Contenido

I. IntroducciónII. Materiales y Técnicas de la pintura

A. El Cuerpo Humano como instrumentoB. Pinceles y Brochas

1. Las CerdasIII. Técnicas o Tipos de Pintura

A. AcuarelaB. Témpera C. Acrílicos D. PastelesE. Óleo

IV. SuperficiesV. Pintura ReligiosaVI. Pintores Panameños

A. Adriano Herrerabarría1. Obras

a) Exposiciones Colectivasb) Exposiciones Individuales

B. Alberto DutaryC. Manuel Encarnación Amador Torrero

VII. ConclusionesVIII. Bibliografía IX. Anexos

Introducción

Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística se ha convertido en una forma de expresión personal visual no dictada por la demanda, que trasciende el material usado, emergiendo detrás de las formas, tonalidades, y matices de colores, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor, siempre partiendo de los elementos básicos de la pintura: línea, forma, textura, valor tonal, color y la organización de éstos en el espacio de la superficie sobre la cual se pinta.

La pintura artística es el arte de representar gráfica y estéticamente objetos, sensaciones, ideas, y sentimientos mediante la aplicación de pintura de colores sobre papel, tela, madera, paredes etc. Pintar requiere técnica, temas, sentimiento, y sentido estético. La pintura artística es una actividad manual, mental y emocional. Ésto es así se pinte por encargo o no.

Materiales y Técnicas de la pintura

A lo largo de la historia se han inventado varias clases de pinturas (fresco, acuarela, témpera, encáustica, óleo, acrílica)y una multiplicidad de técnicas (impastos, veladuras, puntillismo, etc.). La mayoría de ellas han sido empleadas por siglos; la pintura acrílica y la llamada "alkyd" son las únicas que tienen menos de un siglo de inventadas.

Básicamente una pintura (cuadro, mural, panel, etc.) consiste de un soporte (papel, cartón, tela, madera, muro) cubierto por pigmento en polvo mezclado con algún líquido aglutinante (goma arábiga, yema de huevo, resina, cera derretida, aceite de linaza, acrílico).

La aplicación de muchas de las técnicas requiere de medios para plasmar la obra; éstos pueden variar y, generalmente, no pueden estar limitados a una sola herramienta o instrumento. Otras técnicas, por ejemplo algunas empleadas en el Expresionismo abstracto, no requieren que la pintura sea aplicada empleando un instrumento.

El Cuerpo Humano como instrumento

Se puede utilizar de varias formas ya sea con el mismo cuerpo del artista o con el de sus modelos, pero en este punto se convierte Arte Acción. (Ver imagen de ejemplo en anexos)

Pinceles y Brochas

Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos. (Ver imagen de pinceles en anexos)

Las Cerdas

Las cerdas de éstos, también llegan a ser hechas de distintos materiales, diversos grosores, longitudes y propiedades en su acabado. Las cerdas, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitar el excedente de pintura, limpiarlos con disolvente (varsol) y lavarlos con jabón para retirar el disolvente, secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba. (Ver imagen de cerdas en anexos)

Técnicas o Tipos de Pintura

Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar por sucesivas veladuras un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. (Ver anexos)

Témpera

La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una "carga" de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela "clásica" se considera incorrecto; a ese efecto en la acuarela se le denomina "acuarela opaca" o "muerta". Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. La fórmula de la témpera también incorpora goma arábiga, miel y a veces hiel de buey para aportar más fluidez al recorrido del pincel. (Ver anexos)

Acrílicos

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. (Ver anexos)

Pasteles

La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que, en su composición, llevan una alta proporción de pigmento que se aglutinan con cola y en ocasiones yeso. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.

Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas. (Ver anexos)

Óleo

La pintura al óleo es la técnica rey por excelencia, su pastosidad, su carácter versátil de poder ser empleado en veladuras o en empastes le dan una libertad admirable, ya que su secado es gradual se pueden hacer esfumados y mezclas cromáticas sobre el mismo lienzo o soporte.

Lo más empleado en técnica de procedimiento es el término "graso sobre magro". Las primeras etapas deben tener más color que aceite para que el exceso no dañe la estructura de la tela, y para evitar que estas primeras capas generen filtraciones sobre las últimas capas, dando un aspecto grasiento y perjudicial para la conservación posterior del cuadro, ya que en los excesos de aceite está el problema del amarilleo y las micro fisuras en el proceso del oxidación del aceite.

Los estilos de acabado varían desde las veladuras de Rafael hasta el trabajo pastoso y violento de Monet o Canogar. Su gran flexibilidad ha permitido a los artistas combinar sus bondades con otras técnicas como base, tal es el caso del temple y del acrílico, que aplicados en la etapa primera cumplen el principio de graso sobre magro a la perfección . (Ver anexos)

Superficies

La pintura puede ser expresada sobre una gran variedad de superficies. Éstas pueden tener características distintas, como son la textura y absorción. También la superficie está íntimamente vinculada al acabado y naturaleza expresiva, por ejemplo: no es igual pintar una acuarela sobre una superficie de papel liso que sobre un papel rugoso, tampoco es igual pintar al óleo sobre lienzo que al fresco sobre un muro ya que el primero es un medio pastoso y de avance oleaginoso y el segundo es seco y translúcido. Ahora bien, los medios también tienen resultados diferenciables de acuerdo a la superficie y de acuerdo a los agregados.

La escuela mural francesa con su máximo exponente Eugène Delacroix realizaba sus murales con óleo y cera con la finalidad de dar el acabado mate propio del fresco, en cambio Rafael Sanzio en su escuela de Atenas empleó veladuras muy seguras y progresivas de menos a más, si bien el claro oscuro es más diáfano que el conseguido con óleo su color es más luminoso al estar exento de aceite.

Hay otras formas de sacar provecho al medio y a la superficie, por ejemplo, el muro preparado para el fresco es muy absorbente, para realizar transiciones suaves se debe tener una pronta y preludio en la ejecución, tener los colores listos y tomar el tiempo primero (que es cuando hay más humedad) para realizar los difuminados, sin embargo, esa cualidad absorbente del muro puede emplearse para trabajar con trazos lenticulares y provocar una vibración óptica muy similar al arte de Van Gogh, un ejemplo claro es la técnica de Teodoro Núñez Ureta en el Ministerio de Educación de la ciudad de Lima. De esta forma los limitantes de la superficie se pueden convertir en una ventaja para dar más expresividad a la composición.

También podemos hablar de las nuevas técnicas, de los soportes conglomerados y los nuevos médiums como los esmaltes, acrílicos y pinturas a base de resinas que pueden ser aplicados en empastes que a manera que avanza la ejecución pueden modificar la naturaleza de la superficie, a esto se le llama fondo texturizado, y en su función, se le puede considerar como una superficie expresiva nacida en el espacio-tiempo del trabajo.

Pintura Religiosa

La pintura religiosa es aquella que tiene como tema las representaciones de los textos sagrados, especialmente dentro de los tres monoteísmos. Es un subgénero dentro de la categoría general de pintura de historia caracterizada, en Europa, por tomas las escenas que representa del Antiguo o el Nuevo Testamento, así como las vidas de los santos y otros textos apócrifos cristianos. Es un género ampliamente desarrollado, que constituye una parte muy importante de la producción artística de los pintores en determinadas épocas. (Ver anexos)

Pintores Panameños

Adriano Herrerabarría

Adriano Herrerabarría (Santiago de Veraguas, Panamá; 28 de diciembre de 1928) es un pintor panameño. Originalmente se graduó como maestro de primaria en la Escuela Normal de Santiago, pero se dedicó al aprendizaje de la pintura con la técnica mural, obteniendo en 1955 una maestría en artes plásticas en la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México y un posgrado en pedagogía de artes plásticas en la Escuela Normal Superior de México. (Ver anexos)

Entre 1956 y 1960 realizó otros estudios de especialización en artes plásticas en varios museos, galerías y Escuelas de Bellas Artes de Europa y en 1979 hizo una gira artística a Japón. Hacia 1981 fue nombrado oficialmente representante de la pintura panameña. Durante más de una década fue director de la Escuela de Bellas Artes de Panamá y Director de Educación Artística del Instituto Nacional de Cultura de Panamá.

Su estilo de pintura mural muestra un estilo agresivo, cargado de efectos visuales y técnicos, con un abundante colorido y brillantes degradaciones.

Obras

Exposiciones colectivas

Galería los Tlacuhilos - México, D.F. (1955) La Bienal de América - Palacio de Bellas Artes - México, D.F. (1958) XVI Bienal de San Pablo - Brasil (1979) Encuentro Panamá y Brasil. Atlapa - Panamá (1982)

Exposiciones individuales

Universidad de Panamá - Panamá (1959) Galería Mariano Picón Salas - Caracas, Venezuela (1964) Casa del Periodista - Panamá (1966) Edificio Círculo Militar - Caracas, Venezuela (1967) Caming House - Londres, Reino Unido (1971) Galería de la Caja de Ahorros - Panamá (1973)

Alberto Dutary

Alberto Dutary (Ciudad de Panamá, Panamá; 1928 - 1997) fue un pintor panameño. (Ver anexos)

Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Panamá entre 1950 y 1952, y posteriormente en la Academia de San Fernando en Madrid entre 1953 y 1955, donde aprende a usar técnicas de pintura informal. Al regresar a Panamá creó composiciones con figuras flotantes y fantasmagóricas, a las que bautizó con el nombre de «santos». Hacia la década de 1970 abandona dicha temática para adentrarse al surrealismo.

También fue profesor de pintura en varias instituciones culturales como la YMCA y YMHA de la Zona del Canal de Panamá (1962-1964), en el Instituto Albert Einstein (1970-1973), en la Universidad de Panamá y profesor asociado de historia del arte en el City University of New York.

En 1962 fue uno de los fundadores del Instituto Panameño de Arte.

Manuel Encarnación Amador Torrero

Manuel Encarnación Amador Torrero nació en Santiago de Veraguas el 25 de marzo de 1869. Hijo de Manuel Amador Guerrero (1833-1909), primer presidente de Panamá, se le conoce por haber sido el que diseñó la bandera de la República de Panamá más que por su obra pictórica, su trabajo lingüístico o su carrera diplomática. (Ver anexos)

Fue Ministro de Finanzas durante 1903, y el primer Cónsul General de Panamá en Hamburgo, Alemania entre 1904 y 1908. En 1908, a los 39 años, se traslada a la ciudad de Nueva York donde ingresa al estudio de pintura de Robert Henri. Allí, especialmente entre 1910 y 1914, pinta sus más conocidos paisajes, desnudos, figuras humanas. En esa época se obsesiona con la música y la lingüística y, estando aún en Nueva York, aprende el idioma internacional esperanto y posteriormente diseña su propio proyecto panamane ideado como lengua universal para promover la paz mundial. En 1926 regresa a Panamá donde trabaja como empleado en la Administración de Rentas.

A partir de 1935 participa en algunas exposiciones colectivas y tres individuales. En enero de 1940 donó a la Universidad de Panamá sus dibujos, acuarelas y grabados, donde sobreviven algunos que fueron presentados en una exposición póstuma en 1964. En 2003 la Universidad de Panamá le da su nombre a su nueva Galería de Arte.

Fallece el 12 de noviembre de 1952 en la ciudad de Panamá.

Entre los discípulos de Manuel E. Amador, destacan los pintores Ricardo Conte Porras y Olga Sánchez Borbón.

Panamane: es un idioma artificial creado por el panameño Manuel E. Amador en 1922 y recopilado en un libro en inglés llamado Fundaments of Panamane en 1936.

Conclusiones

Puedo concluir que la pintura es algo que no se puede remplazar ya que tiene todo lo dicho y establecido desde los tiempos remotos. Es algo que ha existido por años y que repito no se puede remplazar, quizás en estos tiempos más modernos ha cambiado un poco pero se sigue manteniendo lo tradicional.

La pintura es muestra que el ser humano tiene habilidades sorprendentes o extraordinarias que al ver usted una pintura ve arte que en muchas ocasiones expresa lo que el pintor siente en el monto de realizar esto.

A pesar que nuestro país no es de este tipos de cosas como: arte, pintura, opera, escultura, etc. Ha habido cantidades de pintores panameños sean acuarelistas, entre otros. Nos puede mostrar la calidad de esto, que esto no lo puede hacer cualquiera.

Al investigar me llamo la atención una frase que dice:

"El pintor persigue la línea y el color, pero su fin es la Poesía" - Rembrandt Harmenszoon van Rijn.

Bibliografía

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura#V.C3.A9ase_tambi.C3.A9n

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Encarnaci%C3%B3n_Amador

http://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Pintores_de_Panam%C3%A1

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_religiosa

http://www.binal.ac.pa/ Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero R.

GONZALES, Armando, “Pintura es Arte 6”. Editorial Océano, Panamá, 2005

Anexos

El cuerpo humano se puede utilizar como instrumentó

Diversos tipos de pinceles

Tipos de Cerdas

Témpera

Acrílica

Pintores Panameños

Óleo

Pintura Religiosa

Alberto Dutary

Adriano Herrerabarria

Manuel Encarnación Amador Torrero