visita prado 2009 01 14

Museo del PradoVisita del 14 de enero de 2009

© Jesús A. Manzaneque Casero

I.E.S. “Isabel Martínez Buendía” de Pedro Muñoz (Ciudad Real)

ITINERARIOS

• Exposición temporal de escultura clásica “Entre dioses y hombres”.

• Selección de obras maestras de la Colección Permanente.



ENTRE DIOSES Y HOMBRES

Itinerario A



Presentaciones de la exposición en vídeo

Presentación de la exposición

en vídeo del Museo del Prado

Noticia sobre la exposición

de la Agencia EFE

Recorrido en vídeo

por la exposición de

LOGOPRESS / RevistaDeArte



http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Blog/blog_video_003.htm






La exposición

Con ocasión del cierre temporal delAlbertinum de Dresde, se presentaesta exposición durante un período deseis meses. La muestra, que ocupa diezsalas del edificio Villanueva, constituyeun acontecimiento inédito al ofrecer laposibilidad de contemplar reunidas 46de las mejores piezas de la colecciónde escultura clásica de Dresde junto aotras veinte importantes esculturasclásicas del Museo del Prado.

Ambos conjuntos escultóricos sonfruto del coleccionismo barroco yneoclásico y en los dos se integranmagníficas versiones romanas deobras griegas clásicas y helenísticas,además de muchos originales griegoscon policromía antigua y un núcleoexcepcional de retratos.

Zeus de Dresde,Réplica Romana. Escuela de Fidias. s. V a. C, 212 x 104 x 56 cm



La exposición

La dirección de las StaatlicheKunstsammlungen de Dresde hacedido generosamente al Prado esteexcepcional conjunto de obras, en elque se incluyen piezas de resonanciacasi mítica como el Zeus de Dresde y elEfebo de Dresde, réplicas romanas dela Atenea Lemnia de Fidias y del Sátiroescanciando vino de Praxíteles, o laMénade de Dresde y las dos Mujeresde Herculano.

La selección incluye también otraspiezas del arte griego de extraordinariaimportancia como tres relievessepulcrales áticos, tres terracotaspolicromadas de Tanagra, una serie deesculturas helenísticas de Alejandría yde otros centros y algunos retratosromanos de gran calidad. Sileno de Dresde y Ménade de Dresde

Staatliche Kunstsammlungen Dresden



Secciones de la exposición

• Belleza y dicha de los dioses clásicos

– Los poderosos dioses

– La condición humana

– Los dichosos dioses

• Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano

– Dioniso y la fiesta

– Afrodita y la hermosura femenina

– Las musas. Teatro y ciencia

• Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio

– Políticos y oficiales

– Paganismo y cristianismo



Belleza y dicha de los dioses clásicos

La primera sección presenta -en formade réplicas romanas- algunas de lasmás afamadas creaciones del arteclásico griego: del siglo V antes deCristo obras de Fidias, Mirón yPolicleto, del siglo IV otras dePraxíteles y finalmente tres originalesgriegos de la misma época. Lasesculturas testimonian el culto griegoa la belleza y la gran capacidad deinvención formal de sus artistas.

Mientras que en el siglo V se presentaa las divinidades de manera hierática ysolemne, en el siglo IV estas estáncaracterizadas con mucha naturalidady gracia en sus movimientos y gestoscomo expresión de la dicha y de lagloria de unos seres divinos que vivencompletamente separados de loshombres una vida gozosa y eterna.

Afrodita y Tritón, Obra helenística-romana. s. II a. C – I d. C., 52.5 x 23 x 18. Dresde, Skulpturensammlung Staatliche Kunstsammlungen




En una posición contraria seencuentran los mortales que admiranpor esa razón a los dioses, pero, a suvez, se sienten doloridos por labrevedad y tristeza de su vida.

Por ello, se ha incluido en esta seccióntres relieves sepulcrales, cuyas escenasde duelo contrastan con las imágenesde los dioses dichosos.

Sólo los atletas vencedores de lasgrandes competiciones griegas teníanuna posición intermedia entre elhombre común y los dioses. Fueronconsiderados casi divinos como loshéroes y se les veneraba conmonumentos y estatuas tan bellascomo las de los dioses. Muestra de elloson varias de las esculturas másconocidas del Albertinum y del Prado.

Atletas del siglo V a.C. En primer plano, el Efebo de Dresde. En segundo plano el Diadúmeno del Prado. Sala 3 de la exposición.




El arqueólogo alemán Johann JoachimWinckelmann (1717-1768), que dejóDresde para estudiar el arte antiguo enRoma, fue el primero en reconocer enestatuas romanas las más famosasesculturas del arte griego.

Estas reproducciones, como casi todaslas esculturas presentadas en lasprimeras cuatro salas de estaexposición, fueron realizadas durantela época romana copiando losoriginales griegos hoy perdidos. Laspiezas aquí expuestas testimonian elculto a la belleza en la Antigüedad y lagran capacidad de invención formal delos artistas griegos.

En el siglo V a.C. los poderosos diosesse representan de manera hierática ysolemne.

Zeus de Dresde,Réplica Romana. Escuela de Fidias. s. V a. C, 212 x 104 x 56 cm




Uno de sus más grandes creadores fueel escultor Fidias (h. 480-420 a.C.), aquién le fue encargado por el políticoateniense Pericles el proyecto delPartenón realizando los relieves, todala decoración del templo ymonumentales estatuas de culto conuna estética totalmente nueva.

Riqueza de vestimenta, de detalles ydel dibujo en general caracterizan suestilo sensual y opulento. Sus estatuasno conocen apenas movimiento yacción a diferencia de las obras deMirón (490-440 a.C.) aquí expuestas;sus rostros, sin embargo, expresanbenevolencia y protección divina. Esteestilo se observa también en la colosalDemeter de Eleusis situada en la'Puerta de Velázquez', cuyo modelofue creado por un alumno de Fidias.

Démeter de Eleusis. Réplica Romana. Escuela de Fidiass. V a. C. alt.: 208 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado




En Grecia la belleza fue considerada unatributo de los dioses que sólo rara vezera concedida a un mortal. Atestiguanlos poetas y filósofos que los griegos sesentían desdichados por la brevedad ytristeza de su vida en comparación conla de estos seres inmortales.

Los hombres sólo podían olvidarse desu situación cuando se sentíancercanos a los dioses en fiestasreligiosas, en ritos como losdionisíacos o como iniciados en losmisterios de Eleusis.

Las estelas sepulcrales del siglo IV a.C.con sus escenas de despedida y dueloson los típicos monumentos con losque los ciudadanos áticos pretendíandejar un recuerdo digno de laexistencia de sus familias.

Estela sepulcral de la familia de ArquésilasOriginal Griego s. IV a. C. 100 x 67 x 36 cm. Dresde.




Otra suerte corrían los ganadores enlos Juegos Panhelénicos de Olimpia,Delfos y Corinto.

Eran considerados seres casi divinos yvenerados con estatuas de igualbelleza que las de los dioses, comodemuestran las célebres esculturas delDiadúmeno del Prado o el Efebo deDresde.

Así, a los atletas vencedores de lasgrandes competiciones griegas les eraconcedida la condición de héroes, unaposición intermedia entre hombres ydioses, por lo que eran venerados conauténticos rituales.

Efebo de Dresde. Réplica Romana. Escuela Policleto.S. V a. C. 157 x 48 x 42.5 cm. Dresde.




En el siglo IV a.C. las divinidades serepresentan con especial naturalidad ygracia en sus movimientos y gestos,expresando así la dicha y la gloria deunos seres divinos que viven unagozosa, eterna y completamenteseparados de los hombres.

El escultor más famoso de este siglofue Praxíteles (h. 385-325 a.C.), delque se muestran aquí algunas obras.Artista rico y muy solicitado por susobras llenas de belleza y encanto,entre ellas la primera escultura de unaAfrodita totalmente desnuda de grantamaño. Creó esculturas de mármol,policromadas por los mejores pintoresde su época, que gozaron de especialfama, así como esculturas en bronce,consideradas todavía más valiosas porel costoso material empleado.

Sátiros de Praxíteles (detalle). La obra de la izda. de la colección del Museo del Prado, la de la derecha de las Staatliche Kunstsammlungen Dresden.



Otras obras de “Belleza y dicha de los dioses clásicos”

Cabeza de la Afrodita de Cnido. Réplica Romana. Modelo Praxiteles.

S. IV a. C. 40 x 30 x 25 cm. Madrid.

Relieve de Ménade. Réplica Romana. Modelo Kalímaco.

S. V a. C. 141 x 79 x 12 cm. Madrid.



Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte

helenístico-romano

En época helenística (siglos III a I a. C.)se llega a realizar composicionesescultóricas más complejas y a aplicarformulas marcadamente realistas en eltratamiento de la obra escultórica.

El resultado es una nueva vivacidad enel movimiento, una expresividadinmediata y fresca y un resplandorsensual, dirigidos a los sentimientos ya los afectos del observador.

Muchas de las esculturasrepresentadas en esta sección sonoriginales, incluso algunas conservanla policromía antigua.

Un tema predilecto del arte de esteperíodo son las fiestas con sus bailes ysacrificios en honor de Dioniso. Sileno con odre de vino. Obra helenística-romana

S. II a. C. – I d. C. 118.5 x 70.5 x 62 cm. Dresde.




helenístico-romano

La mayoría de las obras como, porejemplo, la famosa Ménade de Dresdetienen un formato más bien pequeñoe íntimo, apto para decorar mansionesy jardines de particulares en épocatardo-helenística y romana o paraservir como exvoto.

La representación de la bellezafemenina de diosas y mujeresrepresenta otro tema preferente delarte de este período. Los artistas no secansan de representar a Afroditadesnuda y a las mujeres con lujosasvestimentas. También abundan lasesculturas de las Musas

Las esculturas más refinadas procedende las ricas metrópolis del Este delMediterráneo, y especialmente deAlejandría.

Ménade de Dresde. Obra helenística-romana.S. II a. C. – I d. C. 45.5 x 14 x 14 cm. Dresde.




helenístico-romano

La celebración de la belleza de diosas ymujeres constituye un tema preferentedel arte helenístico en una épocacaracterizada por grandes metrópolishabitadas por una clase mediaacomodada y burguesa.

Después de que Praxíteles hubieseinventado en el siglo IV a.C. el desnudofemenino a gran escala con su Afroditade Cnido, este tema inspiró a losartistas posteriores a todo tipo devariación temática y formal.

Otra herencia de este escultor son lasestatuas femeninas con complicadosvestidos, desarrollando composicionesmuy elaboradas a partir de laestructura de los pliegues, creando asíun estilo típicamente helenístico quese ha legado a calificar de “barroco”.

Torso de Afrodita del tipo Venus de Medici. Obra helenística-romana del s. II a. C. – I d. C. 99 x 37 x 27 cm. Madrid. En segundo plano Gran y pequeña diosas de Herculano.




helenístico-romano

En Alejandría (Egipto) y en las demáscapitales de los reinos helenísticosprosperaban las artes -como lapintura, la escultura, el teatro y lapoesía- y las ciencias, desde la filologíahasta la astronomía y la medicina.

El nuevo símbolo de la época son lasnueve musas, que personificaban unarte o una ciencia distinta cada una –como las ocho esculturas romanas quese pueden observar en la sala 47 lasala de las Musas del Museo delPrado- y que eran veneradas conaltares en la Biblioteca de Alejandría.

Del reino de Augusto, que a finales delsiglo I a.C. implantó el helenismo enRoma, data un singular relieve deDresde con la representaciónindividualizada de un actor.

Dos musas,Staatliche Kunstsammlungen Dresden



Otras obras de “Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano”

Gran diosa de Herculano. Obra helenística-romana.

S. II a. C – I d. C. 203.5 x 56 x 45 cm. Dresde.

Reconstrucción policromada. Obra helenística-romana.

S. II a. C – I d. C. 30 x 25.5 x 25.7 cm. Dresde.



Otras obras de “Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano”

Muchachas, terracota policromada. Obra helenística-romana.

S. II a. C – I d. C. 21,6 x 5 x 4.1 cm. Dresde.

Cabeza de anciana. Obra helenística-romana.

S. II a.C. – I d. C. 33.5 x 21 x 14.5 cm. Dresde.



Imágenes del poder. Retratos romanos al final

del Imperio

La exhibición de retratos en espaciospúblicos y privados es una costumbreromana muy típica, desde los remotostiempos de la República.

No se limita a hombres, como eshabitual en casi todas las culturas, sinoincluye también retratos femeninos einfantiles. Las obras seleccionadas -estatuas, estatuillas, bustos y relievesde mármol y plata- datan de los siglosII a IV. Están divididas en un grupo conretratos de mujeres que testifican, consus ostentosos peinados, el prestigiopúblico de la mujer en la sociedadromana, y niños, muestra del cariñohacia sus miembros más jóvenes. Elsegundo grupo representa retratos dehombres, en su mayoría militares, queostentan virtudes masculinas como elvalor o la superioridad de espíritu.

Vista general de la sala dedicada aImágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio



Imágenes del poder. Retratos romanos al final

del Imperio

La exposición concluye con obras de laAntigüedad tardía (siglo IV), una épocaen que conviven casi sin enfrentarse elviejo mundo grecorromano con susmitos y ideas y el mundo cristiano consu creencia nueva, legalizado porConstantino el Grande.

Junto con los retratos de losemperadores Constantino y Majencio,hieráticos y de mirada penetrante, casibizantina, se exponen esculturas detema pagano de la época delemperador cristiano Teodosio y elmonumento tal vez más importante ybello de su reino, el gran Missorium deplata de la Real Academia de Historia.El relieve de plata con Teodosio y sucorte rodeados de divinidades paganases el ejemplo más insigne de laconvivencia de estos dos mundos.

Missorium de Teodosio. Obra Romana del s. II-IV d. C.Diám. 74 cm. Madrid, Real Academia de la Historia.



Otras obras de “Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio”

Joven jugadora de tabas con retrato. Obra Romana

S. II – IV d. C. 55.5 x 51 x 43.5 cm. Dresde.

Sarcófago con la caza de Meleagro. Obra Romana.

S. II-IV d. C. 84,5 x 233 x 11 cm. Dresde.



Esculturas relacionadas con la exposición pero en otras salas de laColección permanente del Museo del Prado

Venus del delfín. 140 - 150 d.C. 200 cm x 50 cm x 47 cm.

Museo del Prado.

Copia romana de la Atenea Partenos. 130 - 150 d.C.

98 cm x 36 cm x 40 cm. Museo del Prado.




Estatua de Afrodita del tipo ''Venus Felix''. Hacia 150 d.C.


Copia romana de El baño de Afrodita de Doidalsas de Bitinia. 100 - 120 d.C. 64 cm x 34 cm x 45 cm. Museo del Prado.




Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso). Hacia el 10 a.C. 161 cm x 106 cm x 56 cm. Museo del Prado.

Pedestal de una escultura clásica: la apoteosis de Claudio. Siglo I d.C.





Augusto o Tiberio en desnudo heroico. Hacia 50 d.C.


Augusto togado. Segundo cuarto del siglo II d.C.




SELECCIÓN COLECCIÓN PERMANENTE

Itinerario B



Selección de obras de la Colección Permanente del Museo del Prado

• Debido a la magnitud de las colecciones expuestas y la dificultad para decidir qué ver el Museo del Pradopropone a sus visitantes tres recorridos para conocer sus obras maestras.

• Según el tiempo con el que se cuente para realizar la visita, se han seleccionado 15, 30 y 50 piezas querecorren los nombres de los pintores más destacados, además de obras excepcionales de orfebrería yescultura de los fondos del Museo.

• Tres recorridos por las salas, en donde no dejar de ver obras cumbre de los maestros europeos como LaAnunciación de Fra Angélico, El Lavatorio de Tintoretto, El Descendimiento de Roger van der Weyden, ElJardín de las delicias del Bosco o Las tres gracias de Rubens; junto con obras claves de la escuela españolacomo Las Meninas de Velázquez, El sueño de Jacob de Ribera o Los Fusilamientos de Goya.

• En nuestro caso nos vamos a limitar en esta ocasión a aquellas obras que nos entren a examen en laPrueba de Acceso a la Universidad.



La AnunciaciónFRA ANGELICO

Tabla central de un retablo quemuestra bajo el pórtico la Anunciacióndel Arcángel Gabriel a María y, a suizquierda, la expulsión de Adán y Evadel Paraíso. La condenación y salvacióndel hombre. En el banco o predela senarran escenas de la vida de la Virgen:Nacimiento de María y los Desposorioscon San José, Visitación de María a suprima Santa Isabel, Nacimiento delNiño Jesús, la Presentación del Niño enel Templo y la Dormición de la Virgencon Cristo recogiendo su alma.

Fra Angelico es muy minucioso en losdetalles y calidades de los objetos ypersonajes representados, aúna en suestilo la tradición tardogótica italianacon el nuevo lenguaje renacentista.Ejemplo de ello es la profundidadespacial de la arquitectura.

Hacia 1426



Anunciaci�n Fra Angelico.jpg

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El descendimientoVAN DER WEYDEN

Centra la composición en la CompassioMariae, la pasión que experimenta laVirgen ante el sufrimiento y la muertede su Hijo. Escoge el momento en queJosé de Arimatea, Nicodemo y unayudante sostienen el cuerpo de Jesúsy María cae desmayada en el suelosostenida por San Juan y una de lassantas mujeres.

Weyden maneja con maestría lasfiguras representadas en un espaciolimitado por el fondo dorado y en losextremos San Juan y la Magdalenacierran la composición. Sobresaleademás el juego de diagonalesparalelas de los cuerpos de Cristo y deMaría, poniendo de manifiesto sudoble pasión. Impactan los gestos y lacontención con que se expresan lossentimientos.

Hacia 1435




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El jardín de las deliciasEL BOSCO

En el tríptico abierto se incluyen tresescenas. La tabla izquierda estádedicada al Paraíso, con la creación deEva y la Fuente de la Vida, mientras laderecha muestra el Infierno. La tablacentral da nombre al conjunto, alrepresentarse en un jardín las deliciaso placeres de la vida. Entre Paraíso eInfierno, estas delicias no son sinoalusiones al Pecado, que muestran a lahumanidad entregada a los diversosplaceres mundanos.

Obra de carácter moralizante, es unade las creaciones más enigmáticas,complejas y bellas de El Bosco,realizada en la última etapa de su vida.Adquirida en la almoneda del priordon Fernando, hijo natural del granduque de Alba, Felipe II la llevó a ElEscorial en 1593.

1500 - 1505




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El emperador Carlos Va caballo en Mühlberg

TIZIANO

Retrato ecuestre del emperador CarlosV (1500-1558) conmemorativo de lavictoria en Mühlberg de las tropasimperiales sobre las protestantes. Laaparente sencillez de la composiciónesconde una compleja simbología quemuestra al Monarca en su doblecondición de caballero cristiano yheredero de la tradición imperialromana. Ejemplo de ello es la lanzaque sostiene el Emperador con sumano derecha y que siendo el símbolodel poder de los césares, también hacereferencia al arma de San Jorge.

Los antecedentes formales de lacomposición se han citado en laestatua ecuestre romana delemperador Marco Aurelio (121-180),en diversos modelos de los grabadosde Alberto Durero.

1548




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/08_el_emperador_Carlos_V_a_caballo_en_Muhlberg_tiziano.mp3


El caballero de lamano en el pecho

EL GRECO

Retrato de personaje desconocido,vestido con traje negro de cuello ypuños de encaje y luciendo colgante yespada, detalle que destaca sucondición de caballero. Una de lasobras maestras del Renacimientoespañol y una de las más divulgadas deEl Greco. Se distingue por laexpresividad de la mirada que elpersonaje mantiene fija en elespectador y el naturalismo en elgesto de la mano.

Existen muy diversas interpretacionesentorno a la identidad del personaje yal significado del gesto, afirmandoalgunos que simboliza diferentesestados, como arrepentimiento o unjuramento. Se ha llegado a identificaral caballero con Juan de Silva y Ribera,III marqués de Montemayor, alcaldedel Alcázar de Toledo.

Hacia 1580




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Adoración de los MagosRUBENS

A la izquierda de la composición, bajouna columna clásica, el Niño ayudadopor su madre, juega con los regalosque le ofrece uno de los Magos. Desdeese punto hacia la derecha serepresenta el resto de las figuras quecomponen el cortejo de los Reyes.

En ella se aprecia un primer estilo deRubens, influido por su viaje a Italia:figuras vigorosas, la utilización intensade la luz y abigarradas composiciones.En 1621 la obra pasó a la ColecciónReal. Cuando en 1628/1629 Rubensvisitó España amplió la pintura hastasus dimensiones actuales. En unafranja superior incluyó dos ángeles deinfluencia tizianesca, incorporandootra franja a la derecha, donde hizoconstar su autoría, autorretratándosesobre un caballo.

1609 - 1628




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/41_magos_Rubens.mp3


Las Tres GraciasRUBENS

Las Gracias, descritas en la Teogoníade Hesiodo, eran tres: Aglaya, quesignifica resplandeciente, Eufrósine,que quiere decir gozosa y Talía, quesignifica floreciente. Nacidas de uno delos amores de Zeus, las tres Graciaseran vírgenes puras que vivían con losdioses, asistían a los banquetes ydespertaban la alegría de vivir. Estabanal servicio de Afrodita, diosa del amor.

Las figuras están inspiradas en laescultura clásica, visible en laintención de reproducir la frialdad delmármol en sus carnes. El ritmo circulary la elegante ondulación soncaracterísticas habituales en el artista,aspectos que se unen a las formasgrandilocuentes y los colores cálidosque incorpora el pintor en las obras desus últimos años.

Hacia 1635




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/12_las_tres_gracias_rubens.mp3


El triunfo de Bacoo Los Borrachos

VELÁZQUEZ

El dios del vino, sentado en un tonel,semidesnudo y tocado con hojas devid, corona a un joven soldadorodeado de un grupo de bebedores. Eltratamiento del tema se aleja de latradición ennoblecedora del mito, enuna reinterpretación naturalista noexenta de paradoja entre la gravedadcasi ritual de las figuras de la izquierday la ironía picaresca y el realismo delgrupo de la derecha. Estilísticamentela obra conserva el gusto naturalista desu etapa sevillana, junto con lainfluencia colorista que Velázquezasimila de la obra de Rubens y lapintura veneciana del siglo XVI.

En ella desarrolla un discurso pictóricosobre las bondades del vino y sucapacidad para consolar a las gentesde las penalidades de la vida diaria.

1628 - 1629




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/08_borrachos_velazquez.mp3


Vista del jardín de laVilla Medici en Roma

VELÁZQUEZ

Obra maestra de la historia del paisajeoccidental en la que Velázquez plasmósu idea del paisaje sin una excusanarrativa que lo justifique.

Probablemente pintada durante elprimer viaje del pintor a Roma, hoy endía se tiende a pensar que fuerealizada para inmortalizar unmomento concreto y una circunstanciaatmosférica determinada, la tarde.Esta obra representa un rincón deljardín de la Villa Medici. Dos hombresconversan delante de una serliana,cerrada por tablones de madera. Sobrela arquitectura un personaje tiendeuna sábana. Y, a la derecha de lacomposición, puede distinguirse en unnicho los perfiles de una de lasesculturas que forman la magníficacolección artística de la villa.

Hacia 1630





Vista del jardín de laVilla Medici en Roma

VELÁZQUEZ

Obra maestra de la historia del paisajeoccidental en la que Velázquez plasmósu idea del paisaje sin una excusanarrativa que lo justifique.

Probablemente pintada durante elprimer viaje del pintor a Roma, hoy endía se tiende a pensar que fuerealizada para inmortalizar unmomento concreto y una circunstanciaatmosférica determinada, el mediodía.Esta obra representa un rincón deljardín de la Villa Medici. En este lienzo,dos hombres conversan en primerplano mientras un tercero se asoma através de una serliana presidida poruna escultura de Ariadna dormida.

Se trata de uno de los pocos ejemplosanteriores al siglo XIX de paisajedirecto tomado del natural.

Hacia 1630





El conde-duque de Olivares a caballo

VELÁZQUEZ

El valido de Felipe IV se muestra conmedia armadura, sombrero, banda ybengala de general, remarcando sucondición de jefe de los ejércitosespañoles. Al fondo de un ampliopaisaje, la humareda alude a unabatalla. Se trata de un retratoeminentemente propagandístico.Olivares está representado a caballo yen corveta, posición reservadatradicionalmente a los más poderosos,símbolo evidente de poder y demando. La agitación del caballocontrasta con la figura, que vuelve suarrogante mirada hacia el espectador.

Técnicamente esta composición deVelázquez destaca la utilización decolores cálidos aplicados en largaspinceladas, rápidas y compactas,formando grandes manchas de color.

Hacia 1632





La Rendición de Bredao Las Lanzas VELÁZQUEZ

Ambrosio Spínola, general genovés almando de los tercios de Flandes,recibe del gobernador holandés,Justino de Nassau, las llaves de laciudad de Breda, rendida tras un largoasedio.

La obra, con clara finalidad depropaganda política, insiste en elconcepto de clemencia de lamonarquía hispánica. Velázquez no serecrea en la victoria y la batalla sóloestá presente en el fondo humeante.

El cuadro es una excelente muestra deldominio de todos los recursospictóricos por parte del autor:habilidad para introducir la atmósfera,la luz y el paisaje en sus lienzos,maestría retratística y conocimientoprofundo de la perspectiva aérea.

1635




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Francisco Lezcanoel Niño de Vallecas

VELÁZQUEZ

Un personaje, de evidente retrasomental aparece sentado al abrigo deuna roca. Considerado como FranciscoLezcano, “el Niño de Vallecas”, laidentificación está basada en laaparición de un bufón con tal nombreentre los documentos de palaciodesde 1634 hasta su muerte en 1649.

Con su característica sensibilidad nospresenta un personaje lleno deternura, compañero y entretenimientodel príncipe Baltasar Carlos, al quesirvió. Pero más allá de los valoresplásticos se trata de un retrato dondelos elementos iconográficos, como lascartas, o la localización en un exterior,recordando los retratos de anacoretas,sugieren un nuevo juego metafórico, alque Velázquez era tan aficionado, yque aún hoy no ha sido plenamenteidentificado.

1640





La familia de Felipe IVo Las Meninas

VELÁZQUEZ

Retrato de la infanta Margarita, hija deFelipe IV, rodeada por sus damas decompañía, las “meninas. Felipe IV yMariana de Austria se reflejan en elespejo del fondo, juego espacial deextraordinaria complejidad.

Compleja composición construida apartir de una admirable habilidad parael uso de la perspectiva, de laplasmación de la luz y de larepresentación de la atmósfera.

Las interpretaciones sobre el tema y laplasmación del mismo han sidomúltiples. Las más numerosassubrayan la reivindicación de lanobleza de la pintura frente a lasprácticas artesanales. Velázquez seautorretrata pintando el propio cuadroa la izquierda del lienzo, afirmando asíla supremacía del arte de la pintura.

Hacia 1656




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La fábula de Aracneo Las Hilanderas

VELÁZQUEZ

Representación compleja y altamenteintelectual del mito clásico de Aracne.El mito aparece representado en dosplanos bajo la apariencia de un díacotidiano en la Fábrica de Tapices deSanta Isabel. Al fondo de la escena elrapto de Europa aparece hilado en eltapiz que cuelga de la pared y, ante élAtenea, vestida con armadura, castigaa Aracne. En primer plano serepresentaría el desarrollo delconcurso. Atenea, hilando en la rueday Aracne devanando una madeja.

La complejidad iconográfica elevaría lacreación pictórica a la altura de otrasartes mejor consideradas en el sigloXVII, como la poesía o la música, y lasreferencias a grandes pintores, comoTiziano y Rubens elevarían a Velázqueza la altura de los grandes genios de laHistoria del Arte.

Hacia 1657




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El Martiriode San Felipe

RIBERA

El Apóstol, santo patrono del reyFelipe IV, predica en Escytia y enHierápolis, ciudad en la que, a los 87años, es crucificado con cuerdas yenterrado. Ribera lo representadesnudo y atado al travesaño en elmomento de ser subido por tressayones, ante un grupo de infieles.Llama la atención, a la izquierda, lafigura femenina con un niño en brazos,alegoría de la Caridad cristiana.

Considerado durante algún tiempocomo el tormento de San Bartolomé,es una de las representaciones demartirio más inquietantes de la pinturabarroca. Obra característica de lasegunda etapa pictórica de Ribera, enella destacan los fondos luminosos, lastonalidades claras y el dominio de ladiagonal en la composición.

1639




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BodegónZURBARÁN

Cuatro recipientes, uno metálico y tresde barro, de diferentes formas yterminación, alineados sobre unarepisa frente a un fondo neutro yacompañados de dos bandejasmetálicas, sobre las que reposan loscacharros de los extremos.Composición extraordinariamentesencilla, otorga a la luz elprotagonismo absoluto ya que es ellaquien individualiza cada objeto.

Zurbarán pintó muy pocos bodegonesy se recrea en este caso en la puratécnica pictórica, en las texturas y elgoce estético, sin otorgar a la obra unsegundo significado temporal, adiferencia de otras representacionesque suelen incluir flores muertas,relojes, calaveras o alimentos comoalusión al paso del tiempo.

Hacia 1660




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/105_bodegon_Zurbaran.mp3


La Inmaculada de los Venerables o de Soult

MURILLO

Retrato de la infanta Margarita, hija deFelipe IV, rodeada por sus damas decompañía, las “meninas. Felipe IV yMariana de Austria se reflejan en elespejo del fondo, juego espacial deextraordinaria complejidad.

Compleja composición construida apartir de una admirable habilidad parael uso de la perspectiva, de laplasmación de la luz y de larepresentación de la atmósfera.

Las interpretaciones sobre el tema y laplasmación del mismo han sidomúltiples. Las más numerosassubrayan la reivindicación de lanobleza de la pintura frente a lasprácticas artesanales. Velázquez seautorretrata pintando el propio cuadroa la izquierda del lienzo, afirmando asíla supremacía del arte de la pintura.

Hacia 1678





El QuitasolGOYA

Cartón para tapiz con una jovensentada acompañada de un perro y deun majo que la protege del sol con unasombrilla.

La perspectiva de abajo arriba y elformato indican que la pieza estabadestinada a una sobreventana. Lacomposición, piramidal, y con lasfiguras en primer plano, refleja lainfluencia en Goya de la pintura clásicaitaliana, así como la maestría delartista al pintar las luces y sombras.

El tapiz resultante estaba destinado acolgar en el comedor de los príncipesde Asturias (el futuro Carlos IV y suesposa María Luisa de Parma) en elPalacio de El Pardo.

1777




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/70_quitasol_Goya.mp3


La Familia deCarlos IV

GOYA

Retrato de la familia del rey Carlos IVrealizado en 1800, poco después deser nombrado Goya primer pintor decámara.

Los precedentes de esta complejacomposición son el Retrato de Felipe Vcon su familia de Van Loo y LasMeninas de Velázquez, ambas obrasen el Museo del Prado.

Destaca el cuidado en el diseño de lostrajes, a la última moda, de las joyas, yde las condecoraciones.

La armoniosa, clara y a un tiempocompleja composición, revela lamaestría del artista. La sutil definiciónde los caracteres atestigua lacapacidad del pintor para analizar alser humano.

1800




http://www.museodelprado.es/fileadmin/Image_Archive/Audioguias/esp/18_carlosIV_goya.mp3


El 3 de mayo de 1808o Los Fusilamientos

GOYA

Representación de los fusilamientos depatriotas de Madrid por el ejército deNapoleón, represalia al levantamientodel 2 de mayo de 1808 contra laocupación francesa.

Los soldados franceses, de espaldas ala derecha de la composición, apuntana los madrileños que han de morir. Eldramatismo y la tensión de la escenaquedan subrayados por el uso de laluz, que ilumina fuertemente a loshéroes permitiendo diferenciar suscaracteres y actitudes en un detalladoestudio psicológico de los personajes.

Esta obra fue realizada junto a supareja, El 2 de mayo de 1808 o Lalucha con los mamelucos.

1814




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Saturnodevorando a un hijo

GOYA

Las pinturas murales que decoraron lacasa de Goya conocida como la“Quinta del Sordo”, se hanpopularizado con el título de PinturasNegras por el uso que en ellas se hacede los pigmentos oscuros y negros ytambién por lo sombrío de los temas.El carácter privado e íntimo de estacasa, hizo que el artista se expresaraen estas obras con gran libertad.

Saturno, en el momento de devorar auno de sus hijos, es una de lasimágenes más expresivas de lasPinturas Negras.

El dios de la mitología podría ser lapersonificación de un sentimiento tanhumano como el miedo a perder elpoder o, simplemente, el pánico antelos estragos del paso del tiempo.

1821 - 1823




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visita prado 2009 01 14

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