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TRABAJO COOPERATIVO FILOSOFÍA ESTÉTICA

Nuestra sensibilidadAntes de comenzar a leer sobre la estética, la experiencia de la belleza o el arte es bueno pararse a pensar sobre lo que ya sabes, o crees saber, acerca del tema. Este asunto de la sensibilidad es muy importante pues la experiencia estética existe porque hay algo en el hombre que la permite. Este algo podríamos decir que es una cierta sensibilidad que poseemos para percibir lo hermoso. ¿En qué consiste?¿Cómo se manifiesta? Son cuestiones que deberías pensar antes de seguir adelante. Para ayudarte a ello responde a las siguientes cuestiones que se te plantean de la forma más sincera y exhaustiva posible. No hay una respuesta válida o acertada. Tan sólo responde con tu propia opinión y bastará.a) ¿Con cuáles de las afirmaciones siguientes te identificas?- El arte es una manifestación de lo bello.- El arte es una compensación por la dureza de la realidad y por la simpleza de la vida cotidiana.- El arte es una fuente de verdad.- El arte es lo que nos hace disfrutar intensamente.- El arte es lo que se expone en los museos- El arte es la obra del artista- El arte es lo que gusta al público- El arte no puede ser algo producido industrialmente.¿Con cuáles no estás de acuerdo? ¿Por qué?b) Comenta las siguientes frases:- “Es raro encontrar mucho genio unido a mucha razón”.- “Una belleza de la Naturaleza es una cosa bella; la belleza artística es una bella representación de una cosa”.- “Gusto es la facultad de juzgar lo bello”.- “El artista nace, el científico se hace”.- “Algo que es bello es también bueno”.- “El culto al cuerpo es el mejor signo del amor a la belleza”.- “Sería imposible vivir si el mundo fuera feo”.c) Lee el texto que se te propone a continuación y responde a las preguntas que se te formulan.“¡Ahí está todo el grupo! Parecen muy animados.– ¡Hola a todos! – les saludo –. ¿Qué os pasa, que estáis tan contentos? Cualquiera diría que es viernes.– Casi – me contesta Jordi –. ¿No te acuerdas? Mañana no hay clase: ¡nos vamos para la capital!– Sí, claro que me acuerdo. Ahora mismo acabo de prepararme la bolsa.– ¡Vaya rollo que os espera! – salta Javi.– Dirás que nos espera a todos, ¿no? – le pregunta Elena extrañada –. ¿,O es que tú te libras?– No voy, ¿,no lo sabías? – contesta Javi –. Ya lo dije cuando la tutora propuso esta visita al museo del Prado.– Pues no me enteré – se disculpa Elena –. ¿Y por qué no vas?, ¿,te pasa algo?– ¡Qué le va a pasar! – contesta Rosa en lugar de Javi –. Que pasa un montón del arte y del Prado.– Yo ya he estado en el Prado – se defiende Javi –. ¡Con una vez es suficiente!– ¿Cuándo? – le pregunto.– Bueno, con mis padres. Hace tiempo.– Ya, ya... – interviene Elena –. Seguro que no te enteraste de nada.– ¿Y de qué hay que enterarse? – contesta Javi burlón –. Está lleno de cuadros, todos son parecidos. Visto uno, vistos todos.– Mira que eres bruto – replica Elena.– Ya. Seguro que vosotros vais porque os interesa mucho el arte, ¿no? – se defiende.– Se cree el ladrón que todos son de su condición – interviene Rosa –. Yo voy a divertirme y a conocer el Prado. Las dos cosas no están reñidas.– Pues yo voy para ver Las meninas – dice Elena muy seria.– ¿Las meninas? – contestamos todos casi a la vez.– ¡Ésta sí que es buena! – exclama Jordi –. ¿No lo has visto ya en fotografía?– Sí, pero no tiene nada que ver. Dicen que al natural es alucinante – le contesta Elena.– ¡Tú sí que alucinas! – interviene Rosa –. Si me dijeras otro cuadro..., pero precisamente Las meninas es horrible.– Sí – asiento –. ¡Tienen todos una cara de bobos! Nunca he entendido por qué es tan famoso. ¡Mira que son feos!– ¿Y qué? – contesta Elena –. Ni que fuera un anuncio de medias. No veo la relación.– Pues la hay – advierte Rosa –. Una pintura tiene que ser bonita, si no, ¿qué gracia tiene?– Depende de para qué la quieras – dice Javi –. Si la quieres para adornar la sala de estar, entonces tiene mucha. Me imagino Las meninas encima del sofá de mi casa. Mi madre estaría encantada, seguro. Hace juego con los retratos de mi familia. jSon todos tan guapos! – bromeo.– ¡Como tú! – me corta Elena –. Además, ¿te crees que tiene el tamaño de la fotografía que sale en el libro de arte?– Un poco más grande, imagino – contesto burlón –. Pero mi casa no es tan pequeña.– ¿Sabes cuánto mide? – me interroga Elena.– Pues, no sé. Como todos, más o menos.– No tienes ni idea – exclama Elena –. Es enorme. En directo, impresiona. No es lo mismo ver una pintura en un libro que contemplarla al natural. Es como oír un canción por la radio o en un concierto. EI arte se ha de vivir en directo.– Elena... no sabía que te interesara tanto el arte. A mí Las meninas me deja frío, pero no me importaría tenerlo en casa. Seguro que vale una fortuna – interviene Javi.

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– Seguro – añade Jordi –. Es increíble lo que llegan a pagar algunos por tener obras de arte. No lo entiendo. Para ver cuadros te vas a un museo y ya está.– Sí, pero y lo que fardas teniendo un Velázquez en casa, ¿qué? – le digo.– Pues, ¿qué quieres que te diga? Fardas más con un deportivo – me contesta –. Eso sí que es una obra de arte.– Siempre pensáis en lo mismo: dinero y fardar. En la vida hay otras cosas – puntualiza Rosa.– Sí... – sonríe Jordi –, pero menos importantes.– En serio – continúa Rosa –, no importa lo que cuesta una obra de arte, sino lo que vale.– ¿Y quién decide lo que vale? ¿Por qué Las meninas es un no va más y algunos graffiti que hay por ahí no valen nada? – pregunta Javi –. Hay graffiti que me gustan más que Las meninas.– Bueno, no depende de lo que te guste a ti – replica Rosa –. Depende de si tiene calidad artística o no.– ¿Y quién decide lo que tiene calidad artística? – contraataca Javi –. Por ejemplo, pensemos en los cuadros de Van Gogh. Si son arte del bueno, explícame por qué se moría de hambre. Si son arte ahora, también lo eran entonces, ¿no?– ¡Eso! – asiente Jordi –. Tiene guasa que en vida no vendiera ni un cuadro y ahora paguen millonadas por ellos.– Y, a veces, algunos de ésos que venden por tanto dinero son falsos. ¿Os habéis enterado? Unos japoneses pagaron una barbaridad de dinero por una versión de Los girasoles y ahora resulta que no es auténtica – explica Javi.– ¡Vaya! – exclamo –.– ¿Qué dices a eso, Rosa? ¿Sigue siendo arte o, como no lo firmó Van Gogh, no vale nada?– ¡Y yo qué sé! – contesta Rosa un tanto molesta –. ¿,Os pensáis que yo lo sé todo o qué?”– Seguro que conoces el cuadro Las meninas, de Velázquez. Si no es así, búscalo en un libro de arte.1) Señala qué impresión te ha causado e indica si estás de acuerdo con Elena o con Rosa y Rafa.2) ¿Crees que la belleza o la fealdad de los personajes retratados tiene algo que ver con el valor de una obra de arte?, ¿por qué?3) ¿Opinas, como Rosa, que la fealdad está reñida con el arte? Piensa en alguna obra que te guste a pesar de que no destaque por la belleza de lo representado.– Javi, que no parece muy entusiasmado por el arte, afirma que Las meninas sólo le interesa por el valor económico que tiene.1) ¿Crees que ésta es la actitud apropiada para valorar una obra de arte?, ¿por qué?2) Además de lo ocurrido con las pinturas de Van Gogh, ¿conoces algún otro ejemplo en que el valor económico y artístico de algo no siempre coincidan?– En el relato, Jordi afirma que, para él, un deportivo es una verdadera obra de arte.1) ¿Estás de acuerdo?, ¿por qué?2) A pesar de lo bonito que pueda ser un coche, ¿cuál es la característica que básicamente lo diferencia de lo que tradicionalmente consideramos obras de arte?

(AA.VV. Filosofía. Bachillerato, Sevilla, Guadiel, 1998)Nadie parece ser sensible a todas las artes. A unos les apasiona la ópera, a otros la danza y a otros el cine. Hay quien se aburre en un museo de pintura pero se derrite viendo bailar a un buen bailarín, quien goza con las líneas de un dibujo en blanco y negro y quien sólo aprecia los estallidos de color. De modo que párate y reflexiona, por escrito, sobre las siguientes cuestiones. (todos)

1. ¿Qué tipo de experiencias estéticas son tus preferidas? 2. ¿Hay alguna manifestación artística por la que no sientas ningún aprecio? Y si es así, ¿a qué crees que

se debe? 3. ¿Puede haber alguna relación entre el placer estético y el conocimiento? 4. ¿Nos hace la ignorancia menos sensibles? ¿Cómo ayuda el conocimiento a la emoción estética?5. ¿Es un artista el que aprende una técnica y la repite sin añadirle nada personal?6. ¿Se te ocurren nuevos ámbitos de lo humano en los que se puede ser creativo y artístico?

¿Qué es la belleza?Al reflexionar sobre el arte y la belleza hemos de partir de las propias ideas. Y en este caso de los propios sentimientos y emociones, ya que la percepción del arte y de la belleza tiene mucho que ver con ello. Lee los textos que se te presentan a continuación y responde a las preguntas que se te formulan.

“Nada es tan insoportable al hombre como estar en total reposo, sin pasiones, sin ocupaciones, sin diversiones, sin interés.Se da cuenta entonces de su nulidad, de su abandono, de su insuficiencia, de su dependencia, de su impotencia, de su vacío.Al momento saldrán del fondo de su alma el tedio, la negrura, la tristeza, la pena, el despecho, la desesperación.”

Blaise Pascal. (AA.VV. Filosofía. 1º Bachillerato, Madrid, Ed. Coloquio, 1998)1.- Pon un título al texto.2.- ¿Por qué crees que el autor considera que de la “quietud” salen todos los males?

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"Arte es cualquier producción humana que provoca en el espectador una emoción. Emoción es una descarga del sistema nervioso que, al superar un nivel de intensidad, escapa al control de la razón y deviene autónoma como un reflejo condicionado: es el escalofrío producido por la música, el sobrecogimiento que nos embarga al oir un poema sublime, el abandono estático que nos invade al recibir cualquier impresión sensorial provocada por un acto humano de gran fuerza.Por supuesto, en la obra de arte -en un poema, por ejemplo- pueden existir elementos dirigidos a la razón que la estimulan, pero cuando esa obra es realmente artística, la participación de la razón en la respuesta se ve desbordada en un sentimiento oceánico, ilimitado y por tanto indefinible, sin fronteras, no conceptualizable, ajeno a la razón, que se difunde como un estado psicosomático por todo el cuerpo."

Racionero, Ll.: Arte y ciencia, Laia, Barcelona, 1986, pág. 124.1) ¿Es la "emoción" un buen criterio para distinguir los productos del arte de los que no lo son?Razona la respuesta.2) ¿Te parece adecuada la descripción de la emoción propuesta en el texto de Lluís Racionero? Intenta completarla con nuevas ideas.

La segunda vida del arteLa relación del arte con la economía se ha transformado plenamente desde la Antigüedad hasta nuestros días. En el Renacimiento existía un mecenas que ayudaba al artista económica y vitalmente; en los siglos XVII y XVIII, las monarquías europeas apoyaban el arte con sus artistas de la corte. Pero todo ello se ha metamorfoseado en el siglo XX en un empresario que vende arte como vende cualquier otro producto del mercado, y esto ha provocado que se produzcan obras banales, poco trabajadas y frívolas, con el único fin de sacar el máximo provecho económico posible.En este reino de la confusión se llega incluso a pensar que para que un objeto pueda ser considerado artístico se requiere simplemente que cumpla estas cuatro condiciones:1. Que sea el fruto de alguien que diga ser artista.2. Que sea expuesto en una galería, publicado o exhibido.3. Que los críticos ayuden al artista a hacer pública su obra.4. Que se venda.De acuerdo con esto, resulta que el modo de decidir qué es arte y qué no lo es se asemeja, en buena medida, a una operación comercial: arte es lo que se cotiza en el mercado como arte. Sin embargo, en ninguna de esas condiciones legitimadoras del arte se pide que la obra produzca un impacto emocional en el espectador; y, sin embargo, éste ha sido el criterio que desde la Antigüedad nos ha orientado para decidir qué es arte y qué no lo es. Lluís Racionero llama a este criterio la segunda vida del arte. Sólo aquello que produce un verdadero impacto en el espectador es arte. La obra nace en lamente del artista y renace ("segunda vida") en el espectador. De acuerdo con este autor, el proceso de nacimiento y "renacimiento". del arte podría representarse así:Realidad ---- Artista ------ EMOCIÓN ------- Obra ------ Espectador ----- EMOCIÓNLa palabra emoción aparece dos veces: son las dos vidas del arte, una en el creador, la otra en el receptor; nace en el artista y renace en el espectador. Se diría que el observador emocionado vuelve a la realidad y la percibe transfigurada a causa de su nuevo estado de ánimo. Esa es la enorme "utilidad del arte", su función perenne, válida incluso en una época de dispersión como la nuestra, porque, una vez que el espectador haya captado la realidad transfigurada, el mundo ya no volverá a ser como antes.Es, por tanto, en la emoción donde debe buscarse la clave que permita distinguir con claridad qué objetos o producciones pueden ser considerados obras de arte. De ahí que podamos aceptar como legítima la definición de arte que propone Ll. Racionero:"arte es todo objeto material o mental compuesto por un ser humano que puede provocar una emoción a un grupo de espectadores"Si una determinada producción humana es sólo informativa no se trata de arte, sino de ciencia; si sólo es divertida, es humor, pero no arte. Únicamente cuando la información, el humor o cualquier objeto artístico trascienden de sus propios límites y se expresan de un modo que logra emocionar a un espectador desinteresado, entonces alcanzan el rango de obra de arte."

(AA.VV. Filosofía. 1º de Bachillerato, Madrid, McGraw-Hill)1) Haz un mapa conceptual del texto indicando las ideas principales y las secundarias y la relación que hay entre ellas2) Se menciona la emoción como la clave, pero ¿qué sentimientos crees que formarían parte de ella?3) ¿Crees que la contemplación de la obra de arte que realiza el espectador la "recrea" o "completa" de alguna manera?

Algunas definiciones de la belleza y sus efectosLee los textos que a continuación se te proponen. Cada uno de ellos tiene un título para orientarte al respecto de su contenido. Primero extrae las ideas principales de cada uno de ellos, luego piensa con cuál o cuáles de ellos coincides en punto de vista. Por último trata de hacer una definición lo más exhaustiva posible de la belleza y de la experiencia estética.a) La belleza nos consuela

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”... es una suerte de garantía de que, en medio de todo el caos de lo real, de todas sus imperfecciones y maldades, de sus parcialidades, finalidades y embrollos, la verdad nos sale al encuentro. La función ontológica de lo bello consiste en cerrar el abismo abierto entre lo ideal y lo real.”

H.G. GADAMER, La actualidad de lo bellob) La belleza es lo que eleva el alma humana“Cuando alguien, viendo la hermosura de este mundo y acordándose de la verdadera, toma alas y, una vez alado, deseando emprender el vuelo y no pudiendo, dirige sus miradas hacia arriba, como un pájaro, y descuida las cosas de esta tierra, se le acusa de estar loco; esta es, pues, de todas las formas de posesión divina, la mejor y la constituida de mejores elementos, tanto para el que la tiene como para el que se asocia a ella, y, por participar de esta locura, se dice del que ama las cosas bellas que está loco de amor”

PLATÓN,Fedroc) Agradable, bello, bueno“Llamamos agradable a aquello de lo que se goza; bello a aquello que gusta simplemente; bueno a lo que se estima, es decir, a lo que el entendimiento atribuye un valor objetivo.”

I. KANT, Crítica del juiciod) La participación en la forma ideal“La belleza es una participación de una forma ideal y trascendente que se realiza en los objetos, pero que sólo es perceptible para aquel que participa de ella; lo bello sólo existe para el que es bello.”

PLOTlNOe) Lo que nos hace sentir livianos“La fuerza del ala consiste, naturalmente, en llevar hacia arriba lo pesado, elevándose por donde habita la raza de los dioses, y así es, en cierto modo, de todo lo relacionado con el cuerpo, lo que en más alto grado participa de lo divino. Ahora bien: lo divino es hermoso, sabio, bueno y todo lo que es de esta índole; esto es, pues, lo que más alimenta y hace crecer las alas.”

PLATÓN, Fedrof) La experiencia estética del artista“La mano se mueve con el estilete o el pincel. El ojo espera e informa del resultado de lo hecho... En una efectiva experiencia estética, la relación es tan próxima que controla simultáneamente el acto y la percepción. Tal intimidad vital de conexión no puede tenerse si solamente están comprometidos la mano y el ojo. Cuando ambos no actúan como órganos de todo el ser, no hay sino una secuencia mecánica del sentido y del movimiento, como al caminar automáticamente. Cuando la experiencia es estética, la mano y el ojo son instrumentos, a través de los cuales opera toda la criatura viviente, totalmente activa y en movimiento.”

J. DEWEY,g) Los efectos de contemplar el arte“[...] el arte adormece las potencias activas, o más bien resistentes, de nuestra personalidad, y nos lleva a un estado de docilidad perfecta.”

H. BERCSON, Essaih) La lenta flecha de la belleza“La especie más noble de la belleza es aquella que no arrebata de repente, que no hace ataques tempestuosos y embriagadores, sino que se filtra despacio, que le lleva a uno consigo, casi sin ser advertida, y que le vuelve a salir al encuentro en un sueno, pero que, al final, después de haberse posado largamente en nuestro corazón con sencillez, toma completa posesión de nosotros y llena nuestro corazón de lágrimas y nuestro corazón de anhelo.”

F. NIETZSCHE, El nacimiento de la tragedia

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Aquí tienes varios ejemplos de arte formalista, expresionistas o simbolistas. Identifícalos y explica el porqué.

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Lee el texto que se te presenta y responde a las cuestiones que se formulan más abajo.“La experiencia estética no puede desligarse de la percepción sensible y corporal, del juego de las formas y los volúmenes, del ritmo, el sonido o el color. El arte se hace con el cuerpo, y con el cuerpo se percibe. Decía Merleau Ponty: «no es imaginable cómo podría pintar un espíritu». Por supuesto, el arte tiene más significado que su presencia sensible (por ejemplo, en el plano intelectual o en el emotivo), pero lo sensible y el medio material y técnico para la creación de la obra y para su recepción son imprescindibles.A lo largo del tiempo, no sólo han cambiado los temas que los artistas podían o querían presentar, sino los medios técnicos, ya fueran los materiales (pigmentos, óleos, mármol, fibra de vidrio, titanio, plásticos, etc.), ya se tratara de los medios mecánicos (fotografía, cine, simulación por ordenador, etc.). El desarrollo cientítico-técnico, que ha propiciado cambios muy sustanciales en nuestra vida y en los problemas morales que hoy nos planteamos, abre campos y posibilidades impensables hace poco en el ámbito del arte y de su disfrute:- Da lugar a nuevas formas de armonía y de belleza en la música (música electrónica, nuevos instrumentos, aplicación de la informática a la música), en la arquitectura (nuevos materiales e innovaciones que pueden hacer realidad proyectos como los de la Tokio Millenium Tower, rascacielos de 170 pisos y 840 metros de altura), y en otras artes, especialmente las visuales.- Hace posible la irrupción de nuevas formas de arte de gran poder innovador e impacto social, como el cine. El cine, que de por sí es un nuevo medio mecánico de reproducción de imágenes en movimiento, a su vez sólo fue posible gracias a los avances de la óptica, la electricidad, la espectrografía, la acústica, la luminotecnia, etc.- Permite, mediante los medios técnicos de reproducción (fotografía, cine, vídeo, etc.) y la amplia y rápida difusión de los medios de comunicación de masas, poner al alcance de quien esté interesado las obras de arte consagradas por la tradición y otras nuevas, como el flamenco, el jazz o la música pop-rock, con un grado de fidelidad creciente.- Las posibilidades de reproducción y difusión están en el origen de la cultura de masas y de la estetización general de la vida debida a los medios de comunicación y a la publicidad. Éstos suelen tener presentes criterios de belleza o de atractivo formal y han inf1uido poderosamente en los gustos estéticos de nuestra época, e incluso en la propia noción de belleza.- La propia economía comienza a verse muy influida por estos nuevos medios de producción, representación y creación de realidad; los sectores ligados a la imagen y a la comunicación se han vuelto determinantes dentro del conjunto de las actividades que generan riqueza. La obra de arte adquiere así connotaciones industriales. Por ejemplo, muchas de las obras maestras del cine son superproducciones, obras de un equipo.Paradójicamente, algunos autores señalan la relación de dichos avances con la decadencia o, en términos más radicales, con lo que algunos han llamado «muerte del arte» en nuestro siglo. Según Gianni Vattino, ha muerto el arte comprometido con la transformación moral y social. En general, hoy día el arte sólo quiere ser arte y no promocionar moral o políticamente a los individuos o a la sociedad. También ha muerto el gran arte tradicional, engullido por la cultura de masas y por los medios de comunicación. En buena medida, el arte se ha banalizado y se ha convertido en mero entretenimiento. Finalmente, para prestigiarse frente a las masas consumidoras de «arte fácil», los artistas a menudo han respondido en nuestro siglo aislándose en un arte incomprensible para la inmensa mayoría de la sociedad, apartando de sus obras todo elemento de goce inmediato, etc.Walter Benjamin consideró que el arte y su recepción están marcados en nuestro siglo por el enorme progreso de las técnicas de reproducción. La ilimitada duplicación de la obra de arte la despojaba de su «aura». El aura es la «manifestación irrepetible de una lejanía», «descansar en un atardecer de verano y seguir con la mirada una cordillera en el horizonte es aspirar el aura de esas montañas». De forma menos poética, el aura es el encanto que emana de una obra, que embarga a quien contempla esa obra única, irrepetible, ligada a tradiciones y a funciones rituales y de culto. En la reproducción un concierto oído a través de un equipo musical, una fotografía de Las Meninas o el vídeo del Partenón falta el «aquí» y el «ahora» de la obra única, su vinculación con la tradición, las alteraciones que el tiempo ha dejado en ella, su autenticidad. Las técnicas modernas de reproducción separan lo reproducido de la tradición y ponen su presencia masiva y al alcance de cualquiera en el lugar de la presencia irrepetible del original.Pero todo lo anterior tiene, según Benjamin, una vertiente positiva: la reproductibilidad técnica libera la obra de su función ritual y al hacerlo la libra de limitaciones, de prohibiciones, aumenta sus posibilidades de exhibición. El cine, ejemplo de arte de nuestro tiempo, penetra con la cámara en la realidad como el cirujano en el cuerpo y llega a grandes colectivos, mientras que la pintura o la literatura sólo llegaban a individualidades.Benjamin entendía que el «arte por el arte», es decir, la teoría y la práctica que hicieron del arte una actividad autónoma que encuentra en sí misma y en los valores estéticos su propia finalidad, fue una respuesta ante los desafíos lanzados por la técnica. En concreto, fue una reacción ante la crisis provocada por la fotografía. La fotografía y el cine supusieron, en efecto, un gran reto a la pintura y a la literatura, ya que podían realizar mejor, más rápidamente, y llegando a muchas más personas, lo que antes hacían el realismo pictórico y narrativo. Para otros autores, el triunfo de la técnica y de sus valores no explican por sí solos la cadena de rupturas que caracterizan el arte moderno. A este factor habría que añadir otros, como la paulatina pérdida de la función social del arte en la sociedad capitalista, que hace al arte concentrarse en su función estética; la progresiva división del trabajo, que hace del artista un especialista y del arte una actividad autónoma; y, por supuesto, los esfuerzos de los propios artistas por descubrir e innovar.Por otro lado, como señaló Adorno, los medios de reproducción y de comunicación con frecuencia hacen del arte algo trivial en su intento de hacerlo llegar a toda la población como objeto de consumo. Por ello, Adorno veía en el arte autónomo, que se excluía conscientemente de esa cultura masiva, una alternativa liberadora y positiva. Benjamin lo consideraba, por el contrario, un producto elitista que servía fácil- mente a los intereses de la burguesía.Algunos autores sostienen que, en la actualidad, el libre mercado y la política cultural de muchos países amenazan la innovación artística y cultural, ya que sólo están interesados en aquellas obras que son fáciles de

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entender y de degustar por la inmensa mayoría del público. Así, el arte se hace kitsch y ecléctico: hay que darle a los aficionados productos con apariencia de arte y un poco de todo, siempre que sea fácil de contemplar y se acomode a todas las necesidades, especialmente a la de aquellos que tienen poder de compra. Por otro lado, no conviene perder de vista una visión general y ponderada de nuestro tiempo: el siglo XX ha sido de gran vitalidad y pluralidad, como lo prueba la asombrosa sucesión de movimientos artísticos. Los nuevos medios técnicos de que se sirve el arte no tienen por qué mermar su creatividad, sino dotar al arte de nuevos recursos y posibilidades expresivas adaptadas a nuestro tiempo.La experiencia estética en un mundo tecnificadoUna sensación bastante extendida en la filosofía y en la literatura es la de que la vida actual carece de equilibrio, pues hay ciertas capacidades y vertientes del ser humano a las que se ha dado demasiado importancia en detrimento de otras: la razón, la eficacia, la rapidez, la competitividad, etc.Schiller, a finales del siglo XVIII, concretaba su insatisfacción ante la cultura moderna en la oposición que ésta establecía entre la capacidad de sentir y la de pensar, de la sensibilidad y de la razón: «... el gozo está separado del trabajo, los medios del fin, el esfuerzo de la recompensa. Encadenado eternamente sólo a un pequeño fragmento de la totalidad, el hombre se ve a sí mismo sólo como un fragmento; escuchando siempre sólo el monótono girar de la rueda que mueve, nunca desarrolla la armonía de su ser y, en lugar de darle forma a la humanidad que yace en su naturaleza, llega a ser una mera estampa de su ocupación, de su ciencia» (Citado por MARCUSE en Eros y civilización. Págs. 173-174).Schiller esperaba que el arte reconciliara la naturaleza sensible y espiritual del hombre. Desde su punto de vista, esto era posible porque la experiencia estética pone en juego capacidades perceptivas, sensitivas, hedonistas, que corresponden tanto a lo mental como a lo corporal del sujeto que efectúa la experiencia. Ya antes Kant había advertido certeramente que el juicio estético responde al libre juego de la imaginación y el entendimiento, y que en él se manifiesta la unidad de las facultades como expresión del «sentimiento de la vida».Marcuse propuso como terapia la abolición de los controles represivos que la civilización ha impuesto sobre la sensualidad. La función estética puede ser la guía para una civilización no represiva, ya que la experiencia estética es un juego de libertad, donde las reglas sirven para desplegar creatividad y donde se da una gratificación aceptable de nuestros deseos.Además, el arte tiene otras funciones menos utópicas, pero no menos interesantes. La dimensión lúdica de la experiencia estética, las sensaciones de agrado, de expansión de la personalidad, de vitalidad intensa que nos aporta, el carácter gratificante que tiene para quien la disfruta, la ha convertido en fuente de felicidad y de satisfacción para el ser humano de todas las épocas.Para Bloom, en su obra El canon occidental, la verdadera utilidad del arte consiste en el crecimiento, en el desarrollo de nuestro propio yo interior. Esto entronca con una larga tradición que consideraba que la experiencia estética nos permite adentrarnos en una existencia más rica, abandonarnos sin riesgos a experiencias excitantes. Los seres humanos no tenemos bastante con nuestra propia experiencia y buscamos ampliarla. El arte y la experiencia del arte es un ámbito incomparable para ello.«El arte actual, que tiene a su disposición las nuevas 1ecnologías del tiempo y de la imagen, goza de una especial capacidad para hablar directamente con el lenguaje de nuestro tiempo; pero como arte tiene un poder más grande aún para formular las preguntas y misterios más profundos de la condición humana.»

BILL VIOLA: El arte en el fin de siglo. Pág. 103.Teniendo en cuenta el contenido del texto:- Extrae las características que el texto asigna al arte y la experiencia estética en nuestro mundo actual.- ¿Cuáles crees que son los conceptos y funciones del arte más extendidos hoy entre la gente que conoces?( El arte como imitación, como expresión, como forma, como realidad imaginativa, el arte por el arte, como necesidad de la naturaleza humana, como evasión, como purificación, educador o humanizador)- ¿Con cuál de los enumerados en el texto te sientes más identificado/a?- ¿Con cuál de ellos estás en total desacuerdo? Razona por qué- Haz un listado de las que serían, a tu juicio, las características más sobresalientes de lo podríamos llamar hoy ARTE…-.¿Cuáles añade el texto que tú no habías tenido en cuenta? ¿Qué añaden esas características que el texto introduce a lo que ya sabías sobre el arte?

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¿Eres creativo?Hasta el momento hemos dedicado a hablar mucho de lo que sentimos ante lo bello y del arte y sus artífices –los artistas. Ahora nos centraremos en estos últimos y en el papel preponderante que la estética contemporánea y moderna les concede en el terreno de la creación de belleza. Desde el Romanticismo la expresión del individuo y su poder creador han sido dos determinantes de la actividad artística. En íntima conexión con ello está el desarrollo teórico en torno al Genio del Creador, del artista.En ocasiones miramos a los artistas como a personas extrañas, diferentes a la mayoría. Muchos se comportan de forma extravagante y eso refuerza nuestra creencia en que son especiales –un completo éxito de las técnicas de marketing, todo hay que decirlo. El que es capaz de componer, actuar, representar, fabricar, pintar.., un objeto que los demás admiran obtiene el reconocimiento social –los medios de comunicación se encargan hoy de que todo el mundo se entere- y su carácter es automáticamente analizado, sale en las revistas, aparece en la televisión o es tema de las conversaciones que se tienen en ella y fuera de ella. Parece tocado de un don especial que le hacen capaz de realizar obrar no accesibles a la mayoría de los mortales. La creatividad tiene mucho que ver con esto. Y ahora vamos a intentar pensar un poco en ella antes de estudiar las ideas de Kant y Schopenhauer sobre el genio del artista.Y es que la creatividad consiste en ser capaz de ver organizaciones de las cosas que otros no ven; inventiva, iniciativa, atrevimiento, arrojo, intrepidez, claridad mental.., son sus compañeros. Y todos tenemos mucho o poco de ello. Recuerda lo que importa haber sido educado en algo para ser capaz de realizar ese algo. Por eso te propongo que leas el siguiente texto en el que hay una serie de características de la creatividad, léelo y marca cuáles de esas características crees poseer. Luego hablaremos entre todos sobre nuestro nivel de creatividad. Un buen comienzo para hablar de los artistas y sus cualidades es hablar de nosotros y las nuestras.Características de las personas creativasa) Sensibilidad para los problemas y capacidad de asumir riesgos: presentan mayor tolerancia a la ambigüedad, disfrutan asumiendo riesgos y no se sienten bloqueadas ante un posible fracaso.b) Fluidez de opciones, ideas no convencionales: generan distintas respuestas ante una misma pregunta, piensan alternativas sin tener en cuenta los hábitos sociales o las soluciones más comunes.c) Flexibilidad mental: es una cualidad indispensable para poder adaptarse a las nuevas ideas o las nuevas formas de hacer las cosas. Es lo opuesto a las representaciones estáticas, propias de posturas inmovilistas. La flexibilidad mental enriquece la pluralidad de perspectivas ante las nuevas situaciones o ante la obra que se desea emprender.d) Originalidad: suele ser la nota más característica del acto creativo. Viene dada por la capacidad del artista de percibir y expresar las posibilidades latentes en aquello que desea realizar y no pergeñadas todavía.e) Capacidad de análisis y síntesis: consiste en analizar y recombinar, a través de distintas conexiones posibles, los elementos que se han de considerar.f) Capacidad de redefinición: significa organizar los materiales de distinto modo, y encontrar usos, funciones y aplicaciones de los objetos diferentes de las habituales.g) AÑADE ALGUNA CARACTERÍSTICA MÁS QUE CREAS QUE PUEDAN POSEER Y NO ESTÁ INCLUIDA

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El genio creador y la actividad creadora.Vamos a estudiar en esta actividad las teorías sobre el genio creador de Inmanuel Kant y de Arthur Schopenhauer. Además dedicaremos un rato a considerar cómo se produce la actividad creadora, cuáles son sus mecanismos. Lee los textos que se te presentan y responde a las cuestiones.- Haz una lista lo más exhaustiva posible –entre lo visto en el texto anterior y esta- de las características del genio creativo.- ¿Qué crees que quiere decir Kant con la expresión “el Genio es Naturaleza y no ciencia”?- ¿Estás de acuerdo con la distinción que Shopenhauer hace entre Genio e individuo vulgar?- En definitiva, ¿se nace o se hace el artista?Texto a) El genio en Kant.“Junto al gusto, que es la facultad de juzgar lo bello, Kant propone el genio como la facultad de crear o producir objetos bellos. Veamos dos definiciones complementarias de “genio”.“Genio es el talento (o don natural) que da la regla al arte”(Crítica del Juicio, parágrafo 46.)“Genio es la capacidad espiritual innata mediante la cual la Naturaleza da la regla al arte”. (Ibíd.)De estas dos definiciones, nos interesa extraer las siguientes ideas:a) El genio es un don, es un regalo que la Naturaleza proporciona a la persona, al artista, para que pueda crear objetos bellos.b) Ese talento, esa capacidad, es absolutamente innata (no producida, sino que nace con la vida) y, mediante ella, el artista se comporta en la creación de objetos bellos como si fuera Naturaleza. El artista es así una Naturaleza creadora. De ahí que Kant señale para el genio las cualidades siguientes:1.-Originalidad. El genio produce los objetos bellos sin tener en cuenta regla alguna, sino simplemente guiándose por las ideas de su propia imaginación o mente.2.- Los productos del genio, las obras de arte realmente geniales, se convierten en modelos, en productos ejemplares que sirven y orientan a otros artistas. Asimismo, ofrecen criterios fiables que pueden ayudar a distinguir entre una verdadera obra de arte y un producto que, aunque parece obra de arte, es simplemente fruto de la habilidad y de la imitación.3. Dado que el genio es Naturaleza y no es ciencia, no puede comunicar a nadie las reglas conforme a las cuales produce su arte. En ello se distingue claramente de la ciencia, cuyos contenidos más difíciles pueden ser aprendidos con esfuerzo y buenos maestros. Puesto que se trata de una capacidad espiritual innata, es imposible aprender o enseñar la genialidad; el artista nace, el científico se hace.”Texto b) El genio en Schopenhauer“Según Schopenhauer, el genio surge como fruto de un desarrollo anormal de la facultad del conocimiento, que, al generar una cantidad considerablemente mayor que la que exige el mero servicio de su voluntad, queda libre y con un fin más noble, a saber: la contemplación esencial de la realidad.El genio consiste, pues, en un poder y exaltación del conocimiento intuitivo, y en ello se distingue expresamente de la inteligencia científica, que se manifiesta especialmente eficaz en el conocimiento discursivo. Por medio de éste, sólo se podrán producir obras perecederas; pero las creaciones inmortales serán siempre obras del genio. Veamos las características que Schopenhauer atribuye al genio.En primer lugar, es necesario considerar la imaginación como una característica absolutamente imprescindible de la genialidad. Sin duda alguna constituye su cualidad esencial, aunque no conviene identificar plenamente imaginación y genio.La tarea de la imaginación consiste en ampliar casi hasta el infinito el horizonte de visión del individuo genial, de tal modo que éste pueda superar ampliamente su perspectiva personal y colocarse en una situación privilegiada desde la que pueda hacer desfilar ante sus ojos “casi todos los cuadros posibles de la vida”. La imaginación es una condición esencial del genio, pues sólo mediante ella puede superar tanto las coordenadas espacio-temporales en que se dan las intuiciones, cuanto el azar mismo con que ellas se presentan.Sin embargo, como todos sabemos, es falso que la imaginación sea siempre un signo de genialidad. Muy al contrario, muchas personas que tienen muy poco “genio” poseen una desmesurada imaginación.Además de la imaginación, el genio posee una serie de cualidades que Schopenhauer va desgranando al hilo de su comparación con el individuo vulgar. A éste le niega la capacidad para una verdadera contemplación estética, pues la persona vulgar sólo es capaz de dirigir su atención a las cosas que se relacionan con la voluntad de vivir, y es incapaz de detenerse en la contemplación de cualquier objeto, ya sea una obra de arte, un aspecto bello de la Naturaleza o un momento de su propia vida.Por el contrario, la persona con genio se recrea en la contemplación de la vida, y se esfuerza por penetrar en la idea de cada cosa. Schopenhauer hace una comparación muy plástica de las diferencias entre el individuo vulgar y el genio:“Así como para la persona de todos los días el conocimiento es como una linterna que dirige sus pasos, para el genio es el Sol el que ilumina el mundo y revela su sentido”

(El mundo como voluntad y representación, libro III, parágr. 36)Curiosos e interesantes son los análisis que realiza Schopenhauer acerca de las relaciones entre razón-genio-locura: “Es raro encontrar mucho genio unido a mucha razón; por el contrario, un talento genial está

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sometido muchas veces a vivos afectos y a pasiones poco razonables”. La persona prudente nunca será genial, y el genio será el ser más ajeno al individuo prudente. Puesto que la conducta del genio no está dirigida por la razón, sino por la intuición, el influjo de lo inmediato le suele conducir a la irreflexión, al arrebato y a las pasiones. Además, genialidad y locura pueden llegar a coincidir en el momento de la inspiración, ya que éste es el momento en que la inteligencia se libera completamente de su tiranía a la voluntad de vivir; y, por ello, se trata de un estado que, en sí mismo, es antinatural.Schopenhauer señala también como una de las condiciones esenciales del genio la melancolía. Frente al individuo vulgar que suele generar seguridad en su enfrentamiento continuo a la realidad, el genial sucumbe, a menudo, en el decaimiento y la nostalgia, ya que se percata claramente de las miserias de la vida humana. Igualmente puede atribuírsele un cierto infantilismo, ya que se trata de un estado mental tan libre de las sujeciones de las miserias de la realidad sensible, que sólo podemos encontrarlo en la etapa infantil del ser humano.”Texto c) El proceso creativo“Al igual que en la ciencia, se parte de la realidad, de la que se toman unos fenómenos, seleccionándolos según la sensibilidad del estilo vigente o según una nueva metáfora. El artista, una vez ha seleccionado las experiencias, las convierte en formas, intensificando detalles de la realidad. Las formas empleadas serán palabras, líneas, colores, sonidos, volúmenes, etc., que, combinadas de acuerdo a determinadas reglas, ya sean de inspiración original o extraídas de un estilo convencional, darán lugar a un modelo u obra terminada que debe ser comunicado al espectador para que se produzca una experiencia estética determinada.El arte tiene dos vidas: una en el autor y otra en el espectador; la obra debe renacer en el espectador; la emoción inspiradora del artista debe reencarnarse en el contemplador para que éste sienta la realidad transfigurada.Así pues, la convergencia entre arte y ciencia es plena en el momento del acto creativo, pero, qué estado mental podría corresponderse con la capacidad de lograr una síntesis nueva a partir de elementos preexistentes? Ll. Racionero propone la metáfora de la onirosíntesis (síntesis del sueño) como el estado ideal en que se produce la creación humana, una combinación inconsciente realizada en un estado similar al sueño. El proceso creativo es un regreso de la mente a lo indiferenciado, a las fases anteriores a la lógica y al lenguaje, donde se puede producir una intercambiabilidad de las cosas como se da en el sueño.Una vez completada esa etapa del “viaje”, la mente vuelve a la conciencia llevando consigo una síntesis nueva de elementos antes inconexos. El acto de creación es una iluminación súbita, una revelación instantánea en forma de imagen o relación de conceptos. Pero ella sólo se produce si la mente ha sido preparada mediante un gran esfuerzo previo en el estudio del problema.”(LÓPEZ MOLINA y ABAD PASCUAL Filosofía. 1º Bachillerato, Madrid, MacGraw-Hill, 2000)

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TRABAJO COOPERATIVO FILOSOFÍA ESTÉTICA

El filosofo Arthur Danto se interroga sobre qué es el arteEl prestigioso filósofo y crítico del arte norteamericano Arthur C. Danto se interroga acerca de una pregunta compleja que no admite concepciones unívocas en su flamante libro ¿Qué es el arte? en el que intenta aproximarse a una definición hilvanada a través de la filosofía y algunos nombres fundamentales de la historia del arte.“Platón definió el arte como imitación, aunque resulta difícil decir si se trata de una teoría o de una mera observación, ya que en la Atenas de aquel tiempo no había nada más que fuera denominado arte”, arranca el autor en las primeras hojas del libro editado por Paidós.En un texto que navega entre el ensayo, la reflexión y la historia del arte de a destellos puntuales, Danto cuestiona la popular creencia según la cual el arte es un concepto indefinible, e intenta explicar las propiedades que constituyen su sentido universal. Las pinturas de Giotto, Las señoritas de Aviñón de Pablo Picasso (“un paradigma de pintura revolucionaria”), el espíritu del fauvismo de Henri Matisse (Mujer con sombrero), el Cuadrado negro del artista abstracto Malevich en 1915, Jackson Pollock y hasta el compositor John Cage se suceden a través del relato para dar forma a una explicación que atraviese todos los períodos.El contexto de cada producción es fundamental a la hora de intentar una aproximación a la pregunta que dispara el libro, según explica el propio autor nacido en Michigan en 1924, considerado uno de los críticos de arte más reputados en Estados Unidos.“En mi opinión, para alcanza una definición mejor que la de Platón, hay que mirar a los artistas más recientes, ya que son más propensos a restar de sus teorías propiedades anteriormente consideradas esenciales para el arte, como la belleza”, se despacha el autor conocido por sus audaces teorías sobre el arte.Danto hace especial hincapié en dos grandes artistas: Marcel Duchamp, relacionado al dadaísmo, y Andy Warhol, referente del pop art, ambos vinculados a movimientos “hasta cierto punto filosóficos, “pues eliminaban características que se habían considerado hasta ese momento intrínsecas al concepto del arte”.“Sirviéndome de Duchamp y Warhol para brindar mi propia definición de arte, he intentado entresacar ejemplos de la historia del arte para mostrar que la definición siempre ha sido la misma. Así, me ayudo de Jacques-Louis David, Piero Della Francesca, y de la Capilla Sixtina de Miguel Angel”, destaca Danto para agregar que “lo que lo hace arte se encuentra una y otra vez a lo largo de la historia”.A grandes rasgos y con tono filosófico -por donde se mechan los conceptos de Descartes, Kant y Hegel-, Danto arguye que una obra de arte se define siempre por dos criterios esenciales: el significado y la materialización. A eso, añade un tercer criterio, el de la interpretación que cada espectador aporta a esa obra.El arte es ante todo un “significado encarnado” y son sus propiedades invisibles las que convierten a algo en arte: aquello que lo hace arte es una propiedad esencial sin la cual un objeto no puede entenderse o interpretarse como tal.Para el autor, “un artista encarna significados” y eso es precisamente lo que vincula a los grandes maestros mencionados a lo largo del volumen.Profesor emérito de la Universidad de Columbia y crítico de arte del semanario The Nation, Danto estaba acostumbrado a remover los cimientos de las artes plásticas con sus artículos y ensayos, desde que en los años 80 anunció el fin del arte y una época basada en la incertidumbre y la ausencia de referencias. Sus libros El abuso de la belleza, La transfiguración del lugar común y Después del fin del arte conforman una trilogía que intenta llegar a comprender los cambios radicales en el arte desde los años 60.Para ver el video: El arte ha muerto: Introducción a la teoría del fin del arte de Arthur C. Danto,   de un clic al siguiente vínculo [Duración 10 min.]:http://www.youtube.com/watch?v=19Tv546yZcc

- Explica la postura del autor, a partir de este texto y del vídeo propuesto (u otros, si lo crees preciso.)Videojuegos y arte.

http://www.xgenstudios.com/game.php?keyword=flowEl videojuego Flow del año 2006, disponible en línea en su página web, está expuesto en el MoMa junto a otros videojuegos desde el año 2014 por ser considerados piezas artísticas.

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Juega a este videojuego y enumera los factores de su diseño, mecánicas, música, fotografía, etc., que consideres que pueden haber hecho que se considere arte.¿Estás de acuerdo con esta categorización? ¿Conoces otros videojuegos que puedan ser considerados arte? Razona tu respuesta en ocho o diez líneas.