ESCUELA SUPERIOR DE FORMACIÓN ARTÍSTICA QUETZALTENANGO

MAGISTERIO EN ARTES PLÁSTICAS

PROMOCIÓN 2006-2008

QUETZALTENANGO, 2008

Nomina de Alumnos

Promoción 2006-2008

Aguilar Cabrera, Byron Abner.

Aguilar Cabrera, Pedro.

Cabrera de León, Julio

Caniz Muy, Elmer Anacleto.

Cayax Chojolán, Jacqueline Scarleth.

Cuá, María Eugenia.

Cuzal Estrada, Cecilia Teresa.

de León Mejía, Edgar Roberto.

García Polanco, Jennifer Guisela.

López García, Martín.

Pérez Pérez, María Gloria.

Pérez y Pérez, Alvaro Diego.

Poncio Monrroy, Cesar Francisco.

Romero Méndez, Maynor Alexander.

Salanic Colop, Gladys Aracely.

Tzaj Guarchaj, Pascual Federico.

Velásquez Sánchez, Elmer Omar.

Xiloj Cabrera, José Luis.

ASESOR:

PEM en Psicología Gloria Analí Sac Cúa.

REVISOR:

Lic. Eduardo Sac.

INTRODUCCIÓN

Los alumnos de Sexto Magisterio en Artes Plásticas de la Escuela Superior de Formación

Artística de Quetzaltenango ESFAQ. Presentamos al lector de este TEMARIO en el cual

incluimos temas relacionados con las ARTES PLASTICAS.

El arte como forma de expresión del sentimiento ha tenido diversos cambios durante la

historia, cada etapa con su peculiar forma de interpretar y manifestar las vivencias de los

pueblos. Como lo proyectaban nuestros antepasados Mayas.

Dentro de las Ramas de las Artes Plásticas esta: el dibujo, la pintura, la escultura y otros

que serán explicados más adelante.

También se podrá observar los fundamentos psicopedagógicos necesarios en el estudio de

las Artes Plásticas, más aun como factor importante en la formación de Maestros en Artes

Plásticas, para la realización adecuada en el hecho educativo dentro de la práctica

supervisada.

Es un gusto presentarlo esperando enriquezca su conocimiento en esta rama del Arte.

I CAPITULO

NOCIONES FUNDAMENTALES DE ARTES PLÁTICAS.

1.1 ARTE:

Arte es la aplicación de la habilidad y del gusto a la producción de una obra según

principios estéticos. El concepto de Arte va asociado al concepto de Obra de arte, que no

es otra cosa que el producto o mensaje considerado primariamente en función de su

forma o estructura sensible (estética). El Arte es el acto o la facultad mediante la cual el

hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o

inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o, simplemente, incitando la imaginación de los demás. Un arte es una expresión de la

actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o

imaginado.

El término arte procede del latín ras. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia

y habilidad en la producción de algo. Es hasta finales del siglo XV, durante el Renacimiento

italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista

(artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras

múltiples), y artista (productor de obras únicas). Es también en este período cuando se

crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal,

quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios:

escultores, pintores y arquitectos.

1.2 CLASIFICACIÓN DE LAS BELLAS ARTES:

1.2.1 ARTES RITMICAS:

Son las artes del ritmo o del tiempo, y comprende a la poesía, danza, teatro y música.

1.2.2 ARTES PLÁSTICAS:

Diremos de Plástica que es el arte de expresar representativamente con materiales

adecuados como arcilla, yeso, piedra, metal y más. Dicho de otra manera es modelar una

sustancia blanda o adecuada para obtener una obra de arte, ejemplos claros son la

arquitectura, la artesanía, la caligrafía, las formas y colores. Si tomamos en cuenta las

definiciones de arte y plástica podemos definir las Artes Plásticas como: La expresión de

los sentimientos a través de una amplia gama de materiales, formas, líneas, colores,

utilizando para ello la pintura, la arcilla, el metal, etc., que desemboca en expresiones

como Arquitectura, Pintura y Escultura, principalmente.

PINTURA:

Es el Arte de representar imágenes reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una

superficie, que puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados

con otras sustancias orgánicas o sintéticas.

ESCULTURA:

Es el Arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve,

utilizando materiales maleables.

DIBUJO:

Es el Arte que utiliza la representación gráfica sobre una superficie, por medio de líneas o

sombras, de objetos reales, imaginarios o abstractos.

1.3 ELEMENTOS FUNDAMENTALES EN LAS ARTES PLÁSTICAS:

FIGURA - FONDO

Ley de la psicología de la Forma, formulada por Mex Wertheimer que establece la tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas

(figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Según esta ley toda

superficie rodeada tiende a convertirse en figura en tanto que la restante actuará como

fondo. Wertheimer fijó, además, otras leyes principales que determinan el fenómeno: todo

objeto sensible existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, el fondo calidad de

sustancia; nunca los límites son comunes a ambos campos; siempre pertenecen a la figura;

se tiene la impresión que el fondo `pasa' por detrás de la figura; la figura es por lo general

el campo de menor tamaño; el color es más denso y compacto en la figura que en el

fondo; también aquella presenta mayor estabilidad, claridad y precisión, apareciendo

siempre más cerca del espectador. Todo lo de la figura se recuerda mejor.

IMAGEN

Se llama usualmente imagen a las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de

aprehensión de un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar

ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación.

Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas,

afectivas, volitivas, etc. En el sentido artístico, la imagen plástica puede ser definida como

el resultado de un proceso de creación, en el que, buscando la adecuación de los

materiales, las técnicas y la organización sufre una transformación de las impresiones

sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la experiencia, la que

aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La

imagen trae consigo la actualidad del objeto convocante de lo dado.

PERCEPCIÓN

El término alude primariamente a una aprehensión, sea cual fuere la realidad aprehendida.

Percibir es en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas intelectuales se habla

entonces de nociones. El rojo o el verde no son sensaciones, son algo sensible, y la

cualidad no es un elemento de la conciencia, sino una propiedad del objeto.‖ También es

distinta de la intuición intelectual, parece ser equidistante de ambos actos. Distingue entre

percepción interna y externa, llamadas a veces intuiciones. La interna llamada también

inmanente, son vivencias intencionales, cuya esencia consiste en que sus objetos

intencionales, cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial. La percepción es

sensible cuando aprehende un objeto real, `que es aprehendido directamente' y categorial

cuando aprehende un objeto ideal, es decir cuando se constituyen nuevas objetividades

que se fundan en las anteriores y se refieren a ellas. Dentro de este campo la percepción

tiene una base sicológica, pero con un propósito ontológico. No se supone al mundo

percibido el mundo de las ideas. La idea descansa sobre la percepción. El mundo percibido

es el fondo siempre presupuesto por toda racionalidad, todo valor y toda existencia. Para

dar un ejemplo, al observar una mancha clara, sobre un fondo oscuro homogéneo, todos

los puntos que integran la mancha, tienen una función, hacer de ellos una figura. El color

de la figura parece ser más denso que el del fondo, hay contraste; los bordes de la mancha

de la figura, le pertenece totalmente a ella; la figura parece colocada sobre el fondo, al cual

no interrumpe y que pasa por debajo de ella. Esto constituye una percepción elemental,

pero como cada parte anuncia más de lo que contiene, ya está cargada de sentido.

PROPORCIÓN La proporción es un factor de suma importancia en la vida y el que más ciertamente se

asocia con la belleza. Si estudiamos el cuerpo humano y la forma de otros seres vivientes, elementos naturales u objetos, es muy probable que su belleza dependa de la proporción,

o de la relación en que se encuentran sus diversas partes con respecto al todo.

PUNTO Según Wassily Kandinsky, es el elemento plástico básico. Siguiendo sus conceptos el punto

en plástica no es un ente material, sino que al reclamar una cierta superficie sobre el

plano, se materializa, posee límites, sus tensiones internas y comienza a vivir como ente

autónomo; en él se encuentra el embrión de la línea y el plano, pero se lo percibirá como

punto si en relación con el plano que lo contiene y los elementos que lo rodean, su

tamaño es adecuado a la percepción de un punto. Su forma externa es variable, sea

circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc.

Constituye el `sonido' elemental de la plástica y con sólo un punto sobre el plano éste ya

comienza a expresarse estructuralmente. Existe una designación geométrica del punto a

través de la O. igual `origo' es decir, origen, comienzo.

PLANO

Tiene dos dimensiones. Rectángulo del cuadrado. Se le denomina también al nivel espacial.

Que guarda siempre características de chatura, de mucha profundidad. Desde el punto de

vista geométrico, el plano puede ser representado sobre una superficie, pero en el espacio

no es posible representarlo sin espesor, tiene que existir como material, en este caso si el

alto y el ancho predominan con respecto al espesor percibimos la forma como un plano.

Hay dos tipos de plano. El plano regular y el plano irregular; el plano regular se refiere a

que tiene una forma definida como por ejemplo las figuras geométricas, y el plano

irregular es aquella figura que no tiene su forma bien definida como puede ser una

manchas o un garabato.

MOVIMIENTO

Es el foco de atención más fuerte en una comprensión. Sugerencia que logra en un orden

plástico debido a la aplicación, en la organización, de determinados fundamentos visuales:

destino común, buena dirección, agrupamiento, secuencia lineal, transponibilidad,

progresión, alternancia, etcétera. Tensión existente entre varios elementos formales o

lineales y el campo que los contiene, a través de la cual las figuras son atraídas, repulsadas

o aquietadas provocando la sugerencia del movimiento o desplazamiento. Según la regla

de Duncker, en la experiencia de desplazamiento el marco tiende a permanecer fijo,

mientras que el objeto dependiendo de ese marco ejecuta el movimiento. La estructura

del contexto en el espacio y en el tiempo determinan la percepción del movimiento; de

igual manera ocurrirá con las propiedades del movimiento, es decir velocidad y dirección

(la velocidad puede ser constante, cambiar en progresión regular o abruptamente). El

movimiento se percibe dentro de ciertos límites de velocidad, el minutero del reloj,

aparentemente parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las paletas de un ventilador

se ven como una forma borrosa y quita dada su alta velocidad. De igual manera un objeto

pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran tamaño. La dirección

está determinada por el sentido de la secuencia en que un objeto, forma, color, etc. sigue

en un orden dado, o por la tensión de una línea, forma, etc. con respecto a un borde o en

su propia dinámica, así vemos desplazarse hacia arriba a una vertical con velocidades

distintas en sus extremos, subir a un triángulo isósceles, dirección igual en una horizontal

con mínima diferencia de velocidad hacia la izquierda, y carecer de dirección a un

cuadrado. Es decir, los elementos axiales expresan movimiento, una catedral gótica es

ascendente. Las superficies curvas expresan movimiento doble, acercarse y alejarse.

El movimiento puede ser continuo, con dirección establecida, lineal o giratoria. La forma

del movimiento puede ser simple o compleja, cuando por ejemplo, varios elementos

realizan igual movimiento con igual ritmo, o cuando dos o más grupos realizan distintos

movimiento organizados con ritmos distintos entre sí.

CROQUIS

Diseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de un paisaje, de una posición militar,

etc., sin valerse de instrumentos ni aparatos geométricos en forma de dibujo y como

tanteo o preliminar de algo que puede completarse. A pesar de ello un croquis no carece

de mérito. Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se consideran actualmente

como obras de gran valor, debidamente apreciadas y con categoría de producciones

artísticas. Son famosas, por ejemplo, algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da

Vinci, etc.

BOCETO O BOSQUEJO

En pintura, es la plasmación de la primera idea del artista, realizado en un borrador, es

decir, en una superficie apta simplemente para trazar unas líneas y dar unos colores, todo

de forma rápida, y con el único objeto de conocer el objeto que ha de producir la obra

definitiva.

TONO

Color integrado en todas sus dimensiones. Se denomina también tono a la escala

resultante de un color mezclado sea con blanco, negro o gris, es decir, al matiz o bien con

su color complementario.

ESCALA DE VALORES:

Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este

caso se refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre

polos de claridad u oscuridad.

TONALIDAD

Es la resultante de diversas relaciones del tono, conceptuado en todas sus dimensiones,

que por su organización tienden a provocar un tipo tal de orden de color que se

manifiesta moviéndose hacia la armonía, el contraste o la relación de temperatura. Frente

a un cuadro siempre se hace referencia a la tonalidad dominante, sea armónica, por

predominio de un solo color (monocromático), por predominio de un color al cual los

otros tienden a asemejarse por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como por su

oposición (contraste), o por su temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse también

en valores de grises.

VALOR

Grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de valor, por ejemplo,

blancos y negros. El valor pone de manifiesto un mayor o menor grado de la posibilidad

lumínica, ligada ésta siempre a la claridad u oscuridad del mismo. El valor no es condición

única de los grises que resultan de la mezcla de blanco y negro, sino de toda aquella

superficie que refleje más o menos luz. Así el color puro tiene un valor que es intrínseco,

dependiendo siempre de su grado de claridad, teniendo en consecuencia una ubicación

con respecto a la escala de valores; de esto resulta que el amarillo es más claro que el

violeta y el rojo anaranjado, tanto como el azul verde se encuentran en el centro de estos

extremos. El valor de un color puede a su vez ser variado y controlado por las mezclas

que él mismo sufra, sea con blanco, negro, grises y sus complementarios, en este caso no

sólo varía su valor sino a la vez su saturación, dado que la mezcla quebranta el color,

neutralizándolo y haciéndole perder su pureza.

II CAPITULO

HISTORIA DEL ARTE

Historia del arte se refiere a la historia de las manifestaciones humanas y las artes visuales

basándose en la esquematización en que se encuentran dividido, tales como la pintura,

escultura, dibujo y arquitectura. Las definiciones abarcan las teorías de las artes visuales

desde sus comienzos hasta nuestros días. La historia del arte trata de realizar un análisis

a través de culturas y periodos, identificando mediante a sus influencias y características

que lo distinguen de su periodo.

En donde surgió y se desarrollo la historia del arte, fue en el occidente, al principio solo se

inclinaron en la pintura occidental, específicamente al inicio del modernismo o de ciertas

limitaciones, mediante una visión artística se ha expandido tratando de establecer

sociedades en un descripción global analizando sus patrimonios culturales. Con relación a

las artes visuales se considera las creaciones del hombre que posee belleza, de los

monumentos megalíticos de Europa occidental a las pinturas de la dinastía Ming en china.

El estudio de la Historia del Arte es una rama inmensa, que va directamente relacionado

con la historia de la humanidad y su existencia. Para facilitar el aprendizaje prefirieron

clasificarlos en etapas históricas y disciplinas de trabajo.

Para facilitar el estudio de Historia del Arte, los historiadores han optado en dividir en

varias etapas, las más utilizadas y de mayor importancia en su época difundida y son estas

que a continuación se le presentan:

2.1 PREHISTORIA:

ÉPOCA PALEOLÍTICA

Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas

pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la

expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se

presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que

pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran

líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego

interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le

ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos,

los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una

segunda fase, la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el

color y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada

Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una

asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada

policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del

Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de las formas,

adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

PINTURA:

Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra

Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en

diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,

alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le

atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como rituales

para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras

manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes

blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.

Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la

esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

ESCULTURA:

El Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en

hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se

las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las

Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.

ARQUITECTURA:

En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia

y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que

recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras,

estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.

2.2 ARTE EGIPCIO

La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente

para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una

gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con

respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes

rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,

vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro

y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.

Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es

empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ARQUITECTURA:

Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron

monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los

ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios:

Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.

PINTURA:

La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente

para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella

se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una

gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La

representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de

Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de

frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.

Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.

Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es

empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ESCULTURA:

A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por

causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la

construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado,

Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de

Gizeh, entre muchos otros.

2.3 ARTE GRIEGO

Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del

Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,

proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad

genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El

atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La

sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los

griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.

El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a

sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de

elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña

península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras

ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y

modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.

ARQUITECTURA:

En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de

sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el

adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales,

luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las

ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron

origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.

MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual

pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

ESCULTURA:

La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene

libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto

es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el

movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura

humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con

características propias en cada una de ellas. Estas son:

- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una

técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran

de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos

se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas

como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la

Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.

- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones

artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las

mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta

época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón,

Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos

estilos tenían características propias.

- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma

modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de

realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de

monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a

un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes:

las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.

PINTURA:

Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento

la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir

por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha

quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.

Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y

Apeles.

CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo

que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de

su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y

originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades

del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo

negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas.

2.4 ARTE ROMANO

Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del

Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de

C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más

flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de

la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el

desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta,

predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas,

paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos

corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana,

resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que

pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas.

Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan

cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.

Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos

mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un

sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por

preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados, para lo

cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los

lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva

con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines.

Sus dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito

principal es haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo

conocido.

ARQUITECTURA:

Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas.

Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector

de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la

glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca

la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas.

Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a

su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos

sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda

(tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las

termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.

LA ESCULTURA:

Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el

retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego

la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna

Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la

corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del

período republicano.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se cumple en su

función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a

exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato

llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es una obra

anónima.

PINTURA:

La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser

copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas,

flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en

ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos

constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al

temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con

efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo

que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.

2.5 ARTE MAYA

El arte Maya, es un reflejo de su estilo de vida y cultura. Este arte se manifestaba, en

dibujos y pinturas en papel o al fresco, bajo y alto relieves en piedra, madera, barro, jade,

y hueso, así como figurillas de barro. El proceso técnico de los metales era conocido, pero

su escasez los hizo utilizarlo solo en adornos. La Música era muy apreciada y hay pruebas

de obras teatrales, que se llevaban a cabo en las ceremonias públicas. La nobleza Maya

encargaba trabajos muy finos para sus palacios, y para acentuar su grandeza, entre éstos, joyería de Jade y Obsidiana. Tronos grabados, pinturas murales, así como cerámica

policroma con escenas de la vida en las cortes, y por supuesto, Estelas con textos para ser

recordados por sus hazañas en batalla. La mayoría de figurillas de una extensa variedad, se

han encontrado en tumbas reales. El arte Maya, no era solo para la realeza, como lo

atestiguan los muchos hallazgos en las casas de la gente común.

Escultura:

La forma más conocida de escultura son las Estelas, que eran monolitos de piedra con

grabados de gobernantes o dioses y textos que han ayudado a entender su cultura, La

Mayor del Mudo Maya es la Estela E de Quiriguá que pesa 65 Toneladas y mide 10.5 Mt.

de Altura, y sus grabados cubren 8 metros de ella por tres lados. Otras formas incluyen

figurillas, dinteles de madera como en Tikal y El Zotz, (izq.), o piedra llamados Paneles,

destacando los de La Corona (anteriormente, sitio Q), Piedras Negras y Cancuén. Los

Mayas usaron mucho Jade en sus objetos, lo que es remarcable debido a su dureza, sin

embargo la fineza de grabados y esculturas en Jade es impresionante. El escultor trabajaba

con las tradiciones locales incluso en la forma de las caras, se puede identificar los estilos

de cada región, como perspectivas, gestos, vestimentas, y la profundidad de los grabados,

lo que respetaba la tradición. Los habitantes de Cotzumalguapa, muy cerca de Monte Alto,

desarrollaron un estilo artístico original, así como su propio estilo de escritura, que quedó

plasmado en el gran número de Esculturas Monumentales, que incluyen, Estelas, Altares,

Cabezas colosales y Esculturas tridimensionales. Además, de escaleras, pilares y piedras de

pavimento con inscripciones. También hay un gran número de Escultura pequeñas, Lo

Característico del Estilo de Cotzumalguapa es su extraordinario realismo al representar

figuras humanas, que en algunos casos, se pueden considerar retratos de personas, casi

seguramente, Reyes y Nobles. En Muchos casos, éstos individuos participan en complejas

escenas en las que interactúan con otros humanos o seres sobrenaturales. Son

elementos muy distintivos del estilo de Cotzumalguapa, las viñetas de lenguaje,

representadas con gran variedad de flores y frutas. Los signos Jeroglíficos, se escriben en

cartuchos circulares, pero éstos también adquieren formas complejas de animación. El

arte escultórico Maya en las cuevas, constituye otro grupo de importancia, con Grabados

y Petroglifos, hechos por medio de incisiones, picados y cincelados, las técnicas más

comunes en la escultura, otro clase de escultura es la tridimensional, en arcilla cruda una

forma rara y frágil de arte.

Pintura:

Los Mayas fueron grandes pintores, especialmente en cerámica, pero los murales en

Edificios y Cuevas, fueron muy importantes para ellos, ellos usaron muchos tintes

vegetales y minerales para sus obras de arte, como en los Murales de San Bartolo, los más antiguos e impresionantes descubiertos hasta ahora. con la descripción del mito Maya de

la Creación, hace más de 2000 años. El estuco fue preparado con un pegamento orgánico

extraído de un árbol endémico en Petén llamado localmente Jolol, mezclado con cal y

Sascab, en la parte interna y una mas delgada de cal muy fina con Barita, un mineral mas

fino que el sascab en la superficie, lo que le dio una gran durabilidad al mural. Los Mayas

también pintaban los Monumentos Templos y Palacios con pintura blanca y roja. Los

colores más típicos encontrados en el arte rupestre, son el rojo y negro, la inspección

visual sugiere que el negro es derivado del carbón, aunque otros pigmentos como el

manganeso pueden haber sido usados. El rojo, (Generalmente un rojo anaranjado

provenía de arcillas ricas en hierro, que se encuentra en las mismas cuevas aunque en

algunas hay hematina en el suelo (Un rojo brillante. El Amarillo y Azul son raros al

primero se ha encontrado en la Cueva de las Pinturas en el Sur del Petén, Guatemala. Al

igual que en Tikal y Nakúm, las cuevas Mayas también tienen graffiti así como copias

positivas y negativas de manos y más raramente de pies. La palabra Maya tz'ib se refiere a

pintura en general, incluyendo imaginería y escritura. Los artistas eran llamados aj

tz'ibob ('ellos los que pintan'), y eran maestros calígrafos y pintores que firmaban sus

trabajos. La vasta colección de arte Maya incluye el nombre de muchos ah tz'ibob,

trabajando y al lado de sus dioses patronos. El Vaso que se muestra abajo es de un estilo

muy particular llamada Los Danzantes de Holmul. Hay muchas muestras de arte popular

en dibujos de cuevas y Graffiti en varias ciudades Mayas. particularmente en Nakum y

Tikal.

3. TENDENCIAS ARTÍSTICAS

Las tendencias artísticas son las diferentes etapas que sufrío el arte, durante diferentes cambios en la historia, donde los artistas buscaron las diferentes formas de expresiones,

para así poder desenvolver en el gran mundo del arte, en especial en la pintura:

lasdiferentes tendencias artísticas son:

El realismo

Impresionismo

Expresionismo

Cubismo

Surrealismo

Dadaísmo

Arte abstracto

Arte po

EL REALISMO

El renacimiento fue una época donde los grandes maestros del arte se dedicaron al

realismo donde se descubrió el claroscuro y la perspectiva. El renacimiento tuvo su

centro en Florencia, donde los artistas comenzaron a estudiar las diferentes proporciones

y estudiaron la anatomía para aprender y mejorar los trazos artísticos.

En esta época fue un gran avance del arte que exaltaba los valores del espíritu, surgieron

grandes artistas, estos consideran el hombre como el núcleo del mundo: en sus obras, es

la figura humana fue la más grande expresión artística por la belleza física, pudieron lograr

la tendencia realista.

EL EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del

siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros

países europeos, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se

opone diametralmente al impresionismo. Tras finalizar la Primera Guerra Mundial, a esta

corriente pictórica le siguieron otras tendencias como el constructivismo, la nueva

objetividad, el informalismo y, más tarde, los denominados nuevos salvajes y el

fotorrealismo.

Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el

dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era

reflejar el mundo de manera realista y fiel —justo al contrario que los impresionistas—

sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Título: Una Chia del Pueblo Técnica: oleo

transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier

reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa

emotividad que subyacen a todas sus obras.

Esta corriente artística estuvo abanderada por conocidos pintores como August Macke,

Paul Klee o Franz Marc, quienes pertenecieron a distintas agrupaciones como Die Brücke

(El Puente) o Der Blaue Reiter (El jinete azul) —fundada por Kandinsky y Marc—, gracias

a las cuales fue posible la transición del expresionismo hacia la abstracción. Kandinsky fue

quien dio nombre al grupo. Sus motivos favoritos eran los caballos y su color predilecto

era el azul.

EL CUBISMO:

Corriente vanguardista que en pintura se caracteriza por la representación de objetos en

forma geométrica. Como su nombre lo indica, los artistas se expresaron a través de las

diferentes figuras geométricas. Logrando también en ello una excelente armonización de

color, en esta tendencia se trabaja objetos reales o imaginarios representándolos con

figuras geométricos trata de lograr la sensación de volumen representándolos en

diferentes puntos de vista cada elemento que contiene.

Técnica: Collage.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Título: Soñadora

EL SURREALISMO

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de

André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo

que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su

totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como

método de creación artística.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Título: Ciudad de Fantasía Técnica: Acrílico

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de

expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por

medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más

profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan

recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos,

elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y

maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de

perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en

el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

EL ARTE ABSTRACTO

Es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales,

acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o

formas naturales.

Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la

fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más

significativas del arte del siglo XX.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera

Título: Un Muerto con Sentimiento Técnica: Oleo

Título: Hijo de la Naturaleza. Técnica: Oleo

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa

y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias

significaciones.

Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que

exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o

bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones

geométricas y constructivas.

COLLAGE

Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado,

En pintura, un 'Kollaje' se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías,

madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc, esta técnica se realiza

pegando los diversos elementos sobre una superficie.

Título: El interior Técnica: Acrílico

Título: El Olvido eterno. Técnica: Crayón Pastel

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Autor: Edgar Roberto de León Mejía

ARTE POP

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y

Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que

consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

Técnica: Collage. Título: Libertad Perdida Autor: Edgar Roberto de León Mejía

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura

estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio

nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura

caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos

dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los

carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había

sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los

muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola,

etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series

reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

TÉCNICAS MIXTAS.

Término que designa el recurso de los artistas, principalmente los de la vanguardia

contemporánea, que consiste en reunir en una misma producción elementos de distintas

características y/o procedencias.

Autor: Edgar Roberto de León Mejía Autor: Edgar Roberto de León Mejía Título: Arturo Título: Depredación Mutua Técnica: crayón pastel graso/ crayón de madera

Técnica: acuarela / crayón pastel seco.

III CAPITULO

CLASIFICACIÒN DE LAS ARTES PLÁSTICAS

3.1 DIBUJO

Es el lenguaje con el que podemos proyectar, y hacer entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas. También se puede decir en otras palabras que

el dibujo es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto

para construcción posterior.

Para el arquitecto no es más que un medio auxiliar para la representación de las obras.

CLASIFICIÓN GENERAL Y POR RAMAS.

En la clasificación general existe el ARTISTICO Y TÉCNICO.

a) El Artístico: utiliza dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o abstractas.

b) El técnico: es el procedimiento utilizado para representar, trabajos de ingeniería,

edificios y piezas de maquinaria, que consiste en un dibujo normalizado.

3.1.1 DIBUJO ARTÍSTICO

Representación, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios. Suele

hacerse a lápiz, tinta, carboncillo o gis, o bien, combinando algunos de estos

procedimientos. El lápiz permite hacer líneas, así como trazos suaves o gruesos y

sombreados difuminados.

Dibujar consiste en registrar las impresiones recibidas básicamente a través de la vista,

sin embargo, como no es posible presentar en un solo plano todos los aspectos de un

objeto, el arte del dibujo está en la capacidad del artista para sugerir. Por lo general, lo

primero que hace el creador es observar el modelo con el que trabaja o que imagina,

repasa mentalmente sus rasgos y hace apuntes sobre las líneas dominantes para luego

incorporar los detalles. Se requiere ligereza en el trazo y seguridad en la línea.

Las técnicas de dibujo varían según el medio empleado y la superficie sobre la que se

dibuja. Entre las superficies sobre las que el ser humano ha dibujado a lo largo de la

historia se cuentan: cavernas, yeso, papiro, pergaminos, seda, tablas, bloques de piedra,

láminas de metal y, principalmente, sobre papel de distintas consistencias y tonos.

3.1.2 MATERIALES UTILIZADOS EN EL DIBUJO

Dibujo a Lápiz:

Cuando nosotros dibujamos con un lápiz sobre un papel lo que esta sucediendo es que el papel raspa al lápiz provocando que este se desgaste y deje pequeños pedacitos atorados

en la rugosidad del papel. Si el lugar en el que vamos a dibujar con el lápiz es demasiado

liso entonces este no pinta o pinta muy poquito. Como por ejemplo si tratamos de

dibujar sobre un vidrio.

Los lápices están hechos de de un material que se llama grafito. El grafito es lo que pinta.

El grafito lo mezclan con arcilla. Si tiene mucha arcilla el lápiz pinta clarito y si tiene poca

arcilla pinta obscuro. A los lápices que tienen mucha arcilla se les llama duros y a los que

tienen poca suaves o blandos.

Carboncillo:

El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión lenta de la

madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su duración.

se utiliza en los dibujos académicos, con un acabado muy esmerado, que realizan los

estudiantes de arte copiando reproducciones en escayola de esculturas clásicas. Para este

tipo de dibujo se utilizan carboncillos de distinta dureza. El efecto es un suave modelado

en el que se reproducen sombras, luces y reflejos con mucho detalle y una escala de grises

muy amplia. Para conseguir este efecto se funden los tonos con un difumino, una barra de

papel enrollado y afilado.

Sanguina:

La sanguina es un material que podemos usar para realizar dibujos. Puede encontrarse en

barra o lápiz. Tiene un color entre marrón y rojo terracota. Se fabrica con óxido de

hierro.

Un de sus encantos es que nos deja aprovechar la textura del papel. La barra se utiliza

fundamentalmente plana, usando toda su superficie. Es un ametrial que proporciona unos

resultados espectaculares: todo depende de como se trabaje, presionando más o menos.

Autor: Elmer Caniz Muy Título:Crecimiento Personal. Técnica: Claroscuro (carboncillo)

Tiene las ventajas del lápiz y del carboncillo a la vez. Las barras se usan con más

frecuencia, ya que se les puede sacar más partido. Los trazos se consiguen muy finos con

las aristas de la barrita o anchos si usamos la totalidad de la barra.

Si utilizamos el lápiz podemos obtener más precisión. Hay que tener cuidado de no usar

papeles muy rugosos, ya que el trazo no sería muy continuo.

Dibujo a tinta:

-El dibujo a pluma emplea distintos tipos de tintas:

La más frecuente es la tinta china, que se confecciona a basede negro de humo disuelto

en aceite, de goma arábiga y aglutinantes. Una vez mezclada con agua produce tonos

grises.

Además de constituir la materia prima del dibujo a pluma, la tinta es también la base de

otras dos técnicas de dibujo: el pincel y la aguada.

Autor: Elmer Caniz Muy

Técnica: Claroscuro (carboncillo) Título:Crecimiento Personal.

El pincel se usa con tintas puras o diluidas en agua.

-La Aguada.

Se utiliza generalmente combinada con dibujos a pluma y pinceles. Los efectos que se

consiguen son variados. Unas veces, se refuerzan simplemente las sombras, otras, el pincel

añade detalles en las partes oscuras. La aguada aporta al dibujo nuevas calidades luminosas

y cromáticas.

3.1.3 TECNICAS UTILIZADAS EN EL DIBUJO.

Claroscuro:

Se hace referencia a los efectos de luz y sombra en una obra artística, particularmente

cuando están muy contrastados. Leonardo da Vinci fue el precursor del claroscuro. En sus

estudios para aumentar la verosimilitud de la técnica de la perspectiva describió la

colocación adecuada de los puntos de luz para que las sombras propias de los objetos y las

arrojadas dieran idea de volumen. El término se asocia más comúnmente al uso de

Autor: Elmer Caniz Muy

Técnica: Aguada (Tinta china) Título: Equilibrio.

contrastes de luz y sombra para buscar impacto dramático como suele verse en los

cuadros de los pintores barrocos del siglo XVII, y en particular de los caravaggistas (véase

Michelangelo Caravaggio) y de Rembrandt. Resulta curioso que el claroscuro se considere

patrimonio ...

Clases de Sombras

-Sombra propia: Cuando la luz da sobre un objeto, éste queda iluminado por el sitio

que está de cara a la luz, pero por el lado opuesto se produce la sombra. Esta sombra que

se produce en el propio objeto se llama sombra propia.

-Sombra Proyectada: La proyectada es la que este cuerpo arroja sobre el suelo o la pared o, cualquier otra superficie cercan

EL RETRATO:

Para dominar el dibujo de la cabeza humana no sólo es necesario conocer su forma

externa y el canon de proporciones, sino que el artista debe representar con soltura, la

exactitud de la ejecución de algo y fuerza expresiva las partes del rostro, pues en ellas se

reflejan los sentimientos más íntimos del ser humano, al tiempo que son rasgos

identificadores únicos e irrepetibles.

El mejor camino para dibujar con perfección tales elementos es practicar estudios a partir

de modelos diferentes y en distintas posiciones. En nuestro caso llevamos a cabo un

amplio muestrario de pequeños dibujos con diferente nivel de acabado.

En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe

eliminar ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.

Título: Bodegón de Jarros. Autor: Elmer Caniz Muy

Técnica: CLaroscuro (grafito)

-La nariz.

En el caso de la nariz se trata de una cosa adjunta de menor relevancia que los ojos o los

labios, pero que a ser un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del

rostro humano, al tiempo que cobra una enorme trascendencia en la representación de la

cabeza de, perfil.

-La Oreja.

Se trata sin duda del motivo menos importante de todos los que configuran el rostro humano, y en numerosas ocasiones, incluso, queda oculto bajo el pelo, o porque la

posición de la propia cabeza dificulta o impide su visibilidad.

-Los Ojos.

Los ojos constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con

bastante exactitud en la ejecución de la personalidad del individuo. Juntamente con los

labios, son a modo de ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más

diversos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera en que en

ella se refleja el estado de ánimo. Para llevar a cabo el dibujo de un ojo, observado de

frente y de perfil, comenzaremos efectuando y localizando las distintas partes: párpados,

cejas, pupilas, etc. Ejemplo.

Iniciamos el dibujo, que ejecutaremos con lápiz, trabajando con la punta del lápiz, pero

preocupándonos principalmente por el contraste de tonos y la definición de las diferentes

formas.

Comenzamos a matizar la entonación del dibujo, al tiempo que se perfilan con mayor

nitidez, cuidando de emplear el trazo más apropiado en cada zona de nuestro trabajo a

partir del modelo.

-Los Labios.

Constituye una manifestación que conforman los labios. Se puede afirmar que a una

persona la caracteriza, en gran medida, sus labios; y no sólo en aquellos estados de ánimo

tan notables como la risa y el llanto, sino en otras muchas ocasiones. De nuevo nos

proponemos representar de frente y de perfil una parte significativa del rostro, en este

caso los labios.

A partir del encaje inicial comenzamos a entonar el dibujo, aún sin matizar los tonos, pero

buscando un ajuste más concreto de las diferentes formas y volúmenes que presenta el

modelo que tenemos delante.

Aumentamos progresivamente la entonación

puesto que trabajamos con lápiz, concretando criterios detalles significativos y buscando,

finalmente, ciertos contrastes tonales necesarios para obtener el volumen.

En nuestro ejercicio, ejecutaremos el retrato de una muchacha, con lápiz y fijaremos los

límites de altura (desde la barbilla hasta el final del cabello), en el retrato se buscado la

mitad de esa medida comprobando con qué lugar coincide (el final del párpado y el centro

del otro ojo). Puesto que nuestro medio así lo requiere la entonación la realizaremos de

una forma progresiva, reservando los tonos más oscuros para el fin

Entonamos los ojos y aumentamos la entonación del dibujo dando la aplicación del lápiz

más fuerte.

PROPORCIONES DEL ROSTRO:

-ROSTRO DEL ADULTO:

Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias

muy notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de

las proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto

de frente y de perfil.

EL RETRATO DEL NIÑO:

En el caso del niño los ojos ya no aparecen en la mitad del cuadrado y el volumen de la

frente es ahora muy superior. Las cejas, por su parte, quedarán justo a la mitad del rostro.

Así pues, apreciaremos con detalle la Situación de los elementos del rostro.

Proporciones del Rostro del Niño.

DIBUJO DE LA CABEZA:

La ejecución del retrato puede ser de frente, perfil, tres cuarto. En dibujo requiere mucha

precisión, aun más que la necesaria para dibujar la figura humana, sobre todo en lo que se refiere al ajuste de medidas y a la aplicación de las proporciones. Además, la captación en

toda su intensidad de la expresión del rostro exige una sensibilidad especial por parte del

artista.

3.1.2 DIBUJO TÉCNICO

El dibujo técnico se clasifica en:

D. Natural: Es el que se hace copiando el modelo directamente.

D. Continuo: Es el ornamento esculpido o pintado que se extiende a todo lo largo de una

moldura o cornisa.

D. Industrial: Su objetivo es representar piezas de maquina, conductos mecánico,

construcciones en forma clara pero con precisión suficiente y es por lo que emplea la

geometría descriptiva como auxiliar. Este facilita además la concepción de la obra.

D. Definido: No es propiamente rama, pero sí una fase de éste y se hace en tinta china y

con ayuda de instrumentos adecuados; que permitan realizar un trabajo preciso. Las ideas

de comunicar los pensamientos de una persona a otra por medio de figuras existieron

desde los aciagos tiempos del hombre de las cavernas, todavía se tienen ejemplo de sus

existencias.

3.1.2.1 MATERIALES QUE SE UTILIZAN EN DIBUJO TÈCNICO

Los principales instrumentos en el dibujo son: Mesa y Tablero, Regla T, Escuadras de 30 y

45, papel de dibujo; Compás, Escala, Goma de borrar.

Mesa y Tablero:

Es de una superficie completamente lisa, puede ser de madera o de lámina, plástico o algún otro material liso. La mesa tiene unos sostenes que permiten la inclinación de la mesa para

mayor comodidad. Es importante la iluminación pues debe quedar de derecha a izquierda y

del frente hacia atrás para no producir sombras. También puede ser un tablero de trabajo

independiente y el borde de trabajo debe ser recto y se puede comprobar con una regla

de acero.

Regla “T”:

Es un instrumento con una cabeza en uno de los extremos. Cuando se utiliza debe

mantenerse la cabeza del instrumento en forma firme contra uno de los lados del tablero

para asegurarse de que las líneas que se dibujen sean paralelas, asimismo sirve de apoyo a

las, escuadras para trazar ángulo.

Escuadras:

Las más comunes que se usan son de 30 y la de 45, estas se utilizan junto con la regla T o

regla paralela cuando se dibujan líneas verticales o inclinadas.

La Escala o Escalimetro.

Los escalímetros son reglas métricas graduadas en centímetros y milímetros. Tiene forma piramidal y cuenta con escalas diferentes, están referidas normalmente al metro, siendo la

más usadas: Esc. 1:100, Esc. 1:75, Esc. 1:50, Esc. 1: 20. Las escalas se usan para medir, es

muy importante que los dibujantes sean precisos con la escala.

El Compas.

Este instrumento sirve para dibujar circunferencias y arcos. Consta de dos brazos, en uno

se encuentra la punta y en el otro una puntilla o mina que gira teniendo como centro el

brazo con la punta.

Lápices para DibujoTécnico.

Para dibujar es necesario utilizar lápices con minas especiales, esto se gradúa por números y letras de acuerdo a la dureza de la mina. Un lápiz duro pinta líneas más suaves

que un lápiz blando a igualdad de presión. Es el instrumento básico para la representación.

3.1.2.2 LA LÌNEA:

Es el trazo que el punto deja al moverse. Surge de la alteración del reposo total del punto.

Con ella se salta de una situación estática a una dinámica. La línea se halla en el extremo

opuesto al elemento primario, es decir al punto, y constituye un elemento derivado o

secundario.

CLASIFICACIÒN DE LAS LINEAS:

Las líneas se clasifican según su forma, su posición en el espacio y la relación que guardan

entre sí.

Según su forma

Línea Recta: Son todas aquellas líneas en que todos sus puntos van en una misma dirección.

Línea Curva: Son las líneas que están constituidas en forma curva; pero a su vez sus

puntos van en direcciones diferentes.

Línea Quebrada: Esta línea está formada por diferentes rectas a su vez que se

cortan entre sí y llevan direcciones diferentes.

Línea Mixta: Está formada por líneas rectas y curvas que a su vez llevan direcciones

diferentes.

Según su posición en el espacio

Línea Vertical: Es la línea recta perpendicular al horizonte.

Línea Horizontal: Es la línea que corresponde al nivel del agua cuando esta se

encuentra en reposo.

Línea Inclinada: Es la línea que desiste de su posición vertical y horizontal y

presenta un extremo inclinado hacia uno de sus lados.

Según la relación que guardan entre sí

Líneas Paralelas: Son dos o más líneas que estando en un mismo plano jamás llegan

a unirse al proyectarse sus extremos.

Línea Oblicua: Es la línea que se encuentra con la horizontal formando un ángulo

que no es recto.

Líneas Convergentes: Son líneas que partiendo de puntos diferentes se unen en

otro al proyectar sus extremos.

Líneas Divergentes: Son las líneas que parten de un mismo punto y al proyectar sus

extremos se separan en direcciones diferentes.

Línea Perpendicular: Es la línea que se encuentra con la horizontal formando un

ángulo recto.

Líneas que se emplean en el Dibujo Técnico

Línea Llena y Gruesa: Para destacar aristas visibles de cuerpos y contornos.

Línea Llena y Delgada: Se utilizan para señalar diferentes longitudes

Línea de Trazos Cortos: Para aristas y contornos ocultos.

Línea de Trazos y Puntos: Se utiliza para líneas de ejes y centrales. Esta línea debe

comenzar y terminar en trazos.

3.1.2.3ROTULACIÓN

Para la descripción completa de un plano se requiere: el lenguaje gráfico para mostrar la

forma y disposición, y la escritura para indicar las medidas, métodos de trabajo, tipos de

material y otra información. La clase de letra más usada corrientemente es la gótica

comercial, a base de trazo simple. Las letras pueden ser mayúsculas o de caja alta y

minúsculas o de caja baja, ambas a base de tipo inclinado o vertical. a veces emplean letras

verticales para los títulos y letras inclinadas para dimensiones y notas, u otras

combinaciones

Deben trazarse líneas de guía que delimitaran la altura de las letras. Estas líneas serán de trazo muy fino y a lápiz. La distancia entre líneas de letras se toma generalmente de media

vez a vez y media la altura de las mayúsculas.

Se empieza señalando la altura de las mayúsculas en la primera línea Haciendo lo mismo

con los bordes superiores, tendremos situadas las líneas de guía que necesitamos.

Rotulado a lápiz. El orden de los trazos y las dimensiones de las letras deben aprenderse

practicando primeramente con el lápiz antes de ensayar con tinta.

La mina debe afilarse de forma que se obtenga una larga punta cónica. La presión del lápiz

sobre el papel debe ser lo más uniforme posible y es conveniente acostumbrarse a hacer

rodar el lápiz entre los dedos cada tres o cuatro trazos, para conseguir una mayor

uniformidad. El lápiz debe sostenerse en la mano con la fuerza mínima necesaria para

controlar los trazos.

Aparatos y plantillas para rotular. Permiten el trazado de letras normalizadas de diversas

alturas con gran uniformidad. Se encuentran en el mercado diferentes gruesos de plumillas

para los correspondientes tamaños. Las guías y las plantillas contienen también muchos

símbolos empleados en los planos, tales como símbolos de soldadura, arquitectónicos,

eléctricos, etc.

Para una buena rotulación debes tomar muy en cuenta las siguientes normas:

Conocer su forma correcta.

Trazar líneas de guía para su altura.

Trazar líneas de guía para su inclinación.

Orden y sentido de los trazos.

3.1.2.4 Polígonos

Es una figura geométrica plana limitada por al menos 3 segmentos rectos consecutivos no

alineados, llamados lados. La palabra "polígono" procede del griego poly, que significa "muchos", y gonos, que significa "ángulos". .

Polígono simple.

Nombre Número de lados

TRIANGULO: 3

Es un polígono de tres lados; está determinado por tres segmentos de recta que se

denominan lados, o tres puntos no alineados que se llaman vértices, cada lado de este

polígono mide 120 grados.

CUADRILATERO: 4

Es un polígono que tiene cuatro lados. En todos los cuadriláteros la suma de los ángulos

interiores es igual a 360º, cada lado de este polígono mide 90 grados.

PENTÀGONO: 5

Es un polígono de cinco lados y cinco vértices, cada lado de este polígono mide 72

grados.

HEXÀGONO: 6

Es un polígono de seis lados y seis vértices, también es llamado o exágono, cada lado de

este polígono mide 60 grados.

HEPTAGONO: 7

Es un polígono con siete lados y siete vértices, cada lado de este polígono mide 51.43

grados.

OCTAGONO: 8

Es una figura plana con ocho lados y ocho vértices, cada lado de este polígono mide 45

grados.

ENEÀGONO: 9

Es un polígono de nueve lados y nueve vértices, cada lado de este polígono mide 40

grados.

DECÀGONO: 10

Es un polígono de diez lados y diez vértices, cada lado de este polígono mide 36 grados.

ENDECÀGONO: 11

Es un polígono de 11 lados y 11 vértices, cada lado de este polígono mide 32.73 grados.

DODECÀGONO: 12

Es un polígono de 12 lados y 12 vértices, cada lado de este polígono mide 30 grados.

3.1.2.5 PERSPECTIVA:

Es el arte o teoría de dibujar objetos tridimensionales en una superficie de dos

dimensiones para recrear la profundidad y la posición real de los objetos. Es un ilusión

visual que percibe el observador, que ayuda a determinar la profundidad y ubicación entre

objetos a diferentes distancias. En el dibujo y otras áreas, la perspectiva simula la

profundidad y los efectos de reducción dimensional y distorsión angular que se producen.

Términos utilizados en la perspectiva

Punto de vista ojo o punto negro: Es el punto desde el que se observa la imagen,

sería como el ojo del espectador.

Nivel óptico N.O: Es un círculo horizontal completo a la altura de nuestros ojos

que trazamos girando la cabeza o el horizonte cuando estamos a nivel del mar.

Línea de Tierra LT: Una línea destinada a la medición, transcurre a ras del suelo y

paralela al nivel óptico.

Horizonte - H: Es la línea divisoria entre el cielo y la tierra y puede hallarse por

encima del nivel óptico.

Paralelas de perspectiva: También se emplea el término "Paralelas de fuga". Son las líneas vistas como paralelas en el plano, pero que en la perspectiva parecen

converger en el infinito en un punto en el nivel óptico.

Líneas de trazado: Líneas que unen un punto de un cuerpo con otro, o la

trayectoria de una sombra en un objeto sobre el plano del suelo o por el objeto.

Puntos de fuga- PF: Son puntos a nivel óptico a cualquiera de los dos lados del centro de visión hacia los cuales convergen las líneas paralelas que se alejan de

nosotros y dan la impresión de desaparecer. Se pueden extender al infinito a la

izquierda y a la derecha.

3.1.2.5.1 TIPOS DE PERSPECTIVA:

Perspectiva frontal:

Este tipo de Perspectiva representa los volúmenes totalmente de frente, en esta

perspectiva las líneas verticales permanecen perpendiculares a la línea de tierra y las

horizontales paralelas a esta. Las líneas de profundidad ce unen en el punto de fuga que se

encuentra ubicado en la línea de horizonte.

Perspectiva oblicua:

También conocida como cónica, en este tipo de perspectiva se representan los cuerpos

de una forma inclinada, La característica principal es que tiene 2 puntos de fuga en la línea

de horizonte en los cuales convergen las líneas de profundidad. Las líneas verticales

permanecen perpendiculares a la línea de horizonte.

Perspectiva Vista de Pájaro:

Este tipo de perspectiva posee 3 puntos de fuga, dos ubicados en la línea de horizonte y el

tercer punto lo encontramos mucho mas abajo que la línea de horizonte. Esta perspectiva

se comienza trabajando como la oblicua pero se diferencia a esta debido a que las líneas

verticales convergen en el tercer punto.

Perspectiva Vista de Hormiga:

Al igual que la perspectiva vista de pájaro a este tipo de perspectiva se le agrega un tercer

punto con la única diferencia que en esta ocasión el punto ira por encima de la línea de

horizonte, también las líneas verticales convergen en este tercer punto.

3.1.2.6 PROYECCIONES ISOMÈTRICAS:

Es la proyección axonométrica en la que se establece una relación proporcional entre las

direcciones del objeto mismo y las del objeto representado.. La isometría es una de las

formas de proyección utilizadas en dibujo técnico que tiene la ventaja de permitir la

representación a escala, y la desventaja de no reflejar la disminución aparente de tamaño -

proporcional a la distancia- que percibe el ojo humano.

3.2 PINTURA:

Es una de las mas maravillosas expresiones artísticas representando objetos, reales o lo

imaginarios sobre una superficie plana por variedades de colores; a través de la historia la

pintura fue un desarrollo de varias civilizaciones porque por medio de ello pudieron

comunicarse, a través de esto el hombre ha podido reflejar y reflejará su desarrollo

emocional.

3.2.1 EL COLOR

El color esta completamente ligado al a luz. Un colores una honda o es una radiación del

conjunto es si que forman la luz solar, onda que el ojo percibe que codifica como colores

primarios y secundarios. También permiten definir el color como una sensación.

3.2.2 FENOMENOS DEL COLOR:

En la distinción del color intervienes descolores lumínicos: la reflexión y la absorción de la

luz

La reflexión.

La reflexión es el fenómeno del cambio de dirección de rayos de la luz al chocar con una

superficie pulimentada ejemplo: como el espejo o cualquier otra que reflecte.

La absorción.

Es el fenómeno contrario ala reflexión consiste en propiedad de algunos cuerpos. Al

absorber ondas lumínicas y transfórmales en color unos objetos al percibir la luz,

obserben ciertas ondas de luz y reflexiona otras por ellos una reflexiona una clase de

ondas y otros esto denomina su color.

Clases de colores.

El término sugiere la existencia de más de uno esto implica la clasificación de relación a

distintas o similares características.

Colores por su naturaleza.

Según la naturaleza los colores pueden ser color luz o colores físicos o colorantes los

0primeros son objetos de estudio

De la luminotecnia lo0scolores químicos interesan al arte dado que son los utilizados en

distintas forma para darle color al ambiente físico y artificial.

3.2.3 CÌRCULO CROMÀTICO:

El círculo cromático ordena doce colores proyectando espacios en los que se pueden

agregar otros según las mezclas de los anteriores.

Colores Primarios:

Son los colores que no se puede crear mezclando otros colores, los colores primarios se pueden mezclar entre sí para producir la mayoría de los colores, estos son: rojo amarillo y

azul.

Colores Secundarios:

Los colores secundarios son los que se obtienen mezclando a partes iguales los colores

primarios, de dos en dos, estos son:

Rojo más Azul = morado.

Rojo más Amarillo = naranja.

Amarillo más Azul = verde.

Colores Terciarios:

Los colores terciarios son los formados por la mezcla de un color primario con un color secundario, estos son:

Amarillo verdoso

Azul verdoso

Azul violáceo

Rojo violáceo

Rojo anaranjado

Amarillo anaranjado

3.2.4 TÈCNICA DEL COLOR:

TEMPERA

La tempera comercialmente se conoce de este nombre a un articulo para pinatar

compuesto con pigmentos polvorizados

En esta técnica se trabaja cualquier tipo de objetos. Bueno lo que mas trabajan con la

tempera son los paisaje porque es mas fácil de hacer.

La témpera, también llamada gouache, es la pintura que más se usa en la enseñanza. Se

aplica con cualquier pincel, siempre que sea blando. Se puede pintar con ella en cualquier

clase de papel, cuando está seca se puede aplicar otro color encima sin que se

transparente el que hay debajo.

Título: cultandose de la suavidad Autor: Byron Aguilar

Técnica: Tempera

CRAYON PASTEL SECO

La técnica de trabajar con el crayón pastel seco lo podemos trabajar bodegones como, jarros frutas, flores y también podemos realizar diferentes tipos de paisaje, rural, urbano,

marino.

El pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de artistas, tanto por

la luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de pigmento que las

barras contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no requiere paleta,

pinceles ni sustancias diluyentes.

El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la ventaja de la

rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar nuevas

capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite

pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y

colores saturados.

Autor: Martín López García.

Técnica: crayón pastel Título: Amaneciendo en el paraíso.

ACRILICO

El bodegón de jarros así con la pintura acrílica es igual que la tempera lo podemos pintar

rápidamente porque la pintura se seca muy rápido en este caso lo que debemos de hacer

es tener ya mezclados nuestros colores en nuestra paleta para que no se seca en este

caso lo podemos pintar sobré hojas e papel bond de 120 gramos o sobre cartón chip

(piedra), podemos realizar deferente tipos de bodegones como bodegón de jarros,

bodegón de flores, bodegón de frutas, paisajes. Es una clase de pintura de secado rápido,

en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola

vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la

misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica

ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del

siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

Título: Crucifixión

Autor: Byron Aguilar

Técnica: Acrílico

ÓLEO

La pintura de óleo consiste en mucho polvo de color muy finito mezclado con aceite

formando una pasta espesa (Al material del cual se saca este polvo le llamamos pigmento).

Para pintar con óleo necesitamos un pincel, un trapo para limpiarlo, una tablita para

mezclar los colores y aceite de linaza para hacer más aguada la pintura y para limpiar el

pincel. También necesitamos un soporte sobre el cual pintar.

Muchos artistas pintan con óleo porque es de las pinturas que tiene el color más intenso y

brillante. Con óleo puedes pintar sobre muchos materiales, los más comunes son sobre

tela y sobre madera.

Los artistas siempre prueban todo, así es como van inventando los materiales y las

técnicas que usan. El ir inventando nuevas formas de hacer las cosas es también parte del

que hacer de los artistas.

Autor: Edgar Roberto de León Mejía

Técnica: Óleo Título: Pensamiento

ACUARELA

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores

utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el

fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos

aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está

realizando.

Autor: Edgar Roberto de León Mejía

Técnica: acuarela Título: Cultivando el final

3.3 ESCULTURA:

Arte de crear formas con expresividad en tres dimensiones reales o abstractas en barro,

madera, metal, mármol, u otros materiales para darle forma, utilizando para ello la talla

directa o el modelado.

3.3.1 TIPOS DE ESCULTURA:

En Bulto: es aquella que se realiza con diferentes tipos de materiales, ya que si se presenta

se le llama estatua dependiendo de cualquier personaje como por ejemplo de aquellas

religiosas u otros personajes como muy bien lo dice en bulto.

Las esculturas de la figura humana según su posición se conoce como:

Busto: Figura humana solo representa la cabeza

Torso: Figura humana donde le falta la cabeza, las piernas y brazos.

Pedestre: Figura humana de Pie.

En Relieve:

representa formas o niveles de resalte o rebaje de algún diseño, modelo o dibujo, con

respecto del nivel de la base. Se divide en Bajo y Alto.

3.3.2 TÈCNICAS DE ESCULTURA:

Alto relieve:

Es aquella o aquellas figuras que salen sobre el fondo, ya sea por más de la mitad de la

base en que desea realizar o trabajar es por eso que se le llama alto relieve.

Bajo relieve:

Son aquellas figuras que salen del fondo menos de la mitad de la base o material en que se

trabajara.

Técnicas para representar el volumen de un cuerpo.

En toda extensión espacial se consideran tres dimensiones: alto-largo-ancho, y a la medida

de la extensión de un cuerpo, se le llama Volumen.

Directamente relacionado con el volumen se encuentra La Escultura, según sus técnicas, el

tallado, modelado, doblado y armad o ensamble.

Tallar:

Es gasta o rebajar los materiales diferentes con herramientas adecuados, por ejemplo; El

Mármol, se talla con formón, cincel y martillo, el Yeso se talla con espátula.

Se talla en materiales duros como:

- Mármol

- Piedra

- Madera

- Y otros.

Para lograr los volúmenes deseados se aplican distintas técnicas tales como:

- Tallado en jabón

Materiales:

- Jabón (para lavar ropa)

- Cuchilla

- Modelo o dibujo a representar

- Una bolsa plástica desechable mediana.

Procedimiento:

1. Tener en mente lo que desea realizar, según el modelo.

2. En base a esto ya podemos empezar a quitarle partes al jabón, donde no sea

necesario.

3. Luego ya podemos darle el detalle en base a lo deseamos crear.

siempre lo que se representa debe tener un parentesco con el modelo o dibujo.

4. La bolsa sirve para depositar los restos del jabón que no sirven.

Tallado en verdura

Materiales:

- Papas, zanahorias, güisquil

- Palillos

- Cuchilla

- Una bolsa plástica desechable mediana.

Procedimiento:

- Cortando la verdura dependiendo de lo que desea crear.

- Luego en este caso es muy importante saber que se desea realizar, se

Utiliza los palillos para unir partes del objeto creado,

Modelar:

Es formar con las manos a una materia blanda, según el modelo que se tenga. Son

materiales modelables:

- La plasticina

- La cera

- El barro

- Papel

- Y otros.

Modelado En Papel

Materiales:

1 libra de papel periódico u hojas usadas de algún cuaderno viejo.

Un bote de resistol mediano.

2 rollos de papel higiénico.

Un recipiente hondo mediado para mezclar.

Un pincel o brocha pequeña.

Un Masquen tape mediano

Una foto de cualquier reptil.

Procedimiento:

1. Manipulando el papel periódico, se le da la forma al reptil, con cada detalle que el reptil tenga en el cuerpo se va asegurando con el masquen tape.

2. Cuando ya se tenga la forma del animal, se mezcla resistol con agua, en el

recipiente. Con el papel higiénico, se van separando sus hojas, una por una.

3. Se coloca el animal en una superficie plana, la brocha se moja con el resistol y el

agua, se le aplica en todo el cuerpo del animal, después se le deja caer hoja por

hoja de papel higiénico, tratando de que dicho cuerpo quede cubierto todas sus

partes.

4. Cuando ya este seco el papel higiénico con el resistol, se decora el cuerpo del

animal según el modelo que se tenga, y dejarlo a secar.

Modelado en Barro

Figura humana Estilizada

Materiales:

- Barro amasado

- Estecos

- Palillos

- Cortadora

- Agua

- 2 bolsas de basura

Procedimiento:

1. El barro amasado, debe tener la forma de un cuadrado o rectángulo, para darle esta

forma es necesario compactar el barro, entonces se compacta colocando una bolsa

en el piso y se deja caer el barro una y otra vez, hasta que tenga la forma del cuadro.

Los Estecos se utilizan para desgastar pequeñas partes del barro que no se utilice, la

cortadora sirve para quitar partes grandes del barro. Los palillos se utilizan para

detalles pequeños. Con estos instrumentos se modela la figura según la posición o

estilo deseado.

2. Las bolsas de basura se utilizan para proteger y garantizar el estado del barro.

Materiales para realizar Estecos:

- Un rollo de alambre galvanizado del grueso

- Martillo grande

- Cinta de aislar

- Alicate para alambre grueso

- Alicate pequeño o mediano

Procedimiento:

1. Cortar tres pedazos de alambre galvanizado de 20 centímetros, la forma del alambre

galvanizado es redonda, entonces con el martillo y en el suelo aplanar el alambre, los

tres pedazos cuando ya estén aplanado el alambre, con el alicate pequeño se

sostiene el alambre, y con el alicate grande se le da forma al alambre de un

cuadrado, dejar un espacio de alambre como agarrador de dicha figura para unir las

puntas del alambre, se utiliza la cinta de aislar.

2. De la misma manera se obtiene otro esteco, pero con forma circular y otro

triangular.

Armado o Ensamble:

Es la unión de piezas de diferentes formas, con el propósito de crear una figura real o abstracta.

Nota: Se utiliza material reciclable.

3.4 GRABADO

El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una

imagen dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en

una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de colocar tinta en las cortes, que

después se traslada por presión a otra superficie como papel o tela.

La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de Cobre, pero también

se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza

el dibujo por medio de líneas, excavadas en la superficie de la plancha. Existen varias

técnicas para grabar el dibujo.

La palabra "grabar" es de origen alemán "graben" significa cavar. Entró en el castellano por

medio del termino francés " graver". El significado de grabar es trazar en una materia,

marcas, letras o signos con una pieza cortante como el buril. El grabado se origina en

China, a raíz de la invención del papel hacia el año 105. En su forma más elemental la

xilografía o grabado en madera, es un método tipográfico, que utiliza el mismo principio

en que se basaron las antiguas imprentas. El grabado prosperó en Europa en el siglo XIV y

XV con la llegada del papel. Con el descubrimiento de las técnicas calcográficas como el

aguafuerte y la aguatinta, además de la incorporación de las planográficas como la

litografía.

Hoy podemos afirmar que el grabado es uno de los motores de un fenómeno histórico sin precedentes: el Renacimiento. La posibilidad de reproducir la obra permite por primera

vez a los artistas del momento el poder conocer la obra de los clásicos, sin moverse de su

ciudad gracias a la labor de los copistas, además de conocer la obra de artistas coetáneos.

Las técnicas del grabado surgieron para imitar a otras técnicas de la pintura y el dibujo ya

existentes.

El grabado es una experiencia enriquecedora para todo artista. Se puede observar una

gran transformación estética en los trabajos de grabado.

Xilografia.

Es la técnica en la que se obtienen múltiples copias de la misma imagen, en la que se

pueden utilizar cualquier tipo de superficie maleable, como madera noelite. La madera se

puede obtener del árbol de dos maneras. Haciendo un corte en el sentido longitudinal del

tronco, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol. De esta

manera estaremos realizando una "xilografía a fibra" o una "xilografía a contrafibra".Sobre

la matriz de madera, la imagen se construye tallándola mediante "gubias", con las que se

rebaja la superficie de la madera, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco

o a la ausencia de color. Cuando se ha terminado de

tallar la imagen, se entinta la madera o la superficie a trabajar con un rodillo, que deposita

la tinta en toda la superficie, salvo en los huecos tallados con las gubias. La imagen se pasa

al papel utilizando una prensa.

Monograbado.

Es una técnica en la que solo se logra obtener una vez la imagen, existen distintas

modalidades entre las que se encuentran: impresión de huellas, impresiones de hojas y

diferentes materiales. Sus nombre proviene de la palabra mono que significa uno lo cual

nos da a entender que las imágenes aunque se realice con el mismo objeto nunca

obtendremos la imagen con la misma posición.

Con las manos

Con hojas de arboles.

Con doblador.

Mancha Simétrica

Esta Técnica que consiste en la mezcla de pinturas, tinta o cualquier pigmento soluble

sobre una superficie la cual debe de ser doblada a la mitad y luego se aplica pintura, tinta u

otro material luego se dobla la superficie a a mitad y queda plasmada la imagen simétrica ;

puede ser de un mismo color o de diferentes colores.

Serigrafía

Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una gasa

tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen,

quedando libre la zona donde pasará la tinta. Este proceso se puede repetir utilizando barias veces las mismas plantias.

Deslizar pintura sobre molde y plantilla planchado para secar la pintura una vez aplicada

Resultado de serigrafia

4.3 LABORATORIO

Carboncillo.

Materiales a utilizarse:

Gotero, papel periódico, ramas de naranja, 4 piedras del tamaño del puño de la mano,

fósforo, un formato de papel construcción.

Pasos para la elaboración del carboncillo.

1- Se colocan las cuatro piedras en forma circular.

2- Se arrugan el papel periódico en forma de pelotas pequeñas. 3- Se colocan el papel periódico en el interior del circulo de piedra para formar una

fogata

4- Se deja quemar la rama de naranja y donde le salga como unos pelitos blancos se le

deja caer una gota de agua con el gotero para que no se deforme y que no nos

quede cenizas,

Comprobación.

Se elabora un dibujo a criterio del estudiante para verificar si funciona el material

elaborado por el mismo.

Tinta China.

Materiales a utilizarse:

Goma Arábiga, polvo de hollín se extra de las chimeneas, cartoncillo color blanco, picle

1,3, 6, para acuarelas.

Pasos para la elaboración de tinta china.

1- Se deja hervir la goma arábiga en agua para que se derrita.

2- Se extrae el polvo de hollín de la chimenea se tiene que colar para obtener el

polvo fino.

3- Teniendo los dos pasos en otro recipiente se revuelve le polvo en el liquido de la

goma arábiga y se obtiene la tinta china

Comprobación

La comprobación es mas que realizar un ejercicio se dibujo animados o un realismo.

Crayón de Cera.

Materiales a utilizarse:

Pigmento de color: Azul, Amarillo, Rojo, Cera, oxido de zinc, tubitos de cartulina.

Pasos para la elaboración del crayón de cera.

1- Se elabora 6 tubitos de cartulina de un tamaño de 8 centímetros.

2- Se coloca la cera en un recipiente y se calienta para que la cera se baya

derritiendo.

3- Se hecha el pigmento de los colores primarios se revuelven bien.

4- Se hecha la cera con pigmento en los tubitos y se deja para que se endurezca y

sucesivamente se hacen los demás crayones de los demás colores.

Se realiza un ejercicio para verificar si funciona el crayón de cera.

Temperas.

Materiales a utilizarse:

Pigmento, rojo, azul, amarillo, oxido de zinc, agua esterilizada, resistol.

Pasos para la elaboración de temperas.

1- Se mezcla el resistol u el agua de la misma cantidad.

2- Se revuelve bien el pigmento y se elabora los tres primeros colores primarios

como base.

3- Teniendo los tres colores como base podemos obtener los colores secundario,

terciarios, etc.

Pintamos un paisaje para la comprobación.

Tinta china a base de alcohol y polvo de hollín.

Materiales a usarse.

Alcohol, polvo de hollín, pincel para acuarelas,

Pasos para la elaboración de la tinta china.

Se mezcla el alcohol con el polvo de hollín.

Se elabora un paisaje para la comprobación.

Tinta china a base de alcohol y pigmento.

Materiales a utilizarse.

Alcohol, pigmento, pincel para acuarela.

Pasos para la elaboración de la tinta china.

1- Se mezcla el alcohol con el pigmento de color negro o azul, rojo, amarillo, etc.

Se emplea un rostro con la tinta china para la comprobación.

4.1 Psicología

Psicología Artes Plásticas

Es el estudio científico de la

conducta y la experiencia, de cómo

los seres humanos y los animales

sienten, piensan, aprenden y

conocen para adaptarse al medio

que les rodea.

Es el estudio científico de la

conducta y la experiencia, de cómo

los seres humanos y los animales

sienten, piensan, aprenden y

conocen para adaptarse al medio

que les rodea.

- Pintura - Arquitectura - Escultura

*expresa belleza

*libera sentimientos

*dar a conocer sentimientos

Psicología y las Artes Plásticas.

- Psicología del color - La imaginación en la

creación artìtica. -

*Aprendizaje social

* aprendizaje vicario

*condicionamiento clasico

* condicionamiento operante.

* Habituaciòn

* Sensibilitaciòn

LA psicología en las Artes Plásticas nos sirven para en tender

el porque el artista dibuja elementos y la aplicación de los

colores que este utiliza al momento de crear su obra.

4.2 Didáctica.

Didáctica Artes Plásticas

Es una disciplina que auxilia a la

pedagogía en la búsqueda de

facilitar el aprendizaje

Es la expresión de los sentimientos a

través de una amplia gama de

materiales, formas, línea , color,

utilizando para ello , la pintura,

materiales maleables, metal, etc

-Propósitos

-Contenidos

- Objetivos

*expresa belleza

*libera sentimientos

*dar a conocer sentimientos

-Didáctica tradicional

-Didáctica tecnocrática

-Didáctica crítica

-Didáctica de educación holista

-Pintura

-Escultura

-Arquitectura

Los planes de un maestro de artes plásticas deben de tener ciertas características

entre las que destacan:

- contenidos innovadores. - Realización de obras como pinturas y esculturas, - Debe de tomar en cuenta la constante practica de diversos temas - Proponer técnicas - Etc.

Didáctica y las Artes Plásticas

4.3 Pedagogía

Pedagogía Artes Plásticas

Es la teoría de la enseñanza, ciencia de

la educación o didáctica experimental,

y que actualmente estudia las

condiciones de recepción de los

conocimientos

todos los derechos.

Es la expresión de los sentimientos a

través de una amplia gama de

materiales, formas, línea , color,

utilizando para ello , la pintura,

materiales maleables, metal, etc

- como aprendemos

- aprendizaje

- componentes del desarrollo

*expresa belleza

*libera sentimientos

*dar a conocer sentimientos

-Aprendizaje conceptual

- Aprendizaje socio afectivo

- Aprendizaje significativo

- Aprendizaje reflexivo

- Aprendizaje teórico.

- Aprendizaje activo

- Aprendizaje pragmático

-Pintura

-Escultura

-Arquitectura

La pedagogía enseña al maestro de artes

plasticas a la forma adecuada de aplicar los

contenidos artísticos poara cada una de las etaps

en las que se puede impartir este curso, con el

objetivo de que la educación se a de una forma

más sencilla.

Pedagogía de las Artes Plásticas

4.4 Evaluación

Evaluación Artes Plásticas

Proceso mediante el cual el

profesor y los alumnos juzgan sise

ha logrado los objetivos de

enseñanza

Es la expresión de los sentimientos

a través de una amplia gama de

materiales, formas, línea , color,

utilizando para ello , la pintura,

materiales maleables, metal, etc.

- Pintura - Arquitectura - Escultura

- Evaluación diagnóstica - Evaluación formulativa - Evaluación sumativa

*Es continua

*Es integral

*Es sistematica.

*expresa belleza

*libera sentimientos

*dar a conocer sentimientos

La Evaluación de las Artes plásticas debe de realizarse de la

siguiente manera, una ves dada la teoría ver cuanto

conocimiento se obtuvo al momento de realizar la practica lo

cual en el curso de artes plásticas tendrá la mayor acreditación.

Evaluación de las Artes Plásticas

Ejemplo de evaluación de las Artes Plásticas.

Instituto por cooperativa ―Pedro Guzmán.‖Grado:______________________________________

Sección:_____________

Catedrático: Elías Mora.

Curso: Artes Plásticas Fecha:________________

Alumno:_____________________________________________

SEGUNDA UNIDAD

I serie

Instrucciones: a continuación se le darán a conocer una serie de preguntas a las cuales deberá responder de

la siguiente manera en el espacio de las paréntesis conteste si la pregunta es verdadera con una V y si es falsa

con una F el inciso 0. le servirá de ejemplo

Valor de la serie 5 puntos.

0. El color negro representa la ausencia absoluta del color ( V )

1. El circulo cromático contiene los colores cálidos y fríos ( )

2. El color azul expresa alegría. ( )

3. El circulo cromático está formado por 12 colores. ( )

4. El color Blanco denota Claridad al momento de aplicarse. ( )

5. El rojo es el color complementario del verde ( )

6. Picasso fue el creador del circulo cromático ( )

7. La perspectiva del color nos indica que los objetos entre más ( )

cercanos se encuentren más obscuros se observan .

8. Los colores se han utilizado desde la prehistoria. ( )

9. La mezcla del color verde y rojo nos dan por resultado el color ( )

café.

10. El pop art es un arte que se utiliza en su para hacer publicidad ( )

II. Serie.

Instrucciones: en una hoja adicional realizar un circulo cromático con la utilización de un transportador.

En una hoja adicional realizar un dibujo libre el cual contenga 3 colores y sus respectivos colores

complementarios.

Valor de la serie: 25 puntos.

ANEXOS

PERFIL DEL MAESTRO IDEAL DE ARTES PLÁSTICAS

1. Ejemplifique sus contenidos. 2. Seguridad del contenido impartido así como de él mismo. 3. Explique de manera simple. 4. Relación en planificación 5. Dominio de los temas y alumnos. 6. Fluidez verbal. 7. Buena expresión. 8. Buenas relaciones humanas. 9. Creativo. 10. Regulación de tareas. 11. Legal.

CONCLUSIONES

Las Artes Plásticas es una forma libre y amplia con la cual una persona (el artista), puede

expresarse y transmitir ideas y sentimientos.

Existen diversas técnicas y materiales que pueden utilizarse en Pintura, Dibujo y Escultura.

El Arte permite desarrollar en los alumnos habilidades y destrezas en las cuales, existe una

libre expresión de sentimientos e ideas.

El arte permite y facilita el desarrollo de ideas en cuanto a la pintura y el dibujo.

DEDICATORIA

Este temario es dedicado a:

Dios, por todas las bendiciones derramadas a cada uno de nosotros. Por el don del

arte que puso en nuestra mente y corazón.

Cada una de las personas de muestras familias, por el apoyo moral y económico

incondicional brindado durante nuestra formación profesional.

Nuestra querida E.S.F.A.Q, por ser la cuna de nuestra formación artística y

brindarnos cada conocimiento necesario para ser profesionales.

Cada maestro que compartió sus sabias enseñanzas con nosotros..

Nuestros compañeros de la promoción 2006-2008, por el apoyo y cariño brindado

durante esta etapa.

Todas aquellas personas que de una o otra forma nos apoyaron y nos dieron la

oportunidad de demostrar nuestro talento tanto como docentes y como artistas.