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(In)visible: el umbral de lo sublime
MARINA ABRAMOVIC / TACITA DEAN / OLAFUR ELIASSON / OSCAR MUÑOZ /
THOMAS RUFF / JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO / HIROSHI SUGIMOTO /
MIROSLAV TICHY / ISIDORO VALCÁRCEL MEDINA / FRANCESCA WOODMAN
Inauguración: jueves, 22 de agosto. 19.00h-21h:00h Lugar: Calle 80. No. 12-55. Bogotá.
Del 22.08.2019 hasta el 21.09.2019
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(In)visible: el umbral de lo sublime
Bernal Espacio Galería de Madrid - España se complace en presentar en Bogotá la
exhibición colectiva (In)visible: el umbral de lo sublime, que incluye un conjunto de obras
de reconocidos artistas de la escena contemporánea internacional, que permiten
reflexionar sobre el territorio sísmico entre lo visible y lo invisible.
La pasión causada por lo grande y lo sublime en la naturaleza, cuando aquellas causas operan más poderosamente, es el asombro; y el asombro es aquel estado del alma, en el que todos sus movimientos se suspenden con cierto grado de horror. […] De ahí nace el gran poder de lo sublime, que, lejos de ser producido por nuestros razonamientos, los anticipa y nos arrebata mediante una fuerza irresistible.
Burke, Edmund, y Balaguer M. Gras. Indagacio ́n Filoso ́fica Sobre El Origen De Nuestras Ideas Acerca De Lo Sublime Y De Lo Bello. Madrid: Alianza Editorial, 2014.
La ciencia y la tecnología se han dedicado durante siglos a la búsqueda incesante por alcanzar los más
altos grados de nitidez a partir de distintos dispositivos visuales. Artefactos como la cámara lúcida, el
daguerrotipo, la cámara fotográfica, la cámara cinematográfica, los proyectores, las pantallas o los
televisores son solo algunos de los inventos que conforman parte de la carrera tecnológica de la
visualidad, dedicada a alcanzar imágenes limpias, claras e impolutas. Esta búsqueda, que permanece en
continuo desarrollo y se despliega de manera masiva, ha llegado incluso a sobrepasar la propia capacidad
del ojo humano, normalizando imágenes - en high-definition o ultra high-definition - que no
necesariamente se corresponden a la experiencia óptica que tiene una persona sobre su entorno. Esta
precisión visual se ha vinculado históricamente a la posibilidad de alcanzar realidades irrefutables. En
este sentido, la imagen ha sido entendida como información, hecho o verdad. Sin embargo, tanto en
dispositivos de representación (por ejemplo, imágenes trucadas) como en la experiencia óptica (desde la
alteración cognitiva, hasta la enfermedad oftalmológica), encontramos numerosos contraejemplos que
dan cuenta de la maleabilidad e inestabilidad del terreno visual.
La muestra presenta una selección de piezas que refutan, juegan, interpelan y reflexionan sobre la
estabilidad de las imágenes. Presentamos una serie de obras que exaltan estética y teóricamente
elementos como el desenfoque, lo borroso, la borradura, la mancha, la bruma, el marco, el píxel, lo efímero
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e incluso la negación visual. Y que, en última instancia, generan reflexiones sobre nuestro entorno, la
experiencia y la realidad, desde y más allá de lo que nos es manifiesto.
La exposición se articula a partir de las características formales de las obras y la experiencia estética que
suscitan, anudadas desde dos conceptos – lo liminal y lo sublime-. Por lo liminal hacemos referencia a
la propia materialidad que proponen las piezas seleccionadas donde se generan puentes entre lo que
vemos y no vemos, detonando en una misma imagen un amplio espectro de contenidos simbólicos. Lo
sublime, por su parte, se refiere a una experiencia estética sobrecogedora. Si bien este segundo es un
concepto que ha estado en permanente evolución desde los inicios de la filosofía y son muchas las
lecturas que puede motivar, consideramos que denota la exaltación de esos encuentros mudos que se
generan ante todo aquello que excede los límites de nuestra comprensión y que está particularmente
presente en las visualidades transitorias que la exposición recoge.
La muestra parte del trabajo de artistas que, a lo largo de sus carreras, exploraron las posibilidades del
“error” fotográfico, como sucedió en la producción de Francesca Woodman (Estados Unidos 1958 – 1981)
y Miroslav Tischy (República Checa, 1926 – 2011). Se incluyen piezas de Thomas Ruff (Alemania, 1954)
que generan diálogos entre lo pictórico, lo fotográfico y las propiedades de la imagen digital, forjando
visualidades inciertas. También se presentan obras que apelan a un encuentro entre el artista, su realidad
y su proceso creativo, como sucede en los casos de José Antonio Suárez Londoño (Colombia, 1955) y
Tacita Dean (Inglaterra, 1965), y en cuyas obras son comunes gestos como el enborronar, manchar,
superponer o matizar. Se aprecian visualidades efímeras, a partir del trabajo de Oscar Muñoz (Colombia,
1951), y visualidades espectrales, como sucede con las fotografías de Hiroshi Sugimoto (Japón, 1948) y
el trabajo de Marina Abramovic (Serbia, 1946). Finalmente, la exposición presenta obras que generan un
juego entre la negación visual, el dentro y fuera del marco fotográfico y la percepción del espectador,
como puede verse en los trabajos de Isidoro Valcárcel Medina (España, 1937) y Olafur Eliasson (Islandia
1967).
A partir de distintas estrategias visuales y conceptuales, cada una de las piezas seleccionadas destaca
las posibilidades de la visualidad a la hora de velar y revelar aspectos sobre la realidad y la naturaleza de
lo real. De este modo, las piezas despiertan exaltación, asombro y una fuerza irresistible - en palabras de
Edmund Burque -, que no deja a los espectadores inadvertidos.
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MARINA ABRAMOVIC
Coming and Going 9 Silver gelatin prints
7 x7 inches, each unframed/16 x 16 inches, each framed 1973/ 2016
Editions: 7+2 AP
Marina Abramovic (Serbia, 1946) ha trabajado a lo largo de su trayectoria utilizando su cuerpo como
medio y vehículo de transformación. Esta pieza reflexiona sobre la propia mortalidad de la artista, lo que
desata la desaparición de su corporalidad de la imagen fotográfica. En este caso, su movimiento alude al
cambio, la transformación y la inevitable disipación que supone la experiencia vital.
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OLAFUR ELIASSON
Inverted Campfire Series, 2006 Photogravure, Tamaños variables
Edición de 18 - Set de 15 Firmado y numerado por el artista
La obra Inverted Campfire Series (2006) alude a la tradición islandesa para recibir el año nuevo, donde se
encienden hogueras para quemar y desvanecer los espíritus negativos del año que pasa. La pieza está
conformada por diez fotograbados en blanco y negro y cinco con una dominante amarilla que rememora el fuego.
El artista reproduce las imágenes en negativo, generando luces y sobras donde los personajes retratados toman
un aura fantasmal. El diálogo de las piezas genera una atmósfera evanescente entre lo visible y lo invisible; lo
presente y lo ausente; o lo que ha sido y lo que se va. En esta pieza se aúnan algunos de los temas más
recurrentes en el trabajo de Eliasson, como lo es la referencia a la tierra de sus ancestros – Islandia-, las
tradiciones, la espiritualidad o la naturaleza de las cosas.
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TACITA DEAN
Filthy Weather / Horizon / Rain, 1998. 3 Screen Prints, on black wove paper (Notturno, 300g).
70 × 100 cm each. Edition 60.
Tacita Dean (Inglaterra, 1965) realizó este tríptico cuando aún cursaba sus estudios en la Slade School of Arts
de Londres. La obra presenta tres registros de los dibujos en tiza que Dean realizaba en las pizarras de su estudio
para aquella época. Los dibujos están dedicados al mar, un tema recurrente a lo lardo de toda su carrera. En una
mirada cuidadosa, es posible observar un tejido visual difuso que se nutre de la superposición de anotaciones,
así como de los rastros de capas anteriores que han sido borradas. Se nos presenta una imagen palimpsestica
que suscita la reflexión sobre la propia labor artística, el tiempo y el conocimiento.
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MIROSLAV TICHÝ
Untitled (7-11-52). Reworked b/w silver gelatin print on Baryt paper, passepartout, framed 11.5 x 17.8 cm cm. Unique.
Las imágenes de Miroslav Tischy (República Checa, 1926 – 2011) retratan principalmente a mujeres, en una
perspectiva voyeur que se ve potenciada por los encuadres utilizados y la calidad misma de las imágenes. La
composición de sus fotografías está marcada por el desenfoque, las veladuras, la sub y sobrexposición. Para su
realización, el autor se valía de una cámara en un estado precario que le permitía explorar y manipular estos
elementos. En su caso, los errores fotográficos dotan sus fotografías de misterio, eficacia, vigor o, en sus propias
palabras, de poesía. “Fotografiar significa pintar con luz. Los errores hacen parte de eso. Son poesía, son la calidad
pictórica. Y para eso necesitas una mala cámara”1.
1 Miroslav Tichy. Tarzan retired. Documental dirigido por Roman Buxbaum, 2006.
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MIROSLAV TICHÝ
Untitled (9-2-48).
Reworked b/w silver gelatin print on Baryt paper, unframed 23,3 x 13 cm, framed 49 x 56 cm. Unique.
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MIROSLAV TICHÝ
Untitled (5-11-27).
Reworked b/w silvergelatine print on baryt paper in handmade passepartout, framed 29 x 20,5 cm, framed 46 x 59 cm. Unique.
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MIROSLAV TICHÝ
Untitled (5-10-84). Reworked b/w silver gelatin print on baryt paper, framed 17 x 12 cm, framed. 45 x 35 cm. Unique.
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THOMAS RUFF
jpegs I-V, 2005.
Fotografía impresión digital (ditone) en papel fotográfico. Set de 5 fotografias
120 x 90 cm cada una. Edición de 45.
El fotógrafo Thomas Ruff (Alemania, 1954) ha realizado distintas series que reflexionan sobre la reproductividad
de las imágenes y los aparatos comunicacionales contemporáneos. En su trabajo JPEGS (2007) el artista utiliza
imágenes con una amplia circulación en internet y las expande a grandes formatos hasta pixelarlas
completamente, transformándose en juegos geométricos sublimes de color. Con esta serie, Ruff problematiza
sobre la insaciable y vacía dinámica que se genera entre la producción y la recepción de la visualidad en el mundo
contemporáneo.
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HIROSHI SUGIMOTO
Teatro dei Varii', Colle di Val d’Elsa, 2014, in an edition of twenty-five gelatin silver prints.
45 cm x 52, 5 cm. Edición de 25.
La fotografía Teatro dei Vairii (2004) de Hiroshi Sugimoto (Japón, 1948), perteneciente a uno de los proyectos
más destacados en la fotografía contemporánea. Durante más de cuatro décadas, Sugimoto ha venido
registrando la proyección de películas en teatros destacados alrededor del mundo. Con el ánimo de capturar la
proyección misma, el autor mantiene el obturador abierto el equivalente de tiempo que dura la película en ser
proyectada. Como resultado, la pantalla se nos presenta completamente velada, lo que hace un fuerte contraste
con la perfecta nitidez con que se ha capturado el teatro. La imagen genera una energía inquietante característica
de lo sublime, al presentar estos espacios majestuosos, completamente vacíos, donde parece generarse una
ventana en el tiempo a través de la pantalla velada. Su propuesta refleja de manera brillante la hendedura entre
lo visible y lo invisible donde se asienta la representación de aspectos como el tiempo, la memoria, o la luz.
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HIROSHI SUGIMOTO
Lightning Fields 289, 2014 Gelatin silver print 45 cm x 52.5 cm
Edition de 25
Esta serie parte de la idea de observar los efectos de las descargas eléctricas en placas fotográficas secas, como
una posibilidad para recrear los principales descubrimientos de pioneros científicos como Benjamin Franklin,
Michael Faraday o William Fox Talbot. Con este trabajo, el artista busca hacer visibles fenómenos naturales que
conforman la manera en que opera nuestro entorno. Usando el cuarto oscuro como un laboratorio lumínico,
Sugimoto logra verificar los mayores descubrimientos de estos científicos como lo son la electricidad, su
inducción o las propiedades fotosensibles de determinados elementos.
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HIROSHI SUGIMOTO
Lightning Fields 304, 2014
Gelatin silver print 45 cm x 52.5 cm
Edition de 25
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OSCAR MUÑOZ
Pais Tiempo, 2007-2011 Pirograbados sobre papel periódico 56 x 33 cm. c/u (grupo de 6 piezas).
Edición de 5 + 2 PA.
La práctica artística del colombiano Oscar Muñoz (Colombia, 1951) ha estado en diálogo con lo (in)visible y la
(im)permanencia a lo largo de toda su carrera. La pieza País Tiempo, reproduce las primeras páginas de los
periódicos El Tiempo de Bogotá y El País de Cali. En la media que espectador pasa las páginas, la información
pierde su definición hasta que desaparecen por completo. En este caso, Muñoz reflexiona sobre la naturaleza del
flujo de información noticioso y sus imágenes, destacando su fugacidad y su inevitable obsolescencia.
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OSCAR MUÑOZ
Marginario 4x3, 2018 12 fotografías en papel hahnemühle de 308 grs
30,5 cm x 37,5 cm c/u. Pieza única.
En esta pieza, Muñoz se vale de los remanentes de fotografías de documentos de identidad de dimensiones de
4 x 3 cm, generando un archivo de fotografías e identidades ausentes. El remanente opera como una huella de
una fotografía que ha sido utilizada, que ha tomado un rumbo y que muy seguramente ha dado cuerpo a una
determinada identidad. La unión de múltiples remanentes exalta la fuerza normalizadora tras un gesto que,
paradójicamente, pretende destacar y representar la naturaleza única de cada individuo.
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ISIDORO VALCÁRCEL MEDINA
Foto sin positivar, 1974.
Un artista español de gran reconocimiento y con una amplia y variada trayectoria es sin lugar a duda Isidoro
Valcárcel Medina (España, 1937). En esta exhibición hemos querido rescatar una de las sugerentes acciones del
autor, entendida como una manifestación de la negatividad visual y como la posibilidad de movilizar el ingenio y
la imaginería de un determinado espectador. La obra Sin título. Fotos sin positivar (1978) es una pieza de arte
correo donde el artista propone la posibilidad de ver una imagen desde la su propia negación, derivando la
responsabilidad al receptor de su carta. El artista enviaba un sobre con una fotografía sin positivar envuelta en
un papel negro. En la carta, le ofrecía al receptor tres posibilidades. 1. Enviar a positivar la imagen y tener una
obra firmada. 2. Mantener la imagen guardada, desconociendo su contenido. 3. Abrir el sobre, velar el papel, y
tener una obra de arte destruida. Con esta intervención, Valcárcel Medina despliega un abanico conceptual que
ingeniosamente pone en jaque la autoría, la definición del arte y el papel de la imagen.
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JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2018. Mixta sobre papel. 15 cm x 11 cm c/u.
El colombiano José Antonio Suárez Londoño (Colombia, 1955) ha dedicado su vida y obra al dibujo y el grabado.
Su trabajo se destaca por la creación de composiciones donde se ponen en diálogo los elementos más dispares.
A lo largo de su carrera, tanto en la creación como en la representación de sus figuras, la percepción visual y la
posibilidad de ver han jugado un papel significativo. En el proceso de creación de sus obras, el artista se vale de
lentes con distintos aumentos que le permiten alcanzar detalles comparables a la miniatura. Así mismo, el
espectador se ve obligando a utilizar artefactos como la lupa para poder apreciar con detalle lo que el artista nos
presenta sobre el papel. Son también comunes entre sus representaciones figuras que recalcan el campo visual,
la relación entre los objetos y nuestra capacidad óptica. El artista ha realizado específicamente para esta
exhibición un conjunto de piezas que reflexionan sobre lo borroso, valiéndose de transparencias, manchas o
imágenes disueltas como mecanismos que despiertan esa dicotomía entre lo visible y lo no visible. En este caso,
desde un lenguaje liminal, Suarez Londoño acaba por potenciar el encuentro íntimo que habitualmente generan
sus obras con los espectadores.
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JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2019.
Mixta sobre papel. 30 x 18 cm.
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JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2019.
Mixta sobre papel. 20 x 20 cm.
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JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2019.
Mixta sobre papel. 21 x 16 cm.
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JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2018.
Mixta sobre papel. 20 x 30 cm.
[email protected] (+57) 318 325 7113
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2018.
Mixta sobre papel. 15 x 12 cm.
[email protected] (+57) 318 325 7113
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2018.
Mixta sobre papel. 22 x 15 cm.
[email protected] (+57) 318 325 7113
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
Sin título, 2019.
Mixta sobre papel. 17 x 18 cm.
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
[email protected] (+57) 318 325 7113
Sin título, 2019.
Mixta sobre papel 25 cm x 27 cm c/u
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
[email protected] (+57) 318 325 7113
Sin título, 2018.
Mixta sobre papel 22 cm x 23 cm c/u (papel)
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO
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Sin título, 2019.
Mixta sobre papel. 16 x 14 cm.
FRANCESCA WOODMAN
[email protected] (+57) 318 325 7113
Self-Portrait At Thirteen, Boulder Colorado,1972 Gelatina de bromuro de plata.
Papel: 25,4 cm x 20,3 cm. Imagen: 16,8 cm x 17 cm.
Edición: 13/40
Francesca Woodman (Estados Unidos 1958 – 1981) es una de las primeras fotógrafas en experimentar con el desenfoque,
el movimiento, lo borroso y el velado como elementos visuales de gran poder semántico. La mayor parte de sus fotografías
trascienden el momento fotográfico y parten de acciones que desarrolla la artista con su propio cuerpo. Su presencia dentro
del marco fotográfico, sin embargo, está siempre ligada a una cierta evanescencia que reflexiona sobre las posibilidades e
imposibilidades de la representación del yo y la experiencia. A pesar de su corta vida, su trabajo ha sido de gran influencia
dentro de la escena artística contemporánea.
FRANCESCA WOODMAN
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November has been a slightly uncomfortable baroque,
1977-78 Gelatina de bromuro de plata.
Papel: 25,4 cm x 20,3 cm. Imagen: 9,5 cm x 9,5 cm.
Edición de 40.
FRANCESCA WOODMAN
[email protected] (+57) 318 325 7113
UNTITLED, Providence Rhode Island. 1976 Gelatina de bromuro de plata.
Papel: 25,4 cm x 20,3 cm. Imagen: 14,3 cm x 14,6 cm.
Edición de 40.
[email protected] (+57) 318 325 7113
FRANCESCA WOODMAN
Polka Dots, 1976 Gelatina de bromuro de plata.
Papel: 25,4 cm x 20,3 cm. Imagen: 13,3 cm x 13,5 cm.
Edición 7/40.
[email protected] (+57) 318 325 7113
FRANCESCA WOODMAN
Space, Providence Rhode Island, 1976 Gelatina de bromuro de plata
Papel: 35,6 x 28 cm. Imagen: 13 cm x 12.1 cm.
Edición de 40
[email protected] (+57) 318 325 7113
FRANCESCA WOODMAN
Space 2, Providence Rhode Island Gelatina de bromuro de plata
Papel: 25,4 x 20,3 cm. Imagen: 14,9 cm x 14,3 cm.
Edición de 40