ellas también llevan la batuta

ELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTAELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTA

José Toscano PinzónJosé Toscano Pinzón

Ellas también llevan la batuta

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INDICE

Referencia histórica...................................................................................pag. 3

Mujeres compositoras...............................................................................pag. 7

Directoras de orquesta..............................................................................pag. 12

Jazz...........................................................................................................pag. 20

Country.....................................................................................................pag. 25

Rock.........................................................................................................pag. 30

Canción reivindicativa y protesta............................................................pag. 36

José Toscano Pinzón

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PRESENTACIÓN

José Toscano Pinzón es profesor de enseñanza secundaria en

la especialidad de tecnología en el I.E.S. Francisco Garfias

de Moguer (Huelva). Actualmente ejerce como secretario y

coordinador TIC del Centro.

Ha pertenecido a distintos grupos de trabajo y proyectos

coeducativos, impulsados desde el propio Instituto Francisco

Garfias y pertenecientes al Plan de Igualdad de Centros,

desde los siguientes cursos académicos:

Curso 2006/2007: Proyecto “coeducar para convivir y convivir para educar”, bajo la

coordinación de Dña. Irene Cortiz Sayago.

Cursos 2007/2008 : Dentro del Proyecto “coeducar para convivir y convivir para

2008/2009 educar” y bajo la coordinación de Dña. Felicidad Sánchez

Rodríguez, se realiza un grupo de trabajo para la

elaboración de materiales coeducativos y su posterior

aplicación en el aula.

Cursos 2009/2010 : Contribución en la publicación de la Revista de Coeducación

2010/2011 elaborada por el propio Instituto I.E.S. Francisco Garfias, bajo el

2011/2012 patrocinio de la Exma. Diputación de Huelva.

2013/2014

2014/2015

En la actualidad sigue colaborando en el Plan de Igualdad y en la Revista de

Coeducación del I.E.S. Francisco Garfias.


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PRÓLOGO

“Son todas las que están, pero no están todas las que son”. Conviene recordar la

frase anterior para exponer al lector que se podría haber completado la presente

publicación con una infinidad de mujeres muchísimo mayor de las que aquí se

muestran, pero he creído conveniente incluir algunas, que bajo mi punto de vista

son representativas de cada género musical expuesto, como muestra significativa de

los mismos.

Por qué hacer esta publicación?.Como antes he comentado en la presentación, desde el año 2009, el I.E.S. FranciscoGarfias elabora una “Revista de Coeducación” en la cual se incorporan artículos muyinteresantes sobre hechos, logros, sugerencias, investigación y demás publicacionessobre la temática de igualdad entre hombres y mujeres.Mientras los artículos se exponían para la inclusión en la revista de este curso2015/2016, aporté un artículo que mostrara la participación igualitaria de la mujer enlas distintas facetas y géneros musicales a través de la historia hasta nuestros días. Medí cuenta lógicamente que el tamaño del artículo superaba lo establecido para laconfección de la revista y resumirlo quedaría incompleto, habiendo muchísimocontenido que se quedarían en el tintero. Por tal motivo se creyó conveniente, larealización de una publicación aparte, que explicara realmente las dificultades que lamujer tuvo que asumir para incorporarse al mundo de la música, en sus distintosgéneros e igualarse al hombre hoy en día.

Tal publicación, servirá a la vez, como material curricular, dentro del área de músicadel Centro. Ya que así lo recoge como acción prioritaria el Plan de Centro del I.E.S.Francisco Garfias en el punto 1 del Plan de Convivencia, dentro del apartadocorrespondiente al Ámbito Convivencial de las Finalidades educativas del Centro yque dice: “Este Centro encauzará la formación de su alumnado en orden a la educación para laigualdad, sin discriminaciones por razones de raza, sexo, creencias, desigualdad socioeconómica,etc. Así pues, los órganos de gobierno y profesorado adoptarán las medidas adecuadas para evitar ysuperar aquellas conductas que vulnerasen lo anterior”.

Habría que destacar al lector, que no se mencionan todos los géneros musicalesexistentes, sino solo aquellos que el autor ha creido se han mantenido en desigualdadcon respecto al hombre, siendo aceptados por y para hombres con menosprecio haciala mujer, o bien, aquellos géneros musicales que socialmente se han relacionado casien su totalidad con el sexo masculino.

Por tal motivo, repito, puede ser que haya mujeres más representativas de las que seexponen y algunos géneros musicales más que tuvieran cabida en la publicación,pero he incluido, los que, bajo mi punto de vista y modestia, he creido representativosdel panorama musical, tan amplio y extenso que tengo conocimientos, a lo largo delos tiempos.


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PRÓLOGO

“Son todas las que están, pero no están todas las que son”. Conviene recordar la

frase anterior para exponer al lector que se podría haber completado la presente

publicación con una infinidad de mujeres muchísimo mayor de las que aquí se

muestran, pero he creído conveniente incluir algunas, que bajo mi punto de vista

son representativas de cada género musical expuesto, como muestra significativa de

los mismos.

Por qué hacer esta publicación?.Como antes he comentado en la presentación, desde el año 2009, el I.E.S. FranciscoGarfias elabora una “Revista de Coeducación” en la cual se incorporan artículos muyinteresantes sobre hechos, logros, sugerencias, investigación y demás publicacionessobre la temática de igualdad entre hombres y mujeres.Mientras los artículos se exponían para la inclusión en la revista de este curso2015/2016, aporté un artículo que mostrara la participación igualitaria de la mujer enlas distintas facetas y géneros musicales a través de la historia hasta nuestros días. Medí cuenta lógicamente que el tamaño del artículo superaba lo establecido para laconfección de la revista y resumirlo quedaría incompleto, habiendo muchísimocontenido que se quedarían en el tintero. Por tal motivo se creyó conveniente, larealización de una publicación aparte, que explicara realmente las dificultades que lamujer tuvo que asumir para incorporarse al mundo de la música, en sus distintosgéneros e igualarse al hombre hoy en día.

Tal publicación, servirá a la vez, como material curricular, dentro del área de músicadel Centro. Ya que así lo recoge como acción prioritaria el Plan de Centro del I.E.S.Francisco Garfias en el punto 1 del Plan de Convivencia, dentro del apartadocorrespondiente al Ámbito Convivencial de las Finalidades educativas del Centro yque dice: “Este Centro encauzará la formación de su alumnado en orden a la educación para laigualdad, sin discriminaciones por razones de raza, sexo, creencias, desigualdad socioeconómica,etc. Así pues, los órganos de gobierno y profesorado adoptarán las medidas adecuadas para evitar ysuperar aquellas conductas que vulnerasen lo anterior”.

Habría que destacar al lector, que no se mencionan todos los géneros musicalesexistentes, sino solo aquellos que el autor ha creido se han mantenido en desigualdadcon respecto al hombre, siendo aceptados por y para hombres con menosprecio haciala mujer, o bien, aquellos géneros musicales que socialmente se han relacionado casien su totalidad con el sexo masculino.

Por tal motivo, repito, puede ser que haya mujeres más representativas de las que seexponen y algunos géneros musicales más que tuvieran cabida en la publicación,pero he incluido, los que, bajo mi punto de vista y modestia, he creido representativosdel panorama musical, tan amplio y extenso que tengo conocimientos, a lo largo delos tiempos.

Ellas también llevan la batuta José Toscano Pinzón

REFERENCIA HISTÓRICA

Cuando analizamos el género de la palabra “Música”, se nos antoja suponerque es femenino. Incluso en su acepción significativa, ya que si tenemos encuenta su significado, en la Grecia antigua, tal término era definido como “elarte de las musas”. Y si analizamos el significado de musa, en la mitologíagriega eran consideradas las diosas inspiradoras de la música.

Si nos adelantamos en el tiempo, pongamos, alrededor del año 180 D.C. Un 22de noviembre, una mujer era perseguida por la guardia del imperio romano,debido a sus creencias cristianas. Fue arrestada y más tarde, cuando estaba apunto de ser ejecutada entonó un canto en alabanza a Dios. A partir de entoncespor toda Europa se empezó a conmemorar ese día con la realización defestivales y actividades musicales, en pro de esa mujer, cuyo nombre eraCecilia. En el año 1594 Santa Cecilia fue nombrada patrona de la música por elPapa Gregorio XIII.

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ELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTA


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Si analizamos todos los hechos acontecidos anteriormente, parece indudableque la música se haya hecho exclusivamente a lamedida de la mujer. Pero sin embargo, a lo largode la historia, la mujer ha estado en inferioridadde presencia, ocultada, mal vista e incluso con elriesgo de perder su vida, cuando en las artes dela música quería pronunciarse. En la baja edadmedia las mujeres, casi exclusivamente, podíanexpresar su valor artístico y musicalenclaustradas en los monasterios, apartadas delmundo de los hombres y consagradas a su vidaespiritual y por extensión a sus pasionesmusicales. Tal es el caso de Hildegarda deBingen (1098-1179). Que fue una de lasprimeras mujeres compositoras de las que se tiene referencia. Abadesa en elmonasterio de Rupertsberg (Alemania). El 7 de octubre de 2012 el PapaBenedicto XVI le otorgó el título de doctora de la Iglesia.

Considerada por los especialistas actuales como unade las personalidades más fascinantes y polifacéticasdel occidente europeo, se la definió entre las mujeresmás influyentes de la baja edad media, entre lasfiguras más ilustres del monacato femenino, dotadade una cultura fuera de lo común y comprometidatambién en la reforma de la Iglesia.

Desde principios del siglo XX hasta nuestros días lamujer ha ido escalando puestos y ocupando loslugares que le corresponden igualitariamente con elhombre en el arte de la música, recorriendo uncamino difícil, no lleno de menosprecios y

ocultismos. Géneros musicales que hoy en día son interpretados por mujeres ypor hombres en igualdad de oportunidades y talentos, eran impensables hacebastantes años, pues su interpretación era realizada exclusivamente porhombres. Todavía hoy en día cuando nos referimos a algunos géneros musicalessolamente le ponemos cara y voz de hombre. Sin embargo también tienen rostrode mujer. Sirva esta publicación en homenaje y reconocimiento a esas mujeres queviéndose apartadas de su expresión artística musical y a demostrar su valía, no

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han sido reconocidas en un mundo reservado para hombres, y también parademostrarle al lector y poder poner rostro de mujer a muchos géneros einterpretaciones musicales que aún hoy en día sólo tenemos la imagen delhombre en su interpretación.

MUJERES COMPOSITORAS.

En el mundo de la composición musical muchísimas mujeres han estado ocultasen siglos anteriores a la sombra de hombres que han intentado diluir o dilapidarsu existencia. Por el mero hecho de ser mujer las posibilidades de darse aconocer en la sociedad de entonces era entendido como un ataque a la ética y alos valores morales. La mujer era relegada simplemente a las laboresdomésticas y familiares. Es tanto el rechazo y la injusticia practicada con lamujer, que en 1686 el papa Inocencio XI declaró: "La música es totalmentedañina para la modestia que corresponde al sexo femenino, porque lasmujeres se distraen de las funciones y las ocupaciones que lescorresponden... Ninguna mujer... con ningún pretexto debe aprendermúsica (o)... tocar ningún tipo de instrumento musical". (Este edicto fuerenovado en 1703 por Clemente XI). Sin embargo algunas mujerespertenecientes a familias con distinguido arraigo musical se dieron a conocer,pero siempre a la sombra de padres, hermanos, esposos, o cualquier otraafinidad familiar que correspondiera al hombre de la familia. Ejemplos de lasmismas serían, entre tantas otras:

María Anna Walburga Ignatia Mozart (1751-1829).

Era conocida como Nannerl Mozart, hermanadel genial Wolfgang Amadeus Mozart. Fuetambién una niña prodigio, educada en unselecto ambiente musical. Acompañó a suhermano en muchísimos conciertos tocando elviolín. Por el simple hecho de ser mujer, su padre la apartó de escena, impulsando a su hijopara tal cometido, impidiéndole seguir componiendo y dedicándose exclusivamente aimpartir clases de piano.

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Fanny Mendelssohn (1805-1847).

Compositora y pianista alemana, hermana del conocido compositor FelixMendelssohn, desde pequeña se advirtieron sus virtudes como prodigiomusical, educándose en el arte de la composición e interpretación. Sin embargo,

la familia Mendelssohn se volcó con el joven FelixMendelssohn, destinando a Fanny al papel debuena esposa y ama de casa. Su destino cambiaríadespués, al casarse en 1829 con el pintor WilhelmHensel, quien la apoyó en su empeño paracomponer hasta un total de 466 piezas musicales.

Clara Wieck Schumann (1819-1896).

Estuvo casada con Robert Schumann, uno de losmás importantes compositores del romanticismoalemán. También con Johannes Brahmas, otro grancompositor del siglo XIX. Clara fue admirada porotras personalidades de la época como Goethe,quien la conoció siendo muy joven. Tambiénconoció personalmente a Felix Mendelssohn,Frederic Chopin y Niccolò Paganini. Además deser pianista, escribió su propia música y editóvarias obras de su esposo. Las razones por las queno se dedicó en mayor grado a la composición, apesar de su talento evidente, fueron varias, entre ellas su carrera de concertista,sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.

Augusta Holmès (1847-1903).

Era una compositora francesa de origen irlandés. Al principio se publicó bajo elseudónimo de Hermann Zenta. A pesar de mostrar el talento en el piano, no se le permitió estudiar en el

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Conservatorio de París , pero tomó clases privadas . Desarrolló su piano bajo latutela del pianista local de Mademoiselle Peyronnet. Organista de la catedralHenri Lambert y Hyacinthe Klose. Asimismo, mostró algunas de suscomposiciones anteriores a Franz Liszt . Alrededor de 1876 , se convirtió enuna alumna de César Franck , a quien ella consideraba su verdadero maestro .

Camille Saint- Saëns escribió de Holmès en larevista Harmonie et Mélodie : "Al igual que losniños, las mujeres no tienen ni idea de losobstáculos, y su fuerza de voluntad rompe todas lasbarreras, la señorita Holmès es una mujer , unaextremista.

Holmès nunca se casó, pero ella convivía con elpoeta Catulle Mendès ; la pareja tuvo cinco hijos.Ella misma escribió las letras de casi todas sus

canciones y oratorios , así como el libreto de la ópera “La Montagne Noire” .En el año1889 de la celebración del centenario de la Revolución Francesa,Holmès fue comisionado para escribir la Triomphale Oda para la ExposiciónUniversal , una obra que requiere cerca de 1.200 músicos. Ganó la reputaciónde ser una compositora de música de programa con sentido político , como suspoemas sinfónicos Irlande y Pologne .Holmès legó la mayor parte de sus manuscritos musicales para el Conservatoriode París .

Alma Marie Schindler (Alma Mahler) (1879-1964).

Nació en Viena y destacó por su belleza y su inteligencia. Fue esposa,sucesivamente, de personajes notables del siglo XX, el compositor GustavMahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel. Mientrasestuvo casada con Mahler, este le impuso el abandono de todas sus inquietudesartísticas y musicales para dedicarse plenamente a su matrimonio, solamenteintervino como copista y lectora de pruebas de las obras de su esposo. Alma, se cansó de esa vida, enamorándose más tarde deljoven arquitecto Walter Gropius, que años más tarde en1919 fundaría La Staatliche Bauhaus, o simplemente laBauhaus. Fue la escuela de arte, artesanía y arquitecturaen Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades

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prusianas en manos del Partido Nazi.

Alma compuso varias obras musicales y en algunas contó con la ayuda yarreglos del compositor Ernt Krenek, y contactó con otros músicos para que lasorquestaran.

Sin embargo también la música nos ha dado grandes mujeres compositoras quehan podido manifestarse en sociedad, aceptándose y reconociéndose por lacrítica de aquel momento. Normalmente todas estas mujeres que han dejado suimpronta en este arte pertenecían a familias acomodadas o pertenecientes a lanobleza, sin menospreciar el arraigo y valentía que suponía manifestarse en estadisciplina siendo mujer, por los roles propios de la época. No obstante sicomparásemos a las mismas con la circunstancia de ser hombres, elconocimiento en sociedad se hubiera producido muchísimo antes y a la críticale hubiera costado menos en el tiempo admitir el reconocimiento merecido.Ejemplos, entre otras, de tales mujeres son:

María Antonia Walpurgis de Baviera (1724-1780).

Fue una mecenas, compositora, pintora y escritora alemana.

Era hija del príncipe electo Carlos Alberto deBaviera y de María Amelia de Austria, hija menordel emperador José I.

Utilizó el seudónimo ETPA (Ermelinda TaleaPastorella Arkadia) como nombre secreto demiembro de la Academia Romana de los Árcades,que era una academia literaria creada en Roma en1691 para combatir los excesos del barrocomediante una nueva estética, el Clasicismo.

Fue discípula de los compositores GiovanniBattista Ferrandini, Nicola Porpora y Johann

Adolph Hasse. Patrocinó a científicos y artistas, como por ejemplo la familia depintores Mengs y el director de orquesta Johann Gottlieb Naumann. Entre sussiete hijos estaba el que luego sería el Rey Federico Augusto El Justo.

Entre sus obras musicales destacan la obra operística “Il trionfo della fedeltá”.

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Las cantatas para Hasse, Mana, Ristori. Y el texto para el oratorio “Laconversione di S. Agostine”, también para Hasse.

Marianne Von Martínez (1744-1812).

Hija del español Nicolás Martínez, que fue nuncio del Papa en la Corte deMaría Teresa de Austria y exiliado en Nápoles.

Como era muy amigo del poeta PietroTrapassi, más conocido como Metastasio, estese interesó en la educación de su hija, quedestacó como niña prodigio cantante, teclista ycompositora. Esta vivió en sus primeros añosvieneses en casa de Metastasio y con los añosMariana pasó de amiga a amante pese a unadiferencia de edad de 40 años. Posteriormente,la familia Martínez heredó una importantefortuna del poeta que gestionaron ella y suhermana y que contribuyó a que desarrollaranuna importante vida social en Viena; su salón fue uno de los más célebresde la ciudad, y conoció a un Mozart doce años más joven que ella, aBeethoven y al compositor español Martín Soler. En 1790 abrió unaescuela de canto de la que salieron algunas de las más grandes voces de suépoca. Fue miembro de honor de la Academia Filarmónica de Bolonia ydoctor honoris causa en Pavia. Martínez compuso más de doscientas obras,misas, cantatas, música instrumental y obra para clave y pianoforte.

Pauline Duchambge (1778-1858).

fue una guitarrista, pianista y compositora francesa . Antonieta - Pauline deMontet nació en una familia rica en Martinica,Antillas . De padres nobles y poseyendo unagran fortuna, quiso vivir durante un tiempo enun convento , dejándolo en 1792 y casándosecon el barón Duchambge en 1796.Divorciándose más tarde, en 1798,reivindicándose como música y compositora.Fue una de las primeras mujeres en escribir

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música original para el instrumento. Aprendió el piano con Desomery y Dussek,y la guitarra con el admirable Ferdinando Carulli. Disminuidas sus finanzas, sededicó a la enseñanza y la composición, obteniendo un franco éxito en ambascosas. Fueron célebres su "Ballade", "Barcarola", "Romanza" para guitarra concanto, editadas por Boosey de Londres. El pintor Robert Lefebvre pintó suretrato a tamaño natural, donde se la ve ejecutando una guitarra.

Pauline Viardot-García (1821-1910).

De origen español, nació en París; se destacócomo mezo-soprano y también comocompositora. Era hija del tenor y compositorManuel García (1775-1832) y hermana de ladestacada soprano María Felicità García (1808-1836), conocida como La Malibrán. PaulineViardot-García compuso varias operetas: LeDernier Sorcier; L’ Ogre; Trop de Femmes;además de varias canciones.

DIRECTORAS DE ORQUESTA

Si reflexionamos sobre este apartado nos daremos cuenta que cuando pensamosen la dirección de una orquesta, se nos viene a la mente la figura de un hombrecon traje de frac o enchaquetado de color oscuro y sacudiendo con armonía yenérgicamente su batuta. Evidentemente también la mujer existe en este campoy con figuras de renombre internacional. Pero no todo este camino hastaconseguir el reconocimiento de la mujer, hoy día, en el apartado de la direcciónde orquesta fue fácil. En este sentido, es importante la labor que realizaronmujeres del talante como; Isabel de la Calle, al frente de su orquesta, laOrquesta Femenina de Barcelona, creada antes de la Guerra Civil Española e

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interrumpida por esta y con continuidad hasta los años 50. Hoy en día contamos con La Orquesta Sinfónica de Mujeres de Madrid,OSMUM, que es un proyecto cultural elaborado por mujeres y destinado atodos aquellos que aman la música y se entusiasman con proyectos innovadoresque exploran campos inéditos.

Esta Orquesta, primera de su especie en España y Europa, cuenta con elrespaldo de años acumulados de experiencia de sus instrumentistas y formadaen su gran mayoría por profesoras de los diferentes conservatorios de música.

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La OSMUM ha sido promovida por Mª Isabel López Calzada, una mujerdirectora de orquesta de España, que cuenta con un sólido bagaje cultural yempresarial producto de muchos años de experiencia al frente de orquestasnacionales e internacionales y de empresas musicales gestionadas por ella.

La andadura de esta Orquesta Sinfónica de Mujeres de Madrid, se inició el 27de marzo de 2.004 con un concierto en el Auditorio Nacional de Madrid, dondese ofreció un amplio repertorio con obras de Tchaikovsky, Fanny HenselMendelssohn y Edgard H. Grieg.

Directoras de orquesta hay y ha habido muchas, lógicamente no podemosinsertar en este apartado a todas, pero si a algunas representativas de estegénero, que por su importancia y peculiaridad creo debo destacar:

Nadia Boulanger.

Nació en París en 1887 y falleció también enParís en 1979. Fue compositora, pianista,organista, directora de orquesta, intelectual yprofesora francesa que formó y enseñó a muchosde los grandes compositores del siglo XX. Segúnel compositor Ned Rorem “fue la pedagogamusical más importante que jamás existió”.Como directora de orquesta, fue una de lasprimeras en recuperar las obras de Monteverdi(en la década de 1930), y fue la primera mujerque dirigió un concierto para la RoyalPhilharmonic Society de Londres (1937), la Orquesta Sinfónica deBoston(1938) y la Orquesta Filarmónica de Nueva York(1939).

Chiquinha Gonzaga.

Francisca Edwiges Neves Gonzaga, más conocida como Chiquinha Gonzaga(Rio de Janeiro, 1847-1935) fue compositora, pianista y directora de orquestabrasileña.

Fue la primera mujer en componer y tocar choro ( musica tradicional einstrumental brasileña ), primera pianista de choro, autora de la primera marchade carnaval (Ô Abre Alas, 1899) y también la primera mujer en dirigir unaorquesta en Brasil.

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Comenzó a los 11 años de edad su carrera de compositora con una músicanavideña, “Canção dos Pastores”. A los 16 años, por determinación de lafamilia de su padre, se casó con Jacinto Ribeiro do Amaral, oficial de la MarinaImperial brasileña e inmediatamente quedó embarazada. No soportando la

reclusión en el buque donde el marido trabajaba(ya que él pasaba más tiempo trabajando en elbarco que junto a ella) y las órdenes de él paraque no se envolviera con la música, además delas humillaciones que sufría y el desprecio de élrespecto a su sueño. Chiquinha, después de añosde casada se separó, lo que fue un escándalo en laépoca.Se llevó consigo solamente al hijo más grande,João Gualberto. Su marido, sin embargo nopermitió que Chiquinha cuidara de los hijos más

pequeños: Maria do Patrocínio y el niño Hilário. Ella sufrió por verse alejada delos 2 hijos por determinación del marido y por la discriminación de la sociedadde aquella época, que interpretaba como delito si una mujer se separaba delmarido. Después de eso tuvo encuentros con dos hombres más en su vida. Elprimero un antiguo novio de la juventud João Batista de Carvalho, con quientuvo una hija: Alice Maria. Llegándose a separar de nuevo, con la consecuentepérdida de su hija y por último un romance a sus 52 años de edad con JoãoBatista de tan solo 16. Temiendo el prejuicio, él hace que ella finja que loadoptó como hijo, para vivir ese gran amor. Esta decisión fue tomada paraevitar escándalos en respeto a sus hijos y a la relación de amor pura quemantenía con João Batista, de la cual pocas personas en la época entenderían,además de afectar a su brillante carrera. Renée Pietrafesa.

Renée Pietrafesa Bonnet (Montevideo, 17 de diciembre de 1938) es unacompositora, pianista, organista, clavecinista y directora de orquesta franco-uruguaya. Sus composiciones exploran tanto los géneros populares como devanguardia, incluyendo muy particularmente la música electroacústica.

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En 1984 Recibió el Premio Florencio de la Crítica Teatral Uruguaya por lamúsica de Electra de Sófocles y fue nombrada Chevalierdes Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura deFrancia.

Dirige su propia Escuela de Música en la Quinta del Arte, ala par de su tarea como docente pedagogía y práctica deconjunto en la Escuela Universitaria de Música.

Fundó la Orquesta de Cámara de jóvenes, otra rama delConjunto Ars Musicae de Montevideo que había sido fundado por ella en 1964y cuya finalidad es difundir la música de cámara en todos sus géneros y realizarestrenos de compositores uruguayos.

Fundó y dirige el Grupo Barroco de Montevideo. Es autora de obras de calidad,reconocida internacionalmente. Defensora de siempre en realizar la difusiónmusical con programas heterogéneos que comprendan diferentes estilos ygéneros que sirvan al público en su realidad cotidiana recalcando el aspectodidáctico de los mismos, es decir acertar con las necesidades de la gente de hoy.

Simone Young.

Nació en Sydney (Australia) en 1961. Pionera como directora de orquesta de laFilarmónica de Hamburgo.

Inició su carrera musical especializándose en ópera.

Es una mujer muy culta, habla cinco idiomas y sabe de memoria las partiturasde más de 60 óperas.

En 1985 y con tan solo 24 años sustituyó, por caer enfermo, al director de laópera de Sydney horas antes del concierto.

A partir de 1993, pese a la tradición machista dela ópera de Viena, Simone dirigió más de 20óperas diferentes y en 1996 debutó enHamburgo con enorme éxito.

Está reconocida internacionalmente como unade las más eminentes batutas de la actualidad, yha dirigido en los más prestigiosos escenarios

del mundo, frente a las orquestas filarmónicas de Nueva York, Los Ángeles,

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Londres, París, Munich y Viena.

En el año 2005, Simone Young entra en la historia como la primera mujerdesignada directora musical de la Orquesta Filarmónica de Hamburgo.

Inma Shara

(Inmaculada Lucía Sarachaga). Es una de las más brillantes representantes de lanueva generación de directores de España. Fue la primera mujer en dirigir unconcierto en el Vaticano.Ha dirigido las orquestas sinfónicas españolas más importantes y algunos de suscompromisos más recientes incluyen colaboraciones con algunas de las mejoresorquestas del mundo como, la London Philharmonic Orchestra, Filarmónica deIsrael, London City Chamber Orchestra, además de las Orquestas; SinfónicaNacional Checa, Sinfónica Nacional Rusa, London Royal Philharmonic,Sinfónica de Roma, Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwan, Sinfónica deMilán, Orquesta de la Suisse Romande (Suiza), Sinfónica de Lituania,Sinfónica Nacional de Letonia, Orquesta Sinfónica del Teatro Reggio de Parma,Orquesta del Teatro Carlo Felice, Sinfónica Nacional de Ucrania, entre otrasmuchas orquestas..... incluyendo las más importantes orquestas españolas,además de colaborar con grandes solistas de la talla de Mischa Maisky, BorisBerezovsky o Shlomo Mintz, entre otros.

Recientemente ha sido galardonada con el premio a la Excelencia Europea porsu proyección internacional y su aportación a la música clásica, igualmente ha

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sido nombrada "Embajadora Honoraria de la Marca España" prestigioso premioconcedido por el Foro de Marcas Renombradas por ser una de las más brillantesrepresentantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y porsu trayectoria profesional.

Virgínia Martínez.

Nace en Molina de Segura, Murcia, en 1979. A los seis años comienza susestudios musicales en la Academia Municipal de Molina de Segura. A los ochoaños empieza sus estudios de piano. Desde los cuatro años fue miembro delCoro de Niños de Molina, hasta los trece años, momento en que se hizo cargode la dirección de los Coros Infantiles Municipales de Molina de Seguraprosiguiendo su labor hasta 1999, año en el que se gradúa en el ConservatorioSuperior de Música de Murcia y posteriormente es becada por la FundaciónSéneca de Murcia paracontinuar sus estudiosen el extranjero. Apartir de ese añocomienza a estudiar lacarrera de Dirección deOrquesta en elConservatorio de la

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sido nombrada "Embajadora Honoraria de la Marca España" prestigioso premioconcedido por el Foro de Marcas Renombradas por ser una de las más brillantesrepresentantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y porsu trayectoria profesional.

Virgínia Martínez.

Nace en Molina de Segura, Murcia, en 1979. A los seis años comienza susestudios musicales en la Academia Municipal de Molina de Segura. A los ochoaños empieza sus estudios de piano. Desde los cuatro años fue miembro delCoro de Niños de Molina, hasta los trece años, momento en que se hizo cargode la dirección de los Coros Infantiles Municipales de Molina de Seguraprosiguiendo su labor hasta 1999, año en el que se gradúa en el ConservatorioSuperior de Música de Murcia y posteriormente es becada por la FundaciónSéneca de Murcia paracontinuar sus estudiosen el extranjero. Apartir de ese añocomienza a estudiar lacarrera de Dirección deOrquesta en elConservatorio de la

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1919


Ciudad de Viena. , finalizando estos estudios en junio de 2003, dirigiendo en elconcierto de graduación a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena, con laobra “El Pájaro de Fuego”, de Igor Stravinsky, y obteniendo la calificación de“Matrícula de Honor con mención especial”. En el año 2000 entra a formarparte del “Singverein Chor” de Viena, con el que ha dado numerosos conciertospor toda Austria y Europa. En Enero de 2004 fue nombrada “Joven del Año”por la Consejería de Juventud de la Región de Murcia y también nombrada elmismo año como asistente de Bertrand de Billy en el Gran Teatro del Liceu deBarcelona, para el montaje de 2 óperas Wagnerianas: “Siegfried” y “El Ocasode los Dioses”. En la temporada 2005/6 fue Directora Asistente de la OrquestaSinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, trabajo que compaginó con ladirección artística de la Orquesta de la Escuela Superior de Música de Cataluña.Y en la temporada 2006/07 fue nombrada Asistente de la Orquesta de Valenciajunto a Yaron Traub. Ha dirigido con gran éxito a las Orquestas Sinfónica de laRegión de Murcia, Pablo Sarasate, Orquesta de Valencia, Sinfónica del Vallés,Orquesta Ibérica, Orquesta “Barcelona 216”, Orquesta Ciudad de Barcelona yNacional de Cataluña, Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta deGranada, Orquesta de Córdoba, Wiener Kammerorchester y Orquesta Nacionalde Santo Domingo, donde colaboró con Philippe Entremont. El pasado Octubrede 2007 realizó una gira por España con la Wiener Kammerorchester. Entre suscompromisos recientes destacan sus actuaciones junto a la Orquesta Sinfónicade Granada, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica del Principado deAsturias, Orquesta “Barcelona 216”, Orquesta de Menorca y Orquesta Nacionalde Montpellier, así como la dirección de la Zarzuela “La del Manojo de Rosas”en una producción del Teatro Campoamor de Oviedo en el verano del 2009.Actualmente es Directora Titular de la Orquesta de Jóvenes de la Región deMurcia.

Gloria Isabel Ramos Triano.

Nacida en las Islas Canarias, en 1995. Ganó el Premio Internacional paraJóvenes Directores de Orquesta de Besançon en la modalidad de Ópera. En

1996 debuta en España con laOrquesta Sinfónica de Tenerife y laOrquesta Sinfónica de Galicia.

En el año 2001 es nombrada directoratitular y artística de la Orquesta de

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2020


Córdoba, consiguiendo ésta bajo su dirección un gran éxito de público en susactuaciones en el Gran Teatro de la localidad.

En el año 2001 recibió el Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de Españaen la categoría de Música Clásica.

En el año 2003 fue nombrada Personaje del Año en Córdoba.

Ha sido nombrada Mujer Canaria 2005, por el Orfeón La Paz de La Laguna.

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Si nos movemos por distintos géneros musicales apreciaremos que a lo largo dela historia, la mujer ha tenido un papel medio sombrío o incluso oculto enalgunos de ellos, a partir de ahora vamos a centrarnos en géneros en los cualesla mujer no ha ido a partes iguales con el hombre, sino más bien, con el permisode este. La entrega y el arrojo de mujeres de este tipo en una sociedad machistapor excelencia, contribuyen a valorar aún más el papel de las mismas y aenterrar los tópicos típicos que se tenían y/o tenemos conceptuados.

Sobre este aspecto vamos a ir recorriendo diferentes géneros, aunque no todos,pero sí los más representativos en los cuales la mujer ha tenido que abrirsecamino y reivindicar su valía y profesionalidad. Como son el Jazz, contry, rocky canción de autor. El lector se preguntará que existen más géneros en los que lamujer ha tenido un papel muy importante, como son el soul, pop, folk, etc. Peroen todos ellos, ha ido casi, por no decir igual, a la misma par con el hombre.Los géneros que aquí destacamos son aquellos en los que hoy en día seencuentran en igualdad de condiciones, pero en otros tiempos existía un ciertorecelo entre ambos. Y no solo por la desigualdad de aquel entonces, sino por elhecho de abrirse camino en géneros acaparados por la mayoría de hombres yalgunos relacionados inclusive con la masculinidad.

JAZZ.

Ha habido consagradas cantantes de jazz a lo largo de la historia. Nombrescomo Ella Fitzgeral, Areta Franklin, Billie Holiday, Sarah Vaugh, etc. hansublimado el arte vocal en este género. Pero la cosa cambia cuando pensamosen instrumentistas del mismo. LouisAmstrong, Duke Ellington, Art Tatum,Lionel Hampton, etc, son ejemplos demúsicos de una categoría extraordinaria,

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obras maestras, sin ninguna duda, pero ¿podría alguíen pensar en algunainstrumentista?. Tal vez sí, pero la mayoría se quedarían con la mente enblanco, sin saber qué decir. Porque lo cierto es que hasta hace poco la presenciade mujeres en el jazz tenía el campo muy restringido al jazz vocal.

Uno de los ejemplos de valentía por aquel entonces fue la saxofonista ElsieSmith tocando en la banda del prestigioso Lionel Hampton.

Ejemplos de instrumentistas, entre otras, son:

Mary Osborne como guitarrista. Jennifer Vincent como bajista. Sylvia Cuencacomo baterista. Anne Mette Iversen como contrabajista. Annie Whitehead comotrombonista. Ingrid Jensen como trompetista. Shirley Scott como organista. InaRae Hutton como directora de big band. Ana Norgard como percusionista.Regina Carter como violinista...

Mary Osborne

Gran guitarrista de jazz eléctrico que nació en Minot, Dakota del Norte, el 17de julio de 1921 y murió el 4 de marzo de 1992. Décima de once hijos . Sufamilia tenía bastante inclinación hacia la música; su madre tocaba la guitarra ysu padre construía violines. A los 3 años de edad , mostró un interés y una granfacilidad para la reproducción musical. Los primeros instrumentos que utilizóOsborne incluyen piano, ukelele , violín y banjo. A los nueve años , se inclinópor primera vez por la guitarra. A los diez años yatocaba el banjo en la banda de ragtime de su padre.También llegó a ser presentada en su propioprograma de radio, que continuaría realizandoactuaciones dos veces por semana hasta los quinceaños . A los doce años comenzó su propio trío deniñas para tocar en Bismarck, Dakota del Norte.Osborne se casó con el trompetista Ralph Scaffidi,

que la animó en su carrera musical.

En la década de 1940 fue cuando se produjeron losmomentos más intensos de la carrera musical deMaría Osborne . Empezó tocando en sesiones deimprovisación en la calle 52 , donde ella se codeócon algunos de los grandes nombres del jazz yrápidamente se hizo un nombre por sí misma. En 1941 se enroló en la carretera

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con el reconocido violinista de jazz Joe Venuti. Hasta encabezar en 1945 unconcierto de jazz junto a Dizzy Gillespie, Art Tatum , Coleman Hawkins , yThelonious Monk en Filadelfia.

Shirley Scott (Filadelfia, Pensilvania, 1934-2002).

Fue una cantante y organista de jazznorteamericana. Inició su carrera profesionaltocando el piano en la big band de su hermano,aunque se pasó más tarde al órgano Hammond paratocar con George Duvivier, después en un grupo,junto con John Coltrane y Al Heath, y más tarde enun trío con Eddie Lockjaw Davis. En Nueva York(1956-1960) graba y toca junto con Stanley

Turrentine, que era su esposo en esa época, y mantiene regularmente su trío. Enla década de los 80, se dedica a la enseñanza musical.

Scott alcanzó un gran prestigio como músico de acompañamiento, dentro delgénero que en los años 50 se conoció como funky jazz.

Jennifer Vicente

Jennifer Vicente , es bajista y violonchelista , ha sido una fuerza activa en laescena del jazz latino en Nueva York durante las últimas dos décadas . Hatocado con varias formaciones prestigiosas, como la Orquesta de DukeEllington , Betty Carter , Abbey Lincoln , con los bateristas Willie Martínez yRoberto Rodríguez ( de Miami Sound Machine ) , Jon Hendricks , Paula West ,Carmen Lundy , Son Sublime , y el famoso Coro de la Boy de Harlem .

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Sylvia Cuenca

Sylvia Cuenca es una baterista estadounidense joven y activa en la escena deljazz de Nueva York que está contribuyendoal desempeño sobresaliente en una variedadde situaciones . Recientemente, ella haestado llevando una actividad muyacentuada con el legendario trompetistaClark Terry , como parte de su quinteto .Este grupo lleva a cabo anualmente en elVillage Vanguard y el Blue Note de NuevaYork, en la Royal Caribbean y los crucerosde jazz SS Noruega , así como en muchosclubes, conciertos y festivales de jazz . Además de trabajar con Clark Terry, hatocado con artistas como el trombonista Al Grey , saxofonistas Red Halloway ,Jimmy Heath y Frank Wess , para nombrar unos pocos .

Annie Whitehead

Nació en 1955 en Oldham, Lancashire, Inglaterra.

aprendió trombón en la escuela; a los 14 ya estaba ocupada tocando con bandasde música , grupos de danza locales y de la Orquesta de Jazz de los Jóvenes deManchester y comenzó su carrera profesional a los dieciséis años . Entre susinfluencias iniciales están Miles Davis , Charles Mingus y Wayne Henderson .Ella también es ecléctica y dispuesta a probar otros géneros además de jazz.

Trabajó con la Hermandad de Chris McGregor, Carla Bley , Robert Wyatt , JoanArmatrading , Penguin Cafe Orchestra, Chris Rea , Bill Wyman , ElvisCostello , Jah Wobble , ... Y los Hipsters nativos entre otros. En 1984 formó supropia banda y lanzó su primer CD como líder. Ha contribuido a más de 50álbumes y ha grabado cinco bajo su propio nombre. Ella había sido parte de las All Stars Jazz de Jamaica junto al saxofonista DenysBaptiste y su propia banda combina los ritmos del reggae con el jazz . En 2003tocaba el trombón en la banda de Robert Wyatt. Ha participado en la bandatributo a Frank Zappa con el guitarrista de jazz John Etheridge y otros. En 2004la BBC Radio 4 la llamó " una de las grandes trombonistas del país. En 2007,ha tocado el trombón en la mayoría de los temas contenidos en el álbum deRobert Wyatt “Comicopera” .Whitehead también ha trabajado con su novio , Jennifer Maidman y enseña jazz

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en el Centro de Londres para Jóvenes Músicos .

Ingrid Jensen

Es una trompetista canadiense, nacida en 1966 en Vancouver. Ha sido nominadapara varios premios Juno, ganando uno con su primer lanzamiento, Vernalcampos (con Lenny White, George Garzone y Larry Grenadier). Ingrid pasamucho de su tiempo en giras con sus propios proyectos, tocando, también, conla premiada en los Grammy Maria Schneider Jazz Orchestra y también comoinvitada en prestigiosas universidades de todo el mundo. Su hermana, ChristineJensen, toca el saxofón y ocasionalmente realiza algunas actuaciones conIngrid.Una lista parcial de los músicos con los que ha trabajado Jensen incluye, entreotros: Steve Wilson, Watts 'Tain' Jeff, Dr. Lonnie Smith, Bob Berg, Gary Bartz,Bill Stewart, Terri Lyne Carrington, Geoffrey Keezer, Billy Hart, GeorgeGarzone, Chris Connor , Victor Lewis, Clark Terry, Frank Wess, Billy Taylor...

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COUNTRY

Si recurrimos a este género musical, se nos antoja pensar en el típico varónnorteamericano con sombrero de cowboy, guitarra en mano y cantandocanciones donde la palabra “Baby” refiriéndose a “nena” o “chavala” seencuentra omnipresente, y principalmente con argumentos de mando sobre lamisma. Afortunadamente este estereotipo del género, hoy en día se va alejandobastante de la realidad. El género country actualmente posee una brillantez ycalidad impresionantes y está a la par en una sociedad donde el hombre y lamujer comparten sus inquietudes musicales por igual. Pero hace bastantes añosla mujer se asomaba al country con permiso y aprobación mayoritariamente delhombre, por no decir de los prejuicios que suponían pensar en una mujeractuando en “garitos” o bares de medianoche, donde la mala reputación y lacostumbres más bien desinhibidas eran un escándalo en la sociedad americanade años atrás. Gracias al talento y a la calidad musical que la mujer ha

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demostrado en este género, hoy en día el country sería inimaginable sin laaportación y presencia de la mujer.

Existe una gran variedad de mujeres que destacan en este género, pero entreotras, caben destacar; Patsy Montana, Kitty Wells, Emmylou Harris, JudyCollins, Norah Jones, Alison Krauss, Linda Ronstadt, Lucinda Williams, etc,etc.

Patsy Montana.

Ruby Rose Blevins (Beaudry, Arkansas, 30 de octubre de 1908-San Jacinto,California, 3 de mayo de 1996).

Conocida profesionalmente como Patsy Montana, fueuna cantante y compositora de música country y laprimera mujer de la historia de este género en venderun millón de copias de un single con “I want to be acowboy's sweetheart”. Es miembro del Country MusicHall of Fame.

Kitty Wells.

Ellen Muriel Deason ( 30 agosto 1919 - 16 julio 2012 ).

Conocida profesionalmente como Kitty Wells , fue una cantante de músicacountry estadounidense . Su grabación de 1952que fue un hit denominado "No fue Dios quienhizo Honky Tonk Angels" , la convirtió en laprimera cantante de country femenina del país enEstados Unidos , y la convirtió en la primeramujer en la estrella del country . Sus 10 Top hitscontinuaron hasta mediados de la década de1960 , inspirando a una larga lista de cantantes decountry femenina que llegaron a la fama en ladécada de 1960.

En 1976, fue incluida en el Music Hall de laFama del Country . En 1991 se convirtió en la tercera artista de música country

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del país y la octava mujer en recibir el Grammy Lifetime Achievement Award .Sus logros le valieron el sobrenombre de Reina de la Música Country .

Emmylou Harris

Nació en Birmingham, Alabama, 2 de abril de 1947.

Su infancia transcurrió en Carolina del Norte y Woodbridge, Virginia, donde segraduó en el Instituto Gar-Field. Allí terminó losestudios con una mención de honor debido a susexcelentes resultados, esto le reportó una becaescolar que le permitió ingresar en laUniversidad de Greensboro en Carolina delNorte. Fue allí donde comenzó a estudiarmúsica de forma profesional, tocando en sutiempo libre canciones de Bob Dylan y JoanBaez. Finalmente decidió abandonar launiversidad para dedicarse a la carrera musical.Eligiendo la ciudad de Nueva York comodestino. Allí comenzó a tocar canciones folk enlos bares y cafés de Greenwich Village (unazona de Nueva York conocida por su culturaartística y bohemia) alternando los conciertos

con su trabajo de camarera, que le permitía sobrevivir.

En el año 1969 se casó con su compañero Tom Scolum, también compositor yescritor de canciones. Al año siguiente grabó su primer álbum Gliding Bird. Elálbum, compuesto por cuatro canciones originales de ella y por temas de BobDylan, Hank Williams y Fred Neil. En 1976 colabora en coros y guitarra conThe Band en el último álbum “The Last Waltz” de la banda norteamericana enla canción "Evangeline". Anteriormente (1975) también colaboró con BobDylan en la grabación del álbum "Desire", haciendo coros.

Poco tiempo después Harris y Scolum se divorciaron. Harris se trasladó a vivircon su hija a los suburbios de Maryland.

Poco tiempo después Harris volvió al mundo de la música como parte de un tríoformado por Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche en 1971, los miembros delgrupo country rock The Flying Burrito Brothers se encontraban como públicoescuchando la actuación de Harris y sus amigos. Chris Hillman, antiguomiembro de "The Byrds" quedó tan impresionado por el talento y calidad vocal

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de Harris que la invitó a formar parte de su banda. Al final, Hillman optó porrecomendársela a Gram Parsons, quien por entonces estaba buscando una mujervocalista que colaborara con él en su primer álbum en solitario. Harris realizóuna gira como miembro de la banda de Parsons, "The Fallen Angels" (Losángeles caídos), en 1973. El tour fue un éxito y ambos artistas congeniaronpositivamente. A finales de ese mismo año, Parsons y Harris decidieronembarcarse en un nuevo proyecto, la grabación de un álbum de estudio llamado“Grievous Angel”. El disco se vio interrumpido por la trágica muerte deParsons el 19 de septiembre de 1973. El disco fue puesto a la venta al añosiguiente.

La situación emocional de Harris tras el fallecimiento de Parsons era delicada.La colaboración de ambos artistas es una de las más importantes en la historiade la música country y country rock.

Emmylou Harris es actualmente uno de los máximos exponentes de la músicacountry de hoy, y referente, dentro de la historia de la misma.

Linda Ronstadt

Linda Susan Marie Ronstadt. Nació el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona.

Aunque comenzó su carrera cantando y grabando música folclórica con subanda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960,ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde elmás tradicional country al country-rock, rock, rhythm & blues, new wave, óperay mariachi, entre otros.

Cuando era una estudiante en la Arizona State University en Tempe, conoció alguitarrista Bob Kimmel. El dúo se mudó aLos Ángeles donde el guitarrista y cantautorKenny Edwards se unió a la pareja. Con elnombre de The Stone Poneys, el grupo seconvirtió en una atracción taquillera en elcircuito de folk de California, grabando suprimer álbum en 1967. Entró por primera vezen las listas en 1967 con un single como lavoz principal de los Stone Poneys con lacanción, "Different Drum" escrita por elmiembro de The Monkees, Michael Nesmith.Su primer éxito single en solitario vino en

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1970 con su single "Long, Long time". Consiguió su mayor éxito comercialdurante la década de 1970 con una cadena de álbumes platino, al alejarse delsonido del country rock primario, para incluir rock más convencional,ocasionalmente versionando clásicos primarios de la década de 1950 yprincipios de la década de 1960.

A finales de la década de 1970 ya había obtenido ocho premios de oro y cuatrode platino. En una carrera de cuatro décadas, ha grabado más de cuarentaálbumes.

Lucinda Williams

Nació en Lake Charles, Luisiana el26 de enero de 1953.

Con poco más de veinte años,tocaba en las ciudades tejanas deAustin y Houston una mezcla defolk, rock y country. En 1978 setrasladó a Jackson, en el estado deMissisipi, para grabar su primerdisco, titulado Ramblin', consistíaen una colección de versiones detemas de country y blues. Dos años

después, en 1980, publicó Happy Woman Blues, con temas de creación propia.

A comienzos de la década de 1980 se trasladó a Los Ángeles, en California,donde comenzó a labrarse una reputación con sus actuaciones, tanto eléctricascomo acústicas. Después de publicar varios álbumes, en 1998 publica uno conel título “Car Wheels on a Gravel Road”. Este disco, que fue premiado con elGrammy al mejor disco de folk contemporáneo, le proporcionó finalmente eléxito comercial que tantas veces se le había negado. Además de recibirexcelentes críticas. Tuvieron gran repercusión sobre todo dos temas, amboseditados en disco sencillo: "Still I Long for Your Kiss", que formó parte de labanda sonora de la película de Robert Redford “El hombre que susurraba a loscaballos” y "Can't Let Go". Después de la publicación del disco, Williamsrealizó una gira con Bob Dylan, y otra en solitario, para la promoción de suálbum.

Ha obtenido en total tres premios Grammy, fue considerada la mejor autora decanciones de Estados Unidos por la revista TIME en 2002.

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Alison Krauss

Nació en Decatur, Illinois, Estados Unidos, el 23 de julio de 1971.

Inicialmente estudió violín clásico, pero a los ocho años empezó a interesarsepor el violín de bluegrass y comenzó a tocar en fiestas y festivales y a obtenervarios premios. Además de su virtuosismo con elviolín, llamó pronto la atención de la crítica suvoz de soprano. En 1985 se publicaron susprimeras grabaciones en el disco “DifferentStrokes”. Con catorce años, firmó un contrato conel sello discográfico Rounder Records. En 1989empezó a trabajar con la banda de bluegrassUnion Station. A partir de ese momento, Krauss yUnion Station empezaron a colaborar de maneracontinuada y como grupo, en el que Alison aportasu voz y toca el violín.

En 2007 salió a la venta un nuevo disco de versiones llamado Raising Sand, enel que es acompañada por Robert Plant, famoso cantante del grupo LedZeppelin. Este álbum ganó la séptima edición de los premios de la AmericanaMusic Association (AMA), celebrada en el histórico Ryman Auditorium deNashville, con los premios al Mejor Álbum y al mejor dúo/grupo de latemporada, y también se hizo con el galardón a Mejor colaboración Country delos Premios Grammy 2008, con la canción “Killing The Blues”.

ROCK

Si ojeásemos una enciclopedia o similar para investigar sobre este género o susderivaciones, o recurriéramos a archivos de sonido de este género, podríamoscomprobar que siempre o casi siempre se hace referencia a intérpretesmasculinos y bandas de este mismo rango. Sin embargo muchísimas mujereshan dejado su impronta en este género y por supuesto siguen dejando. Algunashan sido referentes para intérpretes tanto masculinos como femeninos quesiguen hoy en día al ritmo y sones que ellas introdujeron, y son banderasinsignes de temas ilustres e himnos que se siguen escuchando y tocando en lastendencias actuales. Nombres que caben destacar son; Janis Joplin, Tina Turner,Patti Smith, Suzi Quatro, Alison Mosshart, Joan Jett, Ann Wilson, ChrissieHynde y un sinfín de nombres más.

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Tina Turner

Anna Mae Bullock. Nació en Nutbush, Tennessee, el 26 de noviembre de 1939.

Comenzó su carrera musical a mediados de los años 50 como cantante al lado ycolaborando con su marido Ike Turner, ya que él tenía todo el prestigio. Enaquel entonces se le llamaba “little Ann”.

Su introducción al mundo de la música como TinaTurner comenzó en 1960 como una de los dosintegrantes de la banda musical Ike and TinaTurner. Le sobrevino el éxito siendo pareja con Ikecon una serie de temas, entre los que destacan“River Deep - Mountain High” en 1966, “ProudMary” en 1971 y “Nutbush City Limits” en 1973,tema compuesto por ella misma. Tina fue victimade malos tratos por violencia de género por partede su marido Ike, lo que le supuso el divorcio.

Tina Turner es conocida por sus energéticasactuaciones en vivo, sus estrafalarios atuendos, su poderosa voz y su longevatrayectoria. Ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo.Entre 2008 y 2009 empezó una gira a través del mundo denominada: 50thAnniversary Tour, para después en 2013 confirmar su retirada de la música, a lavez que adquiría la nacionalidad suiza, renunciándo así a la estadounidense.

Janis Joplin

Port Arthur, Texas, 19 de enero de 1943 – Los Ángeles, California, 4 de octubrede 1970.

Fue un símbolo femenino de la contracorriente de los sesenta y la primeramujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 ingresó enel Salón de la Fama del Rock.

En su adolescencia, se hizo amiga de un grupo de marginados, a través dequienes tuvo acceso a discos de artistas de blues afroamericanos como BessieSmith, Ma Rainey o Lead Belly, a quien más tarde, Joplin acreditó comoinfluencia en su decisión de convertirse en cantante. A la vez que comenzó aparticipar en un coro, fue conociendo otros cantantes de blues como Odetta,Billie Holiday y Big Mama Thornton.

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A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentandolos bares de Luisiana, donde escuchaba música afroamericana, de blues y jazz.

En 1962, estando cursando los estudios universi-tarios, el periódico universitario The Daily Texanpublicó un perfil de ella en la edición del 27 dejulio de 1962, titulado "Ella se atreve a ser dife-rente".

El artículo comenzó, "Ella va descalza cuando sesiente como ella misma, lleva Levi's a clase por-que son más cómodos, y lleva su Autoharp conella donde quiera que va, por lo que, en caso deque tuviera el impulso de romper a cantar, le serámuy útil. Se llama Janis Joplin ".

En 1963 se traslada a la ciudad de SanFrancisco, donde desarrollará toda su carreramusical, hasta los últimos días de su vida. Fue eneste periodo cuando comenzó a consumir drogas y se sumió, lentamente, en unestado de abandono, llegando a pesar 35 kilos.

En 1964, Joplin y la futura guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonenregistraron una serie de estándares de blues, acompañado además por MargaretaKaukonen en la máquina de escribir (como instrumento de percusión). En 1966se unió a la banda Big Brother and the Holding Company, logrando unacombinación perfecta, con la que grabaría su primer álbum. Solían actuar juntocon otros grupos psicodélicos como The Grateful Dead, Jefferson Airplane...

Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunosgrandes artistas del momento como Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas,Otis Redding y The Who.

Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron aNueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de músicarepetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, eraprodigiosa y su disco Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janisal éxito. A los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieronmás de un millón de copias.

Las tensiones entre Janis y los Big Brother, por la calidad tan sobresaliente deJanis, provocaron su ruptura, y en 1969 creo el grupo “Kozmic Blues Band”. Enabril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por

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Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el públicola acogió muy calurosamente y ella regresó a EE.UU. muy contenta, diciendoque el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde laaudiencia se volvió loca. En ese año, a causa de la presión se enganchó a laheroína. A finales de 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada ala heroína y al alcohol. Hizo varios intentos de desintoxicación, pero fueron envano. El 4 de octubre de 1970 Janis apareció muerta por sobredosis de heroínay alcohol. Su muerte impactó no solo por la pérdida de un gran talento, sinoporque se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchasmujeres de su época. Fue incluida en el “Club de los 27”, denominado asíporque coincidieron en su desdicha trágica varios cantantes de la época a lamisma edad de los 27 años, como Jimi Hendrix o Jim Morrison, entre otros.

Patti Smith

Patricia Lee "Patti" Smith(Chicago, Illinois, EEUU, 30 de diciembre de 1946).

Patti saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut“Horses” en 1975. Apodada "la madrinadel punk", trajo un punto de vistafeminista e intelectual a la música punk(tendencia agresiva y provocadora delrock surgida como protesta antisistema aprincipio de los 70) y se convirtió en unade las artistas más influyentes de lamúsica rock, integrándola con un estilode poesía beat (obras poéticas y artísticastomadas de este fenómeno contracultural nacido en los años 50, denominadogeneración beat).

Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventudnorteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a laera de la música disco.

Su canción más conocida, "Because the night", la coescribió con BruceSpringsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidosen 1978.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras deFrancia y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.

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Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el públicola acogió muy calurosamente y ella regresó a EE.UU. muy contenta, diciendoque el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde laaudiencia se volvió loca. En ese año, a causa de la presión se enganchó a laheroína. A finales de 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada ala heroína y al alcohol. Hizo varios intentos de desintoxicación, pero fueron envano. El 4 de octubre de 1970 Janis apareció muerta por sobredosis de heroínay alcohol. Su muerte impactó no solo por la pérdida de un gran talento, sinoporque se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchasmujeres de su época. Fue incluida en el “Club de los 27”, denominado asíporque coincidieron en su desdicha trágica varios cantantes de la época a lamisma edad de los 27 años, como Jimi Hendrix o Jim Morrison, entre otros.

Patti Smith

Patricia Lee "Patti" Smith(Chicago, Illinois, EEUU, 30 de diciembre de 1946).

Patti saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut“Horses” en 1975. Apodada "la madrinadel punk", trajo un punto de vistafeminista e intelectual a la música punk(tendencia agresiva y provocadora delrock surgida como protesta antisistema aprincipio de los 70) y se convirtió en unade las artistas más influyentes de lamúsica rock, integrándola con un estilode poesía beat (obras poéticas y artísticastomadas de este fenómeno contracultural nacido en los años 50, denominadogeneración beat).

Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventudnorteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a laera de la música disco.

Su canción más conocida, "Because the night", la coescribió con BruceSpringsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidosen 1978.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras deFrancia y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.

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Ann Wilson

Anne Dustin Wilson. Nacida en 1950 en San Diego, California, EstadosUnidos.

Desde que era una niña, escuchó, inducida por su padre a Judy Garland, RayCharles, Frank Sinatra yotros grandes artistas.

Amante desde muy joven,más bien en la adolescenciadel rock and roll.

junto a su hermana NancyWilson formaron lalegendaria banda Heart en1973.

Aparte del propio estilo derock americano, también destaca dentro del heavy metal.

Se destacó en el canto y la composición, pero también toca la guitarra y el bajo.

Ann es una de las mejores vocalistas femeninas de rock de la historia y esta enla lista "Top Heavy Metal Vocalists of All Time" (Los mejores vocalistas deHeavy de todos los tiempos), hecha por "Hit Parader Magazine" en 2006.

Suzi Quatro

Nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, en junio de 1950.

Desde muy pequeña imitaba a Elvis Presley, hasta que emigró a Londres,donde tuvo sus primeros éxitos a comienzos de los años setenta. Pero su granéxito lo logró de la mano del productor Mike Chapman. Hay cancionesmaravillosas que hablan de su estilo como “Can the Can” y “Devil gate Drive”.

Fue la primera mujer en adoptar una épica rockeravestida siempre de cuero negro. Eran comienzos delos años setenta. Además, fue la primera mujer quetocando el bajo, se convirtió en una estrella delrock. Esto rompió una barrera en la participaciónde las mujeres en dicho género musical.

En la década de 1970, Quatro tuvo una cadena de

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éxitos que tuvieron mayor éxito en Europa y Australia que en su tierra natal.Pero, tras un papel recurrente como una mujer bajista en la popular serieamericana “Happy Days”, su dúo “Stumblin' In” con Chris Norman alcanzó elnúmero 4 en Estados Unidos en 1979.

Entre 1973 y 1980, Quatro recibió seis Bravo Otto. Ha vendido más de 50millones de discos.

Su más reciente álbum fue lanzado en 2011.

Grace Slick

Grace Barnett Wing. Nació en Highland, Illinois, Estados Unidos, en 1939.

Es una de las voces femeninas más reconocidas del rock psicodélico y figuradel movimiento hippie. Se atrevió antes que nadie a cantar rock en una comunade hippies y cantar rock psicodélico en los años sesenta cuando nadie se atrevíaa eso. Sus letras eran una provocación y su voz increíble.

Durante su carrera fue miembro de los grupos musicales The Great Society,Jefferson Airplane, con quien cantó en el mítico Festival de Woodstock, y conlos Jefferson Starship.

Su mejor amiga era Janis Joplin, desde el principio de su carrera musical hastasu muerte en 1970.

También compuso como solista los discosManhole, Dreams, Software y Welcome to theWrecking Ball. “Dreams” es el más personal desus discos como solista y fue nominado para unpremio Grammy. En 1989 deja el mundo de la música.

El legado de Grace ha sido tomado por variascantantes de rock como Stevie Nick, Patti Smith,Sandy Denny y Dolores O'Riordan. Así como suamiga Janis Joplin. Grace Slick contribuyó decididamente a consolidar, por talento y personalidad,la presencia femenina en el rock.

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Chrissie Hynde

Christine Ellen Hynde. Nació en Akron, EstadosUnidos en 1951, fundadora y miembro del grupoThe Pretenders, que ha permanecido en él a lolargo de toda su historia.

Gran amante de la música desde muy pequeña, susídolos de adolescencia fueron The Beatles, Kinks,Rolling Stones y Jeff Beck entre otros.

La cantante también es una reconocida feminista ydefensora de los derechos de los animales.

Como Suzi Quatro es una americana que tuvo queemigrar a Londres para triunfar. Trabajó primero deperiodista de rock y, luego, formando su propio

grupo de rock. Su amor por la música rebelde se inició por su pasión por losKinks, incluso tiene una hija de Ray Davies y vivieron juntos durante unospocos años. Luego, se casó con Jim Kerr de Simple Minds. Gran amiga deLinda McCartney , Hynde ha inventado muchas maneras o estilos para cantarrock y una guía para que lo hagan las mujeres. Por ejemplo, la imitadoraSharleen Spiteri de Texas.

CANCIÓN REIVINDICATIVA Y PROTESTA

Por último no quisiera terminar esta publicación, sin rendir un homenaje aalgunas de esas mujeres, que con su voz hayan querido reivindicar un mundomás igualitario, justo, sin fronteras, solidario, por y para la libertad de lospropios hombres y mujeres que lo residen y sus próximas generaciones.

Entre ellas, se encuentran:

Violeta Parra

Violeta del Carmen Parra Sandoval (San Carlos, 24 de octubre de 1917-Santiago de Chile, 5 de febrero de 1967).

Considerada una de las principales folcloristas de América y gran divulgadora

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de la música popular de su país, a la que enriqueció con su obra.

La influencia de Violeta Parra al aporte artístico y musical chileno se considerade gran valor y trascendencia. Su trabajo sirvió de inspiración a varios artistasposteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo

chileno y las manifestaciones constituyentes delfolclore de Chile y América Latina. Sus cancioneshan sido versionadas por diversos artistas, tantochilenos como extranjeros.

Su infancia transcurrió principalmente en elcampo.

Realizó los cursos primarios y estuvo un año en laescuela normal, que abandonó para trabajar en elcampo y ayudar a su familia debido a que su padreenfermó gravemente. Los hijos de la familialucharon por sobrevivir saliendo a cantar en

restaurantes, posadas, circos, trenes, campos, pueblos, calles e incluso burdeles.

Los problemas económicos se agravaron cuando el padre falleció en 1931 y, alaño siguiente, Violeta se fue a vivir a Santiago, invitada por su hermanoNicanor, que estudiaba allí. Retomó los estudios en la Escuela Normal deNiñas, donde no se sintió a gusto, porque era el canto y no la escuela lo que leinteresaba. Por eso, la dejó y comenzó a cantar en bares, quintas de recreo ypequeñas salas de barrio junto con su hermana Hilda, en un dúo de músicafolclórica llamado Las Hermanas Parra. Obteniendo así algunos ingresoseconómicos.A principios de la década de los cincuenta, comenzó su extensa labor derecopilación de tradiciones musicales en diversos barrios de Santiago y por todoel país. En estas andanzas, conoció a diversos poetas, entre ellos a PabloNeruda.

trabajó en cerámicas, pinturas al óleo y arpilleras. Trabajó un tiempo en unmuseo de arte popular y folclórico que ella misma fomentó a crear en laUniversidad de Concepción y luego viajó por casi todo Chile, ofreciendo cursosde folclore y recitales.

En 1964, logró una marca histórica al convertirse en la primera latinoamericanaen exponer individualmente en el museo del Louvre.

En junio de 1965, instaló una gran carpa con el plan de convertirla en unimportante centro de cultura folclórica, junto con sus hijos Ángel e Isabel y los

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folcloristas Rolando Alarcón, Victor Jara y Patricio Manns, entre otros. Pese asu sueño de convertir la carpa en un referente para la cultura de Chile, larespuesta no fue muy motivadora y el público no la apoyó. La indiferencia delpúblico chileno fue uno de los factores que desencadenaron su muerte, pues apartir de entonces cae en una profunda depresión.

Tras intentos fallidos, Violeta Parra se suicidó a los 49 años en su Carpa de LaReina el 5 de febrero de 1967.

Se cree, que la canción “Gracias a la vida”, compuesta por ella un año antes desu muerte, fuera un reflejo de su estado de ánimo depresivo e incluso unacanción de despedida.

Aportó valores importantes a la música, contribuyendo al rescate de la tradiciónmusical chilena.

Cabe destacar en el legado musical de Violeta sus interesantes composicionesinstrumentales para guitarra, donde conjuga folclorismo y modernidad.

Violeta Parra es considerada una de las figuras musicales más representativasdentro de la causa y compromiso social, junto con varios iconos del génerocomo Víctor Jara, Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Joan Báez y otrosrepresentantes de la contracultura anarquista.

Joan Báez

Joan Chandos Báez. Nació en Staten Island, Nueva York, Estados Unidos el 9de enero de 1941. Es la máxima figura de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calorde la Guerra de Vietnam.

Mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la noviolencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio

ambiente.

En 1956, Báez escuchó por primera vez aMartin Luther King hablando sobre la noviolencia, los derechos civiles y el cambiosocial. Varios años después, Báez y Kingse convirtieron en amigos, y la cantanteparticipó en varias marchas sobre losderechos civiles organizadas por King.

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Su carrera profesional comenzó con la aparición en el Festival de Folk deNewport en 1959, tras la cual grabó su primer álbum para la colección decanciones folk, baladas y blues, acompañada solo por una guitarra acústica,obteniendo un buen resultado musical y el disco de oro.

Emergió a la vanguardia del renacimiento del folk estadounidense, dondepresentó a su público artistas hasta entonces desconocidos como Bob Dylan yfue emulada por músicos como Judy Collins, Emmylou Harris, Joni Mitchell yBonnie Raitt. En noviembre de 1962, apareció en la portada de la revista Time.

Fue decisiva en la fundación de la sección estadounidense de AmnistíaInternacional en la década de los setenta.

Compuso e interpretó temas musicales sobre conflictos que se producían enaquel entonces; la guerra de liberación de Bangladés, la guerra de Vietnam,golpes de estado en Latinoamérica, revoluciones postcomunistas en la viejaEuropa, guerras del Golfo e Iraq y un sinfín de protestas siempre enmarcadas enun amplio activismo político y social.

Fue la primera artista de renombre internacional en tocar en Sarajevo desde elestallido de las Guerras Yugoslavas.

En 1980 recibió sendos doctorados en Letras de la Universidad de Antioch y dela Universidad Rutgers por su activismo político y por la “universalidad de sumúsica”.

Sus actuaciones en grandes festivales fueron registradas en Woodstock,Newport o Monterrey.Hacia 2009 se estrenó en el Festival de Cine de Toronto, Canadá. Undocumental sobre su vida titulado “How Sweet The Sound”.

Chavela Vargas

Isabel Vargas Lizano, conocida artísticamente como Chavela Vargas (San Joaquín deFlores, Costa Rica, 17 de abril de 1919-Cuernavaca,México, 5 de agosto de 2012).

Su estilo, fue la canción ranchera, siempre con un estilopeculiar en cuanto a la interpretación. Con una similitud aJosé Alfredo Rodríguez, con tintes machistas y emotivos. Trata sobre amores y desamores, casi siempre con elalcohol de por medio, ya que en una cultura machistasolamente se acepta la demostración de la sensibilidad delhombre cuando éste está ebrio; estas canciones son

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cantadas desde una perspectiva masculina y con el acompañamiento de mariachi.Chavela cantaba este tipo de canciones, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra ycon su voz, emulando la forma de cantar de un hombre ebrio, por ello, en ocasiones,bajaba el ritmo de las melodías. De este modo, teñía de más desgarro canciones queotros entendían como pícaras o de humor. Fue un personaje a contracorriente desdejoven: vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y erareconocida por su característico poncho rojo. A los 81 años, en una entrevista para latelevisión colombiana, en el año 2000, por primera vez expresó abiertamente que eralesbiana.Los graves problemas producidos por el alcohol en su vida personal la llevaron aretirarse de una carrera artística de gran éxito a finales de los años setenta y duranteaños se sumergió en el anonimato. Gracias a un encuentro casual con el director decine Pedro Almodóvar empezó a superar sus problemas con el alcoholismo y regresóa la escena pública a principios de los años noventa. No volvió a beber en sus últimosveinte años y se mantuvo fuerte hasta el final.

Chavela debió buena parte de la fama de su segundo periodo de actividad artística asu aparición en varias películas de éxito, bien mediante canciones incluidas en ellas ocomo actriz.

Pedro Almodóvar incluyó canciones interpretadas por ella en varios de sus filmes,como “Tacones Lejanos”.

El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su fallecimiento a través de suTwitter Oficial con la siguiente frase: «Silencio, silencio: las amarguras volverán aser amargas... se ha ido la gran dama Chavela Vargas».

Mercedes Sosa

Haydée Mercedes Sosa, (Tucumán, 9 de julio de 1935-Buenos Aires, 4 de octubre de2009).

Considerada la mayor exponente del folklore argentino y una de las principalescantantes de la música popular de Latinoamérica. Se la conoce como La Voz deAmérica.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de laNueva canción latinoamericana. participó en otros géneros musicales como el

tango, el rock y el pop.

El 11 de febrero de 1963, desde el Círculode Periodistas de Mendoza, lanzó elMovimiento del Nuevo Cancionero, junto asu esposo Oscar Matus, Armando TejadaGómez, Tito Francia y otros artistas, que se

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manifestarían internacionalmente como el Movimiento de la Nueva Canción.Mercedes Sosa se mantendría fiel a lo largo de toda su carrera a los principiosartísticos expuestos en el manifiesto fundacional del movimiento:

El Nuevo Cancionero se propone buscar en la riqueza creadora de los autores eintérpretes argentinos, la integración de la música popular en la diversidad delas expresiones regionales del país.Quiere aplicar la conciencia nacional del pueblo, mediante nuevas y mejoresobras que lo expresen.

Rechaza a todo regionalismo cerrado y busca expresar al país toda la ampliagama de sus formas musicales.

El Nuevo Cancionero luchará por convertir la presente adhesión del puebloargentino hacia su canto nacional, en un valor cultural inalienable. Afirma queel arte, como la vida, debe estar en permanente transformación y por eso, buscaintegrar el cancionero popular al desarrollo creador del pueblo todo paraacompañarlo en su destino, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas ysus esperanzas.

En la primavera de 1969 realizó su primera presentación en Chile.

En 1971, en coincidencia con el gobierno de Salvador Allende grabó uno de susálbumes más destacados, Homenaje a Violeta Parra, en tributo a la cantautorachilena, donde vuelve a incluir “Gracias a la vida” y otros temas como “Volvera los 17” y “La carta” con Quilapayún, alcanzando un notable éxito en todaAmérica Latina.

En enero de 1973 realizó su primera actuación en España, durante la dictadurafranquista, en un recital realizado en el Palacio de los Deportes de Barcelona,prohibiendo el gobierno que se realizara publicidad. Pese a ello el lugar secolmó y la gente coreó sus canciones, hasta el punto de conmoverla y hacerlallorar de emoción.

Simpatizante de Juan Domingo Perón en su juventud, apoyó las causas de laizquierda política a lo largo de su vida, afiliándose al Partido comunista en losaños sesenta. Tras el golpe de estado de Videla del 24 de marzo de 1976 fueincluida en las listas negras del régimen militar y sus discos fueron prohibidos.

Desde 1976 realizó giras por Europa y el norte de África

Mercedes Sosa trató de permanecer en la Argentina pese a las prohibiciones ylas amenazas, hasta que en 1978, en un recital en La Plata, fue cacheada ydetenida en el propio escenario y el público asistente arrestado.Se exilió en 1979, primero en París y luego en Madrid.

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Volvió a la Argentina en febrero de 1982, poco antes de que la dictadura militarse viera obligada a iniciar el traspaso del poder a un gobierno civil, tras laGuerra de las Malvinas.

Cuando murió, sus restos fueron velados en el Congreso Nacional de laArgentina.

Isabel Parra

Violeta Isabel Cereceda Parra (Santiago de Chile, 29 de septiembre de 1939).Hija de Violeta Parra, es una de las principales representantes de la NuevaCanción Chilena.

Principal responsable de la difusión del legado de su madre a través de laFundación Violeta Parra. Su vínculo con la música comienza, justamente,interpretando junto a su madre en distintos locales santiaguinos el repertoriopopular de los más variados estilos.

Luego del golpe militar encabezado en 1973 por el dictador Augusto Pinochetcontra el presidente socialista Salvador Allende, Isabel se radica en Francia,

llegando en febrero de 1974 con su pequeña hijaMilena y posteriormente en Argentina, para volver aChile en 1987.

En 2003 publicó “Ni toda la tierra entera”, testimoniolejos del país que "suma reproducciones de cartelestestimoniales de conciertos, letras de canciones ycartas del poeta brasileño Thiago de Mello, deltrovador cubano Silvio Rodríguez y de su padre, LuisCereceda, además de fotografías con otros músicos.

En 2013 sacó una reedición ampliada de lapublicación de 2003. Y afirmó: “Mi intención es queno se olvide el exilio que vivieron miles de chilenos.

No se puede olvidar esta terrible historia y el libro es un testimonio de lo quedejó la dictadura”.

Cecilia

Evangelina Sobredo Galanes (El Pardo, Madrid, 11 de octubre de 1948-Colinasde Trasmonte, Zamora, 2 de agosto de 1976).

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Su carrera artística fue corta, muriendo en accidente de tráfico a la edad de 27años, pero consiguió una gran popularidad con canciones como "Un ramito devioletas”, “Mi querida España” o “Dama, dama”, que lograron ser un éxito en laEspaña de los setenta.

Empezó a estudiar los estudios de Derecho, abandonándolos para dedicarse porcompleto a la música y a componer sus propias letras. Estas poseen una calidadpoética y literaria excelente, muy porencima de lo habitual en su

tiempo, y se adscriben a corrientesexistencialistas y a la canción deprotesta feminista.

la afición musical se desarrolló desdeuna edad muy temprana en el entornofamiliar y escolar.

Adoptó el nombre artístico de Cecilia debido a que "Eva" ya estaba registrado,adoptando el nombre del tema "Cecilia" de Simon y Garfunkel, a quienesadmiraba.

En 1970 grabó su primer sencillo en solitario con las canciones “Mañana” y“Reuníos”, siendo esta última un ruego para que volvieran los entonces reciéndisueltos Beatles.

En 1972 lanzó su primer LP, con el título “Cecilia”.

Al año siguiente, 1973, apareció su segundo LP, titulado Cecilia 2. Una foto dePaco Ontañón figura en la portada, simulando levemente un embarazo. Lostemas de este álbum tratan temas variados, pero siempre muy personales.Algunos hablan de recuerdos como "Cuando yo era pequeña", ecologismo, "Miciudad", otros de planteamientos vitales "Me quedaré soltera”, cuya temáticaresultaba polémica para la época por sus planteamiento feminista. "Si no fueraporque...”, reflexionaba sobre el suicidio mientras que "Un millón de sueños”hacía referencia a la Guerra Civil Española. Otras canciones hablan de un amorexistencial, elegíaco y triste muy característico de Cecilia (“Canción de amor”,“Me iré de aquí”). Sólo “Andar”, tema de apertura del disco, escapa de esatristeza y aparece lleno de ganas de vivir. No logró emular el éxito de ventas delLP anterior aunque fue aclamado por la crítica.

Su tercer álbum, “Un ramito de violetas”, publicado en 1975, fue el mayor éxitode su corta y fulminante carrera.

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Cecilia supo aunar la música británica y norteamericana que había escuchado ensu juventud y mientras residía en Reino Unido y Estados Unidos con la músicay literatura españolas, todo ello con un sello absolutamente personal y único. Ensu obra se encuentran referencias a estilos tan variados como el blues, el rock,el pop, la bossa-nova, la música tradicional española y las canciones de cabaret.

Como muchos otros artistas, Cecilia tuvo algunos problemas con la censuraexistente en España durante la dictadura de Franco. Algunas letras tuvieron queser modificadas, ciertos temas fueron descartados de los discos y algunas de susportadas fueron sustituidas.

María del Mar Bonet

Nació en Palma de Mallorca el 27 de abril de 1947. Sus composiciones siemprehan sido en lengua catalana, con una larga trayectoria de investigación en las

músicas populares de las islas Baleares,Cataluña, y de todo el entornomediterráneo. en 1967 formó parte del movimiento dela Nova Cançó.

Desde entonces ha editado discos demúsica folk en catalán. Además harealizado diversos conciertos en

diferentes puntos de Europa, el norte de África, Estados Unidos, Japón eIberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevasformas artísticas.

Entre sus primeros éxitos se encuentran las grabaciones de “Què volen aquestagent?”, su canción más contestataria y su versión de “L'àguila negra”, originalde la francesa Barbara, que junto a “No voldria res més ara” consigue ser Discode oro en España en 1971.

En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluñaen reconocimiento a su labor durante la etapa de “Els Setze Jutges” y edita sudisco “Terra secreta”, que ya había presentado en directo desde 2006 y en elque hace un homenaje a algunos compañeros de la cançó; en el mismo añopresenta el espectáculo “Els treballs i els dies” junto al cantaor flamencoMiguel Poveda.

En 2012 es nombrada doctora honoris causa por el Consell de Govern de laUniversidad de las Islas Baleares.

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Ha colaborado tanto en actuaciones en directo como en grabacionesdiscográficas con multitud de artistas de diferentes estilos, tales como LluísLlach, Ovidi Montllor, Milton Nascimento, Nacho Duato, Manolo García,Georges Moustaki, Amancio Prada, Dulce Pontes, María Farantouri, Milva,Quilapayún o Haris Alexiou, entre otros.

Rosa León

Nació en Madrid el 4 de septiembre de 1951.

Comienza su carrera musical a principios de los años setenta en una formaciónllamada Rosa y Jorge, junto a Jorge Krahe, cantando en diferentes locales conun estilo que ya empieza a anunciar una cierta crítica socio-política.

Tras grabar su primer sencillo en 1972 “Lascuatro y diez”, en 1973, ya en solitario,graba su primer LP titulado “De algunamanera”, que incluye varias canciones deLuis Eduardo Aute y versionó dos poemasde Mario Benedetti.

En 1975 publicó “Al alba”, que incluye eltema homónimo, también de Aute. Se trata,en palabras de su autor, de una soterrada

crítica a la pena de muerte, materializada en los últimos fusilamientos delrégimen franquista ocurridos el 27 de septiembre de 1975.

Después de grabar el álbum “Tiempo al tiempo” en 1978, que no lograresultados espectaculares en el mercado de ventas, Rosa León no vuelve a editarun disco hasta 1983, con “Rosa se está buscando en el espejo”, que incluye eléxito “¡Ay paloma!”.

A partir de ese momento produce y edita sus propios discos y graba cuatrodiscos para el público infantil, realizando incursiones en programas detelevisión para los más pequeños, como; La cometa blanca, sopa de gansos...

Comprometida desde siempre con causas políticas, fue concejala delAyuntamiento de Madrid, entre los años 2004 al 2007. A partir de esa fechacolaboró con el Ministerio de Cultura. En agosto de 2008 fue Directora delInstituto Cervantes de Casablanca (Marruecos), así como también, más tarde, elde Dublín (Alemania).

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"La Música es la expresión sublime del alma, no entiende de géneros ni es exclusiva de

hombres o mujeres, es un todo y por ende se manifiesta y puede ser desarrollada por

cualquier ser humano." (José Toscano Pinzón).

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CRÉDITOS

http://www.musikawa.es

http://www.hagaselamusica.com

http://www.revistadeartes.com.ar

http://blog.educastur.es/revistamusical

http://valdemusica.blogspot.com.es

http://www.plasticosydecibelios.com

http://gredos.usal.es

https://es.wikipedia.org

Consejería de Educación

ellas también llevan la batuta

Education