arts plàstiques

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Didáctica de las Artes Plásticas


UAB

ÍndicePág.

Tamara García CarrascoSusanna Sánchez Langa

Didáctica de las Artes Plásticas.

Prof. Elsa Plaza

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1. ¿Qué es para ti la capacidad creadora? ¿Qué relación tiene ésta con la enseñanza del

arte en la escuela?..............................................................................................................2.

2. ¿Crees que durante el proceso de escolarización que tú misma has seguido la

capacidad creadora era un objetivo que tus educadores tenían en

cuenta?.......................................3.

3. ¿Crees que el arte es un tema donde existen respuestas específicas y

correctas?..........4.

4. ¿Cuál es la función del maestro en la clase de plástica? Fundamenta tu

respuesta……..5.

5. ¿Qué es para ti educación en valores y de qué manera se puede relacionar con la

enseñanza del arte con esta?.............................................................................................7.

6. Explica las características del dibujo infantil durante los primeros años de su

desarrollo…………………………………………………………………………………………10.

7. Según lo que ahora has leído y discutido y lo que hemos realizado durante nuestras

clases de taller piensa un ejercicio para realizar con niños de 3 a 5 años partiendo de la

obra realizada por una o un artista, puede ser contemporáneo o de cualquier otra época

histórica……………………………………………………….………………………………….13.

8. Piensa en los criterios que utilizarás para que observen la obra. Ten en cuenta el

material que deberán utilizar. Explica cuáles serán tus criterios de evaluación del

resultado. Y finalmente aplica este ejercicio en algún niño

conocido……………………………………………………………………..…………...………16.

9. Conclusión……………………………………………………………………………………….

17.

10. Bibliografía consultada………………………………………………………………………..18.

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1. ¿Qué es para ti la capacidad creadora? ¿Qué relación tiene ésta con la enseñanza del arte en la escuela?

Nuestro entorno es un gran estímulo para nosotros. Si prestamos atención a nuestro

alrededor podemos apreciar que el arte puede estar en cualquier objeto.

A través del arte podemos tener diferentes visiones y perspectivas sobre nuestra

propia realidad. Para nosotros la capacidad creadora es un medio de expresión. El

niño/a se expresa sus pensamientos, sus sentimientos y sus intereses en los dibujos y

pinturas, ejercicios, etc… todo aquello que realiza en la vida cotidiana del aula.

La capacidad creadora se estimula a partir de la atención y de la observación. Desde

nuestro punto de vista, cualquier persona a cualquier edad puede desarrollar esta

capacidad, aunque a edades tempranas suele ser más productiva.

Tiene mucho que ver la enseñanza y la educación en este aspecto, ya que forman

parte de la base de todo artista. Una buena estimulación sensorial y un buen

aprendizaje pueden lograr una creación sorprendente e innovadora.

Un factor a tener en cuenta es que el trabajo creador debe interpretarse

individualmente.

Desde nuestro punto de vista es muy importante también para la creación artística la

relación entre “el artista” en este caso hablamos de los niños/as y el ambiente. Esta

relación es un punto esencial que debemos tener presente para poder llevar a cabo la

experiencia de la creación artística.

Es importante tener presente que los niños/as aprenden a través de los cinco sentidos.

Todos ellos les proporciona estrategias o herramientas para establecer relación de

interacción con el entorno. El maestro tiene un papel fundamental en este aspecto, en

poder desarrollar sensibilidad hacía la materia del “arte”, en despertar interés,

mostrándole imagen, enseñándole artistas, etc… Mostrándole abiertamente el mundo

del arte.

Creemos que la motivación es imprescindible para el desarrollo de esta capacidad,

pero la dedicación y entrega también tienen su importancia. Si trabajamos con

niños/as podemos apreciar que el interés y la curiosidad son considerables y pueden

llegar a adquirir muchos conocimientos para llevar a la práctica creaciones, es decir,

arte. Desde un circulo hasta un paisaje de unas montañas pueden decir mucho de un

niño/a. Consideramos que hay que animar a los más pequeños de la sociedad a

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expresarse, así podrán ver el mundo que les rodea de otra forma y podrán

desarrollarse a nivel personal y emocional. En un sistema educacional es esencial que

se prime la importancia del desarrollo integral de cada niño/a fomentando en todo

momento su potencial creador. Esto conllevará a que se vaya perfeccionando día a día

en el aula, todo aquello que denominemos arte.

Los niños/as son esponjan absorbentes del conocimiento. Por tanto, son el foco de

enseñanza, desde sus propias transformaciones y su desarrollo. Creemos que el arte

tiene un papel significativo en el desarrollo infantil. Con esto no queremos decir que el

arte se aprenda únicamente en la etapa infantil sino todo lo contrario. Es fundamental

tener presente que la formación del ser humano no acaba nunca y es continua a lo

largo de toda su vida.

2. ¿Crees que durante el proceso de escolarización que tú misma has seguido la capacidad creadora era un objetivo que tus educadores tenían en cuenta?

En nuestro proceso de escolarización la capacidad creadora tuvo cabida en el ámbito

de la plástica de forma notoria. A medida que crecíamos se daba más importancia a

otros aspectos y el arte iba perdiendo importancia. Se podría decir que el arte se

estimulaba sobre todo a edades tempranas, al menos en nuestro caso.

Creemos que nuestros profesores nos deberían haber mostrado de manera

continuada diferentes aprendizajes sobre artistas, tipos de arte, técnicas y formas de

dibujo, etc… para no ser analfabetos visuales sino proporcionar un dominio específico

de las artes visuales.

Nosotras hemos estudiado siguiendo un modelo tradicional, donde los aprendizajes

estaban basados en la repetición y el aprendizaje memorístico. Únicamente nos

transmitían conocimientos diversos pero la clave está en que no experimentábamos,

investigábamos, comparábamos, etc… sobre diferentes tipos de arte, no creábamos

objetos, etc.. Nosotros únicamente tuvimos capacidad de creadora en nuestras

primeras etapas de escolarización y quizá en primaria también. En ese momento ha

sido cuando nuestros maestros han tenido como objetivo nuestra capacidad creadora.

Esto para nosotras, ha sido negativo ya que no nos han potenciado todo aquello que

cada una tiene en su interior sobre sus capacidades artísticas. Hubiese sido

satisfactorio haber tenido un maestro que nos guie, nos asesore, en nuestro proceso

de aprendizaje artístico. Pensamos que es muy importante que cualquier aprendizaje

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no sea un proceso puntual sino continuo para ir matizándolo, reforzándolo,

transformándolo y su vez mejorándolo día a día desde las primeras etapas de

escolarización hasta la secundaria, etc…

Por ejemplo en el libro titulado la enseñanza del dibujo a través del arte que tiene

como autor a B.Wilson y otros, encontramos muy positivo el hecho de que los niños/as

visiten museos y galerías de arte, es decir, mostrar a los pequeños una visualización

de todo aquello que es arte. Tal y como explica en este libre es interesante

familiarizarse con los principales modelos creativos de las artes visuales puede ser

beneficioso para la individualidad, originalidad e inventiva de los alumnos.

Desde nuestro punto de vista, todo aquello que hemos visto negativo de nuestro

proceso de aprendizaje debemos mejorarlo como futuras maestras. Actualmente en

nuestra sociedad da importancia constantemente a la mirada. Los medios de

comunicación nos transmiten diferentes imágenes que nos vamos formando y nos

deforman nuestra visión, es decir, nuestra mirada. Cuando miramos juzgamos pero

este juicio puede ser tanto positivo como negativo. Hemos de intentar ser críticos ante

nuestra mirada por tal de no recibir influencia del exterior y si lo percibiremos construir

nuestra propia mirada. Todos estos aspectos nosotras como futuras maestras lo

tenemos que tener presente en nuestra práctica educativa diaria.

3. ¿Crees que el arte es un tema donde existen respuestas específicas y correctas?

En el capítulo tres del libro titulado Desarrollo de la capacidad creadora que tiene

como autores Lowenfeld y Brittain, nos explica que el arte no es un tema que tenga

unas respuestas estereotipadas y correctas. El maestro no puede tener un manual

donde aparezcan todo tipo de respuestas a sus posibles problemas. No hay

soluciones que sean sistemáticas en el mundo del arte plástico. Una misma unidad

puede tener diferentes tipos de explicaciones y todas ellas igual de validas y

coherentes. No es cuestión de buscar una única respuesta, sino que el maestro debe

dar estímulo a sus alumnos para que cada niño/a de la clase saca todo su potencial a

modo individual. Estamos completamente de acuerdo con esta afirmación que aparece

reflejado en este capítulo “La función del maestro es la de favorecer al

autodescubrimiento del niño y estimular la profundidad de expresión”. Nos podríamos

preguntar ¿Cómo? Pensamos que no hay una respuesta univoca sino que diariamente

se debería de trabajar este aspecto sin presión, ni marcando unas pautas específicas

ya que eso para nosotros no es arte. La expresión creadora está exenta de la

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memorización es más bien todo lo contrario la iniciativa, la espontaneidad, el producir

libremente, etc… Es imprescindible que el maestro cree una atmosfera satisfactoria y

un clima acogedor donde sus alumnos tengan la capacidad de crear sin presión. El

maestro sea el acompañante y el mediador del aprendizaje.

Pensamos que el arte es una forma de expresión abstracta donde la persona plasma

lo que siente, piensa, percibe… y todo esto no está ni bien ni mal. Podemos crear arte

de muchas formas, de ahí el gran bagaje artístico que existe. No todo el mundo

dibujará un objeto de igual manera, o no todo el mundo lo verá igual, esto no querrá

decir que este mejor o peor dibujado, simplemente que podrá dibujarse desde muchos

puntos de vista, resaltando diferentes motivos o colores…

4. ¿Cuál es la función del maestro en la clase de plástica?El maestro ha de estimular y motivar al alumnado en todo momento y ha de animarle a

que invente, cree y siga adelante. Creemos que la motivación e incentivación son las

principales tareas que el profesor ha de realizar (pero no las únicas), ya que estos dos

aspectos serán muy importantes en un futuro en todos niveles del aprendizaje. Antes

de nada es esencial que el profesor se plantee ¿Qué quiero motivar? ¿Por qué?. Para

tener claro los objetivos a conseguir. No es necesario tener muchas metas sino todo lo

contrario.

El alumno conseguirá crear y fortalecer la autoestima imprescindible para la

supervivencia en la sociedad. Para ello el maestro debe crear una atmosfera saludable

y óptima que conlleve a la inventiva, la exploración y el proceso de producción del

alumno/a. Así como también es esencial que el maestro muestre en todo momento

una relación de retroalimentación constante, es decir, “de tú a tú”. Teniendo en cuenta

en todo momento las necesidades de estos. El profesor debe entender cuáles son las

necesidades de su grupo y individual ya que pensamos que únicamente con la

motivación no será suficiente para llegar a los alumnos. Los alumnos necesitan a una

persona que les inspire confianza, apoyo, etc… para que ellos puedan desarrollar su

propia forma de expresión individual. Para que los alumnos tengan la oportunidad de

crear libremente y por tanto que ellos se expresen abiertamente tanto verbalmente

como en el terreno artístico.

El maestro tiene unos ideales, un pensamiento sobre el arte, puede suceder que

tengas discrepancia respecto al trabajo del alumno/a. Su función aquí debería de ser

la comprensión, la flexibilidad, etc… donde tenga presente que la actividad artística es

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del alumno y no del profesor. Puede caer en el error de corregir de manera

desmesurada y esto puede conllevar a la inhibición, limitación y falta de confianza del

niño en el arte.

Estamos de acuerdo, tal como comenta el autor B.Wilson en el libro titulado La

enseñanza del dibujo a partir del arte, cuando explica que los maestros deben

desempeñar para brindar la oportunidad, el aliento, la práctica, el desarrollo de las

aptitudes y la formación en el proceso de aprendizaje. Estos aspectos nosotros como

maestros los debemos tener presente para hacer diariamente una buena práctica

educativa y sacar de nuestros alumnos su mayor potencial de desarrollo en todos los

ámbitos de estudio.

Estamos totalmente de acuerdo con Lowenfeld, Viktor;Brittain, W.Lambert en el hecho

de que el maestro ha de estimular al niño/a, debe de crear un buen ambiente que

conduzca a la expresión artística. El alumno/a debe sentirse acogido para tener una

inventiva personal a expresarse. A su vez el alumno/a debe sentir curiosidad, diversión

en probar técnicas nuevas y diferentes. Pero para que todo este se lleve a cabo

creemos que el profesor tiene que tener la función de mediador, de asesor y de guía

constante en la realización de cualquier trabajo de expresión plástica.

También creemos que la clase de plástica no debe de ser únicamente en las aulas,

sino que el maestro debe de hacer excursiones como visitas a museos, exposiciones,

etc… para mostrar a sus alumnos como plasmar las diferentes creaciones artísticas.

Es esencial también visualizar libros de arte, fotografías, imágenes, objetos, etc… El

hecho de realizar clases por ejemplo al aire libre creemos que es positivo ya que los

alumnos/as pueden observar diferentes sombras, luces, colores, formas, etc…

diferentes a lo que pueden visualizar en una fotografía o en los libros.

Otro aspecto que el maestro debe desarrollar, es que cuando realiza cualquier

ejercicio con sus alumnos/as anteriormente debe de haberlo realizado antes de llevarlo

a la práctica con los niños/as. Esto es esencial ya que podrá observar el material

específico, posibles inconvenientes, si realmente el tiempo que dispone es suficiente,

etc… Creemos que no basta con que conozca de forma abstracta el proceso de

creación artística. Con esto no queremos decir que el maestro debe de ser un “artista”.

El maestro debe de enseñar a sus alumnos no únicamente al simple uso de los

materiales artísticos para el proceso de dibujar o pintar, sino que el profesor debe

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enseñar a conservar las pinturas, a saber mezclar diferentes materiales, limpiar todo el

material, después de acabar el ejercicio guardar el material, colocarlo en su sitio, etc…

Todo esto el maestro lo debe enseñar paulatinamente y de manera progresiva a sus

alumnos.

5. ¿Qué es para ti la educación en valores y de qué manera se puede relacionar la enseñanza del arte con ésta?

En los siguientes puntos destacaremos que es para nosotros la educación en valores,

así como también las diferentes conclusiones que hemos extraído a partir de la

fundamentación teórica y nuestra experiencia como alumnos en la etapa de nuestra

educación obligatoria.

Es importante dar una educación que no esté centrada sólo en la planificación. Por tal

para educar bien, hace falta transmitir la idea de que cada uno de nosotros somos

únicos y que como seres humanos que somos cometemos errores y nos equivocamos.

Para nosotros una buena educación es aquella que da unas pautas, pero unas que

pueden ser criticadas y cuestionadas... nunca encontraremos una verdad que sea

absoluta sino que hace falta transmitir a nuestros alumnos el hecho de ser críticos y

que por ellos mismos puedan extraer sus propios pensamientos y sus propias ideas.

Una forma de poder expresarse seria mediante la capacidad artística. Es esencial no

limitar a los alumnos/as sino que poco a poco sean ellos mismos quien vayan

experimentado y formándose mediante diferentes técnicas.

Otra idea que queríamos destacar es la siguiente: “No hay presente sin un pasado

reconstruido en el pasado. No hay cultura sin memoria”. Por qué vivimos en una

sociedad donde aquello nuevo es el que prevalece?. Entonces lo antiguo ya no nos

sirve?. El pasado es el olvido?. Creemos que vivimos en un mundo donde aquello

fundamental es la novedad, el mundo presente y dónde el mundo futuro juega un

primer plano, mientras que el pasado se encuentra al margen de la sociedad y muchas

veces no se le da la importancia que tiene. Pensamos que se le debería dar el mismo

valor puesto que hace falta inculcar y transmitir a los alumnos la historia. Hace falta

recordar que nosotros existimos en un pasado que perduró en el tiempo, aunque tal y

como nos comenta el artículo Quins són els fonaments per una educació en valors

ètics? que tienen como autores a Melich, J.C, Palou, J, Poch, C (2000) vivimos en una

pedagogía donde aquello que interesa es el futuro. Estamos completamente de

acuerdo con esto y también con la idea que él reivindica, una pedagogía del tiempo,

no únicamente del pasado, sino del pasado, del presente y del futuro.

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Para se pueda producir una pedagogía del pasado, del presente y del futuro es

importante saber escuchar y poder enriquecernos de la otra persona. Por lo tanto el

aprendizaje vendría desde fuera, del otro. Un buen maestro es aquel que está

dispuesto a aprender de sus alumnos, es decir, a aprender de los otros.

También hemos llegado a la conclusión que nosotros como futuros maestros no

podemos dar soluciones definitivas, sino que un maestro debe dar ejemplos pero no

darse como ejemplo, por lo tanto, sería un maestro más testimonial, que diría: hazlo

conmigo, y no, lo debéis hacer como yo lo hago... Desde esta perspectiva

conseguimos crear una relación más enriquecedora y simétrica con el alumno/a, que

proporciona conocimientos a ambas partes, al maestro (que también aprende) y el

alumno.

Hay muchos profesores que en la praxis no lo hacen. Nosotros mismas nos hemos

encontrado en casos en qué el profesor de una determinada materia, todo

explicándonos “x” conceptos, si tú no estás de acuerdo con lo que piensan, les es

igual, puesto que a la hora de puntuarte no te valoran por tu reflexión/opinión sino por

sus pensamientos y por los apuntes que han dado a clase, aunque tu reflexión esté

justificada. Opinamos que con esto el alumno no aprende nada sino que sólo hace un

aprendizaje memorístico sin llegar a una transferencia y asimilación de los

conocimientos. No es libre y no puede expresar todo aquello que lleva dentro, por

tanto no estaríamos fomentando el arte.

La misión profunda del educador no sería únicamente el hecho de presentar aquello

nuevo, sino de recuperar aquello ya experimentado y sabido. Pero con esto no

queremos decir que el maestro no pueda innovar a partir de aquello que viene dado,

sino que nos gustaría ir mucho más allá y el que nos queremos transmitir es que el

maestro puede innovar, pero nunca olvidar ni intentar inculcar sus ideales, normas,

valores, etc... Es esencial mostrar a los alumnos diferentes tipos de arte ilustrativos,

informándole, visitando exposiciones, etc…

Debemos tener en cuenta que nosotros como personas estamos contaminados con

prejuicios. Pensamos y actuamos desde nuestros prejuicios, por lo tanto,

concebiremos siempre las cosas desde una perspectiva determinada. Nosotros,

durante nuestra acción educativa estamos contaminando a los niños con nuestros

propios saberes y estos están influenciados por nuestros propios prejuicios. Es

importante tenerlo presente, puesto que nosotros habremos de dar diferentes

perspectivas sobre una determinada cosa, es decir, no dar un único abanico de

posibilidades sino muchas, mostrar al niño todo el entorno que está a su alcance.

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Mediante el arte todo esto se puede llevar a cabo. A parte, tampoco hemos de olvidar

que cada niño ya carga una mochila llena de prejuicios. Ser conscientes de este

hecho, de que tenemos prejuicios, nos ayuda a querer evitarlos y esforzarnos en este

sentido.

Podemos decir que el maestro es aquel que se responsabiliza de sus alumnos, en el

sentido de responder a las necesidades de sus niños y de estar en contacto con ellos.

Debe tener sensibilidad por crear un buen clima de comunicación en el aula, prudencia

a la hora de hacer notar los errores de sus alumnos, así como alegrarse en el

momento de constatar los aciertos del alumnado, etc.. Se trata, en definitiva, de tener tacto. El maestro debe hacer ética de manera transversal y continuada, no pensamos

que la ética sea una asignatura o se deba hacer en diferentes acciones puntuales. Por

lo tanto, hace falta hacer acciones éticas como que el maestro reciba al alumno de

manera acogedora, hospitalaria, incluso en aquellos momentos que nos toque sufrir

experiencias a su lado. Es importante trabajar la autoestima a partir de la motivación,

intereses, etc.. Podemos también hace hincapié en los valores i principios morales a

partir del arte. Debemos recordar que un buen ambiente de trabajo es un aspecto

relevante para el proceso del aprendizaje.

El arte tiene mucho que ver con la educación en valores, a partir de una expresión

artística podemos trabajar aspectos morales o reivindicar algún hecho transcendental

para nuestra sociedad. Un ejemplo de educación en valores por ejemplo sería el

trabajo que estamos realizando con amnistía internacional. Creemos que estamos

informándonos, explorando, etc… sobre los derechos de los seres humano, el

respecto, la igualdad, la tolerancia, etc.. Todos estos aspectos son esenciales y se

deben trabajar desde que nacemos hasta el final de nuestros días.

Si cogemos diferentes definiciones de valores y nos centramos en la enseñanza, tras

poner en común nuestras experiencias hemos llegado a la conclusión que en general,

a las escuelas actuales no se trabaja lo suficiente la educación en valores, empezando

por el papel del maestro, que es casi siempre para los niños un modelo a seguir y

actúa como tal. Un aspecto muy importante que hemos aprendido en clase es la

importancia que el maestro adquiera el rol de testigo, es decir, no se pone como

ejemplo, sino que da ejemplo, comparte su experiencia, se mueve entre los niños,

participa y los hace partícipes, los hace importantes, los escucha. Tal y como hemos

dicho anteriormente es fundamental el ambiente de la clase para que el niño sea

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participe y flexible para que el niño/a pueda opinar y conformar sus propios

aprendizajes de forma conjunta y mejorando el suyo individual.

Cómo en cualquier clase, como por ejemplo se puede hacer educación en valores

trabajando la tolerancia, el compartir, solidaridad…. Por ejemplo se podría trabajar un

valor en específico y transmitirlo a través de la expresión artística. Con esto podríamos

observar qué significado o formas de expresión tiene cada niño/a. Aunque cada añadir

que estos aspectos se deberían de trabajar en la etapa de primaria ya que pensamos

que los niños tiene un opinión más conformada de lo que significa cada valor. En la

etapa de infantil los niños/as se están formando y a partir de todo aquello que

observan y manipulan pueden ir aprendido. Con esto no queremos decir que no

podamos trabajar la educación en valores en la clase de arte. Se podría trabajar el

compartir materiales, trabajar en pequeños grupos, respectar a los compañeros, etc…

Desde nuestro punto de vista la educación en valores está en constante relación con

el arte y la expresión individual de cada persona. A través del arte podemos promover

y transmitir a los niños/as y adolescentes nuevas formas de participación y de

expresión que sean favorecedoras para el aprendizaje en un marco de diálogo y de

respecto.

6. Explica las características del dibujo infantil durante los primeros años de su desarrollo.

Los autores Lowenfeld y Brittain en el libro Desarrollo de la capacidad creadora

exponen de manera clara y concisa las cuatro etapas del desarrollo de la capacidad

creadora, centrándose especialmente en la evolución del dibujo como expresión del

desarrollo evolutivo general:

Estas son las siguientes:

Etapa del garabateo 2 a 4 años Los comienzos de la autoexpresión.

Etapa preesquemática 4 a 7 años Primeros intentos de representación.

Etapa esquemática 7 a 9 años La obtención de un concepto de la forma.

Edad de la pandilla 9 a 12 años El comienzo del realismo.

A continuación explicaremos cada etapa de manera detallada.

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Etapa del garabateo

El niño refleja aquí en su trabajo creador su desarrollo intelectual y emocional. Dibuja

vigorosamente, aunque puede es flexible para cambiar sus movimientos si nuevas

experiencias se lo exigen. El niño disfruta con su desarrollo kinestésico con sus

garabatos y va logrando un control visual sobre ellos. Es independiente de influencias

perturbadoras.

El niño vive experiencias que vuelca en sus dibujos cuando empiece a asignarles

nombres. Los dibujos van evolucionando desde una serie de trazos al azar hacia los

dos años, que se transforman en movimientos continuos o controlados seis meses

más tarde, hasta convertirse en movimientos mucho más complicados cuando el niño

comienza a asignarles nombres.

Por lo tanto, identificamos tres etapas sucesivas:

1. El garabateo desordenado (trazos generalmente sin sentido).

2. El garabateo controlado (el niño descubre que hay una relación entre sus

movimientos y los trazos que ejecuta en el papel, con lo que puede tener un

control visual sobre los mismos).

3. El garabateo con nombre (el niño asigna un nombre a su dibujo: "esta es

mamá", etc., lo que significa que empieza a establecer una relación del dibujo

con el mundo que le rodea).

Este periodo de la vida es sumamente importante para el desarrollo de actitudes

respecto del propio yo y para el convencimiento de que el mundo es un lugar

interesante y atractivo.

Etapa preesquemática

Aquí comienza un método diferente de dibujo: la creación conciente de una forma que

tiene para el niño alguna relación con el mundo que le rodea. Es, por lo tanto, el

comienzo de la comunicación gráfica, pues son sus primeros intentos por representar

algo del mundo.

Los movimientos circulares y longitudinales evolucionan hacia formas reconocibles,

siendo la figura humana el primer símbolo logrado. Por ejemplo aparece un dibujo tipo

'renacuajo'.

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Etapa esquemática

Luego de mucho experimentar, el niño llega a formarse un concepto definido del

hombre y su ambiente. Llamamos 'esquema' al concepto al cual ha llegado un niño

respecto a un objeto, y que en los dibujos repite continuamente aunque con

variaciones, es decir, no es una repetición siempre igual, estereotipada. Para unos

niños los esquemas son ricos y para otros tienen más pobreza, pero cada niño tiene

su propio esquema.

Entre los esquemas logrados en esta etapa está el esquema humano, el esquema

espacial y el esquema temporal. En estos esquemas no introducirá variaciones

mientras el niño no tenga alguna experiencia particular que le haga cambiar el

concepto.

Respecto del esquema humano promedio de un niño de 7 años, este incluye cuerpo,

cabeza, brazos, piernas, manos, pies, cabello y hasta cuello y dedos.

Respecto del esquema espacial, el niño ahora ya no dibuja simplemente un hombre,

una vaca, etc., sino que los dibuja ubicado en un contexto espacial: dibuja un hombre

sobre el suelo, un sol flotando lejos del suelo, etc., es decir, incluye la línea de base (el

suelo) como parte del paisaje, y ubica a los objetos en sus distintas relaciones

espaciales, siendo la línea de base el principal recurso utilizado para organizar el

espacio.

También desarrollan los niños un esquema temporal, como cuando ubican en lugares

diferentes las diferentes escenas de una narración o cuento.

Los productos de esta etapa son hasta cierto punto más rígidos que los de etapas

anteriores, pero ello responde a la necesidad del niño de organizar y ver relaciones en

el medio que lo rodea.

Edad de la pandilla

El niño descubre aquí que es un miembro de la sociedad -en este momento constituido

por sus padres-, descubre la realidad de sus propias emociones en relación a los

demás miembros de la sociedad, y toma conciencia de la solidaridad, la competencia

y, sobre todo, de su independencia social (puede hacer cosas independientemente de

la voluntad de los adultos). En esta etapa, por tanto, los dibujos tienden a representar

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todas estas experiencias, por lo que es común que dibuje dos o más personas

relacionándose entre sí, haciendo cosas.

El esquema generalizado de la etapa anterior ahora le resulta insuficiente, y se ve en

la necesidad de dibujar de manera diferente a niños y niñas para discriminar el sexo.

La generalización esquemática ya no le es suficiente: agrega detalles a los dibujos

para remarcar el sexo, la función o el rol social de la figura dibujada. La capacidad de

romper con el esquema y de reconocer detalles particulares relacionados con su yo y

con el ambiente es una de las características del niño de esta edad.

Sus dibujos reflejan aquí la necesidad del niño de encontrarse a sí mismos, descubrir

su propio poder y desarrollar sus propias relaciones dentro del grupo o pandilla.

7. Según lo que ahora has leído y discutido y lo que hemos realizado durante nuestras clases de taller piensa un ejercicio para realizar con niños de 3 a 5 años partiendo de la obra realizada por una o un artista, puede ser contemporáneo o de cualquier otra época histórica.

JustificaciónLa siguiente actividad está enfocada para alumnos de P-5. El autor que trabajaremos

será Vang Gogh. Es esencial mostrar a nuestros alumnos diferentes artistas para que

puedan observar sus obras, de esta manera les estaremos acercando el arte mediante

la forma, los colores, etc… Hemos creído conveniente hacer más de una actividad ya

que pensamos que el trabajar un autor en una sesión quedaría un poco precario. A su

vez nos gustaría poder observar si hemos conseguido los objetivos que pretendíamos.

Es importante tener presente que a la hora de plantearse cualquier objetivo didáctico,

sobretodo en las etapas de educación infantil, se debe llevar a cabo más de una

actividad para trabajar a partir de un mismo eje, pero enfocándolo de diferentes

vertientes.

Objetivos didácticos- Conocer algunos aspectos de la biografía de Van-Gogh.

- Acercar a los niños/as al mundo del arte a partir de las creaciones del pintor.

- Reconocer algunas obras más importantes.

- Tener cuidado con el material común.

- Expresar sentimientos y emociones a partir de la observación de los cuadros.

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- Encontrar elementos del entorno natural e inmediato en la obra de Van-Gogh.

- Respectar las intervenciones orales de los compañeros.

- Cooperación en el mantenimiento y el orden del material plástico.

ContenidosLenguaje verbal

- Ampliación del vocabulario a partir de nuevas palabras trabajas en esta unidad.

- Evocación y explicación de las experiencias obtenidas a partir de la realización

de algunos de los cuadros de Van-Gogh.

Lenguaje plástico

- Aplicación de diferentes técnicas plásticas: pintura, ceras, recortar, enganchar.

- Representación de dos obras de Van-Gogh: Autorretrato y Girasoles.

- Alfabeto visual y plástico; colores, formas y líneas.

ActividadEsta actividad la dividiremos en tres sesiones:

Sesión 1:

Autorretrato, 1889 Doce girasoles en un jarrón, 1888

Presentamos el pintor Vincent Vang Gogh y algunas de sus obras, como por ejemplo

el autorretrato y doce girasoles en un jarrón.

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Conocemos dónde nació y cuatro pinceladas de su vida. Haciendo más énfasis a dos

cuadros, el autorretrato que él mismo se pintó y los girasoles. Empezamos el primer

cuadro, el Autorretrato: Necesitamos mirarnos atentamente por ver cómo somos;

nuestros ojos, nuestros cabellos, nuestra nariz, etc. Utilizamos el espejo del lavabo.

Nos dibujamos y pintamos con ceras todo respetando los colores de cada elemento

(ojos, cabellos, color de la piel, arrecades, etc). Antes pero repasamos con rotulador

negro el dibujo a lápiz (los niños y niñas de P5 ayudan a los niños y niñas de P4). Un

vez pintados barnizamos nuestra cara.

Sesión 2:

Falta el marco de nuestro autorretrato. Mientras unos niños pintan con pintura y

carrete el marco del primer cuadro, el resto empieza a pintar la jarra del siguiente

cuadro, los girasoles.

Para realizar el cuadro de los girasoles necesitaremos antes que nada pintar la jarra

dónde después engancharemos los girasoles. La jarra se puede pintar con ceras o

bien con pintura y serraduras. Una vez pintado y secado lo recortaremos. Esta sesión

la destinamos a acabar el primer cuadro y a empezar el segundo.

Sesión 3:

Acabamos el segundo cuadro, los Gira-solos: Tenemos las jarras recortadas de la

sesión anterior (si algún niño/a no va acabarlo lo hace al largo de esta sesión). Para

hacer los girasoles recortamos servilletas de papel dónde hay cuatro de dibujados.

Debemos vigilar porque la servilleta se rompe fácilmente si vamos muy deprisa y

puede ser satisfactorio para que los grandes ayuden a los pequeños. Una vez

tenemos los cuatro girasoles recortados ya podemos montar el cuadro. Cogemos la

jarra y cada niño lo engancha encima de una hoja grande (Dn3), seguidamente

ponemos pegamento en la hoja y enganchamos los girasoles recortados. Para que

quede todo bien fijado ponemos una capa de barniz encima de los girasoles y de la

jarra si se ha pintado con ceras. Si se ha pintado con pintura y serradures echamos

algo de laca del cabello.

TemporalizaciónTres sesiones de 60 minutos.

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MaterialUn espejo pequeño, un trozo de cartulina ondulada y material fungible (pinturas, ceras,

tijeras, pegamento, etc.).

Pintura de diferentes colores y pinceles. En la segunda sesión cogeremos el trozo de

cartulina ondulada y dejaremos que cada niño la pinte del color que más le guste. Una

vez este seca los niños engancharán su retrato.

Un girasol al natural o seco, servilletas de girasoles y pintura con serradures.

AvaluaciónLas actividades de enseñanza-aprendizaje serán también de evaluación, puesto que

nos darán una información privilegiada sobre cómo se está desarrollando el proceso

de enseñanza-aprendizaje y sobre la idoneidad de realizar modificaciones en nuestra

programación de actividades. Nos permitirá también ir ajustando las actividades a las

necesidades de nuestros alumnos.

Los instrumentos de evaluación que utilizaremos serán:

- Mediante un diario de aula recogeremos todo el proceso y hechos significativos.

-Parrillas de control dónde evaluaremos los objetivos redactados en forma de

capacidades evaluables.

8. Piensa en los criterios que utilizarás para que observen la obra. Ten en cuenta el material que deberán utilizar. Explica cuáles serán tus criterios de evaluación del resultado. Y finalmente aplica este ejercicio en algún niño conocido.

Conocimientos previos: Observaremos las diferentes láminas y dejaremos que cada

niño nos explique qué ve. Expresión de sus sentimientos, nos gusta o no, es alegre o

triste..., ¿qué puede ser? ¿Quien ha podido pintar esto?. Observación y reproducción

del propio autorretrato. Descubriremos que muchas de las pinturas de Van-Gogh son

autorretratos o retratos de algún personaje importante para él. Nuestra primera

actividad plasmada será observarnos para podernos dibujar y pintar después.

Por ejemplo descubrimos el autor de las obras dentro de una caja sorpresa. Dentro de

esta encontraremos una tercera lámina. En esta no aparece ningún cuadro si no que

observamos la cara de un señor y unas letras que nos explican algo relacionado con lo

que realizaremos en la clase. Entre todos leemos qué nos explica y descubrimos que

nos habla de su vida y que su nombre es algo extraño. Conocemos donde nació y

algunas de las cosas que le pasaron cuando era pintor. Seguramente el que más nos

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sorprende es que él mismo se cortó una oreja. Colgamos las dos obras de Van-Gogh y

su biografía al corcho de la clase. Observación de los Girasoles.

Intentaremos traer uno girasol al natural o seco. Lo observaremos y dejaremos que los

niños relacionen el girasol con la pintura de Van-Gogh. Observaremos también la jarra

dónde se encuentran los girasoles del pintor y les explicaremos que nosotros también

necesitamos fabricar nuestra jarra. La jarra lo haremos a partir de un molde de

cartulina que los niños decorarán con pintura mezclada con serradures de tal manera

que conseguiremos tener volumen en nuestro siguiente cuadro. Un golpe tengamos la

jarra siento lo engancharemos sobre una lámina grande de cartulina y le

engancharemos los girasoles recortados de la servilleta. Seguidamente barnizamos

los girasoles. Por último nos fijaremos en la firma del pintor que aparece en el lateral

de la jarra. Cada niño firmará su obra en el lateral de su jarra.

Realizamos esta experiencia en un niño de 5 años y los resultados fueron muy

satisfactorios ya que el niño puedo observar diferentes cuadros, a su vez manipular,

experimentar y crear mediante pintura y los diferentes materiales los diferentes

cuadros. A partir de todo esto pudimos ver su capacidad creativa.

9. Conclusión.Durante la realización del trabajo hemos estado reflexionando sobre qué es para

nosotros el arte plástico, cómo transmitir a los más pequeños la motivación por

conocer diferentes autores, por dibujar, pintar todo aquello que les resulte interesante.

A su vez, que ellos observen como un cuadro puede llevar un trasfondo de

sentimientos por los colores, las caras, los gentes….cómo el arte en sí es sentimiento

implícito o explícito.

Nos ha resultado muy interesante el desarrollo de este trabajo. A partir de los

diferentes apartados hemos ido comentado y reflexionado sobre cada punto. El hecho

de hacerlo en grupo nos ha ido bien para poder contrastar opiniones y reflejarla a la

hora de desarrollar cada punto.

Pensamos que es muy importante tener en cuenta a nivel artístico a los más pequeños

de nuestra sociedad. A base de motivación y trabajo podemos lograr grandes

resultados. Trabajar Vang Gogh como actividad didáctica con el grupo clase puede

llegar a ser muy estimulante y nos ha aportado nuevas ideas y puntos de vista para

llevar a cabo en el aula. Creemos que es imprescindible animar y ayudar a los más

pequeños a desarrollar su parte artística, ya que en un futuro les puede ser de gran

ayuda y puede brindarles una noción de la vida más positiva y rica en todos los

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aspectos. Si proyectamos todos los conocimientos que hemos trabajado en ellos,

pueden servirles de mucho y pueden lograr una óptima autoestima que les ayudará a

crecer de forma sana y libre. El educador ha de saber llegar a los alumnos y ha de

animarlos para que sigan plasmando todo lo que les pase por la mente. Si lo logramos,

habremos hecho un buen trabajo artístico.

10.Bibliografía consultada.

Libros:

- Camps, V. (1994). Los valores de la educación. Madrid. Alauda-Anaya

- Lowenfeld, Viktor;Brittain, W.Lambert (1980) El desarrollo de la capacidad

creadora. Buenos Aires: Kapelusz.

- Mathrews, J. (2002) El arte en la infancia y la adolescencia. Barcelona: Paidos.

- Mèlich, J.C. Palou, J. Poch, C. Fons, M. (2000) Quins són els fonaments per una

educació en valors ètics?. Bellaterra. ICE UAB

- Wilson, B. Hurwitz, A. y Wilson, M. (2004) La enseñanza del dibujo a partir del

arte. Barcelona: Paidos.

Páginas web:- Página web sobre el artista Van Gogh.

http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh. Consultada el día 15 de diciembre del 2008.

- Página web sobre el artista Van Gogh.http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/van_gogh.html. Consultada el día 18 de diciembre del 2008.

http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/van_gogh.html

http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/van_gogh.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

arts plàstiques

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