información básica del mac

El Museo de Arte Costarricense (MAC) fue creado mediante la Ley N°. 6091 del 7 de octubre de 1977 como la entidad encargada de conservar, rescatar, divulgar y estimular las artes plásticas costarricenses en sus diversas manifestaciones. El MAC se inauguró el 3 de mayo de 1978, en el reacondicionado edificio del antiguo Aeropuerto Internacional de La Sabana.

El MAC no solo custodia, investiga y pone a disposición del público su Colección, sino que, como parte de la ley N°. 6091, es la institución encargada adquirir y recomendar sobre las adquisiciones de obras artísticas con fondos del Estado costarricense. Su colección, así como la de las otras instituciones del Estado son colecciones vivas, en constante cambio y renovación.

Durante casi 30 años, el MAC ha liderado las principales actividades relacionadas con las artes plásticas del país; reúne y exhibe obras de gran calidad, estimula la confrontación plástica y la crítica y contribuye a la formación integral del público mediante programas educativos. Además, realiza programas de extensión por medio de colecciones itinerantes y exhibiciones de proyección internacional.

Para completar sus acciones, dispone de dos programas: la Escuela Casa del Artista, una valiosa alternativa para la formación de talentos y el Museo de Espacios, Formas y Sonidos, dedicado a la iniciación e investigación de las artes.

M useo de arte costarricense

información básica del mac

Misión

Visión

La Ley N°. 6091, de creación del Museo de Arte Costarricense, en su artículo segundo define así la misión de la institución de la siguiente manera:

El Museo de Arte Costarricense procurará reunir y exhibir las obras más importantes de las artes plásticas costarricenses, en forma metódica, sistemática y constante, por medio de su colección permanente y de exhibiciones temporales, organizadas tanto en su sede como en otras salas de exposición, dentro y fuera del territorio nacional; estimulará la investigación y la creación artísticas por medio de becas y de talleres especiales; propiciará la investigación y la divulgación de los valores artísticos costarricenses mediante documentos y reproducciones, publicaciones y conferencias; supervisará las colecciones de arte del Estado, procurando su adecuada conservación, y decidirá sobre toda adquisición de obras artísticas que se haga con fondos del Gobierno y, en general, llevará a cabo con toda amplitud los fines para los cuales se crea.

Se perfila al futuro como la institución rectora de la plástica costarricense, con personal altamente calificado en cada una de las áreas que la conforman y tecnología de avanzada, que permita el mejoramiento de los servicios que brinda fuera y dentro de la organización.

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El edificio que alberga al Museo de Arte Costarricense fue el primer aeropuerto internacional de Costa Rica y fue conocido como Aeropuerto de La Sabana. En los años de 1930 la aviación comercial adquirió importancia en Costa Rica por lo que se vio la necesidad de construir un edificio apropiado para atender esta actividad.

El diseño del edificio estuvo a cargo del arquitecto José María Barrantes (1890-1966). El proyecto se aprobó en 1937 y se encargó la construcción al ingeniero Luis Paulino Jiménez Montealegre. La obra de nivelar y drenar el terreno que soportaría el tráfico de los aviones la dirigió el director de Obras Públicas, ingeniero Max Efinger. El 7 de abril de 1940 se inauguró este aeropuerto al finalizar la administración de León Cortés Castro.

El edificio fue construido en concreto armado, es de estilo predominantemente neocolonial, un lenguaje arquitectónico muy utilizado en América Latina en la primeras décadas del siglo XX. Se caracteriza por complejos volúmenes, muros blancos, puertas y ventanas con molduras, tejas, arcos de medio punto, balcones y maderas para sus detalles. Este edificio fue la terminal internacional hasta 1955, año en que el aeropuerto se trasladó a su actual sede ubicada en Alajuela.

Bajo la administración de Daniel Oduber Quirós y por empeño del entonces Ministro de Cultura, Juventud y Deportes, Guido Sáenz González, se emitió la Ley No. 6091 en la que se creó el Museo de Arte Costarricense y se le fijó como sede el edificio del antiguo aeropuerto internacional de La Sabana. Los trabajos de remodelación se iniciaron en noviembre de 1977 y concluyeron en abril de 1978; estuvieron a cargo de los arquitectos Jorge Bertheau y Édgar Brenes. El Museo se inauguró el 3 de mayo de 1978. En 1986 su edificación fue declarada patrimonio histórico y arquitectónico.

el salón dorado

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Louis Féron (1901-1998), artista francés radicado en Costa Rica, contribuyó a exaltar la belleza del inmueble del aeropuerto, al crear en el Salón Diplomático –actualmente conocido como el Salón Dorado— un magnífico mural en bajo relieve que exalta hechos de la historia costarricense. Este mural constituye uno de los tesoros artísticos más importantes del país y un hito histórico y plástico propiedad del Museo de Arte Costarricense. Se trata un mural de 150 metros cuadrados que cubre las cuatro paredes del recinto.

Fue tallado en estuco y pintado de color bronce. Este mural se hizo expresamente para ser parte del edificio, se construyó entre 1939 y 1940 y se inauguró conjuntamente con el edificio del aeropuerto.

El diseño del mural estuvo condicionado por la estructura arquitectónica del salón que le dio albergue. Por una parte, su forma rectangular facilitó la clara delimitación de cada período histórico por pared (prehispánico –al oeste-; descubrimiento y conquista –al norte-; colonial –al este-, e independiente –al sur).

el salón dorado

Por otra, el diseño arquitectónico de las paredes, con gran número de puertas y ventanas, planteó difíciles problemas de diseño, para la composición y la distribución de las escenas y figuras, que el artista supo resolver exitosamente.El mural sintetiza la historia de Costa Rica desde la época precolombina hasta 1940 con la construcción del aeropuerto, que es la figura que marca el cierre del mural.

Los animales y algunas de las plantas –características de la flora y la fauna de Costa Rica--, fueron dibujados en colaboración por el científico Rafael Lucas Rodríguez Caballero (1915-1981), alumno, amigo y colaborador de Féron en esta obra. Años más tarde Rodríguez fue honrado con el premio Nacional de Cultura Magón.

el jardín de las esculturas

Es el resultado de una idea surgida en 1999 con el fin de dotar al museo de un espacio en su periferia que exhibiera esculturas de artistas costarricenses. El proyecto se concretó con la inauguración del Jardín de Esculturas en el 2003, el que contó con la colaboración y el patrocinio de AMARTE (Asociación de Amigos del Museo de Arte Costarricense). El diseño del Jardín fue donado por el escultor y arquitecto costarricense Jorge Jiménez Deredia. Desde su inauguración el Jardín albergó Imagen Cósmica de Jiménez de Deredia, y posteriormente se han integrado diversas obras entre las que destacan Tres mujeres caminado de Francisco Zúñiga, Arboriforme de José Sancho y Cabeza Pensamiento de Crisanto Badilla. En el Jardín además están expuestas obras escultóricas de la colección del MAC como El Silbador de Hernán González.

sala de exposición

El MAC tiene varios espacios que utiliza para sus exhibiciones permanentes y temporales en las que incluye piezas su colección y de otras colecciones estatales y privadas. Las obras expuestas pertenecen a varios periodos de la historia del arte del país desde el siglo XIX hasta la actualidad.

Las exhibiciones temporales procuran exponer obras de artistas contemporáneos.

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la colección del mac

Al inaugurarse el MAC en 1978 como museo estatal encargado de la “custodia, resguardo y depósito” de las artes plásticas costarricenses, éste recibió lo que había conformado hasta entonces la colección de la Dirección General de Artes y Letras como parte del Ministerio de Educación. Esta entidad había sido la responsable de la administración de la producción cultural y de las artes antes de la creación del Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes en 1971. El traslado de las obras al nuevo ministerio se realizó durante la administración de José Figueres Ferrer siendo entonces Ministro de Cultura, Juventud y Deportes Alberto Cañas. Este evento marcó el inicio de lo que podríamos llamar la historia de las colecciones de arte estatales.

Costa Rica LightFlorencia Urbina / 2001

El Niño y la NubeFrancisco Amighetti/ 1969

Desde entonces, y sin contar con un dato inicial, el patrimonio artístico coleccionado por el MAC hasta la fecha, tiene en sus fondos más de 6 400 obras de las cuales más de 4000 fueron realizadas por el artista costarricense Juan Manuel Sánchez y donadas por su familia. Cerca de 600 obras de la colección son de artistas internacionales. En la actualidad, el MAC cuenta con la mayor colección de arte estatal de Costa Rica y está formada por obras artísticas nacionales e internacionales, las que representan técnicas plásticas diversas como pintura, grabado, dibujo, acuarela, escultura, instalación y fotografía.

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A continuación presentamos una breve síntesis informativa sobre algunas tendencias artísticas desarrolladas en el país y adoptadas por diversos artistas en distintos periodos de la historia del arte costarricense, desde el siglo XIX hasta la década de 1980. De forma paralela, se plantearán algunos cuestionamientos con la intención de motivar al lector a profundizar en el conocimiento de las obras de algunos de los artistas de Costa Rica.

Al acercarnos a la producción plástica, es conveniente tener presente el momento histórico en el que se desarrolla, ya que el arte se articula en una red mayor que contempla situaciones históricas asociadas a posicionamientos políticos particulares. Esto se debe principalmente a que el arte tiene la posibilidad de transmitir aspectos tanto culturales, como sociales y políticos de su tiempo y que involucran no solo a los artistas, sino a las instituciones y personas que los han apoyado. Por esto, la historia del arte es un espacio que plantea una serie de visiones que nos permite pensarnos de muchas maneras y nos abre espacios para reflexionar sobre nuestra historia y nuestra conformación como país. Pero este relato no es un discurso acabado, ya que cada vez que nos enfrentamos con las obras y periodos, éstos nos dicen cosas nuevas sobre nosotros mismos y sobre nuestro pasado y nuestras identidades. Por lo tanto, siempre será una historia viva y en constante cambio a la que habrá que agregarle otras versiones.

Así, antes de iniciar la lectura debemos recordar que las obras producidas por los artistas en distintos tiempos, tuvieron en su momento, una función política, social, económica y un impacto cultural de acuerdo con su momento histórico (y aún la tienen puesto que la estudiamos y nos interesa).

La producción artística expone visiones de mundo que afectan los imaginarios sociales que moldean nuestra existencia y en este punto es donde está su importancia. Una obra, ya sea puede afianzar esos imaginarios, ocultarlos, omitirlos e ignorarlos o mostrarlos y cuestionarlos. Así que debemos tener presente que en ellos, la tarea de problematizar o no los límites surgen como resultado de un compromiso personal con la memoria histórica, plástica, social, económica, religiosa y política de nuestro país. Nuestra intención es la de estimular visiones e interpretaciones que vayan más allá únicamente de las categorías clasificatorias restringidas por estilos heredados que han condicionado nuestra mirada frente a las obras de arte. Se trata de buscar en las imágenes sentidos que nos ayuden en la tarea de entender nuestro presente. Así los invitamos a realizar un ejercicio: frente a cada una de las clasificaciones tradicionales como lo son el retrato, el paisaje, el expresionismo o la abstracción, les plantearemos preguntas que los guiarán a explorar las imágenes como agentes activos en la generación de significados culturales desde los cuales nos construimos como sociedad, y en la que de alguna forma nos identificamos y nos podemos sentir representados en algún momento de la historia.

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En Costa Rica, a partir del año 1860, el arte -gracias al factor de prosperidad económica por la exportación cafetalera y al auge de una clase política-, habrá de caracterizarse por el culto a la personalidad de los líderes políticos y de las clases dominantes de la oligarquía cafetalera. El surgimiento de una temática pagana o de carácter laico refleja este cambio, el que quedará reflejado a través del género del retrato oficial en la pintura, lo mismo que en escultura mediante los retratos heroicos y monumentos públicos.

En un país que empezaba lentamente a salir de la pobreza

y la dependencia colonial, el arte tal y como lo conocemos hoy, no tenía aún mucha cabida. Sin embargo existía una larga tradición consolidada a través de los talleres artesanales en donde se producían imágenes religiosas por encargo para las iglesias o para alguien en particular. Esta larga tradición dio pie al fortalecimiento de la técnica de la escultura en el país. Y fue precisamente por esta larga tradición, que es en la escultura donde se refleja la transición del tema religioso al tema laico (no religioso) de una manera mucho más continua que en la pintura. Los primeros escultores, formados como imagineros (talla en madera de figuras religiosas), producirán una obra que, sin dejar de pertenecer a la tradición imaginera, no se utilizaría solo para la exaltación de los rasgos de un Cristo o una Virgen, sino para la representación de un individuo civil con su propios rasgos e identidad.

Retrato de María CristinaLuisa Gonzáles Feo/ 1936

El RetratoUn retrato puede ser una pintura, una fotografía, un dibujo, escultura o grabado u otra representación artística de una persona. La intención es representar la apariencia física, e incluso a veces se logra representar su personalidad y además reflejar el mundo interior del mismo artista que realiza la obra. El retrato puede representar la apariencia física de un individuo y también reflejar su parte psicológica e incluso servir como excusa para dar cuenta de una situación determinada, en la que el personaje retratado puede pasar a un segundo plano. La práctica de hacer retratos ha estado presente a lo largo de toda la historia del arte, ya que responde al deseo que tienen todos los seres humanos de contemplarse y trascender mediante la interpretación plástica de su propia imagen. La representación ha desarrollado elementos particulares acordes con el momento histórico en el cual se ha realizado. Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato, http://www.museonacional.gov.co/retrato.html.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, los primeros artistas académicos en el país, dedican gran parte de su obra al retrato, entre los que sobresalen los retratos no oficiales. Al desprenderse del tema religiosos, se permitieron la libertad de poner un mayor énfasis en forma de plasmar la pincelada y en el color. Pero sobretodo, la persona retratada dejaba de ser una figura inanimada para convertirse en un retrato más parecido a la persona retratada y mostraba detalles producto de un estudio psicológico más profundo. En escultura, algunos artistas de esta época se animaron a explorar en sus retratos el recurso de lo inacabado, contrariamente al pulido acabado del mármol, acercándose a una escultura que dejaba libre la imaginación al espectador.En el siglo XX, y durante la década de los treintas, surge un grupo de artistas que se oponían al academicismo imperante. Se le llamó la “Generación de los años 30”. Es un grupo de artistas cuya característica general para unirse fue la de compartir las mismas inquietudes y el interés en las nuevas corrientes de arte vanguardista europeo de inicios del siglo XX. Pero

paralelamente compartían el interés por las formas del arte precolombino de honda raíz indigenista. Basados en estas referencias algunos de los artistas de esta época empezaron a usar un lenguaje plástico orientado hacia la simplificación de las formas, hacia la estilización (alargamiento o estrechamiento de las figuras) y hacia las formas geométricas. En los temas que utilizaron, se interesaban por la vida cotidiana que les rodeaba, fundamentalmente en lo cercano y lo más humilde e íntimo. Por esto, cuando trabajaban específicamente el tema del retrato, escogían entre sus modelos a sus parientes, amigos e intelectuales del medio josefino.

A finales de los años cincuenta, algunos artistas que habían estado fuera del país, regresaron a Costa Rica con ideas renovadas para la producción artística

costarricense, abriendo una vía que se orientó hacia la abstracción.

¿Sabías qué… existen otras representaciones realizadas por artistas que muestran aspectos que han sido olvidados u omitidos de la memoria social o individual, rescatando la diversidad étnica, cultural, social, sexual y de

género?

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¿Sabías qué… algunos de los artistas que han realizado imágenes o representaciones plásticas y retratos de los costarricenses, en ocasiones han coincidido con una imagen oficial aceptada por la mayoría como la representación esencial de “lo tico”, por lo que inevitablemente han omitido o excluido de la representación artística muchas otras imágenes de nuestra sociedad y de los habitantes de nuestro país?

A esta nueva tendencia se sumaron otros artistas con inquietudes similares. Aún así, embargo, se puede observar que paralelamente a la abstracción, otros artistas, sin dejar de manejar un lenguaje contemporáneo, continuaron dentro de la figuración. Hubo quienes recurrieron al retrato como pretexto para experimentar y proponer opciones para trabajar con otros espacios para la expresión artística como la teoría del diseño y de la composición.

Mientras el paisaje ganaba más seguidores y se robusteció en esta época, el género del retrato perdió terreno. Entre las generaciones surgidas en las siguientes décadas, setentas y ochentas, y fomentados por el interés por temas del medio ambiente y la conservación ambiental, algunos de los pintores trabajaron el paisaje dándole una dimensión de importancia como no la había tenido antes. El retrato quedó reducido en esta época a ser una práctica artística por encargo privado y al servicio de las instituciones del Estado para hacer retratos oficiales de los líderes políticos.

¿Estás de acuerdo? La selección de algunas representaciones y retratos de costarricenses ha dependido de intereses dominantes afines con distintos momentos de la historia del país. Si es así, ¿quiénes podrían ser algunos de los representantes de los ticos hoy?

El Arte de paisajes representa escenas tales como montañas, valles, mares, árboles, ríos y bosques. El cielo es casi siempre incluido en la vista, y el tiempo usualmente es un elemento de la composición. Tradicionalmente, el arte de paisajes pinta la superficie de la tierra, pero hay otros tipos de paisajes, como los que se centran en los paisajes mentales, urbanos, interiores o etéreos.

A comienzos del Siglo XV, la pintura de paisajes se estableció definitivamente como un género en Europa, como una distracción para la actividad humana. En Europa, la pintura de paisaje fue la gran creación artística del siglo diecinueve, con el resultado de que en el siguiente período la gente era “apta a asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura de paisajes es una parte normal y permanente de nuestra actividad espiritual.

La tradición China de paisajes “puros”, en la que la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia, fue bien establecida en los años en que las más viejas pinturas a tinta eran ejecutadas.

El Paisaje A finales del siglo XIX y en un ambiente local donde el arte entendido como “bellas artes” era una práctica algo realmente inusual, se inicia la tradición del paisaje en Costa Rica. Las primeras visiones del paisaje plasmados por algunos artistas, reflejaban un espíritu romántico y académico. Algunos intentaron captar escenas de carácter costumbrista y

ahondar en la supuesta esencia de lo que se consideraba como el “ser costarricense”. Otros prefirieron salir de la ciudad de San José y buscar un paisaje más lleno de luz, y con otro tipo de vegetación, ya fuera en los alrededores de la Meseta Central o en áreas de la costa. A estos pintores que bosquejeaban o dibujaban al aire libre, ya fuera sobre la tela o sobre el papel, se les suele denominar «pleneristas» (palabra que proviene del francés plain aire que significa al aire libre). diferencia de los pintores « i m p r e s i o n i s t a s » franceses del siglo XIX, quienes pintaban y concluían sus obras directamente al aire libre en sus telas, estos artistas acababan la obra en el taller usando como referencia el bosquejo realizado en el campo.

Porton RojoTeodorico Quiros/ 1945

¿Qué pensás?De acuerdo con el geógrafo Carlos Granados al referirse a la cartografía afirma que “Todo mapa es una fabricación del pensamiento y, como tal, combina elementos de la realidad externa con las ideas prevalecientes en la época. La cartografía es al mismo tiempo, realidad y representación; descripción y construcción del universo. La magia de los mapas radica en su destreza para transmitir como simple, desapasionado e inmutable, lo que no son más que percepciones históricas del orbe”. Fuente: Carlos Granados Chaverri. La

peligrosa magia de los mapas, p. 12.

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De ahí que en sus obras se perciba un colorido sobrio, reducido a los ocres y los verdes sin mayores estridencias, estrechamente unido a una imagen del paisaje no como deformación de la Naturaleza, sino en asociación con la belleza, la perfección y la armonía de las formas.Fue a inicios de los treintas que la generación de pintores “Generación de los años 30”, le imprime al paisaje una imagen distinta, una imagen impresionista con fuerte énfasis en las manchas y el color. Les interesaron las áreas rurales y la vida de los campesinos, llegando a crear un “símbolo nacional” a través de la presencia

de la casa de adobes inmersa en un ambiente de montaña. La casa, como tema central y elemento de

composición y diseño, les servirá para trabajar el color en función de la luz natural. Así, en la obra de algunos de estos pintores de la “Generación de los años 30”, se observa la mancha en oposición al detalle, y un interés por el empaste y la pincelada gruesa, una técnica contraria a la utilizada por la pintura académica, en donde la huella del pincel desaparece por completo.En los sesentas, aunque dominaba la abstracción como tendencia, quienes trabajaban el

paisaje, lo hacían de una manera individualizada. Hay quienes se preocuparon por enfatizar en los elementos de la forma y el color en busca de una imagen poética, o quienes utilizaron el tema simplemente como pretexto, o bien, como una forma de expresar conflictos personales internos. Otros artistas trabajaron temas alternativos por su vigencia como lo fue la erupción del volcán Irazú en 1963, como una metáfora o símbolo de nuestra geografía. Si bien en los treintas, algunos de los artistas de la llamada “Generación de los años 30” se interesaron

por lo rural, centrando su interés en la casa de adobes, en los setentas hubo quienes captaron la marginalidad urbana, centrada en el tugurio como elemento estético.

En los ochentas y los noventas, el paisaje continuaba siendo un tema central, ya sea que fuera tratado de manera abstracta, o analizado no desde una perspectiva esteticista, sino desgarradora, visto desde un enfoque pesimista de la realidad.

La FlechaPedro Arrieta/ 1989

¿Sabías qué…al captar una imagen particular en un paisaje, los artistas pueden expresar emociones subjetivas del territorio para mostrarnos distintos territorios mentales e interpretaciones de

ellos que nos son desconocidos?

La abstracción es un leguaje no figurativo. Se consideran «abstractas» todas aquellas tendencias artísticas u obras concretas en las que es imposible o problemático el reconocimiento de un tema o asunto figurativo. Lo más opuesto a la abstracción sería, por lo tanto, el tipo de representación visual supuestamente «realista» que ofrece la cámara fotográfica. El Arte abstracto es un estilo artístico que surgió alrededor de 1910 en Europa y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

Abstracción Uno de los espacios más propiciadores de la producción plástica costarricense, donde se logró además consolidar la producción artística de un grupo de artistas vinculados intelectualmente con escritorios y ensayistas, fueron las Exposiciones de Artes Plásticas (1928-1937) que se llevaban a cabo en el Foyer de Teatro Nacional. Tuvieron el auspicio del Diario de Costa Rica y fueron organizadas por una asociación de artistas. Posteriormente y al desaparecer estas convocatorias, disminuyó

la actividad expositiva, y apenas existían un par de galerías de arte en San José. En esta época y posterior a las Exposiciones de Artes Plásticas destacaba la obra expresionista en grabado de Francisco Amighetti, las pinturas de Teodorico Quirós, la diversidad artística y moderna de Max Jiménez, las obras escultóricas, la ilustración y el dibujo de Juan Manuel Sánchez, las pinturas con paisajes de montañas de Luisa González de Sáenz y las esculturas de Juan Rafael Chacón. Francisco Zúñiga, destacado artistas costarricenses había dejado el país rumbo a México en 1935.

Amarillo Continuo Manuel de la Cruz/ 1971

¿Sabías qué… algunos artistas han afirmado que el arte abstracto es un arte de la imagi-nación e invención ya que sus imágenes no son el producto de interpretaciones ni ilus-

traciones de la realidad?El arte abstracto busca la pureza de la plástica porque usa elementos esenciales que se sig-nifican a sí mismos. Las figuras geométricas, las manchas y gestos más que representar la naturaleza o imitarla, expresan los procesos

que sigue para crearse a sí misma.

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Este panorama fue alterado en 1958, cuando Manuel de la Cruz González (1909-1986), Rafael Ángel García (Felo) (1928) y Lola Fernández (1926), luego de vivir en el extranjero, expusieron de manera individual pintura abstracta en el Museo Nacional.

En 1961, González y García formaron el Grupo Ocho, junto con Harold Fonseca (1920), César Valverde (1928), Guillermo Jiménez (1922-1988), Luis Daell (1927) Hernán González (1918-1987) y Néstor Zeledón Guzmán (1933).El grupo realizó dos exposiciones (1961-1962), y publicó sus inquietudes estéticas a la manera de un manifiesto, emulando a los futuristas italianos y el escrito de F.T. Marinetti (1909). El Grupo Ocho se opuso al arte académico y los cánones inspirados en la belleza clásica. Por el contrario, estaba a favor de un arte reflejo de la vida contemporánea y su vertiginosa transformación. Estos artistas se agruparon para «....inquietar el ambiente...» desde diferentes orientaciones estéticas: abstracción - geométrica, informalismo, expresionismo - abstracto y neo-figuración. Aún después de desintegrado, algunos

de sus miembros continuaron dentro de la abstracción hasta el año 1971, en que, debido a la premiación del Jurado de la I Bienal de Pintura Centroamericana (1971), prácticamente desapareció esta tendencia.César Valverde y Luis Daell, lo mismo que Néstor Zeledón Guzmán, entre otros, incursionaron brevemente en la abstracción. Daell y Zeledón lo hicieron como miembros del Grupo Ocho. Valverde, quien se mantenía fiel a la figuración, hizo un paréntesis y en 1969 incursionó en un tipo de abstracción geométrica a través del ensamble, una técnica mixta con industriales.

Otros artistas también incursionaron en este campo tales como Carlos Moya (1925), quien hizo sus investigaciones dentro del campo de lo matérico (investigación del potencial estético de materiales no empleados tradicionalmente por el arte) empleando arena, gasas y algo de «action painting» (pintura de acción o expresionismo abstracto). También Juan Luis Rodríguez (1934), realizó prácticamente toda su obra informalista en los sesentas y en Francia. A su regreso, en 1971, destaca su interés por lo matérico y el uso de recursos «pobres» o insólitos. Este artista es el antecedente más importante de la abstracción - informalista que Rafael Ottón Solís (1946) y Fabio Herrera (1954) practican a partir de los noventas.

¿Qué pensás? En 1961 en el Manifiesto presentado en la primera exposición artística colectiva del Grupo 8 se afirmaba lo siguiente: “La belleza clásica (griega) está muerta porque ella es la negación del espíritu de nuestro siglo: estática, quieta, muda… El arte es vida. Y la vida es un fenómeno de cambio (…) sumergida hoy en el vértigo de la velocidad, su nueva diosa. Rafael Cuevas Molina, El punto sobre la i. Políticas culturales

en Costa Rica (1948-90), pp 64.

Por su parte, José Alberto Berrocal (1937-1987) combinó objetos con elementos pictórico - geométricos y creó una obra constructivista a lo largo de su carrera.

Los iniciadores de la abstracción, Lola Fernández, Felo García y Manuel de la Cruz González, realizaron una amplia producción en los sesentas. De su periodo renovador, destaca la abstracción pura de González; la mancha, lo gestual y lo matérico de García; el tachismo (mancha), el chorreo y los diseños abstractos de Fernández.

En los setentas, Manuel de la Cruz González y Felo García regresaron a la figuración, interesados en diferentes facetas del paisaje, sobretodo enfocando sus intereses en el creciente mundo urbano de la ciudad de San José. Entre tanto, Lola Fernández se encaminó hacia una fase geométrica combinando diseños indígenas con elementos abstractos.

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¿Sabías qué …durante la década de los años sesenta, se dio “el desplazamiento de la cultura rural, que todavía prevalecía en 1950, por la urbana, y se vinculó con la proliferación vertiginosa del consumo de masas. La apertura de salas de cine se intensificó; se amplió el acceso a los electrodomésticos (especialmente a la radio); se expandió la venta de discos y comics y, en 1960 la televisión debutó en el país. La característica de esta época fue la penetración creciente de la información y el entretenimiento procedentes de los Estados Unidos, de los gestos de James Dean a las canciones de Elvis Presley.” Fuente: Iván Molina y Steven Palmer. Historia de Costa Rica: breve, actualizada y

con ilustraciones, pp. 93.

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En pleno apogeo de los Exposiciones de Artes Plásticas (1928-1937), en 1932 se expuso en el Club Alemán de Costa Rica, una colección de grabados expresionistas alemanes. La muestra sirvió como antecedente e inspiración entre nuestros artistas quienes, motivados por los rasgos expresivos de los grabados y el énfasis

de éstos en la temática social, realizaron el importante «Álbum de grabados» (1934), año marcado por las huelgas en las zonas bananeras del Atlántico.En este álbum participaron algunos de los artistas de la “Generación de los años 30”, y otros intelectuales y escritores. En estas imágenes los artistas exploraron con temas que hacían referencia al lado grotesco de la realidad. Este es quizás uno de los puntos de estímulo que le dio cabida al expresionismo y una manera de acercarse a la realidad deformada y grotesca de acuerdo a la interpretación personal de cada artista.

Si hubo un artista que renegó del conservadurismo de la época, si hubo alguien que se opusiera al arte decadente y burgués, si alguien fue inconforme con el medio en el que vivió, fue Max Jiménez (1909-1947) quien creó su obra en un ir y venir entre San José y París. Pintó «lo grotesco» con exhuberancia desbordada y con un lenguaje opuesto a lo académico.

Por su lado, Juan Manuel Sánchez (1907-1990), junto a Francisco Zúñiga (1912), aprendió a esculpir y policromar imágenes religiosas, al mismo tiempo entró en contacto con las esculturas precolombinas en piedra del Museo Nacional.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

El expresionismo se entiende como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

Expresionismo

Conversación Francisco Amighetti/ 1969

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Este artista p r o f u n d a m e n t e expresionista, al realizar su obra, partía de un pedazo de madera, de lata o de una piedra, materiales que nunca acababan de perder su forma original. Del mismo modo que renegó en su escultura del modelado con la intención de simplificar las formas, en sus dibujos renegó del claroscuro, al sustituirlo por una

línea pura de gran delicadeza.Francisco Amighetti (1907 - 1998), quizás el más expresionista de todos, fue un artista interesado por temas salidos de una realidad urbana marginal y maldita. La imagen de la violencia, en el más amplio sentido de la palabra, es una constante en su obra gráfica, y para describirla, el maestro empleó sus filosas gubias con la intención de herir la madera y sacar de ésta, feroces imágenes.A partir de los años sesenta, mientras el Grupo Ocho se interesa por las tendencias de posguerra, otros artistas hacían una obra continuadora del realismo social.

¿Sabías qué … Entre el 4 de agosto y el 10 de setiembre de 1934 se llevó a cabo una huelga bananera? En 1955, el escritor Carlos Luis Fallas se refirió a esta situación de la siguiente manera: “Antes de 1934, la vida en las bananeras de la United era un horrible infierno comparada con la vida que hoy hacen los trabajadores en esas mismas bananeras; y ya esto es mucho decir, porque son infames las condiciones de vida que hoy soportan allí los trabajadores. Yo llegué muy muchacho a la zona bananera. Algunas de mis experiencias de ese tiempo se conocen a través de mi libro “Mamita Yunai”, allí está reflejada en parte la dura y humillante vida que entonces soportábamos en la zona bananera del Atlántico.” Fuente: Discurso pronunciado por Carlos Luis Fallas en la Asamblea de Solidaridad con los Huelguistas de Puerto González Víquez, celebrada en San José el 18 de septiembre de 1955. http://www.ts.ucr.ac.cr/~historia/hcostarica/

textos/calufa-huelga34.htm

Sabías qué… Carlos Salazar Herrera, quien participó como grabador en el Álbum de Grabados de 1934 reunió en Cuentos de angustias y paisajes los relatos que durante tres lustros publicó en periódicos y revistas, y algunos inéditos; cada historia iba acompañada por uno de sus grabados. Como resumió después Emilia Prieto, lo que encontramos en los escritos de Salazar Herrera son angustias diluidas en el paisaje. Sus personajes sienten mucho, recalquemos que “existen”, pero ese existir no lo expresan ellos, sino los reducidos escenarios por los cuales transitan. Fuente: http://www.mcjdcr.go.cr/

magon/carlos_salazar_1964.html

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Tal es el caso de Jorge Gallardo (1924-2002), cuya obra giró en torno a hombres y mujeres, niños y ancianos, pertenecientes a una clase social marginal.

Después de un período abstracto, Lola Fernández (1926) retomó la figuración con «Arquetipos». En esta obra, el discurso no es explícito sino alegórico. Un hombre que viaja en hombros de otro, en su caso, no necesariamente plantea una relación de subordinación sino de protección, de simbiosis, solidaridad y de alianza.

La Bienal Centroamericana de Pintura en 1971 contribuyó a orientar el arte costarricense hacia un estilo caracterizado por la violencia, específicamente promoviendo un arte de resistencia. La obra de Francisco Amighetti, entonces interesado en la cromoxilografía, reafirmó su interés por el expresionismo y una tendencia hacia «lo grotesco». En estos años también cobraron importancia los dibujos conocidos como «homúnculos» de Carlos Poveda (1940), producción que se ubica entre 1963-1971 y se centra alrededor de la figura humana imaginaria-humorística.

Con su obra caracterizada por la crudeza, Fernando Carballo (1941), se circunscribe claramente dentro del expresionismo. Inmersos en la sombra y sus personajes siempre intentan agredir al espectador con sus cuerpos torturados, llenos de cansancio, desnudos, mutilados.

En los últimos años de los ochentas, Rudy Espinoza (1953) realizó su serie «En cautiverio» (1987), dibujos que están asociados a la violencia que caracteriza al expresionismo como metáfora del absurdo. Menos cáusticos, Rolando Garita (1955) y Leda Astorga (1957), asumen la vida de manera sarcástica y hasta con humor.

Ministra de Cultura y JuventudMaría Elena Carballo Castegnaro

ViceministraAurelia Garrido Quesada

Museo de Arte CostarricenseJunta AdministrativaÁlvaro Zamora CastroVirginia Vargas MoraRenato Cajas CorsiAdriana Collado ChavezVerónica Zúñiga SalasEugenia Zavaleta Ochoa

DirectoraGabriela Sáenz Shelby

Sub-Directora Administrativa Graciela Chaves Ramírez

Créditos

Coordinación del ProyectoPia Delgado Piza, Diseñadora Gráfica MAC

Vivian Solano Brenes, Coordinadora Área de Educación y Proyección MAC

TextosJosé Miguel Rojas González, Curador MACAna Luisa Cerdas Albertazzi, Historiadora, Área de Educación y Proyección MACGabriela Sáenz Shelby, Directora MAC

Edición de textosGabriela Sáenz Shelby, Directora MAC

Diseño Gráfico del CDEfrén Alpízar Cordero, práctica profesional de Diseño Gráfico de la Universidad

Bibliografía

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