RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA

Miércoles 12 de agosto de 2015 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Jueves 13 de agosto de 2015 • 7:30 p.m.Sincelejo, Teatro Municipal

Viernes 14 de agosto de 2015 • 7:00 p.m.Cali, Centro Cultural Comfandi

LINCOLN TRIO, trío con piano (Estados Unidos)

JUAN ANTONIO CUÉLLAR, compositor (Colombia)

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de

prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar

durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus

equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes,

no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

1

Actos creativos: estímulo para la sociedad

El sector cultural de un país se debe a todos sus actores, pero la vitalidad del mismo se puede medir en gran parte por la capacidad que tenga para estimular el surgimiento de nuevas obras, permitir que sus creadores vivan de las mismas y posibilitar la existencia de un ambiente en el que la experimentación no solo sea bienvenida sino activamente estimulada ―con todos los riesgos que esto conlleva―. Cuando una comunidad brinda un ambiente fértil para el desarrollo de nuevas creaciones, se benefician compositores, intérpretes, academias, editoriales, escenarios, disqueras, medios, público y críticos que participan vivamente en las actividades del sector, enriqueciéndolo, potenciándolo y afectando positivamente otros espacios de la sociedad.

El Banco de la República se enorgullece en presentar En conversaciones - Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32, una nueva obra del compositor colombiano Juan Antonio Cuéllar, que será estrenada por Lincoln Trio, un ensamble radicado en Chicago, que ha dado vida y voz a diferentes creadores de nuestra época por medio de diversos proyectos. Dentro de sus trabajos más interesantes está el disco Notable Women: trios by today’s Female Composers (Cedille Records, 2011), que incluye tríos de seis compositoras norteamericanas contemporáneas.

Lincoln Trio se destaca por su deseo de abordar nuevos proyectos, trabajar con diferentes compositores y ser parte de un ambiente creativo en el que la interacción, la colaboración y el intercambio permiten el desarrollo de iniciativas que dinamizan al sector musical. Lincoln Trio es un participante visible en la vida cultural de su ciudad, Chicago, donde, entre muchas otras actividades, los miembros del ensamble presentan conciertos como trío y como solistas, enseñan, colaboran con entidades como el Festival de Ravinia y graban con un sello disquero local (Cedille Records).

Por medio del programa de comisión de obras y conciertos como el de hoy, el Banco de la República busca dinamizar la composición colombiana, estimular el intercambio de Colombia con el mundo y poner al servicio del país el ingenio, inspiración y encanto que el encuentro entre compositores, intérpretes y público puede generar. Los invitamos a ser participantes activos de este proceso escuchando la obra de Juan Antonio Cuéllar, hablando con él y con Lincoln Trio, conversando con sus amigos acerca de esta experiencia y asumiendo el placentero riesgo de dejarse sorprender por una nueva combinación de sonidos que nace hoy para ser parte del patrimonio cultural de todos los colombianos.

• Página web de Lincoln Trio: www.lincolntrio.com• Página de Facebook de Lincoln Trio: www.facebook.com/lincoln.trio.3• Página web de Cedille Records: www.cedillerecords.org• Escuche el disco Notable Women: trios by today’s Female Composers en Spotify: https://open.spotify.com/album/6YhXwnUNWs8EptmS8C4Mrz

2

Obras comisionadas por el Banco de la República

• Fabio González Zuleta (1920-2011). Obertura de inauguración para órgano solo. Comisionada en 1965. Estreno el 25 de febrero de 1966 a cargo del organista Carl Weinrich (Estados Unidos) en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Luis Antonio Escobar (1925-1993). Segunda suite de Bambuquerías para piano. Comisionada en 1980. Estreno el 10 de diciembre de 1980 a cargo del pianista Regis Benoit (Estados Unidos)

• Luis Antonio Escobar (1925-1993). Concierto para clarinete y orquesta. Comisionada en 1980.

Estreno el 26 de noviembre de 1997 en Manizales a cargo del clarinetista Christopher Jepperson (Estados Unidos) y la Orquesta Sinfónica de Colombia dirigida por Dimitri Manolov (Bulgaria).

• Germán Borda Camacho (n. 1935). Concerto grosso. Comisionada en 1981. Estreno el 30 de

noviembre de 1983 a cargo de la Orquesta de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, dirigida por Georgi Notev en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Blas Emilio Atehortúa (n. 1943). Cuarteto para cuerdas No. 5, Op. 198. Comisionada en 1997. Estreno el 3 de junio de 1998 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México) en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Alba Lucía Potes (n. 1954). Entre arrullos y madrigales, con textos de Aurelio Arturo.

Comisionada en 2001. Estreno el 11 de septiembre de 2002 a cargo del New York New Music Ensemble (Estados Unidos) y la soprano Susan Narucki (Estados Unidos) en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Sergio Mesa (n. 1943). Cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2003. Estreno el 14 de abril de

2004 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México) en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Jesús Pinzón Urrea (n. 1928). Visiones. Para soprano, piano y percusión. Comisionada en 2005. Estreno el 20 de septiembre de 2006 a cargo del pianista ruso Sergei Sichkov, el percusionista Ricardo Gallardo (México) y la soprano Beatriz Elena Martínez (Colombia) en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

• Amparo Ángel (n. 1944). Trío, Op. 32, para violín, violonchelo y piano. Comisionada en 2007.

Estreno a cargo del Swiss Piano Trio (Suiza) el 25 de septiembre de 2009 en el Teatro Municipal Guillermo Valencia de Popayán.

• Diego Vega (n. 1968). Sinfoniae Profanae, para órgano y quinteto de cobres. Comisionada en

2009. Estreno el 19 de julio de 2010 en el Colegio San José de la Salle en Medellín, a cargo de Pascal Marsault y Collectiv Cuivres (Francia).

• Guillermo Carbó (n. 1963). ADAS, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2011. Estreno

el 22 de octubre de 2013 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, a cargo del Cuarteto Amernet (Estados Unidos).

• Andrés Posada (n. 1954). Oración. Tres canciones para soprano y piano, sobre poemas de Piedad Bonnett. Comisionada en 2012. Estreno a cargo de Juanita Lascarro y José Alejandro Roca (Colombia), el 18 de julio de 2014 en la Sala Múltiple del Banco de la República en Santa Marta.

• Juan Antonio Cuéllar (n. 1966). En conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32. Comisionada en 2014. Estreno el 12 de agosto en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, a cargo de Lincoln Trio (Estados Unidos)

3

En 2012, la revista Fanfare aclamó al célebre Lincoln Trio de Chicago ―integrado por Desirée Ruhstrat (violín), David Cunliffe (chelo) y Marta Aznavoorian (piano) — calificándolo como «uno de los mejores tríos jóvenes del medio».

Conformado en 2003, Lincoln Trio toma el nombre de su hogar en el corazón de los Estados Unidos, la tierra de Lincoln. Elogiado por sus pulidas presentaciones de reconocidos trabajos de cámara y por su capacidad de crear nuevos caminos con repertorio contemporáneo, la reputación del grupo como conjunto de primer nivel atrae a una audiencia ecléctica de sofisticados amantes de la música, jóvenes admiradores de programas contemporáneos y estudiantes que descubren la música de cámara por primera vez.

Cada miembro es un artista de renombre internacional, de modo que el trío reúne experiencia interpretativa de todas partes del mundo. La violinista, Desirée Ruhstrat, se ha presentado a lo largo y ancho de los Estados Unidos y Europa, con actuaciones en la Casa Blanca y en programas radiales en vivo de audiencia global con la Berlin Radio Orchestra. El chelista David Cunliffe ha tocado con las orquestas de la BBC y la Orquesta Real Escocesa, y ha hecho giras como miembro del Cuarteto Balanescu. La pianista Marta Aznavoorian ha tocado con la Sinfónica de Chicago y se ha presentado en el Kennedy Center y en la Casa de la Ópera de Sydney.

Sus presentaciones en los Estados Unidos incluyen recitales en el Weil Recital Hall, el Alice Tully Hall, el Festival de Bryant Park, el Festival de Ravinia, el Poisson Rouge, la Serie de Música de Cámara de Beethoven de la Sinfónica de Indianápolis, la Serie Lane Concert, la Universidad de Chicago, la Serie de Conciertos Conmemorativos de Dame Myra Hess, Music in the Loft, y en Springfield (Illinois), donde fue elegido para la celebración del bicentenario del nacimiento de Abraham Lincoln, con asistencia del presidente Barack Obama. A nivel internacional, se ha presentado en Alemania, Singapur, Hong Kong, Vietnam y América del Sur.

Defensores y abanderados de la nueva música, Lincoln Trio ha interpretado numerosas composiciones escritas especialmente para ellos, incluyendo los estrenos

4

de siete trabajos de miembros del Consorcio de Compositores de Chicago, Stacy Garrop, Mischa Zupko y Janice Misurell-Mitchell, así como trabajos comisionados por el Festival de Ravinia para el Bicentenario de Lincoln, James Crowley, Eric Sawyer y Lawrence Dillon, y un trabajo premiado, dedicado al trío por el joven ganador del premio ASCAP, Conrad Tao. En 2014, Lincoln Trio estrenó una comisión del Premio Chamber Music America con la compositora Laura Elise Schwendinger y un trío de la renombrada compositora chicagüense Stacy Garrop.

Debido a que valoran la importancia de la diversidad en la música, el trío apoya firmemente a la Sociedad de Bellas Artes de China y a la Sociedad Cultural Sejong de Corea, la cual les comisionó tres trabajos basados en temas coreanos para ser estrenados en la Universidad de Chicago y grabados por el trío en 2013.

Su extensa discografía incluye Notable Women, lanzado bajo el sello Cedille, que cuenta con obras de Joan Tower, Lera Auerbach, Stacy Garrop, Augusta Read Thomas, Laura Schwendinger y de la compositora ganadora de premios Grammy y Pulitzer Jennifer Higdon. El CD ha recibido numerosos galardones, que incluyen El CD del mes, de Naxos; Lista de CD favoritos, de Baker and Taylor; Grabación del mes, de Byzantion; Álbum destacado, de TPR Classical; Álbum de la semana, de WQXR/Q2 Music, y Gemas ocultas del 2011, de UK Observer. Además, fue incluido en la ‘Lista noche tras noche para el fin del verano’, de Alex Ross, de la revista The New Yorker. Otros lanzamientos del sello Cedille incluyen Composers in the Loft, In Eleanors Words: Music of Stacy Garrop y The Billy Collins Suite.

En 2013 se dio el lanzamiento de Annelies, para el sello Naxos, aclamado por la crítica y nominado al Grammy, basado en el Diario de Anna Frank, con las voces de Westminster Williamson y la soprano Arianna Zukerman y el clarinetista Bharat Chandra. El estreno en el Medio Oeste se hizo en el Festival Ravinia de 2013 con el Coro de Niños de Chicago, y fue el evento de cierre de la gira por los Estados Unidos del 20° Aniversario del Museo Conmemorativo del Holocausto, de los Estados Unidos, en el Teatro Harris de Chicago. En octubre de 2014, el trío lanzó su más reciente CD, para el sello Cedille, que incluye los trabajos completos de Joaquín Turina para piano y cuerdas.

Luego de ganar en 2008 la Competencia Internacional de Maestros Intérpretes en Venecia (Italia) y de recibir el prestigioso Premio al Progreso de Carrera de Jóvenes Intérpretes, la temporada 2014-2015 verá al trío en presentaciones en los Estados Unidos, Alemania y Colombia, país donde grabarán y estrenarán un trío comisionado por el Banco de la República al reconocido compositor colombiano Juan Antonio Cuéllar.

Lincoln Trio ha hecho residencias en el Instituto de Música de Chicago, en la Universidad de San Francisco State, la Universidad de Winsconsin Madison y en SUNY Fredonia.

5Juan Antonio Cuéllar obtuvo su maestría y su doctorado en composición en la prestigiosa Jacobs School of Music de Indiana University, gracias a una beca Fulbright, al Indiana University Chancellor’s Fellowship y al apoyo de la Pontificia Universidad Javeriana. Sus obras han sido merecedoras del premio Arte de la Música (1993), el Premio Nacional de Composición del Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá (1999) y el Indiana University Dean’s Prize in Composition (2000). Su música sinfónica y de cámara ha sido interpretada, entre otros, por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, el Indiana University New Music Ensemble, la American Composers Orchestra, el conjunto de música contemporánea Decibelio, el Kuttner String Quartet, el Cuarteto Manolov y el Ensamble Ónix de México.

Además de su trabajo como compositor, Juan Antonio Cuéllar fue decano de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana entre 2002 y 2008, presidente de la Asociación Colombiana de Facultades y Programas de Artes entre 2007 y 2008 y, de 2008 hasta 2014, presidente ejecutivo de la Fundación Nacional Batuta, entidad que alcanzó en esos años un alto grado de visibilidad gracias a su labor de transformación social a través de la música, beneficiando a más de 100.000 niños y jóvenes colombianos en todo el territorio nacional. Algunos reconocimientos por dicho trabajo son el Premio Portafolio 2013 por aporte a la comunidad, el Indiana University Distinguished Alumni 2013, el Premio El Colombiano Ejemplar 2012 y el Premio a la Excelencia Fulbright 2012, entre otros.

Doctor en Música – CompositorDirector de la Maestría en Música de la Pontificia Universidad Javeriana (Colombia)Asesor Fundación Azteca (México)Asesor Fundación Bolívar Davivienda (Colombia)

6

Ha sido consultor del Ministerio de Cultura de Colombia, del Ministerio de Educación, de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte y de la Secretaría de Educación Distrital de Bogotá, para temas relativos a la educación artística y para el desarrollo del Plan Nacional de Música para la Convivencia. Ha sido asesor de diversas entidades de educación superior en Colombia y par evaluador de procesos de acreditación de calidad liderados por el Consejo Nacional de Acreditación. Ha pertenecido a varias juntas y consejos directivos de instituciones culturales y de educación superior, dentro de los cuales se destacan el Consejo Directivo de la Universidad Javeriana, el Consejo Académico de la Youth Orchestra of the Americas y la Junta Directiva de la Asociación Nacional de Música Sinfónica.

Actualmente, Juan Antonio Cuéllar es director de la Maestría en Música de la Universidad Javeriana, profesor asociado del Departamento de Música y asesor de la Fundación Azteca, del Grupo Salinas, en México, para la expansión y consolidación del programa de orquestas y coros juveniles e infantiles Esperanza Azteca, así como de la Fundación Bolívar Davivienda para el desarrollo de la Filarmónica Joven de Colombia.

7

INTERMEDIO

REBECCA CLARKE (1886-1979)

JUAN ANTONIO CUÉLLAR (n. 1966)Estreno mundialObra comisionada por el Banco de la República

Trío (1921)Moderato ma appassionato

Andante molto sempliceAllegro vigoroso

En conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32

(2014)

ITema “Sacris Solemniis”.

Lento. Coral en memoria de Gabriel Fauré

Variación 1: Rápido,conversación con Keith Jarrett acerca de Béla Bartók

Variación 2: L’istesso tempo,sobre una discusión con Igor Stravinsky

Variación 3: L’istesso tempo.Estudio “In ascendit” en conversación con György

Ligeti

IIVariación 4: Lento (en el tempo del tema).

Profunda conversación tonal con Anton Webern

Variaciones 5 y 6:confesiones íntimas a Clara Schumann

Variaciones 7 y 8:digresión barroca: Invención, Preludio Coral y

transición

IIIVariaciones 9 y 10:

conversaciones con Alberto Ginastera sobre una danza del Pacífico colombiano

Variación 11: Coda

PROGRAMA

8

FRANK MARTIN (1890-1974)

ARNO BABAJANIAN (1921-1983)

Trío sobre melodías populares irlandesas(1925)

Allegro moderatoAdagio

Gigue: Allegro

Trío (1952)Allegro

AndanteAllegro vivace

CONCIERTO No. 41

9

NOTAS AL PROGRAMA

Por Guillermo Gaviria

La repetición es el estadio inicial en la técnica formal de la música, y la variación y el desarrollo son sus estadios de evolución más elevados.

Arnold Schoenberg

El trío con piano tiene sus antecedentes en el Barroco, en las llamadas trío sonatas de mediados del siglo XVIII. Posteriormente, y de manera progresiva, la parte del violonchelo se iría liberando de su rol histórico de apoyo armónico, particularmente en los tríos de Beethoven y de Schubert, y el trío iría creciendo en popularidad con el público y en importancia con los compositores, hasta alcanzar el nivel de los cuartetos de cuerda. Por supuesto, dependiendo de los intereses del compositor se ha favorecido o concentrado la actividad de la escritura en las cuerdas o el piano; ejemplos de este último énfasis son los tríos de Chopin, Hummel e incluso Mendelssohn. Durante el siglo XX, el interés por la escritura para trío con piano disminuyó considerablemente, aunque existen muestras importantes dentro del repertorio de compositores como Fauré, Ravel, Ives y Shostakovich. El programa de hoy tiene la particularidad de incluir, además del estreno de una obra de un compositor colombiano, repertorio relacionado con el origen de los integrantes de Lincoln Trio. Es así como la compositora Rebecca Clark es inglesa al igual que el violonchelista, David Cunliffe; Frank Martin suizo y la violinista, Desirée Ruhstrat, mitad suiza y los antepasados de la pianista, Marta Aznavoorian, son de origen armenio como el compositor Babadjanian.

Rebecca Clarke (1886-1979) nació en Harrow (Middlesex, Inglaterra), hija de padre estadounidense y madre alemana. Su interés en la música de cámara fue promovido por la familia y a los ocho años empezó a tocar el violín. Ingresó a la Royal Academy of Music en 1902; sin embargo, cuando su profesor le propuso matrimonio, su padre la retiró de esta escuela pero al mismo tiempo le envió algunas de las canciones que Rebecca había compuesto al reconocido compositor Sir Charles Villiers Stanford, quien era profesor en el Royal College of Music. Rebecca se convirtió en la primera mujer alumna de Stanford en un momento en que las oportunidades musicales para las mujeres eran escasas, y fue él quien la impulsó a estudiar viola, con Lionel Tertis, y posteriormente, a desarrollar una importante carrera como violista. Su actividad como miembro de grupos de cámara la condujo a los Estados Unidos y a conocer a Elizabeth Sprague Coolidge, mecenas de la música, quien la motivó a participar en el concurso de composición, en 1919, que hacía parte del Berkshire Festival. De manera un poco sorpresiva, la Sonata para viola de Rebbeca, enviada anónimamente, resultó empatada en el primer lugar con una obra de Ernest Bloch, quien en el voto del desempate terminó ganándole a Clarke. Este evento suscitó múltiples comentarios por el hecho de que una mujer desconocida fuera elevada al mismo

10

nivel de un compositor establecido como Bloch. Años después, en 1976, Clarke comentaría en una entrevista realizada por Robert Sherman en la WQXR Radio de Nueva York:

Cuando yo probé esa pequeña bocanada de éxito, si alguna vez la he probado en mi vida, con la Sonata para viola, el rumor que se propagó, que yo escuché, fue que yo misma no había escrito esas cosas, que alguien lo había hecho por mí. Incluso tengo un par de pequeños recortes de prensa que dicen que era imposible, que no pude haber escrito eso. Y lo más gracioso de todo es que tuve un recorte que decía que yo no existía, que no había una tal Rebbeca Clark, que era un seudónimo... ¡de Ernest Bloch!

Ahora bien, estas personas han conseguido una hermosa mezcla; me dije a mí

misma: qué divertida idea: ¡cuando escribe sus obras más discretas, él [Bloch] debe tomar un seudónimo de mujer, de manera que nadie pueda considerar esto posible! (Curtis, 1996)

Con el Trío para piano, que inicia el programa de hoy, también ocupó un segundo lugar, esta vez en el concurso de 1921. La carrera como concertista de Clarke, con giras por distintos países del mundo, llenó la mayor parte de su tiempo; por tal razón, su producción como compositora no es numerosa, habiendo escrito la mayoría de sus piezas cuando vivió en los Estados Unidos, después de la Primera Guerra Mundial. Los tres movimientos de su Trío están relacionados a través del empleo de un tema con notas repetidas, que aparece al inicio del primer movimiento en el piano y posteriormente en el violonchelo.

Como compositora, Clarke se enfrentó a obstáculos casi insuperables. Su música, escrita casi toda en la década de 1920, fue pocas veces interpretada o publicada durante su vida; sólo recientemente se ha ganado el reconocimiento de músicos e historiadores de la música. De acuerdo con la Rebecca Clarke Society, sus obras más conocidas, la Sonata para viola (1919) y el Trío para piano (1921), «son ejemplos de gran alcance de la forma sonata post-romántica influida por la tradición alemana. La claridad de la textura y el vocabulario impresionista de estas piezas sugieren comparaciones con César Franck y Claude Debussy».

La palabra estrenar viene del latín strena, que designaba un regalo de buen augurio, particularmente un regalo que los romanos se hacían para desearse buena fortuna el primer día del año. Los romanos regalaban dátiles, higos secos y una jarrita de miel, junto con algunas monedas, para augurar dulzuras y riqueza ―tradición que es el origen del aguinaldo en la Navidad cristiana―. El regalo de buen augurio que ofrece hoy la Biblioteca Luis Ángel Arango a los asistentes a su sala de conciertos es el estreno de la comisión de la obra En conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32, del compositor bogotano

11

Juan Antonio Cuéllar

Los títulos de cada variación de la obra de Cuéllar explicitan su relación con estilos y maneras de compositores de distintos periodos históricos e incluso de distintos ámbitos de producción (caso Jarrett). Según The New Grove Dictionary, variación es una forma en la cual sucesivas presentaciones de un tema son alteradas o mostradas en configuraciones modificadas. Las técnicas de variación están basadas en dos posibilidades: variación a través del cambio sobre el tema dado, o variación a través de la adición al tema dado. Por supuesto, para que una sección de una pieza sea considerada variación de otra es necesario que algunos elementos permanezcan y sean reconocibles. Según Arnold Schoenberg, «la repetición es el estadio inicial en la técnica formal de la música, y la variación y el desarrollo son sus estadios de evolución más elevados» (1975: 265), concepto que amplía en sus Fundamentals of Musical Composition (1967), cuando dedica el capítulo XVII precisamente al Tema y variaciones. Inicia por señalar la ambigüedad del término, subrayando que en este caso es el «principio estructural para toda la pieza». Al hablar sobre el origen de esta forma, plantea la hipótesis de que haya sido a partir de la introducción de “embellecimientos y otras adiciones” con el propósito de evitar la pérdida de interés al repetir varias veces un tema agradable. En cuanto a la organización de las distintas variaciones, establece una diferencia entre las llamadas variaciones formales y las variaciones de carácter, acentuando la idea de que el principio organizativo más importante es la variedad. Lo cual no obsta, indica, para que se puedan agrupar dos o tres variaciones que tengan alguna semejanza, como ocurre en las Variaciones de Juan Antonio Cuéllar. De acuerdo con el compositor de En conversaciones,

El ciclo de variaciones está organizado en tres partes (o movimientos): tema y variaciones 1, 2 y 3 conforman la primera parte; variaciones 4, 5, 6, 7 y 8 son la segunda parte, y las últimas tres son el último movimiento. Tienen la estructura clásica ternaria (después del tema): Rápido - Lento - Rápido. El tema y cada una de las variaciones, con duraciones similares, tienen una estructura A-B-A’-B'.

Son once variaciones sobre un tema (un coral en el estilo de Fauré). Cada variación

hace alusión a una influencia concreta: (1) Jarrett, (2) Stravinsky, (3) Ligeti, (4) Webern, (5-6) Clara Schumann (también aplica Robert Schumann, Mendelssohn, e incluso hasta Scriabin y Rachmaninoff, entre otros); (7-8) es una “digresión barroca” que empieza con violín solo, como una partita, luego contrapunto con el chelo, y luego se incorpora el piano con el tema, a manera de preludio coral. En este par de variaciones, dentro de un patrón no sólo ingenuamente “barroco, vivaldiano”, sino también referenciado en el Segundo Capriccio de Paganini, y en el Perpetuum Mobile de Novaceck, esta parte termina con una transición que lleva al último grupo de variaciones: (9-10) Ginastera, y (11) Coda, que contiene elementos de algunas de las variaciones y un sentido expresivo y una energía derivadas del currulao y el bambuco caucano.

12

Frank Martin (1890-1974), compositor y pianista suizo, recibió una formación convencional. Hijo, el décimo, de un pastor calvinista, comenzó a componer a los ocho años y a los diez se conmocionó ante una presentación de La Pasión según San Mateo de Bach. Aunque a los 16 años ya tenía claro que la música sería su destino, estudió formalmente matemáticas y física por solicitud de sus padres, continuando sus estudios de música de manera privada con el compositor suizo Joseph Lauber, quien lo instruyó en los rudimentos del piano, la armonía y la composición. Con el tiempo, su excelente desarrollo como pianista y clavecinista le permitió grabar sus ocho Preludios para piano. En 1918, Martin se trasladó a Zúrich, y luego a Roma y París, volviendo a Ginebra en 1926 después de haberse aficionado al jazz. Su encuentro, en el mismo año, con el fundador de la euritmia, Émile Jaques-Dalcroze, lo llevaría a la exploración de los ritmos hindúes y búlgaros y a contar con elementos rítmicos como una característica de su música. La influencia de Debussy y Ravel le llegó a través del director suizo Ernest Ansermet, quien, además, se convertiría en un promotor de su obra, realizando varias grabaciones de la misma. Martin fue director del Technicum Moderne de Musique; presidente del Sindicato de Músicos Suizos, entre 1943 y 1946, y profesor de composición en la Escuela Superior de Música de Colonia, entre 1950 y 1957. Su autocrítica acerca de la calidad de sus trabajos hace que su música tenga una elevada calidad técnica y expresiva. Sobre esta característica, Martin expresaba:

En la música, el resultado es la belleza; en las matemáticas, la verdad. La verdad matemática es compulsiva e indiscutible. La belleza, sin embargo, debe convencer. En el arte no hay otra prueba del éxito que el juicio a partir de los propios sentimientos internos; [no hay otra prueba] que lograr la aprobación por los sentimientos internos (Tupper, 1964: 11).

El Trío sobre melodías populares irlandesas es una de sus piezas de música de cámara que hacen parte de la búsqueda de un estilo personal. Durante este período, el compositor fundó, precisamente, la Sociedad de Música de Cámara de Ginebra, en 1926, que dirigió por diez años, y enseñó “música de cámara” en el Conservatorio de Ginebra. Fue durante una temporada en 1925, que Martin vivió en el suroccidente de Francia, concretamente en Capbreton, Landas, que compuso su Trío, comisionado por un rico estadounidense originario de Irlanda. El título habla claramente de la inspiración para la composición de la obra, siendo la cercanía al modelo popular el concepto que guía su escritura. El mismo compositor, hablando en tercera persona menciona:

El autor, al utilizar la riqueza del pensamiento de la música tradicional irlandesa, trató de presentar, en lo posible, su carácter particular; evitó cualquier deformación en las canciones elegidas para siempre presentarlas en su integridad y no sobrecargarlas con cualquier armonía que distorsionara su significado. Es así que usted no encontrará en este trío algún desarrollo en el sentido clásico del término. La obra comprende muchos elementos alegres y unos pocos melancólicos (Etcharry, 2014).

13

Martin realizó un trabajo musicológico amplio visitando la Biblioteca Nacional de Francia, en París, para copiar en sus cuadernos de bocetos las melodías populares irlandesas que aparecen en la obra, basándose fundamentalmente en dos antologías: Old Irish folk Music and Songs, de P. W. Joyce (Dublin, 1909), y The Irish Song Book with Original Irish Airs, de A. P. Graves (Londres, 1894). Es interesante anotar que el estadounidense que comisionó la obra retiró la comisión por considerar que las melodías que a él le gustaban y conocía no hacían parte de la pieza.

Arno Babajanian (1921-1986) nació en Ereván, capital de Armenia, y aunque es bastante desconocido en Occidente, cuenta con un gran reconocimiento en su país natal y en Rusia. A los cinco años, su extraordinario talento musical era tan evidente que el compositor Aram Khachaturian, su paisano, sugirió que al niño se le diera una formación musical adecuada. Dos años más tarde, en 1928, a la edad de siete años, Babajanian ingresó al conservatorio de Ereván. En 1938 continuó sus estudios en Moscú con Vissarion Shebalin, y más tarde regresó a Ereván, donde, entre 1950 y 1956, fue profesor en el conservatorio. Durante este período (1952) escribió el Trío para piano en fa sostenido menor, que recibió inmediatos elogios y pasó a ser considerado una obra maestra. Babajanian escribió piezas en la mayoría de los géneros e incluso colaboró en muchas canciones populares con los poetas Yevgeni Yevtushenko y Robert Rozhdestvensky, entre otros. Gran parte de su música tiene raíces en la música folclórica de Armenia y el folclor ruso, aunque, en general, está infuenciada por Rachmaninov, Khachaturian, Prokofiev y Bartók.

El Trío de Babajanian tiene una historia muy interesante: poco después de que se terminó, fue estrenado por dos grandes músicos, el violinista David Oistrakh y el chelista Sergei Knushevitsky, quienes estuvieron acompañados al piano por el mismo compositor. La pieza, con influencias de la música folclórica de Armenia, se convirtió en un éxito instantáneo en la antigua Unión Soviética y en el país de su autor, pero por razones que no están claras no logró el mismo éxito internacionalmente. Fue solo a partir de la grabación e inclusión en los programas de concierto de los New Zealand Chamber Soloists (NZCS) que la pieza empezó a obtener el reconocimiento internacional que merece. Los NZCS comentan acerca del Trío, que «cuenta con todos los atributos que hacen que sea una pieza atractiva para una audiencia: es inmediatamente accesible, tiene agarre, es dramática, está bien construida y, sobre todo, es muy hermosa» (Lelutiu, 2011). El Trío fue compuesto como un homenaje a las víctimas del genocidio armenio1, lo cual se refleja en el lamento que aparece en el primer movimiento, en el segundo movimiento elegíaco y en el intenso final. El Trío, considerado una de sus obras más importantes, está construido con melodías de fácil recordación y con una excelente escritura para los tres instrumentos.1 El genocidio armenio fue la deportación forzosa y el exterminio de un número indeterminado de civiles armenios, calculado aproximadamente entre un millón y medio de personas por el estado de Turquía (Imperio Otomano) entre 1915 y 1923. A pesar de que varios países han reconocido oficialmente el genocidio armenio, la República de Turquía como política de estado, hasta la fecha, se ha negado a hacerlo.

14

Bibliografía

• Etcharry, Stephan (2014). Des plaines hongroises a la lande irlandaise. www.philharmonie.lu

• Curtis, Liane (1996). “A case of identity”, en The Musical Times. www.rebeccaclarke.org/

• Lelutiu, Radu (2011). “A Conversation with the New Zealand Chamber

Soloists”, en Fanfare: The Magazine for Serious Record Collectors. 35, 2, 256-260, nov. 2011.

• Sadie, Stanley (Ed.) (1980). Macmillan Publishers Limited, Londres.

• Rebbeca Clark Society. www.rebeccaclarke.org/ • Schoenberg, Arnold. Leonard Stein and Gerald Strang (Ed.) (1967).

Fundamentals of Musical Composition. Faber and Faber Ltd. London. • Schoenberg, Arnold. Leonard Stein (Ed.) (1975). Style and Idea. University

of California Press. Los Angeles. • Tupper, Janet Eloise (1964). Stylistic Analysis of Selected Works by Frank

Martin. Ph. D. dissertation, Indiana University.

15

Música y músicos de Latinoamérica y el mundoANNE PACÉO TRIPHASE, ensamble de jazz (Francia)

En 2005, la baterista Anne Pacéo conoció al pianista Leonardo Montana y al contrabajista Joan Eche-Puig. Desde entonces, la conversación no se ha detenido y el diálogo entre amigos se ha convertido en composiciones a seis manos y en interpretaciones que parecen conversaciones donde uno termina la frase del otro y donde solo hay espacio para la armonía y la diversión de hacer música en trío, quizás uno de los formatos más exquisitos de la historia del jazz.

Martes 25 de agosto de 2015 • 7:00 p.m.Manizales, Auditorio Universidad Nacional de Colombia

Miércoles 26 de agosto de 2015 • 7:00 p.m.Pereira, Sala Múltiple Banco de la República

Jueves 27 de agosto de 2015 • 7:30 p.m.

Armenia: Hotel Mokawa Salón Oruma

Viernes 28 de agosto de 2015 • 7:30 p.m.Cali, Centro Cultural Comfandi

Sábado 29 de agosto de 2015 • 6:00 p.m.

Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Este concierto cuenta con el apoyo de

Foto

: Jea

n-Ba

ptis

te M

illot

WWW.BANREPCULTURAL.ORG/MUSICA2015

Recorridos por la música de cámara CUARTETO CARDUCCI, cuarteto de cuerdas (Reino Unido)

El Cuarteto Carducci presenta en Colombia los quince cuartetos de Dimitri Shostakovich, un compositor emblemático de la Unión Soviética de quien en 2015 se conmemoran cuarenta años de fallecimiento. El ciclo de cuatro conciertos con los quince cuartetos será presentado en su totalidad en Neiva, una ciudad que en los últimos dos años ha demostrado tener un inmenso interés por las actividades culturales del Banco de la República. El público bogotano podrá escuchar dos conciertos con diferentes cuartetos del compositor ruso, uno en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y otro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango.

Shostakovich: ¿una voz disidente en la Unión Soviética?Ciclo de conferencias di-sentirSábado 22 de Agosto de 2015, 10:00 amEntrada libre

La Biblioteca Luis Ángel Arango presentará una conferencia de la musicóloga Laurel E. Fay, especialista en música rusa y soviética y autora de Shostakovich: A Life (Oxford University Press, 1999) y editora de Shostakovich and His World (Princeton Universit Press, 2004).

Miércoles 19 de agosto de 2015 • 7:00 p.m.Jueves 20 de agosto de 2015 • 7:00 p.mViernes 21 de agosto de 2015 • 7:00 p.m.

Sábado 22 de agosto de 2015 • 10:00 a.m.NEIVA, Auditorio Banco de la República

Domingo 23 de Agosto de 2015 • 11:00 amBOGOTÁ, Biblioteca Luis Ángel Arango, Sala de Conciertos

WWW.BANREPCULTURAL.ORG/MUSICA2015