia Acevedo (Rosario)

Las siguientes personas interesadas en lasartes visuales apoyan a ramona: FernandoE Bustillo, Osvaldo Giesso, Jorge GumierMaier, Luis F. Benedit. Pablo Siquier, PabloSuárez.El nombre ramona se le ocurrió a JorgeGumier MaierTitulos y volantas realizados por ChinoSoria, Nicolás Domínguez Nacif, CeciliaPavón, Osvaldo Jalil, Ernesto Arellano,Gustavo Bruzzone, Roberto Jacoby, LeoChiachio, Sivina Buffone, Diana B, RaúlFernández, Daniel Gigena, Marcelo López,Melina Dorfman, Alberto Passolini, MarianaVaiana, Iván Calmet, Mauricio Corbalan,Gabriela Bejerman.Los colaboradores de este número figuranen el índice. Muchas gracias a todos.RNPI en trámite.El material no puede ser reproducido sin laautorización de los autores.Las imágenes correspondientes a lasediciones en papel de ramona podránencontrarse a partir de mayo enwww.cooltour.org/ramonaPara que las imágenes se encuentren en laweb antes de la inauguración de lasmuestras solicitamos a los artistas,galerías, museos. etc. que envíen elmaterial digitalizado en JPEG, 72 DPtamaño 600 x 600 pixels. Si no cuentan conmedios de digitalización consultar por mail.ramona@cooltour.orgFundación STARTBartolomé Mitre 1970 5B(1039) Ciudad de Buenos Aires

Drangos, InésEl conventillo de Don BenitoErlich, JuanEsnoz, ManuelFahlstrom, OyvindFennochio, AlejandraFractman; Japo; LauríaGaletar, MargaritaGryciuk, MarinaHi Low FiHilal, AlbertoIglesias Brickes, EduardoJoglar. Laguna. Pavon. ScafatlKlemm, PremioKoons. Jeff; Newton. HelmutLey de MecenazgoLinero. SebastianLo Pinto. MarceloLópez. Russo, FierroLuna. BernardaMaddoni. KarinaMartino. FedericoMerla, IsmaelMini Encuesta 2000MisionesMondongo. ArtePeilli, CésarPerassi RodofoPetruchansky. ZulemaPierri. DuilioPiglia, RicardoPintura Argentina Cont.Pla, EduardoPrior. AlfredoRetamozo. CarlosRocca, EnrlqueSalgado. SebastiaoSaubidet, CelinaScopel, Mariano. Marciani. MariaSeguí, AntonioSensorial Mediática: Flash 2kSoria. ChinoStupía. EduardoSturgeon. RichardTrama

Tucumán ArteUeno, GuillermoUna noche en el museoVidela. Juan A,Zalazar. Ana

Ríos, Damián: Cucurto. Washington; 6Ferrari, León: Carblla, Jorge; 7Jacoby, Roberto; Romero 8Xcela2000 30Prior, Alfredo 43Freschi, Romina E. 23Salatino, Vanesa; Fernández. Raúl 29Moszynski. Andrew. 18

Fazzolari. Fernando 22Bedatou. Eugenia 23Wajszezuk. Ana 24Bagaro. César 10Najt. Celeste 30Vilches. M. Cecilia 29Jalil. Osvaldo 26Bagaro, César; Montini, Pablo 9Anónimo 24Berger. Timo 12Herlitzka, Mauro 37Rosado. Conejo 30Romero 23Castellani. Lujan 10Vázquez. Adriana 32Paroni, Ana 3?Fernández, Raúl 31xxx 30Soria. Chino 44 y 45lturralde; San Martin 10Margulis. Alejandro; Avancen 20Corbalán, Mauricio 19Pavón. Cecilia 31Ciancio 31Fernández, Raúl 31Eguía. Beba 35Passolini Alberto 31Vicentini, Cayetano 19Buffone, Xil, Las Heras. Laura; Blisset L 21Rosado. Coneio 28Passolini. Alberto 31Lopez; Gigena 28Ceraso. Facundo 34Pavon. Cecilia 33Calmet, Ivan 32Jacoby, Roberto; Peisajovlch. Karina 33Viches, M. Cecilia 34Libertella. Héctor; Kacero. Fabio 16 y 17Arellano. Ernesto 32Pavón; Dominguez Nacif:Castellani: Juárez: Moreira 14 y I5Bruzzone. Gustavo A 11Cippolini. Rafael 42Fazzolari. Fernando 36Polito. Julián 21Freschi, Romina E. 25

Abisman; Diez Correa, Jimena 24AI Mondy. Fabián Pérsico, Gastón 30Arquitectos Colectiva Corbalán, Mauricio 19Arte argentino Cippolini, Rafael 38 a 40

Arte argentino, polémica Buffone; Arellano 41Artesacro Pampín, Susana 25Bankov, Dogu Armesto, Lorena 23Belgrano, Salón Farji, Eva 25Brcdsky, Norberto Dorfman, Melina 22Cacciabue, Florencia Conversación 26 y 27Carballo; Audivert: Scavino Jalil, Osvaldo 29Cerámico, Salón De Carli, Ernesto 28Ceraso, Facundo Conversación 26y27Campagnucci, Andres Bruzzone, Gustavo A. 29

De Loof, Sergio 34De Souza. Cecilia Glaiman, Gabriel 22Diversidad Daisy 18Dorr, Luclo Calmet, Ivan: Zanoli. Romina 24Dossier Carreira Lonqoni. Ana: Suárez, Pablo; 3 a 6

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Relevamientos y revelacionesDocumentados señalamientos de una importante investigadorasobre la reconstrucción de la obra de Ricardo Carreira

Por Ana Longoni

a obra de Ricardo Carreira (1942-1993}está atravesada por la doble condiciónde ser una de las que demuestran

mayor impacto en la memoria y asiduidad enlos relatos acerca de la vanguardia plásticade la segunda mitad de los '60, y a la vez lamenos vista. Este artista crucial,seguramente el primer conceptual de nuestromedio, contemporánea y notablementeemparentado a propuestas como la deJoseph Kosuth, vivió entre olvidado y eludidopor el establishment artístico, apoyado pormuy pocos amigos. Sus tesis acerca de lapresentación y la representación del objeto,la discontinuidad y la deshabituación en el ar-te, nutrieron no sólo sus realizaciones yteorizaciones, sino las de muchos otrosintegrantes del grupo con el que dialogaba.Más que una especulación, el comentario deKuki, la mujer de Carreira, acerca de que "lasmejores obras de Ricardo son las que planeóy nunca hizo", apunta a señalar que no sepueden desvincular las discusiones, losdiálogos, los proyectos de la producciónartística (e incluso restringir ésta a loefectivamente exhibido), sin limitar laposibilidad de comprender este procesocreativo íntegramente. Más que comoresarcimiento del deficit que reciénplanteaba, la experiencia de recorrer larecién inaugurada muestra "Ejercicios deRicardo Carreira" en el MAMBA y, más tarde,el CD "Vida y obra de Ricardo Carreira" quela acompaña, puede rescatarse como unaoportunidad para la observación sociológicade los modos de funcionamiento del campoartístico local. Aquí planteo algunosproblemas en este sentido.

Primer problema: acerca de la otredadHago notar algunos detalles de los que mepercaté (en parte porque me afectandirectamente) que hacen al tratamiento quereciben los textos, los trabajos, los nombresde los otros en la muestra, que

se acompaña por un díptico (con texto deMargarita Paksa, un impreso de Página/12con el mismo texto de Paksa y uno deRicardo Piglia), y un CD titulado “RicardoCarreira, vida y obra", dirigido también porPaksa).

1) En la introducción a la edición de losPoemas de Ricardo Carreira (Buenos Aires,Atuel, 1936), que Piglia escribiera bajo eltitulo "El laboratorio de Carreira" apenasempezado el primer párrafo dice: "Meacuerdo que Jacoby tenía fotocopias de lospoemas de Carreira y los había estadodistribuyendo entre los amigos". En lareproducción del mismo texto en el impresode la exposición esa frase -y otras dos-desaparecieron, sin autorización del autor.

2) De la misma índole es el cercenamientotambién inconsulto de muecos párrafos deltexto que leí en 1996 en la presentación delmismo poemario en el CC Rojas, titulado"Imágenes de Carreira". Sería extensoreproducirlos aquí, pero sépase que seintroducen “correcciones" entre los incluidosen el grupo con el que Carreira sostenía undiálogo, desapareciendo del listado originalRodriguez Arias y Distéfano. Y que quedaronafuera -entre otras partes- el relato de DavidLamelas sobre su vínculo con el artista, lasreflexiones de Pablo Suárez sobre lasdiscusiones que tenían.

3) La cronología incluida al final del poemarioya citado aclaraba que "los datos biográficosfueron relevados por Patricia Rizzo (hasta ladécada del 80) y por Fernando Bedoya". Lamisma cronología es repetida textualmente -con algunos pocos agregados- en el CD,aunque esta vez aparece firmada delsiguiente modo: "Los datos biográficosfueron revelados (sic) por Margarita Paksa(hasta la década del 80) y por FernandoBedoya". Tampoco es mencionada PatriciaRizzo dentro del listado de los participantesen la

mesa redonda de presentación delpoemario en el CC Rojas.

4) En medio de la citada cronología me en-contré con un párrafo completo del textode homenaje a Carreira que leí en las jor-nadas del CAIA de 1993, titulado “EntreParis y Tucumán: la crisis final de la van-guardia artística de los sesenta" -del quecon cierta ingenuidad y tozuda conviccióndi copia a todo el que me lo pidió.Dije entonces: "La locura (o muchas vecesla incapacidad ajena para convivir con ella)lo alejó de los circuitos de consagración, delas posibilidades de publicar sus poemas ode exponer sus trabajos (salvo en contadasmuestras colectivas, gracias a los esfuerzosde sus amigos)". Dice Margarita Paksaahora: "La locura (o muchas veces laincapacidad ajena para convivir con ella) loalejo de los circuitos de consagración, delas posibilidades de publicar sus poemas ode exponer sus trabajos (salvo en contadasmuestras colectivas, gracias a los esfuerzosde nosotros, sus amigos)".

5) En los años '80 Carreira, Paksa y JuanCarlos Romero (según las entrevistas quesostuvimos M. Mestman y yo con los dosúltimos) se reunieron durante meses paradiseñar una obra conjunta, que nunca llegóa concretarse. Sin embargo, en el relato queahora hace Paksa de esos encuentros elnombre de Romero no figura.

6) Se interviene el fragmento de laentrevista a Pablo Suárez incluidos en el CDpara adecuar su testimonio a losargumentos que quiere sostener lacuradora; "Había gente que estabatrabajando clandestinamente o cosas así,gente del FATRAC, estaban Favario,Carreira y Ruano, y para ellos todo teníaque quedar reducido al plano político"(entrevista a Pablo Suárez, en: Ana Longoniy Mariano Mestman, Del Di Tella a"Tucumán Arde”, Buenos Aires, El cielo por

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Asalto, 2000. p. 322). "Había gente queestaba trabajando clandestinamente ocosas así, gente del FATRAC, estabanFavario y Ruano, y para ellos todo teníaque quedar reducido al plano político"(Entrevista a Pablo Suárez. "mencionada(sic) en Del Di Tella a Tucumán Arde, deAna Longoni", según la versión del CD dePaksa).

7) Apenas llegada a la muestra, medesconcerté al ver la ponencia"Compromiso y arte" -que fotocopié paraMargarita Paksa hace pocos años-reproducida en gran escala a con mispropios subrayados y anotaciones almargen. En el CD se anuncia que fue elmismo Carreira (!) el que subrayó y anotóese documento, y el que se lo dio a ellaantes de los '80. Los que trabajamos eninvestigación en este país sabemos hastadonde está instalada una lógica deocultamiento de fuentes, de adueñamientode documentos y de temas. Los papeles seretacean, se esconden, se niegan. Por esoes saludable reconocer que encontramos(Mariano Mestman y yo) "Compromiso y ar-te" (presentada en Rosario en agosto de1968) en el archivo más completo de lavanguardia rosarina de los '60, el queconservaron Graciela Carnevale y CarlosMilitello, quienes generosamente lo brindana quien lo solicite. Y afortunadamente sonmuchos los amigos de Carreira queatesoran (y a veces hacen circular) unagran cantidad y variedad de textos delartista -aunque en su mayoría no fueronconsultados para ampliar el corpus detextos incorporados a la muestra y al CD-.Menciono algunos de los que me consta:Roberto Jacoby, León Ferrari, JorgeCarballa, Juan Carlos Romero, CocoBedoya, Emei.

¿Alcanzan siete perlitas para armar uncollar?

Segundo problema: lareconstrucción

La (alta de aclaración respecto del carácteroriginal o reconstruido de las obrasexhibidas en la muestra “Ejercicios..." nosintroduce en un segundo problema. Sicoincidimos en que se trata de hitos del arteproducido en Argentina que hay querescatar del olvido, ¿cuál es el mejor criteriopara mostrar estas -y otras- obrasexperimentales de la década del '60, de lasque no queda ningún registro más que lamemoria de quienes fueron sus testigos?¿La ampliación de la fotito aparecida enPrimera Plana? ¿El registro de un conjuntode relatos discordantes, desencontrados? Ysi se opta por encarar una reconstrucción,¿quien define cuál es la versión másfidedigna dentro de las muchas existentes?El dilema se viene planteando desdemediados de los '90 en una serie demuestras que encaran miradaspanorámicas o acotadas sobre laproducción experimental de los '60. Cuandose trata de obras conceptuales,desmaterializadas, de acciones oambientaciones, de happenings y obras delos medios, de las que no queda soportematerial, ni registro fotográfico, a veces nisiquiera un croquis, nada más que lostestimonios nunca coincidentes de los quefueron protagonistas o testigos de ellas,que recrudecen en su disparidad cuando elartista ha muerto, o cuando se trata de unaacción colectiva... No sólo se dificulta lareconstrucción ante las versionescontradictorias, contrapuestas (el grosor dela soga que fue piolín, el estampado de latela, el tamaño del paño, etc.) sino que aúnen el hipotético caso de que se lograrareconstruirla literalmente igual a aquellaque fue hace treinta y tantos años, esaliteralidad no alcanza un sentidoequiparable.Es decir, ¿no es un dato significativo a lahora de reconstruir una obra que el"Ejercicio sobre un conjunto" presentado enlas Experiencias Visuales 1967 hayaconsistido en el inventario del ámbito deexhibición -el Di Tella-, y la descomposiciónen sus elementos (las paredes y los pisos,

que eran de madera)? ¿Qué sentido tienehoy reproducir un panel de parquet en elpiso de cemento del MAM? ¿Se trata defidelidad a la obra original, a sumaterialidad, antes que a su sentidoconceptual? ¿Hubiera sido pertinente"adecuar" la obra al nuevo ámbito y colocaruna bolsa de cemento en vez de madera?Otro tanto ocurre con la escalera truncapresentada en 1966 en el MNBA, que -porlo que se vislumbra en la foto y lo querelatan los artistas que la recuerdan-estabamontada sobre una escalera existente,posiblemente de acceso, en uso en Iamisma sala de exposición, y la prolongabahacia el vacío. De nuevo la obra estabaponiendo en cuestión el lugar al que seestaba arribando. En esta ocasión, unaescalera simulada que se exhibearrinconada contra una pared, recortada desu función y convertida en una "obra" en símisma, cubierta con una suerte de alfombrade que no va mucho más allá... De nuevo:¿la opción hubiera sido "adecuar" la obra alas nuevas circunstancias? ¿La escaleratrunca sobre el acceso de entrada alMAMBA?¿Para qué redundar más aún? Comoremarcaba en el volante que repartía el díade la inauguración Adrian Carreira, el hijomayor del artista, Sus instalaciones fueroncuidadosamente "concebidas dentro de uncontexto social determinado en espacio ytiempo". Aquí falta el contexto, no sólo en elsentido de reponer información mínimasobre cada obra, sino en el sentido de teneren consideración el medio en que fueronideadas, montadas, mostradas, en el queresultaron eficaces y dejaron su huella en elrecuerdo de sus espectadores.

Tercer problema:el escozor de la políticaUna de las mayores debilidades de nuestrocampo artístico debe ser la imposibilidad deun debate abierto y frontal, que no ofenda anadie sino que explicite posicionamientosdistintos, distinga evaluaciones dispares,abra problemas a re-

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pensar, zonas nuevas a indagar. Una especiede barniz de las "buenas formas" oculta -losabemos todos- un cúmulo de suspicacias,rivalidades, odios antiguos o nuevos, queobran sobre los modos en que, ya sea desdela labor de la crítica, la historiografía o lacuraduría, se legitime o se desguaza, seconstruye un relato mítico o se hunde en elolvido. Paksa, después de haber "recurrido" anuestros textos, toma distancia veladamentesin nombrarnos esgrimiendo un argumentoque ya hemos escuchado. Dice en el textointroductorio del CD que "algunos autoreshan querido ver en Carreira especialmente lafaz política y han magnificado lascircunstancias posteriores al Premio Braque1968", y en el epílogo, que "la crítica de arte,(...) al momento, ha dejado absorber lamirada exclusivamente por el aspectopolítico". Su caballito de batalla es que nofueron razones de orden político las queexplican que Carreira no participara enTucumán Arde. Por cierto que eso es cierto:su situación psíquica se deterioróabruptamente ese año y terminó en unaprimera internación. Pero, ¿a qué viene negarahora su vinculación al FATRAC, sigla delFrente Antiimperialista de Trabajadores de laCultura, organismo relacionado al PartidoRevolucionario de los Trabajadores (PPT- Elcombatiente)? El FATRAC tuvo unaparticipación cuestionada en los incidentesocurridos en la ceremonia de entrega delPremio Braque 68, que terminó en ladetención de doce artistas (incluidos Carreira,Paksa, Jacoby, Suarez, el rosarino Favario,entre otros). Incluso fue en una de lasreuniones preliminares a la realización deTucumán Arde, en agosto de 1968 en la casaen Castelar de la propia Margarita Paksaadonde se produjo un enfrentamiento físicoentre los artistas que integraban este grupo ylos que no, que también estabanradicalmente politizados pero se resistían a lainjerencia de un aparato orgánico, partidario.Ella misma nos relataba en la entrevista

realizada en 1993 -incluida en el libro yacitado-: "Presumiblemente, Ricardo Carreirahabría tenido conexión con el FATRAC yrelación con grupos universitarios. Entonces,de hecho, hubo dos bandos en esemomento: quienes tomamos la palabra yquienes volantearon atrás consignas delFATRAC. Yo opiné que fui a defender miposición contra la censura y no tenía por quéembanderarme o entregar toda mi actitud aun grupo político con el cual no tenía niquería tener nada que ve. (...) Nosotrosestábamos presos y no podíamos hacerdeclaraciones inmediatas. Carreira tambiénestaba preso con nosotros, pero justamentele reprochamos el hecho de haberserelacionado con este grupo" (op.cit.. pp. 309-311).

Lo incomprensible es que ahora Paksadescriba este conflicto en términos de laoposición entre "la poesía y la verdad" queexpresaría Carreira y la orientación marxistade otros, "en especial el grupo de Rosario,con Juan Pablo Renzi y Maria TeresaGramuglio” (véase el CD ya citado). Segúnella, Carreira estaría "oponiéndose a los quedesde el marxismo sostenían utopías".En primer lugar, ¿por qué opone al marxismoa alguien que reconoce trotskista, nadamenos que parte de una de las vertientesmás radicales del marxismo del siglo XX?Aquello que los enfrentó, en todo caso, fue laaparición de lógicas de politización distintas,y no una actitud anti política en Carreira. Sihoy política es mala palabra, no puedeolvidarse que en los '60 se pensaba entérminos de "una lucha necesaria, sangrientay hermosa por la creación del hombre nuevo"(Jacoby dixit). ¿Es necesario reivindicar lacarga utópica de los planteos de Carreira?Su condición política era vivida comopensamiento y como acción. Haycoincidencia en encontrar en Carreira lacoherencia mayor entre vanguardia artísticay vanguardia política. Pablo Suárez loreconoce -junto a Jacoby- como los que"aportaron

una cuota ideológica más precisa y que, dealguna manera, nos movió el piso a todos"(en Tiempo Argentino, 13/7/1988). InclusoRomero Brest los distingue del resto cuandodice: "últimamente (1966) hemos atraídohasta a los más reacios y comunizantes,como Carreira y Jacoby" (en: Slemenson yKratchowill, "Un movimiento plástico devanguardia en Buenos Aires...", mimeo,1967:p. 35). Por otra parte, y aunque no haya sitiopara desplegar este argumento, no tieneasidero enfrentar a Renzi y a Carreira,quienes coincidieron en sus textos del IEncuentro de Arte de Vanguardia en lareivindicación de la eficacia política de laindagación formal. Recordaba Renzi:"Nuestra intención era desde la vanguardiatomar la ideología, no poníamos el arte alservicio de la ideología, como meromensajero, como mera forma de transmitirmensajes, sino que tenía que ser unaconfluencia dialéctica, creativa y creadora deuna nueva situación formal. Situación que sedaría a partir de la conjunción de la actitud devanguardia, de indagación experimental, conla actitud ideológicamente revolucionaria". Yante los integrantes del FATRAC, sostieneRenzi, "afirmamos nuestra independencia delos movimientos políticos concretos, auncuando alguno de nosotros pudiera coincidircon sectores o partidos" (Guillermo Fantoni,Arte, vanguardia y política en los años '60,Buenos Aires. El cielo por asalto. 1998. pp.59-60).

Difícilmente este tratamiento sobre una obrainvisibilizada subsane el secreto, el vacío querodea a Carreira. Quedan fuera las versionesy obras que M. Paksa no vio o no recuerda ono valora como relevantes. Estamos ante loslímites de la labor de una curadora, que es ala vez parte y testigo parcial, y que, devenidaen "investigadora", le otorga a sus recuerdosy a sus impresiones jerarquía de memoriahistórica inapelable...

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En defensa del mitoPablo Suárez fundamenta suPor Pablo Suárez

Le dije a Laura Buccellato en relación a lasituación planteada de si las obras hechaspor Paksa representaban o norepresentaban a Carreira, que las obrasnunca podrían recuperar el espíritu deépoca y siempre traicionan el sentido estosintentos de recuperar obras.La mismo se había planteado cuando sehizo la recuperación de la última muestradel Di Tella (Experiencias 1968, curada porPatricia Rizzo) que no representaba enabsoluto nada de como se había recibido lamuestra en la época.Nunca se podría haber recuperado elespíritu de la época, nunca podría producirel mismo efecto frente al público conrespecto a lo pasado en los años sesenta,ni la de Carreira ni la de nadie, a menosque se arme una retrospectiva de alguien.En estas la obra no está... En el caso deDuchamp hay una gran documentaciónhistórica, hay fotos, hay personas queanalizan y establecen el rigor de la obra.Pero da lo mismo contar una obra de Du-champ que verla. También son dudosas lasreconstrucciones de las obras de Beuys,cualquiera que las haya visto sabe que sondemasiado fallutas. Como no creo en elanálisis posterior de las obras,

en las obras hay una carga que hace queen un momento la obra transmita. Espreferible contar las obras por escrito quetener una falsa imagen visual de las obras.Porque la imagen visual no es en sutotalidad transferible al lenguaje como ideaporque hay una cantidad de elementos queson inexplicables... Te pueden contar elQuijote pero no como lo escobio el otro.Como no estoy de acuerdo con lasrecopilaciones del Readers Digest tampococon las de ningún tipo y menos con obrasvisuales. Te puedo contar que Rubensarmaba orgias faunescas en los bosques,pero si no ves el Rubens...Generalmente las reconstrucciones lashace gente con muy mala memoria o genteque no vio la obra... Yo estoy en contra dela interpretación... Si alguien va a hacer laobra de recuperación de los materiales queCarreira hizo en el Museo de Arte Modernode la calle Corrientes donde utilizó lasbaldosas perforadas del techo estotalmente estúpido trasladar los materialesde Corrientes al Museo de San Juan. Lológico hubiera sido hacer una paráfrasis ymostrar la idea con los materiales de lacalle San Juan.Carreira usaba los materiales con unaintención provocativa. La idea no iba aincomodar pero en cambio los materialesdetestables,

sucios, puestos en forma tan incómodaservían como una provocación Hoy en díasi Carreira viviera la haría de otra manera.Cuando se recupera una obra vieneamansada, viene domada. Y si la obratiene intenciones de producir efectosincómodos nunca volverías a repetir elmismo tipo de imagen porque esa imagenestaría ya masticada y perdería laaspereza.Dar fe que en tal año se produjo tal ideapor escrito me parece totalmente lógico,pero la recuperación material de la obra yano produce el mismo efecto.El arte del siglo XX es experimental, noaspira a la eternidad. Entonces contá quépaso y nada más. Colaborá a la presenciamítica de la obra en vez de presentar unaobra achicada, reducida. Estoy contra todoese tipo de recuperaciones, las detesto.Esas y cualquiera, por eso no quieroescribir sobre Carreira.Cuando vi nuestras obras traicionadas enProa lo lamente y lo había dicho antes dela muestra. No es nada personal. Habíadicho que se destruía el sentido mítico deesa época. A mí no me gusta achicar, megusta agrandar para que la gente tenga unsueno más importante. Las sagas nuncason iguales pero se agrandan a medidaque se van contando.

El poeta honestoDos poetas dialogan sobre Carreira debajo de un porche

Por Damián Rios yWashington Cucurto

esde hace media hora la lluvia caetorrencialmente y los autos pasandespacio pegados a la vereda,

poniendo especial cuidado en mojarnos lospies. Nos refugiamos contra una puerta conCucurto, ahora el tema es Carreira:-Que me parece que está inflado -diceCucurto-. Cada tanto parece que hubieraque inflar a alguien-Empezando por vos -digo-.-Okey, empezando por mí. Pero, porejemplo, Arturo tiene varios libros buenos ynadie dice que haya fundado algo... -Atención: voy a intentar decir lo importanteen los poemas de Carreira.

-A ver...-Algo vinculado al rigor, en principio. Cadapoca avanza juntando evidencias,especulando, haciendo comprobaciones,dando cuenta de eso que se podría llamarrealidad. Me interesa la manera y lasherramientas con que este buen hombrehacía ese trabajo. No se puede decir quefuera un maestro del ritmo, por ejemplo, nique sus versos brillen especialmente porcierto despliegue técnico, que ahora estátan de moda. La poesía se ha llenado deespecialistas en técnicas. Carreira, encambio, apenas con el verso libre, algunasnociones elementales de la gramática y elsubrayado -algo que aprendimos ensegundo grado-, se dedica a averiguar ydecir lo que cree importante.

En su obra siempre arrancan de 0, elpoema, el poeta y el lector. No haceinnovaciones técnicas: usa lo que hacemucho aprendimos de una manera tansimple y a la vez tan rigurosa que parecenuevo.-Por ahí tenés razón, pero me parecepoco...-Puede ser. Pero detrás de sus poemasse sospecha algo más grande, algo quese puede verificar en sus ensayos y mehan dicho que también en su obra plásticay en la música que componía. Pero aunsiendo poco, parte de lo mejor que lepuede pasar a un Poeta es despertarsospechas.-No está claro lo del rigor.-Sí, pero otro día, con más tiempo.

negativa a escribir sus recuerdos de la obra de Carreira

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En defensa de PaksaLeón Ferrari

Exponer una obra veinte años después dehecha implica el riesgo de desvirtuarla, deque la nueva complejidad del mundo que larodea la cambie: lo que se expone esdiferente al original aunque sea la mismacosa. Cuando se trata de exponer obrasajenas reconstruidas, de alguien que murió,de una obra perdida de la que no quedanfotografías, esos riesgos se acentúan. Antela alternativa de desvirtuarlas o de

olvidarlas, varios amigos de Ricardo Carreira-Fernando Bedoya, Roberto Jacoby y PabloSuárez - optaron años atrás por materializarrecuerdos y exponerlos, como una forma demantener la memoria y de rendir homenaje aaquel maravilloso e incomprendido artistaque era Ricardo.La primera muestra personal póstuma desus obras, curada ahora por Margarita Paksaen el MAM, con objetos reconstruidos enbase a recuerdos de amigos y críticos, conampliaciones de varios

de sus escritos y con algunos originales,unida al CD que la acompaña, es un loableaporte de Margarita y del Museo de ArteModerno por renovar la presencia deCarreira, actualizar sus ideas, y acicatear aquienes puedan agregar nuevostestimonios. La imposibilidad de reflejar lacompleja vida de Ricardo, de sus gestos ycálidas palabras, de su arrolladora inventiva,de sus desconcertantes e imprevistasacciones, de la ternura de su carácter, nodebe impedirnos evocarlo en toda forma

Últimos encuentros con CarreiraTESTIMONIO DE JORGE CARBALLA. RECOGIDOPOR ANA LONGONI. NOVIEMBRE DE 2000.

arreira tenía una vida común, como lade todos, pero excepcional desde elpunto de vista artístico, como la de

Van Gogh o también la de Federico PeraltaRamos. Ellos miraban más allá de lo quepensaban, trataban de percibir no supensamiento si no la realidad. Nos habíamosconocido en los '60, pero entonces el vínculohabía sido el de compañeros en el Di Tella,hasta el de competidores... Reentablamosuna relación de amistad, no habitual sino deencontrarnos de vez en cuando, con unraport importante, de un lado y el otro. "En elotro, me reconocía".Carreira vivía con su madre, en una casa delbarrio de Mataderos. Se dieron algunosencuentros, cuando Carreira había salido desu internación, y sobrevivía dando clases deinglés. Entonces estaba abocado a susinvestigaciones sobre animales, en especialsobre peces. Hacia dibujos de historianatural. Entonces no lo entendí, lo mire deafuera. Como cualquiera que va a visitar a unloco, a un enfermo. Pasamos años sinvernos. En diciembre de 1991, a la vuelta deuna temporada en Estados Unidos, loreencontré. Lo vi muy deteriorado, enfermo.En cama. Me pidió que le compre un cuadro.Necesitaba plata para comprarse una radio,me explicó. Se lo compré por amistad, porafecto, incluso por lástima... A Carreira

se le iluminaron los ojos, y me regaló otrocuadro. Fue como si de pronto hubierapodido percibir lo que me pasaba adentro.Había atravesado una barrera de fuego.Empezó a considerarme su amigo, parte desí mismo. Me explicaba desde otro lugar susexperimentos, los prismas, como sedescompone la luz. Miraba más allá delpensamiento, podía ver otra realidad oculta.Me consideró un hermano, un compañero debúsqueda. El cuadro que le compre es undibujo, una caricatura de un personaje e delsiglo XVIII, con peluca, histriónico. Leagujereó el labio al personaje y le puso unpucho. Ese pucho es una alusión a larealidad no representada, una burla y almismo tiempo una puesta en escena de larelación entre la representación de larealidad y la realidad misma. (El cuadro fuerechazado por M. Paksa para la muestra enel Museo de Arte Moderno, porque loconsideró no relevante).El cuadro que me regaló era una pintura(con témpera o acrílico) de una percha conuna camisa puesta a secar. Como loszapatos campesinos de Van Gogh, la camisaestaba más allá de lo que se ve, era lacamisa con su propia esencia. Los objetosestán solos, sin ser vistos, teniendo vidapropia. Vacíos de observador. Iba losdomingos a verlo. Siempre lo encontrabamuy dentro de la casa, apegado a su lugar.Buscaba información no afuera, sino adentrode sí mismo y de las cosas. Una vez fui conLarralde, un amigo, y lo encontramos

hablando solo contra la pared. Allí se quedó,con una gran desconexión. Una vezcaminamos mucho hasta encontrar unabotella de champagne en una panadería deMataderos. Recuerdo sobre todo laceremonia que desataba la tarta demanzanas que preparaba su madre; erancomidas litúrgicas, de comunión. Ricardoera vegetariano y me decía: "yo no comocosas podridas". Y no se refería solo a loque comía. Los dos sabíamos de queestaba hablando, un diálogo que sólonosotros podíamos decodificar, como doslocos.Solía ir a visitar muchas iglesias. No porquetuviera un sentimiento religioso común, sinoporque buscaba información sobre elmacrocosmos y su relación con él, con sumicrocosmos: la relación entre él y la luna,la lluvia, la harina. Quería explicarse comoera su inserción en ese mundo.En todo lo que hacía descubría dosaspectos: uno justificado, racional; otrotrascendido. Hasta el huevo frito tenía uncolor, una forma. Así fue como me mostróun árbol, el borde de una hoja. Me enseñólos objetos para que pudiera ver en ellos suvida propia. Igual que los botines que pintóVan Gogh, que no son objetos inanimados.Como él, Carreira llegó a percibir la realidadde una manera no común, fuera de losparámetros habituales de percepción. Losobjetos destellan, así los muestran en suobra. El espectador puede verlo o no. seacerca según sus propioscondicionamientos.

C

PAGINA 8 DOSSIER CARREIRA

El hilo de la historiaQuiero limitarme a contestar al pedido deramona: "recuerde una o más obras deRicardo Carreira". De paso quiero opinarcon respecto que hacer con la obra deRicardo y, en general con la obra de lossesenta y toda obra destruida. Primerohabría que recoger toda la informacióndocumental y testimonial a cargo depersonas expertas que trabajen concriterios de calidad profesionalestablecidos. Y luego se podría ver que sehace de acuerdo a lo obtenido, el tipo deobra de qué se trata. etc. Las reconstruc-ciones se están tratando con muy pocorespeto si se excluye a la muestra "En me-dio de los medios", curada por M.J. He-rrera cuyo peor defecto consistió en el vi-deo de Tucumán Arde, de criterio turísticoy equívocamente firmado "'Tucumán Arde'de Maria José Herrera".Voy a contar una obra de Ricardo tal comola recuerdo, el famoso "piolín" que

expuso en el Museo de Arte Moderno en1966, en el Premio Ver y Estimar. Se tratade una obra fundacional en el arte deCarreira y en el arte conceptual en gene-ral. De esta obra no queda documentaciónfotográfica alguna.La sala del antiguo Museo de Arte Mo-derno quedaba (y todavía queda) en eledificio del Teatro General San Martín.Imaginen esa sala, con una muestra co-lectiva de cuadros colgada en las pare-des. Cada artista en una especie de boxhecho con tres paneles que establecía elespacio que tenía disponible.En el box de Carreira había un armazónde unos 70 centímetros de alto y 15 delados (era cuadrado en su cara superior)formado por listones de un centímetro porun centímetro.En ese armazón había una muestra de hi-lo, un hilo de algodón de menos de 1 mmdiámetro y quizás 20 o 30 cm de largo,enrollado y enganchado a un costado. Enlas paredes había tres fotocopias con

dibujos de línea que reproducían esearmazón y en un caso el hilo. Teníanprobablemente números o letras. Lasfotocopias eran negativos, como las deaquel entonces en fondo negro con laimagen en blanco.En la dirección longitudinal de la salahabía desplegado el mismo hilo pero deun largo que cortaba la sala en dos partesy los extremos del hilo (de unos 15 mts delargo) estaban probablementeasegurados a otros dos armazones, perosobre esto no estoy seguro. No importa siartistas argentinos fueron los primeros ono en hacer arte conceptual o eso que sellamo arte conceptual desde los '60. Entodo caso estuvieron entre los primerosdel mundo y sobre eso no existe la menorduda. La obra del "piolín" fue una de lasprimeras y más importantes obras de arteconceptual. La presencia de su ausenciasigue despertando incomodidad,pensamientos y pasiones de todo tipo.

Problemas de conciencia-EJERCICOS- RICARDO CARREIRACURAClÓN MARGARITA PAKSANOVlEMBRE - DICIEMBRE DE 2000. MAMBA

Por Romero

sta muestra que recuerda a un artistaque siempre estuvo caminando por lacornisa del arte vino teñida por el

mismo carácter conflictivo de su obra, desu cuestionamiento y negación de losespacios consagrados que en generaltienden no sólo a consagrar sino también acongelar la naturaleza de una obra como lade Carreira.Es evidente que el esfuerzo que MargaritaPaksa y su equipo hicieron para reconstruirparte de la obra no suple las limitaciones

que tienen en general las instalaciones yes que fueron hechas para un tiempo y unlugar determinado y que fuera de esecontexto pierden el sentido originalcorriendo el riesgo de convertirse enobjetos inexpresivos. Esto mismo ya habíaocurrido cuando se rehízo la muestraExperiencias Visuales en la FundaciónProa. Tenía razón Marx cuando decía quela historia se repite: la primera vez comotragedia y la segunda como comedia.El trabajo de recuperación de muchos delos textos perdidos de Carreira es valiosoporque ahora hace falta dar el pasosiguiente que es poder publicarlos aunteniendo en cuenta que ya se hizo un librocon algunos de estos trabajos bajo elnombre de Poemas (1996).

Un texto suyo llamado Compromiso y arte(1968) concluye así:iQué arte hay que hacer entonces?Conciencia, que no sea eludible y que nose pueda aguantar esa conciencia.Cuanto más masiva y cotidiana mejor.Cotidiano como mis zapatos para que mevayan uno muy grande. Este era Carreira,un artista difícil de representar, un artistalúcido donde los textos con forma demensajes pedagógicos aumentabanvertiginosamente su delirio y su potenciacreativa sin olvidar que quienes loconocimos recitando sus extensos ydialécticos discursos sabemos que lepodían llevar horas sin disminuir enningún momento el interés y elentusiasmo. Un artista único einclasificable.

Producción periodística del Dossier Carreira a cargo de Mariana Vaiana

Por Roberto Jacoby

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Elegía del virtuosismoANDRÉS G. COMPAGNUCCI. PINTURASMUSEO MUNICIPAL DE BELLAS ARTES4.11 AL 5.12 CENTRO CULTURALPASAJE DARDO ROCHA. LA PLATA

Gustavo A. Bruzzone

e trata de una muestra individual -encierta medida retrospectiva-del pintorcon mejor técnica para su oficio queexiste en la actualidad. "¡Como pinta

este muchacho!" es un lugar común querepiten todos los que ven sus trabajos luegode convencerse que no se trata de montajeso fotos sino de pintura-pintura, hiper-realista,claro. Esto es lo primero con lo que Compag-nucci nos impresiona -nuevamente- en estamuestra en el hermoso Pasaje Dardo

Rocha de la ciudad de La Plata, donde sepueden ver obras de sus diferentes épocas.Por ese motivo no creo que nos debanpreocupar tanto sus temáticas recurrentesacerca de lo pop(ular) que utiliza paraapabullarnos con su técnica. En realidad noimporta qué es aquello que pinta: no creoque sea necesario preocuparnos mucho por"el sentido" que pueda tener su obra. Comouna especie de dilema se podría decir quepor un lado es un vanidoso soberbio que seda el lujo de pintar virtuosamente cualquiercosa, hasta los objetos más inverosímiles yfeos, para luego decirnos: "¿Vieron? Con mipintura yo hago hermosa cualquier merda" opor otro lado que se trata de un jovencarente y requirente de aceptación y afecto

que la está buscando a cualquier precio enun medio donde la moda se mueve encierta dirección y nos siga, incluso,saturando con el filete innecesariamente.Compagnucci podría pintar una serie deplastas que serían igualmente bellas.Extrañé que no hubiera incluido ninguno desus floreros (probablemente el punto másalto de su producción) que hace recordartanto a aquellas pinturas de los tiempos deBrueguel (el joven) donde pintando floresdemostraban cuál era el mejor. En estepunto se podría pensar que es anacrónicopero ¿a quién le puede importar? Nacido en1966 Andrés Gastón Compagnucci es unode los mejores pintores argentinoscontemporáneos. Que no nos deje deapabullar.

El cuarto de los chicosDANIEL JOGLAR. FERNANDA LAGUNA. CECILIA PAVON. MARIELA SCAFATI11.11 AL 4.12 DEPARTAMENTOS DE ARTE. TERCER PISO “A”. ROSARlO

Por Cesar Bagard Los Departamentos de Arte esta vez muestran unperfil del arte muy extraño. Extraño fue encontrar un departamentoinvadido por obras de artes cercanas a lo absurdo. Pero un absurdoque deviene en conjunción de imágenes del pasado. Un sacudón enel cerebro fue mirar esas obras. El pasado siempre pasado yolvidado adquirió fuerza y penetró en el presente al ver esta muestra.Instantes de mi infancia aparecieron y me sacaron sonrisas.Instantes donde era muy común hacer collages como los de Laguna,llenos de objetos insignificantes pero muy importantes. Enredos decosas, elecciones arbitrarias de un espíritu juvenil. Juegos delaburrimiento, juegos de la observación. Habitaciones y lugaresseñalados como pertenencias.Juegos de niños. Una colección de útiles escolares, objetos raros ypequeños, manipulaciones de un automatismo tan cotidiano (comolos que haría toda persona aburrida sobre un escritorio de tentadoresobjetos pequeños) se presentan como obras en una verde vitrina,algunos investigados, algunos apenas tocados, sólo apilados seexhiben sin temor.Scafati presenta sus pinturas lineales que señalan la alegría de loscolores. Abstracciones de banderines, se perfilan sin mucho vuelopictórico, pero con inquietante desenvoltura. Una obra juega comoseñal de peligro, dispuesta bellamente sobre un vidrio que mira alvacío. Pavón esparce fotocopias de fotos de una joven que semuestra feliz. Relato fotocopiado de fragmentos de vida.El arte a veces genera distensión o contracturación. Esta muestragenera las dos. Sana sensación.

¡Son unas frescas!DANIEL JOGLAR. FERNANDA LAGUNA. CECILIA PAVON. MARIELA SCAFATI11.11 AL 4.12 DEPARTAMENTOS DE ARTE. TERCER PISO “A”. ROSARlO

Por Pablo Montini El arte contemporáneo rosarino ha sidoreiteradamente atacado y criticado por indescifrable, por elitista, porobsceno, por no tener ninguna función social desde los múltiplessectores reaccionarios que habitan en la ciudad. Dicha situación hacreado en sus productores, inseguridad y culpa, sentimientos que noles han permitido encontrarse con su verdadero público y en muchoscasos ni siquiera ser ellos mismos. La obras de esta manera quedanaisladas del mundo donde se producen, todas las exposicionesparecer sacralizadas, musealizadas, contenidas, volviéndose pocoatractivas para los jóvenes que en la mayoría de los casos estánausentes. La llegada de las artistas porteñas, Pavón, Laguna yScafati a los dptos de arte sirvió para mostrar a los locales como elarte debe reingresar a la cultura joven: con la música, con el baile yel festejo, con el color y la fantasía. Ellas nos han mostrando condesparpajo su universo personal; y ese descaro y frescura quetraducen sus obras, es el que creará en los jóvenes un sentimientode pertenencia y así se les dará la posibilidad de convertirse enamantes y defensores de las manifestaciones artísticascontemporáneas.

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Placeres domésticosMARINA GRYCIUK. ESCULTURAS11.11 AL 4.12 DEPARTAMENTOS DE ARTE. TERCER PlSO “B”. ROSARIO

Por César Bagard Mi madre. Solo atiné a pensar en ella cuandoentre y vi esta muestra.Enamoramiento del crochet por una señora que se encuentracómoda en su casa. Despilfarro de horas dedicadas en hacer unaserie de mínimos movimientos con las manos se transforman en lasobras expuestas. Gigantescas flores tramadas se elevan tejidashacia la eléctrica luz de las habitaciones. Intrincados tapices de unmaterial que sospecho, bolsas de nylon (un trozo que asoma y miescarbar cuando nadie mira, descubren lo que parecen ser partesde una bolsa de mercado de alimentos), reflejan quizás unmanifiesto ecológico o sólo es la elección de un elemento tancotidiano y ligado a una señora de su casa, como lo son las bolsasde compras. Mi madre siempre las guardaba para una posteriorutilización. Ahora veo que todas las obras son del mismo materialplástico. Las ventanas embellecidas con una simétrica carpeta o laspequeñas pruebas de punto que se pierden en las blancas paredes(mi madre siempre las guardaba celosamente) o los lunaresvolumétricos que se esparcen en los vidrios o azulejos del baño,demuestran la calidez transferida en el hacer doméstico. Y creo que,el placer en el hacer doméstico une deliciosamente estas muestrastan distintas y a la vez tan cercanas.

La inquietud de lo fijoFRANCISCA LOPEZ. PAULO RUSSO. RODIRIGO FIERRO. FOTOGRAFIAS9/11 AL 30/11. BIS. ROSARIO.

Por Lujan Castellani Cuando miré los retratos de R. Fierro tuve lasensación de que algunos de sus personajes se apareceríarepentinamente en Bis o que estaban por salirse de sus fotografías.Colores saturados gente en movimiento, instante. También me losimaginé colgados en la habitación que tenía cuando era chica juntoa otros posters que tenía. Me pareció muy apropiado ese montaje.Automáticamente después de eso fijé mi mirada en la de F. Lópezbuscando algo de quietud que en una primera mirada creí que tenía.Por suerte tampoco la encontré. Basadas en fotografías que BandiBinder se tomara junto a su esposa, FL reconstruye la pose conotros personajes. Juegos del tiempo, resistencia a lo pasajero.Las fotografías monocromas y pálidas de P. Russo con sus per-sonajes urbanos, tatuados comiendo manzanas tomando lechetienen también un texto de las escrituras sagradas. Personajes muyoccidentales con una reflexión oriental que da como resultado unabúsqueda sobre lo espiritual muy urbana porque justamente es enBA donde está más arraigada esa búsqueda por lo oriental

la marca editora informa que se encuentra disponible

La colección de Andrea Ostera

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Misión: Corrosión galvánicaCURSO DE NUEVA TÉCNICA DE GRABADO.4 Y 5.11 MUSEO MUNICIPAL DE BELLAS ARTES "LUCAS BRAULlO ARE-CO" - POSADAS. MISlONES

Por María Blanca Iturralde y Claudia Patricia San MartínEste fin de semana, en Posadas, nos reunimos un grupo degrabadores de Misiones para experimentar una técnica novedosade grabado no tóxico.Lo interesante de esta técnica, además de no ser contaminante, esla facilidad de acceder a los materiales, lo que permite poderconseguirlos en nuestro medio sin inconvenientes. El grabado sobremetal por corrosión galvánica se vuelve seguro y económicoobteniendo excelentes resultados y abriendo infinitas posibilidadesde experimentación. El mismo puede llevarse a cabo en cualquierespacio sin necesidad de contar con una estructura previa. En estecaso se montó un taller en una de las salas del MMBA, donde setrabajó con un grupo de docentes, alumnos y artistas del mediolocal.La iniciativa partió de la jefa de departamento del museo, GiseleSeró, quien puso toda la energía para llevar a cabo este proyectoen forma conjunta con XILON ARGENTINA e instituciones delmedio, que brindaron el apoyo necesario para la realización delmismo.Fueron jornadas de trabajo intensivo que se prolongaron enopíparos almuerzos y largas sobremesas en un ambiente ameno ydistendido brindado par la familia Jaume, antropólogos y colegas.Una cosa importante de destacar es la posibilidad de reunimos yhablar del panorama del grabado local y de lo que ocurre en otroslugares, intercambiando y recibiendo información que no siempreestá a nuestro alcance.Gente que había resignado la posibilidad de trabajar en metal,dados los costos y la toxicidad de la técnica, encontró una alter-nativa viable con la que se obtiene resultados tan buenos como losde las técnicas tradicionales.Todos quedamos más que conformes y con la inquietud de seguirinvestigando y desarrollando esta técnica que tan bien se adapta anuestras posibilidades.Queremos resaltar y sobre todo agradecer la buena predisposición,generosidad y apertura de Osvaldo (Jalil) quien en todo momentoacompañó y compartió con el grupo todas las actividadespropuestas.

Fundación PROAPróxima exhibición

“Exodos" Sebastiao Salgado

Av. Pedro de Mendoza 1929

CP 1169. La Boca. Buenos AiresT/F (54 11) 4303 0909. e-mail info@proa.orgwww.proa.org

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Tucumán arte

Por Gustavo A. Bruzzone

a desarticulación del entramado socialen la que vivimos desde siempre losargentinos nos ha conducido en

muchas oportunidades a desentendernos odesconocer qué es, en relación a ladisciplina que nos es propia, lo que estápasando en un punto del país ajeno anuestra órbita de acción e influencia. Lasdivisiones tradicionales entre interior y puertose suman a otras más sutiles que nos siguenperjudicando al impedirnos conocer qué esaquello que nuestros compatriotas estánhaciendo. Las artes plásticas,especialmente, se ven conmovidas por esadisociación, por esa ignorancia que reduce yestrecha la capacidad de conocimiento, deintercambio; en definitiva: la posibilidad decrecer por la confrontación de experienciassimilares. En este campo, para un porteñoconocer lo que ocurre en el interior del países un misterio que, si no se tienen loscontactos correspondientes, es imposible deestablecer. Afortunadamente esa tendenciaa golpes de voluntarismo y esfuerzosindividuales se va rompiendo y nuestrodesconocimiento se va nutriendo de unamultiplicidad de contactos estimulados por elcapricho, la casualidad y el destino, pero seva caminando en pos de regenerar unentramado social de contactosindispensables que nos ayuden a pensar unproyecto y realidad cultural que exceda laslimitaciones localistas. En consecuencia,llegan hoy noticias al puerto de que enTucumán está pasando algo y todosprestamos atención; nos alegra saberloporque lo desconocíamos (¿Será cierto?)La enseñanza en los colegios ouniversidades nacionales, provinciales omunicipales que se encargan de estimular laformación de artistas no escapa a esadesarticulación que atañe a todo nuestroproceso curricular. Si bien hay un circuito deuniversidades nacionales estas no tienencontacto alguno entre sí. Todo por hacerse.Frente a eso, insisto, nos llega la novedadde que en Tucumán hay un grupo dedocentes que se encarga de "formarartistas" y que no se limitan meramente aenseñarles las técnicas de los discursos conque se expresan ellos en las artes visuales.Llega la novedad de que hay docentes queestimulan para

que el "estudiante” de arte "produzca obras"y no que se limite a repetir miméticamente latécnica del maestro en ejercicios para laaprobación de cursos de dudosa valía eimportancia. Llega la noticia de que hay ungrupo de estudiantes en la Facultad deArtes de la UNT que superaron el nivelembrionario de estudiantes y que ya puedenser considerados artistas. Suena entoncesuna frase, una sigla, una consigna: "TallerC" ¿Qué es eso? Corre la década del ‘90 yuna cátedra de enseñanza de pintura acargo del artista Marcos Figueroa como sutitular, se convierte juntamente con el auxiliode la artista Carlota Beltrame como su ad-junta, en una especie de usina generadorade artistas plásticos. ¿Será verdad? ¿Estánexagerando? No es cuestión de exagerarpero si de señalar que frente al estilo deenseñanza tan al uso en todo el país (todo)nos encontramos con un grupo de docentesque, con muy poco, cambian una manera dehacer docencia. Rompen con el discursoinstalado y proponen otra cosa. Siempre seavanza a base de rupturas, las artesespecialmente...Los intercambios se proyectaninstitucionalmente a través de la FundaciónAntorchas con sede en Buenos Aires.Críticos, curadores, artistas del puertodesembarcan en Tucumán para la conquistay son fagocitados por una realidad que lossupera. Iban a dar clases y vuelven sor-prendidos: enseñados. Miradas distintas yhasta antagónicas pero abiertas descubrenque en la cansina manera de hablar de losjóvenes artistas tucumanos existe una ciertaoriginalidad espontanea y auténtica que losdesestabiliza. Los discursos seretroalimentan. La sorpresa los regresa alpuerto diciendo: "En Tucumán está pasandoalgo... es difícil de explicar... pero algopasa". Frente a la nada del resto del país,frente a las repeticiones producto de lasúltimas alas, en Tucumán se está gestandoalgo... No exageremos igual... Todo tiene sutiempo de gestación, de maduración, deevolución. Que nadie crea que hay algo asícomo un movimiento vanguardista o cosapor el estilo. Hay algo más sutil, másimportante: un intento docente gestado enpotenciar la capacidad creadora sincondicionamientos y que está dando frutos.Acreedor de ese contexto un representante

paradigmático de ese grupo pronto exhibiráuna obra pretenciosa por su tamaño y sumensaje, que viene a romper el molde delas esculturas u objetos que el estereotipopreanuncia. Inspirado en la tradición deerigir estatuas que desde el bronce o elmármol aluden a la importancia delrepresentado Sandro Pereira instala en unlugar emblemático de la ciudad de SanMiguel de Tucumán su homenaje a "ElSánguche de Milanesa". No se trata ya, porejemplo, de los dudosos próceres que lasinstituciones militares o los políticos nos hanlegado. Se trata de un gordo a punto decomerse un sánguche de milanesa comouno puede encontrar por cientos y miles enlas calles de cualquier pueblo tucumano odel resto del país. Homenaje tanto a eseentremés tan caro a los tucumanos -y alresto de los argentinos- como a la gordura,central en la obra (y la anatomía) dePereira. El menir del sánguche inmortalizauna comida de apuro (como son las demuchos de nuestros compatriotas hoy endía) y resalta lo cotidiano en los valorestrascendentes de una cultura. Losproductos globalizados del combo y la cajitafeliz recuperan así su claro segundo planofrente al valor en la dieta nacional de unproducto absolutamente autóctono. Desdeel Jardín de la República se proyecta almundo y nos recuerda a los argentinosdónde buscar nuestro norte (¿enTucumán...?) Paródica, conceptual, naif,atrevida, emblemática, directa, polémica "ElSánguche de Milanesa" está llamado a serel monumento que los argentinosestábamos esperando y que estamosnecesitando para recuperar la posibilidad dereírnos de nosotros mismos remarcando laimportancia de la ironía y lo lúdico comodiscurso de aproximación al mundo del arte¡Cuánta falta nos hace frente a tantasolemnidad o reclamo de inconducenteteorización cuasi calvinista! Sin culpas: elarte, en Pereira, es básicamente juego,alegría y disparate (¡Viva!) EI arte es"también" diversión y una sonrisa. OjalaSandro Pereira nunca deje de divertirsecuando produce obras de arte y quesiempre conserve ese espíritu de niño quejuega con plastilina.(Che, Sandrito: ¿dónde venden unsánguche...?).

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Crónicas de la AlemaniareunificadaHelmut Newton. Jeff Koons, »Baise-moi« y una manifestación de 200.000berlineses en contra de los atentados cometidos por neo-nazis

Por Timo Berger desde Berlín

Veces, viene todo junto: el 9 denoviembre, después de una serie dehate-crimes contra indocumentados,

inmigrantes, sintechos y activistas de laextrema izquierda, se manifiestan 200.000berlineses en las calles alrededor de larecién renovada sinagoga del antiguobarrio judío; destinatario de su protesta sonlos autores de los atentados contrapersonas e instituciones de judíos y deinmigrantes. De tal manera, se pretendeproteger al cuerpo amenazado de lasminorías y se les asigna toda laresponsabilidad por las persecucionesracistas a los jóvenes neo-nazis. En lavisión de la sociedad burguesa, la figura dela cabeza rapada concentra todo lo de-testable. La sociedad burguesa, a su ma-nera, se sirve de mecanismos mucho mássublimes, no obstante, con los mismosfines. Así la manifestación por más grandeque sea, resulta una prueba del renacidoauto-orgullo alemán. Nadie habla de losautores intelectuales de tos crímenes: lospolíticos conservadores que tratan desacar provecho de los pogromes exigiendoleyes migratorias más restrictivas: y laspolíticas gubernamentales de exclusiónsocial y expulsión de indocumentadossiguen como nada hubiese pasado. PaulSpiegel, el presidente del consejo centralde los judíos alemanes, criticó en sudiscurso durante la manifestación elconcepto de cultura líder que fue puesto enel primer plano del debate acerca delmulticulturalismo en Alemania por loscristianodemócratas. La cultura alemana,como arguyen, tiene que ser la cultura lídera cuyas directivas deben subordinarse lasculturas de los inmigrantes.A pesar de la mala coyuntura por otrasculturas en este momento, en la NeueNationalgalerie se realiza una retrospectivade la obra fotográfica de Helmut Newton,descendiente de judíos alemanes que huyócon su familia en la década del treinta a losE.E.U.U. Los Big Nudes

y sus trabajos propagandísticos ex-ponenuna imagen de la mujer que fue muycriticado en los ochenta por activistas delmovimiento feminista. De Newtonreprocharon no solo su supuesto sexismo,sino también el hecho de que su manerade representar los cuerpos humanos,remite demasiado a una estética fascista alestilo de Lenie Riefenstahl. Parece quetodo intento de esbozar una totalidadvisual es condenado a retomar conceptosartísticos del fascismo alemán: ese cortoperiodo de doce años reventó, sinembargo, todo lo anterior y puso en crisislos conceptos y métodos tradicionales dela cultura alemana. Invirtiendo eseargumento, se puede deducir que laelección de Helmut Newton. - el primerfotógrafo al que se dedica una exposiciónen esa galería estatal de arte moderno -.se incorpora perfectamente al concepto deuna cultura líder. ¿Quien sino Newton consu estética estéril de cuerpos femeninos,serviría para mostrar qué fuese el aportede una cultura líder en el campo del artefotográfico: desnudos gigantes einmaculados que exhiben una sexualidadfuera del alcance del espectador; mujeresque gozan del voyeurismo de la cámaratanto como de la brutalidad de uncapitalismo tardío que tasa sus cuerpossegún criterios meramente económicos:¿con qué imagen que producto se vendemejor?Dos otras opciones le quedan al irritadoflaneur urbano en este momento: unaexposición de la obra reciente de JeffKoons en la sucursal de la GuggenheimFoundation y una salida al cine para ver lapelícula «Baise-moi» (Garchi-me) queprovocó un escándalo en Francia. Lossiete cuadros de Koons combinan partesdel cuerpo humano con recortes delimaginario de la propaganda: comidaprefabricada, bolas de helado, dulces,chorros de leche y frutas encuentran a suspares en piernas brillantes, labios, ojos ymanos. El trabajo de Koons en laproducción de las obras consiste en la

recolección de material visual, en laseparación de elementos y en larecombinación. Todo el montaje se realizaen la computadora, después los asistentesde Koons pintan los cuadros. De tal modo,se ilumina, sin ningún sobreentendido, elvínculo indisoluble entre comida, capital ycuerpo, la mescolanza de deseosprimarios y secundarios, la economía quereagrupa y reorganiza imágenes yestrategias de representación sin alejarsejamás del imperativo consumista: (¿egusta?, así ¡compralo!.«Baise-moi» de Virginie Despentes yCoralie Trinh Thi es un film que choca alespectador. Dos mujeres salen a andar encoche por el país al estilo Roadmovie,después de que una es víctima de unaviolación. Tal experiencia junto con elcomentario bruto del hermano de una quela denomina puta, es el disparador de unacorrería vengadora durante la que matana hombres no sin haberse acostado conellos primero. Lo escandaloso de lapelícula no es que gozan de la matanza ydel sexo autodeterminado como lo haríanlos machos en los films de Kitano Takeshio John Woo, sino que todo se cuenta sinestetizar las imágenes: que la brutalidadremite a una brutalidad real, que laviolencia no cobija ninguna coartada, nisiquiera la composición perfecta delcuadro, que las escenas del sexo no sonsimuladas sino grabadas con actorespornos: que al final, los mismospersonajes, a la hora de rendir cuentassobre lo cometido, no saben otorgarleningún sentido a sus actos de violencia.En Francia, la censuraron después de unasemana, acá en Alemania la van acalificar de apto solo para mayores deedad y en la prensa conservadoraestallará un debate acerca de suinmoralidad.Mientras tanto, siguen los pogromescallejeros, sólo que el foco de la violenciase mudó de la puerta principal hacia lapuerta lateral de la sinagoga a pesar deque se manifiestan miles de berlineses.

A

Nuestra huellaen el artegarantizalas grandes obras

Banco Ciudad de Buenos Airesen el Arte

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"Para el verano quiero incendiar unacasa con los muñecos adentro"Algunas impresiones sobre lo visto y oído en uno de los taller de Trama

Por Cecilia Pavón

n un edificio lúgubre y enorme en laCalle Reconquista y Corrientesprestado por un economista

simpatizante de las artes, tuvieron lugar lasactividades principales del taller de Tramadedicado a análisis de obra. Los artistasseleccionados para esta sección fueron lamayoría muy jóvenes, con un promedio deedad de 24 anos, y casi desconocidos (loque comúnmente se suele conocer comoartistas "emergentes"). Como cierre del tallerse les pidió que hicieran un montaje de susobras en la enorme planta de pisos grisespara la artista canadiense Lisa Milroy, quienles dio un diagnóstico personalizado de losproblemas de sus obras. Cuando entré amirar la instalación, una suerte de openstudio improvisado (debo decir que lo míofue como una especie de espionaje ya queno estaban abiertas al público) el turno delanálisis era del tucumano Sandro Pereyra.Su exposición consistía en un video quedocumentaba una performance realizada porél en la Escuela de Arte de Tucumán. Conuna música de fondo que parecía dejueguito electrónico se lo veía caminar porlos pasillos de la escuela, disfrazado de oso.E| disfraz cosido por el mismo en peluchecolor caramelo, dejaba la mitad de su cuerpodesnudo. Luego de este paseo Sandro hacíacaras y se movía como un teddy bearsentado en el piso frente a un público deestudiantes jocosos. Gran parte de su obrase basa en el autorretrato, mezclando lohumano y lo animal hace chanchitos fluo consu cara, "como soy gordo trabajorelacionándome con estos animales", le dijoa Lisa Milroy y también: "el gesto importantepara mí en estas obras es la valentía"Ponerse en ridículo es como abrir la puerta eirse a luchar por la calle". Quizás con lavalentía de "poner el cuerpo"

tenga que ver otra parte de su obra queconsiste en tatuarse marilyns monroesmulticolores (siguiendo el modelo de lashechas por Andy Warhol, su artistapreferido) en la espalda cada vez que lepasa algo que lo marca en la vida". Lointeresante del trabajo de Milroy era sucapacidad para hacer a los artistas tornarconciencia de los puntos conflictivos de sustrabajos a través de preguntas claves. Alescucharla se tenía la sensación de que erauna buena analista: lograba llegar alcorazón de las obras, sin emitir juicio devalor alguno.Los chicos de esta generación parecentener un problema de incontinencia. Señalde ella: mientras Milroy habló, algunos van yvienen por el salón, cuchichean entre ellos.Tulio de Sagastizábal, el coordinadorgeneral del taller, les llama la atención (casicomo en una escuela secundaria, parecenlos chicos que se portan mal del curso). Meacerco al sector ocupado por FlorenciaCacciabue (22), muñecos de tela másgrandes que niños, deformes sin cara, unpoco bobos y un poco diabólicos (hechos amano pero no cosidos -ella se encarga deaclararlo -si no pegados con pegamentospara telas) han sido fotografiados enparques, balcones, habitaciones en actitudde pelea o en escenas de juego en las quese percibe una violencia latente. "Para elverano quiero quemar una casa con todoslos muñecos adentro” me comenta Florencia"si me dan la plata para los materiales lohago, ya tengo el proyecto, la casa laconstruyo yo. Filmo todo además de invitargente para que lo vea en vivo". Pensandoen la escena se me ocurre el término"violencia generacional": Chicos nacidos afines de los 70's, que conocieron el mundode Alfonsín para acá.Subiendo las escaleras en un rincón oscuro,está la instalación de Facundo Ceraso (24).

Hay un cuadro de telgopor, un corazónpintado con ketchup, páginas de revistasporno, un grabador fuera defuncionamiento que imita una naveespacial, bolsas de papel maderarecortadas a modo de capucha, una caretade mc donalds ajada, sobre el piso unacolección de flyers que recolectó en supaso por diferentes lugares de la ciudad:discotecas, bares, muestras de amigos.Los objetos dispuestos en forma caóticatienen mucho de desesperación, como sise tratara de un escudo de fuerzas deprotección construido a partir de códigosimpenetrables para quien no pertenezca aese universo. Como síntesis de esto un vi-deo muestra a sus amigos haciendo tareasintrascendentes: probándose lentes de sol,picando marihuana, tomando cerveza.El día terminó con una exposición en elCentro Cultural Recoleta de Lisa Milroysobre su obra. Lo que se veía en los slidesera de algún modo la antítesis de loschicos que acabo de citar: una pinturarealista, objetiva, sosegada, de una calmacasi oriental, de una profesionalidadabrumadora. Algo llamativo en suexposición fue que a lo largo de una hora ymedia, no se quebró por un momento eldiscurso autorreferencial. Nada contextualse deslizó en su discurso, como si el Artehoy en día no fuera más que un dulcematrimonio entre autismo y viaje. Esta eralo impresión que daba, cuandominuciosamente daba los detalles técnicosde su obra: cómo pintaba, qué torras leinteresaban, cuándo y por qué habíacambiado de temática, y sobre todo en quéciudad del mundo había decidido hacercada cosa. Inevitable no sentir envidia. Mefui pensando: "Un artista por ley deberíaser alguien a quien se le paga para viajar."

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Poca claridad y algunosinterrogantesPor Nicolas Dominguez Nacif Como participante del workshop deanálisis de obra de Trama me siento agradecido de que se me hayadado la posibilidad de conocer la obra, el proceso de construcción ylos diferentes puntos de partida de los otros integrantes del grupo queestaba conformado de un modo muy heterogéneo. Entre losparticipantes podíamos encontrar desde una ferviente defensora delbastidor hasta un amante del ketchup de actitud punk. De todasmaneras siento que lo concerniente a la organización no fue muypensado en relación al tiempo que se tenía. Todo resultó de un modoapresurado ya que nunca se pudo llegar a un análisis profundo deninguna de las obras y la traducción no era lo suficientemente fluida.El encuentro comenzó con la visita de dos estudiantes de la RejksAkademie que estuvieron 5 días en los cuales se pretendió mostrar yanalizar la obra de todos antes de la partida de ellos a Rosario. Estatarea resultó imposible, debido al corto plazo de tiempo, lascomplicaciones de la traducción y una posición hermética de parte deellos al mostrar su obra (sobre todo Pin). La forma en que al principio,el grupo de trabajo pretendía funcionar no era clara, no se entendía elpara qué de la presencia de los europeos, ni cómo articular unmecanismo efectivo de análisis.Con la partida de los extranjeros quedaron latentes conflictos sobrecuál debía ser la forma de presentar la obra y se decidió mostrarlapresentada de otra manera para la llegada de Lisa Milroy que fueprecisa y se dirigió a cada uno de los participantes con respeto yposicionándose desde un lugar donde los juicios de valor no teníancabida.La intervención de Lisa Milroy fue como un sacudón que nos dejó unmontón de preguntas latentes, ya que debido a su corta participación(tres días) no se llegó a ahondar lo suficiente, puntos que trataremossupongo cuando el grupo quede solo.

Tucumano busca deptoPor Rolo Juárez Tuve la suerte de ser uno de los dos tucumanosque fueron seleccionados para el proyecto Trama en Rosario, elevento se está desarrollando en óptimas condiciones y nos permitióponernos en contacto con las producciones de otros artistas, ademásde presentar lo nuestro. Los encuentros dieron lugar a todo tipo deconflictos, que fueron generadores de intensos debates, debido a ladiversidad de las obras. Ya que algunos de los participantes nuncahabían tenido oportunidad de esto, creo fue muy enriquecedor. Laorganización coordinó muy bien los encuentros y los tiempos, loscuales no sólo se limitaban a las horas del encuentro. Además otropunto interesante, fue el hecho de cómo los comentarios llegaron aoídos de otros artistas jóvenes, que no se presentaron por suponerque se trataba de una clínica “CON LOS TUCUMANOS", y que alenterarse que también participaron artistas internacionales y quecontamos con un subsidio para la realización de un proyecto, casi semueren. La única consideración que me gustaría hacer es que de serposible conseguir un alojamiento para los de otras provincias, asíevitaríamos molestar a otros becarios, los cuales tienen unapredisposición envidiable, y nos juran que no los molestamos paranada. Salvando esto, que tampoco es nada grave, todo anda sobreRUEDAS.

El que no salta es un holandésPor Lujan Castellani Tucumanos, rosarinos y holandeses hablandoacerca de nuestra producción. Para todos los que participamos enTrama Rosario fue la primera vez en donde tuvimos la oportunidad depresentar nuestra obra entre gente que no conocíamos. Como todaprimera vez me ha generado dudas, desconciertos, y tambiénsatisfacciones. Satisfacción por lo inquietante que es conocer la obray diferentes modos de abordar una mirada, desconcierto en el sentidoque los holandeses vienen de un país en donde invierten muchodinero en arte. Nos hicieron todo tipo de preguntas, desde el modo deconstrucción y concepción de la obra hasta todo lo que se refería anuestras sensaciones ocurrencias y pensamientos mientras lasconstruíamos. Cuando alguien recurría al secreto a lo irracional no lesgustaba. Querían saber más. Se armaban unos líos increíbles cuandolo que se decía no concordaba con la imagen. Sentía que había queser muy cuidadosa con el discurso en torno de la obra. A CarlosHerrera lo trataron de arrogante por eso. El no conflicto con la obracreaba muchos conflictos para ellos. Acá aparece la duda. Si ellosvienen de un lugar en donde pueden estar cómodamente todo el díapensando la obra y hablando de ella. ¿les queda algún lugar para elsecreto para esas cosas idiotas que a mi entender son tanimportantes y forman parte de los conflictos cotidianos? No aguanté yse lo pregunté a Maindert. Me dijo que él se pasaba horas filmando dela televisión, pero yo le dije que eso igual no se veía en su obra comoirracional y menos aun en los videos de Pia. Entonces Maindert noscontó que el viajaba cada tanto a Zambia a hacer documentales deprofesores que tenían Hiv. Cecilia Font le adivinó la religión, calvinistadijo, siente culpa. El abuelo de Maindert era una especie de cura enesa religión. Reconoció también que se sentía en un punto arrogante,por la comodidad, la facilidad de ganar dinero trabajando muy poco yque veía que acá era todo muy diferente. También nos dijo queesperaba encontrar una solución por estos lados del sur, dado queallá ya estaba todo construido y acá había mucho por hacer. Les dijeque el próximo workshop vallan a oriente porque de estos lados delsur no veía venir ninguna solución. Tal vez para dejar de lado los con-flictos y gracias a que Maindert era calvinista nos invito a todos atomar vino.

Abrir la puerta a otro espacioPor Carina Moreira La experiencia de convivir en un mismo espacio,artistas tan heterogéneos, provenientes de diversos lugares ysituaciones abre las puertas a una reflexión más profunda acerca denuestro tiempo. En un momento en el que las imágenes se asomanpor todos lados, presentarse ante ellas involucrándonos también conel artista significa abrir la puerta a otro espacio: algo que faltaba, unparéntesis dentro de las propuestas actuales. Los tiempos sonabruptos y todo pasa demasiado rápido y es tanto que es difícil tenerplena conciencia de lo que está sucediendo. Aun así todos sabemosque es importante para todos y cada uno en su trabajo personal. Elintercambio, que es de eso a lo cual apunta trama, un entretejido quese formula y se re formula entre todos.

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CarbónEl escritor Héctor Libertella le confiesa a ramonaque se compraría toda la obra de Stupía

EDUARDO STUPÍA. DIBUJOS31.10 AL 30.11GALERÍA DEL INFINITO

Por Héctor Libertella

l arqueólogo que descubre una cuevahermética sabe que el aire que penetraallí puede borrar todas las figuras –¡es

arte rupestre!-. Las figuras están en lasparedes las cuevas y el arqueólogo cierrarápidamente la puerta. (Hablamos de unacueva con puerta...). Tuve el privilegio dequedarme solo, un largo rato a puertascerradas, en medio de esa enorme sala delCentro Cultural Recoleta donde EduardoStupía hizo su anterior exposición dedibujos. El efecto fue sobrecogedor. Nadiepuede saber la presión que ejercen sobreuno esas cosas colgadas en las paredes.Tanto son el raye y la desorientación queallí, en plena Recoleta, uno ya no acierta enqué dirección están las minas del reySalomón. (Volveremos sobre este tema.)Me metí yo en una cueva hermética? No sé.La habitual prueba de carbono daría laantigüedad exacta de esos dibujos, pero elproblema es que los dibujos de Stupíatambién están hechos con un lápiz y unatinta que evocan los residuos menudos delcarbón. Así que el tiempo en este artista sediagnostica y se calcula a sí mismo: hay unaoperación de autofagia. Ahora recuerdo unaanécdota que soñé en el taller renacentistade Tiziano. En su grupo de Venecia. Tizianoexpulsaba a uno de los tantos participantes,el alcohólico. El taller entero se sublevaba:"¡Te estás inmiscuyendo en la vida privadade tus aprendices!". Tiziano contestaba: "Nointervengo en su vida privada. Sólo observoque le tiembla mucho el pulso".

Este sueño puede ser leído como se quiera.Tal vez el objeto de una teoría de taller sea,compulsivamente, un dibujo. Tal vez sea unpracticante de cuerpo presente, en suscompulsiones más íntimas. Pero el pulso deStupía es el pulso de la persona menosalcohólica que conozco en Argentina. Ahíestá el dibujo, si, maravilloso, pero estácuando Stupía lo quiere. El no es un adictodel dibujo, más bien lo gobierna; noescansia: escande. Como quien muestra sushabilidades en el futbol, su pericial y susjueguitos con la pelota antes de comenzar elpartido. Y. entonces, ojalá que el partido noempiece nunca... (Esto comentábamos conun conocido crítico de arte, en otra muestrade Stupía: "¡Es el Maradona del dibujo!".)Ahora bien, ¿por qué el partido (la muestra)no debería empezar jamás?

PROHIBIDO FIJAR CARTELESPara Stupía el dibujo no es ni un principio niun fin en la ejecución. Qué extraño esto,¿no? Sería como decir que el dibujo, una delas más antiguas disciplinas del hombre,queda subsumido al nivel de una simpleherramienta de trabajo. Tiene apenas lamisma jerarquía que una paleta de pintor oun caballete. Es un objeto más, tan concretocomo el pincel o el lápiz: simplemente estáen el neceser de los efectos personales queStupía abre día a día en su taller, paraafeitarse.Esto se ve muy claro en todas sus muestras.Siempre en algún rincón aparecen, porejemplo, paisajes increíblemente dibujados(son notorios sus bosques y sus selvas, susmalezas que han estimulado el imaginario demuchos escritores, con Luis Tedesco a lacabeza y yo mismo escondido detrás, sinque nadie lo advierta). Y sin embargo unodesconfía, duda de que alguna vez vaya aempezar la

muestra (el partido).Para acrecentar esa desconfianza, en suactual presentación, en Galeria del Infinito,Eduardo Stupía se pone furioso y borratodo con el codo, nos ofrece un pizarrón"sucio": ya el carbón se apoderó del secretode todas las cosas que habitan el mundo.Casi no hay más selvas, ni bosques, nifiguración alguna. (No era el rey Salomónsino el rey Midas el que todo lo tocaba enlas minas para hacerlo carbón.) Tiempo,dibujo, ausencia, figura, pérdida... No sépor qué, uno de los libros que más estoycitando en estos días es El grado cero de laescritura. Allí, todos los insufladosdiscursos de la sociedad -el jurídico, elpolítico, el artesanal, el industrial, elnovelesco, el poético, el silencioso, elutópico- vuelven y vuelven a resumirse ensu maqueta. Es la misma sensaciónestremecedora que van produciendo lassucesivas muestras en público de EduardoStupía. ¿Una vida que camina hacia elcarbón? No evocan el grado cero deldibujo, no, sino el grado cero de todas lasdisciplinas artísticas cuando se absorbenen la verdad de su materia.Eduardo Stupía. El maestro zen se metióen el vacio de su cueva y yo, el arqueólogo,es como si lo adivinara en el torbellinoblanco -o más bien negro o, ahora, tambiéngris- de su mancha.Compraría, como marchand, toda la obrade Stupía. Y la colgaría en mi living para nosalir jamás de ese sueño. Pero sabemosque soñar, hoy por hoy, cuesta: tiene unprecio y hay que darle, antes, un valor. Aese marchand lo imagino en el living de sucasa contemplando, en el colmo de lasparadojas del mercado, una obra quecompró, sí, a un precio equis, pero que enrealidad es invalorable.

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TintaxisEDUARDO STUPíA. DIBUJOS31.10 AL 30.11 GALERIA DEL INFINITO

por Fabio Kacero

* Anterior al instante en que cada forma sesienta sobre su figura, en el momentodecimal previo a que luz y tinieblas seanordenadas a repartir dominios, apenas antesque lo indiferenciado sea lo múltiple ycaigan, desde las altas barbas de la madre,los nombres para cada cosa. Ahí, en eseinstante, detiene el artificio.* Entonces quizá, el espejismo de un piedesnudo que roza la turba, escorzos hu-manos que hablan con animales togados,detonaciones brumosas cubiertas de aves,zarzas, terraplenes herbosos, y dentro deellos, estanques de vegetación geométrica y,en los estanques, astillas rocosas pobladasde eremitas, objetos de carne apacible ylonas alquitranadas: dinteles de maderahúmeda o grullas

ahogadas en los juncales.* Cuando vuelvo, la configuración hacambiado y ahora hay nubes empujándoseentre sí y un revoltijo de anguilasenharinadas.Esto es posible porque el curso ensoñadode estas tintas se sostiene en el vacío.Porque para cada retorno, el olvido es elfoco de la contemplación.* Y los diez mil seres surgiendo de un plande omisiones, de la refriega de las aguasnegras y las aguas blancas. El pulso aireadoal usar la munición oscura: la carga ligerapara iluminar, lo intocado para la luz.* Si la hoja es alcanzada por el pincel queloca la tinta, el pincel es tomado por lamano, la mano es gobernada por la mente;pero anexemos aun una instancia más querija sobre la mente, que sea ella la quedetrás de este círculo de remisiones decidael punto en el que se ejercita cualquiermaestría: el punto de detención.* Como si fuese posible representar lo que

vio aquel, con el corpachón repantigado, enla escalera del sótano de la vieja casa de lacalle Garay, propiedad de los demoledoresZunino y Zungri; como si él mismo hubierabajado y visto la función del inconcebibleteatro tornasolado y nos trajera los primerosesbozos. Apuntes de umbrales, hilos deescritura desmantelada, tintaxis,prodigalidad milimétrica basculando entre ladisolución y el ensamblado. La primeracaligrafía del caos.* Siglos de práctica ilusionista y la voluntades siempre la misma: que la superficie sehunda allí donde sólo hay superficie, que elojo siga donde debería detenerse rendido ala evidencia material. Y es en su últimaversión donde parece haberse vuelto contrasu propio corriente, sobre el imperio deestos siglos de Canaletos y Palacios del Té.Entonces, que el dilatado simulacro ceseante la mancha que sólo sabe ser ella y queel virtuoso ate sus propios dedos paramortificar al refinado.

Ruth BenzacarGalería de arte

Luis Benedit"Fitotron II"

Dolores Zinny - Juan Maidagan"Variaciones"1. Períodos blancos2. En doble referencia (G. Matta Clark)3. Construcciones para-indescriptibles4. ...5. ...

29 de noviembre al 30 de diciembre

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Turista de laboratorioDIVERSIDAD. IDENTIDAD APUNTES PARA UN DIÁLOGO INTERCULTURALLA CASONA DE LOS OLIVERA- PARQUE AVELLANEDA 28.10 AL 19.11

Por Daisy La diversidad no la encuentro, la identidad me abruma.Nada mejor que ser turista en Buenos Aires, la ciudad se ve preciosa.Aquí viven más extranjeros de lo que yo pensaba, no sé comollegaron hasta acá, pero aquí están. Debe haber muchos más de losque no estoy enterada. En la casona ahora hay más de diez que nosólo no nacieron en Buenos Aires sino que también, son artistas. Enel parque hay una escultura que parece un tótem, y es de undiaguita, y hay otra que parece un tótem y es de una coreana. En laentrada de la casa hay obra textil que parecía de una alemana, peroes de una austriaca que introduce al inmueble con aire de lobby decualquier cadena de hoteles de nombre internacional. Hay tresfrancesas y una brasilera. La obra de Cecile Belmont, (francesa)cocida a mano recuerda a Lionilson (Brasil). Anne Marie Jeannou -video instalación- y Alix de la Barriere -foto- son de Toulouse, vivenaquí, y se conocieron en las casona, muestran obras de artista"emergente" en cualquier escuela del mundo. La muestra tiene airede experimento y yo me siento en un laboratorio.Las diferencias parecieran ser más generacionales que territoriales,aunque más que diversidad, se ve inclusión y asimilación. No se venmarcas abruptas que denuncien el país de origen. Salvo sutilezasAndrés García la Rota (colombiano) muestra afiches furiosospublicitando amor y crimen (muy buenos) como protagonistas delespectáculo y Adrianne Gallinari (Brasil) dibujos beleza pura.Pedro Roth (húngaro) y Pier Cantamesa (Italia), no sé hace cuantosaños viven aquí, me resultan tan familiares como el olor a bife.Clorindo Testa literalmente muestra, el mismo cuadro de siempre.Identidad, pareciera ser el New Combo o una mezcla de granos decafé para su inmejorable gusto.

¡Traigan la muestraa Argentina!OYVIND FAHLSTROM. RETROSPECTIVANOVIEMBRE MUSEO OF ARTE COMTEMPORÁNEO DE BARCELONA

Por Andrew Moszynski Nacido en Brasil, educado enSuecia, residente de París, Roma y Nueva York. Pintor, poeta,guionista de radio, organizador de happennings y performance art,con esta lista de ingredientes, con razón Oyvind Fahlstrom(1928/1976) es un artista difícil de clasificar.Este políglota trotamundos es en términos de su lugar en la historiadel arte actual, víctima de su polifascetismo.Aunque su obra es citada frecuentemente y figura en todas lasantologías del pop art no es un nombre familiar como alguno de suscontemporáneos y son raras las ocasiones de ver su trabajo. Si hayuna constante en su obra, es un compromiso con losacontecimientos de su época y una clara actitud política. ComoLichtenstein, pero sin la actitud estetizante, Fahlstrom tomóelementos de la cultura popular, como los "underground comics".Estas imágenes populares se ligan con trabajos previos en loscuales utilizó pictogramas precolombinos enfatizando la articulacióndel ahora y del tiempo pasado, una de sus permanentespreocupaciones.Colores alegres, personajes reconocibles, un aire de liviandad, apesar del peso innegable de sus temas, como la guerra deVietnam y la batalla de Chile, constituyen su más marcadacaracterística visual. Indudablemente Fahlstrom puede serconsiderado como uno de los primeros multiculturales.La retrospectiva organizada por el museo de arte contemporáneo deBarcelona cubre todos los aspectos de su producción.Obras tridimensionales, dibujos, cuadros, films, y sus conocidos"cuadros magnéticos" (en los cuales el espectador está invitado amover las piezas y cambiar la configuración de la imagen) están bienrepresentados.Su interés en la comunicación lo llevó también a inventar doslenguajes, uno basado en el sonido de los pájaros y el otro en lasonomatopeyas del comic.Como si esto tuera poco es además una muestra ideal para llevar alos chicos.

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El Atari Global“QUINCE AÑOS DE ARTE DIGITAL”. EDUARDO PLAOCTUBRE MNBA

Por Cayetano Vicentini La retrospectiva presenta un cuidadomontaje, efectista y didáctico: iluminación variada, telas tensadas,pantallas multiplicadas, cuasi virtuales, soporte para equipos devideo, proyecciones por doquier narrando la trayectoria del artistacon registros de sus creaciones y comentarios sobre las mismas.Dicha producción integra una gran diversidad de recursos artísticos ytecnológicos donde se pueden apreciar animaciones, arte aplicado,arte digital, instalaciones y videos documentales. Eduardo Pla, artistamultimediático, según la clasificación de Jorge Glusberg, incursionó alo largo de los años en la pintura, la escultura, el cine experimental,la fotografía, el video, la gráfica, el diseño, la arquitectura, el teatro,etc. Es considerado uno de los pioneros del arte digital internacional,desde el "milagro de ladrillo". -Comentario formulado en Italia sobresus resultados a partir de la manipulación de una primitiva Atari - Sutrayectoria incluye múltiples muestras alrededor del mundo, y suconstante experimentación permite ver la evolución de la técnicadigital aplicada a distintas formas de expresión artística (tenerpresente el comentario realizado sobre la representación de laesfera, manifestado en uno de sus videos) "Como artista digital crecícon la tecnología" Dice Pla, lo cual tomando en cuenta los tiemposque corren, nos permite avizorar que seguirá acumulandoexperiencias, obras, muestras, críticas, premios y etcéteras.

Cuerpo enorme,inteligencia chica“LAS PETRONAS” CESAR PELLINOVIEMBRE MNBA

Por Mauricio Corbalan Nadie lo sabe pero en esta muestraconviven varios mitos nacionales. El del hijo pródigo que triunfó en elexterior, el del animal más grande de todas las épocas y el del libromás gordo de la Tierra. Podría decir que esta muestra es sobre lasTorres más altas del mundo, que fueron hechas en Malasia por unarquitecto argentino de renombre internacional, pero en realidadtengo que decirlo, es una muestra alegórica sobre nuestras especies;la del dinosaurio más grande del mundo que habitó en las pampasargentinas, que tenía un cuerpo enorme y una inteligencia chiquita,era herbívoro e inofensivo, y también sobre el libro de cocina másvoluminoso a fuerza de hidratos de carbono. Como la gruesadocumentación de las petronas a base de acero inoxidable, lasrecetas del libro de Dona Petrona son las más caras y de la vidasexual del dinosaurio más grande del mundo sólo queda petróleo.

Corte por lo sano“CORTE 7” ARQUITECTOS VARIOSNOVIEMBRE MNBA

por Mauricio Corbalan Llegué al recinto y leí "...Al filo de laArquitectura. Siete cortes de Arquitectura. Siete cortes de arqui-tectura. Siete estudios de arquitectura, queoperan/piensan/trabajan/producen/cortan en la ciudad. Interaccionesasimétricas. La muestra surge de explorar, indagar y escarbar en losfenómenos metropolitanos a través de un sincretismo entre cine,gráfica, música, fotografía, arquitectura. Buscamos una mixtura delenguajes. Una performance construida en base a yuxtaposiciones, ainteracciones entre centro y periferia. Implantes. Somos un grupoheterogéneo (Epson, Tafirol, Post Biónica, Prodaltec, Villagecinemas, Mendoza Plaza shopping, Interieur Forma, etc) quefirmamos bajo el mismo nombre. Trabajamos en la misma ciudad,cruzándonos azarosamente en una exaltación de lo fragmentario.Vivimos haciendo implantes en un coloso llamado Buenos Ares.Somos cosmopolitas y eclécticos. Lunfardos. Producimos en ununiverso de hiperinformación, donde todo se superpone y se satura,generando permanentes encrucijadas. Nos movemos en variosregistros a la vez, buscando lugares de oportunidad, ocupando yregenerando espacios. Producimos una dinámica que genera uneclecticismo natural, espontaneo, global, plagado de localismos..."Corte por lo sano.

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¿Por qué le habránpuesto "mondongo"?

SE TRATA DE SALVAR DEL NAUFRAGIO ALGUNASCOSAS QUE EXPRESEN UNA INDIVIDUALIDADINCORRUPTIBLE Y EN PARTICULAR EL ROSTRO,SECRETO DE LA PERSONALIDAD"PHILIPPE ARIÉS

Por Alejandro Margulis

uliana Laffite, Manuel Mendanha yAgustina Picasso la emprendieroncontra ciento veinte familiares, amigos ycapitostes de la cultura para hacer con

sus caripetas sendas mascaras de yeso,inmersas en una placa de resina, que laverdad se ven bastante desagradablesaunque al tacto resulte suaves. Los artistasmondongos se las ingeniaron para poner enla pared a los hombres y mujeres quehabitualmente están del otro lado de unamuestra; es decir, a los que habitualmenteestán mirando. En un rincón de la sala seretrataron ellos mismos, en formato figurasde fibra de vidrio, de tamaño natural.Doce de los modelos quedaron fuera decarrera antes de la muestra, no sabemos sipor rotura del molde o desconsuelo de losartistas. Pero el resto -tono piel para lamayoría de las seudo pieles que asoman,fondos rabiosamente coloridos para el pianosobre el que sobresalen-quedó expuestocomo un hibrido violento, entre mortuorio ypop, donde lo que

más incomoda no es tanto que estén todoscon los ojos bien cerrados sino el pastichecromático.La lista de modelos va desde la abuelita deJuliana, pobre mujer, hasta el escritorFogwill, quien atinadamente encuadró lamuestra en "el rito de la máscara mortuoria".En uno de los retratos -el de Oscar Bony, unasco vea, mire- tres esqueletitos de jugueteen la nariz y en la boca refuerzan esta idea.Pero tomada demasiado literalmente estainterpretación se transforma en uncazabobos: dos de cada tres retratadosestán matándose de risa (Fogwill no, Fogwillse ve en su máscara tan serio queestremece) y entonces uno empieza apreguntarse si en las cosas del arte y de lamuerte basta con utilizar nada más que laprovocación, por muy inteligente que éstasea.Frente a la serie de mascaras los artistascolocaron una serie de fotografías en blancoy negro y tamaño variado, como correlato oespejo de lo que sus mascaras satirizaban.Lamentablemente, quien no esté al tanto dequienes son los personajes retratadospuede llegar a quedarse fuera del chiste, ysin duda esta es la principal debilidad quehabría que consignar. Lo interesante de estamuestra es que hayan utilizado un recursocasi sacro, destinado en su origen a hacer

perdurar el recuerdo del muerto, paracargar sardónicamente contra el territoriode los vivos.Gran acierto de los artistas mondongos esque hayan vuelto a demostrar, voraz ybrevemente, que una de las funciones delarte es la de devolverle a quien lo consumesu propia, vanidosa mirada. Con el artemondongo de Picasso-Laffite-Mendanhaocurre sin embargo algo que no deberíamosdigerir así nomas. Que les gusta el feísimo,es indudable. También que tienen cosaspara decir. Va de suyo que el mondongo escorreoso y que no es precisamente fácil demasticar. Va de suyo también que en esta"primera cena" de Picasso-Laffitte-Mendanha (tal el subtítulo con quepresentaron la muestra) el único alimento adeglutir fue el público, ya en su rol evocado,ya como cuerpos presentes. Y es que laintención última del retrato antiguo eraregistrar a tipos humanos, no a individuos(como hicieron Picasso-Laffitte-Mendanha).En compartir aquella misma voluntad derepresentación se respira el mayor méritode esta muestra; en la premura con que laconsignaron, su mayor descrédito. Eltiempo dirá que tan trascendentes son susvivos con cara de muertos. Lo que esmientras tanto, vayan mis más sentidosrespetos a estos aprendices del artefunerario.

Mucho zombie y poca lápida“ARTE MONDONGO”. PICASSO. MENDAHNA.LAFITTE9.11 AL 3.12 CENTRO CULTURAL RECOLETA

Por Avancen

Me invitaron a un funeral bastante particular,donde los muertos no estaban de cuerpopresente sino visibles a través de sumascarilla fúnebre. Se los presentaba comoa las momias egipcias, junto a algún atributopersonal que en vida les hubiera sidoespecialmente caro: un cuadro de FridaKahlo, uñas postizas. etc. Los lugares de losmuertos eran cuadraditos todos del mismotamaño y estaban muy ordenadamentealineados como los nichos de la Chacarita.

Reconozco que las mascarillas fúnebres dehoy son más prácticas que las de antes, queeran de yeso y daban mayor sensación derigor mortis. Aparte, cuando los tipos teníanbarba como Víctor Hugo o mata de pelocomo Lizt surgía una complicación. Con ellatex es más simple agregarles barba opestanas a los muertitos. Para las lápidascreo que no les alcanzó la plata, porque lasfotos de los finados las colocaron en lapared de enfrente. Como en todo velorioofrecían una comida, pero no me animé aservirme sola de la mesa.Algunos de los asistentes dijeron que losfantasmas de los muertos estaban dandovueltas por la sala, viendo qué decían deellos los deudos que los reconocían a

través de las mascarillas. A mí no meconsta, pero me dejó soñando eso demorirse y poder ver qué dice de uno lagente que a uno lo conoció. (En realidadeste funeral me hizo acordar a una fiesta ala que me invitaron en los anos ‘70, norecuerdo si en Francia o en NY. Era unaexposición de calcos de culos, todosenmarcados en un rectángulosobresaliendo de la pared, salvo que eramucho más divertido ver quién reconocía aquién.)Como después de semejante velorio mesentí un poco débil, me fui a 50m de allí avisitar las tumbas de la Recoleta, donde lasalas de piedra de los ángeles me indujerona un sueño reparador, haciéndome olvidarde tanto zombie.

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El extraño mundo de Prior"UN MUNDO MARAVILLOSO". ALFREDO PRIOR10/11 AL 3/12 SALA CRONOPIOS. CENTRO CULTURAL RECOLETA

Por Xil Buffone Prior licua el espacio y lo hace bailar como aun oso ruso sobre las llamas... mientras una abuela de menteperturbada le cuenta cuentos a sus nietos; elefantes-vulcanos,osos-sirena, niños blancos y muñecos de nieve... sinfoníasdensas, mitos incautos desvariando sin gravedad.Los personajes son símbolo a la intemperie, minúsculaspartículas entre olas de pesadas masas suspendidas. Turnerschinos con burbujas azules y verdes agridulces. Visionesgrumosas, molestas, reiterativas. Sustancia mutante al bordede la conciencia, donde el pigmento es azotado por la voluntady el azar. Reinos de aguas abstractas profundas que guardan lasutil caligrafía del ahogado.Fujiyamas o Vesubios, la serie de los volcanes rojos sonhorizontes ariscos sin reposo, paisajes verticales donde la lavaincandescente asciende en humeante líquido hacia el aire.Metafísica china.Espacioso es el vacío de la Sala Cronopios para presentar, eneste caso, pinturas de gran formato o grupos de pequeñosretratos y discos de vinilo sobre el muro. Prior, escribe, pinta,hace performances, instalaciones, videos, operas chinas, ycíclicamente erupciona como el Vesubio (que nunca duerme) yni su fertilidad ni su potencia son nuevas. Son constantes,como el proceso mismo de la creación. Mirar un Prior esnaufragar en él, sumergirse en un enigma sin modas nitiempos. Tan sólo un pretexto para la detonación de buena pin-tura en el siglo XXI.

Recetas para construirun hombre artificialJUAN ANDRES VIDELA. PINTURAS RECIENTES1.11 AL 19.11. CENTRO CULTURAL RECOLETA

Julián Polito (goolian@yahoo.com) La lluvia, casi granizocaía impiadosamente sobre el barrio viejo de Praga. Nadieosaba caminar por las medioevales callejuelas, ni siquiera lasratas. De vez en cuando un relámpago iluminaba por unossegundos las cúpulas de los anejos castillos de la que algunoscreen es la más linda ciudad de la vieja Europa; y las gárgolas yestatuas encaramadas en lo alto de los edificios parecían másfantasmagóricas de lo que ya eran. Sah T. Anash, el último deuna serie de nigromantes y alquimistas cuyos orígenes seremontaban al período conocido como Edad Oscura, acababade exhalar el último suspiro. Su alma ennegrecida comenzabaun largo viaje en medio de la noche tormentosa que muchos enPraga deseaban que terminase en lo más recóndito del Infierno.Pero debajo de su lecho mortuorio dejaba un sinnúmero deextraños códices repletos de incompresibles anotaciones yhermosos dibujos. Tal vez recetas para construir un hombreartificial, un golem: o a lo mejor las proporciones exactas de laformula que permitiría transmutar el plomo en oro. Imposiblesaberlo. Lo único que pude ver, ya casi al amanecer del díasiguiente, cuando la tormenta había pasado, fue la mano deJuan Andrés Videla que subrepticiamente recogía un rollo demanuscritos del mago muerto y se los llevaba consigo.

Partes rescatadasde un sueño“UN MUNDO MARAVILLOSO" ALFREDO PRlOR

10.11 AL 3.12. CENTRO CULTURAL RECOLETA

Por Laura Las Heras Alfredo Prior expone sus pinturas de losaños 1999 y 2000 bajo el título "iUn mundo maravilloso!". Situviera que decir algo serio sobre estos cuadros, diría querecrean personajes mitológicos (Hefesto, Tiresias, Vulcano) ytambién temas míticos de la literatura ("Under the vulcan","Fundación mítica de Buenos Aires", "El sutra de loto") o de lahistoria de la humanidad, como las aventuras de Napoleón.Pero todos estos mitos aparecen como partes de cuentosinfantiles, y los componen criaturas fantásticas. Muchas tienennariz roja, orejas de conejo, una corona y se me grabaron comolas partes rescatadas de un sueño. También hay pequeñosretratos de estos personajes, un rostro que tiene texturalograda con espaditas de coctail, otro de una especie decalabaza de Halloween, y uno que parece un muñeco pobre conun plato de sopa. Además, sobre discos de vinilo pintó pecesbeta, osos de juguete y osos que parecen más de verdad, unmillonario medio loco con habano, bastón y galera, un perro congorro de Sherlock Holmes, y no estoy segura si a Papa Noel o altemible hombre de la bolsa.

Dados arrojados afavor del azar"UN MUNDO MARAVILLOSO”. ALFREDO PRIOR10.11 AL 3.12. CENTRO CULTURAL RECOLETA

Por Luther Blisset Una voz detrás mío dice "siempre lomismo" y me hace pensar en la famosa idea de que un escritorescribe un único libro en su vida, un pintor un único cuadro.Ahora bien ¿qué es "lo mismo" en el caso de Prior? ¿Ositos?¿Cuentos? ¿Napoleones? ¿Liebres?La muestra de 'artistas conceptuales" que Prior hizo hace yaalgunos años en Benzacar me parece que es la clave de esapregunta por la mismidad prioriana. Coté melancólicosarcástico con un grano de burla al gusto del público.Tiene, como diría Montequin, una "ética de los materiales" quelo lleva a una especie de falsificación auténtica permanente.Usa el acrílico como si fuera óleo, el alcohol como si fuese agua.El espacio del cuadro está mareado por una factura azarosaque requiere una mínima actividad por parte del pintor y otra demenores dimensiones donde la deliberación toma formasnarrativas o de ensoñaciones rememorativas de la infancia o demitologías. Pero en esa pregunta compleja el centro no es nisiquiera la pintura, sino la estética o la filosofía humorísticaexperimental. Los temas evidentes son excusas (significativas)para desplegar una arena de juego donde el artista se divierte ypadece arrojando los dados a favor del azar, de la comedia, delartificio. Hasta llegar a crear un equívoco o una equivalenciaentre arte y artificio y recurso.El almíbar que recubre los cuadros tiene en sí mismo unatonalidad irónica.

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La revolución de los gerontesNORBERTO BRODSKY ESCULTURAS

9.11 AL 26.11. CCRECOLETA

Por Molina Dorfman Norberto Brodsky tiene 76 años y un apodo(Belo), se levanta a las 5 de la mañana, hace gimnasia, juega alvolley, usa internet, va a todos lados en auto, cuida su jardín debalcón, escribe sus memorias, tiene mas de 200 cartas publicadas endistintos medios gráficos, es ambidiestro y sobre todo, artista. O noexactamente. Aunque hace once años que fabrica esculturas, pinta ysaca fotografías, dice: "Yo no me considero un Artista sino un atrevido.Yo me atrevo a hacer cosas". Tiene un modo constructivista de hacerArte y una forma deconstructivista de explicarlo. Su obra pictórica yescultórica, influida por los trabajos de Eduardo Mac Entyre y Julio LeParc, es una combinación de colores, formas geométricas y materialesque tiene cualidades y remite a significados.A Brodsky le encanta hablar de lo que hace. A menudo se acerca acada una de las 15 esculturas que expone en Recoleta y las describecon la mirada de la palabra: "Sombras es mi última escultura. Es todade hierro. Y depende del ángulo desde donde se la mire puede tenertres versiones: sombras, una cara o monos y palomas. Cinéticos yOpuestos son dos acrílicos contrapuestos sobre base de mármol quedan mucho efecto porque son cuatro las caras pintadas", Y continúafrente a sus 8 pinturas y 4 fotografías que exhibe en la Universidad deBelgrano. "En el cuadro Sonata Claro de Luna, los rayos se metendentro de los arpegios que suben y bajan. Para Ventanas dividí uncírculo en cuatro y cambié los tonos de cada cuarto, con un fondodifuso, sobre base negro y blanco. Los amaneceres son fotos sacadasdesde mi casa".Como ideólogo de la "Revolución de los Gerontes", aquella muestracolectiva de artistas mayores de 65 anos coordinada por KennethKemble en 1996, Brodsky demuestra que es dueño de su propiotiempo dentro de una temporalidad aprovechada. Además, desafía,como artista concreto, la verdad de la Estética, la Teoría que afirmaque sólo es Arte aquello que interpela a pensar sobre el sentido de lavida. Actualiza la idea de que sólo el número puede explicar unarealidad concebida como algo esencialmente rítmico. Confirma que nohay nada en de Arte Abstracto que remita a la vida cotidiana al menosque revivamos la Utopía ilustrada de racionalizar la Naturaleza.Sostiene que la experiencia artística no tiene nada que ver con laRazón sino con la percepción sensible. Por eso afirma: "En el Arte hayuna cosa básica: gusta o no gusta*.Brodsky es un contribuyente actual de la geometría artística, de untipo de Arte autónomo respecto a lo cotidiano, decorativo o esteticista,radical. Respiración de vieja vanguardia en un movimiento a acabar.

La casa de Bernarda FenochioALEJANDRA FENOCHIO "SEDAS DE SEDA”16.11 AL 3.12 CCRECOLETA.

Por Fernando Fazzolari La casa de Bernarda Fenochio se elevasobre las riberas del Riachuelo en medio de sauces llorones,cocoteros, palmeras, bananos, madreselvas, papagayos, saltamontes,y víboras vistosas. En el fondo, bajo las magnolias una piara dechanchos pigmeos es arriada por un par de gatos barcinos a puromaullido pampa hasta sus corrales de gomaespuma; un coro de saposencumbra sus gargantas de lluvia dentro de una palangana amarilla, elcielo se hace verde y los vecinos se descuelgan por las ramas de lasampelopsis gigantes para recuperar pelotas perdidas y calzones que elviento del sur ha dejado caer en el patio de su casa y se quedan adormir al fresco.En sus cuartos, vidrieras del Amstel de Rocha, atravesadas por la luzingrata del río y adormecidas por el espeso vaho del tumulto orgánicoque se descompone a lo largo de sus costas, se iluminan en una castaemergencia las pieles sedosas de sus hijas, andy, flory, patri, mari,vero, mabi, (rubias del riachuelo, pasteles de la boca), que ansían,desean liberarse de los gritos tenaces y penetrantes de su madre,madama devota de San Catanzaro que las obliga a exhibir sus senos,nalgas, vientres y nucas sobre los bienes más insospechables:catafalcos de herrumbre quinqueliano, mecánicos objetos, planetasdeltados, árboles de la primer serranía cordobesa o exuberantesconchas del mar de los Uffici, para goce procaz de ebrios marinerosgenoveses. A la menor de sus hijas suele arrojarla a los perros paraque con el tiempo se trastorne en un nuevo personaje de Kipling.Todas ellas, mari, patri, vero, mabi..., en realidad sueñan con unespacio de salvación, donde la castidad, el silicio, el hábito, y rosariolas conviertan pronto en modelos de El Greco para ser exhibidas enSaint Pommery.

¿De los otros o propias?CECILIA DE SOUZA. INSTALAClON26 10 AL 12.11 CENTRO CULTURAL RECOLETA

Por Gabriel Glaiman De Souza propone desde la instalación unainteligente pregunta sobre la propiedad de la imagen. Seguramentelos fotógrafos para los que posó cuando trabajaba como modelo, en elmomento de obturar sus cámaras ejercían, de alguna forma, un actode apropiación. Pues bien, a partir de una buena selección,ambientación y disposición espacial de las fotografías resultantes deesos años. Cecilia recupera y se adueña de las imágenes. ¿De losotros o propias? No es esto casual para quien la conoce. Suproblemática, sea en pintura o instalación, es siempre de autoreferencia. Bienvenida esta propuesta simple y legítima que invita a lareflexión.

Hoy en el Arte Galería de ArteDirectora Teresa NachmanCelia Marcó Del Pont y María Cristina FasahGrabadosDel 6 al 16 de diciembreGascón 36 Tel/ telefax 4981 4369

GRACIAS a todos los que se acercaron a nuestro espacio, a losmedios que promovieron las muestras, a los artistas que nosacompañaron durante el año.

FRA ANGELICO Galería de ArteAristóbulo de Valle 666. LA BOCA

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After trama"LA TRAMA IMPERFECTA" MARCELO LO PINTO

9.11 AL 26.11. CC RECOLETA SALA 7

Por Romero La Trama Imperfecta se llama la muestra de pinturas, dibujos yobjetos de este artista que en su catálogo y después de una abundantedigresión filosófica concluye con una definición que le da título a sumuestra. Esta es seguramente una verdadera declaración de principios quetrascienden el hecho estético para convertirse en una afirmación de carácterpolítico allí donde asegura que "Debemos darnos la oportunidad que implicasostener que en cualquier condición, en la peor de las condiciones, esposible pensar. Es necesario afirmar que los saberes estructurados, tienenazarosas fallas, grietas, fisuras; en ellas, para devenir sujeto esimprescindible hacer una apuesta sin ley al acontecer de una verdad. Eneste caso una verdad artística. En esta Trama Imperfecta será entonces, unhacedor de verdades, aquel que crea posibles con lo imposible"

El es mi obraDOGU BANKOV (1884 1970) AMADO Y AÑORADO

GORAN OHLDlECK

26.10 AL 12.11 C.C.RECOLETA

Por Lorena Armesto El artista noruego Goran Ohldieck exponecollages acerca de la vida del artista plástico búlgaro Doyu Bankov,quien es revivido en una muestra colmada de fotos de la época de laprimera guerra mundial, manuscritos y otros elementos del pasadorelacionados a su vida como etiquetas, trozos de tela, etc. Esinteresante una propuesta así ya que es conocida la interpretación dela obra de un artista por otro como lo han hecho algunos clásicos, peroen este caso se está creando a partir de una radiografía muy personaldel hombre en sí mismo y no de su obra exclusivamente, conceptomuy acertado como también las obras, dado que cada pieza puedeactuar independientemente de la integridad de la propuesta.Fascinante.

Tres fotógrafos enbusca de un autorFRACTMAN - JAPO–LAURÍA. FOTOGRAFÍAS7/11 Al 3/12 FOTOGALERÍA TEATRO GENERAL SAN MARTÍN

Por Eugenia Bedatou El conjunto de obras reunidas en la fotogalería delteatro se compone de fotografías que tienen mucho en común sin queesto no permita encontrar en ellas características individuales, marcasdel sello de autor.El elemento fundamental del conjunto (principal instrumento generadorde sentido) es la luz, protagonista indiscutida de todas las obras (aunquecada artista realiza diferentes tratamientos de la misma). Fractman nospresenta "vistas" de una ciudad que duele, de una realidad paradojal,injusta y marginal, la luz aquí refuerza el tono dramático y melancólico delas imágenes. Japo trabaja imágenes que parecen gestarse en su interiory por momentos no tener conexión con el mundo externo, transmisorasde sensaciones corporales y mentales las imágenes juegan con la luzlogrando gran atractivo emocional.Lauría es el caso más extremo en cuanto al uso que se hace de la luz yaque sus fotografías se embellecen y cargan de sentido a partir de laincidencia de esta sobre una imagen sencilla, pobre, que poco tiene quedecir por sí sola. Contenido más economía de recursos expresivos, unabuena combinación.

Pureza alcalinaJUAN ERLICH “LUCES CANDY” FOTOGRAFÍAS

9.11 AL 30.11. C.C. SAN MARTÍN

Por Romina E. Freschi En algunos libros de cuentos de mi infancia,las ilustraciones eran cumplidas por extrañas producciones fotográficasque yo identifico con las décadas del 60 y del 70. En ellas todo erateatral. Todo era definido. Los modelos - humanos o muñecos - enposes muy identificables y didácticas, con sus caras coloreadas. Losobjetos, tan justos como "puestos”. Los fondos, tan lisos. Las luces...tan brillantes. Todo lucía su límite perfecto con esa iluminación porqueella era perfecta, fotométricamente exacta, experimentada, laboratoril...Las fotos de Juan Erlich me hicieron acordar a esas fotografíasAggiornadas en sus personajes, las poses son tan perfectas y el efectode la luz sobre ellos sigue siendo una canoa dulce pero firme como unapresto que cae sobre sus movimientos llevándolos a una fase alcalinade pureza en la sorpresa.

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Eslabón perdidodel arte abstractoLUCIO DORR. INSTALACIÓN

9.11 Al 30.11 CC SAN MARTÍN

Por Iván Calmet Me gusta visitar muestras sin saber que me esperay alegrarme si la sorpresa es verdadera. Es una muestra italiana.Recordé el intacto mundo perfecto de la revista Decoralia. Materialesmuy purificados. Geometría de vértices fríos y planos cálidos.¿Tendrán vida los vidrios? ¿Debería ser siempre corpóreo loabstracto? El sentido del arte debe ser pariente del sentido de lavida, un pariente, un hijo. Misteriosa como la hoja de un árbol, laobra de arte crece cuando se aleja de cualquier origen reconocible.Estas obras tienen la particularidad de que quieren ser vistas en vivo(como las marquesinas de Ballesteros), desatendiendo a concienciaque el arte contemporáneo se cotiza por ser fotogénico. La obra diceque a Dorr le gusta su obra. Me gustaría ver en un museo a Roja y aLima. Estas obras intentan armar el caprichoso puzzle que descifraun eslabón perdido del arte abstracto. El pegamento que las adhieretiene la obligación de mantenerlas perfectas. Y el artista me obliga aque observe el arte como frágil existencia. La pared las sostiene sinprotección. Y el tiempo las hace mortales.

Regreso a la casa imposible“¡QUE HERMOSO! ¿VERDAD?”- MARGARITA GALETARCONTADA POR SU HIJA LILIANA PORTER.

9.11 AL 29.12 FUNDACION ANDREANI

Por Ana Wajszczuk El arte poético de Margarita Galetar es comoun reino de Oz: el que pueda poner su piecito dentro deberá teneruna mirada otra sobre el mundo, deberá prescindir del método y desu percepción acostumbrada / "tengo un hábito: el de salirme de mipiel y viajar” / su lenguaje universo es el de dibujos que se abrencomo mamushkas: arabesco y nubecita y paloma y ventana y flor,camino amarillo que recorre su comarca de libritos y cartas ytarjetas, de grabados y aguatintas y aguafuertes/ el cuidado amorosodel detalle y lo minúsculo-/"como una tejedora invisible, incansable” /acercarse y entrar es un solo movimiento/ uno va por el mundo queLiliana recrea con la ilusión del muñequito cuyo camino trazadosiempre dice adiós para volver a la casa imposible y única que todosperdimos: la infancia /"no quiero despertar: este sueño es mi casa"/Margarita encontró los zapatitos para caminar de puntillas y parasiempre por ese reino, saca de un baúl onírico sus grabados, losextiende sobre la mesa, le dice a la cámara el secreto que hadescubierto para nosotros/ "¡Soy un artista! ¡no lo puedo creer!" diceMargarita/.

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Sensación térmicade una generaciónLUCIO DORR. -INSTALACIÓN-

9.11 AL 30.11 CC SAN MARTÍN

Por Romina Zanoli Al ingresar a la sala en donde se produce lainstalación, en un primer momento, se produce una sensación dedistanciamiento y extrañeza que luego tiende a desaparecer. Tal vezproducto del material utilizado, vidrio impreso, y de las formasgeométricas de las figuras. Sin embargo la calidad de su obratraspasa forma y materia para introducirnos en una nueva sensacióndonde el pensamiento no tiene cabida, solo una profunda percepciónde la distancia y el silencio. A través de sus diseños logratransportarnos a otro tipo de belleza, inmóvil, intangible. La cualquizás, sin intentar ser excluyente, sea captada con más por los másjóvenes, ya que esa aparente frivolidad cargada de una profundanostalgia es una característica común de las últimas generaciones.Lucio Dorr no sólo logra demostrarnos que el diseño tiene muchopara decir, sino que también es un fiel exponente de unageneración.

Vigencia de una preguntaPREMIO DE FOTOGRAFÍA ROSA KLEMM

9.11 AL 30.11 FUNDACION KLEMM

La fotografía en el siglo XIX le pregunta al ojo del artista si tienesentido seguir interpretando lo que ve. La pregunta sigue vigente.Pocos responden con verdad y menos la entienden. La fotografíaresucita con vida o muerte al arte moderno en el siglo XX.Muybridge congela, Man Ray conquista, Gilbert S, Georgeevangelizan y Jeff Wall reflexiona. Tanto el diseño como los mediosgráficos, con sus métodos eficaces, han hecho complicada la tareade destacar, separar y categorizar la verdad en la obra. Complicaronal jurado. Si este premio cuestionara a los artistas el sentido del arte,a Goldenstein le muestra el horizonte, a Barreda la despierta, aMarjak la interesa y Ruderman se lo recuestiona. El resto noentendería la pregunta que a López desatura y desvanece. Prefierocomo respuesta la obra de Klemm.

Huesos y máquinasMAYER ABISMAN, HERNÁNDEZ DlEZ INSTALAClÓN7.11 AL 30.12 ICI

Por Jimena Correa Huesos de plástico amarillo, casi fluorescentes,montados sobre tarimas blancas. Entre ellos una guía de teléfonosabierta al azar, esto en el centro de la sala, a los costados partes de¿autos? ¿máquinas? Separadas apoyadas sobre cartones. Anteshay unos televisores, todos están apagados menos uno, en el quese puede ver en blanco y negro lo que parecen escenas de unainauguración. No sé si la inauguración es en el ICI pero me gustaimaginarme que sí. La imagen esta en blanco y negro y no haysonido. No sé si esto es parte de la muestra o no, pero no importa,me cuelgo mirando este video, lento e irrelevante, pero que tienealgo para los que vamos a las inauguraciones regularmente. Escomo un espejo, mientras lo ve uno puede pensar "¿así me veo yotambién en esa clase de eventos?". Los huesos y las partes deautos, parecen un poco obvios, pero su sencillez los vuelvemisteriosos.

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¿Qué Dios?VIII BIENAL DE ARTE SACRO.9.11 AL30.11 PALAIS DE GLACE

Por Susana Pampín

rimera vez que fui. Cuando entré seescuchaba Bach (supongo) y la primerobra que vi -un rostro horizontal y

calmo que me remitió a las Madonnas deRafael o de Miguel Ángel o a un ídolooriental- me habló, me dijo algo. Algo quepuedo asociar con lo sagrado. Había unosficus y unos helechos iluminados desde abajocon luz blanca. Un poco previsibles, pero nomolestaban.Después vi que la música (que derivó en algoasí como Lorena McKennit) venia de un videode la muestra ($ 10), en donde entre otrascosas, Monseñor Laguna (que, sin embargo,a mi me cae simpático) saludaba a lospremiados y se veían un poco los cuadros. Ytambién vi que la mayor parte de las obras noeran de arte (lo cual no importa demasiado; laartesanía genuina participa del arte y cumpleigual función) y menos, sagrado. Temáticasbíblicas

cas, metafísicas o sociales con forma dePicassos, Bernis, todos. Todo muy correcto.Pensé en las agujas góticas, ese deseo dequerer llegar a Dios. Me acordé del -gracias adios- degenerado de Gaudi, con esa familiatan sagrada como promiscua. (Ya sé que lacomparación no tiene gollete, pero noimporta). En un momento me pareció sentirolor al sahumerio Sai Baba, pero no podíaser. Una pena.Empecé a preguntarme cosas. ¿Qué es loque lleva al hombre a querer hablar a / dedios? (¿qué dios? ¿con mayúscula o conminúscula? ¿Quién I Qué es dios?) ¿EI deseode querer participar de una bienal de artesacro? ¿De quedar bien con Dios? No lo sé, ytampoco tengo por que pensar mal, me dije,pero es que muuuchas de las obras noparecían siquiera expresión de algo propio,personal y privado. En algunos pareciera quefue el deseo de acumular tesoros en la tierralo que los llevó a pintar.Exceptuó esa Mater de Kuker, un SanSebastián de Mateo Sol (un chico hermosocon una pluma roja clavada en el corazón

y un código de barras estampado en elpecho), un Cristo boliviano hecho de muñecacon pelo negro y largo, un collage tipo Sgt.Pepper con Iggy Pop, Lennon-Onodesnudos, Marley, el Indio Solari, etc, de O.Craia (que no me gustó en sí, pero al menosse despegaba de la estética profesor decatecismo que pululaba), y alguno que otromás. (También había unas vinajeras del sXIX, y no pude evitar pensar en indiosexplotados.) Peter Brook habla de teatro,pero me sirve: "Lo sagrado no tiene la culpade haberse convertido en un arma de laclase media para que los niños sigan siendobuenos. (...) No se busca un teatro sagradosino la obra domesticada en la cual "máselevado* sólo significa 'más agradable',donde ser noble sólo significa ser decoroso."En el cuaderno -grande y de tapas negras,me recordó a los obituarios y pensé si Diosse había muerto- una indignada manofemenina escribió: "Frente a cada cuadro nohice más que pensar "¡Dios mío! ¡Dios mío!¡Dios mío!"

El BelgranoXLV SALÓN DE ARTES PLASTICAS MANUEL BELGRANONOVIEMBRE MUSEO EDUARDO SÍVORI

Por Eva Farji (evafarji@hotmail.com) El sábado 18 de noviembre seinauguró el XLV Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano con lamuestra de los seleccionados en Pintura y Escultura más los premios ymenciones de todas las disciplinas (Pintura, Escultura, Dibujo,Grabado y Monocopia).El evento es organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno dela Ciudad de Buenos Aires. Esta distinción es el único medio por elcual las autoridades apoyan (y financian) a los artistas plásticos. Esimportante destacar que en cada disciplina los participantes puedenelegir, por medio de votación, tres de los cinco jurados queseleccionan y premian los trabajos. Los dos jurados restantes sonnombrados por la Secretaría de Cultura.Los primeros premios van desde el hiperrealismo de Fernando Allievien dibujo, a la contundente forma de la escultura abstracta de JorgeGamarra. Pablo Delfini en Grabado con una obra que propone darleimportancia al recorrido y las direcciones en el espacio. Mientras queen Monocopia primó el lenguaje directo y sintético con el que OsvaldoJalil aborda temáticas políticas. Es muy meritorio el primer premiootorgado en Pintura a Miguel Ángel Bengochea. Se llega a estaconclusión al poder tener una visión del conjunto al haber podidoobservar la totalidad de las obras seleccionadas, al igual que enescultura (Grabado, Dibujo y Monocopia se exhibirán posteriormente).

Miniescenas de sueños“VARIACIONES DESDE LA TERRAZA" ANA ZALAZAR8.11 AL 3.12 PALAIS DE GLACE

Por Romina E. Freschi Figuras desfiguradas y circenses, puro color,una manta de retazos, de columpios, escaleras, animales-transporte-alados, danzarines. El viaje desde la azotea, un mirar el techo estelar.Mares de cielo nubes colores psicodélicos. Soldaditos pericos. Lovolador... ¡Todo es volador! ¡Todo es animal! Agujeros de miniescenasde sueños, como nubes, como el mar, el oleaje de las pinceladas enaguas. "Tus ojos boquiabiertos” no pueden parar de ver, las ciudadesde animales liliputienses y, de vez en cuando, un límite "recorriendo elespacio" de algún solo color tornasoñándose apenas. Cada figura esmil. Una transfigura. En el mismísimo acto de. Borrosa, plena, múltiple,total y al mismo tiempo, tan pequeña como el detalle de una estrellalejana en una noche recién nacida. Si, Ana, "el cielo es tuyo".

Mario CocchiReportero gráficoFotografías de obras de arteVernisages. BooksTel: (15) 50255115. email: mariococchi@hotmail.com

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Buscando un luFlorencia Cacciabúe (22) y Facundo Ceraso (24), artistas seleccionados por Trama, se jun-

Fl | Yo estudio en la Pueyrredón, es difícildecir lo que pienso. Si ahora viene alguien yme dice: "¿Empiezo la Escuela?", yo lecontesto: "No la empieces ni en pedo". Loque sí te da la Escuela y está bueno queeso no se pierda, es una especie decontención entre pares. Ahí vos hablas contu compañero de año y tiene un visión súperfresca no está contaminado por el mundillodel arte, con lo bueno y lo malo que tieneeso. Lo malo porque te sentís en una nubede pedos, decís: "aquí no pasa nada, nohay movimiento". Lo bueno es podercompartir tu laburo con algunas personas...no con todas... Es un lugar que si no loocupamos nosotros lo sigue ocupando lagente que hace años está haciendo mierdala Escuela. Que haya un lugar que funcionecomo contención para gente que quierecrear, me parece fantástico. Que está malencarado, está mal encarado. Yo tuve unamala experiencia: me mandaban alsicólogo, me volvía a mi casa llorando. Miprofesor de pintura me mandó al sicólogo;me dijo que yo tenía que ir a hacer terapiaporque estaba mal. Me decía que las cosasde mis cuadros se caían y yo le decía "¿Adónde se van a caer, si al piso no sepueden caer?” entonces me dijo: "¡Cómovas a contestar así!". Tuvimos unencontronazo, el me mandó al sicólogo y yolo mandé a él.Fa | ¿Y antes de pintar que hacías?Fl | Era rockera tenía una banda, "CruelaDevil".Fa | ¿Eran todas chicas?Fl | No, teníamos un sometido, unguitarrista. Pero nunca terminé de sentirconexión con la música. Mi profesor de bajome decía: "Vos andas por ahí en algoartístico, pero lo de la música ... mmmm"Fa | Yo estudié arquitectura durante casicinco años, pero bueno, no fui más por esacuestión de los tiempos. No me podíamanejar con la facultad, no porque no megustara si no porque vivía en otro tiempo.Después empecé a estudiar bellas artes enla Plata y ahí los profesores me decían queme vaya de la Facultad. Era como que nome podían dar ninguna respuesta sobre loque estaba haciendo, o no les importaba ono veían lo que yo trataba de

hacer. Después, en una época estuve enun neuropsiquiátrico, en el Romero, cercade La Plata. Estuve como cuatro meses.Por un tiempo empecé a hacer un tallerdentro del hospital... con locos crónicos quese iban muriendo. Tipos que los ves dos otres meses y se mueren. En un momentose pudrió todo; se empezaron a quemarcosas. A mí me parecía que estaba rebueno pero me prohibieron hacerlo. Eramuy raro. En una época trabajaba con unachica que era sicóloga, que avalaba todoeso, pero después se pudrió todo. Tengoun par de cosas filmadas. Y eso me pegóbastante. Lo que pasa es que siempre loquiero llevar al terreno de demostrar queeso es arte.Fl | ¿Que lo que se hacía ahí es arte?Fa | O lo que hago yo. Es como otra formade ver las cosas. Que no hay una solaforma.Fl | ¿Lo que hacían los locos?Fa I Estaba a la par de ellos, no es que yofuera el profesor…Fl | ¿Vos coordinabas el taller?Fa I Lo coordinaba una mina que era comouna sicóloga, pero yo daba unas ideas.Fl | ¿No sentías diferencias?Fa I Sí, eso me gustó; darme cuenta que aveces el conocimiento te determina algunascosas que no sirven, me parece que elhecho de no conocer cosas es algopositivo, y me gusta eso.Fl | Yo tuve mucho contacto conneurosiquiátricos desde muy chica y creoque hay una diferencia enorme de lo que esuna creación esquizofrénica y de lo que no.No por el saber, si no por una conducciónde la acción que se está haciendo, es comopensar que Van Gogh estaba loco. Noestaba loco.Fa | Yo igual la conexión plena de todo esola viví con la droga. Me parece que losestados de la droga se acercan un montóna los estados de esas personasFl | Pero hay una vuelta...Fa I Si...Fl | Cambiando de tema, ¿la música paravos es importante?Fa I Antes hacía música. Me gusta muchola música, y tengo muchos amigos quehacen música. Con mi obra trataba de en-

contrar una conexión entre el sonido y laimagen. Por ese lado mi obra se iba unpoco a lo escenográfico; me interesabamontar situaciones donde pudiera juntartodo y estaba bueno, pero eso ahora lo veocomo viejo. Ahora creo que la música esuna cosa, la imagen es otra. Pero igual algoque me parece que es bueno que digaahora, es que cada cosa que digo cada díava a cambiar. Hoy es esto pero mañana vaa ser otra cosa. Este bueno. Por algunasituación que viví, o por alguna informaciónque recibí creo que va a cambiar. Nuncame pongo a defender lo que hago.Fl | Yo lo comparto, porque sostener unarealidad durante mucho tiempo no es de laépoca. Y tu laburo tiene algo de eso...Fa | Ahora tengo ganas de que las cosassean un poco más detenidas está bueno. Elhecho de coser en los cuadros o de amasarcomida, trabajar con comida me da un temay una situación donde detenerme. Digo:"Voy a trabajar con comida" y es algo tontopero es como que me da un marco.Durante tanto tiempo voy a trabajar concomida... Otra cosa que me influyó muchoes que en una época hice fanzines. Losfanzines son publicaciones independientesque hacen bandas o gente con ideas: sehabla de música y de otras cosas y escomo muy grunge. No es muy masivo, sereparten personalmente, en recitales. Ahíyo aprendí un montón de cosas, desde laimagen, desde pibes que se ponen adibujar y tienen una idea musical y quierenbajarla por el lado de la imagen, esotambién me pegó un montón. Hasta hacepoco hacía uno en La Plata que se llamaba"Kill your parents".Fl | Creo que una vez vi uno con un kittycon HIV...Fa | Si, están llenos de imágenes comoinfantiles y de cómic. Mi obra es bastanteviolenta; el hecho de sumarles esasimágenes es como bajarle un poco laviolencia.Fl | Reconozco también violencia en miobra y me parece que mi manera deencararlo es encubriéndola un poco. Lo delos muñecos no fue algo premeditado, hagounos muñecos que encima son violentospero no tienen cara. Igual no tengo todomuy claro, ¿cual es lo de tenerlo todo tan

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gar en el mundontaron en un Burger King para hablar de las vicisitudes de ser un artista emergente

armadito tipo pack? En un momento seempieza a enfriar tanto la cosa... cuando teponés serio parece que te volvas unpelotudo.Fa | Sí yo vi tu obra un poco violenta,morbosa...Fl | ¿Te parece? No; a mí no me parecemorbosa.Fa I Es una violencia de la imagen. Muñecostocándose la concha, sin cara...Fl | Bueno, pero a la vez son muñecos...Fa | ¡Pero eso lo hace más morbo!Fl | Por ahí es como una cosa deencubrimiento... Igual, nunca entendítodavía...Fa | De tu obra conozco las letras y losmuñecos... Nunca entendí la conexión.Fl | Lo de las letras fue un capricho...Fa | Para mí no está mal que sea así... Megusta no entenderte. Es lo que hablábamosde la obra de Juana (Neumann). Ella tieneunos cuadros que son imágenes tomadas alazar del diccionario y Tulio, en Trama, ledecía que tenía que empezar a tomar unadecisión de por qué ponía esas imágenes. Yodecía que, para mí, eso era lo interesante: loarbitrario.Fl | ¿Vos sentís que en tu obra no tomásdecisiones?Fa | Y, sí... uno toma decisiones...Fl | Por ahí no son definitivas; es lo que vosdecías antes, no es que alzo la bandera ydigo: "¡Voy a tomar esta decisión!"Fa | Pero es así un poco, me parece...cuando tomo una decisión creo que la tomoporque quiero mostrar algo y ahí para mi estáel lado político de la obra. No creo quepolítico sea decir; "Soy cubano y peronista".Creo que lo político se ve en otra cosa. Lopanfletario a veces me gusta también cuandoes tan exagerado esta bueno. Por ejemplo aveces veo afiches del partido obrero que meparecen geniales.Fl | Es como obra, porque es tan utópico, yhay algo de la Utopía que se tiene que seguirmanteniendoFa | Bueno, y esto creo que se relaciona unpoco con Trama, porque yo lo que vi enTrama es que primero mostramos la obra detodos y hablábamos de la obra de todos.Cada uno hablaba puntualmente de lo suyopero nunca se llegó a nada entre todos.

Después, cuando se quería llegar al "entretodos" al hablar de lo de cada uno perodesde un lugar de todos, es como que sequería encaminar hacia un solo lado -por ellado de Tulio- y llevarlo al "¿por qué?", porqué esto, y por qué lo otro, y que decisióntomaste… yo lo vi así.Fl | A mí lo que me provocó fue tomar unadistancia con mi obra que me fue muy útil.Me dieron un lugar para que me pongan enese lugar. De alguna manera fuiseleccionada para eso. Rescato ese hecho ypongo eso en primero plano; me dieron unlugar. "¿Querés ser artista?" Bueno, ahítones, y ¿ahora qué? Porque yo no encontrémuchas veces mi lugar, no es que abundan,no es que digo: "¡Que bueno! iSer artista esmuy fácil!" No, la verdad no es así. Es muchomás duro, más sacrificado de lo que unopiensa. Lo que pasa es que uno se hace elboludo, pero el tiempo que llevas invertido enesto... Mi vieja no entiende que yo compretanta tela, me dice: "¿Pero no tenés unmango para comer y te gastás 70 pesos entela en el once y por ahí no vas a Coto acomprar carne?" Y sí, es una postura, ¿no esloco eso? Es como un delirio, y bueno,alguien que te diga: "Bueno, ahí temes unlugarcito; un lugar en un país donde no haynada”.Fa | No pienso como vos. Creo que acá hayun montón de cosas. Lo que pasa es que hayalgunas que son mejores y otras peores, nocreo en eso de que no hay posibilidades, hayque ver cuáles son las que querés… Igualser artista es solo una parte mía. Creo quehay muchas otras actitudes de mi vida queson divertidas y que son parte de mi obra. Lodifícil es como mostrarlas. Trato de quealgunas lleguen a mostrarse. Igual, a vecesdigo que me canso, me agoto y querría hacerotras cosas que me parecen que son "serartista'' también. El otro día quería serjugador de futbol. Lo que pasa es que meaburro de las cosas...Fl | Yo fantaseo con un día dejo ledo y mevoy a vivir al medio de la nada, pero es unafantasía. ¡Qué bueno sería andar en ojotasdurante un tiempo largo!, pero después mevoy tres meses de viaje y quiero ponerme ahacer algo. Me dan ganas de volver. Por esopienso que es una fantasía

que tiene que ver con la saturación en la queuno vive, porque además del arte uno tieneque trabajar y ser buena hija, buena novia,uno va cumpliendo diferentes roles, nocumple un solo rol, y por lo menos, yo quieroser buena en todo... hay una cosa de presiónmuy grande...Fa I No sé si será por la edad o por qué, perotodavía no encuentro un lugar donde puedadecir que me siento bien haciendo lo queestoy haciendo, porque creo que donde loestoy mostrando o diciendo es como que nose comprende es muy difícil. Por eso meamoldo mucho al lugar donde lo voy amostrar y es como forzar la obra y eso losiento mucho.Fl | Eso, ¿por qué? ¿Qué diferencia ves entrelo tuyo y lo que normalmente ves en lasmuestras?Fa | No sé, por ahí los momentos en los queme siento bien es en los recitales, donde haymovimiento, donde dura un día, donde haymil cosas que se pueden llegar a dar que noes solamente el momento de mostrar la obra.Creo que ahí se puede generar algo más quela obra, muchas obras por ahí, pero tambiénme gusta el lugar de mostrar en un espaciomás tranquilo...Fl | ¿Mostraste mucho?Fa | Sí, en un par de lugares. ¡Ah!, en lugaresde noche sí mostré mucho. También escansador; quizás se acerca un poco a lo queuno hace pero también la obra pierde algo.Fl | Yo no mostré mucho. Las veces quemostré me pareció súper fuerte. Más allá dellugar, mi primera muestra fue en el bar ElTaller, que no tienen nada que ver con nada,pero igual, el efecto de mostrar.. Uno no lohace por uno en especial pero colgás eso ydecís: "iAh! Hola, hola obra". Lo de noencontrar lugares donde mostrar me pasatambién pero lo vivo muy resignada. No voybuscando. No me siento comerciante de loque hago, no sé cómo venderme. Por ahí esalgo que tengo que practicar. Cuando tengoun laburo que quiero mostrarlo trato demostrarlo, pero no es lo que más mepreocupa en este momento...> Sigue en www.cooltour.org/ramona

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Función de honorXLII SALÓN ANUAL DE ARTE CERÁMICONOVIEMBRE. MUSEO SIVORI

Por Ernesto De Carli El Centro argentino de arte cerámico presentó,en el Museo Sivori, su XLII Salón Anual de Arte Cerámico, salóninstituido por el C.A.A.C. en 1958, que se realiza con periódicaregularidad todos los años, y que has visto pasar por él a los grandesnombres de la cerámica artística argentina.Este año, en que fueron seleccionadas 41 obras, fue gratificantereconocer el aporte de gente nueva que, junto a nombresreconocidos, mostraron una interesante y vivificante visión cerámica:Luciano Ariel Polverigiani, mención de honor. Adriana Cerviño,2°premio, y Carmen Bongiorno, 3° premio. Excelente el envío deGraciela Olio -invitada de honor- por haber merecido el Gran Premiode Honor en 1999, premio que este año, con toda justicia, recayó enCarlota Cetrolini, de larga trayectoria con una obra de fuertedramatismo. Con la calidad de siempre, las cerámicas de GuillermoMarié, mención de honor y Viviana Afonso, mención especial deljurado. De impecable realización, aunque sin concretar la unidad delenvío, el primer premio de Emilio Villafañe.El jurado de este salón estuvo formado por Graciela Olio, PabloEdelsetin e Ingeborg Kinger.Este año, el C.A.A.C. dio nuevamente cabida al aporte funcional. Elúltimo salón de cerámica funcional, el duodécimo se había realizadoen 1979. Desde entonces, en un par de oportunidades, se habíaintentado sin éxito revivirlo. Este año, felizmente, la convocatoria tuvoéxito y se expusieron catorce obras. Creo que el concepto defuncional deberá, todavía, ser muy trabajado por los ceramistas, másallá de la indudable calidad de las obras mostradas por RozanaGomes da Costa, primer premio, y Guillermo Mané, segundo premio.Mostraron un concepto más funcional las obras de MercedesCorondo y de Diego Ricci, en colaboración, que merecieron unamención de honor. Destacables los platos de Perla Bardin. Fueronjurados de este apartado funcional, Teodolindo García Cabo yRicardo Bianco.

Secretos develados porquiromantesEDUARDO IGLESIAS BRICKLES. GRABADOS8.11 AL 9.12. ADRIANA INDIK

Por Osvaldo Jalil (ojalil@fibertel.com.ar) Una muestra de grabados,y de color. Adriana Indik, nos muestra lo que un artista puede hacercon el dibujo, un discípulo de Aida Carballo con una fuertepersonalidad gráfica. Eso es la obra de Eduardo Iglesias Brickles,gráfica. Imagen que golpea y no nos deja dudas. Manos descarnadaso secretos develados por quiromantes. La trompada final de Monzóno de algún otro campeón del mundo del box. Así pegan susgrabados. Entre los retratos sospechamos encontrar personajesconocidos que él toma y recrea, también sus cráneos iguales ydistintos. Manos con herramientas que nos cuentan historiasinimaginables. Nos podemos remontar a los grabados medievales,xilografías iluminadas a mano. Pero con una actualidad de imagenque conmueve al observador. Y lo devora. En estos tiempos dedescreimiento y desprecio por lo "clásico" del grabado, vale la penaver esta exposición de los últimos grabados de este artista gráfico.Eduardo Iglesias Brickles graba, pinta y dibuja.

Salgado Amargo"ÉXODOS". SEBASTIAO SALGADO15.11 AL 15.1. PROA. (ENTRADA $3)

Por Marcelo Lopez y Daniel Gigena Sebastiao Salgado es la NaomiCampbell del ambiente fotográfico. Igual que la modelo top, actúacomo un Embajador del Tercer Mundo en el Primero. Exótico (essudamericano) muy serio y prolijo, como casi todos los diplomáticos;reflexivo (un poco), y con una personalidad o un estilo inconfundibles,sus fotos abruman y encandilan. Amante de los grandes formatos, losplanos panorámicos y las escenas urbanas complejas ydesazonantes, el fotoperiodista más cotizado redime con su lujosaretórica visual las masacres de Rwanda, los desastres ecológicoscentroamericanos, la represión brutal encargada por los latifundistasbrasileños contra sus compatriotas del Movimiento Sin Tierra, lasdesigualdades extremas en Shangai y Ho Chi Mihn City. Nospreguntamos si la estética elegida por Salgado no anula susseguramente nobles intenciones. Creemos que sí. Los retratos deniños bosnios, palestinos y afganos en dificultades son intachablespero parecen preparados para una campaña de Benetton. Salgadoconvirtió la mirada y pose de los chicos en esa clase de belleza deconsumo opulento para libros que cuestan fortunas y extensasexposiciones itinerantes a las que hay que hacer durar (la de acá,para amortizar el costo, termina en enero). Por último queremos decirque las fotos de Salgado son más interesantes cuando las acompañaun encuadre editorial como el que vimos en las copias de sustrabajos para el País, La New York Times magazine, TheIndependent y la siempre grasa Rolling Stone.

Tarantino "chabón"CARLOS RETAMOZO15.11 AL 9.12 CCROJAS

Por Conejo Rosado Transitar por esta muestra es como transitar poralguna película mala. Hay varios personajes que se repiten enescenas intrascendentes. Podrían ser chicas y gangsters, pero noestá muy claro. Los gansters o quizás sean sólo vagos que hacen degansters ven mucho fútbol en terrazas, son de boca, se encuentranen talleres mecánicos y en lugares inverosímiles como ¿hoteles?Llamados "rex". Hay algo de Tarantino en estas escenas pero es unTarantino filtrado por Suar, algo así como un Tarantino "chabón",todo en un clima de sordidez ridícula en una sintonía de coloresvibrantes y exagerados. Fue reconfortante para mí entrar a estamuestra y reírme, es una de las cosas que extrañaba del Rojas: elhumor (en otras épocas cuando el humor apareció en el arte fueacusado de light por personas serias).

¡Qué muestra genial!Compartila en Café ramona

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Bien GrabadoAIDA CARBALLO, POMPEYO AUDIVERT, ALICIA SCAVINO GRABADOS

11.10 AL 31.10 HOY EN EL ARTE

Por Osvaldo Jalil (ojalil@fibertel.com.ar) En una de las pocasGalerías de Buenos Aires que se pueden apreciar todas lasdisciplinas de la plástica, Teresa Nachman contribuye esta vez,exhibiendo en el mes del grabado, una muestra excepcional de tresgrandes grabadores, Pompeyo Audivert, Aida Carballo y AliciaScavino. Sorprende, como siempre, la precisión de cortes de gubia dePompeyo Audivert, la limpieza y perfección de sus deformaciones tanarmónicas, con sus grises y blancos contundentes. Aida Carballo consus personajes cotidianos y sus climas misteriosos, pasea alobservador dentro de su mundo tan particular. Alicia Scavino es elcolor hecho forma dentro del grabado, se nota el placer del hacer consutilezas y buen gusto. Pocos son los grabadores que alcanzan sucalidad de forma y color. En los tres artistas se destaca la importanciadel dibujo dentro de su obra, confirmando lo que decía Aida Carballo,"...quien dibuja bien, graba bien". Así de simple. Esta muestra demaestros es otra lección de buen gusto en la Galería Hoy en el Arte.

Autostop mitológicoALBERTO HILAL. PINTURA8.11 AL 26.1 T ESPACIO GIESSO REICH

Por María Cecilia Vilches El recorrido de esta muestra se inicia conun graffiti mediante el cual se induce al recorrido a través de laleyenda "subí que te llevo”, invitación que nos hace el propio artistacon su firma.Así, nos encontramos con sus composiciones, las cuales estántotalmente recortadas del fondo para otorgarles una autonomía propiay lograr así que lo pregnante se transforme en lo único, en lo quequedará, al menos, por escasos segundos: el contacto de lujuriososcíclopes desterrados que una vez fueron parte de lo humano y que enla vida efímera que les queda se encuentran sumergidos dentro de unhabitáculo de látex que los comprime, los ahoga y acaba con lo quepudo ser generador de vida. Estos encuentros fantásticos puedenleerse como el recurso que utiliza Hilal para crear el Universo deldespués de una entrega con condiciones que se da bajo las reglasdel nuevo milenio.

Pintura puraMANUEL ESNOZ. PINTURAS.

28.10 AL 21.11 DABBAH TORREJÓN

Por Vanesa Salatino ElegÍ entonces a Manuel para hablar de suobra... digo "acá deberé contar" pero a la vez que me encuentro conlos números de los que Esnoz ya es dueño, pienso: "acá tenemosmás para contar" y cuento cuanta pintura para las nuevas caras deEsnoz, mucho rojo para dejar bien en claro: "...además de contarsé....” pintar, pintura pura, pictórico, plástico...esta muestra de ManuelEsnoz me trae de inmediato algo como: "¿Os acordáis del barniz demis cuadros?/eran como espejos/ en los que a cada instante algopodía surgir/ para confundirse con las oscilaciones/ de mi corazónfatigado/ que ya no sabe amar/ ni odiar/ ni siquiera elevarse/ porencima de las miserias íntimas./Yo he alcanzado la cima delsufrimiento." Francis Picabia en Parlons d'autre chose.

¿Op Art?MANUEL ESNOZ. PINTURAS

28.10 AL 20.11. DABBAH- TORREJÓN

Por Raúl J. Fernández Pinturas, mismo nombre de la exposición delaño pasado en Alianza Francesa. Pero una temática totalmentedistinta, en aquella oportunidad las Pinturas de Esnoz estabanbasadas en imágenes de revistas pornográficas en una equilibradamezcla de sensualidad y erotismo, las escenas aparecían escondidasbajo una lluvia de puntos que le permitía al espectador/voyeur intuirde que se trataba.Hoy sigue con los puntos, salvo que ahora el planteo formal ytemático es distinto. ¿Podría calificarse de Op art su producción?, talvez; con una técnica asombrosa logra transformar escenas reales,paisajes, rostros en una vibrante superficie construida en base a unaretícula de apenas centímetro a la que aplica color, develándonos defondo una imagen (¿virtual?) de esa realidad. Imagen que setransforma en signo de otro signo en la que el ojo reconstruyeilusoriamente una mirada escondida imperceptible entre los pliegues yrepliegues del entramado real.

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La ternura ajenaPIÑATA. FABIAN AL MONDY. FOTOGRAFIAS.

9.11 AL 2.12. BELLEZA Y FELICIDAD

Por Gastón Pérsico Crucé las cortinas plateadas de cotillón,la piñata cuelga como un sol que se desinfla. Ahí están las fotosolvidadas por la clientela que Fabián, tal como cuenta laleyenda, "toma" del minilab donde trabaja. En esta ocasión setrata de cumpleaños infantiles, vacaciones y los mejoresmementos de los nenes.Si las teorías ocupan renglones hablando acerca de lovoyeurístico de la fotografía, Al Mondy pasa liquid paper sobrealgunas oraciones y se dedica a ser el voyeur de la vida ajena,pero a través de los ojos de ella, encuadrando y manipulandolos recuerdos de los otros.¿A quién no le pasó estar viendo las fotos de Miramar de la tíaEsther y pensar "¿desde cuándo a la tía le gusta Martin Parr?"?¿Y qué me cuentan de la influencia de la revista Purple en el tíoCarlos?Como escribió la amiga Forcadell en un número anterior:Cualquiera puede fotografiar. Eso nos parece más que bien.Sólo hay que ocuparse de buscar bien a esos cualquiera.O algo así.

Bultismo latinoamericano“FOTOGRAFÍAS” ISMAEL MERLA“SERIE PLAGIOS COTIDIANOS". LUIS MIGUEL SURO14.11 AL4.I2 . GARA

Por xxx El intercambio con una galería de Monterrey, Méxicotrajo estas dos muestras, una de fotos que registraninstalaciones públicas y otra de esculturas en cerámica.Las fotos muestran cómo bultos hechos con cables y demásdesperdicios de la vida tecnológica de un tercer mundo -exaltado en lo caótico del revoltijo— han sido emplazados enespacios de circulación pública: señales de tránsito,monumentos, bocas de subte, cajeros automáticos.Luis Miguel Suro toma también objetos cotidianos y quiebra larelación unidireccional con que los percibimos. Aquí la miradaconvierte al hisopo, el encendedor, el alka seltzer engigantescas muestras de cómo los objetos en sí habitannuestras vidas sin que lo notemos casi, sin que veamos enellos su mera materialidad, su ocupación de espacio, forma ycolor. Nos enfrentamos a los objetos así como los bultosfuerzan a los transeúntes distraídos a encarar aquello que,entre el arte y la realidad, revela algo intermedio, extraño,inquietante.Dan ganas de tocar las esculturas, y pude ver una bic giganterota, cargar su peso hueco.¿Acaso no son los bultos casuales obras de arte que podemosreconocer en la vía pública, en el departamento? ¡Bulto!

¡Qué muestra horrible!Desahógate en el Café ramona

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Blanco de HumoINÉS DRANGOSH9.11 AL 9.12 BELLEZA Y FELIClDAD

Por Xcella 2000 1: Agregando blanco se aumenta el valor.2: Agregando negro se disminuye el valor.3: Agregando un gris (tanto blanco como negro) aumenta o dis-minuye el valor.El verdadero "VALOR" de esta muestra es que no permitedespistarse, la sala se ve tomada por la intensidad y la fuerzadel blanco y el negro. Sin embargo estas telas y pizarrones nopretenden forzar nada sino simplemente ponernos en contactocon un lenguaje travieso, ingenuo, escolar y hasta insolente.Sombras, dibujos en tiza, tizne de velas, manchas, "transfers” deSIMULCOP, impacta pensar como actitudes tan primarias dancomo resultado una obra tan potente. Por lo general en lospizarrones se intenta enseñar y sobre las telas blancas des-cansar. Esta muestra propone aprender y soñar.

Intríngulis teletrónico“HI-LOW-Fl-OLIGATEGA NUMERIC" INSTALAClÓN

24.10 AL 11.11 JUANA DE ARCO

Por Celeste Najt Predisponemos al cuerpo para ese nuevotorbellino a recibir. Vamos de expo. Abrimos los sentidos ydescendemos como por un túnel. Llega el aluvión sensitivo:Naranja en jugo, verde teletrónico, el rayo láser se hace luz (lasimágenes devoran los ojos del espectador). Hace su apariciónel gato negro. "Gracias gato", felino indomable pero sumiso.Estratega que perdurará por siempre, ganándole a la selecciónnatural por su gran adaptación al medio (léase a las tecnologíasdel 2000). Hay 3 pantallas, 3 "cajas bobas" cumpliendo el rol deltecno arte, consagrándose objetos de culto. La tele sirve. Sí.Refutemos las teorías de siempre: podemos educarnos viendola pantalla, sin mover el cuerpo pero descuajeringando los sen-tidos perceptivos de lugar. Aquella raya que siempre nos resultómolesta en el monitor, es ahora vanagloriada. "Gracias raya",que se interpone, enriqueciendo la imagen estética. Lasimágenes y su variabilidad. Mientras unas se sucedenvertiginosas, las otras, se encuentran en estado de reposo.Bacteria fluo. Aparecen las ciencias naturales: tomemos unmicroscopio, observemos y volemos...Todo es muy moderno yes un elixir. Delicia lúdica. Cuando llegué, vi en ese panel debienvenida una imagen. Estaba fija. Ahora adquiere una y milformas en la pantalla Hitachi. Todo es un suceder de etapasatmosféricas cambiantes. Y el cambio es evolución.

Unos santosDE TODOS LOS SANTOS. SEBASTIAN LINERO Y OTROS

Por Conejo Rosado Como todos los años, con motivo del Díade Todos los Santos Sebastián Linero organizó el eventocolectivo anual que por beca de Ariadna Pastorini realizó con ungrupo de colaboradores. En esta oportunidad Linero produjotres serigrafías con dibujos de diversos artistas que fueronpegadas en las paredes de la ciudad.

Los Tiempos cambian Laverap remixadoRODOLFO PERASSI. PINTURAS II31.10 Al 18.11 ARCIMBOLDO

Por Cecilia Pavón Sobre arabescos de madera calada (algo así como Gumierstoscos y recargados) so entretejen restos de obras. Trocitos de telas, papel osilicona de Nicola Constantino, Yuyo Noé, Alfredo Nigro, Graciela Sacco, SilvinaBuffone, Alberto Puzzolo, y muchísimos más. Perassi expone por segunda vez enBuenos Aires, lo suyo es evidentemente la cita. Pero no una cita cualquiera, nouna cita cortés, sino más bien un modo salvaje de citar: nada más ni nada menosque acuchillando las obras de los otros para pegarlas en las propios como si sólose tratara de figuritas para recortar de algún diario viejo. En la era de lo digital,Perassi inventa su propia forma de remix. Un remix artesanal. Suscontemporáneos aparecen loopeados" sobre una base de texturas que logra conparsec. El parsec (ese material con que los artesanos fabrican duendes y pipas) lesda a los cuadros algo de feria hippie. La muestra tiene también algo de laverrap, enella los jirones de cuadros de los más diversos estilos parecen ropa de colores queva y viene rítmicamente en la pantallita circular de un lavarropas.

“10 AÑOS DE TIEMPISMO” FEDERICO MARTINO.31 - 10 AL 27-11 GALERÍA ESMERALDA

Por Raúl J. Fernández Con la excusa de cumplirse los 40 años del ManifiestoTiempista, Gal Esmeralda propone un recorrido por la producción de este artistaque allá por abril del 60 redactara eso manifiesto en donde afirmaba "Es urgenteactualizar el espacio-tiempo rígido y atemporal de la representación plástica,oponiendo ahora una nueva visión expresiva espacio temporal". Por aquellostiempos proponía un arte de corte abstracto en un sugestivo juego de formas ysímbolos, obras que presentaban una cierta corporeidad y consistencia al tacto.Hoy el panorama es otro, atrapado en las ruedas del tiempo Martino vuelve a lafiguración y a la pincelada imperceptible, en "Cristo" o en "Adolescente" loscontornos de las figuras se diluyen en un sombrío fondo. En estas obras, anida unanueva intención, la de captar no ya el tiempo y el movimiento en el espacio plásticosino de proyectar un mensaje simbólico como alegoría de esta época en que lafigura del hombre y los valores que lo sustentaban se diluyen progresivamente.

Misterio de soledad y silencioZULEMA PETRUSCHANSKY. GRABADOS1.11 AL 17.11 HOY EN EL ARTE

Por CIANCIO La contemplación, como la creación artística son hijas de la soledady el silencio. Petruschansky, arriesga en estos territorios. Impone a nuestra miradasu acción gestual, combinando varias técnicas del grabado con muy buen oficio. Untorbellino de puntos, líneas y formas en blanco, negro y color que van trastocando lasoledad y el silencio de la hoja, articulando nuevos misterios. Lo interesante en estasobras es descubrir otra mirada: una elaborada perspectiva que permite sosteneruna obra con un alto contenido de explosión creativa, sin riesgo de caer en uncallejón sin salida. La grabadora hace gala de su impulso creativo y un precisodominio de su oficio.

Paisajes con intensidadDUILIO PIERRI “PINTURAS”

24 10 AL 21.11 FRA ANGÉLICO

Por Raúl J. Fernández Continuación de la anterior muestra en Gal. Esmeralda dejulio pasado, en donde el artista vuelve a colgar parte de esa producciónBásicamente son series de paisajes tomados luego de volver de unas vacacionesen la costa uruguaya, caracterizadas por su tratamiento exaltado de color de cortesimbolista, que se traduce en un sentimiento opuesto de quietud, misterio y soledad.Pasa de los cálidos a los fríos generando una tensión que invita al espectador a eva-dirse hacia esos horizontes mágicos, intemporales, alejados del mundanal ruido. EnBosque" la espesura de las ramas y los tonos azules crean un clima de sombríanaturaleza, en "Pacífico" (en la anterior muestra aparecía como Atlántico… ¿estra-tegias de venta?) los contornos de los rojos árboles dejan traslucir una velada capade pintura en un presuroso elevarse hacia lo alto. De Pierri conocía sus ironías, susgrotescos, sus " Van Gogh", sus absurdos y excentricidades, hoy apuesta a un artemás señalo, apelando al uso intimista del color, en pocos trazos y sobre una gruesaarpillera estampa sus paradisíacas postales en las que el paisaje cobra vida conintensidad musitada.Fascinación por el pasado

ENRlQUE ROCCA PINTURAS Y DIBUJOS

31.10 AL 25.11 LO SCARABEO

Alberto Passolini Cuando vi los cuadros de Enrique Rocca, pensé que era la obrade un artista de principio del siglo XX. Después leí un catálogo donde decÍa que elautor nació en 1969. Son pinturas que tienen algo de futurismo, un poco decubismo, etc. Las pinturas no me gustaron. Contra todo pronóstico, los dibujos delmismo autor que vi al fondo de la galería, me parecieron encantadores: obra enpequeño formato hecha a lápiz donde se puede vislumbrar un alma sensible. Talvez si Rocca se dejara de fascinar con el pasado y decidiera mostrarse a síimismo, podría en un futuro realizar una muestra del nivel do sus dibujos.

Una trastienda importanteMAESTROS DE LA PINTURA CONTEMPORÁNEA ARGENTINA13 .1 1 AL 25. 11 . CECILIA CABALLERO

Alberto Passolini La muestra de maestros argentinos de los años '60 y 70 es latípica muestra de trastienda que suelen hacer algunas gaterías a fin de año. Esuna buena oportunidad para ver obra de artistas importantes que no figuran encatálogo. Me gustaron mucho un cuadro de Clorindo Testa y dos de KasuyaSakai de lo mejor de su producción.

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Ilusión por carenciaRICHARD STURGEON. PINTURA8.11 AL 8.12. VAN RIEL

Por Ernesto Arellano Desde hace un tiempo incontable ya, la expresiónpictórica muestra su saturación, su carencia o su enajenación. Todos elementosque provocan la destrucción constante de sus valores subjetivos (no es que meoponga). En la pintura de Sturgeon se percibe claramente este síntoma, quedevino en sus otras como eje significativo, respecto de los elementossemánticos que maneja con una sosegada maestría. En el lenguaje de laspinturas presentes, aparece la mención de lo que puede entenderse como laparáfrasis de objetivos conceptuales, una y otra vez probados, desde ópticas yformaciones diferentes. Esto no quiere decir que la intensidad de su pintura sepoca, al contrario: es como si sus obras encarnaran un personaje casideforme, subyacente y precursor.Esta pintura habita tal vez un género insondable y gastado en la pintura. La doblealusión hacia el género espontaneo y la especulación conceptual, es lo quecoloca esta pintura como un síntoma, del modelo atávico de la pintura y lospintores.Si esta pintura plantea fenómenos ociosos en los ámbitos teóricos, del tipo “sinresolver aun", es porque su diseño y cadencia se lo proponen.: un mestizaje talque se proyecta unificador de sentidos, y el esfuerzo por disimularsimultáneamente los impulsos ideológicos y afectivos.Las capas semánticas, aquí elemento grave y único de conceptualización.Producen un efecto de «figuración del gesto como demostración volitiva, en favordel devenir estructural. Y escenas de figuración descriptiva cumplen con unpapel sinóptico. Las manchas y trazos abstractos siendo figura convergen en lailusión pragmática del agregado Como si estas pinturas fueran dadas sólo apartir de un mecanismo de lo agregado. Lo agregado subsidiando toda poéticaidentificada con la forma, vuelve así a la saturación, carencia, enajenación, y enrealidad me conmueven. Veo más la pintura que no son estas pinturas.

Prendas yjuguetes paraausentes“SERIE DE LOS DIMINUTIVOS" KARINA MADDONI31.10 AL 18 . 11 ARTERIA

Por Ana Paroni Una silla chica, en vista frontal, rodeada y sostenida por una lavarojiza, zapatitos de bebé, una pava que invita a un té de muñecas, más ropitas,más juguetes: un breve inventario detallado en grandes dimensiones (loshabituales metro y metro y medio) que sirve para señalar lo que no está peroabruma la superficie. Aquello que, justamente, es dicho mediante el giro de undiscurso que sí está: sobre una de las paredes de Arteria se 'expone' un texto deR.F. que nos advierte: "La Serie de los Diminutivos” investiga ausencias yanonimatos." Hay, pues, cuerpos y nombres elididos. Pero mientras la imageninsiste en aludidos, la palabra se empeña en explicar y se articula así unacomplicada relación que deja caer las pinturas si por un momento decidimos noleer el hilo de las ideas que las enfatizan. Ello sucede por una cierta previsibilidadde recursos precisamente en la alusión, como si estas prendas y juguetes paraausentes hubieran sido ya tantas veces objetos de investigación que sólo encompañía de la palabra se pudiera bautizar la ausencia una vez más.

Sobre el pop bienudogauchescoANTONIO SEGUÍ. GRABADOS Y PASTELES.

17.10 AL 30.11 RUBBERS

Por Ivan Calmet Me fascina ver obras geniales de niños talentosos y seguir suevolución. El trazo justo, inocente y desparejo de la inexperiencia que madurapara pensar. Ser adulto es hacerse cargo de muchas cosas. Y cuando se falsificala frescura infantil se estafa al arte. Para eso está la ilustración, que sinpretensiones experimenta comportarse como adolescente descomprometido. Sibien hay dos dibujos (*) muy lindos de Seguí, no entiendo su motivación. Y piensoque es indecente representar alegría cuando se construye con los ojos vendados.El ojo que no piensa hace macanas. ¿Creerá él que los gauchos son bienudos yque el rancho es como tener un loft desreciclado? Al recordar con ternura como"Autorretrato de las vocaciones…" (MNBA) me había influenciado a los 18 añosme pregunté cuanto ganaría Seguí con esta muestra. Sólo los pasteles sumancasi $90.000. Interesante, si sabemos que la obra sólo aspira a ser adoptada poralgún individuo de refinado buen gusto que desconoce la histona del arteLos bienudos sí que la tienen clara. Si hay algo para paradójico en la estéticaoligárquica argentina es que en sus pinacotecas siempre vamos a encontrar algoinesperadamente valioso. La observación que hace Seguí sobre el gaucho estámás cerca de la de Quinterno al inventar la dinastía Patoruzek que de lasobservaciones estudiadas de Molina Campos sobre la gauchesca. Sería un errorcitar a Don Florencio. Yo le preguntaría a J.J Guiraldes ¿hay indios hoy?Gastaría $9000 ganados en la lotería en dos (*) pasteles cosecha 1998. Peroconsiderando la historia del arte compraría Gordin y Martín Giménez.(*) "Haciendo agua”' y “Sin título"

Sapos encantadosBERNARDA LUNA. ESCULTURASNOVIEMBRE MILION

Por Adriana Vázquez Al pie de las escaleras me encontró con tres tortugasbastante grandes, dos de ellas parecían estar subiéndolas. Producían un efectointeresante. Ya en el piso, se presentaban toda una serie de animales imitaciónbronce: sapos muy grandes, algunos pequeños con patitas largas, estos últimosen un estante de vidrio como estatuillas. Hasta ese momento me recordaron avíctimas de un hechizo de cuentos.No me parecieron tan inocentes cuando vi que algunas de sus extremidades setransformaban, por ejemplo en serpientes. Llegué a la última habitación. Entoncesme encontré con el hombre moreno, tamaño natural, con torso humano y cola depez en medio de la arena. Reptaba sobre su abdomen, sus brazos sin manos y lacola. En esa posición intentaba erguirse. Sólo se lo podía contemplar desde lapuerta de la habitación, y miraba directamente al espectador de un modoinquietante. Parecía condenado al aislamiento. Estábamos solos y eso acentuabala idea. Me fui abstraída mirando un par de reptiles colgados en la pared.El jueves voy a volver al lugar, a cantar. Me aliviaría que llegue algo de músicahasta ahí.

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Conexiones proliferantesurante el mismo fin de semana seprodujeron en Buenos Aires dos

eventos muy diferentes en su concepción yresultados pero similares en cuanto a suinterés por las tecnologías digitales y por laparticipación más o menos directa de losartistas.Flash2k en el Centro Cultural San Martín serealiza por tercer año desde 1998 y desdeabril sucederá bianualmente. Se trata deuna competencia y expo de arteselectrónicas, música, diseño digital en 2D y3D y animación con el programa Flash.Aunque se inició como una reunión deamigos, esta versión de Flash2k fueproducida por una joven productora privada.Plankton y la Subsecretaría de IndustriasCulturales.Durante los tres días Prodaltec, uno de

los principales auspiciantes, ofreció cursosespecializados en diversos programas ycuestiones de arte digital. Se estima queacudieron 2000 personas entre los tres díasy se presentaron 300 obras. Al mismotiempo en Villa Crespo, en el Estudio ElAtajo sucedía Sensorial Mediática,propulsado por Sonoridad Amarilla, unespacio multimedia de Palermo-, el taller delpintor Juan Doffo, la propia productora ElAtajo y emepe3.En una gran casa de pasillo, al fondo, seabría un gran laboratorio multimedia, conproyectores, teclados, impresoras, moni-tores, cepeus interconectados. Música dedj´s y grupos. En otros cuartos pro-yecciones de diapos, videos, stills, insta-laciones y objetos interactivos. Por mo-mentos se ven imágenes animadas al ritmode la música, con un clima muy actual, muyjaponés. Arriba, otra pista dan-

ce, comida oriental vegetariana muy buena.Enrique Mármora, un artista del "grupo"original del "Rojas" y videísta profesionalparticipa del equipo motriz y opera unespacio audiovisual.También pasaron miles de personas poreste suceso abierto al público y más dotadode energías conjuntas que de respaldoeconómico.Resulta muy estimulante lo que se estáviendo en Buenos Aires y sorprende lacantidad simultánea de proyectos yconcreciones de actividades grupales,coordinadas, relacionadas con lo multi-media. Parece necesario y prácticamenteinevitable que todo este movimiento seconecte a través de una red para estaronline en forma permanente. Seríaimportante coordinar para no superponerlos eventos y compartir públicos. Conectarartistas y "macartistas".

OnthegroundSENSORIAL MEDIÁTICA. MUESTRA MULTIMEDIA10. I11 Y 12 DE NOVIEMBRE. EL ATAJO (PRODUCTORA DE TV)

Por Karina Peisajovich El atajo fue la coartada de la muestramultimedia "Sensorial Mediática" presentada durante tres días porSonoridad Amarilla, el estudio de Juan Doffo, Emepe3.com y ElAtajo.En esta muestra, a diferencia del evento multimediático AlternativaFlash 2 K (¿) que ocurría paralelamente en el Centro Cultural SanMartín, la tecnología convocaba a las personas en vez de a latecnología.Las visitas paseaban dentro de esta caja de sorpresas sintiendo lalibertad de involucrarse o no en una especie de feria de inventosdesprejuiciados que probaban la posibilidad de la duda; la fortalezade su fragilidad.Desparramado en todo el edificio, este entretejido fugaz deproyecciones de video, slides experimentales, luminotecnia, artedigital e interactivo, audioarte, música electrónica y performances,podía recorrerse sin sentir la amenaza de quedar afuera.Sensorial mediática fue un evento ontheground, una reunión deartistas que crearon su propio campo de acción al margen deaparatos políticos e institucionales, diseñando un decir con unformato propio.

Nuevos espacios al atardecerMARIANO SCOPEL Y MARIA MARCIANI19.11. ESPACIO TORNASOL

Por Cecilia Pavón No recomiendo salir a pasear por el barrio deCongreso un domingo al atardecer. Es la hora más sucia de laciudad, sobre todo por esta zona las bolsas de basura están apiladascomo montañas, algunas más bien volcanes que acaban de hacererupción. Es cierto que un artista puede ver poesía en todo, y creoque es el único estado de ánimo, “arty" en el que se puede disfrutareste paisaje. Fue ese el telón de fondo de mi caminata hacia espaciotornasol el último domingo: pero al llegar a él las cosas cambiaron.En un primer piso, dos solas inmaculadas en las que podían verseobras de un colorido que combinaba con el nombre del lugar, formasgeométricas hechas de un material iridiscente refulgían sobre lapared. Un DJ pasaba música alegre para unas pocas personas, todoen un clima de fiesta etéreo que contrastaba marcadamente con loque acababa de ver en el "exterior". Nuevos espacios surgen enBuenos Aires que proponen un acercamiento a la plástica desdelugares, menos tradicionales. Ya no se trata de simplemente"galerías" si no de lugares de encuentro donde las obras expuestaspueden funcionar como ambientaciones sin quedar relegadas almero plano de la decoración. En este sentido es importante decirque se trata de una casa particular que vació su living de mueblespara volverse espacio de arte.

Por Roberto Jacoby

D

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Hacer la revolusaunchLa Victoria es el nuevo palacio de SergioDe Loof, allí se pueden comprar toda clasede objetos usados, restaurados o en estadode putrefacción. A veces se producentambién algunos eventos culturales, peronormalmente las tertulias son espontáneasy si uno cae por ahí pueden encontrarse ycharlar con gente de los más variadostemas.Estas son algunas preguntas que el modistocontestó una tarde de tormenta:Qué es La Victoria?Almacén de ramos generales, taller derestauración, bar, restaurant. Posta,palenque.Qué vendés?Antigüedades, ropa usada, alhajas,porcelana y loza, discos, libros, mimbre,paja, artículos comestibles, yerba, papas...

Que otra actividad además de la venta?En LV hacemos la revolusaunch, pensa-mos que todavía el mundo se puedecambiar. Estamos en Asamblea perma-nente. Los sábados a las cinco de la tardehabrá tertulias culturales, músicos, co-cineros, actores, música clásica de fondo...Como la casa del teatro para los actores,esta es la casa de artistas quemazaon. Estambién un lugar de trueque. Creo quevivimos en la era del trueque, a mí de chi-quito ya me interesaba, cambiaba paturu-zito por Isidorito.Qué pensás de la escena de las artesplásticas en Buenos Aires? Todo lo que veoes un gasto de plata horrible, quisiera queen los museos se reparta la plata entre losartistas y que el arte no fuese tanregurjitado.

Sos un artista kitsch?Para mi kitsch significa creyente, y yo soymuy creyente.El kitsch: no importa cómo se ven losobjetos si no cómo se sienten. Una basuraque está por irse a la quema puedeterminar en el museo de Bellas Artesvaliendo un millón de pesos.Qué es el under para vos?El under es que no te dejen entrar en laiglesia, lo que lamento es que todos losartistas under se conviertan en burguesesdel sistema, por ejemplo Ros que le hacelas tapas a Versuitvergarabat.Qué le dirías a los artistas jóvenes?Que tengan cuidado con los maestros, yocreo más en el autoaprendizaje en el puroinstinto y en la experimentación.

Mi mundo pixelado“AUTORRETRATOS DIGITALES" CHINO SORIA15.11 AL 10.12 ESPACIO LA TRIBU

Por Maria Cecilia Vilches Chino Soria trabaja con obras depequeño formato guardando en todas la misma proporción, quecompone a partir de autorretratos facetados por la intervención de ladigitalización. Sobre un fondo blanco nítido, evoca unaintencionalidad de búsqueda de pureza de marco para resaltar elrostro, que por momentos sobresale del margen material. Estosretratos son el resultado de la percepción del instante en el que elindividualismo conduce al asilamiento y busca intentar escapar de laprisión de la maquina. A partir de estas obras, surge el interroganteacerca de dónde se encuentra realmente el contenido humano en lasuperficialidad de la imagen, cuando ésta se conforma a partir depíxeles. ¿Acaso la única base sólida que resta en el diminuto mundointerno del hombre y su máquina sea el reemplazo de los signosvitales por bytes?

Palo y a la caja“SIN PAR”. INSTALACIÓN. CELINA SAUBIDET7.11 AL 3.12. FlLO

Por Facundo Ceraso Cuando bajé la escalera para ver la muestrahabía un montón de cajas colgadas del techo me dieron muchasganas de pegarles con un palo o patearlas-estaban muy débiles -muy colgadas. Después me acerqué un poco a cada una y vi queadentro vivía gente- haciendo cosas. No tuve muchas otrasimpresiones -no había nadie- me podría haber robado alguna perono tuve ganas. Cuando me iba fui hasta el fondo del lugar ydescubrí que había estrellas que salían de las cajas -brillaban comopuntos- eso estaba bueno. No me gustan las muestras que duranmás de un par de días-se pones viejas se gastan- ver un rato lascosas y seguir por otro lado.Después seguí por San Martín paré en un kiosko y me compré unacerveza de litro- después otra.Filo -whats up in your mind?

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Página/12sección artes plásticas

todos los martes

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"ramona es un mapa para ciegos ouna muy buena revista literaria"Entrevista al escritor Ricardo Piglia por la enviada especial Beba Eguía

BE | ¿Qué le parece ramona?RP | Pienso que es una muy buena revistaliteraria. Creo que las revistas literarias quese han sacado en este país son buenasporque no se refieren exclusivamente a laliteratura ni su objetivo es la literatura sinoque se refieren a un objeto ajeno a laliteratura. Por eso son buenas y tan literarias.Porque la literatura es eso, se refiere a algoque no es ella misma, sino que es larealidad. Entonces las mejores revistas quese han publicado en la argentina no sonrevistas literarias. Y ramona es la mejor quesale ahora. Como Fierro, como Lulu.Entonces Lulu, la revista que hacia FedericoMonjeau y ramona son dos revistasextraordinarias porque usan el lenguaje parareferirse a una realidad que no es lingüística,en un caso la música, en el otro la pintura, ycomo son empresas muy atrevidas no teníanmás remedio que ponerle un nombre demujer.BE | Es la idea que vos tenías.RP | Claro, de algo imposible, de usar ellenguaje para hablar de algo que no esverbal, como describir a la música con lapalabra y como describir la pintura con lapalabra. Pero entonces ramona sabe que elobjetivo es un objetivo extremo y lleva eso alpunto más límite. Es decir no hace laconcesión de poner ninguna ilustración.Remite al puro lenguaje la reconstrucción yrecomposición del mundo de las artesplásticas que es un mundo queesencialmente es visual. Entonces, en esesentido, yo veo que ramona está ligada a laexperiencia que a mí siempre me hainteresado mucho que es en los

museos y en la esfera del arte como lospintores ponen nombre a los cuadros,porque cuando los pintores ponen nombre alos cuadros enfrentan la misma cuestión.Cómo pueden usar el lenguaje para deciralgo que ya dijeron pictóricamente. Losnombres de los cuadros los enfrenta con unasituación literaria porque nosotros leemos elnombre del cuadro y vemos... el objeto alcual ese nombre se refiere. A mí siempre meha interesado más el nombre de los cuadrosque el cuadro mismo.BE | ¿Y en este caso, el nombre de larevista?RP | El nombre de la revista y los títulos.BE | ¿Y porqué decís que tienen que tenernombre de mujer?RP | Eso no se puede explicar (risas) di-gamos que es porque las mujeres no tienentradición.BE | ¿Y entonces pueden hacer una cosatan osada?RP | Bueno, sí. Pero hay otra cosa que meparece importante señalar y es el carácterimposible del proyecto. Referirse con ellenguaje a un universo no verbal explica elcarácter radical de la revista. Es una apuestaimposible. Tan imposible como Lulu con lamúsica.BE | Eso haría también a cualquiercomentario sobre pintura o música. ¿Quésería lo específico de estos casos?RP | El carácter radical de la propuesta senota en los títulos, por un lado, en el nombrepor el otro. Y en el intento de serexhaustivos, porque cuando uno no puedeagotar un objeto tiende a ser exhaustivo.

Por eso la revista se ocupa de todas lasexposiciones que se hacen. Eso da cuentade que son conscientes del carácter radicalde la propuesta que tienen entre manos. Escomo si quisieran hacer un mapa (risas)para un ciego. Diciendo, bueno, nosotrospor lo menos les vamos a dar lasindicaciones de los lugares donde se puedeir a ver eso de lo cual nosotros hablamos.Eso, por un lado. Y por otro, el hecho deque las notas traten de recomponer unmapa de todo lo que está sucediendo en lasartes plásticas en la Argentina, prueba elcarácter radicalizado: no tener la imagen,ocuparse de todas las exposiciones y darcuenta de la opinión de cualquier artistasobre las exposiciones y no poner imágenesconvierte la revista en literaria porque la re-vista se enfrenta con el lenguaje mismoaunque a ellos no les interese ese problemani se lo planteen. Pero es esto lo quesucede. Y la resolución que le hanencontrado es muy buena porque meparece que la resolución estilística de larevista se nota básicamente en ladiagramación y en los títulos.BE | Y el hecho de que esté escrita porartistas.RP | Claro porque eso rompe con un mito,me parece a mí, con un mito de laespecialidad. Entonces lo que se prueba esque los artistas plásticos tienen con ellenguaje una relación muy fluida. Muchomás fluida es la relación que tienen losartistas plásticos con el lenguaje que larelación que tienen los escritores con lapintura.

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Una noche en el museo

Por Fernando Fazzolari

iernes 17 de Noviembre 19:30 horas.Llegué al museo de Arte Moderno yfui recibido por un guardia de

seguridad que ante la pregunta ¿Donde estáLeón Ferrari? Me contestó con presteza: "Enel primer entrepiso a su izquierda. En elauditorio". Sabía que la presentación de sulibro "La Bondadosa Crueldad" se habíasuspendido por problemas en la edición. Fuicon la mera intención de acompañar a Leonya que habiendo sido avisado que lapresentación no iba a tener lugar (León esmuy cuidadoso en todo lo que hace a comu-nicaciones) y que temiendo que algunosamigos no se hubieran enterado el iba aestar para recibirlos y explicar la situación.Así las cosas subí hasta el auditorio y meencontré con una sala iluminada por losfocos de un camarógrafo que cegaban a laconcurrencia mientras registraba páginas delos originales del documento que fue malimpreso. Laura Buccellato, conversaba conLeon en la tercer lila. Jacoby se tropezabacon la palm top mientras estornudaballamadas por el celular, anotaba nuevascitas y farfullaba quejas acerca del pocotiempo que tenía, sus labores de secretaria,cadete y director de un medio de artesvisuales. La carta a la fundación que aún nohabía enviado y no sé que otras ineficienciasmás. Las Arpías ocupaban una fila completaagazapadas, la jefa de prensa del museosubía y bajaba hacia algún lugar. Stupía, un

sobrino, Mauro y yo.Llegado este punto León propuso abrir unvino y brindar, había vino pero no sa-cacorchos de manera que se optó por elcuchillo del diseñador industrial brasileroTramontina que suele romper los corchos,hundirlos o provocar una suerte devulcanización de los etilos sobre las ca-misas y las alfombras.Bebido que fue en vasos que trajo de lacocina la señora directora en una bandejade plástico floreada Los vasos reflejaban elpaso de los diferentes sponsors del museo,había de distintas marcas y formas pero nonos importó demasiado, más bien nada.Ya que estábamos se procedió a presentarlo impresentado lo que originó un singularencuentro entre León Ferrari y el encargadode llevar hasta el altar del público la nuevaobra, Roberto Jacoby.Se rememoraron tiempos mejores dondenadie se acordaba ciertamente quién es-taba dentro o fuera del Di Tella, (el tiempoagrisa la memoria y los pelos), si RomeroBrest era existencialista kierkegaardiano oheideggeriano, si realmente lo suyo era lafilosofía o la agitación cultural o la docenciade gimnasia, si León hacía obras de arteconceptual u otra cosa y en qué época, si eluso de la palabra como fenómeno visual noretiniano reducía su condición de imagen,Jacoby aseguro que León decía disparatesy viceversa, analizaron y calificaron las dostendencias básicas del arte: “el arte lindo yarte con intención", dos vertientes queFerrari practica sin que le remuerda la con-

ciencia y que tiene perfectamente dife-renciados en su cabeza.Buccellato aportaba muy seriamente a todolo que se manifestaba. Recordaba lasépocas “en que hacíamos arte conceptualpero todavía no se llamaba arte conceptual”"(¡no sabíamos que Laura era artista y queya en los sesenta y había participado delmovimiento de vanguardia!). También sepreguntó quiénes se habían robado todo elvino y los archivos del Di Tella. Se arrojaronalgunas sospechas sobre la alfombra de laacademia de Bellas Artes y se propuso in-vestigar donde están guardados. Se valoróel espanta ecuménico de León frente atodos los extremismos del momento, lacantidad de “pendejos insoportables" quehabitaban la calle Florida y asítranscurrieron los tiempos de desacuerdoen desacuerdo. Prometieron ensayar parala próxima vez. Laura juntó los vasos en labandeja de plástico floreada, dijo que loslavaría, festejamos lo hacendoso de ladueña de casa y nos confirmó que no habíaque extrañarse ya que en el museo todoscolaboran, hasta las damas de laAsociación de Amigos se encargan de lavarlos vanos del museo y reponerpermanentemente su papel higiénicoademás de bordar las banderas. Aleluya.Al salir miré preocupado como los pilaresdel museo registraban una fisura horizontalque se escurría por debajo de los dintelesde las ventanas del sótano. El peso delarte, pensé. Otra vez será.

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Ley de mecenazgo¿para cuándo?En esta nota se aporta una visión favorable a la sanción del proyecto de ley que actualmentediscuten nuestros legisladores

Por Mauro Herlitzka

istntos sectores de nuestra sociedad,especialmente aquellos involucradosdirectamente en el quehacer del

campo artístico en nuestro país, hanplanteado la necesidad de establecer unapolítica cultural. Desde el estado hemostenido pocas acciones dirigidas a estructuraruna política activa en ese sentido, ademásdel agravamiento de la desfinanciacióncrónica que sufre para atender aquellasfunciones que le son inherentes. Algunospocos funcionarios y legisladores, han sidoactivos en el planteo de generar leyes yreglamentaciones para dar impulso a laconstrucción de nuestro medio artístico, o almenos, han contribuido a eliminar algunas delas restricciones que impiden nuestrodesarrollo.En los últimos años, el campo de laeconomía se amplió en forma significativa yse ha expandido sobre las esferas sociales yculturales. En nuestro país quedan aún porliberar las energías y encauzarlas al serviciode nuestro desarrollo cultural o invitar a lainiciativa privada a participar en la vidacultural de la nación. Y por parte del estado,organizar las relaciones entre el poderpúblico, dicha iniciativa privada y lacomunidad cultural, para refuncionalizar lacultura y su economía. Una de lasherramientas indispensables es la sanción deuna ley de mecenazgo que contemple lasnecesidades actuales y las que se proyectena futuro. En este momento ha sidopresentado un proyecto de ley demecenazgo (CD-n 5379) en la Cámara deDiputados por varios miembros de esecuerpo, entre ellos el diputado Luis Brandoni.

Los objetivos de este proyecto son el apoyoal desarrollo, la investigación y difusión delas actividades culturales y de suscreadores, así como la protección, con-servación y difusión del patrimonio cultural yla estimulación de la formación, educación yperfeccionamiento de los integrantes de lacomunidad cultural y facilitación de suproyección local y en el exterior.Las actividades alcanzadas incluyen entreotras, el teatro, la danza, la literatura, lamúsica, etc.. y las artes plásticas. Losbeneficiarios podrán ser personas jurídicascomo las fundaciones o asociacionesculturales sin fines de lucro, o personasfísicas tales como los artistas plásticos,respecto a estos últimos, pueden serlo atítulo individual o grupal, y que presenten unproyecto para que sea aprobado en lostérminos de la ley por la autoridad deaplicación, en este caso el Fondo Nacionalde las Artes (FNA).Los artistas deberán estar radicados en elpaís, y en el proyecto a presentar han dedetallar objetivos, actividades, cronograma,lugar de ejecución y presupuesto. En el casoque su proyecto se haya aprobado, el artistapodrá recibir fondos de un donante noconocido por el previamente, o buscar por sucuenta su patrocinante. Al concluir, elevaráun informe al FNA y rendirá cuentas del usode los fondos y el cumplimiento de susobjetivos.Este no es un sistema de reparto o desubsidios generalizados. Anualmente, en elpresupuesto de la nación se establecerá lasuma total de los montos desgravables; elFNA tendrá que evaluar cuáles son losproyectos que más le interesan al país quese lleven a cabo.

Por la experiencia recogida en otros paí-ses, los artistas consagrados suelen ser losque más fácilmente obtienen patrociniospara sus proyectos, por ello los artistas másjóvenes operan mas fácilmente en los casosen que se encuentran agrupados o ligadosa fundaciones que los promuevan.Otros de los aspectos en que los artistaspueden beneficiarse es en el caso de queun benefactor desee adquirir obras para serdonadas a museos o institucionesculturales.Este proyecto, como cualquier otra ley demecenazgo, es muy técnico y de tenorimpositivo. Considero que presenta algunoscuestionamientos y entre ellos puedo citaraquel referido al porcentaje desgravable delImpuesto a las Ganancias, el que consideroexiguo, y en ese sentido deberá tenerse encuenta el ejemplo brasileño, más amplio yque funciona muy bien en ese país.Por otra parte, no se consideran nivelesdistintos de desgravación para actividadesmenos vistosas como la restauración einvestigación. Además, debieransimplificarse los engorrosos trámites ante elFNA y evitar que los mismos interfieran consu misión específica.Creo que es importante señalar el apoyoque se debiera brindar a aquellos proyectosa largo plazo y transformadores de nuestromedio artístico, y que tengan un claro efectode apalancamiento en el campo cultural.Para aquellos que deseen obtener unacopia del proyecto, pueden solicitarlo en laCámara de Diputados o en la sede deFundación Espigas, tel. 011 4815 7606,. fax011 4815 5648.

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Apuntes para una aproximacióna la historia del arte argentinoAlgunas poéticas de la Crítica

Por Rafael Cippolini

Las décadas del '60 y 70 acunan undebate que apenas alcanzó adelinearse: la vigencia y las entonces

actuales direcciones que la labor del críticoparecía reformular. La actividad críticapodría analizarse en dos direcciones: lasnuevas jergas y texturas del estructuralismoprimero y posestructuralismo después y suinfluencia en el pensamiento de esemomento. Otro decir, otra escritura. Revistascomo la francesa Art Press planteabandisimiles discursos para la articulación deuna realidad artística. Y las variaciones queconformaron entonces en el discurso de loscreadores que, o bien retomaban el color deestos textos o bien los rechazaban convirulencia.

La tradición muy bien puede ser entendidacomo una forma de direccionar la memoriacolectiva desde los enunciados producidospor los actores de un campo específico, loque provoca una construcción de la mismadesde un glosario restringido a los usoscambiantes del grupo mismo. De estaforma, la tradición crítica fue acumulandomateriales que escenificaron diversasrespuestas que constituyen hoy el reservoriopara un debate aún por instalarse conposiciones más definidas.

Para proceder a un planteo de opiniones,bien podría el debate conformarse en laestrategia de varias voces, algunas de lascuales alcanzaron su madurez definitiva enel periodo post-Di Tella.

Comencemos por la de Rafael Squirru,primer director del Museo de Arte Modernode Buenos Aires, quien declaró endiciembre de 1976:

"{...) Uno de los aspectos fundamentales dela función crítica - no el único, pero uno delos más importantes - es el de acompañarde cerca el proceso de la creatividad. En lamedida en que aparezcan críticos queparticipen de esa sensibilidad común quetrasciende el campo

de lo puramente plástico y que se expandea todas las formas de la creación, la cosairá bien. En la medida en que todos estosse hagan voz literaria - por darle unapalabra - del proceso que el artista vagestando a través de formas visuales...Y noquiero decir con esto que una poesíasustituya a una pintura, porque reconozcoque por algo uno se expresa de una maneray no de otra, y que estas manifestacionesson insustituibles. Pero que seaninsustituibles no significa que no esténemparentadas dentro de una sensibilidadcomún, y por eso es que frente a procesosde diferentes épocas son muchas laspersonalidades que han estudiado estegrado de correspondencia. Y vos ves cómoes fácil e interesante, ir enumerando losdiferentes movimientos e ir detectando a suvez al crítico que más cerca los acompañó".

El crítico, entonces, según Squirru, debeconducir su hacer en tanto testigo de unmovimiento, de las historias de esa dina-mica en la que se desarrollan las artes vi-suales. El crítico así dona voz al artista,incluso en un plural. Se dispara en la mismasensibilidad que este.Osiris Chiérico, también crítico, director dela mítica revista Artiempo, se preocupa, encambio, por el lugar, desde qué sitio y a quecondicionamientos obliga un medio.Acompañar al artista, ser testigo pero¿desde dónde? ¿de qué manera?

"No creo que en los medios que actual-mente tienen "pagina" de comentarios sobrela actividad plástica se haga crítica. Creo,incluso, que es absolutamente imposiblehacer crítica en ellos. A lo sumo se realizaun "comentario" a través de "un periodistaespecializado en temas de arte", perocrítica, desde un enfoque in-dispensablemente creativo, es imposiblerealizarla a través de los medios masivos deque se dispone. Es decir, el carácter masivode esos medios de comunicación no loposibilita. Se ha dado el caso, por ejemplo,de gente que intentó concretar una actividadcrítica - y no creo que venga

al caso ahora juzgar su eficacia individual -de carácter parcial, siguiendo y apoyandoexclusivamente el desarrollo dedeterminado movimiento o tendencia. Ycreo que es lógico que suceda así. Undiario que tiene un tiraje de cien o cientocincuenta mil ejemplares, no puedepermitirse el lujo de manejar problemas ocuestiones que deberían ser tratadas enuna revista especializada, o en un libra oen un ensayo. Creo que, a lo sumo, lo quese puede hacer es un comentario dedeterminada obra o exposición, limitado auna característica puramente formalista - yde ninguna manera creo que sea elobjetivo total de la crítica de arte - y tratarde acercar esa obra a ese lectormultitudinario, y además sin exclusión deninguna de las experiencias que se estánllevando a cabo. El crítico debe resignar dealguna manera esa parcialidad, que creoque es inherente en él, absolutamente - nocreo en la equidistancia, ni en esa suertede imparcialidad pretendida - y sometersea las posibilidades y a las necesidades -imposiciones - del medio en que se de-senvuelve. Esa cualidad de simultaneidad yhasta de anticipación de la verdaderacrítica creativa, no puede darse de ningunamanera en los medios masivos actuales(...) Parto de la base de que la crítica debeser absolutamente creativa, sino no escrítica. Así, si pienso en críticos, debopensar en Baudelaire, en Apollinaire, enHebert Read, tengo que pensar,concretamente, en poetas. Es decir genteque está reconstruyendo un procesocreativo, a través de su propia experiencia,y llevándolo al campo del arte. De ningunamanera eso puede darse en los mediosmasivos de comunicación, esprácticamente imposible. (...) Cuando(Julio) Payró hacía crítica de arte no hacíaanécdota y lo que hacía era muy seno. Ycuando Julio Rinaldini hacía crítica de artetampoco hacía anécdota, lo mismo queLeonardo Staricco... Y yendo más atrástodavía, cuando Pagano o Atalaya hacíancrítica de arte, no hacían anécdota. (...)Creo que el gran

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error de la crítica es que jamás debe estarsubordinada a la obra, es decir, no seríauna consecuencia. Sería, por el contrario,un acto paralelo, e incluso anticipatorio.Creo que la palabra puede llegar a dilucidaralgunas claves de la pintura que sonnaturalmente más herméticas para elespectador que vive el proceso desdeafuera. Hay muchos más elementosidentificatorios en la literatura que en laplástica. Me viene ahora a la cabeza LasNuevas Tendencias en la pintura de AldoPellegrini, en la que nos encontramos conun análisis a fondo, exhaustivo, delproblema plástico, a través de todas lasexperiencias actuales. Y en el que fueprofético".

La posición de Chierico es doble: propugnala necesidad de un espacio diferencial al delos medios masivos que impedirían, por suslimitaciones técnicas, por su necesidad dellegar a un gran público, la creación de unestilo de crítica adecuado. Además, disientecon Squirru al considerar la imperiosidad deun ejercicio crítico que sea independientedel pensamiento del artista, jamás tra-ductivo, nunca subordinado. Sería con-veniente que la voz del crítico, segúnChierico, se mimetizara con la del poeta, seconvirtiera en visionario, observandominuciosamente procesos que ningún otroespectador, desde ninguna otra posición,lograría. Su misma poética independienteactuaria como catalizadora de cambios. Elcrítico ya no como testigo, sino como co-protagonista.

Miguel Briante se definió siempre comoescritor. Su posición como crítico fue porcompleto adversa, en lo conceptual, con laexpuesta anteriormente por Chierico. Éldefendió siempre la idea de un críticodifusor, alguien que acercara al públicomasivo a las obras de arte como lo haría uncronista de espectáculos. Salvo que conuna serie de técnicas más depuradas.

"(...) Lo que tiene que hacer alguien que,

aun considerándose un crítico, escriba enun medio masivo. Este tipo de trabajo separece en alguna medida a la crítica deespectáculos, porque lo que define es,finalmente, si la gente va ir o no va ir a verla muestra. Uno debe apuntar, a desmitificarel lenguaje cerrado. Yo digo siempre que,inclusive hay que narrar la obra. (...) Lo queha pasado en los medios es que los críticosestuvieron en la época de la semiótica y nosalen de ahí. No es lo mismo leer un librosobre semiología del arte que leer una nota.El crítico que trabaja en un medio es untransmisor, un nexo entre el artista y elespectador; yo creo que ese vínculo entre ellector y la obra no está bien resuelto porquese ha entrado en un código de lenguaje tancerrado que no permita que el arte se abra.Hace poco hablaba con Víctor Grippoacerca de que los críticos descubren lapalabra matérico - una palabra horrible queun escritor como yo no podría usar - ydespués se va contagiando y se pone demoda utilizarla en vez de decir "la pintura".

Diferente actitud es la de Jorge LópezAnaya, profesor titular de historia del arteargentino contemporáneo en la Facultad deFilosofía y Letras de la Universidad deBuenos Aires y crítico de arte del diario LaNación, que plantea una posición disímildentro de la experiencia crítica.

"Tanto en la Argentina como en el mundoque vivimos la decadencia y el eclipse de lacrítica y la teoría, ya que no juegan ningúnpapel en la legitimación de las corrientesartísticas. La crítica periodística, hacetiempo, tenía penetración en loscoleccionistas, marchands, y demás, peroactualmente ha perdido especificidad y suinfluencia es casi nula. Lo mismo sucedecon al teoría. (...) La creencia de que elmensaje de una obra era unívocoelaborado en forma arbitraria y que debíaser decodificado de la misma manera por elpúblico es la idea de las vanguardias, queeran autoritarias. En la actualidad, laperdida de autoridad

de las vanguardias también hizo perderautoridad del significado, y este es ahoramucho más abierto. (...) La obra de arte harecuperado la autonomía, no intenta darnosuna lección, no intenta transformar elmundo, puede ser leída de diferentesmaneras y tiende al placer. Ronald Barthesdecía que el placer del texto fue cercenadodurante mucho tiempo porque se creía queera patrimonio de la derecha. Hoy elsignificado de la obra es la experienciaestética".

El crítico entonces es quien sabe que laobra de arte se expande en multiplicidad delecturas. El elige y prosigue. También debeconvivir con la crisis de su actividad, ya quele resulta claro que no puede legitimar niintervenir como era factible antaño. Su laborconsiste en señalar lecturas. JorgeGlusberg promueve, en cambio, la idea deun crítico - conductor, que aúne al tastemaker y al hacedor de tendencias.

"(...) Los críticos son importantísimos por-que las categorías artísticas que van su-cediendo se van produciendo a nivel teó-rico por los que desarrollan esta actividad.El ejemplo más explicito es la trans-vanguardia italiana: Bonito Oliva, que in-venta ese término y vende, en un sentido fi-gurado, a todos los museos de Europa acinco pintores que eran buenos pero to-talmente desconocidos. Ese lanzamiento, yel hecho de proponerlos con una tesisconcreta, es la clave del éxito que interna-cionalmente tuvo esa corriente".

Por supuesto que cada una de estas in-clinaciones críticas deja su marca en laescritura y redunda en la comunidad deestilo que practican los artistas cuandoescriben. Haciendo paráfrasis de lo ex-puesto por el profesor Bloom a principios delos setenta con respecto a los postuladosde la mala lectura (La Cábala y la crítica),ciertas confusiones planteadas en el senomismo del pensamiento crítico dejan sushuellas en la aproximación y las lecturasque promueve ca-

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da obra en particular. La crítica misma espresa, muchas veces, de otro tipo de malaslecturas. Dijo Lopez Anaya:

"La crítica es un discurso que suele actuaren el vacío, sin tener en cuenta aquello delo que habla. Esto se debe a que se aplicancategorías erradas, que fueron validashasta los años 50 o 60, hasta la apariciónde Rauschenberg, Johns, el Pop Art y elinformalismo europeo. Si se las utiliza enrelación con cualquier forma de arteposterior es una equivocación. (...) Existiólo que yo llamo el giro duchampiano (porDuchamp): a partir de los 50 y 60 esevidente que todas las formas de artetienen rasgos conceptuales. Hubo unasaga - Warhol, Beuys, Duchamp y tambiénMalevich - que es inevitable para entendercualquier producción artística posterior. Laaplicación de convenciones anteriores atodo esto es porque los críticos en generalno tienen información y preparación. Esalgo que va a desaparecer, porque con eltiempo va surgiendo gente mejor formada".

Hacia 1969, Romero Brest trazó una brevesinopsis del estado y la evolución de lacrítica en Argentina. Comenzaba el artículohaciendo breve descripción del periodo dealgunos años que antecedió a la apariciónde la revista Ver y Estimar. Decía así:

"(...) Había críticos retóricos en los lla-mados diarios serios, que eran incapacesde orientar a nadie, considerandomodernas a las formas que por manidas nolo habían sido jamás en Europa. (...) Unasituación poco promisoria que sin embargoestaba cambiando, menos por obra de losartistas que de los críticos nuevos, como lohizo notar un director del MetropolitanMuseum de Nueva York que nos visitó.Julio E. Payró que escribía en La Nación ySur, Julio Rinaldini en El Mundo y yo en LaVanguardia y Argentina Libre, éramos losmás influyentes; distintos entre sí por laformación y el impulso prospectivo como secomprobó después, pero unidos en la

defensa del arte moderno contra losacadémicos. Otros comenzaron a gravitarentonces: Aldo Pellegrini interesándose ala par por el surrealismo y el arte concreto,Ernesto B. Rodríguez y Julio Llinás,vinculados con los surrealistas enparticular. Romualdo Brughetti prefería enensayo teórico sobre mayores. Algunasrevistas colaboraron: Saber Vivir, CorreoLiterario, Cabalgata, acogiendo artículos enlos que se hablaba de arte moderno, deaquí y de Europa. En el campoespecializado, varias revistas de pocosnúmeros en que manifestaban sus ideaslos concretos y los disidentes (Arturo,Perceptismo, Arte Madi, Nueva Visión, estátransformada luego en editorial) o lossurrealistas (Que, Ciclo, A partir de cero,Boa).(...) Aunque me repugna hablar de mí, nopuedo silenciar que participe en todas es-tas actividades, menos en las surrealistas,como crítico, autor de artículos y libros yconferenciante. Como tampoco podre si-lenciar mis actividades posteriores.Sefialo, pues, como hecho significativo lafundación de la revista Ver y Estimar, en1948, con un grupo de discípulos quehabían seguido mis cursos en la Libreríadel Colegio, en la Academia Altamira y enlos cursos de Estética e Historia del Arte.Estos habían empezado el año anterior aconsecuencia de mi cesantía comoprofesor, resuelta por las autoridades de laUniversidad de Ia Plata, en tiempos dePerdón, cursos que con altibajos heseguido dictando hasta hoy. (...) Dijimos enel N° 1: "Entendemos que la crítica, sinolvidar las reacciones sensibles y el luegode la imaginación, debe enriquecerse porsus fundamentos teóricos y por su modointeligente de explorar la realidad: lo queno significa en modo alguno que laconcibamos como una fría estructura deideas. La dimensión de los sensible y losentimental se ha de integrar en la delpensamiento, so pena de que el juicio sedesvanezca en una caótica sucesión deimágenes verbales". El lenguaje denunciacierta actitud intelectualista que nocomparto ahora, pero cumplimos una tareafecunda, como se

reconoció tardíamente. (...) Un año anteshabíamos constituido la Asociación Ver yEstimar para fortalecer la revista. (...) Nin-guna personalidad extranjera ha pasadopor la ciudad sin exponer sus ideas, o susimpresiones sobre nuestro arte, en la sedede Ver y Estimar, que desde 1957 funcionaen la galería Van Riel".

La crítica en nuestro país tuvo su períodoheroico que se hizo extensivo a variasdécadas, durante casi medio siglo.Recordemos que uno de sus primerosartífices fue Atalaya, que, con su estilodesaforado y combativo, consolidó lalegitimación de lo que más luego fueconvirtiéndose en el primer mapa canónicodel siglo XX. Nos solo informativa odescriptiva, sino más teórica y reflexiva,con muy desiguales resultados, la críticaargumento sobre los alcances culturales delas sucesivas tendencias. Los discursosgenerados por los artistas, que muchosfueron durante todo el lapso que nosocupa, se encontraron en diversos gradosde coalición, rectificación yaprovechamiento de los postulados críticosde los que resultaron contemporáneos.Desde la década del setenta, no-toriamente, el carácter persuasivo del decircrítico atraviesa un estado declinante, peroes de notar que lo mismo sucede con losargumentos y reflexiones que tienen comoproductores a los artistas. En los últimosaños del siglo XX la palabra aparecefatigada, o al menos, buscándose endisimiles alternativas, intentando configurarun nuevo campo, otros yacimientos dereflexión y construcción. Mientras en otraslatitudes hace furor un racionalismo críticometadeterminista, cuyo imperio seconcentra en las perspectivas de losregionalismos en tanto artífices de unavisión exótica y excéntrica para loscánones centrales, y en la visita minuciosaa los catálogos de la tradición de todo unsiglo signado por la indeleble semántica delas vanguardias, en Argentina la críticaprofesional parece haber quedadoconfinada a un número leve de tics y alejercicio de la paciente y laboriosa reseña.

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Apuntes para una polémicaLa publicación de los "Apuntes..." de Rafael Cippolini generó reacciones. Aquí, algunas

Por Xil Buffone

ippolini está documentando unahistoria reciente del Arte ArgentinoContemporáneo, es un mapa donde el

pasado se lame con el presente. Se traza undibujo efervescente como el de la línea de salque en la playa divide la arena seca del mar.Cippolini no sabe aun a lo que está haciendoes una biopsia o una autopsia. (Si es unmédico forense, o por qué no un ostetra-partero). Arqueólogo devenido sociólogo,desenpolva meticulosamente piezas, ani-quila amnesias con nombres, lugares y fe-chas reconstruyendo una trama previsible,caprichosa y por momentos fascinante. Seubica a los artistas y a las generacionescomo un equipo de fútbol, aparecen clara-mente los emergidos como pintores de losochenta, (cuando se dio lugar al retorno a lapintura como eco telúrico de la trans-vanguardia italiana). Alibi "La nueva imagen"de una democracia posmodera y los "ar-

tistas de la generación intermedia". En losnoventa Kuitca es Maradona y el elenco del"underground" en eterno presentepostmoderno. Luego la imagen reemplaza ala cosa, y se da la profesionalización de laestrategia donde la resurrección de lasinstalaciones, la fusión multimediática y elabstraccionismo cool formalista resultan de laoficialización globalizada.Con el fin de siglo, los ciclos y el balance dela memoria rizomática. Todos los tiemposconfluyen en la misma pantalla. Continuandocon las reconstrucciones sesentistas,setentistas y ahora ochentistas, se regurgitanlos movimientos de pasadas vanguardias. Seestereotipan viejos consagrados mientras segestan nuevos emergentes elegidos entre lossumergidos. La clínica, los curadores, lasjornadas de la crítica, las becas, las ferias ylas bienales internacionales... IntentandoFrankensteins con corrientes neo-conceptuales, con flashes intermitentes deincontinencia social o ecológica y con

una interdisciplinariedad siempre trai-cionada por la academización o la expe-rimentación al borde del sentido. Entretantose arma una torre de Babel condenada deantemano. Un sistema de ascensiones sinesperanza (ni paraíso) del que todos losniveles de la torre participan en sostener ydel que -paradójicamente- todos quedanexcluidos luego de sus quince minutos defama.Consumir a artistas y al arte con el vértigode las tendencias de moda lleva a undarwinismo y a una superficialidad que noscondena a todos a ser un coto de histéricos,una isla superpoblada de famélicosrobinsons que se canibalizan por un puntode rating mientras un puñado vip alucinacon estar en la isla de la fantasía, con elpánico a escuchar que ya llega "elavioooooon……………”Cippolini intenta hacer comprender lahistoria de los creadores como un procesodialéctico, continuo y múltiple... 0jalá lologre.

Por Ernesto Arellano

engo la oscura sensación de que todointento historicista está hecho con unasustancia pegajosa. Como si el deseo

interrumpiera su curso para enmendar loscambios y desculpabilizar los aciertos. Estapercepción despojada de intermutaciones meprovocan los textos de Cippolini.Me resultó útil su racconto anecdótico,plagado de perfeccionismo repetitivo útil ydoméstico, a la hora de señalar el rumbo dela cosa. Será que hay que aceptar como nosdicen que fueron las cosas nomás, aunque lapercepción generalizada sea, más confusa ynutritiva.Todas las partes del arte como vidrierafuncionan para Cippolini, empíricamente enla esfera de la macro referencia, como si elentretejido de individualidades, no fuera elelemento de complexión principal de lamirada, y no las tendencias ideológicomercantiles, como el esboza. A estosumadas las pocas posibilidades teóricas(según él) a las que adscribieron

los artistas, hace diez y quince años atrás.Se ve en ese texto, a un Gumierconfundiendo su producción concreta, conlos dislates de circulación entre galerías(Ruth-ICI).Para Cippolini, los disfraces neuróticos delos artistas remiten siempre a la significaciónpragmática del cambio estructural, pero que,en definitiva caen en las redes del modelo alque suscriben. Así parecen todos bastanteingenuos, o fascinados a la idea deoposición entre arte conceptual y otra cosa,o de los '80 a los '90, como si la únicaintención de determinada clase de obras,fuera producir una diferenciación estilísticarespecto de la década anterior. Sindeterminar casi nada, la identidad de esaclase obras. Pero si el "movimiento" queexponía en Ruth en los '80 era pseudotransvanguardista, por qué confrontarlo a laconfiguración del de los '90, cuyo mote máspobre, lo encasilla como arte ligth supues-tamente sólo irónico ¿Qué tendencia macrocultural le corresponde, la de "crítica a lasociedad de consumo" como reza

ban las críticas de Clarín, sobre el Tao delArte en C.C.Recoleta ¿Nada más?Desde este tipo de recorte se licúa laposibilidad de un seguimiento compro-metido con las obras. El arte político de losaños '80 superó las expectativas decontención cultural, para lo que este paísestaba en condiciones de absorber, por lotanto del mecanismo de implosión seprodujo en los años siguientes, comoconsecuencia al eje de velocidad inmediataal forma de exacerbación del medioexpresivo en sí, que tiñó la calle, latelevisión o grupos de rock, en esos años.No se puede comparar con el arteconceptual más general. Por quéestaríamos perdiéndonos de captar loespecífico al vez diverso e interactuante. Dela exacerbación del medio a la entronizaciónde los recursos podría ubicarse como unacategoría, pero estoy seguro que no subsis-te ninguna exacerbación en alguien quesuscribe a la transvanguardia. ¿Cuál es eltrayecto de esa explosión, originada en elpuro contexto político?... Aha.

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El zaguán de Don BenitoPor Rafael Cippolini

omo escribí en "Dialéctica 80 / 90"(Apuntes para una aproximación a lahistoria del arte argentino, Ramona n

7), Pierri, Schvartz y Pino ofrecieron unaserie de ocho encuentros abiertos yconsecutivos que tuvieron lugar en el CentroRojas a partir de mediados de mayo de1993, ciclo que se presentó con el título de"Al margen de toda duda: pintura". Pocotiempo antes. Marcia Schvartz comentaba alperiodista Hernán Almejeiras: "Creo que esbueno que nosotros, que conocemosmuchos resortes internos de este medio, nosreunamos y se los digamos a los pipes". Eneste afán de clarificación organizaron unamesa denominada "La moda en el arte" en lacual los invitados fueron Luis Felipe Noé,Eduardo Stupía, Alfredo Prior y RobertoJacoby. Sobre los dos últimos, Schvartz dijoentonces: "(...) son tipos que defienden elhecho de que los plásticos cambien cadacinco años

y están pendientes de lo que pasa yacomodándose a eso".Lo cierto es que esa noche, no sólo fue unade las más divertidas, disparatadas einteresantes del ciclo, sino que, precisa-mente estos dos artistas realizaron sendasperformances escapando del tedio reinanteen un debate que nada aclaraba. Jacobyentonces dijo: "como leí en el diario queestaba invitado a una mesa sobre arte ymoda, traje algo de lo que realicé en esteterreno; un modelo de la marca FabulousNobodies. Se trata de una marca muyselectiva, de alta moda aunque sinproductor, porque los Fabulous Nobodiespensamos que primero está la publicidad yluego la producción. Pensamos además queel tema de la moda se trata con excesivafrivolidad y el arte con excesiva seriedad. Nohay moda sin extremos y sin exageración. Elarte, en ese sentido, se parece a la moda". Acontinuación, hizo pasar a Kiwi Sainzataviada con un muy bello y exclusivomodelo de Omar Schiliro, confeccionado

a partir de piezas de plástico: palanganas ybaldes.Prior fue todavía más radical. Lo que hizofue mantenerse callado, observar al públicoy a sus compañeros de mesa de reojo,mover casi imperceptible y crípticamente lacabeza. En cierto memento pasó a leer untexto. "El conventillo de Don Benito", queenfureció a más de un asistente. Ejemplo deesto fue el griterío que ocasiono GabrielLevinas, editor de la revista El Porteño,quien consideró agraviada la estampa delcélebre pintor de la Boca, figurainsistentemente mencionada en lasediciones anteriores del ciclo, casi a modode Santo Patrono del oficio de pintor.Sumergido en el infernal batifondo, Priorconcluyó la lectura y se cruzo de brazos,llamándose nuevamente a silencio. Noéacotó: *'Yo creo que hay que prestarleatención a todo lo nuevo". Prior, inmutable.Este mismo texto, en su versión íntegra, talcomo fue leído entonces, es el que ramonacomparte ahora con sus lectores.

ApologíaPor Rafael Cippolini

e esa generación de los que aun nocumplieron treinta y cinco, mi artistapredilecto es Guillermo Ueno. Las

razones son muchas: en muy poco tiempo,sin ninguna clase de demagogia, sinusufructuar filiaciones o parentescosestéticos, al margen de la tendencia yevitando los enunciados visuales másefectivos, se convirtió, literalmente, en unmaestro. Sirve de ejemplo de lo que afirmo lamuestra que, hace muy poco, artistas quehacen taller con el exhibieron en Belleza yFelicidad. Resulta

conmovedor comprobar que gran parte desus alumnos y discípulos logran atisbos depoéticas propias sin estar atravesados de lacarga mimética de su mentor. Ueno hasabido inventarse maestro en tanto guíapara acompañar muy de cerca algunos delos procesos en los que, sin dudas, sefundamentará la imagen de los próximostiempos. Es un maestro discreto, casisecreto, en un medio donde parecería quepara serlo hay que convertirse primero envíctima de los peores tics del divismo. Sutrabajo, insisto, es continuo, múltiple ysilencioso. Lejos de cualquier especta-

cularidad, cimentó las propuestas másexperimentales e interesantes del Rojas enlos últimos cinco años. Por supuesto, evitóel facilismo de construir un discurso deprestigio que lo ligara a la exitosa gestiónocurrida en la institución en el primer lustrode la pasada década.Lo significativo, sin embargo, es suproyección: Ueno es un artista tanto delpresente como del futuro.Por supuesto que no exagero cuandoafirmo que debemos esperarlo todo de él.Lo más intenso y menos estridente de loque hoy recién empieza a manifestarse.

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El conventillo de Don Benito¡Error! Marcador no definido

Por Alfredo Prior

l palacio Quinquela Martín, vulgar-mente conocido como "el conventillo deDon Benito", emergía sobre un peñasco

de basalto negro en el centro mismo delRiachuelo.En el embarcadero de góndolas, elegí unafestoneada con corazones dorados sobrefondo azul marino. Giussepino Pietralozzi, elbello gondoliero, cantaba con voz de castratoarias de Lucia de Lamermoor. A cada do depecho el estrecho calzoncillo de seda blancaceñía aún más los espléndidos globos de susnalgas. Iba así sumido en una infrecuentemelancolía al encuentro del Maestro, comoquien dice: con el corazón en la boca.En las límpidas aguas nadaban bagrecitos dedelicados colores y alguna que otra viejabigotuda que me recordaban a más de unapintora de mi afición.En el muelle del conventillo estaba ama-rrado el catamarán en miniatura que DonBenito usaba como taller de verano. Sobre lapopa había escrito con letras temblorosasuna inscripción: Gracias a los viejos.La descomunal puerta de entrada del palacioreproducía en latón esmaltado en vivoscolores la Puerta del Infierno de Rodin.- Ea, de la casa. Ave María Purísima- gritévaliéndome del megáfono colgado en unacadena de ancla que había a la entrada.- Sin pecado concebida- contesto desde loalto una voz de mujer. Debía ser una de lastres Rositas, las fieles asistentas del pintor.No tardaron en atenderme. Era RositaSegunda y no Rosita Primera o RositaTercera, como un distraído podría suponer.Lo deduje porque en el delantal de organzatenía bordado con hilos de oro dos porcionesde fainá.La mujerona, de dimensiones amenazantesme condujo a través de un dédalo de salasatestadas de bolsas de carbón hasta el tallerdel Maestro en el tercer piso. Un enormetiburón embalsamado presidía el reducto.Era un regalo de II Duce. Una placa debronce serbia de recordatorio.

Leí: “AI mio pittore favorito. De Benito aBenito. ¡Dos Benitos se saludan!"Bajo el escualo colgado del techo conamarras marineras se erguía el trono delMaestro: una Bugatti descapotable coloramarillo patito que le serbia de cama, es-critorio y baño. Un maniquí negro vestido dechofer estaba sentado al volante.- No le tenga miedo, es de juguete- dijoDon Benito, el viejo ángel ermitaño, elmuy precioso de la Boca, quien vivía endestierro voluntario, lejos de la ciudad, yapara el cementerio de tantas cosas. Elgran pintor, pequeño y encorvado, fino yreverencioso, estaba cubierto hasta lospies con una áspera frazada, cuya seve-ridad y color pardo hacían pensar en unamonástica estameña.-¡Don Benito!- Por favor, siéntese, Prior -me dijo hacien-do un gesto para que subiera al vehículo.- Vengo por el reportaje, Don Benito, para larevista Primera Plana.- Linda manga de putitos, petiteros, com-padritos -chilló el viejo con voz aguar-dentosa. Escúcheme, Pior: Esos son igualesque los del Di Tella, un malón de chichipíos,culicagados, drogaditos.Alzando un poco la frazada me mostró laspiernas enfundadas en un sobrio pantalón dealpaca marrón.- ¡Estos son lompas! ¡Juná qué tela! ¡Quétextura! ¡Qué tersura! Amplios y cómodos,del andare e fácile. No como los yines queusan esos giles, apretados como morcillas. Yestas pantuflas son las de diario, las deentrecasa. Por los juanetes, sabes. Tresnúmeros más grandes y con plantillas depapel de diario, que es lo mejor para que elfrío no se te suba a la cabeza- me dijoseñalando sus pantuflas a cuadros, tristesmondrianes color Siena.- Yo, las pocas veces que salgo - prosiguió -cuando voy al Tortoni, pongamos por caso,me pongo las botas de milonguear -A ver,Rosita Primera, traéme las botas que usocuando me voy de joda con la viuda deSalsipuedes.Hago un paréntesis para contarles que laviuda de Salsipuedes tenía la más impor-

tante colección de obras de Quinquela. Ensu estancia, en la localidad cordobesa delmismo nombre, había atesorado a lo largode treinta años más de un centenar depinturas de su artista favorito.A la muerte del viejo Salsipuedes, convirtióel comedor de su castillo mediterráneo enun acuario de fantasía en el cual podíaapreciarse toda la fauna ictícola delRiachuelo: los ya mencionados bagres yviejas bigotudas, renacuajos, saposgenoveses (ponzoñosos y amarretes),ladillas de río, mantarrayas, yacarés albinosy culebronjes de Palermo. Las paredes delrecinto estaban decoradas con cuatroenormes mosaicos con vistas de la Bocaconcebidos por el Maestro, al que la uníanlazos mucho más profundos que losestéticos.La unían, sobre todo, digámoslo de una vezy claramente, los cinco millones de pesosque había invertido en sus obras. Al pocorato llegó Rosita Primera con las botas, almás puro estilo tanguero, negras y de tacosaltos.- Así me gusta, Rosita. ¡Bien lustraditas,brillantes como berenjenas! Mire, Pior, quéflor de botas. A mí que no me vengan conmocasines, esas son cosas de indios,alpargatas de cuero para pelandrunes.Carancanfú. Quién fue el raro bicho que tedijo, che pebete, que acabó el tiempo delfirulete - canturreó al mismo tiempo que secalzaba las botas.Disimuladamente, mientras lo hacía, pispeélos pies del anciano.Nunca había visto juanetes de tan formi-dables dimensiones. Parecían los aleronesde un Káiser Carabella, y amenazaban conromper las gruesas medias de lana arombos.Por un momento entreví un fugaz Le Parc:un destello de arte cinético desfigurado.Pensé: Lejos de ser dictada por el caprichode una dama de corte o por la es-peculación comercial de un modista, la ropano es otra cosa que el ajuar de la menteque se hace visible, el espejo mismo delalma de una época.

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Encuesta: mini balance 2000

Para el último número del año de ramonauno de sus colaboradores realizó estaencuesta: ¿Cuál fue la muestra, obra oevento de arte que más recuerda o quemás le interesó de este año y(sucintamente) porque?La encuesta estuvo a cargo del Chino Soriay la pregunta se realizó básicamente vía e-mail e incluyó una cantidad considerable dellamadas telefónicas. No se intenta hacer unranking ni mucho menos, sólo recabaropiniones e impresiones de toda la genteque fue posible entrevistar acerca de loocurrido en materia de arte en este año.Muchos no quisieron o no pudieroncontestar. Las respuestas, según orden dellegada, fueron las siguientes:

Gabriela Francone: Me interesaron algu-nas obras en particular, fundamentalmenteporque de un modo u otro me sorpren-dieron, me inquietaron, “me pasó algo”, lescreí. Por el "Impacto sensible", por el placerde poder ver y sentir algo intenso yverdadero: Las instalaciones de piso deElba Bairon en Lowenstein. En una escalapoco habitual para estas latitudes deescasos recursos. Obras con densidad.Gracias. El video de Liliana Porter enBenzacar. La Fotografía de: Raúl Flores,Goldenstein (sin trucos) y Grossman.Schiavi en Gara y Calí en ICI. Algunas obrasrespiran aunque sea un aire helado. Elmural de Hernán Marina en Gara. Co-herencia. Algunas obras de De Chirico enCC Borges, de Lacámera en Recoleta. Lasfotos de Rineke Dijkstra en MNBA.

Eduardo Arauz: Chicos, chicos, creo que lomejor fue la encuesta que realizaron en ArteB.A. para elegir al mejor artista argentino,también me gusta mucho la encuesta deClarín en el Sí porque es un modo deenseñarme quien es el mejor de todos y amí que no me interesa y que no conozconada de música me ayuda para tener deque hablar.

Homs: Lo primero que viene a mi cabecitaes De Chirico. Por los peces nadando sobreel parquet. Por sus soles desenchufados.Por burlar al tempo. Por la mirada triste desus autómatas ciegos.

Fernando Fazzolari: La aparición de ra-mona. Por la independencia de la voz.

Gary Pimiento: Le Parc en MNBA, porquees dar vida a una obra, sacarla de su fijezamuseica, pero con talento.

Chino Soria: Le Parc en MNBA, porque fuepara todos. Porque en arte no se puedellegar más lejos. luso en Duplus, obsesiónde artista rayana en la locura, potencia decontenido y originalidad. Me encantó ver unamuestra imposible de clasificar en elpanorama local. La fiesta inauguración deBelleza en PROA, la locura y la ternuracopando el mainstream progre. Inolvidable.Y ramona, porque deja hablar y eso generadebate y el debate es salud. ..Y muchasobras sueltas, imposible enumerar.

Raul Fernandez: León Ferrari en ICl, por loque trajo aparejado y por una serie depuertas que se me abrieron después decubrir esa muestra. De las que menos megustaron: los 3 "Panoramix” en Proa.

Roberto Jacoby: Obras que vi de Lindner.Gordín, Macchi, Laguna, Fabian Al-mundyen Belleza. La última muestra de CeciliaPavón. Los dibujos de Arellano. Los Saposdel Búlgaro. La "actitud” Dominguez Nacif.

Silvina Buffone: Jenny Holzer en Proa,(breve y brutal). Por lo potente que es suobra, el uso que hace de la palabra y delespacio, la dimensión poética, ética y co-municacional. Le Parc, en MNBA, (flash yfugaz) por lo divertida, lo simple y lomágica... el uso de la luz y de bizarros tru-cos mecánicos. Siglo XX argentino, enCCR, (bodrio y amor latino) la infografíaespacial y el color de cada época... porquea pesar de ser arbitraria e incompleta, logróun túnel fantasma donde cada rincón teníasu tono... y estaban hasta Niní Marshall yMafalda.

Amalia Amoedo: Judi Werthein en RuthBenzacar y CC San Martín.

Leo Chiachio: El pez blanco del Búlgaro enel Rojas, el jardín de invierno de Vitali

en el Castagnino, el ploteado troqueladotamaño natural de Mildred Burton con narizde chancho en Praxis, los dibujos deSuárez en CC San Martín, ramona, lastransparencias con luz de Kacero enBenzacar, Sorin en MAMBA, el envió dePombo a Santa Mónica, USA, los cortos ensuper8 de Daniela Cugliandolo en Belleza.

Magdalena Jitrik: Kounellis en MNBA.Porque me gustó ver en directo su obra yentendí claramente la propuesta del Poveray como se expresa eso en la actualidad. Lovi como un sistema de ideas de granvigencia.

El Peludo: la vidriera de Chevignon en elCC Borges, el bigotudo de seguridad delCC Borges (es una pinturita!) y la degus-tación de maquillaje en el CC Borges.

Osvaldo Jalil: Me pareció muy intere-sante la Muestra de Antonio Seguí enRubbers, de impecable calidad, lino humor,y con una evolución permanente en susimágenes. En este caso se metió conMolina Campos y realmente el resultadofue para aplaudir.

Fabián Burgos: Noemi Gerstein en elMuseo de Esculturas L. Perlotti, porque esuna artista que admiro y porque pude ver,por primera vez, una muestra suya conobra en cantidad.

Marta Ares: Una de las muestras que másme interesó fue la de Román Vitali enBenzacar porque es de lo que más rotun-damente se desprende de lo conocido.

Rafael Cippolini: El acontecimiento sinduda fue, la reacción de Giancarlo Politi deFlashArt quien resumió en una oraciónunimembre el envió argentino a la Bienalde Venecia: “Patetic”. Una de las tantasformas en que se describe el arte argentinoen el exterior. Fue la noticia (¿tardía?) conla que comenzó el siglo.

Marcela Römer: Las mejores muestras deRosario: La obra gráfica de Berni, por quela ciudad estaba en deuda con él, fuemuchísimo público y la obra es de prime-

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Ra. La de Román Vitali, porque demostróque hay excelente arte contemporáneo enla city y que el Museo Castagnino puedealbergarlo sin ningún prejuicio.

Claudia del Río: La de Claudia del Río, enel Castagnino, porque encontré intensidad ycierta sensualidad que me acompañan.

Esteban Álvarez: León Ferrari en ICI.

Ernesto Ballesteros: Este ano hubo muybuenas y queridas muestras. Para mí estasson, la de Elisa Strada en el San Martín,porque venía siguiendo su trabajo, y mepareció una excelente muestra en unexcelente momento de su trabajo. La deKacero en Benzacar, porque es un artistazoy disfruto enormemente su producción. Lade Lucio Dorr, porque como Elisa, expusosu primera individual en un momento picoen su producción aristocrática, al decir dePablo Siquier. Por último me permito incluiruna muestra en la que estuve, junto aSiquier, Kacero y Hasper, en el Museo deBahía Blanca, una joyita, y un placerrealizarla (incluyendo el profesionalismo ybuena onda de Andres Duprat, su director).

Mara Facchin: Julio Le Parc, en MNBA,Leandro Erlich (la tormenta) y Liliana Porter(obra en video), en Benzacar. En los trescasos hay inquietantes formas del humor yexcelencia estética, son recuerdos deexperiencias felices.

Karina A. Macció: Fotografía argentina enel C.C. San Martín: por el blanco y negroque dolía y por los colores chillones queironizaban.

Alejandra Padilla: Le Parc en MNBA, porla variedad, cantidad y luminosidad de suobra. Kounellis en MNBA. FotografíaContemporánea. Pierrick Sorín (la obra enla que corría sobre un tocadiscos) yRothschild, en MAMBA. Banchero enRecoleta. Burgos en Dabbah-Torrejón.Retrospectiva de diseño de sillas enminiatura, en MNBA.

Tulio de Sagastizábal: Pierrick Sorín, enMAMBA, por su desbordado senti-mentalismo y su despiadada autocon-miseración. Las de Ernesto Ballesteros enel ICI, Fabián Burgos en Dabbah-Torrejón eIrene Banchero en Recoleta, porque fueronhermosas e inteligentes

Cristina Piffer: Durante el año vi variasmuestras que me interesaron. Hablar de "lamuestra" sería arbitrario e injusto. Puedomencionar una muestra que disfrutéparticularmente: las fotos de Raúl Floresdel museo de cera. Flores tiene una miradaatenta e inteligente.

Nushi Muntaabski: Hubo muchas cosasinteresantes. Me inclino por la muestra deCristina Schiavi en Gara. Porqué?...Portransparente, inquietante, lúdica,monstruosa, andrógina, serena, china,futurista, hermosa. Eso es todo.

Alfredo (Prensa del Museo Castagnino):Berni, en el Castagnino, por encima detodas...

Betina Sor: La que más recuerdo es la deKounellis en el MNBA. Me impactóprofundamente por el sensible uso de lamateria que ensamblada a su modo, ge-nera una síntesis formal que logra crearuna amplitud de conceptos, sensaciones yreflexiones en muestra mente.

Karina Peisajovich: ramona es la obra,evento y muestra que más me inspiro. Porser obra en formato ramona. Porque meproduce estados que me hacen pensar yescribir. Porque convoca el gusto y eldisgusto. Porque es criticable.

Daniel Gigena: Estas son las muestras quemás me gustaron porque combinabanemociones, pensamientos y pensamientode las emociones; todas antisnobs,incomodas y un poquito agresivas. JennyHolzer en Proa, Dominguez Nacif enBelleza, Seeber en Lowenstein. MarianoBotas en la foto galería del Rojas, Gary Hillen Recoleta. Presentación de ediciones deBruno, López, Fink, Gatto, García, Ziliani yLeón en Belleza y Fernanda Laguna en laFundación START.

Analía Zalazar: Di Girolamo en Benzacar,Zalazar en Del infinito por razones obvias.

Gustavo Bruzzone: Estoy absolutamentecomprometido con ella y no soy imparcial,pero el hecho artístico más trascendente delaño está constituido por este espacio deopinión abierta, heterodoxa, criticona,desenfadada, dubitativa, pedante,espontanea, etc., etc.. etc. que estácolaborando a modificar el discursovinculado a las artes visuales que es ra-mona. Ramona es el evento del 2000. Notengo ninguna duda. Saliendo de eso lasmuestras de Laren - Lindner en el Rojas ylas fotos de Mar del Plata de AlbertoGoldenstein y el libro de Guillermo luso.

Pablo Lozano: Bairon en Lowenstein, porla minuciosidad con que trabaja el material.En realidad no lo trabaja, lo acaricia.Lacámera en CC Recoleta, los interiores ylos malvones, impresionantes. Le Parc enMNBA, las obras de luz (no las pinturas) yla ambientación. Fue como entrar a otradimensión. Balla, en MNBA. Kacero, enBenzacar

Fernanda Laguna: El show de Pan Sonicen Morocco. Fue inexplicable.

Ana Torrejón: Por admiración total, porexcelente instalación, por seleción de obra,Pierrick Sorin en el MAMBA. Otras que levan a la saga, Jenny Holzer en Proa,Ballesteros en ICI, Fabián Burgos enDabbah Torrejón.

Martín di Girolamo: Ballesteros en ICI

Martín Di Paola: Burt Reynols en MAMBA,porque fue una performance tipo atentadoterrorista. Le Parc en MNBA. Dos extremesde la locura.

Dianabz: Diré la más reciente: las insta-laciones de Kounellis en el MNBA; por sueconomía de recursos y contundencia.Como si lograra desestabilizar el espacio desalas del museo; perturba.

rbaccetti: descubrir que Eduardo Arauz esun chico inteligente.

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Cartas de lectoresramona:Te cuento que me atrapó el Gran BuenosAires y me está mimando tanto que no sécomo desenredarme, los días en obeliscotuvieron su encanto, pero aquí las cosas enlos últimos años son casi mágicas, pusieronsupermercados gigantes, 8 cines que pasanlas mismas películas cada 15 minutos y leshicieron creer a todos que entraban al primermundo, sin embargo los chicos metieronmejores pastillas en los cartones de tetrabriky ahora les convidan a los guardias del trenRoca con lo cual el viaje a Quilmes dura lomismo que el viaje a Buzios, yo trato comosiempre de equivocarme lo más que puedo yno protejo mi piel de la capa solar, siqo pro-duciendo obra que conocerán cuando lamuerte llegue, en forma de dinero o algunabeca de ese lugar llamado Mundo mefinancie, sin embargo a los museos es mejorllegar muerto y los jóvenes artistas sigueneducando instrucciones de prestigiouniversal, saludos para todos los amantes deSeneca y buen viaje.Escuchar a Erikc Satie sigue siendo uno detus mejores recuerdos gracias ramona por eldesayuno oportuno después de todo esealcohol.Eduardo Arauz.

ramona:A propósito de ramona 6: James "Sturrel"(con “s”) ¿no será otro que James Turrel.Fundador junto con Robert Irwin del movi-miento Light and Space en California amediado de los 60? ¿Romero desconoceque el futurismo adhirió programáticamenteal partido del Duce? O sea: que eranfascistas, ignora también que Kounellis estámuy cerca del arte Povera, comunistas a laitaliana declarados extremadamente críticosde Balla y Cia (es un debate cultural quetiene más de 50 años en Italia, y unabibliografía kilométrica) ¿Puede ser que hayaencontrado un texto de Balla por primera vezen el Museo? Si en ramona van a escribir decualquier cosa histórica, alguien en laredacción tiene que chequear los datos. Noes un asunto de "me gusta o no me gusta';es un punto mínimo que separa la boludezde la credibilidad. Me extraña viniendo de unfiscal-coleccionista y de un tipoexquisitamente culto como Jacoby que sepuedan cometer y admitir esos errores.Abrazo.Firma: Anónimo crítico

ramona:Decime, vos que sos? artista, crítico, teó-

rico....etc,..etc....? Bueno para el caso es lomismo la pregunta sirve igual para todos: nosentís que se huelen unos aires deproducciones berretas? Me refiero a esacosa que está mal hecha, con materialesprecarios, que la idea no se sostiene y queaparece en el medio como LA OBRA. Estoes algo para pensarlo, estimadísimo lector,porque parece que eso está como de modao algo así. Es como una actitud. Me acuerdode los dadaístas. Si se levantaran de lastumbas....'!!! De todas maneras esa actitudde: estoy cansado del medio... vamos areírnos de tal... que se creen estos, losartistas... y otras cositas, no está mal; hastaes divertido y todo. Pero como actitud,insisto, porque si vos te crees que hacesalgo de obra con esas ideítas medio flojas,vas mal, bastante mal. Vos me dirás: decimenena, y la actitud artística no es obratambién? Ah... ah.... moment please, hayactitudes y actitudes. Pensemos: estamos enel siglo XXI y tenemos un montón de amigos,o no tan amigos, que están en la pre y postproducción de lo berreta y encima es comoque lo reciclan y lo hacen aparecer comofashion. My god!!!!! (para los cristianos y conminúscula) qué les pasa? Porqué creen quelos espectadores no necesitamos de ideas ypropuestas semi inteligentes? Creen que nopercibimos en el acto lo que es mentiroso(en el mal sentido)? Ahora, si realmente seestán creyendo que están haciendo algo conolor a artístico vamos más mal que peor.Muchachos (y chicas) hay que informarse unpoco de historia del arte argentino (por sólomencionar una). No se puede uno hacer elingenuo y querer ser artista de la nada,porque podés hacer el tonto (cuantos se vana enojar con esto...!!!) Lo digo porque aquínomás, acá a la vuelta, hay gente que hizocosas muy buenas con actitud de semiprotesta, o cualquier otro tipo de actitud, y noeran berretas. Eran ideas que se sosteníanpor una fuerte base conceptual (si te gusta lapalabra, sino busca otra). Insisto, sesostenían. Pero parece que el nuevo sigloplancho, como con la máquina de vapor dela tintorería, las actitudes e ideas de arte. Yocreo, que como ejercicio no es malo pensarlo que uno está haciendo, porque uno estáponiendo cosas de uno en lo que hace, y esono es ninguna pavadita, según parece.Recordemos que hay algunas gentes quedicen muy buenas cosas, claro, son

los menos, como siempre ha sido y pareceque será, lamentablemente. Ojo... ojito...ojete.... entre la simulación de lo berretacomo actitud y Io berreta en sí hay untrecho, o caminito, o puente tan grande quete podes caer al vacío mientras te haces eldistraído recorriéndolo. Y aunque esetrecho a veces no se vea, hay mucha másgente de lo que se cree, que lo ve muybien. Y no usan lentes.La rosarina

ramona:Pude leer en el n° 7 que el director de lagalería Praxis. Sr. Kehayoglu, se encuentracomo perturbado por lo que escribí acercade la obra del pintor Esquivel (ver "Elempírico de las artes" de M. Vaiarta, p. 38).Se trataba de una breve referencia -postscriptum- que comparaba el placer de ha-ber gozado de la solidez de la obra de laBurton frente al discurso remanido con quese expresaba Esquivel en los cuadros allíexpuestos. No sé cuántos premios haganado Esquivel, desconozco su trayec-toria -es cierto- y descarto que debe ser unaexcelente persona. Si se puede molestarcon mis palabras lo siento sinceramentepero no tengo obligación alguna de quetodo me guste. Vaiana ya le ha respondidoal Sr. Kehayoglu con contundencia y nohace falta que agregue mucho más, pero noestá demás señalar -y aquí las bondades deramona como medio de expresiónverdaderamente independiente- que alhaberse constituido en un lugar dondeescriben incluso los que no tienen "carnetde críticos", la convierte en inquietante paraaquellos acostumbrados a recibirestimuladas buenas notas en los medios deprensa o, por pudor, en todo caso, silencio yomisión. Como señala M. Pía López en eln° 15 de El Ojo Mocho: "Clasificar, titubear,dudar, desarmar, buscar los núcleossoterrados, son formas de la crítica. Hoy,ninguna de ellas parece primar enlegitimidad ni validez por sobre otras,ninguna de ellas puede pavonearse de suefectividad". Agregaría a esa descripción"también equivocarse", equivocarsemuchooooo ... a seguir manteniendo esaespecie de pacto cuasi mafioso de omerta ylealtades claudicantes tan extendido entreaquellos que habitualmente se ocupan dehacer "reseñas" de arte en nuestro país.¡¡Sigan errando ramones!! y si a Uds. no lesparece mal trataré de seguir aportando losyerros que pueda. Varios besos y abrazos.René Jouseman

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Hola Fernando [Farina]*,El motivo de mi mail es contestarte a la cartapublicada en la ramona 7.La verdad que me quedé muy asombrada,en tu comentario sobre Gara, que so-lamente hayas nombrado a la tienda,cuando todos sabemos que es soporte parapoder sostener el proyecto de galería, yaque no contamos con el auspicioabsolutamente de nadie y es un proyectorealmente de riesgo en un país donde lasituación económica es cada vez peor.Porque coincido con vos que en toda laArgentina hay artistas buenos, es que esteaño he tenido 3 muestras de artistas deCórdoba, algunos de ellos residentes en elexterior, y dos de Rosario. También heviajado a Tucumán, invitada por launiversidad. ¿Qué pasé, nunca viste comoera el proyecto de Gara que sólo tequedaste para criticar la tienda y qué pasacon la galería?Tengo un artista cordobés que se va amostrar al Reina Sofía, otro que acaba dellegar de Valencia, un intercambio ac-tualmente con una galería de Monterrey,México y también salimos con una colectivaa Ecuador de artistas Argentinos.Intercambios también con Madrid.Acaso hay que decir, cada vez que unoinvita a mostrar, ¡es un artista de Rosario!,¡de Córdoba!, ¡de Tucumán! Como si lagente del interior fuera diferente.La verdad Fernando, no entiendo la críticadesde una mirada tan fragmentada. Pareceque si no hacemos como el imaginariocolectivo cree que debería ser, no sirve. Yocreo que lo importante es comenzar a hacery dejar que el vecino haga lo que quiera yrespetarlo como tal. Crear nuevos espaciosdonde ver. Aprender a vivir con lasdiferencias.Yo como directora de Gara he elegidotrabajar con una franja de artistas y por ellosme arriesgo, pero eso no quiere decir quenada más me interese, me alegra laapertura de espacios como Duplus o Bellezay Felicidad. El poder decidir sobre criteriosdiferentes hace que haya más espaciodonde mostrar, donde ver cosas que tegusten o no, pero ver, que es lo importante.Ya estoy un poco cansada de que si nohaces como "Tal" no sirve. Creo que conuna mentalidad así el mundo del arte nocrece, hay que ser un poco más libre. Teenvió un saludo.Cecilia Garavaglia*N. de r: Responde a la nota publicada enramona 7.

ramona:Sabiéndose que las artistas oxigenamos lasociedad, aunque me es difícil reclamar eneste momento del país, sintiéndome víctima

de una situación no deseada, en la tierra delreclamo, reclamo.En diciembre de 1999 conmemorando el finde siglo y el inicio de un nuevo período deadministración de la república, fui invitado aparticipar de la “Muestra del siglo XX" en elC. C. Recoleta. Me sentí honrado mostrandomi obra "Horóscopo criollo", óleo sobremadera, diámetro 1.50 m., año 1987. Enfebrero del 2000 fui notificado por lasautoridades de dicho Centro que mi obra seles había caído y roto. Lo que se desprendióde las leyendas contenidas en la obra fueranla fe y la esperanza*. Allí dan comienzoestas penurias: se me promete un pago queaún hoy estoy esperando. Semana trassemana soy citado a acordar una cifra, laque fue disminuyendo con el tiempo, tantocomo la responsabilidad y el interés de lasautoridades por hacer efectivo el pago.Como nunca hubo por mi parte una acciónespeculativa ni acción legal iniciadaindividualmente en el mes de setiembre del2000, en la sala "J" y dono por tercera vezuna obra para el evento 200x200 llevado acabo en la sala Cronopios, a beneficio de laAsociación de Aminos, en el mes denoviembre de este año. Por consecuenciade haber restaurado yo mismo mi obra sinayuda de un experto, en las leyendas "fe yesperanza" ha quedado una marcairreparable, lo que disminuye tanto su valorcomo su posibilidad de venta. Irreparable estambién mi templo dedicado a reclamar,irreparable mi bolsillo por creer en laspalabras de las autoridades.Hoy sólo espero lo mismo que los piquete-ros que cortan las rutas en nuestro país, quepoco esperan ya, pero advierten el fin de lapaciencia. Pienso en los funcionarios queviven de los dineros públicos (de losimpuestos que estamos obligados a pagarhasta los más pobres) y van por una vere-da, la de enfrente quedamos la mayoría, a laespera del cumplimiento de la palabra.Vivimos todos en la República Argentina.Espero justicia, trato de tener paz e imagi-nación, antes de llegar a ser piquetero del C.C. Recoleta.Santiago García Sáenz (artista pintor)

ramona:A los conciudadanos de la república deamoR se nos olvidó recordar, que cuandoésta aparece, el Diavolus se asoma.El silencio, se torna cómplice, y el efectoboomerang es inevitable.Por instinto de supervivencia, desespera-ción, ambición desmedida, megalomanía,entre otras, la benzacarmanía: Obtener unavisa, que nos conceda un pasaje a un"Feliz y Bello" viaje, con seguro aterrizaje aun glamoroso aeropuerto de la Galea con-temporánea.-¡Oui, oui, c'est I.C.I.! ¡¿O ya no se USA?

Detrás del telón, románicos ciudadanoshablan de la deuda ajena. Siempre másgrande y decadentis que la propia. Algunoslas habrán o tendrán que pagar con unacorruptus cogida física, mental, monetaria oespiritual. Afectando así nuestros principioseticums y moraliums. Sólo mencionados, enlenguas muertas, en nuestra RepúblicaRomántica. En esta orgía de deudas a lacual aconsejo no asistir a nuestro nuevoamigo Alan Pauls, para mantenerlo siempreingenuus. Oxigenando así, el intoxicado aireque respiramos, esta "Trama" de ciudadanosrománticos y románicos, que acercarse alnuevo "Milenium" evocamos un "Millon" dedioses en el misterioso "infinito". Porquequizás con un poco de buena suerte hasta la"Garita Mágica", nos consiga una alfombravoladora modelo "Ali-Ba-Dubbah", adquiridaen territorios poberus y proletariusiluminados por un arquitecto ópticofluorescente. Con la que navegaremos por elcielo, mientras leemos "Flash&Elle" y a"C.C.Borges". Ayudados por un tornado,cuando divisemos las primeras palmeras a"PROA", llegaremos a la capital latinoame-ricana in American. Donde nuestra román-tica "Lady Di” y el tío Rico nos recibirán conun exquisito cocktail de C-Cu Piedra-Liberiscon un extraño efecto "Duplus". Que con susalucinógenos poderes ocultos, nos hará vera la estatua de la Libertad con "Antorcha" enmano, guiñándonos el ojo. Cuenta laleyenda, que en antiguas épocas del imperio:Cleopatra en una crisis de vanidadconvenció a Julio César hacer desaparecerdel Imperio todos los espejos. Es por esoque los románicos ya no se miran más a lacara. Y adquirieron hábitos peculiares: comolavarse las manos continuamente y masticarchicles marca indolorum. En amoRcontemporáneo, Calígula nos está matandode risa, Claudio está pasando por unaterrible crisis de tartamudeo y el piromaniacode Nerón mandó a construir un depósito defósforos.Desde el exilo en una isla. Quien les dedicaestas líneas, saludas a todos los esclavos,ciudadanos patricios y emperadoreshabitantes de esta tan peculiar RepúblicarománicaGreta

ramona:Placer para los ojos, orgasmo para elcorazón. ramona llegó a Mendoza y, sí...1000Km no es poco!!! Tantos fueron, queesta vez, la 7 se adelanto a la 6 y llegaronlas dos juntas!! Si leer una es orgásmica,imagínense de a dos... -Gracias por elplacer!-"L"Pd: Recomiendo leerla con una Cabernet oun Malbec... Después me cuentan...

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Institución Rama del ArteBienal de Arte yNaturaleza escultura

Inst. de Cultura investigación arteJuan Gil Albert. contemporáneo

XI Premio Tenerife investigación artesaníasde España y América

Bienal de EsculturaRincón de Ademuz escultura

El Mundo Arte deEntre Ríos

Fundación Antorchas todas

Fundación Andes todas

Matsumae InternationalFoundation todas

investigadoresde artes visuales

Cuarto deQueneponPuerto Rico todas

Museo de B. ArtesCaracas, Venezuela fotografía

American JewishMuseum multimedia

HungarianMulticultural Center todas

C. Cult. PabloBrau, Cuba

Texas planoArt Association todas

International FestivalTime Based digital

Dead Line

31.12.00

27.02.01

11.12.00

31.01.01

30.12.00

02.02.01

10.10.00

julio de c/año

31.12.00

01.02.01

08.12.00

15.12.00

02.01.01

01.01.01

28.02.01

01.01.01

sin especificar

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$ 4.000

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concurso@fundartorchas.retina.ar residen-

www.fnartes.gov.ar

Direcc. Asuntos CulturalesArenales 761- 2do- 4311-9635 Postgrado

museobecas@webmail.com.py Investigación/ ticio@pla.net.py en Paraguay

Muestra

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bszechy@mail.smu.edu residencia

Un paseo por la Goethe BiblioteckPor Magdalena

ace frío. Ningún lugar podrá brin-darme más calor que una biblioteca.Deslizándome por el espacio sonoro

veo que ya está el libro de Documenta X, meencuentro con el último ejemplar de larevista Art Forum, noviembre, dedicado a lafotografía. Inmersión. Dino y Jake Chapmanmuestran sus maquetas sobre el genocidioNazi. Muestra realizada en Londres. A

escala de casa de muñecas, a manera defiguras para niños, pequeños soldaditos y loque queda del recuerdo de la figura humanareconstruyen en pequeños cuartos llenos decalaveras de 2 cm lo que la nota titula"Apocalipsis y Horror en el Arte Contem-poráneo". Elevemos. Necesito un contra-punto. Kunstforum debate sobre la

naturaleza y el arte, desde los rayos deWalter De María, los féretros de Yoko Ono,la enseñanza de Beuys, vistas aéreas deplantaciones en forma de espiral a galeríastransformadas en gigantescos viverosplantean las diferencias sobre el Land Art,Nature Art y plant Art. Se me terminó eltiempo. Salgo a la calle. No puedo dejar detemblar, recuerdo un título: "Qué esnaturaleza?"

Show me the money!!!Becas, subsidios, festivales, residencias, competencias, lugares para mostrar

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H

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ramona va a la adivina

A pocos días de la fiesta de ramona, laAdivina comenzó con los preparativos de tanespecial ocasión. Me citó en el EspacioGiesso Reich.La Adivina | ¡Qué suerte que vino! Demeuna mano con esto. Fíjese si el ancho deeste mantel es suficiente.. Yo creo que va ahaber que tomarle un poco.ramona I ¿No puede dejar eso para des-pués? Mire que hay que entregar esta notahoy mismo.A | Va a ser mejor que me ayude, porquedespués la gente crítica. No se olvide quevan a venir invitados muy importantes, comoser un pintor de la nueva figuración (el quetiene el apellido más breve) que se dedica aanalizar cada número de nuestra revistapalabra por palabra.r | A lo mejor está buscando algún mensajecifrado. Según otro artista famoso quesostiene que viene de otro planeta, los ex-traterrestres estarían intentando lavar locabeza de los lectores introduciendo uncódigo que estaría dado por los errores deortografía. Otra posibilidad puede ser quequiera trabajar de corrector.A | No diga disparates. Todos nuestroscolaboradores insisten en que no se lescambie ni una coma del texto que envían.r | Entonces debe estar haciendo un estudiografológico de cada uno de nuestroscolaboradores.A | Es muy posible… Hay gente para todo.Incluso me dijeron que hay algunos lectoresque, después de leer todos los artículos, losdiscuten con sus amigos.r | ¡¡¡Nooo!!!A | Como lo oye. Algunos se valen de losmás audaces trucos para poder seguir le-yendo la edición en papel de nuestra revista.Por ejemplo ese artista que hace pocoexpuso en la calle Corrientes con elmarciano del que hablábamos antes, seestaba volviendo a Suiza con su novia y aúltimo momento le surgió un inconvenientecon su pasaporte, por lo que tuvo que volvera baires para tramitarlo de nuevo. De pasoaprovechó y se llevó otro ejemplar más denuestra revista.r | Tanto interés puede despertar estapublicación?A | Pero claro. Mire si no el caso de eseartista que en el número anterior estabaviajando a California para realizar unamuestra. Resulta que el muchacho vendiótodo y como acá se corrió la boli-

lla, cuando volvió al país y se suscribió a lapublicación, le cobraron seis pesos enconcepto de impuestos en el banco. Meparece que los de la DGl utilizan la infor-mación que aparece en estas páginas pararecaudar más. Antes que me olvide, hágameacordar cuando salgamos de acá que tengoque pasar por el banco a pagar unas cuentasy de ahí me tengo que ir a la bombonerapara ver si ya me tramitaron el carnet desocia.r | No sabía que usted era bostera.A | No es para mí. Es para la hija de unartista fanático de Boca y famoso por susmundos en miniatura. Me pareció el mejorregalo, porque con el padre que tiene,seguro que la beba va a tener los mejoresjuguetes.r | A lo mejor esto que voy a decir suenecursi, pero me alegra mucho que en estemomento en que el no futuro parece ser eltema excluyente, haya gente que traiga másvida al mundo.A | Si, es verdad, lo suyo fue una cursilería,pero no por eso deja de ser una gran verdad.Y a cursi, a mí no me va a ganar: que seanlos artistas los que apuestan a la vida es másgratificante aún. Como el caso de eseparadigma de la hipermodernidad, el chicoque siempre está al último grito de la moda,el que se encarga do coordinar los ciclos demúsica electrónica en la fundación que estáen la boca del riachuelo, está haciendopostales para chicos de la calle y huérfanosdel sida.r | Bueno, pero convengamos que nuestracolumna no se caracteriza por la importanciay la profundidad de los acontecimientos quecomentamos.A I Tiene razón. A ver, dígame cuál centro demesa le gusta más. A mí me gusta este, peroesta fuera de presupuesto. Además esinflamable. Con tanta gente fumando y con elporcentaje de alcohol en sangre, que segúnel dueño de este lugar suelen tener losartistas, podríamos provocar una tragedia.r | No se preocupe tanto por los centrosmesa y dígame si sabe cuándo va a cobrarese artista que estuvo trabajando comoasistente de otro, que hacía esos dibujosporno uniendo números con líneas.A | Espero que al leer esta nota se lerefresque la memoria y le pague. La cues-tión es que el asistente Iaburó como unburro, porque necesitaba el dinero. Se

vendieron muchos cuadros y el triunfalartista olivó para los Estados Unidos de-jando a su ayudante sin un mango,r | Esperemos que sólo haya sido un olvido.Tome, fíjese si estas servilletas combinancon los manteles.A | ¿Pero usted es daltónica? No peganpara nada. Después le voy a pedir a la chicadel museo de acá a la vuelta si tienealgunas que le hayan sobrado de algunainauguración. Aunque ahora está bastantepreocupada porque el hijo de un artista yafallecido le mandó una carta documentoporque dice que no trató la obra de su padrecon el debido respeto.r | A lo mejor, este muchacho quiera velarpor la conservación del patrimonio artístico.A | Me parece que está más interesado enla conservación de su propio patrimonio yque busca formas alternativas deincrementarlo. Igual, después la voy a llamarpara ver cómo van las cosas y de paso, lepido prestadas las servilletas.r | Se ve que este señor leyó la nota quesalió en la revista dominical de un diario degran tirada donde aparecen varios artistasque son los que viven del arte y esto le diouna visión desproporcionada del dinero quese puede conseguir.A | Si, yo la vi esa nota. Le comento quealgunos de los personajes que aparecieron,ya eran ricos antes de ser famosos. Inclusouna de las chicas trabaja de millonaria y enel tiempo que le queda libre hace su obra.Me parece que se nos está haciendo tarde.Además tengo que llevarle un amuleto a unacuradora que hasta recién nomás estabatrabajando en las galerías de un teatromunicipal. Ahora pasó a otra dependenciadonde la gente que trabaja ahí es cariñosacomo escorpiones. En su trabajo anterior lahicieron resucitar un lugar muerto y despuéslas autoridades decidieron dejarlo caer otravez. A ella no le importó nada y buscoconsuelo en un artista radicado en Córdoba.Ahora se los ve juntitos en todas lasinauguraciones.r | Pero ella se dedicaba más a los chicosque creían que ella era otro chico y estepintor que usted dice no entra dentro de esadenominación.A I Y bueh, usted también la conoce. Al-gunos la apodan tiburón blanco: de vez encuando se come a un hombre. Vamossaliendo.

diciembre - enero Actualizaciones en www.cooltour.org/ramona/muestras

Aguilar, Bagolini Grabados Artenativa 05.12 al 30.12Aisenber, Diana Pintura Bambú Café 04.12 al 30.12Belmont, Cecile Pinturas La Nave 24.11 al 04.01Benedit, Luis "Fitotron II" Instalación Ruth Benzacar 29.11 al 30.12Blasko, Mart[in "Nace una escultura" Museo de Arte Moderno 05.12 al 30.12Cambiaso, Marcela Pintura Arroyo 20.11 al 02.12Consuegra, Rafael (Cubano) Esculturas Ursomarzo 21.11 al 09.12Domini, Clara Pinturas Belleza y Felicidad 02.12 al 30.12Egurza, Victoria Instalación Fotográfica Salamanca 06.12 al 06.01Fazzolari, Fernando "La Persistencia" Instalación CC Recoleta 22.11 al 10.12Foradori Lencinas, Serebriani "Energía" Pinturas Fundación Bollini 28.11 al 11.12Frías, Riccardi Pintura y Orfebrería Lo Scarabeo 28.11 al 16.01Galetar, M. Fundación Andreani 09.11 al 29.12García Wehbi, Emilio Pintura Filo 05.12 al 30.12Gil Flood, Patricio "HArd Place" La Crujía 01.12 al 30.12González, Romero Pinturas Galería El Socorro 22.11 al 11.12Grinberg, Gustavo "Abstraete y Disfrutá" Pinturas Fundación Bollini 07.12 al 16.12Iniesta, Nora Objetos y Bordados Elsi del río 28.11 al 11.01Iriarte, Carrió "Por placer" Fundación Proarte 01.12 al 18.12Juárez, Angel Ricardo "Luces y Sombras" Centoira 22.11 al 09.12Martí, Carlos Pinturas Espacio Giesso-Reich 29.11 al 15.12M. Abisman, H. Diez (Venezuela) Instalaciones ICI 7.11 al 30.12Mitlag, Miguel Fotografía Sonoridad Amanita 14.12 al 28.12Monek, Hernán Fotografía Clásica y Moderna 01.12 al 30.12Monzani, Carlos Fotografías Zamora Arte 20.11 al 09.12Mostra de Arte Presentación de edición colectiva Boquitas Pintadas Pop Hotel 11.12 20hsMuestra Colectiva Trastienda VYP 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Pequeño formato. Outlet Arteria 16.12 al 30.12Muestra Colectiva Curada por Burgos y Jitrik Cecilia Caballero 05.12 al 30.12Muestra Colectiva "Sillas 4 x 4” objetos y acciones Arteria 01.12 al 15.12Muestra Colectiva Artistas de la Galería Fra Angélico 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Feria de Arte de navidad Bis 07.12 al 30.12Muestra Colectiva Artistas de la Galería Gara 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Proyección de diapositivas Liberarte 14.12 19.30hsMuestra Colectiva “Versión 1" Vera 09.12 22.00hsMuestra Colectiva “40 Años" Museo Nac. del Grabado 07.12 al 26.02Muestra Colectiva Premio Rosa Klemm de Fotografía Fundación Klemm 09.11 al 30.12Muestra Colectiva "I Bienal Internacional de Artes" MNBA 06.12 al 11.01Muestra Colectiva Patrimonio del Museo Museo de Escultura L. Perlotti 0112 al 30.12Muestra Colectiva Patrimonio del Museo Museo Eduardo Sívori 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Patrimonio Museo Enrique Larreta 01.12 al 30.12

Muestra Colectiva Premios Salón Nacional Palais de Glace 14.12 al 14.01Muestra Colectiva "Nueva York-Buenos Aires" Praxis 28.11 al 30.12Muestra Colectiva "Informalismo" Principium 22.11 al 30.12Muestra Colectiva Trastienda Rubbers 01.12 al 30.12Muestra Colectiva "Saraton" Sara García Uriburu 29.11 de12a24hs.Muestra Colectiva Trastienda Van Eyck 01.12 al 30.12Muestra Colectiva "She's Devil" Belleza y Felicidad 02.12 al 16.12Muestra Colectiva Grandes Maestros Van Eyck 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Premio Banco Nación CC Recoleta 13.12 al 30.12"Intimidades y evolución de los encantos de Porteños y Porteñas en el Siglo XX" Museo de la Ciudad 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Trastienda Arcimboldo 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Alumnos Espacio Buenos Aires Galería Blanca 01.12 al 30.12Muestra Colectiva "Vísperas” Boquitas Pintadas 16.12 al 30.12Muestra Colectiva Premio Banelco Centoira 13.12 al 30.12Muestra Colectiva Bienal Bridgestone de Arte Joven CC Borges 17.11 al 30.12Muestra Colectiva Pintura CC del Sur 27.11 al 11.12Muestra Colectiva Instalaciones y Fotografía Del Infinito 06.12 al 30.12Muestra Colectiva Pintura El Gato Viejo 08.12 al 30.12Muestra Colectiva "Open Gallery" Adriana Indik 12.12 al 24.12Muestra Colectiva Grabados Hoy en el Arte 06.12 al 30.12Muestra Colectiva "3 Paredes” Bolívar 861 25.11 al 09.12Muestra Colectiva "Proyecto para una colección" Palatina 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Trastienda Van Riel 01.12 al 30.12Muestra Colectiva Grandes Maestros Zurbarán 06.12 al 06.01Muestra Colectiva Trastienda Dabbah Torrejón 15.12 al 30.01Muestra Colectiva Latinoamericana Fotografía Fotogalería del San Martín 19.12 al 23.12Narosky, Mirta Pinturas Adriana Budich 11.12 al 22.12Otamendi, Cristina Pintura Galería Lagard 04.11 al 11.12Panosetti, Omar Dibujos Ática 11.12 al 08.01Pessah, Daniel Fotografía CC Rojas 15.11 al 30.12Porter, Liliana Qué hermoso verdad? Fundación Andreani 9.11 al 29.12Retamozo, Carlos Pinturas CC Rojas 15.11 al 30.12Rossano, Monferrán Pinturas Ursomarzo 18.12 al 06.01Rozenmuter, María Vidrios Ant 07.12 al 20.12Sacco, Graciela Objetos Diana Lowenstein 29.11 al 30.12Salgado, Sebastiao "Éxodos” fotografía Fundación Proa 25.10 al 31.01Zinny, Maidagan "variaciones” instalación Ruth Benzacar 29.11 al 30.12Soria, Chino "Autorretratos" FM La Tribu 18.11 al 11.12Stempelsztejn, Mina Pinturas Alicia Brandy 22.11 al 11.12Strom, Marianne (Suecia) "Metroart” Fotografía CC Recoleta 30.11 al 07.12Tarello, Perla Fotografía Vida y Arte 01.12 al 30.12

Cecilia CaballeroGalería de ArteHORAS RECIENTES Muestra grupal de jóvenespintores curada por Fabián Burgos, Magdalena Jitrik5 al 30 de diciembreCecile Balmont, Leo Rocco, Ana Casanova, Mariana Rogowicz.Martín Di Paola, Mariela Scafati, Rafael Girola, Ani Schprejer, MarianaLopez, Sergio Vila, Nazarena Pereyra

Suipacha 1151 (1008)4393-0600/0601ceciliacaballero@ciudad.com.arL a V 11 a 13 y 15 a 20 Sábados 11 a 13

Diana LowensteinFine Arts

Graciela Sacco28 de noviembre al 30 de diciembre

L a V 11 a 20 hs. Sábados 10:30 a 14 hs.Av. Alvear 1595 (1014)Tel/Fax 4813 2350/2781email galeria@dlfineart.com.ar - www.dlfineart.com.ar

Del Infinito ArteEstela Gismero Totah Directora

2x3Marta Cali, Claudia Contreras, Claudia Del Río, CristinaPiffer, Gabriel ValansiCurador López Anaya

Inauguración 6 de diciembreQuintana 325 PB4813-8828delinfinitoarte@hotmail.com

Dabbah TorrejónArte contemporáneo

Trastienda 15 de diciembre al 30 de eneroObras de Sergio Avello, Cecilia Biagini,Fabián Burgos, Varda Caibano,Lucio Dorr, Manuel Esnoz, Daniel Joglar.

S. de Bustamante 1187 (1173) Bs. As.Tel (54 11) 49 63 25 81dabbahtorrejon@interlink.com.arMartes a viernes 15 a 20 hs

gran fiesta ramonade fin de milenioMiércoles 13 de diciembre10$ con consumición. Suscriptores free. Estudiantes de Bellas Artes 5$

Lado A: 20 a 00 hs. Espacio Giesso Reich. Cochabamba 370Cóctel Apertura oficial del Café ramonaRemate de obras de grandes artistas con base 2$ a cargo de Vivi Tellas,Susana Pampín y Omar ChabánSerigrafías de artistas conocidos y no tantoShow retro under con 25 artistas en escenaLado B: 00 a 06 hs. Galería Roberto Martín. Defensa 1344Dj Dr. Trincado y varios más"La Dama de las Camelias" montada por Sergio De LoofDesfiles y showsMás info en www.cooltour.org/ramona