t6 el arte del renacimiento (2ª parte)

El arte del Renacimiento (2ª parte)

3.3. PINTURA

EL QUATTROCENTO

- Las bases de la pintura renacentista surgieron en Florencia durante la primera mitad del siglo XV.

- En esas primeras décadas convivieron artistas con una fuerte herencia gótica y artistas que se apartaban de aquellos principios.

- La pintura del Quattrocento continuó siendo en buena parte de carácter religioso.

- Pero también se introdujeron nuevos temas: a destacar la mitología clásica y relacionada con ella la representación del desnudo humano (recordar el antropocentrismo y la importancia del cuerpo humano).

- Durante la primera mitad del siglo XV el soporte más utilizado siguió siendo la pintura sobre tabla (igual que el Gótico).

- En cuanto a las técnicas, las más utilizadas fueron la pintura al temple (el aglutinador de los colores era la clara de huevo) y la pintura al fresco para la decoración mural (el aglutinador de los colores era el agua).

- El principal cambio que supuso la pintura del Quattrocento fue la perspectiva lineal: revolucionó el concepto de la pintura al permitir la representación en una superficie plana de la apariencia de la profundidad, es decir, la representación de las tres dimensiones donde sólo hay dos.

- La perspectiva lineal consistía en plantear en la pintura una serie de líneas de fuga que convergían en un único punto de fuga.

- Esas líneas formaban una pirámide imaginaria que se podía cortar en planos: los objetos representados reducían su tamaño al acercarse al vértice de la pirámide, de manera que las figuras más cercanas quedaban más grandes que las más alejadas, dando la sensación de profundidad.

- Además, los pintores de la primera mitad del siglo también hicieron importantes avances en la utilización de la luz: consiguieron mostrar el volumen de los objetos o seres representados.

- De esta primera época, destacaron pintores como:

® FRA ANGÉLICO: unió la linealidad y la dulzura y elegancia de la pintura del Gótico internacional con el modelado, los espacios arquitectónicos y el uso de la perspectiva.

® PAOLO UCELLO: centró sus obras en la búsqueda de la perspectiva lineal, dando especial atención a los escorzos.

® MASACCIO: fue el primer gran pintor renacentista. Su preocupación por la perspectiva lineal (sirviéndose de los paisajes o de las arquitecturas) fue unida al papel fundamental de la luz para configurar y determinar los volúmenes.

La Anunciación.

- Hacia 1426.

- FRA ANGÉLICO.

- Temple sobre tabla.

- La minuciosidad y la importancia de la línea muestran aún la influencia gótica.

- El color, la luz y la utilización de la arquitectura para dar perspectiva ya son renacentistas.

- Museo del Prado (Madrid).

La Anunciación.

- 1437 – 1446.

- FRA ANGÉLICO.

- Pintura mural al fresco.

- Colores dorados de influencia gótica.

- Arquitecturas que buscan la perspectiva.

- En el Convento de San Marcos (Florencia).

La huida de Egipto.

- Hacia 1450.

- FRA ANGÉLICO.

La batalla de San Romano.

- Entre 1438 y 1455.

- PAULO UCELLO.

- Tríptico.


- Los colores y el detallismo son de influencia gótica.

- La perspectiva se consigue las lanzas y los escorzos.

- Imagen superior en el Louvre de París.

- Imagen inferior en el National Gallery (Londres).

MASACCIO

MASACCIO

- Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai, llamado MASACCIO, nació en Castel San Giovanni en 1401 y murió en Roma en 1428.

- A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura.

- Generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, aplicada por Brunelleschi.

- Entre 1417 y 1421 se trasladó a vivir a Florencia y allí realizó sus dos obras más importantes:

® la decoración de la Capilla Brancacci, de la que destacan las obras “La expulsión de Adán y Eva del Paraíso” y “El pago del tributo”,

® la Trinidad (en la iglesia de Santa María Novella).

La expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

- 1425 – 1428.


- El tratamiento de los desnudos remite a modelos de la Antigüedad.

- El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán.

El pago del tributo.

- 1424 – 1427.


- Representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos.

- La arquitectura y el paisaje dan perspectiva a la obra.

- La luz da volumen a los cuerpos.

La Trinidad.

- 1427.


- La bóveda de cañón cubierta con casetones da profundidad a la obra.

- Perspectiva matemática.

- Simetría.

- Composición piramidal (el vértice, la cabeza de Dios y la a los lados de la base, los donantes).

- Completan la escena la Virgen y San Juan.

- La tumba también está pintada.

- Durante la segunda mitad del siglo XV, Florencia siguió siendo el centro cultural más importante, pero ya aparecieron otras escuelas pictóricas: en Perugia, en Padua, en Venecia,…

- Los cambios más significativos en la pintura a partir de mitad de siglo XV se produjeron en relación a:

® la introducción de la técnica al óleo (procedente de la escuela flamenca).

® un mayor uso de elementos de carácter anecdótico.

- La temática (religiosa y mitológica), la importancia del cuerpo humano (los desnudos) y sobre todo, la preocupación por la perspectiva y la luz continuaron igual que en las décadas anteriores.

- Respecto a los pintores más destacados de la segunda mitad del siglo XV podemos citar a:

® PIERO DELLA FRANCESCA: también sus obras mostraron la preocupación por la perspectiva y por los análisis de la luz.

® PIETRO PERUGINO: sus pinturas se caracterizaron por la claridad compositiva, la ordenación espacial y la preocupación por la perspectiva lineal.

® ANTONELLO DA MESSINA: fue el que introdujo la técnica al óleo en la escuela veneciana.

® ANDREA MANTEGNA: su pintura mostró los principios de la perspectiva lineal, pero también se preocupó de la representación del volumen de los cuerpos, la experimentación con los escorzos o con las perspectivas de carácter ilusionista.

® SANDRO BOTICELLI: considerado el pintor por excelencia del Quattrocento.

El sueño de Constantino.

- 1466.

- PIERO DELLA FRANCESCA.


- Destaca el tratamiento de la luz, el volumen de los cuerpos y el estudio de la perspectiva.

- Basílica de San Francisco de Arezzo.

La Sacra Conversación.

- 1472.

- PIERO DELLA FRANCESCA.

- Pintura al óleo sobre tabla.

- La figura arrodillada es la del donante: Federico de Montefeltro.

- Estudio de la perspectiva lineal.

- Pinacoteca de Brera (Milán).

Entrega de las llaves a San Pedro.

- 1481 – 1482. - PIETRO PERUGINO. - Pintura al óleo sobre tabla.

- Simetría. - Estudio de la perspectiva. - En la Capilla Sixtina (Vaticano). lineal.

Los desposorios de la Virgen.

- 1501 – 1504.

- PIETRO PERUGINO.


- Simetría.

- Claridad compositiva.

- Ordenación espacial.


- Actualmente en el Museo de Caen (Francia).

El combate entre el Amor y la Castidad.

- 1503.

- PIETRO PERUGINO.


- Escena de carácter mitológica.

- Ordenación espacial.


- Museo del Louvre (París).

Cristo muerto sostenido por ángel.

- 1475.

- ANTONELLO DA MESSINA.

- Óleo y temple sobre tabla.

- Obra llena de luminosidad.

- El dramatismo del primer plano contrasta con la tranquilidad del paisaje.

- Cuerpo proporcionado siguiendo modelos clásicos.

- Museo del Prado (Madrid).

El tránsito o muerte de la Virgen.

- 1461.

- ANDREA MANTEGNA.

- Técnica al óleo y al temple.

- Estudio de la perspectiva.

- Predominio de colores fríos.

- Arquitecturas clásicas.

La cámara de los esposos.

- 1465 – 1474.

- ANDREA MANTEGNA.


- Perspectiva ficticia.

- Destacan los escorzos de los ángeles.

- En el Palacio Ducal de Mantua.

Cristo muerto.

- A finales de la década 1490.

- ANDREA MANTEGNA.

- Técnica al óleo sobre tela.

- Es uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura.

- Predominio de colores fríos.

- El contraste de luces y sombras transmite un profundo sufrimiento y desolación.

- Pinacoteca de Brera (Milán).

San Sebastián.

- 1456 – 1459; 1480; 1490.

- En Viena, el Louvre y en Venecia.

- Temple sobre tabla; temple sobre lienzo; temple sobre tabla.

- ANDREA MANTEGNA.

- Claridad de las superficies.

- Detalle de las arquitecturas.

- Elegancia en la postura del mártir.

- Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado SANDRO BOTTICELLI, nació y murió en Florencia (1445 – 1510).

- Fue el pintor más destacado de la segunda mitad del siglo XV, de hecho, es considerado el pintor más importante del Quattrocento italiano.

- Recibió una educación más completa que el resto de pintores de su época.

- Aprendió en el taller de Filippo Lippi y fue discípulo de Verrocchio.

- En toda su obra mostró un gran dominio del dibujo y de la composición.

- Su estilo lírico se caracterizó por la esbeltez de sus figuras y por las posturas curvadas.

- Trató tanto el tema religioso como el mitológico, donde se mostró como un gran conocedor del mundo clásico.

- El retrato también fue una de sus temáticas habituales.

- Muchas de sus obras fueron de temática religiosa, especialmente las primeras que realizó.

Virgen con el Niño y ángel.

- 1465.


- Influencia de su maestro Lippi.

- Virgen seria, abstraída (la relación con el niño es más intelectual que sentimental).

- Contornos claros, minimizando los contrastes de luz.

- Figuras resaltan sobre el fondo.

La Virgen de la galería.

- 1467.

- Pintura al temple sobre tabla.

- Influencia del maestro Verrocchio.

- Seriedad de la Virgen.

- Obra con menos claridad, con contornos no tan remarcados.

- Galería de los Uffizi (Florencia).

La Virgen con dos ángeles.

- 1468.


- Más influencia de Lippi: más luminosidad.

- Sigue su modelo de Virgen abstraída.

- Museo Capodimonte (Nápoles).

Virgen del rosal.

- 1469.


- Mismo modelo de Virgen.

- Las columnas, el arco, la bóveda y el suelo contribuyen a la profundidad.

- Galería de los Ufizzi (Florencia).

Virgen del libro.

- 1480 – 1481.



- Belleza de los rasgos.

- Contornos claros.

- El dibujo hace resaltar las figuras.

- Museo Poldi Pozzoli (Milán).

Virgen del Magnificat.

- 1481.



- Jerarquización de la Virgen y el Niño.

- Colores claros, luminosos.

- Contornos suaves.

- La granada de la mano es el símbolo de la resurrección.

- Se refleja la belleza adolescente.

- Galería de los Ufizzi (Florencia).

La adoración de los magos.

- 1475.


- Composición muy estudiada (la Virgen y el Niño marcan el centro y luego se representan dos partes iguales).

- Enmarcado en un escenario inventado (ruinas).

- Botticelli rompe por primera vez con la perspectiva lineal

- Los personajes son retratos de la familia Médicis (el personaje de la túnica naranja, el que está más a la derecha, es el propio Botticelli).

Las prueba sde Moisés.

- 1481 – 1482. - Pintura al fresco. -Se representan varias escenas.

- Composición compleja. - El personaje con la túnica - Capilla Sixtina. verde es Moisés.

Castigo de los rebeldes.


- Composición compleja. - . Muestra poder de los - Capilla Sixtina. Papas y el castigo a la desobediencia.

La tentación de Cristo.


- Composición compleja. - . La mayor parte de los - Capilla Sixtina. personajes son retratos.

- Otro tema muy tratado por Botticelli fue el retrato (ya hemos visto en algunas de las obras anteriores, que también los utilizó en obras de temática religiosa).

Retrato de un joven.

- 1470.


- El dibujo resalta la figura del fondo.

- Posición de tres cuartos (había sido una innovación flamenca).

- En el palacio Pitti (Florencia).

Retrato de un joven con la medalla de Cosme el Viejo.

- 1475.


- La línea resalta la figura del personaje.

- Paisaje de influencia flamenca.


Retrato de Giuliano Médicis.

- 1478.



- Hay 4 versiones.

Retrato de una joven.

- 1480 – 1485.



- En el Museo de Frankfurt (Alemania).

Retrato de un joven.

- Hacia 1483.



- Se prescinde del fondo (todo se concentra en el personaje retratado).

- Único retrato de Botticelli “de frente”.

- National Gallery (Londres).

- Pero fue en la temática mitológica donde Botticelli realizó sus obras más conocidas.

La Fortaleza.

- 1870.


- A través de la línea consigue el volumen, casi escultórico.

- Representa a una Virtud.

- Innovador en su representación iconográfica (normalmente representada con espada, escudo y casco).


La Primavera.

- Hacia 1478.


- La composición, muy estudiada, muestra una distribución simétrica, con una figura central (VENUS; diosa del amor, de la belleza y de la fertilidad) que marca el eje y divide la escena en dos mitades.

- Figuras alargadas, estilizadas, muy idealizadas, rostros delicados (mismo ideal de belleza femenina que en obras anteriores).

- Unas líneas muy marcadas definen los perfiles de las figuras, cuyos colores claros les hacen destacar sobre el fondo oscuro.

- La palidez de los colores permite observar la anatomía de los cuerpos (recuerda a los “paños mojados” de Fidias).

- Los personajes están envueltos en un paisaje arbolado (naranjos = asociados a la familia Médicis); el suelo de hierba llena de flores típicas de la Toscana.

- En la Galería de los Uffizi (Florencia).

- Venus divide la composición en dos: a nuestra izquierda, aparecen Mercurio y las tres Gracias (diosas del hechizo, la alegría y la belleza)

- A nuestra derecha, se representan dos escenas: la persecución de la ninfa CLORIS por parte de CÉFIRO (dios del Viento) y su posterior conversión en FLORA.

El nacimiento de Venus.

- 1484.

- Pintura al temple sobre lienzo.

- Al igual que en la anterior obra, la composición muestra una distribución simétrica, con una figura central (VENUS; diosa del amor, de la belleza y de la fertilidad) que marca el eje y divide la escena en dos mitades.

- Figuras alargadas, estilizadas, muy idealizadas, rostros delicados (mismo ideal de belleza femenina que en obras anteriores).

- Botticelli recupera el desnudo femenino, considerado pecaminoso en la época medieval: es tratado con gran delicadeza.

- Unas líneas muy marcadas definen los perfiles de las figuras.

- Más que el nacimiento, la escena muestra la llegada de la diosa, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican (¿Chipre?).

- Venus es empujada por el soplo de dioses alados.

- En la orilla le espera la ninfa Primavera con un manto para cubrir a la diosa.


La Calumnia.

- 1495.

- Pintura la temple sobre tabla.

- La composición incluye diez figuras:

® a la derecha del espectador, el rey Midas, el Juez malo, es entronizado entre la Sospecha y la Ignorancia, representadas como mujeres de rostros crispados que están susurrándole malos consejos a sus orejas de asno.

® Ante este Juez se encuentra una figura masculina, con hábito de monje, en quien se cree ver representado el Rencor (o la Envidia o la Ira) que conduce a una joven (la Calumnia) a la que están adornando los cabellos la Envidia y el Fraude.

® La Calumnia, indiferente a cuanto sucede, arrastra a la víctima, un hombre prácticamente desnudo que junta las manos en ademán de pedir clemencia.

® A la izquierda está la Penitencia, vestida de negro con ropa pesada y andrajosa, que se vuelve hacia la figura que está desnuda detrás de ella.

® Este último personaje es la Verdad desnuda que resplandece, señalando al cielo con el dedo.


- Pintado en la época de predicación de Savonarola en Florencia, también se ha interpretado como una defensa de éste por parte de Botticelli frente a los ataques que se consideraban calumnioso del papa Alejandro VI.

EL CINQUECENTO

- En las primeras décadas del siglo XVI, el centro cultural se fue trasladando desde Florencia hasta Roma y, en menor medida, Venecia.

- El carácter humanista y neoplatónico continuó favoreciendo la representación del desnudo, buscando en él la monumentalidad y la belleza ideal.

- Los escenarios dejaron de ser ambientes donde se aplicaban las leyes de la perspectiva, para convertirse en espacios que realzaban la monumentalidad de las figuras, situadas en primer plano.

- En los escenarios se fue prescindiendo de lo accesorio, lo anecdótico.

- Una de las principales aportaciones del Cinquecento fueron los avances en el tratamiento de la luz y con ella, de las sombras: frente a los escenarios luminosos del siglo anterior, las sombras hicieron su aparición en la pintura del Cinquecento, modelando la forma de las figuras y resaltando su monumentalidad.

- Las composiciones, en general, serán claras: los personajes se relacionarán con la mirada y los gestos.

- Otra gran aportación a la pintura en esta época fue la introducción de la perspectiva aérea: se simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos.

- A partir de ahora, los objetos más alejados no sólo reducirán su tamaño, sino que también reducirán su nitidez, actuando como lo hace el propio ojo humano.

- En cuanto a la temática, continuaron siendo los mismos que en la época anterior (temas religiosos, temas mitológicos y retratos), aunque con una creciente importancia, de nuevo, de la temática religiosa.

- A partir de la tercera década del siglo XVI, se fue tendiendo a buscar un mayor movimiento y a una mayor fuerza expresiva, elementos que acabarían imponiéndose en el Manierismo.

- Tres son los grandes artistas del Cinquecento: LEONARDO DA VINCI, RAFAEL SANZIO y MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI.

LEONARDO DA VINCI

- Nació en Vinci en 1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519.

- Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.

- Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva.

- Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.

- Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil.

- Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época.

- Únicamente se conocen alrededor de 20 obras suyas, debido principalmente a sus constantes, y a veces desastrosos, experimentos con nuevas técnicas.

- Aunque no dejó muchas obras, su aportación a la historia de la pintura fue trascendental: introdujo el “SFUMATO”, por el que los contornos nítidos del Quattrocento quedaban difuminados, logrando un mayor naturalismo y dando paso a la perspectiva aérea.

- Sus obras más importantes se realizaron en el siglo XV, pero sus aportaciones pictóricas y el cambio que supuso respecto a la pintura del Quattrocento hace que se le incluya como un pintor del Cinquecento.

- En sus inicios se formó en el taller de Verrocchio en Florencia (igual que Botticelli).

- En sus primeras obras ya aparecían las maneras dulces y la profunda vida interior de sus figuras, el análisis de la naturaleza y el interés por la perspectiva.

- En la década de 1480 se trasladó a Milán para diseñar máquinas de guerra y obras de ingeniería para los Sforza.

- En esa estancia en Milán realizó dos de sus obras más conocidas: “La Virgen de las Rocas” y “La Última Cena”.

- En su regreso a Florencia a finales del siglo, empezó su obra más famosa: “La Gioconda” (la estaría retocando hasta el final de su vida).

- A lo largo de su vida realizó varios retratos, en los cuales se centró en el personaje, prescindiendo muchas veces de todo paisaje (fondos oscuros).

La Anunciación.

- 1472 – 1475.



La Virgen de las rocas.

- 1483 – 1486.

- Inicialmente pintura al óleo sobre tabla; en la actualidad transferida a lienzo.

- Composición triangular.

- La Virgen sostiene con el brazo a San Juanito, el niño Jesús está al lado del ángel Uriel (señala a San Juan Bautista niño, mientras mira al espectador).

- Museo del Louvre.

La Virgen de las rocas.

- En la década de1490.



- Más luminosa que la original.

- La Virgen sostiene con el brazo a San Juanito (ahora con la cruz; el niño Jesús está al lado del ángel Uriel (ya no señala a San Juan Bautista niño).


Retrato de un músico.

- 1485.


- Pinacoteca Ambrosiana (Milán).

La dama del armiño.

- 1488 – 1490.


- Museo de Cracovia (Polonia).

La Última Cena.

- Entre 1495 y 1498.

- No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.

- En el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie (Milán).

La Gioconda o Mona Lisa.

- Iniciada en 1503.


- Se considera el mejor logro de la técnica del “Sfumato”.

- Museo del Louvre.

Santa Ana con la Virgen y el Niño.

- 1510 – 1513.



- Museo del Louvre.

San Juan Bautista.

- 1508 – 1513.


- Museo del Louvre.

RAFAEL SANZIO

- Rafael nació en Urbino en 1483 y murió en Roma en 1520.

- Es reconocido como el pintor que mejor representó el clasicismo y el que consiguió en sus obras la anhelada asimilación del mundo pagano con el cristianismo.

- Se formó con Perugino, como se observa en una de sus obras iniciales, del mismo nombre que la de su maestro:

Los desposorios de la Virgen. - 1504.

- En la Pinacoteca de Brera (Milán).

- En 1504 se trasladó a Florencia, donde inició sus series de Madonas y de Sagradas Familias.

Madona del gran duque.

- 1505.


- Retrato influido por Leonardo (en el fondo, en la utilización de la técnica del “sfumato”).

- En el palacio Pitti (Florencia).

Madona del prado.

- 1505 – 1506.

- Pintura al temple y al óleo sobre tabla.


- Museo de Viena.

La bella jardinera.

- 1507.



- Museo del Louvre.

La Virgen del Jilguero.

- 1507.




Sagrada Familia Canigiani.

- 1507 – 1508.



- Museo de Munich.

- En 1508 se trasladó a Roma, llamado por el papa Julio II para participar en la decoración del Vaticano.

- La influencia de Miguel Ángel le llevó a realizar figuras y composiciones más monumentales y grandiosas.

La disputa del Sacramento.

- 1508 – 1509.


- En la parte superior, la “Iglesia triunfante” (Dios, apóstoles, santos,…).

- En la parte inferior, la “Iglesia militante” (Papas, teólogos,…).

- En el Vaticano.

La Escuela de Atenas.

- 1512 – 1514.


- La escena narra una sesión entre los filósofos clásicos.

- En el centro, Platón (retrato de Leonardo) y Aristóteles

- Los personajes representan filósofos clásicos, pero son retratos de personajes de su época.

- En el Vaticano.

Batalla de Constantino contra Majencio.

- 1520.

- El estilo de Rafael, por influencia de Miguel Ángel, ya se acerca más al movimiento, la tensión y la torsión que caracterizarán el Manierismo.

- En el Vaticano.

MIGUEL ÁNGEL

- Miguel Ángel Buonarroti nació en Caprese en 1475 y murió en Roma en 1564.

- Él se sentía sobre todo un escultor, de hecho sus obras pictóricas también destacaron su preferencia por la escultura.

- Dio gran importancia al dibujo y utilizó el color como auxiliar con el fin de dar volumen a los cuerpos.

- Éstos tomaron la apariencia de esculturas, especialmente los desnudos, como se observa en todas sus obras, y especialmente en los frescos de la Capilla Sixtina.

El Tondo Doni.

- 1503 – 1504.


- Se representa a la Sagrada Familia en compañía de san Juan Bautista.

- Al fondo una serie de efebos desnudos (los IGNUDI).

- No parece haber razón alguna para pintarlos allí, en medio de escenas bíblicas de profundo significado.

- Se ha interpretado como un homenaje al desnudo de la época clásica.

- El Papa Julio II le encargó la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina a principios del siglo XVI.

- Miguel Ángel se ocupó de este proyecto entre 1508 y 1512.

- La concepción escultórica guió la pintura de Miguel Ángel, como se aprecia en la rotundidad de los torsos y las contorsiones de los cuerpos.

- Para conseguir que cada figura tuviera una postura diferente a las demás, el artista realizó innumerables estudios y esbozos previos.

- Los cuerpos desnudos y la extrema naturalidad de los gestos revelan su profundo conocimiento de la anatomía humana.

- Miguel Ángel simuló diez arcos fajones con la intención de dividir la gran bóveda de cañón en nueve tramos sucesivos.

- Dos falsas cornisas parten los tramos en tres registros.

- Los rectángulos resultantes en el registro central son de dos tamaños diferentes y narran nueve historias del Antiguo Testamento:

® la separación de la luz y las tinieblas.

® la creación de los astros.

® la separación de tierras y aguas.

® la creación de Adán.

® la creación de Eva.

® el pecado original y la expulsión del Paraíso.

® el sacrificio de Noé.

® el diluvio universal.

® la embriaguez de Noé.

- En las esquinas de los recuadros menores de la parte central están sentados los IGNUDI, adolescentes desnudos que sostienen medallones de bronce con escenas del Antiguo Testamento.

- En los lunetos y en los tímpanos de los registros laterales se encuentran los antepasados de Jesús.

- Entre los tímpanos se alternan cinco sibilas y los siete profetas.

- Miguel Ángel puede ser considerado el maestro del dibujo, con sus figuras bien torneadas, musculosas, expresivas y de carnes vibrantes y llenas de vida.

- Supo incorporar el espíritu de la Antigüedad clásica a los temas bíblicos cristianos, proponiendo un escenario dramático muy alejado del equilibrio y optimismo del primer Renacimiento.

La creación de los astros (detalle).

La creación de Adán.

Pecado original y expulsión del Paraíso.

El diluvio universal.

La embriaguez de Noé.

- Años más tarde, el Papa Clemente VII le encargó en la misma capilla el fresco para el muro de la cabecera con el tema del Juicio Final.

- Miguel Ángel realizó esta obra entre el 1536 y el 1541.

- El Juicio Final de la Capilla Sixtina refleja la transformación espiritual del artista y el cambio hacia una estética cada vez más manierista.

- En esta obra todo es un torbellino de movimientos ascendentes y descendentes relacionados con la tensión provocada por el fin del mundo: a la derecha de Cristo, los justos ascienden al cielo, y a su izquierda, los condenados caen al infierno.

- Los desnudos, con su gran tensión muscular aumentan el dramatismo de la escena.

- Con esos desnudos se observa la clara influencia de la iconografía clásica.

- Pero como también daban un aspecto paganizante, al cabo de unos años se ordenó a un discípulo de Miguel Ángel que repintara algunas figuras para cubrirlas con vestiduras.

- En la iconografía, siguió el tema principal de los tímpanos románicos y góticos: la imagen de Cristo como Juez Universal.

- Pero también introdujo personajes más propios de la mitología clásica que de la tradición cristiana: por ejemplo la figura de Caronte, que en la mitología clásica era el encargado de cruzar las almas de los difuntos del mundo de los vivos al de los muertos a través del río Estigia.

- En Venecia, paralelamente a la ciudad de Roma, también se desarrolló un importante foco pictórico en la llamada Escuela Veneciana.

- Este escuela es la que introdujo la técnica del óleo sobre lienzo que acabó imponiéndose en la pintura posterior.

- En general, esta escuela pictórica se caracterizó por:

® el predominio del color sobre la línea (especialmente tonalidades cálidas).

® la plasmación de un mundo alegre enmarcado en escenarios lujosos (fue una pintura refinada, elegante, que exaltó la riqueza por medio de la representación de ambientes de palacio, las telas, las joyas,…).

® la contemplación poética del paisaje, que se llenó de luces, colores y mostró una atmósfera luminosa.

® una pincelada suelta.

® la importancia de los temas secundarios: al contrario que los maestros romanos, los venecianos le dieron tanta importancia al detalle, a lo anecdótico, como al tema principal.

® la introducción de un tipo de desnudo femenino delicado y sensual.

® la introducción de temas que acabarían teniendo una gran relevancia posterior, como por ejemplo las venus dormidas.

- De esta escuela cabe citar a autores como:

® Giorgione

® Veronés.

® TIZIANO.

® Tintoretto.

La tempestad.

- 1508.

- GIORGIONE.

- Óleo sobre lienzo.

- El color está aplicado directamente, sin bocetos previos (da más frescura y espontaneidad).

- Paisaje lleno de color y luminosidad.

- No está clara la temática.

- Lo importante es el paisaje.

- Galería de la Academia (Venecia).

Concierto campestre.

- 1509. - GIORGIONE. - Óleo sobre lienzo.

- Figuras desnudas de - Paisaje lleno de color. - Museo del Louvre. apariencia clásica junto a músicos vestidos según la época.

La Venus dormida.

- 1510. - GIORGIONE. - Óleo sobre lienzo.

- Se mezcla el - Paisaje lleno de color. - Museo de Dresde. desnudo sensual femenino con la realización de un paisaje.

Las bodas de Caná.

- 1563. - VERONÉS. - Óleo sobre lienzo.

- Temática religiosa - Gusto por la anécdota. - Museo del Louvre tratada como escena costumbrista.

Comida en casa de Simón fariseo.


- Temática religiosa - Gusto por la anécdota. - Palacio de Versalles. tratada como escena costumbrista.

Venus y Adonis.


- Se mezcla el desnudo sensual femenino con la realización de un paisaje.

- Paisaje lleno de color.

- Museo del Prado.

Moisés salvado de las aguas.

- 1580.

- VERONÉS.


- Pincelada suelta.

- Tema religioso tratado como una escena de la época.

- Museo del Prado.

- TIZIANO abandonó el dibujo y la pincelada detallista para utilizar una pincelada totalmente suelta, de marcada modernidad, en la que llegó a sustituir los pinceles por los dedos.

- Con él, el dibujo perdió importancia frente al color: el color pasó a ser el que delimita los contornos de las figuras.

- Su gran producción de obras puede agruparse en tres géneros fundamentales:

® las obras de carácter religioso .

® los retratos: junto a los rasgos físicos del retratado, supo captar su psicología, esto es, su carácter y su personalidad. Retrató a los grandes personajes de la época y creó un modelo de retrato a seguir por parte de los pintores posteriores.

® las obras de carácter mitológico: destacaron la belleza y la sensualidad de los desnudos femeninos bañados por una luz suave que modela los cuerpos.

Asunción de la Virgen.

- 1516 – 1518.



- Mundo terrenal enmarcado en un rectángulo; mundo celestial enmarcado en un semicírculo.

- Importancia del color y de las sombras.

- Retablo para la iglesia dei Frari (Venecia).

Anunciación.

- 1530.

- Pintura al óleo sobre lienzo.

- Importancia del color y de las sombras.

- Escuela de San Rocco (Venecia).

Entierro de Cristo.

- 1559. - Pintura al óleo sobre lienzo.

- Importancia del color y de las sombras. - Museo del Prado.

Salomé.

- 1511 – 1515.


- Galería Doria Pamphili (Roma).

La magdalena penitente.

- 1533.

- Óleo sobre tabla.

- Galería Palatina (Florencia).

Hombre de la manga azul.

- 1510.



Mujer ante el espejo.

- 1514.


- Museo del Louvre.

Flora.

- 1515 – 1520..



Carlos V con un perro.

- 1533.


- Museo del Prado.

Felipe II.

- 1550.


- Museo del Prado.

El emperador Carlos Va caballo en Mülhberg.

- 1548.


- Museo del Prado.

Francisco I.

- 1538 – 1539.


- Museo del Louvre.

El Papa Pablo III.

- 1543.


- Museo Nacional de Capodimonte (Nápoles).

Amor sagrado y amor profano.

- 1514.


- Galería Borghese (Roma).

La ofrenda de Venus.

- 1518 – 1520.


- Museo del Prado.

La Bacanal de los Andrios.

- 1523 – 1524.


- Museo del Prado.

Venus de Urbino.

- 1538.



Danae.

- 1553.


- Museo del Prado.

Diana y Calisto.

- 1556 – 1559.


- National Gallery (Edimburgo).

El lavatorio.

- 1548 – 1549.


- TINTORETTO.

- Museo del Prado.

La Última Cena.

- 1592 – 1594. - Óleo sobre lienzo.

- TINTORETTO. - Basílica de San Girogio Maggiore (Venecia).

EL MANIERISMO

- El Manierismo fue un momento de cambio y ruptura del lenguaje clásico.

- En pintura, el Manierismo se caracterizó por:

® La deformación de las figuras, que se estilizan y se retuercen en forma helicoidal (FORMA SERPENTINATA).

® La fantasía en el uso de la luz, tratada a veces de modo irreal.

® El abandono de la claridad compositiva, introduciendo elementos anecdóticos como si hubiera interés por rellenar todo el espacio.

® El refinamiento de los temas y del estilo, que limitó este movimiento a la sociedad culta. Por esta razón, aunque en un primer momento fue elegido para representar los ideales de la Contrarreforma, poco tiempo después fue abandonado para adoptar otros estilos que llegaran más directamente a todas las capas sociales (el Barroco).

- Algunos de los autores a destacar de este estilo de pintura son:

® Jacobo PONTORMO.

® PARMIGIANINO.

® CORREGIO.

El descendimiento de la Cruz.

- 1528.


- PONTORMO.

Cúpula de la Catedral de Parma.

- 1526 – 1530.


- CORREGGIO.

El rapto de Ganímedes.

- 1531 – 1532.


- CORREGGIO.

- Museo de Viena.

Madona del cuello largo.

- 1535.


- PARMIGIANINO.


Final 2ª parte

t6 el arte del renacimiento (2ª parte)

Education