síntesis del trabajo -...
TRANSCRIPT
Síntesis del trabajo:
En el ensayo se desarrolla el papel de la mujer en el mundo de la fotografía y
para ello se analizo los principios de la fotografía y como fue utilizada de
diferentes modos.
Se usaban para analizar aspectos que el ojo humano no podía percibir. Se
describió a la fotógrafa y científica Ana Atkins, primera mujer pionera de la
fotografía, quien la utilizo como medio de investigación.
Se explico cómo la fotografía paso a tener un aspecto artístico, gracias al
concepto de la mirada encantada, visto en clase, para hoy ser un arte conocido
y como las mujeres sin ningún prejuicio, son parte del mismo. También se
analizo mujeres que viven de este arte.
También se cito una entrevista por David Frankel, a la fotógrafa Cindy Sherman
en donde cuenta su estilo y sus pasos por las distintas épocas.
Ensayo crítico
Las mujeres fotografiadas
Fotografías y cuadros
Introducción :
En el ensayo me voy a abocar sobre las mujeres pioneras de la fotografía y
mujeres de nuestro siglo que asombran con su arte gracias a la visión y
sensibilidad subjetiva que tienen del mundo, propia de las mujeres que hoy
pueden expresarse.
En este ensayo voy a desarrollar dos ejes: el primero basado en los principios
históricos de la fotografía y las fotografías como investigación, siendo las
mujeres parte de estos inicios. El segundo eje analizara la influencia de las
mujeres en la fotografía de hoy en día y la huella que dejaron, nombrando a la
fotógrafa y directora de cine Cynthia "Cindy" Morris Sherman, la americana
Helen Levitt y la fotógrafa Julia Margaret Cameron.
Desarrollo :
Antiguamente la mujer comenzó a tener protagonismo en el arte y paso a ser
una inspiración en las obras de los artistas. Pero en ese entonces no existía la
fotografía, entonces se utilizaba el autorretrato, es decir mediante el
mecenazgo, medio por el cual se le pagaba al artista para que pinte a la
persona, mujeres o familias importantes, como el matrimonio Arnolfini, pintado
por el artista Jan Van Eyck, se autorretrataban para así tener trascendencia. En
este cuadro llama la atención el realismo óptico basado en la captación de la
luz y la perspectiva, la quietud y el orgullo por el bienestar material logrado y
por las pequeñas posesiones
”El matrimonio Arnolfini”, Jan Van Eyck, 1434. Óleo sobre
tabla, Renacentista, 82cm x 60cm
Luego con el impresionismo, movimiento plástico desarrollado a partir de la
segunda mitad del siglo XIX en Europa, caracterizado por el intento de plasmar
la luz y el instante, es decir el pintor retrataba lo que veía en ese momento con
pequeñas pinceladas. Artistas destacados como Claude Monet, quien pinto
“Sol naciente”, Millet quien realizo “Les Glaneuses”, y Camille Corot con su
autorretrato, utilizaban el impresionismo como una critica a la sociedad, ya que
en ese entonces la gente de clase baja era despojada hacia el campo y eran
marginados socialmente, haciendo trabajar duro no solo a mujeres y hombres,
sino también a niños.
A partir de 1839, comienza la historia de la fotografía con la divulgación
mundial del primer procedimiento fotográfico: el “daguerrotipo” distinguido de
otros procedimientos porque la imagen se forma sobre una superficie de plata
pulida como un espejo para economizar, las placas eran de cobre plateado, ya
que solo era necesario disponer de una cara plateada.
Como antecedente de la fotografía, se encuentra la cámara oscura y las
investigaciones sobre las sustancias fotosensibles.
Durante varios años desde los inicios de la fotografía, este movimiento le cerro
las puertas a las mujeres, aunque muchas de ellas trabajaban junto a sus
maridos o padres, pasando ellos a la historia de la fotografía y ellas figuraban
simplemente como esposas o hijas, sin ser mencionadas por su aporte o labor.
-La fotografía desde sus inicios hasta 1950
1. Los primeros conceptos de la fotografía
En sus comienzos la fotografía se la utilizaba como medio de investigación y
permitía capturar momentos, movimientos en imágenes, el poder observar
cosas que con la percepción del ojo humano no logramos ver.
Se lograba investigar cosas que anteriormente sin la fotografía no hubiese sido
posible, como el cuerpo humano, su comportamiento y sus movimientos.
Más adelante se comenzó a observar el concepto de la “Mirada encantada”,
que corresponde a lo emocional y fantasioso de la fotografía en donde se
combinan secuencias de imágenes con música para disfrutar de un cuento de
algo irreal que te hace soñar e ir más allá, porque la fotografía nos permite
representar lo impalpable y lo fugitivo con ansia de asombrar, encantar y
estimularnos.
2. Las mujeres de la fotografía y sus trabas
La primera mujer fotógrafa fue Anna Atkins (1799-1871), estudiante de
botanologia en un período en el que el acceso a la ciencia para las mujeres era
casi imposible. Fue la primera en publicar un trabajo científico utilizando
métodos fotográficos. Su padre era amigo de John Herschel (1792-1871), quien
acuñó por primera vez el término fotografía e invento la cianotipia. En 1843,
Anna Atkins publica la primera obra fotográfica conocida como British Algae:
Impresiones de Cyanotipia y hoy en día muchas personas reconocen y
recuerdan sus fotografías.
Gerda Taro (1910-1937) fotógrafa Alemana, exiliada en Paris donde conoce a
Robert Capa, Taro consigue trabajo en la agencia Alliance Photo y comenzó a
vender sus imágenes. Al viajar a España en 1936 junto a Robert Capa, su
socio profesional y esposo, para documentar la guerra civil, se convierte en una
fotógrafa de guerra y se la considera la primera mujer fotoperiodista.
Luego de su trágica muerte, Capa publica un libro dedicado a Taro, con
fotografías de ambos, en donde no esta constatada su autoría.
Julia Margaret Cameron (1815- 1879) considerada como una excéntrica de la
fotografía, nacida en Calcuta, India. A los 21 años conoció a Sir John Herschel,
asesor fotográfico de Cameron. Implantó los términos “positivo, negativo y
fotografía” y autor del descubrimiento de las propiedades del tiosulfato de sodio
como fijador de las sales de plata. Sus comienzos en la fotografía se inician a
causa de un viaje que realiza su marido y así una de sus hijas le obsequia una
cámara para que pase sus ratos. Comenzó como un hobbie que poco a poco
creció hasta convertirse en un verdadero talento. Transformo una carbonera de
la casa en un laboratorio improvisado, se dedico a realizar fotografías, retratos
en su mayoría de familiares, amigos, hijos, etc... Obligándoles a posar largos
periodos de tiempo, ya que llevaba a cabo investigaciones con la luz y las
placas.
Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus
alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración
en sus colegas, recibiendo así grandes felicitaciones por sus interpretaciones.
.La fotografía actual
1. La fotografía utilizada como arte
Arte
El arte es comprendido como cualquier actividad realizada por el ser humano,
con una finalidad estética, a través del cual se expresan ideas, emociones o
una visión del mundo, utilizando diferentes recursos. El mismo se lo utiliza
también para reflejar los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de
ideas y valores.
El arte fue cambiando con la evolución del ser humano, adquiriendo así un
componente estético y una función social, pedagógica u ornamental.
En nuestra era las mujeres están muy presentes en la fotografía, realizando
trabajos en conjunto con los hombres, en donde cada uno aporta su
conocimiento. Hoy en día la fotografía se la considera como una actividad
artística y no una investigación.
A través de los problemas que se presentan hoy y siempre, como la pobreza,
la fotografía tomo un papel diferente, un papel que sirve para concientizar y
mostrar la realidad para que la misma conmueva y que se tome conciencia.
Uno vive en una sociedad en la cual hay una brecha social muy grande y
muchas veces los medios de comunicación no nos muestran la realidad de las
cosas, tomando así partido por diferentes grupos políticos y actuando cada uno
según sus convicciones.
Aquí es cuando la fotografía toma protagonismo y plasma a través de sus
imágenes, lo que nosotros no podemos ver. El fotoperiodismo, es un genero
del periodismo que se relaciona directamente con la fotografía, el diseño
grafico y el video. Los periodistas que se dedican a esto, se destacan como
reporteros gráficos y son fonógrafos versados en el arte. El desarrollo de este
tipo de fotografía puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la
fotografía y tiene una estrecha relaciona con la fotografiad artística. A raíz de
esta rama de la fotografía los reporteros hacen una crítica social tanto positiva
como negativa, según cual sea su objetivo y así la sociedad puede observar
cosas que sin este tipo de herramientas no las veríamos.
.
2. Mujeres que marcaron la historia
Aquí voy a nombrar a fotógrafas que tienen un arte distinto y con éxito en su
labor.
Comenzando con Annie Leibovitz, considerada como la fotógrafa mejor paga
del mundo, principal fotógrafa de la revista Rolling Stone y autora de la
inolvidable y famosa fotografía de John Lennon junto a Yoko Ono.
Conocida por las fotografías de celebridades y revistas de moda, pero no sólo
se desarrollo en ese campo, sino también que realizo fotografías de paisajes
para documentales. Desarrolla un estilo muy particular en donde a la fotografía
se la ve fantasiosa. Sus fotografías son como obras de arte que parecen
pintadas con un encanto particular, en donde se observan muchos detalles y
todo es interesante, desde el paisaje de fondo hasta la expresión de los rostros
de las personas, que en una simple imagen sentís que se cuenta una historia.
Otra fotógrafa que dejo su huella, fue Helen Levitt (1913-2009), fotógrafa
estadounidense destacada especialmente por la “fotografía de la calle” por
Nueva York. Criada en Brooklyn, NY, estudio fotografía mientras trabajaba para
un fotógrafo comercial. Daba clases de arte para niños y así comenzó a
interesarse por los dibujos de tiza que formaban parte de la cultura de la calle
de los niños de la época, en Nueva York. Gracias a su trabajo logro comprarse
una cámara y comenzó a fotografiar estas obras y a los niños que las
realizaron. Logro el éxito muy rápido y así en 1939 la nueva sección de
fotografía del museo de Arte Moderno de Nueva York incluyó el trabajo de
Levitt en su exposición. Hacia 1960 recibe subvenciones para tomar fotografías
en color en las calles de Nueva York, y así volvió a la fotografía fija y en 1965
logra publicar su primer gran colección “Una forma de ver”.
Por ultimo la fotógrafa y directora de cine Cindy Sherman, (1954). Conocida por
sus obras en las que realiza la descomposición de un objeto para luego desde
otro pensamiento volverlo a armar. Sherman se intereso por las artes visuales,
donde comenzó a pintar, frustrada al ver sus resultados abandono la forma y se
aboco a la fotografía.
“Pasajeros” es una serie de fotografías que muestran a la artista con una gran
variedad de personajes. Utiliza elaborados trajes y el maquillaje para
transformar su identidad en cada imagen, en cada trabajo ella es la vestuarista,
la directora, maquilladora y protagonista. Cuando comenzó involucrarse con los
primeros planos, necesitaba más información en la expresión, lo que ella decía
es que no podía depender del fondo o de la atmósfera, sino que la historia
venga de la cara, de la expresión.
En sus trabajos se revela con nombre y a veces sin nombre, a lo cual explico:
“siento que soy anónima en mi trabajo y que cuando miro las fotos que realice,
no me veo”.
Conclusión
En conclusión lo que puedo decir es que el camino que tuvieron que transitar
las fotógrafas para lograr ser reconocidas como tal y dejar una huella en la
historia, fue largo y arduo, pero más allá de eso se logro un resultado que
revolucionó la historia.
Las mujeres gracias a su capacidad de sensibilidad y creatividad, logran
conmover y concientizar a la sociedad.
Hoy en día la fotografía es un arte y las mujeres son protagonistas y partes del
mismo. Los hombres y las mujeres tenemos una forma de ser distintas, y eso
antiguamente estaba muy marcado, pero hoy en día cada uno puede
expresarse y mostrar su visión del mundo y de esta manera trabajar juntos abre
visiones mucho más amplias.
La gente cree que hoy en día sacar una simple foto con un teléfono celular o
una cámara digital es hacer arte, pero la fotografía va más allá de eso, tiene un
trasfondo y un estudio muy minucioso de cómo utilizar una cámara y como
hacer de una simple imagen una verdadera obra de arte. El arte de la fotografía
no son la cantidad de imágenes que tomamos, sino la calidad de las mismas y
como se logra transmitir sentimientos al espectador y que haya una lectura más
allá de lo que simplemente se ve, llegando así a cada persona de modo
diferente para que cada uno se sienta parte de esa obra. La mirada femenina lo
que logro a través de la fotografía fue mostrar un lado que antes no se llegaba
a ver, es decir la sensibilidad de las cosas, mostrar algo diferente y no lo que
se estaba observando en el arte, especialmente en la pintura.
Se plasman las cosas desde otro punto de vista, con respecto a la mirada que
tenían los hombres y lo que ellos mostraban, y por ello resulta atractivo e
interesante observar el trabajo que desarrollaron las fotógrafas nombradas y
las que existen y existieron a lo largo de la historia.
Entrevista a Cindy Sherman por David Frankel en 2003, para Art Forum:
Cindy Sherman por Annie Leibovitz.
Para mucha gente pareces cristalizar lo que de nuevo apareció en los ochenta. ¿Fue tu intención o
te sientes más cercana al arte de los setenta?
No pretendía proponer una alternativa. Nadie lo pretendía. Las expectativas eran bastante menores de las
que tienen hoy la gente que acaba de salir de las escuelas de arte. Quería hacer algo diferente; me
aburría lo que estaba ocurriendo en el arte, sobre todo en pintura, pero realmente no pensé que iba a
marcar una diferencia. Todos tendríamos que contentarnos simplemente con exponer en algún sitio. A
finales de los 70 y en los 80 era consciente de que el mundo de la pintura y la escultura nos miraban por
encima del hombro a los que usábamos la fotografía. Al mismo tiempo, me daba la impresión de que el
mundo de la fotografía miraba por encima del hombro a aquellos que tenían un pie en el mundo del arte.
Así que yo estaba fuera de ambos y consideraba mi trabajo arte pero no “gran” arte. Lo que estaba bien
porque no quería hacer nada demasiado valioso. No quería hacer “gran” arte, no me interesaba la pintura,
quería usar algo con lo que todo el mundo se pudiera sentir identificado sin entender de arte
contemporáneo. No pensaba en impresiones caras ni en una conservación de gran calidad; no quería que
el trabajo pareciera una mercancía (nadie lo compraba de todas formas). Sobre 1981, empecé a usar
color y las impresiones eran un poco más caras así que no podía seguir tan despreocupada. Pero la
cuestión seguía sin ser la calidad de la impresión, sino la idea.
Pero llegó el momento en el que tu carrera despegó.
Las cosas no empezaron hasta 1982, cuando estuve en Documenta, la Bienal de Venecia, y también en
la de Withney. Me pasaron un montón de cosas buenas al mismo tiempo. Realmente no empecé a ganar
dinero hasta 1990, más o menos, me mantenía pero no como los tíos de pintura, como yo los llamaba. En
realidad siempre me molestó, estábamos todos con la misma presión pero a ellos les iba viento en popa
con las ventas.
¿Sentías que pertenecíais al mismo mundo?
Conocía a esa gente pero tampoco demasiado bien. Conocía a Julian [Schabel] por lo menos. Creo que a
David Salle, lo conocí cuando estaba metida en Hallwalls, en Buffalo, y él estaba en Artist Space de
Nueva York. Luego, un puñado de nosotros, como Jack Goldstein, Troy Brauntuch, Douglas Crimp,
Nancy Dwyer… Vivíamos en el centro entre Fulton o Nassau (…)
¿Y con las artistas de los 60 y 70? ¿Manteníais amistad?
Me sentía más influenciada con esas mujeres. Jennifer Barnet, Lynda Benglis… Artistas que supusieron
un cambio por suponer una presencia femenina en el mundo del arte.
Influencia como presencia, imagino, pero tu trabajo es muy diferente del suyo. ¿Tuviste algún
precedente estético a seguir?
No seguía ninguna tradición. Quizás Diane Arbus, como mujer fotógrafa que creó un imaginario
perturbador, pero ella era realmente una fotógrafa tradicional. En realidad, respetaba artistas como
Eleanor Antin, que se usaba a sí misma en su trabajo, pero de algún modo me sentía lejos de ellas al
mismo tiempo. Así que no, exceptuando a Benglis y gente así que eran modelos a seguir.
Dices que no pensastes en ideas como el apropiacionismo hasta que leíste sobre ellas pero con
esa idea que la gente joven tiene sobre los ochenta -momento en el que se movía mucho dinero en
el mundo del artes, cuando los artistas eran ricos y famosos y salían mucho a comer fuera- la
década también produjo mucha teoría crítica. Tu propio trabajo generó una parte sustancial de
esos escritos. ¿No ejerció eso ninguna influencia sobre ti?
Había veces en las que leía algo y no entendía qué demonios significaba o de dónde sacaron esa idea,
también hubo veces en las que decía “Ah sí, es verdad” aunque no estuviese pensando en eso mientras
lo hacía. Trabajaba sin reflexionar mucho lo que hacía. La única crítica que me afectó fue cuando alguien
parecía querer adivinar lo siguiente iba a hacer: así que lo usaba para hacer algo distinto.
¿Qué pasa con esa otra cara de los ochenta, la parte glamorosa? ¿Cómo te relacionaste con ella?
Yo no solía ir a Mr. Chow; conocí a Andy Warhol pero no me cayó muy bien. Parecían unas fiestas
mucho más desfasadas de lo que son ahora, pero me sentía apartada. Estaba celosa de esos tíos que se
lo trabajaban, conseguían publicidad y se aprovechaban de eso, pero cuando tuve ese tipo de
oportunidad, la rechacé.
Has dicho “esos tíos” ¿crees que tenías que ser un tío para conseguir ese tipo de visibilidad?
En realidad, en el mundo del arte yo era visible, nunca he sentido que no fuera reconocida. Pero era
competitiva cuando conseguí el reconocimiento fuera del mundo del arte que otros artistas tenían. No
creo que eso tenga nada que ver con el tema hombres/mujeres, sino con la pintura. La gente de fuera del
mundo del arte pensaba que artistas como yo, que sólo usábamos fotografía éramos estrafalarios
arrogantes y que los artistas reales eran esos idealizados pintores que resultaban ser tíos. Y ellos
jugaban con esa imagen: Julian [Schnebel] en pijama…
¿Hay algún aspecto de esa época que recuerdes con más cariño?
Estaban todas esas galerías en East Village que eran geniales. Me gustaba que East Village fuera una
especie de puesto fronterizo que parecía ligeramente más experimental. Nunca me gustó todo el bombo
alrededor de los ochenta, pero aún hoy va y viene.
¿Qué otras diferencias ves entre los ochenta y ahora, de qué otra forma han cambiado las cosas?
Una gran parte es el éxito que el mundo del arte tenía entonces -fue una de las primeras veces que un
montón de jóvenes artistas hacían dinero.
¿Y qué hay de los sesenta, con Robert Rauschenberg, Jasper Johns, el movimiento Pop y la
Fábrica de Warhol? También entonces el dinero brotaba en el mundo del arte y los artistas eran
glamurosos y figuras mediáticas.
Realmente, pienso que el ambiente de la Factoría era mucho más glamouroso que los ochenta, pero
puede ser porque no considero los que los ochenta fueran realmente glamousoros -vivirlos, siempre ves
las épocas precedentes, de las que no formas parte, como mucho mejores. El ambiente de Warhol/Hotel
de Chelsea lo veo mucho más salvaje. Quizás, al principio de los ochenta, cuando la gente seguía
tomando coca y luego iban a pique. (Muchos de mis amigos empezaron a tener hijos) Los ochenta no
fueron menos aventureros que los sesenta estéticamente hablando, pero el poder de las galerías los hizo
más comerciales. Los artistas estaban decididos a tener representantes y cosas así. Era más parecido a
un ambiente de negocios.
¿Sentiste alguna presión comercial?
Me sentí libre de hacer lo que quería. En cierto punto, me sentí que era la sal del mundo artístico, y no me
gustaba la idea de que los coleccionistas nouveau fueran a comprar mi obra porque era lo que se suponía
que había que hacer, así que a mitad de los ochenta hice trabajos que la gente llamaba “series
repugnantes”- fotos con vómitos, etc. “Cuelga eso sobre el sofá” pensaba. Un gran alivio que mi trabajo
no vendiera, por lo menos en aquella época… Me alegraba de que fuera difícil de comprar.
¿Crees que los ochenta tenía algunas ideas asociadas, temas en los que se centrasen los artistas
durante esos años?
Los media… La idea de originalidad… Esos eran temas del momento. La política, también – los póster de
las Guerrilla Girls me parecen arte. También el movimiento feminista, la raza, el SIDA- todo se convirtió en
contenido. Y creo que tiene más sentido que el arte trate temas serios en lugar de dedicarse a temas
formales o a ser decorativo.
Había una gran reacción contra eso: continuar diciendo la palabra “didáctco” en una crítica del
periódico era hacer campaña virtual. Pero no creo que el contenido se haya esfumado del arte, que
lógicamente no permanece igual a lo largo de las décadas. Hay cambios, pero entre ellos, hay
continuidades.
Creo que de algún modo el sentido de los ochenta se terminó instantáneamente en 1990, con el gran
cambio del mercado. Recuerdo que mi exposición de retratos históricos en enero de 1990 fue en la que
finalmente hice algo de dinero decente, como los grandes chicos- y justo después de eso, las galerías
empezaron a cerrar y los artistas a dejar a sus representantes o a dejarse caer empicados.
Otra diferencia con los noventa es que se hacía menos división ente los que pintaban, la gente que hacía
fotografía o los que hacían propiacionismo -se mezclaban más. O quizás la pintura perdió importancia. El
vídeo se iba imponiendo poco a poco, había más tecnología, más cosas de ordenadores. La gente
siempre intenta conseguir la siguiente genialidad y no vuelve a la pintura… ¡Y me gustaría volver a la
pintura! Estoy cansada de la fotografía y el vídeo. Hay demasiado, casi resulta cargante.
¿Te sientes muy diferente de la joven artista emergente?
Siento que hay un salto generacional- Formo parte de la vieja guardia. No me tientan las nuevas
tecnologías, aunque puedo imaginar qué haría con ellas, podría hacerlo. Estoy aprendiendo la tecnología
poco a poco, en el sentido de jugar experimentando con la cámara digital, pero no sé cómo eso podría
llevarlo a mi trabajo. Estoy abierta a la exploración. Me tienta grabar otra película pero esta vez me
gustaría trabajar en el guión yo misma.
¿Qué te hace sentir de la vieja guardia?
¡Mi edad! No es que me sienta vieja, es que conozco artistas jóvenes que a veces me parecen demasiado
jóvenes. O conozco a gente que me dice que me estudiaban en la universidad – y estudiaban trabajos
míos que ya eran antiguos cuando yo estudiaba.
¿Echas de menos los ochenta? ¿Sientes nostalgia por esa época?
No echo de menos nada de los ochenta, me alegro de que hayan pasado. Excepto por la juventud…
Éramos todos tan jóvenes.
Imágenes del ensayo
.Serie de imágenes de Ana Atkins
.Gerda Taro y Robert Capa
.Fotografías de la pareja de fotógrafos en la Guerra Civil Española
.Fotografía moderna de Annie Leibovitz: “el Disney”
.Serie de fotos de Cindy Sherman
. Serie de fotos de Juliet Margaret Cameron
Bibiliografia: http://camaracoleccion.es/Mujer_Fotografia.html
Anexo:
Cianotipia: técnica que consistía en impregnar un papel en una emulsión de
sales de hierro de color amarillo-verdoso y sobre el mismo se colocaba un
objeto fijo y se exponía a la luz natural hasta que la emulsión llegaba a color
gris. Luego se lavaba con agua que actuaba como fijador de la imagen
cianotipia y el resultado era un fotograma de color blanco en las zonas no
expuestas y cian en las expuestas.