movimientos pictoricos
DESCRIPTION
Revista Toque de arteTRANSCRIPT
República Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación
Universitaria
Universidad del Zulia
Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Comunicación Social
Maracaibo, Abril del 2015
Materia: Comunicación gráfica
Sección:002
Profesora:
Elizabeth Miquilena Verde
Integrantes:
Fereira Lenizmar
C.I. 23.446.742
Gallardo Angelo
C.I. 25.940.406
Palacios Yiseth
C.I. 24.257.179
Vargas Any
C.I. 23.456.143
EDICIÓN ABRIL 2015
MOVIMIENTOS
PICTÓRICOS
POP ART
CINETISMO
DADAISMO
FUTURISMO
IMPRESIONISMO
OP ART
ABSTRACCIONISMO
CLÁSICO LEYES
DE COMPOSICIÓN
LEYES ESPECÍFICAS
TOQUE DE ARTE
Estas leyes son congénitas a la misma naturaleza humana y forman parte de la inteligencia y de las leyes psicobiológicas más comunes en las diversas formas de percepción y expresión del hombre.
Hay leyes
fundamentalmente
inmutables, porque
siendo trascendentales
y universales son, al
mismo tiempo,
generadas por la buena
composición.
• Aquellas que podemos considerar
intelectuales, es decir, a los resultados que el
artista pretende obtener con su propia actividad
personal, ya sea consciente o intuitiva.
Estas leyes son :
1. Ley de la unidad o del orden estético.
2. Ley del ritmo.
3. Ley de variedad.
Ley de la unidad
La función de una
composición debe
resolverse en la unidad, es
decir, en una armonía viva y
total entre lenguaje y signo,
entre contenido y forma.
Por consiguiente, la unidad
en la composición es el fin
último de toda la
organización de las fuerzas,
una unidad vital para el
mismo fin: la unidad
estética del producto, el
arte.
El esfuerzo para lograr esta
necesaria unidad tiende a
evitar la distribución casual
de los elementos, la
disolución de la forma, la
agitación y la confusión:
factores opuestos al sentido
de claridad, seguridad y
estabilidad constantemente
buscados por el hombre.
La unidad es tan necesaria
a la composición, que
resulta absolutamente
imposible aislar de ella un
detalle, o bien, modificarlo
ligeramente, sin que todo el
conjunto se resienta.
Representación de la Ley de la
Unidad.
Ley del ritmo
El ritmo es repetición. Hay
ritmo constante, libre y
procesos rítmicos. El
análisis del ritmo nos lleva a
un tema correlacionado que
es la simetría que
conoceremos mas adelante.
Representación de la Ley del Ritmo
Ley de la variedad
Esta ley consiste en el
modo de escoger los
elementos que componen
la composición. Su
presencia estriba en la
necesidad de crear un
interés que, a su vez,
tiene su razón de ser en
la misma variedad que
provoca la novedad de la
composición. Representación de la Ley de
Variedad.
LEYES ESPECÍFICAS:
Tensiones propiamente dichas – son los medios que
se emplean como factores sensibles, físicos y
materiales de la composición; sin ellos, la
composición no podría existir, no pudiendo
verificarse, por tanto, los resultados propuestos
como leyes generales. Son leyes específicas:
Ley del resalte y la subordinación:
La ley del resalte exige, pues, que en cada
composición haya un elemento dominante, según el
significado, y la finalidad de la misma composición.
Esta ley requiere, además, que los otros elementos
concuerden con el elemento predominante en
posición de la subordinación: establecer en cada
composición un punto principal de atracción significa
obrar con lógica para obtener la unidad requerida.
Ley del contraste –o del conflicto–:
El principio del contraste va ligado al de la ley del
resalte y de la subordinación, como ya se ha
dicho, y al principio del ritmo y del equilibrio. El
resalte implica el contraste, del mismo modo que,
a su vez, la subordinación requiere una justa
proporción entre las diversas categorías del
fenómeno visual.
Ley del equilibrio:
Equilibrio es la justa medida de todos los valores
que pueden concurrir en una composición.
Considerando "valores" como todas las leyes
específicas mencionadas, de las cuales el equilibrio
es el principal medio coordinador y la unidad el
resultado final.
Ley del lenguaje:
Cada signo, considerado aparte o en un conjunto
compositivo, constituye por sí mismo una técnica de
expresión y de comunicación. El signo es «el punto
de partida para el artista y el punto de llegada para el
espectador». La finalidad de la composición se
resuelve, pues, en el lenguaje necesario e
indispensable para transmitir el valor expresivo
propio de cada obra.
SIMETRIA
Armonía de posición de las
formas o sus partes con
respecto a centros, puntos,
ejes o planos. De acuerdo
con su origen y naturaleza,
la simetría presenta:
– Surge del conocimiento
de las leyes del crecimiento
u ordenamiento en la
naturaleza.
– Del valor que da el
hombre a lo gravitatorio y
de las formas naturales en
funcionamiento con el
mismo.
– De la necesidad de un
máximo rendimiento con un
mínimo de esfuerzo, es
decir, necesidades
económicas.
– De las necesidades
humanas de ordenar
estéticamente las formas.
CLASIFICACIÓN DE LA
SIMETRÍA
•Simetría matemática:
Evidenciación del uso
matemático-geométrico de la
armonía de posición de una
forma y sus partes con
respecto a un eje ubicado en
la mitad de la forma.
•Simetría reflejada o axial:
Representación de la armonía
de posición de dos formas con
respecto a un eje fuera de la
forma.
Simetría rotatoria: Armonía de
posición de formas con
respecto a un punto fuera de
las formas.
Simetría desplazada:
Evidenciación de la simetría de
posición de unas formas
respecto a formas
desplazadas.
•Simetría dilatada: Simetría
por dilatación de una forma.
ASIMETRÍA:
Una figura es asimétrica, cuando al dividirla en forma
vertical en dos mitades, ambas son diferentes.
Es asimétrica cuando el peso visual de los elementos
de la imagen se reparte de modo desigual con
respecto a uno de los ejes principales, verticales u
horizontales. La asimetría respecto al eje horizontal o
a una diagonal es lo más frecuente. La asimetría al
romper la formalidad estática y convencional del
centro, representa la alternativa más inmediata de
crear un efecto dinámico en la composición.
ALTERNABILIDAD:
Para enriquecer el ritmo
por repetición se
pueden emplear dos o
más elementos distintos
que se van alternando
en el mismo orden y
dirección de manera
que formen un
contraste. A este tipo de
ritmo se le conoce como
alternabilidad, es más
variado y resulta muy
interesante en la
decoración de tarjetas,
trabajos, afiches,
carteleras y otros,
mientras no se abuse
de los motivos
utilizados.
Representación de l ritmo por
alternabilidad.
OPOSICIÓN:
Es otra forma de seguir
el ritmo y consiste en la
colocación de
elementos, ya sea
iguales o diferentes, en
posición opuesta.
Representación del ritmo por
oposición.
Movimientos
Pictóricos
Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por
temas, han sido la presentación artística a través de la
historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte.
Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-
322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es
siempre una mímesis y que su mérito está en el valor
didáctico de lo que representa y su buena representación,
sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real.
Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la
decoración de comedores donde se veían imágenes con
comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el
grado de «artesano de la pintura» al de «artista liberal»
afirmando: «El trabajo más importante del pintor es la
historia», con la palabra historia se refería a la pintura
narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que retrata
los grandes hechos de los grandes hombres dignos de
recordarse difiere de la que describe las costumbres de los
ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los
campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe
reservarse para edificios públicos y residencias de los
grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines
...»
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el
coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la
monumentalidad para murales narrativos, surgieran las
pinturas más comerciales y en otros formatos más
manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros
pictóricos y su especialización por parte de los artistas.
En la Italia central se continuó haciendo pintura histórica,
los pintores de la parte norte de la península itálica
realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron
la pintura de género a pequeña escala presentando la
vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En
1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y teórico
del clasicismo francés, en un prólogo de las
Conferencias de la Academia hace una jerarquía de
géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el
paisaje, los mares, las flores y los frutos».
CLASICISMO: Etapa del arte cuya principal característica era expresar la idea de
perfección de la realidad; tiende a ver el mundo como una
estructura bella y perfecta.
El Clasicismo supone una vuelta hacia las formas
clásicas (griegas y romanas) en todas las artes; no sólo
en las formas y estilos, sino también en temáticas.
La pintura clasicista es una de las tendencias o
corrientes pictóricas que se desarrolló en el siglo
XVII, siendo alternativa a la pintura barroca.
Alguna de sus características son:
•Predominio del dibujo sobre el color.
•El espacio se construye mediante
planos sucesivos, sin las bruscas
diagonales barrocas.
•Las obras son cerradas, no abiertas,
con las figuras colocadas en el centro
de la composición.
•Las formas se distinguen nítidamente
y son independientes, a diferencia de
la "subordinación al todo" barroca.
•No hay aquí violentos contrastes ni
actitudes exageradas.
Claude Gellée, más conocido
en español como Claudio de Lorena
(Chamagne, Lorena,
entre 1600 y 1605nota 1 –
Roma, Estados Pontificios, 23 de
noviembre de 1682), fue
un pintor francés establecido en Italia.
Perteneciente al período del
arte barroco, se enmarca en la
corriente denominada clasicismo,
dentro del cual destacó en
el paisajismo. De su extensa
producción subsisten hoy día 51
grabados, 1200 dibujos y unos 300
cuadros.
Claudio de Lorena
Puesta de sol en
un puerto (1639),
Museo del Louvre,
París
La técnica más
empleada por
Lorrain es el
dibujo a pluma o a
la aguada, a
menudo sobre un
rápido esbozo
realizado a la
piedra negra.
Juan Lovera (1776-1841)
Nació en caracas el 11
de julio de 1776. Inicia su
vida artística como
ejecutante de imágenes
religiosas, fue alumno del
taller de los Landaeta y
formo parte de las
últimas promociones de
nuestros pintores
coloniales.
De su obra se conservan
21 oleos, incluyendo “El
19 de Abril” y “El 5 de
Julio” que son sus dos
pinturas mas conocidas.
Estos cuadros los pinta
25 años después de la
proclamación de la
Independencia y
constituyen las dos
primeras obras de
carácter narrativo sobre
la emancipación de
Venezuela, ya que
Lovera se define como
testigo presencial de
esos hechos.
19 de abril de 1810
ABSTRACCIONISMO:
El Abstraccionismo es un movimiento
artístico que surge a finales del siglo XIX
como consecuencia del impresionismo,
esta corriente le da un papel muy
importante a la forma y el color, creando
un aire de libertad en la creación y el arte
como fin en sí mismo.
Hay dos tipos de abstraccionismo:
•La abstracción lírica
o cromática.
Es la que se utiliza la
función expresiva y
simbólica de los
colores y del ritmo
producido por la
relación entre ellos
para manifestar los
procesos emocionales
mediante la pintura,
cuyo máximo
representante es
Kandinsky.
Obra de Wassily
Kandinsky
Museo: Centro Georges
Pompidou
•La abstracción
geométrica
esta, por el contrario,
utiliza la
simplificación y el
rigor matemático de
las formas y los
colores en un ritmo
estricto y una
ordenación
calculada. Sus
máximos
representantes son
Malevich y Mondrian.
Un claro ejemplo es
la obra de Mondrian.
Mondrian. Composición en
rojo, amarillo y azul (1921, óleo
sobre lienzo, 595x595 mm,
Gemeentemuseum, La Haya):
otra de sus más conocidas
obras neoplásticas.
Obra de Kasimir
Malevich
-Piet Mondrian
Casimir Malevich (1878-1935) influenciado,
primeramente, por el Fauvismo y, tras un viaje a París,
en 1912 se pone a la cabeza del Cubismo ruso. A
partir de aquí tratar de alcanzar una pintura no
objetiva, liberada de toda sensación asociativa, a este
proceso le denomina "Suprematismo" que según
palabras del mismo Malevich, viene a definirlo como
"la supremacía de la pura sensibilidad"...."El
suprematismo comprime toda la pintura, reduciéndola
a un cuadrado negro sobre tela blanca"...."Su
expresión es el plano negro en forma de cuadrado".
De esta forma nació la Abstracción geométrica, que
Mondrian conduciría a sus más altos exponentes.
Piet Mondrian (1872-1944)
había sido discípulo
de Picasso y, tras el
conocimiento de la obra de
Malévich, adoptará una
fórmula que seguirá toda
su vida: compartimenta el
cuadro en espacios
rectangulares o
cuadrangulares, separados
por gruesas líneas negras de
perfecta horizontalidad y
verticalidad, y rellena los
compartimentos con colores,
generalmente simples y
homogéneos.
Representantes del abstraccionismo.
“Cuadro
negro sobre
fondo blanco”
1923 -
Malevich.
(29 de Julio de 1921.Caracas)-(24 de marzo de
2005. Miranda).
Es una de las representantes más importantes
del arte abstracto en Venezuela. Ha desarrollado
su trabajo principalmente en la pintura,
extendiéndose a las áreas del vitral, el esmalte
sobre metal y la gráfica. Ha realizado igualmente
obras de integración arquitectónica,
escenografías y vestuarios para piezas de teatro.
Además ha ejercido la pedagogía y figurado
como fundadora de talleres de creatividad.
Pardo Mercedes
Concordances/6.
1963. Tinta de
imprenta sobre papel
encolado a madera
monotipo. 50 x 65
cm. CONAC.
Naturaleza
Muerta. 1999-
2000. Acrílico
sobre tela. 129
x 130 cm.
CONAC.
IMPRESIONISMO:
Es un movimiento pictórico francés, que surge a
finales del siglo XIX. Apareció como reacción contra el
arte académico y es considerado el punto de partida
del arte contemporáneo. Su corriente más famosa
está vinculada a la pintura: los pintores impresionistas
retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la
luz produce a la vista y no según la supuesta realidad
objetiva. El impresionismo muestra una
preponderancia de los colores primarios, utilizados sin
mezcla. Los tonos oscuros, en cambio, no son
usuales. Los impresionistas postularon los principios
del contraste cromático, que suponen que cada color
es relativo a los colores que le rodean.
CARACTERÍSTICAS:
Las características del Impresionismo son muy claras e
intentan plasmar más que cualquier cosa la luz y los
efectos de esa en los paisajes y momentos agradables
de la vida, sin quitar el protagonismo de aquello que
refleja. Ese movimiento artístico surgió tras el
eclecticismo – que tenía como reto romper estilismos,
rompimientos esos que generaran el arte moderno– y
como una continuación, y porque no, vertiente del
realismo, ya que también adopta como tema la vida
cotidiana.
Los representantes principales del movimiento
fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot,
Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
Frederic Bazille, Eugene Boudin, Gustave
Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Cézanne.
Édouard Manet:
Nace en Paris en el año de 1832 el 23 de Enero.
(1883) Pintor y grabador francés. Fue un mediocre
estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante
la resistencia paterna a que iniciara una carrera
artística, trató infructuosamente de ingresar en la
Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento
fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar
sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller
del pintor clásico Thomas Couture. Manet por
muchos no es considerado como directamente
impresionista, sin embargo, fue una gran influencia
para el movimiento y muchas de las características
de su pintura se ve en varios impresionistas.
Comenzando con su clara crítica al arte tradicional,
con obras como Olympia, logra crear escándalo en la
crítica de la época. Su percepción sobre el arte ha
liberado de aquel miedo a perder de varios artistas y
se dedican a expresar sus ideales al mundo, ya no
importa lo que se piense.
Otro hecho que hace estremecer a la crítica, es la
técnica de pintar de Manet. Principalmente por
pinceladas gruesas y coloridas, sin mucho detalle,
logra articular un escenario, un acontecimiento.
Estas pinceladas gruesas serán de gran influencia
en el impresionismo, como se explicó en las
características del Impresionismo.
Olympia
Almuerzo
sobre la
hierba
Pintor venezolano que nació en Caracas el 15 de
junio de 1857, donde pasó su infancia y su
adolescencia. Luego fue llevado a París donde sus
padres trataron de guiarlo por el camino del
comercio, pero en 1879 decidió irse por la pintura,
inscribiéndose en la Academia de Julián, en donde
tuvo como discípulos a Rojas y Michelena. Sus
maestros fueron Jean-Paul Laurens y William
Bouguereau.
Su evolución académica fue algo lenta en sus
inicios, pero a partir de 1900 adoptó de una manera
muy vigorosa el modo impresionista de pintar al aire
libre. Hizo gran amistad con Monet y Pizarro, lo que
lo llevó más aun al impresionismo. Entre los años
1902 y 1904, en sus obras se pueden observar
diversos rasgos expresionistas de manera muy
escasa, debido a la influencia de Van Gogh, los
cuales se observan en su producción figurativa.
Estos rasgos expresionistas fueron menos
conocidos que su obra paisajística, a la cual se le
debe el gran reconocimiento que ha tenido en
Venezuela donde se recopilaron gran parte de sus
obras en el Museo Municipal de Caracas.
Emilio Boggio: (1857-1920)
Manzano en Flor
(1910)
Viejo Rodolfo
(1919)
Entres sus obras mas destacadas están:
Armando Reverón (1889-1954)
Es uno de los más grandes exponentes de la
pintura Venezolana.
Su tío abuelo Ricardo Montilla quien estudió pintura
en New York, fue la persona que más contribuyó a
despertar su vocación artística. En 1908 se inscribió
en la Academia de Bellas Artes, donde recibió clases
por Antonio Herrera Toro, Emilio Mauri y Pedro
Zerpa. Finalizó su curso en 1911 debido a su gran
rendimiento y recibe una beca para irse a estudiar a
Europa. Viajó a Barcelona, España, donde ingresó a
la Escuela de Artes y Oficios. En 1912 viaja de
nuevo a Caracas para retornar en poco tiempo a
España e ingresar en la Academia de San Fernando
en Madrid.
La ciudad de Madrid dejó en Reverón una
profunda huella en su espíritu, ya que se dejó
cautivar por Goya. Años más tarde regresa ya
definitivamente a Caracas, donde retoma su
trabajo a la vez que asiste a las sesiones del
Círculo Bellas Artes, a pesar de que no estuvo en
el país al momento de la creación de dicho círculo.
Pintó al aire libre sus primeros paisajes en
tonalidades azules, y luego se trasladó a la Guaira
donde dio clases privadas de dibujo y pintura.
La obra de este gran pintor se forjó en gran parte
en el litoral venezolano, donde capta y transmite
toda la luminosidad que encuentra en el trópico.
En este período de su vida empezó a adoptar
hábitos más primitivos tratando de desvincularse
de las ciudades, lo que lo hizo desarrollar una
mejor percepción de la naturaleza llevándolo a
emplear métodos en su pintar, así como diversos
procedimientos y materiales, representando de
una mejor manera la atmósfera del paisaje bajo
los efectos del deslumbramiento que son
producidos por la luz del sol. Creó también valores
cromáticos.
Desnudo 1934. Los baños de Macuto
FUTURISMO: Esta tendencia, posterior al cubismo, surgió en
Italia durante la primera década del siglo XX. Su
objetivo era crear un arte de acuerdo con el
desarrollo y el mundo del maquinismo. Luigi
Russolo, Gino Severini, G. Balla, Carlo Carrá y
Umberto Boccioni realizaron obra con las
características de esta corriente. El primer
manifiesto del futurismo fue publicado por Filippo
Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en Le
Figaro de París. El 8 de marzo de 1910 en el teatro
Chiarella de Turín los pintores futuristas leían su
primer manifiesto redactado en 1909.
El futurismo fue llamado así por su intención de
romper absolutamente con el arte del pasado (el
llamado Pasadismo) al considerar que los museos
son equivalentes a los cementerios, en especial en
Italia, donde la tradición artística del pasado brotaba
por doquier y lo impregnaba todo.
Fue el primero de los ismos o vanguardias
artísticas y su valor como movimiento rompedor
posibilitó y facilitó el camino a las demás corrientes
que refrescaron el panorama artístico de la primera
mitad del siglo XX.
Para lograr el efecto de movimiento se basaron en
diferentes técnicas: vibrantes composiciones de
color, el divisionismo (heredado del
neoimpresionismo), la abstracción y
desmaterialización de los objetos (tomada del
cubismo) y finalmente la multiplicación de las
posiciones de un mismo elemento (objeto o
persona), realización de las líneas de fuerza,
intensificación de la acción a través de la repetición
y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura
(Simultaneismo).
Particularidades:
– Exaltación de la originalidad.
– Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad,
energía, fuerza, etc.
– Contenido relacionado con el mundo moderno,
las ciudades y los automóviles, su bullicio y
dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra,
etc.
– Utilización de formas y colores para generar
ritmos.
– Colores resplandecientes
– Transparencias
Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944), escritor
y activista político italiano, fundador y principal
exponente del futurismo. Marinetti nació en la
ciudad egipcia de Alejandría el 22 de diciembre de
1876, y estudió tanto allí como en París, Padua y
Génova, universidad ésta última por la que se
licenció en Derecho en el año 1899. Alternó
periodos de residencia en Francia con otros en
Italia, y escribió una parte de sus obras en
francés. Obras como Democrazia futurista (1919)
y Futurismo e fascismo (1924). Aunque siguió
publicando numerosas obras, entre ellas los
dramas Prigionieri e Vulcani (1927), el
cuentoScatole d´amore in conserva (1927)
o Poemi simultanei futuristi (1933), su éxito y su
protagonismo decayeron casi totalmente y murió
olvidado durante la Resistencia.
Vladimir Maiacovsky Fue
un poeta y dramaturgo
revolucionario ruso y una de
las figuras más relevantes de
la poesía rusa de comienzos
del siglo XX. Fue iniciador
del futurismo ruso. En 1911
se unió a los primeros
futuristas y participó en la
redacción del primer
manifiesto futurista ruso. Su
odio visceral al universo
burgués y su combativo
espíritu revolucionario se
reflejan ya en sus primeras
obras: La bofetada a gusto
del público y la
tragedia Vladimir
Maiakovski (1913). En 1915
publicó el libro de poemas La
nube con pantalón y un año
después, La flauta-columna
vertebral. Del mismo año que
la Revolución Rusa son las
premoniciones de El
hombre (1917), en la que
colaboró redactando
eslóganes revolucionarios.
POP ART: Fue un importante movimiento artístico del siglo XX
caracterizado por el empleo de imágenes de la
cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios,
comic, books, objetos culturales «mundanos» y del
mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar
imágenes populares en oposición a la elitista
cultura existente en las Bellas Artes, separándolas
de su contexto y aislándolas o combinándolas con
otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch
de algún elemento cultural, a menudo a través del
uso de la ironía.
El movimiento como tal surgió a mediados de los
años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años
1950 en los Estados Unidos. Con diferentes
motivaciones en Estados Unidos, marcó el regreso
del dibujo del tipo Hard edge (traducido como
«dibujo de contornos nítidos») y del arte
representacional como una respuesta de los
artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal,
la ironía y la parodia para contrarrestar el
simbolismo personal del expresionismo abstracto.
El Arte Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida
diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del
distanciamiento, pone su mirada en la atracción
estética de los vulgares artículos de consumo. Los
orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo,
en la poca importancia puesta en el objeto de arte
final y en el uso del collage y del fotomontaje.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público
gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus
contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al
espectador le gustaba reconocer objetos corrientes
en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo
que representaba la interpretación de las obras del
expresionismo abstracto, pero no comprendieron su
carga de ironía y de ambigüedad.
Roy Lichtenstein:
Fue un pintor
estadounidense de arte
pop, artista gráfico y
escultor, conocido
sobre todo por sus
interpretaciones a gran
escala del arte del
cómic.
Lo más característico
de Lichtenstein son
sus composiciones
salidas directamente
de las viñetas de los
comics, que son
ampliaciones de los
personajes de los
dibujos animados,
reproducidas a mano,
con la misma técnica
de puntos y los
mismos colores
primarios y brillantes
que se utilizan para
imprimirlos.
Por ejemplo, Good
Morning, Darling; Now,
mes petit pour la France
o Whamm!, donde la
técnica del cómic
aparece mucho más
remarcada con la
inclusión de la
característica
onomatopeya.
Alguna de sus
obras son:
Andy Warhol:
Andrew Warhola, comúnmente conocido como
Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta
estadounidense que desempeñó un papel
crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Otro representante del Pop Art es:
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa
contemporáneas y las repitió múltiples veces en la
misma superficie arrancándolas de su contexto
habitual y trasladándolas al dominio del arte.
Describió así la deshumanización que practican los
modernos medios de comunicación de masas.
Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso
cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la
cultura pop.
Realizó numerosos retratos como los de Mick
Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth
Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una
serigrafía basada en un original fotográfico de su
rostro.
Representante del arte popular Venezolano :
Eduardo Rojas Ovalles:
Don Eduardo Rojas Ovalles nació en las
cercanías de la Grita en 1922, en la quebrada de
San José. Artista autodidacta que ha vivido la
mayor parte de su vida en Bailadores, rodeado
entre verdes colinas, misteriosos lagunas y altos
chorrerones. Heredero de una antigua tradición
oral donde gnomos, brujas, metamorfosis,
desaparecidos y arcaicos espíritus hunden sus
raíces en ancestrales creencias. Sus esculturas
y altorrelieves, a los cuales llama cuadros, tienen
como tema en general su religiosidad personal,
son piezas que fusionan el cristianismo con las
creencias populares y la cultura universal. En
ellas se materializan sus vivencias, y las
diversas etapas de su vida como fue crecer
cerca de lagunas y de quebradas, y vivir entre
pequeños poblados, muchos de los cuales hoy
no existen.
Su lenguaje plástico se caracteriza por la
tensión entre lo vivido y lo soñado, entre el
cristianismo y nuestro pasado ancestral, entre la
realidad y la dimensión de lo simbólico.
Sus obras:
OP ART: La expresión "Op art" corresponde a la
abreviación de "optical art", la cual es una
forma artística contemporánea que alcanzó su
auge en la década de 1960.
El op art consiste en efectos cromáticos y
formales dinámicos, que incorpora la indolencia
visual, por lo que se aprecian más estructuras
cromáticas que plásticas.
El op art es un movimiento pictórico que surge a
finales de la década de 1950, para asentarse en
los años sesenta. Su finalidad es la de producir
la ilusión de vibración o movimiento en la
superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total
ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por
el público por su estudiadas formas, que
influyeron en otras áreas del arte como la
publicidad, la gráfica y la moda.
La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la
tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del
tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba
en sus alumnos.
Si la pintura óptica de la posguerra ha de
remontarse a una sola fuente, esa fuente
incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely,
húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue
estudiante de la academia Mühely, de Alexander
Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.
También se destacan Triond, Supernova, Yaacov
Agam (con sus cuadros en relieve), Doble
metamorfosis III, Briget Riley, Crrent, Jeffrey
Steele; La volta, Richard Anuszkiewicz,
Iridiscencia, Michael Kidner; Azul, verde, violeta y
marrón.
Por su parte, los diseñadores textiles y de moda
de la década de los sesenta no tardaron en
asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos
en el vestir. Lograron así que el buen diseño
fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil
acceso para las grandes masas de clase media.
Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y
vitalidad, renovando las texturas, los estilos y
también la combinación de colores, uniendo sin
temor colores como el fucsia con el rosado o
amarillo, que antes a primera vista "no
combinaban".
El Op Art entró a la moda con sus diseños
cuadriculados y tridimensionales, con gran
presencia de contrastes blanco y negro aplicado
en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios.
Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de
las más famosas exponentes del Op Art en el
vestir.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el
espectador provocando una sensación de
movimiento virtual mediante efectos de ilusión
óptica, situación que desencadena una
respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción
psicológica derivada de su apariencia
sorprendente. Se utiliza para ello la construcción
de perspectivas que el ojo no puede fijar en el
espacio; el efecto Rubin, que descubre
convexidades a partir de figuras que comparten
sus contornos; el efecto moaré, surgido por la
interferencia de líneas y círculos concéntricos
junto a otras ilusiones perceptivas de
inestabilidad, vibración o confusión. Para ver
más claramente estos efectos ópticos.
Aquí tenemos unos ejemplos:
Representantes:
Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid,
España. Artista Digital autodidacta.
La mayor parte de su obra tiene relación con la
ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos,
Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico,
Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica,
Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del
trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un
despliegue alegórico del ente luminoso.
La luz, descompuesta en colores casi
espectralmente puros, se reconstruye en
torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces
espaciales que acentúan la simetría de la
composición. La sucesiva disminución de la escala
espacial remeda composiciones fractales,
inherentes a la geometría de los objetos naturales,
y los colorea con explosivas volutas de arco iris.
Dos son los elementos básicos de la obra gráfica
presentada: el color y la simetría, y ambas son
partes constituyentes del entorno natural que
soporta a la descripción de la luz.
Con estos dos elementos el autor representa
estados visuales de impresionante matiz onírico:
esencias de pensamiento visual, secuencias
caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los
colores se aposenta en la geometría para ocupar el
lienzo, como fluyendo.
Asimetric Flow.
Arte Digital - Digital Art
Serie: “Tacones”
Medidas: 70 x 50 cm. sobre
papel fotográfico.
Carlos Cruz-Diez:
Es uno de los máximos representantes del op art
(arte óptico) a nivel mundial. Nació en Caracas,
Venezuela, el 17 de agosto de 1923 aunque vive y
trabaja en París desde 1960.2 Su investigación ha
aportado al arte una nueva forma de conocimiento
sobre el fenómeno del color, ampliando
considerablemente su universo perceptivo. Es
presidente de la Fundación del Museo de la
Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en
Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello
(OAB). En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez
Foundation3 dedicada a la conservación,
desarrollo, difusión e investigación de su legado
artístico y conceptual.
Cruz-Diez propone concebir el color como una
realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo
y en el espacio real sin ayuda de la forma o
necesidad de soporte.
Plaza Cruz-Díez en el Conjunto Universitario "La
Hechicera" de la ULA de Merida, Venezuela.
Vista de la obra de Carlos Cruz-Diez, en la Avenida
Bolívar, Valencia, Venezuela.
CINETISMO: El planteamiento básico del cinetismo y lo que lo
define —tal como su nombre lo indica— es la
producción del movimiento, real o ilusorio, en la obra
como efecto de ésta en el mismo momento de su
comunicación con el espectador. Pero, a diferencia
del abstraccionismo geométrico, que se define por su
estatismo plano, el cinetismo es un arte de carácter
más abierto, a tal punto que puede decirse que es
una tendencia internacional en cuya invención
intervienen hallazgos y experiencias de varios
países, entre los que se cuenta Venezuela.
Dos son las formas características de producción del
movimiento en la obra de arte cinética: primero,
mediante la animación del plano al solicitar del
espectador su desplazamiento lateral para conseguir
con ello un efecto óptico percibido visualmente desde
un punto de vista dinámico, pero exterior al objeto; y,
segundo, por el efecto de movimiento transmitido
físicamente, de modo mecánico, por micromotores o
agentes naturales (como el viento o el agua) que
activan el cuerpo de la obra sin necesidad de que
el espectador se traslade. De tal modo que el
cinetismo no sólo alienta en el espacio propio de
la pintura, sino que extiende su poder sobre las
dimensiones propias de la escultura y la
arquitectura, y de allí que sea considerado el arte
integrable por antonomasia.
En Venezuela, el cinetismo tiene un origen
pictórico, entendiendo por esto el hecho de que
sus realizadores principales han trabajado
fundamentalmente con el color, la luz y las
vibraciones ópticas de naturaleza gráfica, que,
como en el caso de Jesús Soto, resultan de la
superposición de dos planos de tramas o rejillas
que interactúan separadamente al desplazarse el
espectador.
La luz y el color, la atmósfera y el espacio se
encuentran soportando la estructura de los
planteamientos de Soto y Cruz-Diez, a quienes
hay que agregar, para hablar sólo de los
precursores, a Alejandro Otero, quien procediendo
también de la pintura, plantea en su arte la
reactivación dinámica de la relación obra-
ambiente físico.
Jesús Soto nace en Ciudad Bolívar el 5 de Junio
de 1923 y muere en Paris el 14 de Enero del
2005. Fue uno de los creadores del arte cinetico.
Implementó una nueva manera de interactuar con
la obra de arte, en la cual es el espectador quien
tiene protagonismo, ya que esta solo puede estar
completa con la ilusión percibida por la mente del
observador; este se pasea en torno a la obra para
adentrarse en el efecto cinético de una pieza
inmóvil. Tal fenómeno lo denominó "vibración" o
generación de movimiento virtual.
Penetrables.
Carlos Cruz Diez nació en Caracas, Venezuela,
el 17 de agosto de 1923. Junto con Jesús Soto es
uno de los artistas cinéticos más importantes del
mundo. Para Cruz-Díez, el arte debe ser
experimentado, vivido y compartido. Por ello se
centra en recrear el entorno propicio para que las
personas vivan el arte."El artista debe reflejar las
circunstancias de su tiempo en un testimonio que
pudiera sensibilizar a las gentes e inducirlos a
cambiar sus "nociones' y actitudes abriéndole
caminos al espíritu"
DADAISMO: Fue una tendencia artística que surgió en Zúrich
(Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió por
Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en
contra del arte, los códigos y valores de su época, la
Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos.
Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía.
Se presentó como una ideología o una forma de
vivir.
Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías
del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer
sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban
en un diccionario un nombre artístico a una de las
cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre
con el nuevo estilo que buscaba empezar desde
cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con
anterioridad.
En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara
comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a
través de revistas, su manifiesto y en las reuniones
realizadas en cabarets o galerías de arte.
En cuanto a la gráfica se caracterizó por:
– Renovación de la expresión mediante el empleo de
materiales inusuales.
– Montaje de fragmentos y de objetos de desecho
cotidiano presentándolos como objetos artísticos.
– Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas,
prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
– Fotomontajes con frases aisladas, palabras,
pancartas, recitales espontáneos y la provocación.
Marcel Janco (1895-1984) fue un importante
pintor y arquitecto israelí. Estudió arquitectura
en el Instituto Politécnico de Zurich y pintura
con Iser-Josif. Hacia 1922 retornó a Rumania,
donde se consolidó como pintor, y
en 1941 emigró aIsrael escapando
del nazismo.
Janco fue una de las figuras fundantes
del Dadaísmo, vanguardia impulsada por poetas,
pintores y filósofos que se opusieron a
la Primera Guerra Mundial y al arte burgués,
cimentando su concepción en que el caos,
el Nihilismo y la falta de racionalidad iban a
hacer del mundo un mejor lugar para vivir.
Antes de definir este concepto diremos que para
conocer el mundo interior o exterior necesitamos
realizar un proceso de decodificación de los
mensajes que se reciben a través de todo el
cuerpo. Se define como percepción al proceso
cognoscitivo a través del cual las personas son
capaces de comprender su entorno y actuar en
consecuencia a los impulsos que reciben; se trata
de entender y organización los estímulos
generados por el ambiente y darles un sentido. De
este modo lo siguiente que hará el individuo será
enviar una respuesta en consecuencia.
La percepción puede hacer mención también a un
determinado conocimiento, a una idea o a la
sensación interior que surge a raíz de una
impresión material derivada de nuestros sentidos.
Los especialistas aseguran que la percepción es
el primer procedimiento cognoscitivo, que permite
al sujeto capturar la información del medio que lo
rodea a través de la energía que llega a los
sistemas sensoriales.
Enlaces:
https://www.youtube.com/watch?v=0n9UODz8iJE
https://www.youtube.com/watch?v=QmrhTblpaCA
https://www.youtube.com/watch?v=pz9oSXqjWqw
https://www.youtube.com/watch?v=We_gcnRPKIU
https://www.youtube.com/watch?v=xaaDDatzRu0
https://www.youtube.com/watch?v=JEfTq37fmWg
https://www.youtube.com/watch?v=9wHfI_0Up5U