SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES

Martes 19 de agosto de 2014 • 7:00 p.m.Ibagué, Auditorio Mayor de la Música – Universidad del Tolima

Jueves 21 de agosto de 2014 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Martes 19 de agosto de 2014 • 7:00 p.m.Ibagué, Auditorio Mayor de la Música – Universidad del Tolima

Jueves 21 de agosto de 2014 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

TRÍO CORTAZAR, trío con piano (Colombia)TRÍO CORTAZAR, trío con piano (Colombia)

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en

los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o

fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga

apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e

intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

Los conciertos realizados en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango están autorizados por laDirección Administrativa de la Secretaría de Gobierno de Bogotá, mediante la Resolución 071 del 14 de

febrero de 2014.

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Daniel Aguirre Ortega, piano; Liz Valentina Muñoz, violín y Jorge Vélez Ortiz, violonchelo.

Agrupación conformada a finales del 2011 en la asignatura de Música de Cámara en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente estudia bajo la guía de la maestra Cecilia Palma. En su trayectoria, el Trío Cortázar ha explorado repertorio de diversas épocas y estilos, haciendo especial énfasis en la música académica colombiana del siglo XX, con lo cual ha abanderado el concierto-proyecto “Nacionalismo Musical Colombiano”, que convoca a diferentes grupos del conservatorio para fomentar la práctica y difusión de obras de compositores nacionales.

Han recibido clases magistrales con los maestros Diego García (violonchelista del Cuarteto Q - Arte), Jaime Ramírez (DMA Cincinnati University) y Dmitry Eremin (Rusia), entre otros.

Sus miembros han sido ganadores de concursos y convocatorias, como el Concurso de Interpretación Musical Ciudad de Bogotá (2012), la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (2009), La convocatoria de la Filarmónica Joven de Colombia y la Convocatoria de Conciertos de Música del Auditorio Fabio Lozano.

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INTERMEDIO

CONCIERTO No. 53

EDVARD GRIEG (1843-1907)

JORGE A. ARBELÁEZ (n. 1967)Arreglo: Julio Roberto Gutierrez

JOAQUÍN TURINA (1882-1949)

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)

Andante con moto en do menor, EG 116

Ocaso

CírculoAmanecerMediodía

Crepúsculo

Trío con piano en si bemol mayor, Op. 11

Allegro con BrioAdagio

Tema con Variazioni - Pria ch’io l’impegno - Allegretto

PROGRAMA

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NOTA AL PROGRAMA

Por Natalia Castellanos Camacho

Trío con piano, un medio para la expresión romántica

Si bien el trío como formato y género musical empieza a emplearse en el Clasicismo, es sin duda uno de los géneros más acordes con el espíritu intimista de la música de cámara del Romanticismo. Un espíritu cuya perspectiva del mundo es la sensibilidad que se devela como un misterio ante la vida, ante los sentimientos más audaces del hombre, que fluctúan entre la eufórica y dulce alegría y la tormentosa y agria amargura; en palabras de Novalis: “el camino misterioso que conduce hacia el interior”.

El repertorio que hoy tenemos el gusto de escuchar es una pequeña muestra sonora del universo intimista del trío del siglo XIX: de Noruega a Colombia y de regreso a Viena.

Evard Hagerup Grieg (1843-1907) Compositor noruego y máximo representante del nacionalismo en su país natal. Los gestos nacionales que aparecen en sus obras son derivados de sus transcripciones para piano de antiguas melodías de canciones y danzas noruegas que normalmente se interpretaban en violín. Dichos gestos se caracterizan por el uso de giros modales, del llamado falso bordón1 y de ocasionales combinaciones rítmicas entre 3/4 y 6/8. Grieg combina exitosamente estos gestos con la más tradicional y ortodoxa escuela musical germana, de la cual se impregna a través de sus estudios en Leipzig. No obstante, son el espíritu nacionalista y el sentido paisajista y melancólico los que consiguen que la música de Grieg sea supremamente particular en su sonoridad y expresión.

Aunque es más conocido por sus obras orquestales y para piano, la música de cámara de este compositor, aunque escasa, no demerita nada en el conjunto. Es el caso de la pieza titulada Andante con moto en do menor, para violín, violonchelo y piano, escrita entre 1877 y 1878, la cual probablemente

El tríoComo género musical, se trata de una pieza instrumental para tres instrumentos diferentes. Se diferencia del trío como parte central de la forma minueto o scherzo. En este mismo sentido, no es igual a una sonata en trío, la cual suele agrupar cuatro instrumentos, y se distingue del trío lírico, conjunto que reúne a tres personajes de una obra dramática.Este género aparece por una gracia particular de Mozart, y en el siglo XIX va a tomar su conformación más convencional de violín, violonchelo y piano, gracias a Beethoven.

1 Técnica de armonización medieval que se caracteriza por el uso de un falso bajo una tercera o sexta por debajo del cantus firmus, o canto fundamental.

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2 Agradecimiento especial al maestro Arbeláez por su contribución para la escritura de estas notas.

corresponde al segundo movimiento de un trío sin terminar. El manuscrito fue descubierto por Julius Röntgen, amigo y colega de Grieg. Pese a su entusiasmo y a los muchos elogios que hizo a la pieza al encontrarla, Röntgen no la dio a conocer, justificándose en la posible voluntad del compositor de mantenerla en reserva. De allí que sólo se publicó hasta 1978, en una edición que contextualiza la pieza como fragmento e incluye los comentarios del mismo compositor sobre el manuscrito. En éstos es evidente la expectativa de Grieg por una obra completa en sus movimientos convencionales, objetivo que nunca consiguió.

Como es característico en este tipo de movimientos, la pieza se despliega en forma de tema con variaciones. El tema es bastante austero en su presentación, pero tiene una interesante fuerza narrativa, la cual desarrolla el compositor a través de la exploración de diferentes colores tímbricos. Así, suaviza el tránsito de una sección a otra a la vez que acerca al espectador al lenguaje intimista antes mencionado.

Jorge Andrés Arbeláez Rendón (n. 1967)

Compositor, guitarrista y pedagogo nacido en Medellín. Su trabajo tanto como intérprete como compositor, ha estado fuertemente influenciado por la obra de maestros como Fernando León, Gentil Montaña, Gabriel Rendón, “Chucho” Rey y Gustavo Yepes. Su interés y sensibilidad por la música andina colombiana es notable, durante la mayor parte de su carrera se ha dedicado a cultivar, difundir y mantener vivas estas prácticas musicales. Su asiduo interés por conocer de fondo el lenguaje musical andino, ha contribuido a que su música mantenga el espíritu melancólico y paisajista que caracteriza el sonido andino colombiano.

Su obra es extensa y pasa por diversos formatos y ritmos. En el caso de la pieza que apreciamos hoy, Ocaso, se trata de una danza compuesta hace más de veinte años –afirma el compositor–, escrita originalmente para quinteto típico de la zona andina colombiana; es decir, para tres bandolas, tiple y guitarra. No obstante, el compositor realizó una segunda versión para estudiantina en la que además de las tres voces de bandola, aparecen las guitarras y los tiples a dos voces, un contrabajo y percusión. La pieza consta de tres partes, conservando la característica de nuestra música andina instrumental y las melodías se caracterizan por cierto gesto proveniente del tango, género muy apreciado por el compositor2.

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3 El término se attacca, del italiano atacar, se utiliza para indicar que el movimiento inicia inmediatamente después del anterior, es decir sin hacer la acostumbrada pausa entre los movimientos, de suerte que el espectador notará un cambio de carácter pero el flujo del discurso musical se mantiene. 4 El término programático se refiere a la intención del compositor por expresar y describir algún fenómeno o acontecimiento fuera de lo meramente musical.

Joaquín Turina (1882 – 1949)

Perteneció a la generación de compositores españoles que renovaron e internacionalizaron el lenguaje de la música española contemporánea. Al igual que varios de sus conterráneos, se formó en la Schola Cantorum en París con Vincent d’Indy quién le dio a conocer los artilugios de la ornamentación barroca y moderna que atraviesa toda su obra. Quizás es de los compositores españoles que más fácilmente se desprendió de la fuerte influencia de las sonoridades autóctonas de su país, especialmente del flamenco pese a ser sevillano. Se inclinó más por seguir los pasos de la música vienesa, cuya influencia principal, especialmente en sus obras para trío, fue Beethoven, lo que se evidencia en el tratamiento formal. No obstante, la obra de Turina cuenta con una sonoridad particular proveniente de grandiosa invención melódica, el uso de ritmos autóctonos, paralelismos armónicos y efectos sonoros que embullen sus obras de expresividad.

Estas características son apreciables en el trío titulado Círculo, Op 91. Escrito en 1936, dos meses antes del estallido de la Guerra Civil española, fue estrenado por la Agrupación Nacional de Música de Cámara solo hasta 1942, al finalizar la guerra. En su composición es notable la influencia de la tensión política de su patria, por ejemplo en el carácter de zozobra de algunas melodías y ciertas armonías de la obra. Está escrita en tres movimientos inspirados en el ciclo del día: Amanecer un lento y sombrío despertar que poco a poco se va tornando luminoso hasta alcanzar un andantino dulce e inspirador. Le sigue el Mediodía, un picaresco movimiento en allegro, con particulares gestos españolizados y lánguidas melodías en el violonchelo que se contrastan constantemente. En attacca3, el trío concluye con el Crepúsculo un movimiento que va desde el allegro hasta el lento inicial, construyendo así una forma cíclica, por lo menos en la organización de los tempos musicales, recurriendo a la reiteración de materiales presentados en los movimientos anteriores y dándole ese sentido conclusivo propio del nombre del movimiento. En ese sentido la obra cuenta con un carácter programático4 que le permite al espectador apreciar una obra llena de imágenes de la España de Picasso.

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Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Corrían los primeros días del mes de noviembre en 1792 cuando el joven Ludwig se aventuraba a salir de su natal Bonn para ir a buscar suerte en la magnífica Viena. Tras un trayecto de alrededor de ochocientos kilómetros, que en ese entonces tomaba una semana, Beethoven se encontró con quien sería su maestro hasta 1794, Franz Joseph Haydn, si no el más, uno de los más importantes mentores y representantes del Clasicismo vienés, que por esos días estaba en el punto más brillante de su carrera artística. La influencia de Haydn en Beethoven es notable especialmente en su primer periodo creativo, en cuanto al desarrollo motívico y el manejo de la textura del contrapunto. No obstante, el joven músico siempre se distinguió de su maestro en el carácter personal que impregnaba a cada tema musical: los recurrentes giros expresivos, las modulaciones armónicas anticonvencionales y las sutiles diferencias en las estructuras formales.

Es precisamente de este periodo que data el Trío con piano No. 4 en si bemol mayor, Op. 11 compuesto en 1798, cuya conformación original fue para clarinete, violonchelo y piano (aunque se hizo más frecuente la conformación con violín, ambas versiones se usan). Algunos críticos han asociado esta obra con el Trío de los bolos, K 498 de Mozart —como un homenaje póstumo de Beethoven—, por la analogía estilística, el uso del mismo formato instrumental y la tonalidad. Independientemente de esto, sin duda se trata de una obra en la que Beethoven respeta y sigue los parámetros estilísticos y técnicos de la época, ya por su influencia de Haydn o por emular los procedimientos mozartianos.

Algo particular de este trío es que se presenta en tres movimientos, dejando a un lado el característico tercer movimiento en scherzo. La obra inicia con un Allegro con brio que permite un buen despliegue de virtuosismo en las partes, con un carácter bastante cercano al ya mencionado trío mozartiano. En cuanto al Adagio con espressione, resulta un movimiento melancólico que anticipa la tendencia estética del Romanticismo, recurriendo a un cantabile presentado en el violonchelo. Concluye con un Allegretto en forma de tema con variaciones y un pequeño Allegro a manera de coda. En este último movimiento, Beethoven recurre a un popular tema de la ópera Le corsaire pour amour, de Joseph Weigl, sobre el cual elabora nueve variaciones. Quizás por este último recurso, o por la complejidad de las obras que anteceden a este trío, la obra fue bastante criticada en el momento de su estreno5:

5 A continuación dos citas de Francois- Rene Tranchefort en Guía de la música de cámara, trad. José Luis García del Bustos, Alianza, 1995.

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En tal obra reconocemos, a duras penas, la mano del compositor del Trío en do menor Op. 1. La presencia del instrumento de viento en vez del violín parece haber enfriado la fantasía del compositor, incluso desde el punto de vista estructural. Representa este trabajo un paso atrás: el piano se mueve como dueño absoluto, manteniendo a los otros instrumentos a la traílla, como dóciles perros de aguas.

Carli Ballola

A pesar de estas críticas —y varias más no citadas aquí—, la obra de Beethoven es fresca, alegre y dinámica, en efecto muy cercana al espíritu mozartiano, y en general al espíritu clasicista. Da cuenta del espíritu juvenil de Beethoven, que dista aun del genio romántico, dulce y tormentoso, que le caracterizará en sus obras de madurez.

música antigua paRa nuestRo tiempoedoaRdo toRbianelli, piano-forte (italia)

ensamble alFabeto, tenor y guitarra (colombia)

Para algunas personas un instrumento musical del siglo XIX puede ser una pieza de museo en el mejor de los casos o aquel mueble de la abuela que ningún miembro de la familia quiere tener. Para el Ensamble Alfabeto y Edoardo Torbianelli, estos ‘vejestorios’ esconden historia, conocimiento, tradición y

legados musicales que pueden ser aprovechados. En un concierto dedicado a obras de Federico Moretti, de quien Fernando Sor decía ser “la antorcha que debía servir para iluminar la marcha extraviada de los guitarristas”, el

Ensamble Alfabeto y Edoardo Torbianelli harán uso, entre otros instrumentos, de una guitarra Lacôte y un fortepiano Clementi, ambos del siglo XIX y ambos

instrumentos de la Colección de Instrumentos Musicales José Ignacio Perdomo Escobar del Banco de la República.

www.banRepcultuRal.oRg/musica

doMingo 24 de agosto · 11:00 a.M. sala de conciertos · BiBlioteca luis Ángel arango

programa - los amores del jitanoF. moRetti: Tre Rondó per chitarra sola, Op. 4; La duda y la promesa; Los amores del jitano y La panchita; Primera colección de boleras intermediadas. s. de masaRnau: Nocturno de piezas expresivas para piano, Op. 18, No. 3; Boleras y manchegas de aires característicos de danzas nacionales españolas, Op.17.

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