ABONO 30,00 ¤

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LOS CONCIERTOSORQUESTA DE CÁMARA DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN Pág. 6ORQUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID.CORAL “MAESTRO BARBIERI” Y CAMERATA PRIMO TEMPO Pág. 10MUMU. MÚSICAS DEL MUNDO Pág. 14VOCES DE CINE. Ainhoa Zubillaga e Iñaki Salvador Pág. 16JAVIER PERIANES. La música del alma Pág. 18CUARTETO DE SAXOFONES “BISEL” Pág. 20LUIS EDUARDO AUTE Pág. 22

NOTAS AL PROGRAMA Pág. 25EQUIPO DE LA SEMANA Pág. 34 C/ Nicasio Pérez, 21-Bajo · 47005 Valladolid

Telfs.: 616 450 235 · 983 308 649 · E-mail: pianotodo@terra.es

Edita: laberinto-ART · www.laberinto-art.esD.L. VA-902/2012

· Todos los conciertos darán comienzo a las 20:30 horas, excepto el del domingo día 4 de noviembre, que comenzaráa las 19:00 horas.

· Venta de abonos: Del Viernes 19 al Miércoles 24 de Octubre de 19 a 21 horas.· Venta de abonos por Internet: Del Sábado 20 al Miércoles 24 de Octubre en www.ayto-medinadelcampo.es· Venta de entradas: A partir del Jueves 25 de Octubre de 19 a 21 horas y 2 horas antes de cada concierto.· Venta de entradas por Internet: A partir del Jueves 25 de Octubre en www.ayto-medinadelcampo.es· La venta de entradas para el concierto de LUIS EDUARDO AUTE (que no forma parte del Abono) se realizará a partirdel Viernes 19 de octubre en taquilla y por internet.

LUIS EDUARDO AUTE*12 ¤ para los 90 primeros abonados de la Semana de Música.**15 ¤ para desempleados (con tarjeta de Demanda de Empleo) y los poseedores de carnets: Joven, Escuela de Arte Dramático,

Escuela de Danza y Escuela de Música (hasta un máximo de 90 localidades).

La tarjeta de “Demanda de Empleo” y los siguientes carnets dan derecho a un descuento del 20% en las entradas del abono:Joven, Escuela de Arte Dramático, Escuela de Danza y Escuela de Música.

Durante la celebración de la 21ª Semana Internacional de la Música estará abierto el Servicio de Guardería del Auditorio Municipal.

ORQUESTA DE CÁMARA DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN

ORQUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE MADRID

MUMU. MÚSICAS DEL MUNDO

VOCES DE CINE. Ainhoa Zubillaga e Iñaki Salvador

JAVIER PERIANES. La música del alma

CUARTETO DE SAXOFONES “BISEL”

LUIS EDUARDO AUTE *

12,00 ¤

12,00 ¤

4,00 ¤

9,00 ¤

9,00 ¤

6,00 ¤

18,00 ¤

3 presen tac i o n

La Semana de la Música comienza su tercera década, en un año enque la cultura sufre con especial dureza las consecuencias de la mayor crisiseconómica en medio siglo. Sorteando dificultades y con el apoyo firme delAyuntamiento, la 21ª edición ha logrado reunir en siete conciertos una ampliavariedad de géneros.

La Orquesta de Castilla y León, dirigida por Jennifer Moreau, se ha ganadomerecidamente uno de los lugares destacados entre las formaciones de todaEspaña. Fiel a su cita con Medina del Campo, este año abrirá el festival con unprograma que incluye las Cuatro Estaciones Porteñas de Astor Piazzola, elcompositor que llevó el tango a las alturas, abriéndole las puertas de las salasde conciertos.

La Semana de la Música anticipándose al próximo bicentenario del nacimientode Verdi, ofrecerá una de sus obras magnas: Su Misa de Réquiem. Contamospara ello con la Orquesta y coros de la Universidad Autónoma de Madrid. Másde un centenar de músicos rendirán homenaje al mayor compositor para la vozhumana de la historia.

Una vez más La Semana dedica una jornada a la familia y a los pequeños alos que acerca la música a través del espectáculo MUMU: Músicas del Mundodirigido por el vallisoletano José Luis Gutiérrez.

Coincidiendo con los 25 años de la Semana de Cine, la Semana de la Músicadedica una jornada a las más famosas canciones de la historia del séptimo arte,en el concierto titulado "Voces de cine" con la mezzosoprano Ainhoa Zubillaga yel pianista Iñaki Salvador.

El piano es el instrumento rey. Por eso la Semana le ha dedicado siempreuna atención especial. Los mejores pianistas españoles y europeos han pasadopor el festival a lo largo de estos veinte años. En esta edición lo hará el consideradoel mejor pianista español actual: Javier Perianes, que en una original propuestapondrá frente a frente a Chopin y Debussy, dos de los más grandes compositorespara este instrumento y dedicará la segunda parte a la música española de Falla.

Por el festival han pasado los mejores músicos de nuestra comunidad y esteaño el Cuarteto de saxofones Bisel dirigido por el medinense Manuel del Río nosofrecerá en su concierto titulado "CINAZZ", un recorrido por la música del ciney el mundo del jazz.

Y para cerrar, dentro del apartado de Otras Músicas, la Semana presenta porprimera vez en Medina del Campo a Luis Eduardo Aute. El cantautor estrenaráen Castilla y León, su último trabajo multimedia, con 16 canciones inéditas delas que es compositor e intérprete, además de una película de dibujos ("El niñoy el basilisco") realizados por el propio autor, sobre un guión escrito y dirigidopor él mismo. Junto a estas canciones Aute incluirá algunos de sus temas másconocidos.

El Ayuntamiento de Medina del Campo ha hecho un esfuerzo importante,renovando de manera clara su apuesta por el arte y la cultura, y tiene muchovalor este empeño en estos tiempos en los que asistimos a la destrucción deimportantes eventos ya consolidados, la Semana de Música ofrece a los medinensesy visitantes la ocasión de volver a reunirse para disfrutar con este arte universal,antídoto contra todos los males del mundo.

L O S C O N C I E R T O S

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ha ofrecido centenares de conciertos junto auna larga lista de directores y solistas, entrelos que destacan los maestros Semyon Bychkov,Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús López Cobos,Marc Minkowski, Gianandrea Noseda o JosepPons, los cantantes Teresa Berganza, BarbaraBonney, Juan Diego Flórez, Magdalena Kozena,Renée Fleming o Angela Gheorghiu, einstrumentistas como Daniel Barenboim, Aliciade Larrocha, Joaquín Achúcarro, Katia y MarielleLabèque, Maria João Pires, Viktoria Mullova,Gidon Kremer, Gil Shaham, Natalia Gutman oMisha Maisky, entre muchos otros.

Algunos de los compromisos para lapresente temporada 2012/2013 incluyenactuaciones con los maestros Semyon Bychkov,

Diego Matheuz o David Afkham y con solistasde la talla de Hilary Hahn, Mischa Maisky o IanBostridge. Además, el maestro zamorano JesúsLópez Cobos se une a Vasily Petrenko en el rolde principal director invitado.

Uno de los principales objetivos de la OSCyLes la difusión del repertorio sinfónico en elsentido más amplio de la palabra, así como lacreación de nuevos públicos. En este sentidoes importante reseñar la alta implicación de laorquesta en las numerosas iniciativas socialesy educativas que el Auditorio Miguel Delibesestá llevando a cabo.

Desde el año 2007, la OSCyL tiene su sedeestable en el Auditorio Miguel Delibes deValladolid, obra del arquitecto Ricardo Bofill.

v i e r n e s d o s D E N O V I E M B R E

La Orquesta Sinfónica de Castilla y León hacumplido sus primeros veinte años situándosecomo una de las mejores y más dinámicasagrupaciones españolas gracias a su calidad,a la amplitud de su heterogéneo repertorio ya la incesante actividad desplegada en su sedeestable del Auditorio Miguel Delibes deValladolid y por todo el territorio nacional.

Creada en 1991 por la Junta de Castilla yLeón, la OSCyL tiene como su primer directortitular a Max Bragado-Darman. Tras este periodoinicial, Alejandro Posada asume la titularidadde la dirección durante 7 años hasta la llegadade Lionel Bringuer, quien ha permanecido alfrente de la formación orquestal hasta junio de2012. Así mismo la OSCyL ha contado con

Salvador Mas, Vasily Petrenko o AlejandroPosada como principales directores invitados.

Durante estos 20 años de trayectoria, laOSCyL ha llevado a cabo importantes estrenosy ha realizado diversas grabacionesdiscográficas para Deustche Grammophon, Bis,Naxos, Tritó o Verso entre otras, con obras decompositores como Joaquín Rodrigo, DmitriShostakovich, Joaquín Turina, Tomás Bretón,Osvaldo Golijov o Alberto Ginastera. Además,la OSCyL ha llevado a cabo una intensa actividadartística en el extranjero, con giras por Europay America, que le han permitido actuar en salastan destacadas como el Carnegie Hall de NuevaYork.

A lo largo de estas dos décadas, la OSCyL

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ORQUESTA DE CÁMARADE LA ORQUESTASINFÓNICA DECASTILLA Y LEÓN

Con la colaboración de:

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PROGRAMA

I

Concerto grosso en re menor, op. 6 nº 4Arcangello Corelli (1653 - 1713)

Adagio - AllegroAdagio - VivaceAllegro

Concerto grosso en sol menor, op. 6 nº 8, “Fatto per la nottedi Natale”Arcangello Corelli

Vivace - GraveAllegroAdagioVivaceAllegro - Pastorale ad libitum (Largo)

Serenata para cuerdas en Mi menor, Op. 20Edward Elgar (1857 - 1934)

Allegro PiacevoleLarghettoAllegretto

II

Las cuatro estaciones porteñasÁstor Piazzolla (1921 - 1992)

Verano porteñoOtoño porteñoInvierno porteñoPrimavera porteña[Arreglo para violín y orquesta de cuerdas de Leonid Desyatnikov]

Jennifer Moreau, directora y violín solista

OSCyL

v i e r n e s d o s D E N O V I E M B R E

La violinista Jennifer Moreau empezó susestudios musicales en Nueva Zelanda, dondeestudió con Alfredo Campoli, y prosiguió susestudios en los EEUU con Dotothy Delay yMasuko Ushioda, graduándose con honorespor el New England Conservatory de Boston.

Participó en el Festival de Tanglewoodtocando bajo la batuta de Leonard Bernsteiny recibiendo clases de Louis Krasner, LeonFleisher, Joel Krosnic, Eugene Lehner, etc.

Ha sido miembro de la orquestaHandel&Haydn Society de Boston dirigida porChristopher Hogwood y de la Boston PopsFestival Orchestra.

Entre 1989 y 1991 fue concertino en la NewWorld Symphony de Miami trabajando bajo labatuta de Michael Tylson Thomas, John EliotGardiner, Christoph Eschenbach, etc.

Jennifer siempre ha tenido un gran interéspor la música de cámara, colaborando a lolargo de su carrera con músicos como BernardGreenhouse, Laurence Lesser, DmitriSitkovetsky, Walter Trampler, Pascal Moraguès,Gérard Caussé, Henri Demarquette, Joan EnricLluna, Asier Polo, David Quiggle,etc.

También es fundadora y primer violín delos cuartetos Isadora y Ocean Drive.

Ha colaborado con orquestas como la NewZealand Chamber Orchestra, Mahler ChamberOrquesta y New European Strings y es miembrode la Orquesta de Cadaqués y de la OrquestaBandArt.

Ha sido profesora de la Escuela de Veranode Lucena y catedrática de música de cámaraen el Conservatorio Superior de Música deSalamanca.

Desde 1991 es solista de segundos violinesen la Orquesta Sinfónica de Castilla y León,orquesta con la que ha grabado el tripleconcierto de Beethoven.

JENNIFER MOREAUDirectora y violín solista

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ORQUESTA DE CÁMARADE LA ORQUESTASINFÓNICA DECASTILLA Y LEÓN

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capella”, pero ocasionalmente han sidoacompañadas por algunos conjuntosinstrumentales. Desde su creación ha venidorealizando múltiples conciertos tanto en Zamoracomo fuera de la ciudad. También ha participadoen Jornadas de Música Coral y ha sidoseleccionada para tomar parte en diversoscertámenes. Ha interpretado, invitada por elCoro y la Orquesta de la Universidad Autónomade Madrid, el Réquiem de Mozart en 2006, elRéquiem de Fauré en 2011, y el Réquiem deVerdi en 2012 en la Sala Sinfónica del AuditorioNacional de Música.

Enrique MuñozEs profesor de la Facultad de Formación de

Profesorado y Educación de la UAM,desarrollando como músico una triple vertiente,como docente, como compositor y comointérprete y director de orquesta y coros. En elcampo de la composición, pertenece al grupode compositores madrileños más activos,estrenando sus obras dentro y fuera de Españay obteniendo premios nacionales einternacionales. Sus últimos estrenos han tenidolugar en Japón, Italia, Francia, Brasil, FinlandiaSenegal, Rumanía, Taiwán y en el festival decompositores madrileños COMA 2007.Recientemente se ha editado un discomonográfico de parte de su música vocal ACapella por la Casa discográfica EMEC en laserie Compositores Españoles, Vol. 8,interpretado por el Ensemble Vocal francés Soli-Tutti. En su trayectoria como director ha fundadoy dirigido la Orquesta La Vihuela, el Coro Maestro

Barbieri, La Coral Parque Norte, El Coro yOrquesta de la UAM, El Coro de Cámara de laUAM, y El Grupo instrumental de Cámara dela UAM.

Mercedes LorenzoNatural de Medina del Campo (Valladolid).

Obtiene el título de Profesora de Piano por elConservatorio de Valladolid, y más tarde el deProfesor Superior de Solfeo y Teoría de laMúsica, Transposición y Acompañamiento porel Conservatorio Superior de Salamanca. En elaño 1991 es profesora de Armonía en elConservatorio de Zamora y en el año siguiente,1992, pasa a ser profesora por oposición libreen la asignatura de Conjunto Coral eInstrumental en el Conservatorio de GradoMedio de Zamora, donde imparte actualmenteclases de Coro, Piano, Lenguaje Musical yTransposición y Acompañamiento. Realizadiversos cursos de Dirección y Canto Coral conreconocidos profesores como Alberto Blancafort,Mercedes Padilla, Julio Domínguez, JavierBusto, Carl Höset, Johan Duijck, María FeliciaPérez, Alberto Grau o Carlo Pavese. Comoprofesora, además de sus clases en elConservatorio de Zamora, ha impartido diversos cursos de coro y dirección coral.

Carmen Gurriarán, sopranoNacida en Orense, estudia canto, violonchelo

y piano en los Conservatorios de Orense,Santiago de Compostela y Madrid. Obtiene elTítulo Superior de Piano con las máximascalificaciones bajo la dirección de Martín Millán.

s a b a d o t r e s D E N O V I E M B R E

de Madrid, la Orquesta Athanor de Rivas, laOrquesta del Conservatorio de Móstoles, lasBandas Municipales de Villaverde y de Vallecas,el Cuarteto de Cuerda Villa y el cuarteto Alboka.Ha participado en los talleres de Canto Coraly Dirección de la Universidad Complutense yha organizado ciclos de música navideña parael Ayuntamiento de Madrid. En 2006 fué invitadoa participar en Hungría al encuentrointernacional "Éneklö Magyarország". Dedicaparte de su labor a diversos formatos deconciertos divulgativos, y recitales poético-musicales. En 2006 y 2007 participó en lasdos primeras ediciones en Madrid del ConciertoParticipativo "El Mesías" en el Auditorio Nacionaly en el Teatro Real de Madrid. En Marzo de2010 ha actuado en París con el Requiem deJ. Rutter, en colaboración con la Orquesta yCoro de la UAM, con cuya formación hacolaborado también con el Requiem de Verdi,la Novena Sinfonía de Beethoven y el Réquiemde Fauré. En el presente año está invitada aorganizar un concierto para el Proyecto Socialdel Teatro Real de Madrid.

CORAL CAMERATA PRIMO TEMPODirectora Mercedes Lorenzo

La agrupación coral “Camerata PrimoTempo” se crea en 1998, gracias a la labor dela que sigue siendo su directora, MercedesLorenzo Arnaz, profesora de Coro delConservatorio Profesional de Zamora. Suscomponentes, 33 en la actualidad, sonaficionados al canto con distintos niveles depreparación musical y una amplia gama deedades, que va desde jóvenes estudiantes hastapersonas ya jubiladas. El repertorio del coroes muy variado, ya que incluye tanto músicasacra como profana. Abarca también todos losestilos y épocas, así como obras de diversospaíses, pero siempre con un denominadorcomún: el de las obras de reconocido prestigioen el ámbito de la polifonía coral. Lasactuaciones del coro son casi siempre “a

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ORQUESTA Y CORO DE LA UNIVERSIDADAUTÓNOMA DE MADRID. CORAL 'MAESTROBARBIERI' CAMERATA PRIMO TEMPO

ORQUESTA Y CORO DE LA UAM(OCUAM). Director Enrique Muñoz

La Orquesta y Coro de la UAM realizan unintenso trabajo dentro de España y el extranjeropara la promoción y difusión de la músicaclásica, acto que se ve reflejado especialmenteen la grabación de dos CDs y un DVD. Suactividad como intérpretes les ha llevado arepresentar a la UAM como entusiastasembajadores de la actividad musical yacadémica por diferentes partes del país y delextranjero, siempre con un reconocido éxito.Desde su creación, en el año 1995, están bajola dirección de Enrique Muñoz Rubio. Hanactuado en las salas más importantes de Españaentre las que se destaca el Auditorio Nacional,donde todos los años se realiza el concierto decierre de temporada. La OCUAM es tambiéninvitada todos los años a participar enimportantes festivales, entre los que sobresalenel festival COMA, y el Festival de Música Sacrade la Comunidad de Madrid, Creta, París yAngers (Francia). Ha grabado 2 CDs, unodedicado a música francesa; el segundodedicado a la música los compositoresespañoles. Recientemente se grabó un DVDcon un concierto de la 9ª Sinfonía de Beethoven,junto a un documental donde se muestra todoel trabajo realizado por la OCUAM para condicha obra.

CORAL "MAESTRO BARBIERI"Director Fernando Rubio

La Coral Maestro Barbieri nace en 1986.En su larga trayectoria musical cabe destacarla realización de comprometidas obras de lamúsica coral, como el Réquiem de GabrielFauré, la Misa de la Coronación de Mozart, laNovena Sinfonía de Beethoven, el Gloria deVivaldi, o los Funerales de la Reina Mary, dePurcell, entre otras, además del repertoriopolifónico y a capella. Ha colaborado con laOrquesta Sinfónica de la Catedral de Madrid,la Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma

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s a b a d o t r e s D E N O V I E M B R E

Arturo Tamayo y la participación en el FestivalVia Stellae 2009.

Paz Martínez, MezzosopranoNacida en Huesca, inició sus estudios

musicales a los seis años; posteriormentecontinuó en Barcelona, Madrid y Londres. Harecibido clases de perfeccionamiento conVictoria de los Ángeles, Charles Brett, MoniqueZanetti, Robert Expert, Dame Emma Kirkby,Eric F. Halvarson, Elena Obraztsova y PaulaAnglin, entre otros. Hizo su debut escénico conHänsel en Hänsel und Gretel en el Teatro de laMaestranza de Sevilla. Muy interesada en elrepertorio barroco, ha interpretado Hyale(Actéon de Marc Antoine Charpentier), Berenice(Farnace de Francesco Corselli), Dianora (LaSpinalbade Francisco António de Almeyda) yAlcina (Orlando furioso de AntonioVivaldi).Asimismo, ha dedicado especial atención aloratorio clásico: Gloria, Nisi Dominus, Magnificaty Stabat Mater de Antonio Vivaldi, Messiah,Foundling Hospital Anthem y Ode for theBirthday of Queen Anne de Georg FriedrichHändel, etc.; también al renacimiento español:Missa Pange lingua de Jaume Casellas, Misade Requiem para la Reina Bárbara de José deNebra; como repertorio romántico: NovenaSinfonía de Ludwig van Beethoven,Misa en Mibemol mayor de Franz Schubert, Te Deum deAnton Bruckner, Via Crucis de Franz Liszt, Misaen Re mayor de Antonín Dvorák. Su repertoriose extiende hasta fechas más recientes,incluyendo: Berceuses du chat de Igor Stravinskiy Misa Tango de Luis Bacalov. En mayo de2009 colaboró en el estreno mundial de lapieza teatral La lengua en pedazos de JuanMayorga. Ha actuado en el Auditorio Nacionalde Madrid, Centro Cultural de Belém de Lisboa,festivales como Abu Gosh Vocal Music Festivalde Israel, Festival Internacional del Camino deSantiago, Festival de Música Antigua de León,Académie Baroque Européenne d'Ambronay,así como en la Académie Bach de Arques-la-Bataille. Ha trabajado con destacados directorescomo Helmut Rilling, Christoph Rousset, AndreaMarcon, Paolo da Col, Enrico Onofri, CesarioEvora, Óscar Gershensohn y Marcos Magalhães;y formaciones como Sphera Antiqua, LosMúsicos de Su Alteza, La Capilla Real de Madrid,Orquesta Barroca de Cádiz, Orquesta Barrocade Canarias, Músicos do Tejo, AccademiaOttoboni y Divino Sospiro.

Bajo el magisterio de la soprano Elvira Padínfinaliza el grado superior de canto en el RealConservatorio Superior de Música de Madrid.Asimismo amplía su formación con ClaudeAllard, The Scholars, Enedina Lloris, HisperionXX, Helmut Deutsch y Sena Jurinac y comopianista con J. M. Colom, A. Cano, J. PierreDupuy, L. Sinsev y S. Nebolsina. Realiza estudiosde postgrado en Suiza con Rada Petkova, DennisHall y Esther de Bros, becada por la Xunta deGalicia y premiada por la Fundación MarthaMoser de Suiza. Ha escenificado Amahl y losvisitantes nocturnos de Menotti, La voz Humanade F. Poulenc, El retablo de Maese Pedro deManuel de Falla, Cendrillon de P. Viardot. Haestrenado obras de Manel Rodeiro, David delPuerto, J. Arias Bal, P. Vallejo, A. Bertomeu,Jesús Rueda, J. M. López López, Jesús Torres,Falcón Sanabria, G. Acilu, A. Webern, L.Dallapiccolla, M. Feldman, Schnittke, G. Scelsi,entre otros, dentro del ciclo Música de Hoy, enel Centre de Cultura Contemporània deBarcelona, en el Centro Galego de ArteContemporánea en Santiago de Compostela,el MARCO de Vigo, entre otros. Ha grabadoPierrot Lunaire de Schönberg y Stabat Materde Boccherini, ambos para RNE; un programade música española del s. XVIII con el guitarristaGermán Muñoz, para TVE-2 y “Sobre la noche”de David del Puerto en un CD para el selloVerso. En el año 2002 fue seleccionada paraparticipar en el ciclo Jóvenes Músicos de laOrquesta Sinfónica de RTVE. Ha cantado conla Orquesta de Cámara Andrés Segovia, laOrquesta Real Philarmonia de Galicia, elProyecto Guerrero, el Grupo Modus Novus, laOrquesta de RTVE y la Orquesta de laComunidad de Madrid. Algunos de los directorescon los que ha trabajado son P. André Valade,J. Ramón Encinar, P. Halffter, A. Ros Marbá,A. Leaper, E. García Asensio, etc. Ha estrenadola Tercera Sinfonía de David del Puerto pararecitador, soprano, mezzosoprano y orquestabajo la dirección de E. García Asensio. Formaparte del trío Rejoice de música electrónicajunto con el acordeonista Angel L.Castaño y elcompositor David del Puerto y ha fundado elcuarteto vocal a capella 4Frequencies. Entresus próximos compromisos figuran lainterpretación de la tercera sinfonía de Daviddel Puerto con la Orquesta Sinfónica deCórdoba, un concierto en el Auditorio ReinaSofía con la Orquesta de RTVE dirigida por

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Misa de Réquiem (1869)Giuseppe Verdi (1813-1901)

I

RéquiemKyrie

Dies irae

II

OffertoriumSanctus

Agnus DeiLux aeternaLibera me

PROGRAMA

Miguel Borralo, tenorTras estudiar canto con la maestra Ángeles

Chamorro, realiza estudios de perfeccionamientocon Suso Mariátegui y Edelmiro Arnaltes envarios Cursos de Ópera y Lied y como alumnoparticular, y de Pianistas Repertoristas comoCelsa Tamayo, Patricia Burton, Mac Sawyer yRicardo Bini. Así mismo ha recibido Leccionesy Clases Magistrales de algunos de los mejoresCantantes del Panorama Internacional; comoDolora Zajick (Mezzosoprano), Raul Giménez(Tenor), Inva Mula (Soprano), Josep Bros(Tenor), Elisabeth Whitehouse (Soprano),Verónica Villarroel (Soprano), entre otros. Haactuado como Solista en Teatros como el TeatroReal de Madrid y Ópera Nacional de París, entítulos como "Don Carlo" de G. Verdi; "Lohengrin"de R. Wagner; "Desde la Casa de los Muertos"de L. Janacek; "Luisa Fernánda" de F. Moreno-Torroba, entre otros. En el Campo del Oratorioha realizado como solista varias misas de W.A.Mozart (K.194, K.317 -Misa de la Coronación-, K.258) el "Requiem" de W.A.Mozart, "El Mesías"de G.F.Haendel, y el "Requiem" de Verdi, juntoa la Orquesta y Coro de la UniversidadAutónoma de Madrid.

Fernando Rubio, bajoFinaliza sus estudios de profesor superior

de canto en el Real Conservatorio Superior deMúsica de Madrid, su ciudad natal. Tambiénrealiza estudios complementarios de piano, asícomo diversos cursos y seminarios de direcciónimpartidos por Martin Schmidt, Juan Estebandel Pozo, Óscar Gershensohn, Josep Prats yMaría Felicia Pérez, habiendo trabajado duranteaños con Jordi Casas. En la actualidad amplíasus estudios de Dirección Coral en Milán (Italia),bajo la dirección del maestro Marco Berrini.Compagina su faceta de dirección coral con lade cantante solista, y desde 1991 es bajo titulardel Coro de la Comunidad de Madrid. Hatrabajado con directores del prestigio de ClaudioAbbado, Jesús López Cobos, García Navarro,Peter Maag, Helmut Rilling, Harry Christophers,Robert King, Odón Alonso, Leo Brouwer, etc.Es desde 1996 director de la Coral MaestroBarbieri; es co-director asimismo del Coro deCámara Clavileño, y ha dirigido en el pasadoagrupaciones como el Coro Aldebarán y el CoroAllegro. Ha sido director invitado de la OrquestaAthanor, de Rivas y de la Orquesta de laUniversidad Autónoma de Madrid.

Conc i e r t o 2 . N o tas a l P rograma en pag . 29

Enrique Muñoz, directorCarmen Gurriarán, sopranoPaz Martínez, contraltoMiguel Borralo, tenorFernando Rubio, bajo

JOSÉ LUISGUTIÉRREZMUMU. Músicas del Mundo

MUMU - Músicas del Mundo, unacercamiento a otras culturas, hasta hace nomucho lejanas y con las que ahora convivimos,mediante el lenguaje universal e integrador dela música. Se presentaran diferentes estilos delas músicas del mundo interpretados con grancantidad de instrumentos de esas culturasmusicales. El sirtaki de Grecia, las músicasandinas, africanas, músicas de Europa del esteo músicas asiáticas. Instrumentos comomandolas, banjo, flautas del mundo, jembes,cabasas, reco reco, gons, etc.

Al mismo tiempo que de una forma amenase muestran otras formas de vida y de pensar,a través de proyecciones, comentarios y de lamúsica, se difunden mensajes con contenidosolidario, de respeto a las culturas, personasy al medio ambiente, así como de otros valoreshumanos.

tema / estilo / origen1. Soul Drums / Percusión / Tambores del mundo2. Sueños diabólicos / Celta / Irlanda3. El Cóndor pasa / Andino / Los Andes4. Cielito lindo / Corrido / México5. Danza Húngara nº 5 / Zíngaro / Hungría6. Coriomale / Ritual / África7. Fruit Salad / Árabe Bereber / Magreb8. Entradilla / folklore / Folk Ibérico9. Cinco Notas / Folk Asia / China10. Volver / Tango / Argentina11. Camino del Colorado / Country / Estados Unidos

1 4 1 5Conc i e r t o 3 .

d o m i n g o c u a t r o D E N O V I E M B R E

Red de Teatros de Castilla y LeónRecomendado para niñ@s a partir de 4 años y público familiar

José Luis Gutiérrez, voz, vientos e instrumentosétnicosJesús Enrique Cuadrado, voz, cuerdas y percusiónCesar Díez, voz, cuerdas y percusiónAntolín Olea, voz y percusiónJosé Luis Gutiérrez, dirección

PROGRAMA

VOCES DE CINEde la Rosa de R. Strauss; Jenufa de L. Janacek;La Traviata de G. Verdi), en la Quincena Musicalde San Sebastián (Rigoletto de G. Verdi, Gala“Tutto Verdi” y Aleko de S. Rachmaninov enversión concierto), en la temporada de óperade Las Palmas (Ariadne auf Naxos de R. Strauss)en el Teatro Cervantes de Málaga (Romeo yJulieta y Fausto ambas de Ch. Gounod y Jenufade L. Janacek) en el Teatro Real de Madrid (LaVida Breve de M. de Falla) en el Auditorio deLyon (La Vida Breve de M. de Falla en versiónconcierto), en el Palau de la Música deBarcelona (Gala de ópera y zarzuela), en elAuditorio Rioja Forum (Gala de ópera y zarzuela)y en la Sala Dorada del Musikverein (Gala deópera y zarzuela). También ha interpretado laopera Dido y Eneas de Purcell en diversosescenarios, la zarzuela Katiuska de P. Sorozabalen el Teatro Arriaga de Bilbao, Iván el Terriblede S. Prokoviev en el Teatro Monumental deMadrid y Teatro Cervantes de Málaga, AlexanderNevsky de S. Prokoviev, Lauda Sion deMendelssohn y Réquiem de Verdi en el AuditorioNacional de Música.

Colabora como solista invitada en proyectosde música antigua y barroca con grupos comoLa Capilla Compostelana, La Capilla Peñaflorida,La Compañía Musical, La Risonanza, LosMúsicos de Su Alteza, etc.

Ha dado numerosos recitales de música decámara con diversos pianistas y músicos,abordando un extenso repertorio alemán, inglés,francés y español.

Dentro de la música contemporánea destacasu participación en el estreno mundial de laobra Divergencia Armónica de A. Larrauri,encargo de la Sociedad Filarmónica de Bilbaocon motivo de su centenario, junto al cuartetoGauguin.

Ha grabado varios discos para diferentessellos.

Iñaki Salvador (San Sebastián - Donostia,10 de Abril de 1962) Pianista, compositor,arreglista. Realizó estudios de piano, armoníay composición, siendo básicamente autodidactaen lo referido a la música moderna y el jazz.

1 6 1 7Conc i e r t o 4 . N o tas a l P rograma en pag . 3 1

l u n e s c i n c o D E N O V I E M B R E PROGRAMA

Se ha presentado en festivales y salas deEspaña, Francia, Holanda, Gran Bretaña,Polonia, Méjico, República Checa, Cuba yAustria (Musikverein de Viena, AuditorioNacional, Festival Mozart La Coruña, QuincenaMusical, Semana de Música Religiosa deCuenca, Festival de Nantes, The GregynogFestival, Festival de Dax, La Roque D'Antheron,Festival de Morelia, Ciclo de Música yPatrimonio de Valencia, Festival de MúsicaSacra de Málaga, Música en las Iglesias deMadrid, Palau de la Música de Barcelona,Teatro Monumental, Festival de Almagro,Festival del Escorial) ante prestigiosas orquestas(Nacional de España, Nacional de Lyon,Nacional de Rusia, Real Philarmonia de Galicia,Sinfónica de Baleares, Sinfónica de Bilbao,Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Galicia,Sinfónica de Viena, RTVE, Filarmónica de GranCanaria, Filarmónica de Málaga…), dirigidapor maestros como Colomer, Gómez Martínez,Kout, López Cobos, Mena, Neuhold, Patrón deRueda, Pletnev, Victor Pablo Pérez, Ros Marbá,Von Dohnányi, etc.

En el campo operístico, ha intervenido envarias producciones de A.B.A.O (Rigoletto e IVespri Siciliani ambas de G. Verdi; El Caballero

Músico vinculado fundamentalmente a lamúsica de Jazz. Ha editado once discos a sunombre siendo el último de ellos el titulado“TE DOY UNA CANCION (Autoproducción,2009).

Ha colaborado en conciertos y grabacionescon los principales músicos de jazz de España,entre los que se encuentran Perico Sambeat,Pedro Iturralde, Javier Colina, David Xirgu,David Gómez, Mario Rossy, Jorge Rossy,Raynald Colom, Mikel Andueza, Gonzalo Tejada,Joaquín Chacón y muchos otros…. Asimismoes importante el listado de sus colaboracionesinternacionales, con nombres como AllanSkidmore, Jean Toussaint, Jesse Davis, CharlesTolliver, Alvin Queen, etc…

Ha recibido galardones como el “I premioTete Montoliú”. Compone música para cine,teatro, televisión y danza y ha sido y escolaborador habitual de cantautores comoMikel Laboa, Mikel Markez, Imanol, JavierRuibal, etc… Con éste último trabajaasiduamente en la actualidad ofreciendoalgunos conciertos en formato de dúo. Esprofesor de piano de jazz en el Centro Superiorde Música del País Vasco (Musikene) y cuentacon una larga experiencia docente en el ámbitode la música moderna y el jazz, habiendoenseñado en importantes escuelas como el“Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona”y el “Taller de Musics” de la misma ciudad.

AINHOA ZUBILLAGAMezzosoprano

IÑAKI SALVADORPianista

H. MANCINI (1924-1994) “Moon River”DESAYUNO CON DIAMANTES (Audrey Hepburn-George Peppard-Dir. Blake Edwards)

F. CHURCHILL (1901-1942) “Baby Mine”DUMBO (Walt Disney)

G. GERSCHWIN “The man I love”ENCADENADOS (Ingrid Bergman-Cary Grant-Dir.Alfred Hitchcock)

H. STOTHART (1885-1949) & H. RUBY (1895-1974) “I wanna be loved by you”CON FALDAS Y A LO LOCO (Marilyn Monroe-JackLemmon-Tony Curtis-Dir. Billy Wilder)

L. BONFÁ (1922-2001) “Manhã de Carnaval”(piano solo)

BLACK ORPHEUS (Breno Mello-Marpessa Dawn-Dir. Marcel Camus)

R. RODGERS (1902-1979) “Edelweiss”SONRISAS Y LAGRIMAS (Julie Andrews-ChristopherPlummer-Dir. Robert Wise)

S. SONDHEIM (1930-) “Not while I'm around”SWEENEY TODD (Johnny Depp-Helena BonhamCarter-Dir. Tim Burton)

K. WEILL (1900-1950) “Speak low”VENUS ERA MUJER (Ava Gadner-Robert Walker-Dir. William A. Seiter)

H. MANCINI (1924-1994) “Days of wine androses”DIAS DE VINO Y ROSAS (Lee Remik-Jack Lemmon-Dir. Blake Edwards)

S. SONDHEIM (1930-) “Send in the clowns”A LITTLE NIGHT MUSIC (Elisabeth Taylor-LenCariou-Dir. Harold Prince)

H. ARLEN (1905-1986) “Somewhere over therainbow” (piano solo)EL MAGO DE OZ (Judy Garland-Dir. Victor Fleming)

F. CHURCHILL (1901-1942) “Some day myprince will come”BLANCANIEVES (Walt Disney)

A. LARA (1900-1970) “Piensa en mi”TACONES LEJANOS (Marisa Paredes-Victoria Abril-Miguél Bosé-Dir. Pedro Almodovar)

J. KANDER (1927-) “All that jazz”CHICAGO (Renée Zellweber-Catherine Zeta Jones-Dir. Rob Marshall)

E. MORRICONE (1928-)“Nella fantasía”LA MISIÓN (Robert de Niro-Jeremmy Irons-Dir.Roland Joffé)

J. KANDER (1927-) “New york”NEW YORK NEW YORK (Liza Minelli-Robert De Niro-Dir. Martin Scorsese)

El clamor entusiasta de la crítica y de laaudiencia confirma el estatus de Javier Perianescomo uno de los artistas españoles másdestacados del panorama concertístico actual.

Su nombre resulta habitual en los másimportantes festivales españoles, con exitosasactuaciones en los de Santander, Granada,Canarias, Peralada y San Sebastián. En 2012

1 8 1 9Conc i e r t o 5 . N o tas a l P rograma en pag . 32

m a r t e s s e i s D E N O V I E M B R E

PROGRAMA

I

Preludio op. 28 nº 1Chopin (1810-1849)

Preludio nº 1 (Libro I) "Danseuses deDelphes"Debussy (1862-1918)

BarcarolaChopin

L'isle joyeuseDebussy

BerceuseChopin

Clair de lune (nº 3 de la Suite Bergamasque)Debussy

Les sons et les perfums ….. (Preludio no. 4)Debussy

Balada no. 4Chopin

II

NocturnoManuel de Falla (1876-1946) Serenata AndaluzaManuel de Falla

Cuatro Piezas EspañolasManuel de Falla

Fantasía BaeticaManuel de Falla

JAVIER PERIANESConcierto de piano

será Artista en Residencia en el Festival deMúsica y Danza de Granada. Durante latemporada 2012/2013 será Artista enResidencia del Teatro de la Maestranza y de laReal Orquesta Sinfónica de Sevilla. Su presenciaes también permanente en la programación deprestigiosas salas de conciertos de todo elmundo, incluidas el Auditorio Nacional deMadrid, Palau de la Música de Barcelona, Palaude les Arts Reina Sofía y Palau de la Música deValencia, Carnegie Hall de Nueva York, WigmoreHall de Londres, Concertgebouw de Ámsterdam,New World Center de Miami, Barbican Hall enLondres, Teatro de los Campos Elíseos de París,así como su reciente debut en el Festival deLucerna junto a la Filarmónica de Israel y ZubinMehta.

Perianes ha colaborado con prestigiososdirectores como Daniel Barenboim, RafaelFrühbeck de Burgos, Zubin Mehta, MichaelTilson Thomas, Daniel Harding, Pedro Halffter,Josep Pons, Jesús López Cobos, Lorin Maazel,,Vasili Petrenko, y Antoni Wit, entre otros.Compromisos recientes y futuros incluyenactuaciones con formaciones españolas einternacionales como la Orquesta del Capitoliode Toulouse, la BBC de Gales, Yomiuri NipponOrchestra en Tokyo, Orchestre de Chambre deParís, Orquesta Arturo Toscanini, Filarmónicade San Petersburgo bajo la dirección de YuryTemirkanov, New World Symphony junto aMichael Tilson-Thomas, Sinfónica de Sao Paulo,Orchestra of New Russia con Yury Bashmet,así como recitales en Hong Kond, Madrid (CicloScherzo), Sevilla, París, Tokyo, etc…

Sus proyectos discográficos con harmoniamundi han sido recibidos de manera entusiastapor la crítica internacional. Grabacionesrecientes incluyen los Impromptus yKlavierstücke de Schubert, sonatas para tecladode Manuel Blasco de Nebra, Música Calladade Mompou así como la música para piano deManuel de Falla y una grabación en directo deNoches en los Jardines de España junto con laOrquesta Sinfónica de la BBC y Josep Pons.Su último trabajo con harmonia mundi, salidoal mercado en Septiembre, está dedicado aBeethoven (Beethoven moto perpetuo SonatasNos. 12, 17, 22 y 27).

título de Profesor Superior de Saxofón traslograr varias matrículas y premios de honor alo largo de su carrera. A su vez posee el Títulode Profesor de Solfeo, Teoría de la Música yAcompañamiento, así como el Curso de AptitudPedagógica realizado en la UniversidadComplutense de Madrid.

Ha recibido clases de prestigiosossaxofonistas como Jesús Librado, Manuel Miján,Pedro Iturralde, Jean Michel Goury, ClaudeDelangle, Jean Marie Londeix.

Ha recibido clases de Improvisación,Informática Musical, Organización y Direcciónde centros, Dirección de Orquesta, Direcciónde Coros, Armonía, Contrapunto, Fuga yComposición.

Durante los años 1989 hasta 1993 dirigela Coral de Medina del Campo.

Desde Octubre de 1988 hasta octubre de2004 dirige la Banda Municipal de Música deMedina del Campo, obteniendo bajo su direcciónel 1er premio en el Concurso Nacional deBandas de Música “Enrique de la Hoz”celebrado en Madrid en el año 2000 y el 1erpremio en el Certamen Regional celebrado enAlba de Tormes en el año 1994.

Desde 1992 y en la actualidad dirige laEscuela Municipal de Música de Medina delCampo, inscrita en el registro de centros delM.E.C.

Desde el curso 2007-2008 hasta laactualidad ejerce como profesor de laUniversidad de Valladolid en el Departamentode Didáctica de la Expresión Musical, plásticay Corporal.

Desde el año 2006 colabora asiduamentecomo saxofón solista con la Orquesta Sinfónicade Castilla y León, con la que ha realizado másde 15 conciertos por toda la geografía española.

Miguel Angel Arranz MeleroNacido en Peñafiel (Valladolid), comienza

sus estudios musicales a los 10 años. Estudiaen los conservatorios de Valladolid, Salamancay Oviedo, obteniendo el título de ProfesorSuperior de Saxofón.

Posee el Curso de Adaptación Pedagógicaque realiza en la Universidad de Valladolid.

Ha recibido clases de prestigiosossaxofonistas como Jesús Librado, Manuel Miján.Así como la realización de numerosos cursosde perfeccionamiento de su instrumento.

Desde de 2003 hasta la actualidad dirige

20 2 1Conc i e r t o 6 .

m i e r c o l e s 7 D E N O V I E M B R E

PROGRAMA

CUARTETO DESAXOFONES “BISEL” la Banda de Música de Peñafiel.

Desde el año 2000 y hasta 2008 dirige laEscuela Municipal de Música de Peñafiel.

Es miembro del grupo “Pixie and DixieBand” con el que interpreta música de NewOrleáns.

Colabora como saxofón solista con laOrquesta Sinfónica de Castilla y León en variasocasiones.

Ejerce como profesor de Saxofón en elConservatorio Profesional de Música deValladolid desde el año 1996 hasta laactualidad.

Jose Luis G. GarcíaNacido en Iscar (Valladolid), comienza sus

estudios musicales a los 13 años. Estudia enel conservatorio de Valladolid, obteniendo eltítulo de Grado Medio de Saxofón.

Ha recibido clases de prestigiosossaxofonistas: José Antonio Santos, ManuelMiján, Miguel Garrido y Andrés Gomis.

Posee el Curso de Adaptación Pedagógicaque realiza en la Universidad de Valladolid.

Ha participado como músico en el III tallerde sonido y música para cine de la SGAE enMadrid.

Ejerce como profesor de Saxofón en laEscuela Municipal de Música de Tudela deDuero entre los años 2000 y 2002, y de laEscuela de la AMI durante 5 años, así como enla Escuela Municipal de Música de Valladolid.

Dirige la Banda de la Asociación MusicalIscariense desde 2008 hasta la actualidad y laEscuela Municipal de Música de esta localidaddesde 2010.

Diego García MoretaNacido en Medina del Campo (Valladolid),

comienza sus estudios musicales a los 12 añosen la Escuela Municipal de Música de Medinadel Campo. Estudia en el conservatorio deValladolid, obteniendo el título de Grado Mediode Saxofón, con unas excelentes calificaciones,pasando posteriormente a realizar los estudiossuperiores de su especialidad en elConservatorio Superior de Música de Oviedo,donde finaliza sus estudio.

Posee el Curso de Adaptación Pedagógicaque realiza en la Universidad de Valladolid.

Ha recibido clases de prestigiosossaxofonistas: Jesús Librado, Manuel Miján, EloyGracia.

Ejerce como profesor de Saxofón en laEscuela Municipal de Música de Arroyo de laEncomienda, Aranda de Duero y en Toro.

El cuarteto de saxofones “Bisel” inicia suandadura en el año 1996 con la finalidad dedar a conocer y divulgar este “joven”instrumento de viento, así como para fomentarsu afición a todos los niveles y edades.

Los componentes de este cuarteto desaxofones son nacidos en la provincia deValladolid y les une sus inquietudes por elestudio y profundización en el saxofón, asícomo la promoción de este instrumento. Elrepertorio es amplio y variado, ahondando entodos los géneros y estilos musicales: clásica,jazz, música ligera, música de cine y con unclaro acercamiento a la música contemporánea.

Este cuarteto cuenta con la versatilidad depoder ofrecer tanto conciertos monográficossobre temas específicos ( música de cine, jazz,clásica, etc ) como la posibilidad de ofrecerconciertos didácticos a escolares y/o adultosen el que se explica la historia del instrumentojunto a un repaso por la música desde el S.XVI hasta nuestros días.

El repertorio abarca desde transcripcionesde obras de compositores como Bach,Bocherinni, Bizet, Albeniz, Mozart, Piazzolla,hasta composiciones específicas para estaformación de compositores como PedroIturralde, Florenzo y otros.

Manuel del Río LobatoNacido en Medina del Campo (Valladolid),

comienza sus estudios musicales a los 9 añosen el seno de la Banda de Música de sulocalidad, estudiando en los conservatorios deValladolid, Salamanca y Madrid, obteniendo el

I

Moon RiverH. Mancini (1924-1994)

Bach BluesJ. S. Bach (1685-1750) (Arr: Ph. Marillia )

Sud AmericaLino Florenzo (1930-)

Duke's SuiteDuke Ellington (1849-1974)

The Easy WinnersScott Joplin (1868-1917)

II

Aires RumanosPedro Iturralde (1929-)

Opera de los Tres CentavosKurt. Weill (1900-1950)

An American in ParisGeorge Gershwin (1898-1937)

Suite de JazzPedro Iturralde

Manuel del Río Lobato, Saxofón SopranoMiguel Ángel Arranz Melero, Saxofón AltoJosé Luis Gutiérrez García, Saxofón TenorDiego García Moreta, Saxofón Barítono

22 23Conc i e r t o 7 .

j u e v e s o c h o D E N O V I E M B R E

LUIS EDUARDOAUTEEl niño que miraba el mar

Luis Eduardo Aute nace en Manila, IslasFilipinas, 1943. Vive en Madrid desde 1954.Con una temprana vocación por la pintura,expone por primera vez en Madrid en 1960.Ha realizado una treintena de exposicionesindividuales y otras tantas colectivas entodo el mundo. Algunas de sus pinturas hansido seleccionadas para Ferias Internacionalesde Arte como la Bienal de París (1964), Bienalde Sao Paulo (1967), etc. En 1974 le concedenel primer premio de pintura de la XXVIII MostraFondazione Michetti, Italia. Durante los años2004-2006 realizó retrospectivas bajo el título“Transfiguraciones” en diversas ciudadesespañolas, europeas y latinoamericanas.

En 1966, tras componer canciones paraotros intérpretes, graba sus propiascomposiciones. Hasta la fecha, su discografíaconsta de más de una veintena de discos delarga duración habiendo compuesto más detrescientas canciones. Por el álbum doble“Entre amigos” le conceden el Premio Nacionaldel Disco (1983) en España y recibe en Italiael Premio Luigi Tenco (2001) por toda su obra.

Bajo el título “Auterretratos”, en el año 2003inició una nueva grabación de todas suscanciones, de la que hasta este momento sehan editado dos volúmenes dobles.

Desde 1970 compone bandas sonoras parapelículas. También realiza varios cortometrajesy un episodio de la serie “Delirios de Amor”para TVE. En 2001, dibuja, escribe y realiza suprimer largometraje “Un perro llamado Dolor”que es seleccionado para diversos festivalesde cine: San Sebastián (España), La Habana(Cuba), Guadalajara (México), Nueva York(EE.UU.), Mar del Plata (Argentina), etc.

Ha editado cuatro libros de poemas: “LaMatemática del Espejo” (Ángel Caffarena,1975), “La liturgia del desorden” (Hiperión,1978), “Templo” (BMG Ariola, 1986) y “Volveral agua” (Sial, 2003).

También ha escrito “Poemigas”, en formatode libro-disco, “Animal Uno” (Ed. El Europeo,1994) y libro-vídeo, “Animal Dos” (Plaza &Janés, 1999), “Animal Hada”, (Siruela, 2006),el libro-disco “Animal Hito” (Siruela, 2008) y“No hay Quinto AniMalo” (Siruela, 2010).

Todas sus canciones se recogen en elvolumen “Cuerpo del delito” (Temas de Hoy,2003). Sus últimos discos “A día de hoy” y“Humo y azar” han sido editados por SonyBMG,que también edita en 2008 su trabajo“Auterretratos 3”.

En otoño de 2010 se publica el que era suúltimo disco hasta ahora, titulado “Intemperie”.

“El niño que miraba el mar” es un trabajoque cuenta con nuevas canciones escritas ycompuestas por LuisEduardo Aute y unapelícula, “El niño y el basilisco”, de dibujosen animación, de unos quince minutos deduración, sobre un guión dibujado, escrito ydirigido por el autor.

El espectáculo multimedia consistirá en lapresentación de las canciones del disco juntoa otros temas conocidos por el público.

El concierto se realizarán con un trío demúsicos, con sonidos de guitarras, piano,teclados, percusiones y coros.

La película “El niño y el basilisco”, seproyectará sobre una pantalla durante elespectáculo.

n o t a s a l p r o g r a m a

brillante y elocuente, de una lucha interna que serenueva constantemente.

Junto a composiciones de gran envergadura yopulencia orquestal, Elgar no tuvo reparos en escribirpequeñas piezas de carácter más íntimo, un contrasteque en cierto modo era reflejo de ese espíritu deépoca de una sociedad que al tiempo que hacía galade la gloria del Imperio, estrangulaba con su rígidamoral victoriana la expresión de las pasionestransformándolas en superficiales manifestacionesemocionales teñidas de un vacuo y asexuadosentimentalismo.

Una de esas obras breves, quizás la más célebreen su género, es su Serenata para cuerdas en Mimenor. En su forma actual fue terminada en mayode 1892, aunque el material principal deriva de unaobra anterior hoy perdida, las Tres piezas paraorquesta de cuerda que Elgar compuso en 1888,justo después de dejar su cargo de director musicalde la banda del Asilo psiquiátrico de Powick, a cincokilómetros al sudoeste de Worcester. Esta partiturano existe, pero por los datos del programa de manoque sí se conserva (las Tres piezas fueron estrenadaspor la Sociedad Instrumental Amateur de Worcester)se puede comprobar que las indicaciones de temposon similares a las de la Serenata. ¿Estamos ante lamisma obra? Puede ser, ya que parece poco probableque Elgar hubiera permitido la desaparición de lasTres piezas, pues de ellas afirmaba: “Me gustan; eslo mejor que he hecho” [hasta ese momento, hemosde entender]. En todo caso, la Serenata que hoyconocemos fue presentada en el Festival de Herefordel 4 de abril de 1893, si bien fue objeto de una lecturaprevia por la Ladies´ Orchestral Class que Elgarsostenía y dirigía en esos años. En su biografía delcompositor, editada en 1955, Percy Young, afirmaque la Serenata fue escrita para celebrar el terceraniversario de boda de Elgar y Alice, una opinión quees confirmada por las líneas que anotó sobre lapartitura de la reducción para dos pianos: “Braut[término alemán para “novia”; así llamabacariñosamente a Alice] fue de una gran ayuda paraescribir estas breves notas musicales”. Elgar sentíaun especial cariño por esta Serenata, y de hecho fuela última obra que grabó el 29 de agosto de 1933,sólo seis meses antes de su muerte.

La Serenata en Mi menor consta de tresmovimientos (Allegro piacevole, Larghetto, Allegretto)en los que se prescinde de indicacionesprogramáticas, si bien es cierto que las Tres piezassí las llevaban, por lo que sus títulos, “Canción deprimavera”, “Elegía” y “Finale”, nos pueden dar unaidea del carácter que Elgar quiso dar a los diferentesmovimientos. La oscura tonalidad de partida en Mimenor se transforma en algo más nostálgico, menosreflexivo, en el primer movimiento, Allegro piacevole.El oscilante tema inicial, casi desenfadado en sunaturaleza, es sucedido en la sección intermedia porotra melodía más lírica e introspectiva dominada porun pasaje concertante entre el violín y el resto delconjunto. En el nocturnal Larghetto una amplia ydelicada melodía evoluciona lentamente soportadapor un elaborado acompañamiento que se transformaen algo más activo según se desarrolla la estructuradel movimiento. El Allegretto final es una inimitablecreación elgariana donde se combinan la gracia, elvigor y la languidez, cerrando un esquema cíclico

con la vuelta al tema principal del primer movimientoy dando así conclusión a esta obra maestra enminiatura.

Arcangello Corelli (Fusignano, 17 de febrero de 1653 -Roma, 8 de enero de 1713)Concerto grosso en re menor, op. 6 nº 4Concerto grosso en sol menor, op. 6 nº 8, “Fatto per lanotte di Natale”

Durante las dos últimas décadas del siglo XVII hizosu aparición un nuevo tipo de composición musical,el concierto, el cual se convirtió en uno de los génerosmás importantes de la música instrumental delBarroco.

El concierto, con una estructura basada en laoposición entre distintos grupos de instrumentos,permitía combinar en una sola obra algunos de losrasgos definitorios de la estética musical del Barroco,como eran el gusto por los contrastes, la organizacióndel discurso musical en torno al sistema tonal mayor-menor, la configuración de texturas donde las líneasmelódicas se apoyan sobre la presencia destacadade un bajo continuo, o la construcción de una obraextensa a partir de la sucesión de movimientosseparados y autónomos de carácter y tempoigualmente contrastantes.

La estructura de los concerti grossi de Corellideriva del esquema formal de las sonatas en trío. Elnúcleo esencial de estos conciertos está formadopor dos violines y el bajo continuo que constituyenel denominado concertino o soli, opuesto al concertogrosso. Este último, que requiere generalmente elempleo de dos partes de violín, una de viola y el bajocontinuo, desarrolla la función de ripieno o tuttiorquestal, y es aprovechado por el compositor paraobtener un efecto de contraste sonoro. Sin embargo,Corelli no ofrece una diferenciación clara en lo que

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n o t a s a l p r o g r a m a

concierne al estilo entre las partes solistas y las detutti, por lo que estos conciertos pueden considerarsecomo sonatas da chiesa o da camera, donde el ripienorepite las líneas del concertino en un diálogo común,a la vez que funciona a modo de refuerzo de laestructura y de los pasajes cadenciales.

Como escribe Franco Pavan, llama la atenciónesta necesidad de conservación y, sobre todo, de lavoluntad de presentar como modelo una forma queya estaba ampliamente superada en el ámbito delgénero de concierto, no sólo en los ejemplos ofrecidospor Torelli a principios de siglo, sino de manerarotunda en las colecciones vivaldianas de laStravaganza y del Estro armonico, donde la fórmuladel concierto solista cristaliza definitivamente. Porotra parte debe tenerse en cuenta el ambiente en elque Corelli trabajó: Roma representaba un lugarconservador en este período, y el deseo, por partedel alumno Matteo Fornari, de publicar póstumamentelos conciertos del op. 6, parece querer representaruna suerte de testamento y de exemplum de la obradesarrollada por el compositor de Fusignano a lolargo de casi treinta años.

Los Concerti grossi op. 6 fueron publicadosgracias a la iniciativa del ya citado Matteo Fornari,por el editor Estienne Roger en Amsterdam en 1714,un año después de la muerte del compositor. Losdoce conciertos del op. 6 son una recopilación queel propio músico hizo antes de morir de obrascompuestas a lo largo de su carrera. Recién llegadoa Roma en 1675, en cuya Corte Papal se codeabanespléndidos mecenas de las artes y la música comola reina Cristina de Suecia o los cardenales PietroOttoboni y Benedetto Pamphili, Corelli se familiarizócon los ejemplos iniciales de este género musicalque salían justo por entonces de la pluma deAlessandro Stradella y su círculo más cercano. Corelliparticipó sin duda de esta moda, pues Georg Muffatt,que visitó Roma a principios de la década de 1680,reconocía haberse inspirado en el maestro deFusignano para las sonatas en forma de concertogrosso de su Armonico Tributo, editado en 1682.

Los ocho primeros conciertos del op. 6 siguen elesquema de la sonata da chiesa (de iglesia), es deciruna sucesión de movimientos abstractos mezcladoscon otros que podían ser de danza. Los cuatrorestantes adoptan la forma de la sonata da camera(de cámara) o suite de danzas estilizadas.

El primer tipo de concierto, así como las sonatasy las llamadas sinfonías, se interpretaban en lasiglesias antes de iniciarse la misa, o bien comoOfertorios musicales. El Concierto en re menor op.6 nº 4 es un magnífico ejemplo dentro de este género.Los solemnes acordes con que se abre el Adagioinicial sirven de preludio a un animado Allegro en elque los solistas establecen un diálogo constantedibujando un original entramado con la orquesta. Elsegundo movimiento, Adagio, se caracteriza por unclima de contenida pulsación anímica. Después deun danzante Vivace, la obra finaliza con un Allegroen forma de giga; la coda final asume una vez másel carácter alegre y despreocupado que hapredominado en la pieza. Para la misa de Navidadera frecuente que los compositores añadieran unmovimiento optativo en estilo pastoral. Esto es loque ocurre con el más célebre de los conciertos deCorelli, el op. 6 nº 8 “Fatto per la notte di Natale”

VIERNES 2 DE NOVIEMBRE

ORQUESTA DE CÁMARA DE LA ORQUESTASINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN

Edward Elgar (Broadheath, Worcester, 2 de junio de1857 - Worcester, 23 de febrero de 1934)Serenata para cuerdas en Mi menor, Op. 20

Edward Elgar fue el gran renovador de la músicabritánica en la última década del siglo XIX, superandoampliamente los intentos pioneros de otroscompositores por crear un estilo nacional comoHubert Parry o Charles Villiers Stanford, cuyas obrasgravitaban aún en la órbita de la tradición brahmsiana.Con su música, Elgar no sólo expresó el espíritu deuna época, también supo transmitir con un lenguajemusical inconfundible la dimensión humana delhombre. Como señaló el crítico Ernest Newman,además del aspecto eduardiano de Elgar, hay tambiénun elemento personal que deriva de su energía

Arcangello Corelli

Edward Elgar

Fabian Sevitzky, lo que le permitió ser becado en1953 para estudiar en París junto a la prestigiosaNadia Boulanger, maestra de maestros como AaronCopland, Daniel Barenboim, Jean Françaix, PhilipGlass, Darius Milhaud o Virgil Thompson, entre otrosmuchos.

Piazzolla compuso Las cuatro estaciones porteñasentre 1964 y 1970. El término porteño hace referenciaa los habitantes del puerto y la bahía de BuenosAires, y por extensión a todos los bonaerenses. Enprincipio los diferentes movimientos no formaban lasuite que hoy conocemos, sino que fueron naciendocomo piezas independientes, y en verdad muy pocasveces el compositor las interpretó como si se tratarade una obra única. Originalmente fueron escritaspara el Quinteto que Piazzolla había fundado en1959, constituido por bandoneón, violín, contrabajo,piano y guitarra eléctrica. En 1991, JacquesMorelenbaum hizo una nueva orquestación de lascuatro piezas para un quinteto de viento, tresviolonchelos y un contrabajo, y así las grabó agrupadasbajo el título de Las cuatro estaciones porteñas enuna clara referencia a los conocidos conciertos deVivaldi. Sin embargo, no fue hasta finales de esadécada, muerto ya Piazzolla, cuando el compositorruso Leonid Desyatnikov, nacido en 1955, realizó elarreglo para violín y orquesta de cuerda que másdifusión ha tenido. Desyatnikov es, de hecho, elverdadero responsable de las ingeniosas conexionesvivaldianas, estableciendo un diálogo musical entrePiazzolla y Vivaldi a través de un continuo históricoque enlaza tiempos y espacios muy diferenciados.El compositor ruso lleva a cabo un hábil juego conlas citas de Vivaldi en función de la diferencia deestaciones en ambos hemisferios terrestres. Así, porejemplo, y eso lo sabemos todos, cuando es veranoen Argentina, en Italia es invierno, y Desyatnikov lo

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(“Compuesto para la noche de Navidad”) y dedicadocon toda seguridad al Cardenal Pietro Ottoboni,amigo y mecenas del compositor. El últimomovimiento de este concierto se tiñe de ese carácterarcádico: en él hay ecos de instrumentos y melodíaspopulares. La referencia al sonido de la zanfoña seconsigue con el pedal que tocan los violines delripieno. La página se desarrolla serenamente conalternancia de solos y tuttis, mientras la música vadesvaneciéndose en piano evocando la Adoración delos pastores.

Ástor Piazzolla (Mar de Plata, Argentina, 11 de marzode 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992)Las cuatro estaciones porteñas(Arreglo para violín y cuerdas de Leonid Desyatnikov)

El compositor argentino de ascendencia italianaÁstor Piazzolla revolucionó en las décadas de loscincuenta y los sesenta del siglo XX el conceptomusical y orgánico del tango, y suscitó una punzantepolémica entre los tangueros de la “vieja guardia”,quienes, en su rígida ortodoxia, rechazaban cualquiertipo de innovación que afectara al ritmo, el timbre,la instrumentación o la armonía de un génerofuertemente arraigado en el imaginario popular ycolectivo bonaerense. “Sí, es cierto -respondíaPiazzolla a sus detractores en 1954-, soy un enemigodel tango; pero del tango como ellos lo entienden.Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creenen el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, tambiéndebe cambiar la música de Buenos Aires. Somosmuchos los que queremos cambiar el tango, peroestos señores que me atacan no lo entienden ni lovan a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, apesar de ellos”. Este encuentro deliberado entretradición y modernidad estimuló el enfoqueiconoclasta de Piazzolla dando lugar a lo que vinoen llamarse el Nuevo tango, una síntesis de variadasinfluencias que van desde el jazz a la música clásica(desde el Barroco a los grandes compositorescontemporáneos: Ravel, Bartók, Stravinsky…).

Piazzolla fue un niño precoz tanto en suaprendizaje musical como en su faceta de intérpretede bandoneón. Buenos Aires le enseñó todos lossecretos del tango. Según sus propias palabras, suformación tuvo lugar “en una fría habitación de unacasa de huéspedes, en los cabarets durante los añoscuarenta, en los cafés con balconadas y orquestas,en las personas de ayer y hoy”. Paralelamente a suvida nocturna donde tocaba en diferentes grupos,entre ellos el más famoso de la época, la orquestatanguera de Aníbal Troilo, Piazzolla asistía a lasclases del compositor clásico argentino por excelencia,Alberto Ginastera. Con su obra Buenos Aires (Tresmovimientos sinfónicos), después conocida comoSinfonía Buenos Aires, Piazzolla, ganó el premio

compositores italianos debían escribir un movimientode la misa de Requiem en su honor; en este caso,Verdi elige el texto del Libera me. Por distintosmotivos, el proyecto no prospera. Verdi se sientedecepcionado por la experiencia, pero ante la pérdidade Manzone decide rescatar el Libera me, y concretarél mismo una Misa de Requiem.

La Misa de Requiem fue compuesta hacia el año1873 en memoria de Alessandro Manzone, quienfuera uno de los intelectuales más importantes dela Italia del Risorgimento, y a quien Verdi admirabaprofundamente. El estreno se llevó a cabo el 22 demayo de 1874, en Iglesia de San Marcos de la ciudadde Milán, cuando se cumplía el primer aniversariode la muerte de Manzone. No obstante, rasgos delestilo compositivo de Verdi en esta obra se puedeencontrar en periodos anteriores; cuando Verdicompone esta monumental obra aún resuenan en sucabeza melodías de las óperas Don Carlos (1867) yAida (1871). En este sentido, debe destacarse quela Misa de Requiem supone un momento culminantede la evolución estilística del autor. Este hecho, juntoa su efectiva capacidad de usar los recursos musicalespara la descripción escénica, le permite conseguiruna secuencia articulada de pasajes de una granintensidad emotiva y, apoyándose en el texto litúrgico,Verdi nos ofrece una no menos profunda reflexiónsobre la vida y la muerte que trasciende los contenidosdel propio texto litúrgico.

La obra está estructurada en siete números,destacando el numero dos (Dies Irae) por su extensióny complejidad compositva e interpretativa, que incluye,a su vez nueve secciones que concluyen con el “Amen”del Lacrymosa. Por otro lado, se ha especuladomucho sobre el significado de que, contra lacostumbre litúrgica, el autor no concluya esta obracon el “Amen” que es habitual. Podemos encontraren este hecho una de las claves que confirman que,en efecto, esta Misa de Requiem contiene el resultadode una compleja reflexión (quizás no confesionalmentereligiosa) sobre la muerte que, en palabras del propioVerdi, forma parte de la propia vida (“¿No es todomuerte en la vida?”, se preguntó cuando le hicieronnotar que en una de sus óperas, Il Trovatore, había

Ástor Piazzolla

destaca musicalmente al introducir en el Veranoporteño una cita del Invierno vivaldiano, haciendo lomismo con el Invierno porteño y el Verano italianode Vivaldi.

Piazzolla era un experimentador. Si el tangotradicional, con sus códigos cerrados y su lenguajeparticular, se ha caracterizado por una evidenteparadoja que se deriva de la tensión que resulta deenfrentar al rígido control rítmico la sensual libertadsugerida por la línea melódica, Piazzolla amplía ydinamiza las posibilidades del tango con expresivasdisonancias, bruscas variaciones de tempo y compásy una compleja escritura contrapuntística queconfiguran un universo hipnótico dirigido al deleitede la imaginación. Desyatnikov asume todos esosrecursos y los transfiere al esquema concertante yvirtuosístico de una suerte de concierto para violínen cuatro movimientos, en el que no faltan sinuososglisandos y sorpresivos efectos sonoros y percutivos.

Es importante señalar, sin embargo, unadiferencia esencial entre Vivaldi y Piazzolla: Lascuatro estaciones del veneciano son piezasdeliberadamente descriptivas y literarias. En cambioslas estaciones porteñas de Piazzolla no persiguenese objetivo, no describen efectos atmosféricos, sinoque expresan estados de ánimo, sensaciones lejanas,a veces sueños olvidados. Cada movimiento fluctúaentre polos y motivaciones diferentes. En el Verano,por ejemplo, se hace evidente el contraste entre elatrevido ritmo del tango y los perfumes del barrocoitaliano. Un prolongado y melancólico solo deviolonchelo (la voz del bandoneón) domina la primerasección del Otoño: cada nota parece querer buscarsu propio peso, como si luchara para independizarsede toda la frase musical. Este solo parece apoderarsede todo el tema hasta que hace su entrada el violíncreando un nuevo momento de expectación. Lento,provocativo, incluso intensamente rítmico, el Inviernoofrece la posibilidad perfecta al solista para desplegarsu virtuosismo en la cadencia; las citas del Veranovivaldiano se entrelazan con inusitada intensidad enel emocional tango de invierno de Piazzolla. Unanueva luz brilla en la Primavera porteña, que sedesarrolla a partir de un tema fugado sobre la basede una eléctrica excitación rítmica que domina todoel movimiento.

Julio García MerinoArchivero Musical de la OSCyL

SÁBADO 3 DE NOVIEMBRE

ORQUESTA Y COROS DE LA UNIVERSIDADAUTÓNOMA DE MADRID

Requiem de Verdi

El compositor italiano Giuseppe Verdi (1813-1901) es ampliamente conocido dentro de la historiade la música como uno de los referentes de la óperadel siglo XIX. Son pocas las obras escritas por Verdique se salen de este repertorio, y que además gocende gran aceptación en las salas de conciertos. Unade estas excepciones es, sin duda alguna, su Misade Requiem. Cuando Giacomo Rossini muere, Verdipromueve una composición colectiva donde diferentes

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demasiadas muertes). En esta ocasión, suextraordinaria capacidad compositiva le permite, sindecirlo, detallar algunos de los contenidos expresivosque dan idea de su visión del mundo y de la muerteen el mundo.

Como se ha dicho, Verdi utiliza la música paradibujar un complejo fresco sonoro, casi secuencialy, desde luego, poco convencional, lleno declaroscuros, que enlazan una rica trama desentimientos y emociones. Sin pretender hacer unanálisis musical de la obra, podemos recurrir a cincoejemplos que pueden ayudarnos a entender (y sentirmejor) esta valiosa creación.

El primero es el propio comienzo de la obra.Puede decirse que empieza, casi sigilosamente (conlos violonchelos y el resto de la cuerda con sordinapara introducir la frase del coro “requiem aeternam”)para, a través de un cambio de tonalidad a La Mayor,dar entrada a un movimiento melódico de la cuerdaque envuelve el texto del “lux perpetua”. El miedo alsilencio, al casi vacío del retóricamente llamado“descanso eterno”, frente al encanto y el sueñodeseado de la “luz perpetua”. Puede decirse que

Verdi está atravesado por esta intensa contradicciónentre reflejar la profunda desolación frente a undivertimento íntimo, pausado y luminoso.

El segundo ejemplo tiene como referencia el temainicial del “Dies irae” que, con variaciones, apareceen varias ocasiones a lo largo de la obra. Este temaha sido descrito como un ejemplo de verdaderaconvulsión sonora que, apoyado en los cuatro acordesde Sol menor que anuncian su inicio, recuerdanmusicalmente la mezcla pictórica del “Juicio final”de Miguel Angel. Nunca sabremos si este intensogrito del coro y de la orquesta es de terror y pánicoo de rebeldía y lucha. Pero es, ciertamente, reflejode la intensa convulsión que, una vez más, escontrapuesta al momento en el que se rompe, primerocon el sotto voce pianísmo del coro (“quantus tremores futurus…”) y, posteriormente, con la sobrecogedoray vacilante entrada del bajo solista en el fragmentode “mors sutpebit et natura” (muerte y naturalezaquedarán asombradas…).

El tercer ejemplo lo encontramos en el “Rextremendae”, en particular, el fragmento musical quese apoya en el texto de “salvame fons pietatis”, dondeel autor parece querer recoger el grito de piedad ynoble compasión provocado por la contemplaciónde la dureza del sufrimiento humano, de todos lostiempos, que parece revivirse con ocasión de lamuerte de cada persona. La conmoción de la muertehace reivindicar al autor el valor de la piedad que,hoy llamaríamos empatía, y que nos gustaría quefuera un sentimiento más extendido y no sóloreservado al dramático momento de la muerte.

El cuarto ejemplo podemos encontrarlo en elconocido pasaje del “Lacrymosa” (“Oh día lleno delágrimas…”), en el que Verdi pretende reflejar unavez más el sentimiento de profunda desolación yangustia, casi haciendo llorar a la solistamezzosoprano, que después de haber introducidola sección, acompaña el solo del bajo con una melodíaascendente que evoca un llanto desgarrador. Estemomento de angustia se ve contrapuesto con otrosde íntima ternura al invocar el perdón y la piedad(“pie Jesu”).

El último ejemplo al que nos queremos referir esel último número de la obra, Libera me. Como esbien conocido, Verdi incorpora a este número materialque había preparado para el frustrado proyecto deuna composición colectiva con motivo de la muertede Rossini. Partiendo de un recitativo de la sopranosolista, Verdi utiliza una estructura de fuga con unamelodía que oscila entre un contenido expresivocargado de teatralidad, no exento de burla, marcandocasi un paso de fuerte zapateo (a “tutta forza”, escribeen la partitura el compositor), en oposición al destinodramático que siempre acompaña a la muerte. Almomento de reexponer el tema inicial, lo hace encontraposición de un contratema con una imitaciónen estrecho, que denota un gran dominio delcontrapunto por parte de nuestro compositor.

El final de la obra es, una vez más, un claroejemplo de la visión llena de dudas, y se convierteen el reflejo de una profunda incertidumbre sobre elsentido de la muerte y, posiblemente, también de lavida. Concluye la obra con la soprano solista casimusitando angustiosamente la frase “liberame,Domine, de morte aeterna, in die ill tremenda”,siendo envuelta tiernamente por el cada vez más

piano canto del coro que se extingue pretendiendodejar una sensación de infinito vacío. En este últimoinstante, no es casual que la obra se esfume en unprofundo y luminoso acorde de Do Mayor, que es elrelativo mayor de la tonalidad de La menor, con laque esta Misa de Requiem comienza.

Esta obra es, sin duda, uno de los iconos de lamúsica clásica, pero ¿lo es de la música sacra? Hayquien define a este Requiem como la mejor óperade Verdi. Aunque de más está decir que dichaafirmación es exagerada, es injusto desacreditar losméritos religiosos de la obra, especialmente si sólose antepone la idea dramática y popular que existendentro del Requiem, y que son parte esencial dellenguaje de Verdi. A pesar de que el uso de formulasrítmicas complejas e intensas, melodías amplias, yclaros contrastes dramáticos que también sonesenciales dentro de sus óperas, no se puede dejarde reconocer el hecho de que su propuesta sonorarepresenta las emociones generadas por el textoreligioso. Verdi dota a este último de un sentidohumano de la muerte, del ser y del estar sólo frentea un hecho que significativamente, más que ningúnotro, iguala y resigna a todos los seres vivos porigual. Nos ofrece una obra llena de fuerza expresivaque es fruto, a la vez, de su capacidad compositivay de la madurez de su reflexión. El resultado es unacompleja trama de contrastes sonoros de fuerza yternura, de rebeldía y piedad, de protesta y decompasión. La intensidad emotiva que produce laobra, si no consuela, al menos, ayuda a mitigar elmiedo a vacío, en el deseo íntimo de que todo lo quesentimos, todo lo que hayamos sentido a lo largo denuestra vida, trascenderá a nuestro propio final.

José Antonio Corraliza - Nicolás OviedoUniversidad Autónoma de Madrid

Ennio Morricone nacido en Roma en 1928, estáconsiderado uno de los más grandes autores demúsica para el cine de todos los tiempos, hacompuesto la banda sonora de más de 400 películas.Su producción cinematográfica, es ademássumamente heterogénea. En febrero de 2007, ydespués de cinco nominaciones, recibió un Oscarhonorífico de la Academia de Hollywood comohomenaje a su dilatada carrera. De Morriconeescucharemos el tema principal de la película "LaMisión ", dirigida por Roland Joffé.

Frank Churchill fue el compositor preferido porWalt Disney. Trabajó para él desde 1930, despuésde conseguir su primer éxito con la famosa canción"Quién teme al lobo feroz" Las canciones de laspelículas "Dumbo" y "Blancanieves" también formaránparte del concierto.

Herbert Stothart, fue durante veinte años elcompositor favorito de la MGM. Ganó el Oscar conla Banda sonora de "El mago de Oz" y compuso juntoa H. Ruby la famosa canción "I wanna be love byyou", que inmortalizó Marilyn Monroe en "Con faldasy a lo loco" de Willy Wider. En "El mago de Oz", otracanción compuesta por Harold Arlen alcanzó tambiénla fama; "Somewhere over the rainbow", interpretadaen la película por Judy Garland. La canción leacompañó durante toda su vida, siendo una de lasmás representativas del cine norteamericano. Lapropia Judy Garland decía a propósito de ella, «Overthe Rainbow se ha convertido en parte de mi vida.Simboliza tan bien los deseos y sueños de la genteque estoy segura de que ése es el motivo por el quelloran cuando la escuchan. La he cantado cientos deveces y sigue siendo la canción que llevo más cercadel corazón». Será uno de los momentos másesperados del concierto.

El pianista Iñaki Salvador nos recordará "Mañanade carnaval" tema principal de la película "Orfeonegro", compuesto por Luiz Bonfá el guitarristabrasileño que formó parte del primer grupo demúsicos de bossa nova. La película, dirigida porMarcel Camus, ganó el óscar al mejor filme extranjeroen 1959.

LUNES 5 DE NOVIEMBRE

VOCES DE CINE

Medina del Campo ha celebrado este año uncuarto de siglo vinculada al cine a través de suSemana. La Semana de Música se une alacontecimiento con este programa que hará lasdelicias de los amantes de la música en general ydel cine en particular. En él se incluyen algunas delas melodías más famosas de la historia del séptimoarte. Junto a la voz de la mezzosoprano AinhoaZubillaga y el piano de Iñaki Salvador, podremosdisfrutar también de algunas de las imágenes de laspelículas correspondientes a cada uno de los temas.

Entre los compositores que forman parte delprograma, destaca Henry Mancini, creador de unestilo moderno, casi minimalista, mezcla de jazz ypop, que le confirió un estilo contemporáneo a laspelículas. Ha pasado a la historia con sus docenominaciones al Óscar, cuatro de ellos finalmenteconseguidos. Dos lo fueron por la mejor canción.Ambos temas, los inolvidables "Moon River" y "Díasde vino y rosas" estarán presentes en el concierto.

Tampoco faltará "Edelwaiss" de Richard Rodgersjunto a las imágenes inolvidables de "Sonrisas ylágrimas" dirigida por Robert Wise en 1965.

Ennio Morricone

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primeros lugares de Europa. Su apuesta es unacontinua lucha por obtener la musicalidad másprofunda de cada obra. Es decir, la sonoridad puracomo expresión más equilibrada del ser humano.Sus actuaciones están dotadas de una mística especialy constituyen un reto arriesgado con el que el artistaretoma cada una de las obras capitales ayudando aconservarlas y elevarlas aún más entre las másgrandes. Perianes, que ha tocado ya en las principalessalas del mundo codo a codo con los más grandescomo Sokolov o Lang Lang, se presenta en Medinadel Campo con un programa muy original,proponiendo un diálogo entre Chopin y Debussy.Ambos son autores amantes de las pequeñas formasy ambos también llevaron sus ideas a límite de ladepuración formal, paradójicamente, persiguiendohuir de ella. En Chopin hay una voluntad detrascender la naturaleza intrínseca del piano comoinstrumento de percusión, en busca de una flexibilidad"cantabile" que con el tiempo se convirtió en uno delos elementos distintivos de su estilo. La pureza y laaparente facilidad con que se derraman sus escalascon igualdad exacta a lo largo del teclado, proyectansu idealismo sensible que permitió abrir las puertasa un lenguaje libre de forma. Su pulsación naturalconcedió al timbre una categoría expresiva nuncaexperimentada antes e incluso se permitió subvertirla férrea dictadura del compás con la utilización desu famoso "rubato" Lo que en Chopin se apunta conlas virtudes de la flexibilidad y claridad de líneas, enDebussy se convierte en una manera de trabajar lamúsica en forma libre, de apariencia improvisada,tratando de evocar sensaciones, a través del empleode los medios sonoros. Las fuerzas de la naturalezasirven a Debussy de incitación a la composición, notanto en sentido descriptivo sino evocador. En suobra los elementos como el mar o el aire son un

estímulo sin que sea particularmente importanteconocer la fuente inspiradora, ya que a la postre setrata de música pura. Debussy conocía a fondo lapintura impresionista y era un decidido partidariode ella. En su técnica musical lleva a cabo algunastransformaciones que tienen un cierto paralelismocon lo aportado en dicha técnica pictórica. Así, lapérdida de definición de la línea en la pintura, setransformaría en una mayor flexibilidad de la melodía,independizada en cierto modo de la arquitectura dela pieza y llevada a límites extremos de libertad ysutileza. Otro elemento será la disociación de laarmonía de la melodía, perdiendo la servidumbre deésta y erigiéndose en elemento autónomo. Otro tantosucede con el ritmo que se atomiza y se haceinstantáneo para diluirse en el contorno general dela música. Pero quizá lo más importante sea la formay la estructura que con Debussy elude definitivamentelas formas clásicas para constituirse en cada obracomo formas únicas de la pieza en particular yderivadas del empleo en cada una de particulareselementos melódicos, armónicos y rítmicos aunadospor una selección del timbre instrumental que enDebussy cobra aspectos desconocidos hasta entoncesen la historia de la música. El resultado es siemprela obtención de una comunicación poética original,creadora de un estilo único.

Entre las piezas de Chopin escogidas por Perianes,escucharemos tres obras maestras compuestas enlos últimos años. La "Berceuse" opus 57 en re bemolmayor, la Barcarola en fa sostenido mayor opus 60y la Balada en fa menor opus 49. La primera es unapieza de rubato sutil que genera una atmosferaimprovisada que anuncia a Debussy. Sobre el fondode la nana dulce y sencilla, se desarrolla una sucesiónde dieciséis variaciones llenas de originalidad. La"Barcarola" con el ritmo típico de la canción venecianaes un movimiento suave y delicado de armoníaluminosa dentro de un lirismo extremo. La Baladanº 4 está considerada como una obra maestra totalpor su inspirada originalidad en los motivos y lariqueza de su armonía. Todo ello dentro de unarefinada escritura, novedosa en el estilo, precursoradel impresionismo musical nacido con Debussy.

Frente a estas tres obras, Perianes nos invita aescuchar otras tres de Debussy. "L’isle joyeuse", esuna evocación dotada de una escritura suntuosa, esla isla feliz de los amores del autor con la que sería

El mejicano Agustín Lara está considerado comouno de los más grandes autores de canciones yboleros de la historia. Canciones como "Granada","Noche de ronda", "Solamente una vez", o el chotis"Madrid" forman parte de una larga lista que ha dadola vuelta al mundo. Agustín Lara dotó a la canciónromántica de una sensibilidad acorde con el mediourbano de los años treinta y cuarenta. Se casó conla actriz Maria Félix a quien dedicó varias canciones.Entre ellas "Maria Bonita" y "Piensa en mi". Estaúltima fue incluida por Pedro Almodóvar en su película"Tacones lejanos", y también forma parte del concierto.Cuestionado y considerado por sus detractores "elsepulturero de la canción mexicana, Agustín Larafue pionero en el aprovechamiento de todos losmedios de difusión: teatro, cine, discos y radio.

John Kander y Fred Ebb son los padres de algunosde los musicales más famosos de las últimas décadas.Trabajaron juntos durante 40 años. El primero es elresponsable de partituras como "Cabaret" su mayorlogro convertido en magistral película por Bob Fosseen 1972, o "New York, New York", filme de Scorsesey "All that jazz" correspondiente al musical "Chicago",también llevado al cine por Rob Marshall. Serán lascanciones que cerrarán el concierto.

John Kander y Fred Ebb

MARTES 6 DE NOVIEMBRE

JAVIER PERIANES: EL ALMA DE LA MUSICA

La Semana de la Música, ha dedicado siempreuna atención especial a la música escrita para elpiano. Un instrumento que se ha adaptado comoninguno al paso del tiempo, acogiendo sus técnicasy estilos nuevos, fruto del nuevo pensamiento entodos los campos del arte. Este año nos visita unpianista diferente, que ha logrado encaramarse a los

su segunda esposa Emma Bardac. Es la obra deDebussy más cercana a lo que podríamos llamaruna "marina musical" siguiendo las pautas delimpresionismo. El "Claro de luna" de la SuiteBergamasque es una de las piezas más conocidas.Engendra un universo nuevo, soñador, poético,evanescente una joya que pertenece por sí sola a lacolección de las grandes obras de la historia. Y porúltimo, "Les sons et les perfums". Los sonidos y losperfumes giran en el aire de la tarde; es el verso deBaudelaire. Es la gran pieza del primer libro dePreludios de Debussy. Es obstinada, voluptuosa,extraña. Una de las más avanzadas en el tratamientoarmónico del autor.

Perianes es uno de los pianistas reconocidostambién por la defensa del repertorio español. Poreso la segunda parte la dedica a Manuel de Falla, elcompositor que mejor combina con los airesimpresionistas que nos ha dejado Debussy. Entre laobras escogidas destacan las Cuatro piezas españolasen las que se percibe claramente la influencia deAlbéniz. Son: Aragonesa, Cubana, Montañesa y laAndaluza final que es la más arriesgada en eldesarrollo armónico. El concierto termina con la"Fantasía Bética". La versión de Perianes se haconvertido en una referencia a nivel internacional.Es una profunda estilización del estilo flamencopartiendo de la música tradicional. El autor buscacon obstinación en los temas del cante jondo y haceque el piano suene como una guitarra. No deja lugara la superficialidad, a veces suena melancólica, perologra destilar el embrujo entre los rasgueos, punteosy arpegios cromáticos a los que dota de un énfasisespecial en la escritura cruzada para ambas manos.Una página que explica la grandeza de Falla y queen manos de Javier Perianes será el broche de oropara un programa sabiamente pensado hasta elúltimo detalle.

Emiliano Allende

Claude Debussy

Manuel de Falla

Frédéric Chopin

Excmo. Ayuntamiento de Medina del CampoConcejalía de Educación y Cultura

Excmo. Ayuntamiento de Medina del CampoJunta de Castilla y LeónDiputación de Valladolid

Escuela Municipal de MúsicaBodegas MenadePianorentSilvano Coello

Teresa Rebollo (Presidenta)Emiliano Allende (Director)Eduardo López (Coordinador)Juan Alfredo RodríguezRené GayDulce María HernándezAna María GayRosa AmigoFco. Javier Blanco

ORGAN I ZA

PA TROC I N A

CO L A BORA

EQU I P O DE L A 2 1 SEMANA I N T ERNAC I O NA L DE L A MUS I CA

Alberto HernándezFernando HerreroFrancisco LorenzoMercedes LorenzoJorge PeñaRichard SanzJulio TovarRaquel Urquijo

Agustín AchúcarroFélix AlcarazManuel del RíoCarolina EscárateRubén Fernández AguirreJulio García MerinoJordi GimenoJosé Miguel González

La Semana Internacional de la Música agradece expresamentela especial colaboración de las siguientes personas: