música contemporánea 2014
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Esta revista fue creada como proyecto final de la clase de Música Contemporánea 2014 de la Universidad del Valle de Guatemala, curso impartido por MA Elvi-ra Castillo de Sazo. Contenido escrito por alumnos: Esperanza Rodríguez– Portilla Edgar de León Luis Escobar Ana Cecilia Villegas Juan Manuel González Pamela Castañeda Zaira Pacajoj Diego Contreras Abdul Medina José Andrés Gutiérrez Manolo Castillo Nina Pérez Orlando Sicajol Diseño y Edición por: Esperanza Rodríguez– Portilla Educational Use Only. We don’t own any of the figures displayed in this magazine.TRANSCRIPT
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
MÚSICA CO
NTEMPO
RÁNEA
EDICIÓN 1/2014
ÍNDICE
IMPRESIONISMO
DODECAFONISMO
EXPRESIONISMO
PROGRAMÁTICA
CONTEMPORÁNEA LATINOAMERICANA
MINIMALISMO
BIOGRAFÍAS
¿SABÍAS QUE? SERIALISMO
JAZZ
CONCRETA Y ELECTRÓNICA
ARTISTAS CHAPINES
8 12
30 28
36 32
52 46
18
24 20
14
ÓPERA CONTEMPORÁNEA 42 POP
39
ESTILOS LATINOS 50
QUERIDOS LECTORES:
Con mucha emoción les presentamos nuestro último proyecto de la
clase de Música Contemporánea, una revista en la cual tratamos de incluir
y resumir lo que vimos a lo largo de 5 meses en el aula.
Los guiaremos gradualmente por un pequeño viaje en la música y sus dife-
rentes corrientes que podemos decir que empezaron a florecer de una ma-
nera más fuerte poco a poco en el Post Nacionalismo con el cual empeza-
mos a observar una mayor exigencia y educación en los músicos, tanto en
lo teórico como en la ejecución de instrumentos. La variante se abre cada
vez más a la disonancia y cromatismo, la música empieza a tener muchas
más funciones que las que solía tener.
Dentro de la revista encontraran datos históricos, biografías y característi-
cas de cada corriente o movimiento.
Con mucho agrado y confianza esperamos puedan aprender y disfrutar de
esta primera edición de MÚSICA CONTEMPORÁNEA.
Atentamente,
Andrea Esperanza Rodríguez-Portilla
EDIT
ORI
AL
IMPRESIONISMO
¿Qué es el impresionismo?
Entonces, ¿es posible hablar de un impresionismo musical? Solamente si, analógicamente, se hace referen-
cia al movimiento pictórico que se llevó a cabo en Francia a finales del siglo XIX. En este movimiento flore-
cieron las técnicas del puntillismo y del divisionismo que pronto fueron acuñadas a las obras de Debussy y
Ravel quienes utilizaban “puntos” sonoros de gran impresión para describir la realidad sonora de un espa-
cio determinado.
Para describir esta relación, Helguera (1999) cita a Bolero quien alega:
La paleta orquestal de Ravel es tan rica que, como sugiere Adolfo Salazar, lo mismo le permite plas-
mar delicadas acuarelas en Mamá la oca (1908) que pintura al pastel en Papsodia española (1907),
óleos asombrosos como el ballet Daphnis y Chloe (1912) o brillantes ejercicios casi didácticos de
gama colorística como el exitoso Bolero (1928).
En consecuencia, el impresionismo musical, más que un periodo o un movimiento musical dentro de un de-
terminado momento histórico, es una concepción estética que se mueve paralelamente al movimiento pictó-
rico francés del mismo nombre antes ya mencionado. En este se destaca el “puntillismo sonoro, la riqueza
de color tímbrico y la prioridad de la impresión artística y la atmósfera poética.” (Helguera, 1999)
Características
Puntos sonoros o puntillismo musical
Divisionismo musical
Riqueza tímbrica
Prioridad de la impresión artística
Atmosfera poética
Base en literatura y pintura
Curiosidades
En nombre de esta corriente artística
surge a partir de un cuadro de Monet
titulado Impresión. Sol naciente.
El impresionismo no es una corriente
propiamente musical, surgió como
una corriente en artes visuales, es-
pecialmente en la pintura.
Preludio a la siesta de un Fauno, obra
orquestal escrita por Debussy, fue la
primer obra considerada moderna
de principio a fin y que se muestra
como ejemplo claro del impresionis-
mo de la época.
Debussy, lejos de aceptarse programáti-
co, aseguraba que los títulos de sus
obras eran solo un toque poético al
arte de sus melodías.
Por Luis Escobar
¡Una Nueva Corriente Musical!
El impresionismo y el realismo han llegado a su fin, los nuevos artistas jóvenes han decidido romper con esa tradición. Cansa-
dos de lo mismo y de ver como es la realidad, han decidido expresar sus ideas, sentimientos y pensamientos de otra manera.
No como han venido haciendo, siendo el arte muy objetivo, no por lo que perciben desde afuera, sino por lo que sienten por
dentro. Cada quien a su manera.
El expresionismo no se trata solamente de expresar los sentimientos, pues de eso se trata toda rama artística de la expresión,
sino que se trata de una exageración de los sentimientos
La primera expresión artística en rendirse fue la pintura,
“Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en
una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis ami-
gos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.” Edvard
Munch
Le siguió la literatura y luego las demás artes, entre ellas la música. Que pretendía, al igual que las otras artes, desligarse de
lo convencional, de lo que ya se había oído. Buscaban novedad y experimentación de nuevos sonidos para poder expresar sus
sentimientos. Buscan lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión continua, sin momentos
de reposo. O silencios en largos tiempos para crear más tensión. La melodía pierde importancia y surge el canto recitativo. Se
Rompe con las normas tradicionales de instrumentación, utilizando los instrumentos en registros poco habituales y con efectos
tímbricos novedosos.
Por Ana Cecilia Villegas
EXPRESIONISMO
DODECAFONISMO
EXPRESIONISMO
Una ideología del método de composición con doce notas que enunció Arnold Schönberg durante una conferencia dictada el Los
Ángeles en 1923, tras seis años durante los cuales no publica nada de música. Las raíces del dodecafonismo se encuentran en
el estudio exhaustivo de las obras musicales de finales del siglo XIX, especialmente en la expansión del lenguaje armónico
tonal, especialmente el uso extendido de la enarmonía y de la emancipación de los acordes de séptima, novena, oncena y tre-
cena.
Según Schönberg, una perspectiva histórica de la armonía permite descubrir que el enriquecimiento
del lenguaje tonal se debe al uso cada vez más amplio de la serie de armónicos.
(Serie de armónicos)
Ideas básicas sobre el dodecafonismo
• El concepto es en principio muy sencillo: ninguna nota posee superioridad tonal o armónica (dentro de un acorde) sobre otra.
• El dodecafonismo o “música de doce tonos” es un sistema de composición atonal.
• En la técnica de composición, las doce notas de la escala cromática tienen la misma importancia. Es decir, ninguna domina
sobre las demás.
• Es lo contrario de lo que ocurre en el sistema tonal de música (siglos XVII al XIX), basado en tonalidades mayores o menores
con un orden jerárquico, en la que una nota actúa como centro tonal.
Bases para la construcción de una serie dodecafónica:
La serie consta de las doce notas de la escala semitonal, dispuesta en un orden específico.
•Ninguna nota de la escala semitonal aparece más de una vez dentro de la serie.
La serie puede ser expuesta en cualquiera de sus aspectos lineales: aspecto básico, retrógrado, inverso o retrógrado-inverso.
La serie y sus aspectos lineales pueden ser expuestos sobre cualquier nota de la escala semitonal.
Se evita el uso de intervalos consonantes entre un término y otro, salvo el intervalo de sexta mayor.
No se utilizan más de tres semitonos por grado conjunto de forma ascendente o descendente.
Se evita la creación de arpegios tonales en cualquier inversión, incluso por enarmonía.
El orden de los términos de la serie son fijos, pero los registros son libres.
Bases para la construcción de una serie libre:
• La serie puede utilizar una cantidad libre de notas.
• Las notas pueden repetirse o no dentro de la serie.
• No es necesario utilizar todas las notas de la escala semito-
nal.
• Las series deben responder a un principio básico de organi-
zación.
Inversiones de las series dodecafónicas:
Para trabajar una serie dodecafónica en sus elementos linea-
les podemos utilizar dos métodos, el primero es elaborar una
matriz dodecafónica que es una cuadrícula de doce filas y doce
columnas, en las cuales se escriben las transposiciones de la
serie a partir de la serie original.
D C# A Bb F Eb E C Ab G F# B
Eb D Bb B F# E F C# A Ab G C
G F# D Eb Bb Ab A F C# C B E
F# F C# D A G Ab E C B Bb E
b
B Bb F# G D C C# A F E Eb A
b
C# C Ab A E D Eb B G F# F B
b
C B G Ab Eb C# D Bb F# F E A
E Eb B C G F F# D Bb A Ab C
#
Ab G Eb E B A Bb F# D C# C F
A Ab E F C Bb B G Eb D C# F
#
Bb A F F# C# B C Ab E Eb D G
F E C C# Ab F# G Eb B Bb A D
(Matriz dodecafónica)
Por Juan Manuel González
MÚS
ICA
PRO
GRAM
ÁTIC
A
¿Qué es?
Es un estilo de composición académica contemporánea que musicaliza temas de un contexto extra-musical narrativo, es decir,
crea música donde no la hay para aumentar el impacto del contenido.
¿Cómo funciona?
Desde muy pequeños, a los seres humanos se nos enseña a cómo deben ser las cosas, así como a cómo reaccionar ante un
determinado sentir. Así mismo en la música, por ejemplo: “Si está en tonalidad menor, se debe sentir tristeza.” A este fenó-
meno se le llama programación, y es de donde se deriva la música programática.
¿Para qué se usa?
Ésta música se emplea en televisión, películas, videojuegos, narrativas, libros, teatro, básicamente en cualquier forma de pre-
sentación audible a un público.
Datos de interés
Existe una gran discusión sobre el objeto de la música para el hombre, la música absoluta, en contraste a la programática,
está destinada a ser apreciada sin ninguna referencia en particular al mundo exterior. “La música es incapaz de expresar na-
da por sí misma” – Igor Stravinsky.
El público es influido a sentir por la cultura o las enseñanzas que ha recibido. Éstas inducen a discernir qué suena bien o mal,
qué es agradable o desagradable, por lo que la música, sin contexto cultural, no expresa nada más que lo que la cultura con-
duce a recibir de esa expresión.
“Symphonie Fantastique” de Berlioz, narra una serie de eventos inducidos por fármacos de las fantasías mórbidas relativas al
amor no correspondido de un poeta sensible que implica el asesinato, la ejecución y los tormentos del infierno.
Por Abdul Medina
MINIMALISMO
Cuando menos
es MÁS.
¿En qué consiste?
El minimalismo es una corriente que surge durante la época de los 60’s, en medio
de una ola de eventos a nivel mundial. Entra específicamente del lado de la expre-
sión arquitectónica como una forma de demostrar que la simpleza puede vencer
estética y expresivamente a la ostentosidad de lo adornado.
¿Y en la música?
La música minimalista se catalogó en un principio como música experimental o
música downtown, la cual se basa aun en la armonía consonante, en pulsos cons-
tantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración
de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células.
Pero… ¿qué expresa en sí la música minimalista?
La música minimalista tiene una función muy similar a la expresión arquitectónica
de la misma: transmitir a partir de las pulsaciones constantes, con motivos repeti-
tivos pero cambiantes, alternados pero simples, los sentimientos, ideas o capaci-
dades compositivas de un autor específico.
¿Efecto Psicológico?
Muchos abogan por el hecho de que la música minimalista, al tratarse de una serie
de frases en constante repetición y alternancia unas con otras, llaman más la aten-
ción de la audiencia, haciendo más atractiva la obra al oído público.
¿Por qué? Esto se debe al hecho que al estar escuchando una y otra vez una sola
cosa, prestamos más atención a los cambios que dentro de la obra se dan, pudien-
do incluso, tener noción de cuantos cambios o variaciones se han dado en la obra
sin mucha dificultad. En conclusión, la música minimalista nos mantiene siempre
atentos a lo que pueda pasar.
Autores
La primera obra del minimalismo se dio a conocer en 1964. “In C”, de Terry Riley,
es una obra de carácter minimalista, cuya sonoridad es extraída de un aparataje
sonoro muy característico. En esta obra encontramos una serie de sonidos ambien-
te, los cuales reproducen células rítmicas constantes y con algunas variaciones
dentro de la obra.
Aunque Riley fue el primero en abordar este tipo de música, el exponente más
importante de este género es realmente el compositor Estadounidense Philip
Glass, cuya obra, desde sus inicios, estuvo muy influenciada por la música hindú y
la música de autores como John Cage.
Aunque melódicamente limitada, la música de Philip Glass es mundialmente famo-
sa por su expresividad, siendo incluso utilizada para adaptaciones cinematográfi-
cas en películas como “The Hours”, “Notes on Scandal” y “Kundun”.
Por José Andrés Gutiérrez
Al hablar de música contemporánea pueden surgir diferentes pensamientos y criterios. Por ejemplo: la música comercial
contemporánea, a la música religiosa, secular, e incluso podría salir tantas ideas y ramas musicales como fueran posibles.
Sin embargo en este artículo nos vamos a referir a música contemporánea Latinoamericana académica, incluyendo obras impor-
tantes, fundamentos, compositores, entre otros.
Datos interesantes…
Aunque existen obras de compositores latinoamericanos, algunas influencias son tomadas de autores occidentales e incluso
de estados unidos.
Dentro de los países que promueven la creación de obras y de ejecución como tal son: Argentina, Brasil, Venezuela, México y
Guatemala.
Sabias que Guatemala ha tenido grandes compositores, intérpretes y distinciones internacionales en cuanto a creación de
música contemporánea.
Algo curioso que el objeto de este tipo de música no trata de ser comercial ni espontanea, sino de permanecer a través de
su propia gente.
Dentro de algunas raíces logra relucir música folclórica de cada compositor, pudiendo tomarse como música nacionalista.
Entre los maestros Guatemaltecos tenemos a:+ Jorje Sarmientos, Joaquin Orellana, Enrique anleu, +Jesús Castillo,
+Ricardo Castillo, Igor de Gandarias, Paulo Alvarado.
COMITES, ASOCIACIONES E INSTITUCIONES Y PAISES QUE RESPALDAN O ESTAN EN BUSCA DE LA MUSICA CON-
TEMMPORANEA LATINOAMERICANA:
Sociedad Venezolana de Música Contemporánea.
Sociedad internacional de música contemporánea.
Universidad Bolivariana. (Venezuela)
Fundación Latinoamericana para la Música Contemporánea.
MÚSICA CONTEMPORÁNEA LATINOAMERICANA
COMPOSITOR PAIS OTROS. FECHA
Raul Minsburg. ARGENTINA Compositor, investigador, docente, *****
Silvestre Revueltas MEXICO Obra importante SENSEMAYA 1899-1940
Pablo Moncayo MEXICO HUAPANGO obra importante 1912-1958
Manuel Ponce MEXICO Estrellita obra importante 1882-1948
Blas Galindo
MEXICO Sones de mariachi 1910-1993
Jorge Sarmientos
GUATEMALA Músico, compositor, director.
Concierto marimba y orquesta
1931-2012
Joaquin Orellana
GUATEMALA Compositor y músico.
Emulo lipolidon, ante par III
1937-
Enrrique Anleu
GUATEMALA Direc. Orques, violinist, maestro de armonía. Pintor.
1940-
Alberto Ginastera
ARGENTINA Compositor, obra importante, op. 8 1916-1983
Ricardo Castillo
GUATEMALA Compositor y violinista,
La procesión, Guatemala movimientos sinfónicos.
1891-1966
Jesus castillo
GUATEMALA Compositor e investigador. Fiesta de pájaros.
1877-1946
Astor Piazolla
ARGENTINA Bandoneonista y compositor
MILONGA TRISTE
1921-1992
Paulo Alvarado
GUATEMALA Chelista
Danzas contemporáneas
Alfredo del Mónaco
VENEZUELA Compositor y pianista 1938-
Alfredo Rugeles.
VENEZUELA Direc de orques, compositor
Sal-cita
1949-
Igor de Gandarias
GUATEMALA Músico electroacústica
Suite Asturias.
1953-
Adina Izarra
VENEZUELA Compositora, obra importante querre-queres
1959
German Alcantara GUATEMALA Compositor , director. Flor del café 1863-1910
TABLA DE ALGUNOS COMPOSITORES
CONTEMPORANEOS LATINOAMERICANOS.
Por Orlando Sicajol
SER
IALI
SMO
¿SABÍAS QUE?
La música serial pretende que desaparezca la jerarquía de los sonidos entre sí.
El serialismo es un método de composición que utiliza series, esto se refiere a conjunto de notas que no se repiten, sino
más bien siguen un orden o serie definido por elementos.
Ocasionalmente, se confunde la música serial con otras corrientes como la música aleatoria y el dodecafonismo pero se
refieren a diferentes conceptos.
El serialismo tuvo dos formas: Serialismo dodecafónico y serialismo integral.
CURIOSIDADES
“Triple A” era el nombre que les daban a Arnold Schonberg y sus discípulos Alan Berg y Anton Webern, quienes fueron compositores importan-
tes del serialismo.
La cuna del serialismo musical, tal y como lo concibió Schoenberg, fue la misma Viena de Adolf Loos, Karl Kraus y del primer Wittgenstein, to-
dos ellos obsesionados por la depuración del lenguaje.
El serialismo reemplaza la “medida” y “el compás” por un sentido de valor corto y la libre multiplicación de este.
Dentro del serialismo nace la idea “valores añadidos” en donde los modelos regulares adquieren flexibilidad rítmica, añadiendo o quitando
valores.
El serialismo además de tener diferencia en sus notas también tiene combinación y variación en sus elementos es decir: timbre, duración e
intensidad.
El serialismo es un estilo de composición objetiva que muestra tendencia a crear características individuales del sonido musical (elementos).
PREGÚNTALE A EXPERTOS
¿Cuál es la diferencia entre música serial y aleatoria?
La diferencia entre la música aleatoria y el serialismo radica en que la música serial es organizable, mientras que la aleatoria no lo
es del todo, además de tener un carácter anti-racionalista porque depende más del azar, caso contrario al serialismo.
¿Cuál es la diferencia entre música dodecafónica y serial?
El dodecafonismo, podemos decir es una corriente paralela al serialismo, con la diferencia que en la música serial no necesariamen-
te tienen que aparecer los doce tonos como en el dodecafonismo.
¿Cuál es la diferencia entre serialismo dodecafónico y serialismo integral?
La propuesta del serialismo dodecafónico es establecer un principio serial a las doce notas de la escala cromática, mientras que el
serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, se establece un orden no sólo para la sucesión de las
diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes y la sucesión de las dinámicas.
Por Pamela Castañeda
Sabías
que
……
Los 27 años de vida son conocidos como “La edad maldita del Rock N Roll”. Esto debido a que muchas estrellas del género han
muerto de forma trágica a esa edad. Entre ellos podemos encontrar a Jimi Hendrix, Janis Joplin, Amy Winehouse (sobredosis),
Kurt Cobain (Suicidio) y Jim Morrison (Causa desconocida)
……
Tony Iommi, guitarrista de Black Sabbath, es considerado por muchos como “El Padre Del Heavy Metal”, gracias a los sonidos
lúgubre y extremadamente pesados de los que fue pionero en 1970. Sin embargo, estos sonidos lo obtuvo Iommi gracias a una
tragedia que casi le cuesta su carrera: Trabajando en una fábrica una máquina le arranco partes de sus dedos, por lo que para
poder tocar tuvo que usar prótesis de goma y bajar la tensión de las cuerdas en su guitarra. Así nace el sonido del Heavy Me-
tal.
……
Durante los años 80s, hubo una cruzada por parte de organizaciones conservadoras y religiosas para censurar a ciertos artis-
tas de Rock y Heavy Metal. Esto, debido al contenido lírico de muchas de las canciones del género, las cuales estaban fuerte-
mente cargadas de sexualidad, violencia, rebeldía e incluso hasta satanismo. Al final, las medidas que se tomaron resultaron
contraproducentes: La censura solo incrementó las ventas y la popularidad de
la mayoría de artistas rockeros y metaleros.
……
Existe un mito muy popular el cual afirma que Paul McCartney murió en un
accidente de carro en 1967 y desde entonces es un doble el que, secretamente,
apareció en las portadas de Los Beatles y lleva una exitosa y longeva carrera
como solista.
Por Diego Contreras
BIOGRAFÍAS
The Beatles, grupo británico activo durante la década de 1960, ampliamente considerado como uno de los más influyentes e
importantes en la historia de la música popular.
Los orígenes del grupo se remontan a los años 50s cuando John Lennon y Paul McCartney se conocen en la escuela secundaria,
descubren su gusto en común por el Rock N´ Roll y empiezan a escribir canciones en la casa de Paul. Tras años de formación
callejera, grupos esporádicos, fracasos comerciales y cambios de integrantes, el grupo termina de definir su alineación definiti-
va con el ingreso de George Harrison en la guitarra y mucho tiempo después, del baterista Ringo Starr.
Los años 1961 y 1962 marcarían la carrera de The Beatles gracias a la intervención de dos personajes claves en su historia:
Brian Epstein, el manager en gran parte responsable de su salto a la fama y George Martin, productor musical responsable
de la mayor parte de su trabajo en estudio.
Apoyados por Epstein y Martin, graban su primer EP “Please, Please Me”, el cual es un rotundo éxito en el Reino Unido y en el
que ya destaca la sensibilidad musical y de composición que caracterizaría al grupo. En 1964, a partir de su llegada a Estados
Unidaos gracias a ágiles movidas de Epstein se desata uno de los fenómenos musicales y culturales más destacados del Siglo
XX: La Beatlemania. A partir de aquí, The Beatles se convierten en estrellas mundiales y logran trascender más allá de lo pura-
mente musical, se convierten en un símbolo icónico de la cultura popular.
Acompañado del estrellato sin precedentes, el trabajo musical y conceptual de la banda muestra grandes avances e interesantes
caminos. Help! (1965) sería su último disco considerado “pop”. A partir de ahí, cada disco de los Fab Four muestra un trabajo
serio, experimental y con grandes méritos artísticos, los cuales abarcarían el Folk (Rubber Soul-1965), el Rock Psicodélico
(Revolver- 1966), el primer albúm conceptual y de Art Rock de la historia (Sgt.Pepper Lonely Heart Club Band-1967). También
destacan discos que son difíciles de catalogar en un solo género,
pero no así dignos de considerarse como obras maestras (White Al-bum-1968, Abbey Road-1969, Let It Be 1970).
Los méritos y reconocimientos de la banda, aparte de su indiscutible
éxito comercial y crítico, abarcan formas de composición musical
inusuales y revolucionarias para su época, técnicas pioneras en el
uso de los estudios de grabación y una influencia incalculable en la
cultura popular del Siglo XX..
Por Diego Contreras
UN COMPOSITOR INMORTAL
Considerado como un icono inamovible de la música del siglo XX, pues más allá de la revolución que causó
con su música, rompiendo toda tradición romántica y académica, más allá de lo causado sin ninguna inten-
ción, existe lo intencional, su inclinación por la música romántica-germánica.
Conocido como el padre del expresionismo, el habla en sus escritos de una misión profética musical, Paso
del postromántico a imponer un atonalismo que adquirió forma definitiva en el método de composición dode-
cafónica en 1923, considerado uno de los principales elementos del expresionismo. Luego, en su exilio ame-
ricano, se vió enfrentado a los conceptos neoclásicos del Stravinski tardío, influenciando notablemente en
las posteriores generaciones de compositores norteamericanos y de posguerra.
Maestro de otros grandes compositores exponentes de esta misma corriente: Albán Berg y Anton von We-
bern. Que continuaron y modificaron cada quien a su manera la música expresionista.
De las obras más famosas de Shoenberg están:
Pierrot Lunaire: que se trata de 21 Poemas de Albert Giraud, divididos en 3 grupos, 1) amor, sexo y religión,
2)Violencia, crimen y blasfemia y 3) Pasado acechándolo
Instrumentación: Voz, flauta (piccolo), clarinete (Bass clarinete), violín (viola), cello, piano.
Noche Transfigurada: Instrumentos: 2 violines, 2
violas, 2 cellos. Pasado en un poema de Richard
Dehmel y se divide en 5 secciones comenzando
por la tristeza de la confesión de la mujer; un in-
terludio de carácter neutral donde se perciben las
sensaciones del hombre al recibir la noticia; y un
finale, cuando el hombre le brinda aceptación y
perdón a la mujer.
Por Ana Cecilia Villegas
SCH
OEN
BER
G
JEAN BARRAQUÉ
Se hizo una entrevista a Jean-Henri-Alphonse Barraqué quien fue un compo-
sitor francés de música clásica contemporánea, representante y difusor de
la música serial. A continuación las preguntas que nos respondió:
¿Dónde y cuándo nació?
En Puteaux el 17 de enero de 1928
¿Qué instrumentos interpreta?
En la década de 1940 fui cantor en Notre Dame y además aprendí piano.
¿Cómo descubrió su vocación por la música?
Escuchando de la ‘’Sinfonía inconclusa’’ de Schubert
¿Quiénes fueron sus maestros?
Fui alumno de Jean Langlais (armonía y contrapunto), y sobre todo, entre 1948 y 1951, de Olivier Messiaen, del cual seguí
el célebre curso de análisis musical.
¿Cuál considera fue su mayor aporte a la música serial
Definitivamente fue el desarrollo de la técnica de las “series proliferantes” que son un “mecanismo onírico” en el cual los
intervalos se imbrican y se desagregan, engendrando una música que se inventa sobre ella misma y se destruye en su
curso.
¿Puede mencionarnos algunas de sus obras famosas?
Séquence, Sonata para piano, Étude de musique concrète, Le Temps restitué, au-delà du hasard, Concerto, Chant après
chant, Portiques de feu, Hymnes à Plotia I et II, La Muerte de Virgilio, fragmentos.
Por Pamela Castañeda
CONCRETA Y ELECTRÓNICA
CONCRETA Y ELECTRÓNICA
Se le llama música concreta ya que utiliza sonidos que ya existen, como sonidos de maquinas, la natura-
leza etc. Los cuales se perfeccionaban con instrumentos electroacústicos. Pierre Shaeffer un compositor
francés es conocido como el fundador de la música concreta. Debido a que el compuso Cinco trabajos
para fonógrafo. Conocidos como Cinco estudios sobre ruidos incluyendo; Estudio en Morado y Estudio
sobre Raíles. Estos se presentaron en un concierto ofrecido en 1948 en París.
Se desarrolló una práctica estética que estaba centrada en torno al uso del sonido como recurso prima-
rio para la composición y enfatizaba la importancia del juego en la creación de música. La creación de la
música concreta fue gracias al perfeccionamiento a que habían llegado los aparatos grabadores y repro-
ductores de sonido, como la cinta magnetofónica, además de incorporar la electro acústica.
¿Sabías qué?
En 1948 un estudio de radio estaba formado por una serie de reproductores de discos de goma laca,
un grabador también de goma laca, una mesa de mezclas,
con potenciómetros rotatorios, reverberación mecánica, filtros de audio y micrófonos.
CO
NC
RETA
Se conoce como música electrónica a aquella que se crea a través de aparatos electrónicos como el sintetizador o el sampler.
En la actualidad con el avance acelerado de la tecnología la música electrónica se ha vuelto una corriente con bastante audi-
cioncita.
Primeros instrumentos Electrónicos:
El Theremin monofónico, primer instrumento considerado electrónico, se tocaba sin que el intérprete tuviera que poner
las manos encima. Estaba compuesto por dos antenas metálicas salían de una caja de madera; la vertical controlaba el tono y
la horizontal el volumen. Al mover las manos cerca de las antenas, la capacidad natural del cuerpo del intérprete provocaba
fluctuaciones en los osciladores correspondientes, lo que causaba una subida del tono y un aumento del volumen.
El Ondes-Martenot
Parecido al Theremin ya que utilizaba los mismos circuitos básicos para generar el sonido y podía producir ruidos parecidos.
Era una especie de clavicordio acoplado a tres armarios, contradecía el hecho de que tocarlo resultase muy fácil. Además del
teclado "estilo piano", el Ondes-Martenot contaba igualmente con un controlador de cinta que servía para imitar la forma de
tocar el Theremin. Esto último permitía obtener a la vez melodías precisas y barridos de cambios de tono.
¿Sabías qué?
En 1963 se crea una de las primeras melodías electrónicas del tema musical de la serie Doctor Who
La compositora Wendy Carlos Popularizo el uso del sintetizador, tomaba piezas barrocas y las reproducía con el sintetiza-
dor, algunas de esas piezas se pueden escuchar e la Película La naranja Mecánica
Personaje Destacado
Robert Moog
Fue un inventor estadounidense. ingeniero electrónico con formación musical, A mediados de los años sesenta, construyó el
primer sintetizador controlado por tensión.
Lo revolucionario del diseño de Moog fue su
empleo del control de la tensión para variar
el tono del oscilador o el volumen del ampli-
ficador. Los instrumentos anteriores, como el
Theremin, se basaban en condensadores que
modificaban el tono de un oscilador, mientras
que los teclados previos sólo recurrían a un
conjunto de osciladores, uno por cada tecla,
Por Zaira Pacajoj
El termino música pop proviene del término en ingles “pop music” sin embargo a sus inicios la música pop no era un ge-
nero establecido de música como lo es ahora, a sus inicios se le llama música pop a todo aquello que no fuera música de
culto o música clásica.
Algunos de los géneros que entraron al principio en la familia de la música pop fueron el jazz, funk, soul, rythm & blues,
rock, etc. Hasta que algunos años más tarde la música pop fue entendida como una derivación del rock n roll el cual tuvo
sus inicios allá por los años 50´s. la llegada de los Beatles en el año 1962 marco el regreso de la música luego de un dis-
tanciamiento de los artistas de la época y el nacimiento de la música pop.
Los Beatles fueron la inspiración para un sinfín de bandas que surgieron a partir de su llegada, los que creó un gran movi-
miento pop tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos de América.
La música pop se ha caracterizado por absorber influencias de todos los demás géneros musicales, al principio la música
pop se basaba en las baladas sentimentales las cuales mantenían influencias fuertes del góspel, soul, además tomaban
partes de las armonías de jazz y la instrumentación del rock y el country. Esto hizo de este nuevo género algo muy llamati-
vo y que sin duda atraía cada vez más a nuevos oyentes.
La música pop al igual que el rock se favoreció de las innovaciones tecnológicas, que iban desde los nuevos avances en mi-
crofónica personal hasta la transmisión satelital y el uso masivo de los radiotransmisores.
la televisión (1950) tuvo un gran impacto en la industria musical ya que las presentaciones televisadas en vivo exigían una
presencia visual fuerte para los artistas, Michael Jackson y Madonna fueron artistas muy beneficiados por los programas
de música en televisión tales como MTV.
La industria musical
Sin lugar a dudas la industria musical ha estado dominada por los Es-
tados Unidos y por Gran Bretaña creando una monocultura por todo el
mundo, sin embargo con el pasar del tiempo cada país y región a crea-
do su propia música pop con características regionales, culturales y
sociales diferentes como es el caso del K-pop, música pop originaria de
corea, la cual ha tenido un crecimiento rápido y se ha expandido por
todo el mundo.
Una de las muchas apariciones en el siglo XX con respecto a la indus-
tria musical fueron los teatros de Broadway los cuales se basaban en
hacer musicales, esto creo un gran efecto en la música y en la composi-
ción de las piezas ya que se adaptaban para ser piezas pegadizas y
que tuvieran mucho significado y así convertirla en pasos de baile y de
teatro. Las composiciones de estas fechas era sin duda alguna música
popular que tenía que llamar la atención de las masas en general.
Por Manolo Castillo
¿Sabías que…?
Para realizar la coreografía de 'Smooth Criminal' que
desafía a la gravedad, en los conciertos se utilizaban unos gan-
chos que salían del suelo. Allí, con unos zapatos especiales, Mi-
chael Jackson y los bailarines que lo acompañaban se
'enganchaban', mientras que en otra parte del escenario aparece
un hombre simulando que tira una bomba para atraer la aten-
ción del público.
John Lennon escribió Lucy in “The Sky with Diamonds”, en
honor a su hijo Julian, ya que él un día llego de su preescolar
mostrándole un dibujo de una chica que volaba por el cielo
lleno de diamantes, y le dijo a su papá que era Lucy en el
cielo, la chica que le gustaba.
Por Manolo Castillo
ÓPERA CONTEMPORÁNEA
C(h)oeurs es una ópera que está conformada por piezas importantes de los compositores Giuseppe Verdi y R.
Wagner. Es controversial escuchar el Requiém de G. Verdi, y ser interpretado por personas que bailan y expre-
san el pesar de los sentimientos y emociones. El director escénico fue Alain Platel.
Según Platel (2013)
«C(h)œurs constituye una reflexión sobre las emociones que genera el encuentro del individuo con el grupo, la
dinámica de los movimientos colectivos y la dimensión de lo público y lo privado, temas de gran actualidad por
las transformaciones que experimenta la sociedad de hoy.
1911-2007) Compositor estadounidense, desta-
cado por sus aportes en la ópera contemporá-
nea. Obtuvo los premios: Kennedy, Pulitzer de
la Música, Beca Guggenheim en artes creativas,
etc. Inició sus composiciones a los 7 años con
pequeñas canciones. Destacó por sus composi-
ciones operísticas como: The Medium, Goya
(1986), La Loca (1979), the Singing Child (1993)
Por Nina Perez
ÓPERA CONTEMPORÁNEA
JAZ
Z
LINEA CRONOL[OGICA
Surge por el encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos
negros desde principios del siglo XVII.
1885 - Inicia con el blues, las canciones de trabajo en las plantaciones de algodón o “worksong”.
1923 - Se inauguro la época del swing con la “Creole Jazz Band” siendo este el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, esta etapa es
considerada la corriente principal intermedia entre el jazz tradicional y el moderno.
1940 - Bebop trato de representar los orígenes del jazz de reinterpretar, reescribir mediante la exploración de nuevas melodías y la ampliación
de registros sonoros.
El rhythm and blues fue la forma más popular de la música afroamericana, alcanzo un desarrollo imparable gracias a figuras como Ray Charles,
Louis Jorda o Chuck Berry
1951 - Cool y el hardbop en la costa oeste de los Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck y otros músicos blancos, le daban al
jazz una impronta estilísticamente más culta.
En la Costa Este, surgió con enorme fuerza un estilo que los negros neoyorquinos no duraron en considerarlo no solo como una respuesta al pre-
sunto amaneramiento del jazz, sino como legítimo heredero del bebop. Llego al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: Llego el
jazz libre o “freejazz”.
1970 – hasta hoy el jazz sobrevivió a crisis existenciales importantes, supero la década de los ochenta y regresó a los noventa con fuerza inusi-
tada. Hoy en el siglo XXI, no se puede predecir a alguien capaz de igualar el genio creativo de los músicos que formaron y cimentaron estas épo-
cas, pero hay algunos que apunta fuerte y que dar de sí, para demostrar lo que llevan dentro…
Compositor destacado
Uno de los mejores y más influyentes del mundo….
John Coltrane:
Nació en Carolina del Norte el día 23 de septiembre de 1926 y falleció a
los 40 años en Nueva York el día 17de julio de 1967. Coltrane fue saxofo-
nista (tenor y soprano) y ocasionalmente flautista.
Coltrane fue famoso debido a su gran extensión en los solos de jazz, rom-
piendo cualquier límite, el saxofonista creaba temas de hasta media hora
de duración.
El saxofonista se unió al grupo de Dizzy Gillespie en 1949, la participación
de Coltrane en esta banda sólo duró un año, pero no dejo de colaborar con
Gillespie. En 1955 Miles Davis lo invitó a participar en su conjunto y estu-
vo con él hasta el año 1957, y fue ahí en donde dio a conocer su gran cali-
dad musical. Un año después se unió a la agrupación de Thelonious Sphere
Monk y fue hasta 1960 cuando Coltrane creó su primer grupo.
Coltrane murió de cáncer de hígado en el Huntington Hospital en Long
Island.
¿Sabías qué?
Sabias que el famoso trompetista Dizzy Gillespie una de las figuras más relevantes en el desarrollo de bebop fue el invitado
especial en “The Muppet Show” en 1.979.
El 5 de Febrero de 1.969, en el escenario del Club Paradiso de la ciudad de Amsterdam, Dexter Gordon registra una de sus
mejores grabaciones en directo. La atmósfera es mágica y densa. ¿Quién podría imaginar que el pianista Cees Slinger, lucha-
ba contra un viejo piano al que le faltaban varias teclas?
En la noche del 15 de Mayo de 1.953, los asistentes al concierto organizado por la New Jazz Society en el Massey Hall de To-
ronto, en Canada, se preparan para escuchar a los grandes "gurus" del Be-bop Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Parker llega a
Canada sin su instrumento y los organizadores consiguen en una tienda de
instrumentos musicales, un saxo de plástico blanco.
ESTILOS LATINOS ¿Cuánto sabes de estilos latinos?
Estilo que se desarrolló en
Chile durante los años 50.
Se considera música de
protesta, porque sus tex-
tos manifiestan un rechazo
a la intervención política,
militar, económica de los
países americanos.
Durante los años 50, apa-
rece la forma musical que
surgió de la fusión de la
samba y el jazz.
Ritmos de origen cubano,
destacan las percusiones
caribeñas y su música
enérgica melódica. Los
instrumentos de viento
metal aportan un sabor
melódico.
Forma musical que dio
lugar en Argentina y Uru-
guay. Uno de los instru-
mentos más importantes
es el acordeón.
Tango
Guaguanvó
Rumba
Nueva Canción
Bossa Nova
Une con una linea cada estilo con su descripción
Por Nina Perez
Género musical que deriva del reggae jamai-
quino y está influenciado por el hip hop. Se
desarrolló en Panamá en los años 70 y a prin-
cipios de los 90 en Puerto Rico.
Género musical tradicional de Colombia y Pa-
namá en 1940. Tiene elementos musicales de
melodías precolombinas y ritmos africanos.
Género musical que surge en la costa caribe
colombiana. Se caracteriza por los sonidos
del acordeón, caja vallenato y guacharaca.
Baile característico de Brasil. Tiene una gran
importancia en el Carnaval de Río.
Género musical y baile de origen cubano. Fue
desarrollado durante los años 30 por los herma-
nos Cachao.
Género musical que surgió de la fusión de diferen-
tes características del son cubano, son montuno y
jazz.
Ritmo originario de Cuba, que surgió a partir del
danzón, por el compositor Enrique Jorrín en 1953.
Género musical originario de Cuba y desarrollado
en países hispanoamericanos. Sus bases musica-
les están en la contradanza del siglo XVII.
Cumbia
Merengue
Vallenato
Reguetón
Chachachá
Bolero
Mambo
Salsa
AR
TIST
AS
CH
AP
INES
Fahrenheit es una banda de Latin Pop
formada a finales del 2011 en la ciudad de Guatemala.
Iniciada como un proyecto de covers, poco a poco la
banda evoluciona hacia una propuesta original y de
música propia. En 2013 lanzan el primer sencillo y
videoclip de la banda “Si Estuvieras Aquí”, produci-
do por Juanfer Herrera y filmado en distintas locacio-
nes de la ciudad capital y de Antigua Guatemala.
En este mismo año la banda empieza a darse a conocer en el medio nacional, gracias a “Si Estuvieras Aquí” y también a
diversas presentaciones en vivo dentro y fuera de la capital. Este trabajo les vale el reconocimiento de “Artista Revela-
ción del Año” de W radio 107.3FM
En Abril de 2014 se lanza su segundo sencillo “Que Suba”, una canción de verano con ritmo bailable y animado, tam-
bién producida y trabajada por el músico y productor Juanfer Herrera. El lanzamiento de esta canción viene acompaña-
do de nuevas presentaciones nacionales y una internacional, además de distintas intervenciones en medios de comuni-
cación.
Integrantes de Fahrenheit Redes Sociales
Diego Oliva- Voz Facebook /Fahrenheitgt
Diego Contreras- Guitarra Twitter @Fahrenheitgt
Andrés Castillo- Bajo y Trompeta Soundcloud Fahrenheitgt-1
Eddy Mazariegos-Batería
Shaq Mairen- Percusión
Raul Aguirre, cantautor guatemalteco con
tres discos y un EP, la mayoría de su último disco ABROAD fue
grabado mientras viajaba por Nueva Zelanda y tiene un toque
un poco mas Folk que los anteriores. Sus discos tienen colabo-
raciones de otros artistas guatemaltecos como Paulo Alvara-
do de la banda Alux Nahual, Eddie Mendez de NASH, Ricardo
Palma (Palmita) entre otros.
Redes Sociales
Facebook /RaulAguirre
Página Oficial www.raulaguirre.com
Deezer www.deezer.com/artist/1103291
Cafella, comparten el gusto por la música. Desde el inicio
tuvieron como objetivo crear y compartir música coral en un ambiente
de disciplina y trabajo, proponiendo un repertorio variado bajo una
propuesta atractiva e innovadora.
Dentro de la experiencia individual de los integrantes se incluyen pre-
sentaciones con agrupaciones como el Coro Nacional de Niños y Jóvenes,
Coro Municipal Metropolitano de Guatemala, el Coro Mundial de Jóvenes
y ensambles corales creados para el montaje de obras mayores, como la
Novena Sinfonía de Beethoven, Carmina Burana de Carl Orff, el Gloria de
Vivaldi y el Requiem de Mozart. También, han tenido la oportunidad de
representar a Guatemala en eventos musicales internacionales cele-
brados en Estados Unidos, Centro América, España y Portugal.
Como agrupación se han presentado en distintos escenarios del plano
internacional, fueron elegidos en el 2012 para el Festival Internacio-
nal de Coros de Cámara del Estado de México y recientemente viaja-
ron a Costa Rica para participar en el Primer Encuentro vocal interna-
cional: Telar de Voces.
Redes Sociales
Facebook /Cafella
Twitter @Cafella_GT
Integramtes:
Esperanza Rodríguez Portilla – Soprano
Andrea Lopez –Soprano
Gabriela Micheo - Contralto
Farina Galán - Contralto
Daniel Gil - Tenor
Jose Andres Barrios - Tenor
Héctor Hurtarte - Barítono/ Director
Juan Manuel Ramos - Bajo
Estuardo Lorente - Bajo
Pocket Monkey, banda guatemalteca de música latina, perfecta para fiestas.
Cumbia - LatinPop – ElectroPop
Integrantes:
El Raspu - Teclados y voz
Andres Gutiérrez - Guitarra
Chaaz - Guitarra
Alvaro Sosa - Voz y güiro
Wallas - Bajo
Marco Monterroso -Batería y percusión
Redes Sociales
Facebook / pocketmonkeygt
Esta revista fue creada como proyecto final de la
clase de Música Contemporánea 2014 de la Uni-
versidad del Valle de Guatemala, curso impartido
por MA Elvira Castillo de Sazo.
Contenido escrito por alumnos:
Esperanza Rodríguez– Portilla
Edgar de León
Luis Escobar
Ana Cecilia Villegas
Juan Manuel González
Pamela Castañeda
Zaira Pacajoj
Diego Contreras
Abdul Medina
José Andrés Gutiérrez
Manolo Castillo
Nina Pérez
Orlando Sicajol
Diseño y Edición por:
Esperanza Rodríguez– Portilla
Educational Use Only.
We don’t own any of the figures displayed in this magazine.
