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Einstein en la pintura del siglo XX

Por: M. A. Gomez

Einstein ha sido uno de los científicos más famosos de la historia y, probablemente, el más citado entre laspersonas sin cultura científica o con un conocimiento científico elemental. Pero Einstein también representóun fenómeno social en el siglo XX y sus teorías no sólo cambiaron la imagen que la ciencia tenía del mundosino que también ayudaron y animaron a contemplar ese mundo desde otras perspectivas. De esta forma,también influyó en al arte del siglo XX y su imagen fue utilizada en múltiples representaciones. En esteartículo vamos a ver algunas pinturas en las que se recoge su imagen y un cuadro muy utilizado para ilustrarlibros de física relacionados con el trabajo de Einstein.

En primer lugar queremos hacer referencia a dos murales de una misma época en los que la figura de Einsteinqueda ligada al fenómeno de la emigración y la necesidad de huir de la Alemania nazi para establecerse enEstados Unidos.

Diego Rivera

Barbarie nazi (1933).

Nueva York, International Ladies GarmentWorkers Union

Se trata de un fresco del célebre muralista mexicano Diego Rivera (1886-1957), realizado para elInternational Ladies Garment Workers Union e instalado para poder ser trasladado fácilmente de un sitio aotro. En él, bajo la figura de Hitler lanzando proclamas a las masas entre banderas nazis, puede verse aEinstein y una mujer con un cartel al cuello en el que se lee "I have given myself to a Jew" (me he entregadoa un judío). Hace referencia a la necesidad de emigrar que tuvo Einstein, dado su origen judío, para huir de labarbarie nazi.

De la misma época es la obra Albert Einstein y otros emigrantes, un detalle de un mural más amplio en elJersey Homestead Center (en la actualidad se ha convertido en la Roosevelt Public School) pintado por B.Shahn (1898-1969), un pintor y fotógrafo de origen ruso, nacionalizado norteamericano, que en los años 30del siglo XX practicó un realismo social. En esta parte del mural se muestra a los inmigrantes llegando a laisla de Ellis. Entre otras cosas, pueden verse los féretros con los anarquistas ejecutados Sacco y Vanzetti, el"Hall" de la isla y a Einstein, como judío emigrante, llegando a Estados Unidos, acompañado por la madredel pintor.

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Albert Einstein y otros emigrantes

B. Shahn (New Jersey, 1936)

Otra obra que recoge la imagen de Einstein esun grabado de Salvador Dalí.

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Por último, una obra de la pintora surrealista española Remedios Varó(1908-1963). Se trata de "Fenómeno de ingravidez" (1963) que fueutilizada como ilustración para la portada para un libro de P. Bergmann,dedicado a Einstein, en el que se introducen las teorías físicas sobre elespacio y tiempo. Al igual que la teoría de Einstein modifica losconceptos de espacio y tiempo, el científico que aparece en la pinturaaparece con sus pies situados en diferentes espacios, en una situaciónsemejante a alguna de las representaciones habituales de los ejes espacio-tiempo con que se explica la teoría de la relatividad.

Fenómeno de ingravidez

Remedios Varó (1963)

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El billar elíptico de Gabriel Orozco

Por: M. A. Gómez

La obra de Gabriel Orozco Oval con Péndulo se presentó por primeravez, en 1996, en el Empty Club de Londres, un antiguo casino y clubvictoriano, y en 2005 en el Palacio de Cristal de Madrid en laexposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofía (MNCARS). Consiste en una mesa de billar elíptica (ovalada),con dos bolas blancas que pueden moverse libremente bajo el impulsodel taco y rebotan en las bandas siguiendo las reglas que impone suforma elíptica. También aparece una bola roja colgada de un hilo sobreel centro de la mesa que puede oscilar como un péndulo ante cualquierimpulso de las otras dos bolas.

Mesa de billar elíptica: Palacio de Cristal (Madrid, 2005)

Gabriel Orozco (Jalapa, México, 1962) es un artista de honda raíz conceptual que transforma numerososobjetos que conocemos o creemos conocer en esculturas e instalaciones que cambian su significado original ysu comportamiento físico.

Instaló por primera vez su "Oval con péndulo" en una elegante sala (EmptyClub) con paredes recubiertas de seda, en la que una mesa de billar enapariencia encajaba perfectamente. Sin embargo, se alteró el espacio y sequitaron todos los muebles, quedando la mesa en medio de una gran salavacía, a la vez que el diseño elíptico de la mesa y la bola roja colgada, enforma de péndulo, alteraba las reglas del juego y la percepción que de éltenemos.

Las propiedades físicas y matemáticas de la elipse restringen losmovimientos de las bolas blancas al chocar con la banda (en este caso unasola banda continua) a la vez que la bola roja sólo puede oscilar en losplanos que impone su movimiento pendular. En palabras del autor:

Si el espacio se altera, hay que adaptarse a él y esto puede resultar tedioso.Esta alteración física genera una reconsideración del paisaje, del cuerpo, dela geometría de un espacio conocido.

Puede encontrarse más información sobre el comportamiento de un billarelíptico en: Billar elíptico

Empty Club, 1996

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Ciencia y Caridad (Picasso)

Por: Antonio del Moral

En vísperas de 1898, un año trágico para la historia de España,pues se certificaba la definitiva pérdida de los territoriosamericanos y asiáticos tras una dura guerra contra los EstadosUnidos, un joven pintor malagueño conseguía una mención en laExposición Nacional de Bellas Artes con el lienzo Ciencia yCaridad. Ese estudiante, que ya creaba como un maestro, sellamaba Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), y era el hijo mayor deJosé Ruiz Blasco, profesor de dibujo en Málaga, que le habíainiciado en tierras gallegas en la pintura a la temprana edad de

diez años. En 1895, el adolescente Pablo fue admitido en los cursos superiores de pintura al natural en laEscuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona. Con el tiempo llegaría a ser uno de los grandes pintoresespañoles del siglo XX.

El lienzo, actualmente en el museo Picasso de Barcelona, representa, dentro aún de una corrienteacademicista, a un médico y a una monja con un niño, personajes que rodean a una mujer enferma –sesupone que la madre de la criatura- que se encuentra acostada en una cama. El médico, dibujado sentadomientras toma el pulso a la mujer observando su reloj de bolsillo, encarna la Ciencia y la monja, cuyapresencia en los hospitales solía ser habitual, a la Caridad. La unión simbólica de las mismas –que origina eltítulo- resulta enternecedora hasta nuestros días, y motiva a reflexionar sobre la necesidad de unir tanto laayuda científica a los enfermos como la espiritual y afectiva.

La figura de la Caridad humaniza a la Ciencia, y ésta debe situarse al lado de aquella: idea que parecedesprenderse de la visión del cuadro. El siglo XIX fue la centuria de la Medicina, la época de mayordesarrollo de esta ciencia en toda su historia moderna, que puso las bases de su extraordinaria difusión yprogreso en el siglo XX. El médico representó mejor que ningún otro la figura del científico, a ojos de lamayor parte de la sociedad, al estar en contacto con todas las capas sociales. Si bien importante y definitivopara la revolución industrial, el trabajo de los físicos, químicos e ingenieros parecía demasiado lejano para lasclases medias y populares, frente a la cotidianeidad del médico, del "doctor". Y es precisamente ese médicode cabecera –la cabecera de la cama- el que aparece en este cuadro, junto a la monja.

Numerosas órdenes religiosas femeninas, de acuerdo con su idea de asistencia y dedicación a la sociedad, seespecializaron en el trabajo en hospitales y dispensarios. La simpática figura de la monjita en los pasillos ygalerías hospitalarias relajaba el carácter sumamente científico y serio de los médicos, y a ambos unían –odebía unir- un sincero humanitarismo y caridad. Hoy en día, el término de caridad resulta estar muy malentendido, y se prefiere el de "justicia social" aunque, en el fondo, coincidan en algunos aspectos, aunque enotros le supera: la caridad debe ser solidaridad, entrega generosa, desinteresada y total hacia los demás, haciatodos los hombres, ayudándoles directamente, yendo más allá de los justos límites. Por eso pienso que eltítulo de esta obra no debe cambiar, no puede "actualizarse", pues su mensaje continua siendo fundamentalpara que la Ciencia nunca abandone su misión como actividad siempre en beneficio y entrega sincera, total ygenerosa a la mejora de la Humanidad.

Sitio Web Ciencia y Arte Consultado 10/11/2011

http://centros5.pntic.mec.es/ies.victoria.kent/Rincon-C/Arte/Picasso/p.htm

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El hombre de Vitrubio

Por: Manuel E. Iribarren

El hombre de VitrubioLeonardo da VinciReal Academia de Venecia

En su Studio (Real Academia de Venecia), también conocido como El hombre de Vitrubio, Leonardo daVinci realiza una visión del hombre como centro del Universo al quedar inscrito en un círculo y un cuadrado.El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se emplea en toda la arquitectura clásica, el usodel ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la arquitectura. En él se realiza un estudio anatómicobuscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el canon clásico o ideal de belleza. Sigue los estudios delarquitecto Vitrubio (Marcus Vitruvius Pollio ) arquitecto romano del siglo I a.c. a quien Julio Cesar encargala construcción de máquinas de guerra. En época de Augusto escribió los diez tomos de su obra Dearchitectura, que trata de la construcción hidráulica, de cuadrantes solares, de mecánica y de susaplicaciones en arquitectura civil e ingeniería militar. Vitrubio tuvo escasa influencia en su época pero no asíen el renacimiento ya que fue el punto de partida de sus intentos y la justificación de sus teorías. Su obra fuepublicada en Roma en 1486 realizándose numerosas ediciones como la de Fra Giocondo en 1511, Venecia ola de Cesare Cesarino en 1521, Milán, dedicada a Francisco I. Parece indudable que Leonardo se inspiró en elarquitecto romano.

El hombre de Vitrubio es un claro ejemplo del enfoque globalizador de Leonardo que se desarrolló muyrápidamente durante la segunda mitad de la década de 1480. Trataba de vincular la arquitectura y el cuerpohumano, un aspecto de su interpretación de la naturaleza y del lugar de la humanidad en el "plan global de lascosas". En este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano (porejemplo, la proporción áurea). Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante eravincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza.

Sitio Web Ciencia y Arte Consultado 10/11/2011

http://centros5.pntic.mec.es/ies.victoria.kent/Rincon-C/Arte/Arte.htm

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M.C. ESCHER

Por: M. A. Gómez

M.C. Escher fue un artista holandés (1898-1972) que estudió arquitectura y diseño. Su estilo se caracterizapor la representación de imágenes en las que percibe con gran facilidad lasleyes y formas matemáticas del mundo en que vivimos. Sus obras principalesrepresentan figuras imposibles, con la proyección en el plano del espaciotridimensional, y muestran una profunda comprensión de los conceptosgeométricos y de la división del palmo en figuras iguales y complementarias.Cuando murió, a los 73 años, era mundialmente conocido entre matemáticos ycientíficos. Hoy día, su fama se ha acrecentado y es fácil encontrar susimágenes imposibles en todas partes: posters, cubiertas de libros, camisetas,libros de matemáticas, etc.

Entre sus obras podemos encontrar algunas representaciones de imágenesreflejadas en espejos esféricos. Quizás la obra de este tipo más conocida sea sulitografía "Mano con globo reflectante"

Mano con globo reflectante. Litografía (1935)

En el grabado se ve al propio Escher contemplando su imagen reflejada en una esfera que sujeta con la mano.El cristal refleja, además de su imagen, el entorno en que se encuentra, la habitación, los sillones, la ventana,los libros, etc.

El espejo esférico refleja una imagen panorámica, pero la deforma y la comprime en un círculo perfecto. Semueva como se mueva la esfera o se desplace como se desplace, el autor siempre verá su imagen, más grandeo más pequeña, pero siempre estará él.

Las propiedades de los espejos esféricos hacen que el punto medio entre los ojos quede siempre situado en elcentro del círculo. Se puede desplazar la esfera, se movera la imagen reflejada, pero los ojos y la imagen delobservador no pueden escapar nunca.

El propio Escher dice: "No se puede salir de ese punto central".

Otras obras pueden ser su "Naturaleza muerta con esfera reflectante", en la que sustituye la esfera poe unabotella, también esférica, tumbada y apoyada sobre el cuello. Volvemos a ver la habitación reflejada, juntocon los objetos que componen la naturaleza muerta y en el centro al artista dibujando.

Naturaleza muerta con esfera reflectante. Litografía (1934)

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En otra litografía representa tres esferas de igual tamaño sobre unamesa. La de la izquierda es de vidrio, deja pasar la luz y aumenta laestructura de la mesa, a la vez refleja la propia mesa y una ventanasituada a la izquierda. La del centro es totalmente reflectante y nosmuestra otra vez al artista trabajando, con los ojos en el centro de laesfera, y refleja también a las otras dos esferas. La tercera es opacay no refleja nada, pero nos permite ver los juegos de sombras queprovoca la luz.

Tres esferas. Litografía (1946)

Sitio Web Ciencia y Arte Consultado el 24/12/2011

http://centros5.pntic.mec.es/ies.victoria.kent/Rincon-C/Arte/Escher/escher.htm

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VENTAYOL, JUAN

Nace en Montevideo el 15 de noviembre de 1911. Estudió en el Círculo de Bellas Artes (1933/38). Esfundador de los grupos artísticos “Paul Cézanne” y “Carlos Federico Sáez” (1938 y 1950 respectivamente) yde la revista de arte “Perseo”. Realiza exposiciones en el exterior: Roma, Porto Alegre, San Pablo y Río deJaneiro entre 1964 y 1967. En Uruguay: Círculo de Bellas Artes, Amigos del Arte, Galería Río de la Plata ,Galería Bandi Binder, Punta del Este, Estudio 2 – Salto, Dep. Cultural Banco la Caja Obrera ; entre los años1937 y 1967. Colectivas en el exterior: Salón de Primavera de Reggio, Cien años de Pintura Uruguaya:Galería Corcoran – Washington, Instituto de Idiomas Yazaji – Porto Alegre. En Uruguay realiza tambiénnumerosas exposiciones colectivas en capital y el interior, entre los años 1939 y 1967. Concurrió acertámenes internacionales en San Pablo, México, Punta del Este, Córdoba, Espoleto-Italia, Lima, Colombia,Perú. Obtuvo, entre muchos otros, los siguientes premios: mención especial por su óleo “Paisaje” (1940);mención por su óleo “Naturaleza muerta” (1941), Gran premio de Retrato, Medalla de Oro por su óleo“Autorretrato” (1943), Med. de Br. por su óleo “Tiempo” (XXIV S., 1960); Pr. Cámara de Rep. – Med. deBr. por su óleo combinado “Espacial”; Medalla de Oro por su combinado “Presencia” ( XXVI S., 1962);Gran Pr. Medalla de Oro pro su óleo “La ciencia en marcha” (XXIX S., 1965).

La ciencia en marcha

Autor: Juan Ventayol (1911-1971)Realizado: 1965Técnica: Oleo sobre telaMedidas: 200 x 132 cm

Ventayol estudió en el Círculo de Bellas con Guillermo Laborde en 1933. Fue integrante por corto tiempo delos grupos Paul Cézanne (Nicolás Urta, 1939) y Carlos F. Sáez (Barcala, Espínola Gómez, Solari, 1949).Recibió premios en salones nacionales, municipales e internacionales, fue representante uruguayo en laBienal de Venecia de 1962 y en la VI Bienal de San Pablo recibió el premio al mejor artista latinoamericano.

La obra de Ventayol traduce al ámbito local las tendencias internacionales del informalismo abstracto. Eneste tipo de propuesta, la particular forma de usar el material pictórico sobre la tela le da una carga expresivapropia que es identificada con el nombre de informalismo de tipo matérico. A través de empastes generosos yriqueza de texturas logradas con el uso de materiales no tradicionales como arena, yeso, cemento, alquitrán uotros elementos, el artista logra dar un determinado fondo anímico a la abstracción.

En La ciencia en marcha, vemos elementos figurativos en una propuesta abstracta: la cabeza y brazo queestán contextualizados en un entorno de cierto maquinismo. Este trabajo podría considerarse una obra puentehacia nuevas formulaciones plásticas neofigurativas que, sin embargo, mantiene remanentes de cargasmatéricas y abstractas anteriores.

Sitio Web Museo Nacional de Artes Visuales Consultado 24/12/2011

http://m.mnav.gub.uy/cms.php?o=2093

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HANS HOLBEIN el Joven

El cuadro de "Los Embajadores" fue pintado por Hans Holbein el Joven en 1533 y se encuentra en laNational Gallery en Londres.

Los personajes del cuadro son Jean deDinteville y Georges de Selve. Jean deDinteville era Embajador en Inglaterra elaño en el que fue retratado por Holbein yJean de Selve era obispo de Lavaur.Ambos son jóvenes y están retratadosrodeados de objetos lujosos y telas yvestidos suntuosos. El suelo recuerda unmosaico medieval de la Abadía deWestminster. Representando la acción,Dinteville empuña una daga . De Selve,contemplativo, se apoya sobre un libro . Enambos objetos pone la edad de cada uno deellos: Dinteville tenía 29 años y De Selve25. La inscripción de la daga es "AET. SVÆ/ 29" y la del libro es "AETAT/IS SV Æ25".

Las figuras verticales de los retratadosestán equilibradas con dos zonas

horizontales formadas por los dos estantes del mueble sobre el que se apoyan. El estante superior parecerepresentar el mundo celeste y el inferior el mundo terrenal.

En el estante superior hay varios instrumentos astronómicos, incluído un globo celeste.

En el inferior hay un globo terráqueo, un laúd, libros, instrumentos de geometría.

Todos estos objetos podemos considerarlos como relacionados con el conocimiento y el estudio delQuadrivium, las cuatro ciencias matemáticas de las siete artes liberales: Aritmética, Geometría, Música yAstronomía.

Algunos detalles contrastan con este ambiente de riqueza, poder y conocimiento:

El más llamativo es la mancha que aparece en el medio del suelo que es una deformación (anamorfosis) deuna calavera. El cuadro se pintó para ser colocado en una escalera, de modo que al subir por ella, en undeterminado punto, se viera la calavera. Es probable, como se defiende en el libro "El conocimiento secreto"de David Hockney, que Holbein usara una lente para proyectar los diferentes objetos y calcar las formasproyectadas.

La deformación de la calavera sería entonces una proyectividad. En la animación usamos una transformaciónalgo más sencilla pues es una afinidad.

Sitio Web: matemáticas visuales Consultado 4/02/2012

http://www.matematicasvisuales.com/index.html