un quijote en la ciudad colonial · 1904. nace salvador domingo felipe jacinto dalí i domènech ,...

AÑO 2 • NÚMERO 29 • MAYO-JUNIO 2008 • PUBLICACIÓN MENSUAL GRATUITA POR SUSCRIPCIÓN • SANTO DOMINGO • www.miradaalar te .com

JOSÉ GRAZIANI: CARIBEÑO, INSULAR Y NEOEXPRE-SIONISTA

PÁGINAS 16 Y 77

LAS EDADES DE LA HISTORIA

PÁGINAS 8 Y 9

LOUISE BOURGEOIS

PÁGINAS 14 Y 15

50 PINTORES DOMINICANOS QUE HAY QUE VER ANTES DE MORIR

PÁGINAS 18 Y 19

ANIVERSARIOMUSEO SOROLLA

PÁGINAS 20 Y 21

JAZZALL

OVERPÁGINA 10

UN QUIJOTE EN LA CIUDAD COLONIAL

PÁGINAS 12 Y 13

editorial

2

EX LIBRIS

PÁGIna WEB:www.miradaalarte.comCoRREo ELECTRónICo:

[email protected]@miradaalarte.com

PoR InéS aIzPÚn

FoTo PoRTaDa:RICaRDo RoJaS

aRTES-MEDIoS &PuBLICaCIonES 3000, S.a.

DIRECToR

Juan José Mesa

ConSEJo EDIToRIaLFernando Casanova Danilo de los Santos

FoToGRaFíaRicardo Rojas

aSISTEnTE aDMInISTRaTIVoMiguelina Balbuena

CoRRECToR David Carlos noel

CoLaBoRaDoRES PERManEnTES

Carlos acero RuizRené alfonso

Esteban antolínBingene armenteros

Delia BlancoMaría Josefina Ramírez

Dionisio BlancoDionisio de la Paz

Danilo de los SantosLaura Gil

Myrna GuerreroGamal Michelén

Juan CohénMario núñezHarold Priego

Marianne de TolentinoRanier Sebelénzaida Corniel

Instituto Valenciano de arte Moderno (IVaM)

DIRECToRa CoMERCIaL

y PuBLICIDaDaida nadal

[email protected]

DISEÑo, IMPRESIón y DISTRIBuCIón

mirada al arte /Mayo-Junio 20082

PÁGIna WEB:www.miradaalarte.comCoRREo ELECTRónICo:

[email protected]@miradaalarte.com

15.000 EJEMPLaRES

Para suscripciones llamar al teléfono 809-322-6286 o en [email protected]

Ventas de publicidad: Aída Nadal. Tel.: 809-258-9629 / 809-629-4488

bras como “La primavera” de Sandro Botticelli, tan cono-cida hoy gracias a las exposiciones y las reproducciones, en el Renacimiento era invisible para la mayoría de la gente, pues colgaba de los muros de una villa privada. Los museos, junto a las reproducciones en masa, han sido los grandes aciertos de la humanidad para hacer llegar el Arte a la gente.

En la República Dominicana se ha instalado –esperemos que para quedarse-en la mentalidad de coleccionistas particu-lares, la idea de hacer museos privados con sus colecciones. El Museo Bellapart, el Centro León, la Fundación García-Arévalo el Museo del Dibujo y el de la Cerámica son ejemplos maravi-llosos que hacen más grande a nuestro País.

Desde Mirada al Arte celebramos estas iniciativas y, motiva-dos por ellos, estamos haciendo entregas de un listado de 50 pintores dominicanos imprescindibles, para que las pinturas de esos artistas llegue a la mayor cantidad de gente. Estamos prefiriendo que las obras presentadas sean las que se mues-tran en museos públicos y privados, aunque en algunos casos hemos hecho excepciones por la calidad de la obra y el artista que proponemos.

Dar a conocer el arte visual, gran riqueza de los pueblos, a la mayor cantidad de gente debe ser apoyado por el Estado a través de sus museos públicos y, a través de incentivos a los coleccionistas privados para que “saquen del armario” y de la intimidad de oficinas y despachos las obras de nuestros gran-des pintores, con el fin de enriquecer el espíritu de nuestra Nación.

No queremos olvidar el gran aporte que hacen las galerías privadas en sus exposiciones comerciales. Son necesarias para la existencia de los pintores mismos.

A mayor difusión de nuestro arte, mayor calidad de nues-tras gentes.

aRTES-MEDIoS &PuBLICaCIonES 3000, S.a.

DIRECToR

Juan José Mesa

EDIToRFernando Casanova

ConSEJo EDIToRIaLDanilo de los Santos

Inés aizpúnEsteban antolín

FoToGRaFíaRicardo Rojas

aSISTEnTE aDMInISTRaTIVoMiguelina Balbuena

CoRRECToR David Carlos noel

CoLaBoRaDoRES PERManEnTES

Carlos acero RuizRené alfonso

Bingene armenterosDelia Blanco

María Josefina RamírezDionisio Blanco

Guillo CaríasDionisio de la Paz

Laura GilMyrna GuerreroGamal Michelén

Juan CohénMario núñezHarold Priego

Marianne de TolentinoRanier Sebelénzaida Corniel

Instituto Valenciano de arte Moderno (IVaM)

DIRECToRa CoMERCIaL

y PuBLICIDaDaída nadal

[email protected]

DISEÑo, IMPRESIón y DISTRIBuCIón

SELECCIón DE HéCToR LuIS MaRTínEzDIRECCIón GEnERaL DE La FERIa DEL LIBRoSanTo DoMInGo 2008

La colección de libros que la Dirección General de la Feria del Libro está editando año tras año constituye uno de sus mejo-

res legados. No se trata sólo de la variedad de géneros y autores y el número de títulos en que se deleita de un año a otro. Es que además, la calidad de las ediciones mejora sustancialmente y un ejemplo de ello es este hermosísimo volumen de los escritos de Emilio Rodríguez Demorizi.

Se trata de una selección de Héctor Luís Martínez que recorre con curiosidad los trabajos de Demorizi, considerado el mejor documentalista de la historiografía dominicana. Así, La Colonia y la Indepen-dencia son dos de los tres bloques temáti-cos identificados.

El tercero, dedicado a la Lengua, la Lite-ratura y el Arte incluye un delicioso apar-tado dedicado a la caricatura, un género para muchos menor, que recoge como ningún otro la simpatía, agudeza e ingenio del dominicano.

La primera caricatura impresa apare-ció en el periódico El Dominicano en 1845. Dice Demorizi que “representa a un general haitiano en marcha, recargado de galones, en contraste con sus rústicas sandalias, lo que correspondía a la reali-dad porque al soldado haitiano de aquella época le preocupaban más los galones que los zapatos.” Y habla demorizi de la crítica de Arte, del teatro,. Pasea por el roman-cero dominicano, se detiene en Pedro Henríquez Ureña, y analiza tanto a Lope de Vega como al areíto antillano.,

Un gran aporte, un hermoso volumen, una gran iniciativa.

Escritos de Emilio Rodríguez Demorizi

Olos museos

mirada al arte /Mayo-Junio 2008 3

mirada nacional

mirada nacional


EfEméridEs dE las artEs mEs mayo-JunioMayoDía 1 1937. Pablo Picasso empieza a pintar el Guernica. Día 2 1519. Muere Leonardo da Vinci. Uno de los grandes maestros del Renacimiento.1926. Nace aída Bonnelly de Díaz, reconocida musicóloga, pianista, ensayista y educadora dominicana.

Día 3 1949. Fallece Mariano Fortuny y Madrazo. Pintor, fotógrafo, diseñador de ropa y escenógrafo español; quien fue una de las mentes más creativas de principios del siglo XX.

Día 7 1825. Muere Antonio Salieri. Compositor de música sacra, clásica y ópera y un director de orquesta italiano. 1840. Muere Caspar David Friedrich. Pintor y dibujante alemán considerado como la principal aportación de Alemania al Romanti-cismo europeo.1840. Nace Piotr Ilich Chaikovski. Uno de los compositores rusos más importantes del siglo XIX.

Día 81903. Muere Paúl Gauguin. Pintor post-impresionista francés del Siglo XIX, y el gran precursor de las vanguardias artísticas del siglo XX.

Día 9 1605. Miguel Cervantes y Saavedra publica la primera parte de “El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de La mancha”1979. Muere Julia Codesido pintora peruana y exponente destacada del indige-nismo artístico.

Día 10 1508. Miguel Ángel

firma el contrato para la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina.

Día 11 1904. Nace Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marqués de Pubol más conocido como Salva-dor Dalí. Pintor surrea-lista español.

1927. Fallece Juan Grís Pintor español conside-rado como uno de los maestros del cubismo y el más puro intérprete de este movimiento.

Día 131882. Nace Georges Braque pintor y escultor francés que junto con Pablo Picasso y Juan Grís fue uno de los tres creadores básicos del Cubismo.

Día 14 1999. Fallece Manuel del Cabral. Poeta, escritor y novelista nacido en la República Dominicana.

Día 15 1886. Fallece Emily Dickinson, poeta estadounidense una de las más altas expresio-nes de la lírica de ese país, escribió cerca de 1,750 poemas.

Día 17 1510. Muere alessandro

di Mariano di Vanni Filipepi mejor conocido como Sandro Botticelli. Pintor italiano de la escuela de Florencia durante el Renaci-miento, en la segunda mitad del Quattrocento.

Día 20 1799. Nace Honoré de Balzac. Novelista francés, el más impor-tante de la primera mitad del siglo XIX, y el principal representante de la llamada novela realista y uno de los grandes renovadores de la novela moderna.

Día 211265. Nace Dante alighieri. Poeta florentino italiano. 1471. Nace alberto Durero ( albrecht Dürer) el artista más famoso del Renaci-miento alemán, y pionero del grabado.

Día 301640. Nace Pedro Pablo Rubens. Fue el pintor barroco más destacado de la escuela flamenca y el más cotizado y de más renombre en el norte de Europadurante el siglo dieci-siete.

Día 31 1594. Muere Tintoretto. (Su nombre verdadero es Jacopo Comin) Gran

pintor del Renacimiento italiano.

1Ro DE JunIo1926. Nace Marilyn Monroe actriz estado-unidense nacida en Los Ángeles, y que llegó a ser un símbolo sexual de los años 5́0.

2 JunIo1605. Aparece la primera edición de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha.1904. Henri Matisse expone sus obras en la galería Vollard, entre ellas se encuentra la popular Efecto de nieve en el puente Saint-Mi-chel.

3 JunIo1899. Muere Johann Strauss hijo, composi-tor austriaco, que se le conoció en Viena como “el rey del Vals”. 1913. Nace Pedro Mir, poeta, ensayista, historiador, abogado y educador de la Repú-blica Dominicana. 4 de junio1674. Fallece Jan Lievens, pintor holan-dés perteneciente al barroco centroeuropeo, cuyo estilo está muy vinculado al de Rembrandt.

6 JunIo1599. Nace Diego Rodríguez de Silva y Velázquez uno de los mayores exponentes de la pintura española.

7 DE JunIo1848. Nace Paúl Gauguin pintor post-im-presionista francés. 1957. Nace Juan Luís Guerra, compositor,

cantautor y productor musical dominicano.

8 DE JunIo1870. Muere Charles Dickens, famoso novelista inglés, uno de los más conocidos de la literatura univer-sal, y el principal de la era victoriana. 1873. Nace José Martínez Ruiz (azorín), quien fue novelista, ensayista y el crítico literario español más importante de su tiempo.

10 DE JunIo1907. auguste Lumière presenta en París el Autochrome Lumière, la fotografía en color.

10 DE JunIo1819. Nace Gustave Coubert, pintor francés, fundador y máximo represen-tante del realismo, y comprometido activista democrático.

11 DE JunIo1776. Nace John Constable, en Inglaterra. 1950. El pintor Henri Matisse recibe el Gran Premio de la Bienal de Venecia.

14 DE JunIo1894. Muere Federico Madrazo. Pintor romántico español, obtuvo gran fama con sus espléndidos retratos, cuyo estilo aprendió en el taller de Ingres.

15 DE JunIo1594. Nace nicolás Poussin, pintor francés, uno de los más desta-cados de la escuela clasicista. 16 DE JunIo1464. Fallece Roger van der Weyden, pintor holandés, quien fue el más célebre e influyente de la escuela flamenca en el período gótico.

18 DE JunIo1936. Fallece Máximo Gorki, escritor identifi-cado con el movimiento revolucionario ruso.1964. Muere Giorgio Morando, pintor italiano, considerado uno de los mejores del siglo XX de su país.

19 DE JunIo1650 Muere Matthäus Merian el Viejo, grabador (helveto – alemán) en talla dulce y editor que se hizo relativamente famoso gracias a las ediciones de Teatro Europeo y Topografías.

24 DE JunIo1925. Nace antonio Prats Ventos, pintor y escultor dominicano nacido en España. Autor de la frase “No hay arte abstracto o arte objetivo. Hay arte bueno o malo”.1901. Pablo Picasso inaugura su primera exposición conjunta-mente con Iturrina en la Galería Vollard en París.1913. Nace Mario Carreño, pintor de la era modernista cubana.

25 DE JunIo1852 Nace antoni Gaudí, máximo expo-nente de la arquitectura modernista catalana.

29 DE JunIo1884. Nace Pedro Henríquez ureña, poeta, ensayista, filólogo, humanista y educador dominicano. 1940. Muere Paul Klee, pintor suizo cuyo estilo varía entre el surrea-lismo, el expresionismo y la abstracción.

30 DE JunIo1909. Nace Juan Bosch, cuentista, novelista, educador, ensayista, historiador, biógrafo y político dominicano quien fue presidente la Repú-blica Dominicana.

Pedro Mir. Foto de Joseph Shneberg.

Henri Matisse

PoR ESTEBan anToLín

La Colchonería y Mueblería La Nacional, quien ha decidido ligar su marca al arte dominicano junto al Consorcio Martínez, amplia sus operaciones en

la Romana con un nuevo local de la tienda especializada Sleep Center by Simmons, para aumentar en sus seis sucursales en el país, el concepto Sleep Center.

El Grupo La Nacional, C. x A. marca una nueva pauta en el mercado de colchones con estos locales dedicados a productos considerados por ellos una obra de arte para

el descanso de sus clientes. Además, ofrecen de manera personalizada una adecuada asesoría, sobre la gran variedad de productos Premium de su marca internacio-nal Simmons: almohadas, protectores, gran variedad de camas especializadas para un público que valora el buen dormir y las más confiables soluciones para asegurar un descanso saludable.

Mirada al Arte le desea éxitos en esta expansión de mercado al Grupo La Nacional, C. x A. quien forma parte de nuestros patrocinadores. Con su apoyo al arte, hacen posible nuestra entrega, que cuenta con el respaldo de los artistas, amantes de las artes plásticas y lectores en general.

mirada nacional


El artE dEl buEn dormir sE ExpandE

Juan José Attias Camacho

Subasta de Arte LatinoamericanoPor Alejandro Alfonso

Información y consignación de obras:787-923-ARTE (2783)

[email protected]

[email protected]

Informació[email protected]

Eric José Di Carlo, Mary Frances Attias y Benjamín Martínez hijo.

al fondo dEl mar CaribESegunda exposición individual de Marijó en Mesa Fine Art.

María Josefina García Guerrero (Marijó), es una joven y talentosa artista plástica dominicana, egresada de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Pedro Henrí-quez Ureña, (UNPHU), con gran deseo, disciplina, talento, vocación, dominio del color y el dibujo; sobre todo decidida a alcanzar el éxito. Inaugura el próximo martes 24 de junio 2008 a las 8:00 P.M. su segunda exposición individual en la galería.

En esta ocasión a la llegada del verano la artista, nos presenta una exquisita muestra pictórica compuesta por más de 25 obras en diferentes formatos y medios frutos de su consagración al trabajo cotidiano por más de un año.

Gran espontaneidad, en esta etapa de su carrera, recrea nuevas vivencias de su imaginario en el mundo de los peces. Impresionantes composiciones cargadas de luz, brillo y color, que reflejan la paz y la armonía en el silen-cio de este mundo marino.

El director de la galería Sr. Juan José Mesa, el año pasado la incluyó dentro grupo de artistas que promueve la institución, por considerarla como uno nuevos valo-res de la plástica nacional, su talento, dominio del trazo, el dibujo, color, las formas y sobre todo por ser capaz de transmitir su mundo interior.

Ceramica griega antigua representa una escena mitológica.

En la historia del arte occidental, existe una cronología que esta-blece de manera clara y precisa

los períodos históricos de su progreso. Para un adecuado análisis y comprensión, desde fines del siglo XVIII, se definie-ron cinco edades concretas: La Prehisto-ria, La Edad Antigua, La Edad Media, La Edad Moderna y La Edad contemporánea, cada una de ellas comprende las principa-les épocas de la humanidad, atesora apor-tes, estilos, tendencias, así como testimo-nios detallados de la intensión del hombre para comunicarse y dejar huella de su existencia.

La Prehistoria abarca desde los inicios, hace miles de años, cuando comenzó el desarrollo del Paleolítico inferior y luego el superior; muchos años después, en el Mesolítico, el hombre conoció los meta-les y así daba algunos pasos de avances; en el final de esa etapa, se vivió la llamada Edad de Piedra, correspondiente al Neolí-tico. Fue en la época prehistórica cuando se produjo el arte rupestre que se desarro-lló en el interior de las cavernas, podemos examinar las características de las prime-ras pinturas y figuras geométricas, encon-tradas por hallazgos arqueológicos en las zonas del Levante español y en la Fran-co-cantábrica.

Entre los aportes más destacados de ese período, en el que aún no se conocía la escritura, encontramos además de las pinturas, el arte mobiliar, de fácil trans-portación, como las pequeñas Venus y otras figurillas; también, aparecieron los monumentos megalíticos –Mehir, Dolmen y Cromlench-, que fueron las primeras estructuras arquitectónicas que el hombre prehistórico construyó.

La Edad Antigua, por su parte, abarca las principales civilizaciones de la anti-güedad, las diversas sociedades, religiones

mirada a la historia


PoR: ISaBEL SERRano FuEnTES | FoToS: FuEnTE ExTERna

Pintura rupestre en las Cuevas de Lascaux. Francia.

las EdadEs dE la historia. (1)

y sus relevantes aportes artísticos, dentro de las hay que contemplar a los Persas, los Fenicios, los Hebreos, los Egipcios, Mesopotamia, donde los Sumerios desa-rrollaron la escritura Cuneiforme. Otras civilizaciones significativas de la antigüe-dad son las desarrolladas en el Oriente, que legaron verdaderos tesoros artísticos de incalculable valor.

En la antigüedad, es preciso reconocer a Grecia como la cultura madre; la mitolo-gía y la visión estética de los griegos esta-blecieron el clasicismo, el florecimiento de la Acrópolis de Atenas, y la aparición de los llamados órdenes clásicos (jónico, dórico y corintio) que distinguen su arqui-tectura, y que se siguen usando hasta nuestros días, como signo de elegancia y buen gusto; también fueron prominentes en el desarrollo de la escultura y la cerá-mica de gran perfección.

A Grecia le siguió Roma, donde el dere-cho, la ingeniería, el arte del retrato, la arquitectura, la pintura mural y la escul-tura monumental, definen una civilización de gran complejidad y desarrollo, tanto en su etapa monárquica, como en la repu-blicana y la imperial, donde Roma flore-ció ante el mundo occidental, como el centro de atención de formas y conceptos de gran elaboración. La caída del impe-rio romano, se considera el hecho que marca el final de la antigüedad y da paso al llamado medioevo.

La Edad Media, es un período muy largo, desarrollado aproximadamente entre los siglos III y XIV después de Cristo, fue una etapa caracterizada por el dogma, comprende el Paleocristianísmo o arte de las catacumbas; al que le siguió el establecimiento del Imperio Bizantino, que desarrolló un arte basado en la temá-tica religiosa para todas sus manifesta-ciones, esa etapa vio ciertos progresos en

Mirada al Arte comienza una serie sobre la historia de las artes visuales, sus períodos

y estilos relevantes, con el propósito de que podamos examinar el universo de la imagen

artística a partir de su cronología y evolución.

mirada a la historia


la arquitectura, y tuvo expresiones en la escultura, la pintura y los mosaicos.

Pertenece también al medioevo, el período Románico, con monasterios y fortalezas que son símbolos de aquella etapa, cuyo desarrollo se produjo en los campos bajo el régimen feudal; la apari-ción de la pintura románica con temática religiosa, sentó las bases para el poste-rior desarrollo de la iconografía cristiana. Con el período Gótico llegó el final de la Edad Media, en él, hay que reconocer el surgimiento de las ciudades, los avan-ces de la sociedad y la economía europea, que dieron paso al nacimiento del capi-talismo.

EL GóTICo y La EDaD MoDERna

En el arte gótico hay que detenerse en la creación de sus bellas letras, los manus-critos miniados, la pintura, que a través de figuras como el Giotto, comenzaba a explorar la tridimensionalidad y el natura-lismo; el mayor aporte de ese período es el levantamiento de las catedrales, con sus esbeltas estructuras y complejas formas y acabados, que dieron al traste con la crea-ción de un arte fastuoso que abría una nueva etapa para la humanidad.

La llamada Edad Moderna se desarro-lló desde el siglo XV hasta mediados del XVIII, es un período de grandes aportes en todas las ramas del saber, abarca esen-cialmente el arte del renacimiento euro-peo, y con él, los estudios de la natura-leza, la filosofía humanista, los descubri-mientos y avances de la ciencia. Floren-cia y Roma como ciudades principales del apogeo renacentista, vieron un arte inspirado en la antigüedad greco-romana; los artistas enfatizaron en una estética de gran perfección, creada por las figu-ras más emblemáticas del Quattrocento y el Cinquecento en Italia y en otros países de Europa.

Corresponde a esa era el surgimiento del estilo Barroco (siglo XVII), en el que la música, la literatura, el teatro, y las artes plásticas, produjeron un arte exaltado y abigarrado que contó con el apoyo de las monarquías absolutistas y la iglesia católica. El barroco español fue esplendido e influenció el arte colo-nial de Latinoamérica; en casi todas las iglesias de nuestras ciudades, se conser-van hoy varias expresiones del llamado arte sacro barroco, como la escultura de la imaginería, pinturas, orfebrería, mobiliarios y la decoración recargada de elementos contorsionados tanto en los interiores, como en los exteriores de las construcciones.

En la Edad Moderna también se desa-rrolló el estilo Rococó, llamado estilo Luís XV, que vio la luz en Francia. A mediados del siglo XVIII, el rococó dio paso a nuevas formas opuestas comple-tamente a sus postulados; se trata del Wassily Kandinsky. Improvisación 7. Arte del siglo XX.

Leonardo da Vinci. La dama del Armiño. 1484.

Neoclasicismo, conocido como estilo Luís XVI. Los hallazgos arqueológicos de las antiguas ciudades italianas de Pompeya y Herculano, dieron como resultado la evolución de éste estilo de líneas rectas y puras, llamado también arte académico, que tomó la antigüedad greco-romana como modelo para desarrollar sus cáno-nes y crear impresionantes dibujos, pintu-ras, esculturas y estructuras arquitectóni-cas. El neoclásico tuvo una variante en el estilo Imperio, resultante de la llegada al poder de Napoleón Bonaparte, ambas formas también influenciaron el arte colo-nial de Latinoamérica.

La Edad Contemporánea abarca las principales tendencias artísticas de los siglos XIX y XX, desde el nacimiento del romanticismo, hasta el realismo, el impre-sionismo, el postimpresionismo y todas las tendencias artísticas que despunta-

ron en esa centuria que nos antecedió. El impresionismo se considera el punto de partida del arte contemporáneo, dado por los cambios en sus conceptos artísticos, y por la nueva pincelada que asomaba la ruptura definitiva con el arte académico.

La llegada del siglo XX, con su contexto histórico de gran convulsión, trajo consigo la aparición de las vanguardias artísticas con sus geniales ideas. El surgimiento y evolución del abstraccionismo, el expre-sionismo, el cubismo, el surrealismo y otras tendencias, establecían una nueva concepción artística tanto para Europa, como para el arte de nuestro continente, que se involucró sin reservas en la crea-ción de imágenes innovadoras.

EL PoSTMoDERnISMo y La ConTEMPoRanEIDaD

A partir de la década de los cincuenta se comenzó a utilizar el término postmoder-nidad para designar la producción artís-tica de esa época; la referencia venía por el denominado modernismo de inicios del siglo XX, lo cual no quiere decir que esta sea una de las edades precisamente esta-blecidas para delimitar la historia del arte; aunque hay que destacar que aquel fue un período de invenciones plásticas impor-tantes, que hasta hoy mantiene su lugar en el contexto de las artes visuales; también, así se le ha llamado a la mayoría de las producciones artísticas desarrolladas en las décadas que nos antecedieron.

La contemporaneidad, en la que aún vivimos, completa la cronología del arte, se ha recorrido un largo camino, cuando miramos hacia atrás, vemos un amplio panorama que comenzó cuando el hombre dejó vestigios de su presencia. Las mani-festaciones artísticas de todas las épocas antes mencionadas, son testigos locuaces de las sociedades que nos antecedieron, cada cual ha dado aportes, acontecimien-tos importantísimos y un caudal inago-table de obras de arte que son la expre-sión más pura del paso del hombre por la tierra.

Si bien en el viejo continente surgieron las primeras expresiones de cada período, la cronología de América nos permite ubicar y valorar disímiles culturas y civi-lizaciones de grandes aportes, a las que vale la pena dedicar muchas líneas más, donde podamos exponer en detalles nues-tro devenir histórico y sus innumerables contribuciones al desarrollo de la huma-nidad.

*Historiadora y crítica de arte.

EN LA ANTIGüEDAD, ES PRECISo RECoNoCER A GRECIA CoMo LA CULTURA MADRE; LA MIToLoGíA y LA VISIóN ESTéTICA DE LoS GRIEGoS ESTABLECIERoN EL CLASICISMo, EL FLoRECIMIENTo DE LA ACRóPoLIS DE ATENAS, y LA APARICIóN DE LoS LLAMADoS óRDENES CLÁSICoS (JóNICo, DóRICo y CoRINTIo) QUE DISTINGUEN SU ARQUITECTURA, y QUE SE SIGUEN USANDo HASTA NUESTRoS DíAS, CoMo SIGNo DE ELEGANCIA y BUEN GUSTo; TAMBIéN FUERoN PRoMINENTES EN EL DESARRoLLo DE LA ESCULTURA y LA CERÁMICA DE GRAN PERFECCIóN.

mirada nacional


PoR: ESTEBan anToLín | FoToS: RICaRDo RoJaS y CoRTESía CEnTRo LEón

A propósito de la celebración del Día Internacional de los Museos, pudi-mos observar la gran cantidad de

actividades que estas instituciones llevan a cabo, y la respuesta de la sociedad para celebrar el pasado 18 de mayo con largas colas. En nuestro país el Museo Bella-part y el Centro León, quienes juegan un rol estelar en la difusión de nuestro arte y nuestros artistas, no se han quedado atrás. Promueven adicionalmente a sus progra-mas culturales, proyectos pedagógicos que además de permitir la formación de los artistas, coleccionistas, amantes de las artes o simplemente interesados, los hacen más dinámicos.

EL CEnTRo LEón Inició el pasado de marzo, el Programa

de Formación para su XXII Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, con la finali-dad de apoyar el desarrollo estético y artís-tico de nuestros creadores. Este programa se fundamenta en el principio de la educa-ción como uno de los puntos principa-les de trabajo que realiza el centro y busca que el evento no sólo sea de estimulo para la creación artística, a través de la

premiación y exhibición de las obras, sino también de que el artista consiga una actua-lización, formación y crecimiento de las competencias de gestores culturales, artis-tas, críticos, investigadores e historiado-res del arte. Adicionalmente, promueve encuentros de Sesiones de Pensamiento Crítico, un segmento dedicado al intercam-bio entre curadores y artistas, con el obje-tivo de transmitir a los participantes claves importantes para el desarrollo de los aspec-tos conceptuales y formales de las diferen-tes prácticas artísticas.

Estas sesiones recientemente, se han llevado a cabo con importantes y reco-nocidas personalidades del mundo del arte. Sobresalen Jacqueline Lacasa, Direc-tora del Museo del Museo Nacional de Artes Visuales de Uruguay; Freddy Rodrí-guez, reconocido artista visual domini-cano radicado en Estados Unidos, Alanna Lockward, Crítica de arte y comisaria independiente, con la conferencia magis-tral Género y producción contemporánea. Políticas y estrategias. María Inés Rodrí-guez, Curadora Independiente y Crítica del arte contemporáneo radicada en París, con el tema Abstracción… figuración.

Desde la época de Cayo Cilnio Mecenas, el patrón de la artes en la antigua Roma y la conciencia sobre la importancia de preservación de la historia, han sido motores del patrocinio de los museos en las principa-

les ciudades del mundo. Sin embargo, es gracias al altruismo y la filantropía de empresas y empresarios en la República Dominicana, que los museos privados han conformado alianzas para fortalecer el patrimonio artístico dominicano poniendo toda esa riqueza cultural a disposición de la sociedad. Algo que necesaria-mente no tiene por qué ser así, ya que en esas ciudades, es parte de la política cultural que llevan a cabo

las autoridades y/o de la responsabilidad social corporativa y tiene retornos cuantificables.

los musEos privados dominicanos, ¿al ritmo dE los tiEmpos modErnos?

Dra. yolanda Wood.

mirada nacional

9mirada al arte /Mayo-Junio 2008

Los Lenguajes del arte contemporáneo; y Sergio Bessa, Curador del Museo del Bronx con el tema Identidad y globalidad. El lugar del arte contemporáneo.

EL MuSEo BELLaPaRT Primero de iniciativa privada en el país.

Reciente finalizó el primer Diplomado en Apreciación de la Artes, llevado a cabo en la sala de conferencias del museo y avalado por la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra (PUCMM).

En este, participaron un nutrido grupo de personas compuestas por artis-tas, galeristas, coleccionistas, arquitec-

tos, profesores e interesados. Durante el pasado mes desarrolló un ciclo de char-las titulado Caribe Visual: ¿qué Caribe? ¿qué visualidad? impartido por la Dra. Yolanda Wood, quien es doctora en Cien-cias sobre el Arte, llamando a repensar el Caribe a partir de que fue una área geográfica que no quedó registrada en la documentación cartográfica hispana de los primeros siglos coloniales y que la incorporación del término caribe como un elemento geográfico es impreciso en un sentido histórico, y su uso, hoy acep-tado, quedó inscrito como un término moderno.

no DEBE SER PoR CaRIDaD. LoS InCEnTIVoS FaLTan.

Los museos privados dominicanos dan señales de tratar ponerse al ritmo de los museos internacionales. La opera-ción de estos programas e instalaciones deben ser excesivamente altos, si toma-mos en cuenta los costos de exhibición, transporte, seguros, curaduría, publicidad, convocatorias, y en el caso pedagógico, lo que conlleva trasladar una personali-dad de estas de un país a otro. Sobre todo, en una nación como la nuestra. Con una ausencia de presupuesto para la adquisi-ción directa de obras de arte, puesto que hay necesidades en el país que tienen una mayor prioridad – aunque ya tenemos un Metro – .

Desde nuestra perspectiva, vemos la necesidad de fomentar una política de donaciones, para que particulares apor-ten en naturaleza o en efectivo a estas instituciones y adquieran obras que no se puedan comprar y exhibirlas al público, e implementen programas investigación y de educación continua. Una manera viable que haga efectiva la contribución de empresas y particulares. A todas luces se observa un sector privado aburrido de ser el patrocinador financiero de todos los eventos culturales que se llevan a cabo en el país. Los museos no pueden seguir dependiendo de la filantropía.

Hay que encontrar la manera de plan-tear contrapartidas publicitarias encami-nadas a promover los incentivos cultura-les con un mercadeo social. De una vez por todas, deben implementarse incen-tivos tributarios reales. Mientras no los haya, no se puede contar con donaciones, patrocinios de exposiciones y salas de arte por terceros. Es necesario procurar el desarrollo sostenible de estas actividades, para estar al ritmo de los tiempos moder-nos, puesto que hoy dependen del amor al arte de sus propietarios, pero quizás en el mañana, producto del cambio generacio-nal de administración de las empresas que hoy las promueven, o por que lo diga un asesor financiero, desaparezcan.

Hace falta enmarcar el Mecenazgo dentro de una ley que permita la participa-ción de las empresas de diferentes formas para hacer posible mantener en el tiempo toda esta riqueza cultural a disposición de la sociedad.

EL MUSEo BELLAPART

Las obras que conforman la colec-ción permanente del museo Bella-part corresponden a una selección de las tendencias y los nombres más significativos del panorama artístico dominicano desde finales del 1800 hasta mediados de este siglo.

La colección se ha instalado siguiendo un recorrido que muestra la secuencia histórica, con la finalidad de que el espectador pueda obser-var la trayectoria del arte dominica-no, así como la evolución de sus dis-tintos estilos, desde las figuras pun-tales que constituyeron el precedente inmediato de la modernidad hasta las vertientes de las más importantes vanguardias de nuestro siglo.

El recorrido comienza por las obras de los denominados precursores del arte dominicano, quienes, alcanza-da nuestra independencia en el 1844, formaron un movimiento que tuvo como finalidad el renacimiento de la literatura y de las artes plásticas. El estilo prevaleciente entre nues-tros artistas era el romántico con influencias de la actualidad pictóri-ca de la época, como el neo-clasicis-mo y el impresionismo. A este perío-do pertenecen Luís (Sisito) Desan-gles, Leopoldo Navarro, Abelardo Rodríguez Urdaneta, Abelardo Piñey-ro, Adolfo García obregón, Enrique García Godoy, Celeste Woss y Gil y Fernando (Tuto) Báez.

Jaqueline Lacasa.

Juan José Bellapart y Antonio Martorell.

Sarah Hermán y Freddy Rodríguez.

Alanna Lockward

DE UNA VEz PoR ToDAS, deben implementarse incentivos tributarios reales. Mientras no los haya, no se puede contar con donaciones, patrocinios de exposiciones y salas de arte por terceros”.

EL CoNCURSo DE ARTE EDUARDo LEóN JIMENESEs el único certamen de arte de ini-ciativa privada que ha permanecido por más de cuatro décadas en Amé-rica Latina, gracias a los auspicios del Grupo León Jimenes. Desde el 2004, el Centro León tiene en lo adelante la organización del evento y la cus-todia de las obras premiadas. El ori-gen de la institución cultural provie-ne de la primera premiación del Con-curso, celebrada en 1964, en la cual don Eduardo León Asensio proyectó la creación de un espacio que pusiera a disposición del público la colección de artes visuales que se conforma-ría con las obras premiadas, naciendo así, cuatro décadas más tarde, el Cen-tro León en octubre de 2003.

Las obras seleccionadas y premia-das en el Concurso de Arte Eduar-do León Jimenes se presentan en el espacio de la Sala de Artes Visuales del Centro León, con el objetivo de facilitar la relación entre el público y el contenido de la exposición, logran-do así que la visita se convierta en una experiencia más fluida y directa.

mirada nacional


mirada nacional


Serán los ejes de siempre: el retrato, el objeto, la naturaleza

viva, la sustancia exánime. Los planos emancipados y rutilantes. La deflagración del cuerpo múltiple y del cuerpo único. La volup-tuosidad de la luz en la carne enmascarada e ince-sante. El súbito asalto a las formas con implacable nervio de fiera. Esas y otras esencias percibirá quien se acerque a las imágenes de Daniel Infante y sus Mira-das Insulares.

(Aquí desaparecen las gradaciones de oscuridad y de luz. “¿Esta sombra es más bien azul?, píntela de azul marino, ¿Las hojas son rojas?, póngale berme-llón...”. Eran palabras de Gauguin al referirse a la calidad del matiz puro. El reflejo de la realidad es tan sólo la certidumbre del artista. Desde los egipcios era posible mirar, al mismo tiempo, la cara y el perfil; contemplar los dos ojos clavados en la silueta del talante. Veinticua-tro siglos más tarde, Picasso violenta la existencia con un asedio de turbadoras máscaras sibilinas. Ya lo dijo él una vez: “para hacer, hay que hacer en contra...”.)

Y es que en estos cuadros aparecen múltiples y reve-ladores atisbos. Furor de paroxismos verdes y amari-llos y rosáceos. Bosque-jos con rastros de azules y disgregadas impudicias. Ademanes infrecuentes y terribles que arquean la forma humana y las escritu-ras del deseo. Hay mucho de pasión y de crítica en estos lienzos. Ataque ardiente que es repulsa corporal, capaz de proclamar su pasión por las formas alternativamente terribles y deseables en que se expresa la vida. Fiereza carnal que intenta ser argu-mento y réplica frente a los enigmas de la muerte. Pincelada súbita que lucha contra la naturaleza en tanto la reinventa y la conjura.

En la obra de Daniel Infante descubro una inédita mirada de nuestras clari-dades, de nuestros clamores y de nuestra fisonomía. Alejada de lo trivial, de lo gastado, de lo tópico del trópico. Una lectura que hoy debemos admirar. Una lozana y amorosa contemplación que, mañana, contri-buirá a deshacer secretos: a desnudar de misterios la luz primordial que sofoca estas tierras y estos letargos.

APUNTES DEL TRÓPICO

PEDRO DELGADO MALAGÓN

Daniel Infante.

POR GUILLO CARÍAS | ILUSTRACIÓN POR SAID MUSA

Al formular teorías sobre los orígenes del Jazz, los historiadores tienen tantos problemas como los que tienen los antropólogos cuando intentan explicar que los monos son los antepasados de la raza humana. La forma reconocible de ambas cosas no tiene fecha de arranque, aunque en el caso del Jazz sí se cuenta con los elementos que inciden en su chispa origina-ria. ¿Situaciones sociales? ¿Instrumentos musicales? ¿Músicos deseosos de interpretar nuevas cosas? Voy a tratar de explicarlo de una forma descriptiva para una mejor comprensión. Si tomamos una olla para hacer un sancocho al que llamaremos JAZZ, tendremos que echarle los siguientes ingredientes para entender su origen: esclavitud en búsqueda de libertad, notación musical europea, guerra civil americana, responsorios de los cánticos en las iglesias bautistas, y un excelente fogón para cocinarlo: la ciudad de Nueva Orleans.

es la única verdadera expresión humana de libertad”.

Cuando un músico de Jazz sube a una tarima para interpretar su sancocho musi-cal, en su interior tiene un pensamiento: “No me importa como lo han hecho los otros, ésta es la forma en que yo voy a hacerlo”. Albert Murray, escritor muy famoso de libros sobre Jazz dice: “Cuando usted ve tocar a un músico de Jazz, usted esta viendo a un explorador, a un expe-rimentador, viendo a un científico, usted esta viendo todas esas cosas juntas porque es el proceso creativo encarnado”.

Esta maravillosa forma musical, que se ha expandido por todo el mundo, no es pura, se va pegando como un pulpo a cualquier tipo de expresión musical y la arropa, la arropa tanto que casi siem-pre ritmo y música se hacen más popula-res gracias a esta fusión. Así ha pasado con la música brasileña, la música latina, o el rock entre otros, que los ha envuelto y después los ha liberado, para luego seguir tan campante caminando por nuevos rumbos, pero siempre creciendo. La gente, a medida que va escuchando Jazz, se va desarrollando mejor musical e inte-lectualmente, lo va comprendiendo mas y haciéndolo suyo.

Y que no se hable más de este asunto... (por el momento).

Continuará...

Y QUE NO SE HABLE MÁS DE ESTE ASUNTO.

Esta ciudad estaba constituida enton-ces por una mezcla de comunida-des diferentes: francesas, españo-

las, caribeñas, inglesas, y por supuesto, los esclavos africanos. Así como abunda-ban las iglesias bautistas, la prostitución y la proliferación de cabarets existían en una vasta zona de la ciudad, y también a lo largo de las orillas del río Mississipi y a bordo de barcos, los cuales todavía hoy existen como atracción turística.

Un trabajo importante de la Universi-dad de Harvard sobre los orígenes del Jazz dice que cuando los europeos emigraron, sobre todo los franceses que vivían en el oeste de la isla Hispaniola (debido a la Independencia de Haití), con una cantidad considerable de sus esclavos hacia Nueva Orleáns y se establecieron allí, fue cuando empezó el verdadero movimiento musi-cal que dió lugar a este estilo. Los escla-vos encontraron una forma extraordina-ria de expresión de libertad en la música, improvisando a través del canto durante la noche, en las barracas donde dormían, pero sobre todo durante los servicios en las iglesias bautistas. Mas luego, empe-zaron los músicos a imitar, con sus instru-mentos musicales, esta nueva forma de expresión que tenía lugar en los responso-rios religiosos. Aquello tuvo un impacto tan profundo que al día de hoy, en los círculos musicales de Jazz en los Esta-dos Unidos se dice con orgullo: “El jazz

All over (I)

mirada nacional


Serán los ejes de siempre: el retrato, el objeto, la naturaleza

viva, la sustancia exánime. Los planos emancipados y rutilantes. La deflagración del cuerpo múltiple y del cuerpo único. La volup-tuosidad de la luz en la carne enmascarada e ince-sante. El súbito asalto a las formas con implacable nervio de fiera. Esas y otras esencias percibirá quien se acerque a las imágenes de Daniel Infante y sus Mira-das Insulares.

(Aquí desaparecen las gradaciones de oscuridad y de luz. “¿Esta sombra es más bien azul?, píntela de azul marino, ¿Las hojas son rojas?, póngale berme-llón...”. Eran palabras de Gauguin al referirse a la calidad del matiz puro. El reflejo de la realidad es tan sólo la certidumbre del artista. Desde los egipcios era posible mirar, al mismo tiempo, la cara y el perfil; contemplar los dos ojos clavados en la silueta del talante. Veinticua-tro siglos más tarde, Picasso violenta la existencia con un asedio de turbadoras máscaras sibilinas. Ya lo dijo él una vez: “para hacer, hay que hacer en contra...”.)

Y es que en estos cuadros aparecen múltiples y reve-ladores atisbos. Furor de paroxismos verdes y amari-llos y rosáceos. Bosque-jos con rastros de azules y disgregadas impudicias. Ademanes infrecuentes y terribles que arquean la forma humana y las escritu-ras del deseo. Hay mucho de pasión y de crítica en estos lienzos. Ataque ardiente que es repulsa corporal, capaz de proclamar su pasión por las formas alternativamente terribles y deseables en que se expresa la vida. Fiereza carnal que intenta ser argu-mento y réplica frente a los enigmas de la muerte. Pincelada súbita que lucha contra la naturaleza en tanto la reinventa y la conjura.

En la obra de Daniel Infante descubro una inédita mirada de nuestras clari-dades, de nuestros clamores y de nuestra fisonomía. Alejada de lo trivial, de lo gastado, de lo tópico del trópico. Una lectura que hoy debemos admirar. Una lozana y amorosa contemplación que, mañana, contri-buirá a deshacer secretos: a desnudar de misterios la luz primordial que sofoca estas tierras y estos letargos.

apuntEs dEl trópiCo

PEDRo DELGaDo MaLaGón

Daniel Infante.

portada

mirada al arte /Mayo-Junio 200812 TexTo y foTos Por fernando Casanova

Cestero ha hecho de la narración, del concepto en la pintura, todo un mundo propio. La Ciudad Colonial, o los personajes de la literatura universal como El Quijote, son una especie de carta de presentación; pero José Cestero es mucho Cestero. Es uno de los grandes de nuestra pintura. Lo esencialmente narrativo de su producción incluye la poesía de una visión de artista que trasciende la inmediatez y la historia, que hace una creación nueva de esos hechos o elementos que narra y, con cada creación suya, es una nueva Ciudad Colonial, un nuevo Quijote o una nueva Frida Kahlo.

Don JOSÉ CESTEROUN QUIJOTE EN LA CIUDAD COLONIAL

Sus retratos de contemporáneos famosos o no tan famosos, como la ciega Marcela, tienen la fuerza del gran creador que es, pues transforma lo pintado sin

que se deje de identificar lo que acostumbramos a ver, o simplemente crea una nueva realidad imposible, pero real, porque él la ha traído a la vida con su capacidad de gran calado para dar vida mediante su arte.Tiene la destreza de hacerte un retrato, exactamente como te ves cuando la luci-dez te permite ser sincero contigo mismo, en una hora. Sus retratos serán parte, de la gran colección y legado cesteriano, de personajes dominicanos de esta época.

FC: Hace poco un grupo de amigos hacíamos unas analogías de tu producción sobre la Ciudad Colonial de Santo Domingo con todo lo que conlleva, y con la producción ruralista cibaeña de Yoryi Morel, así como la trascendencia de ambos discursos pictóricos ¿Qué crees sobre eso?JC: Para mi es un honor que se me asocie a Yoryi en lo que sea, pues soy un gran admirador de Yoryi Morel. En mi caso, lo que hago no es más que una recreación de la

ciudad que me vio nacer (Cestero es “capitaleño”), todos estos paisajes urbanos, esos personajes, así como los perros realengos, los parques, las calles y las escenas de la vida diaria tratan de descubrir, con buen humor, perso-nas y hechos que en cierta forma son un intento de distin-guir entre las esperanzas y los espejismo, entre la reali-dad y la ilusión, que como toda verdad tiene por lo menos dos caras, al igual que un Jano bifronte. Trato de sacar un poco la intimidad de ellos, y a la vez la mía.FC: En tus retratados salen chispas de humor, de tus ironías, ¿has tenido algún problema con tus “modelos” porque no se reconocen en el retrato?

JC: Todo eso tiene su manera de expresión. Al paisaje yo lo humanizo, quizás debí ser arquitecto. Sobre el retrato lo que trato es de buscarle el aspecto patológico al perso-naje, haciéndolo humano y no la autoconcepción estereo-tipada, rígida o sobredimensionada que muchos tienen de sí mismo.

FC: También retratas a muchas mujeres como Frida

Kahlo, Marilyn Monroe, Jane Fonda, meninas, y sobre todo tus “Dulcineas”. Tienes fama de que te gustan mucho las mujeres, de que te enamoras fácilmente ¿Qué prefieres, las mujeres o el amor?

JC: Fíjate, a las mujeres hay que entenderlas. Según yo, y según Erasmo de Rótterdam, la verdadera belleza de la mujer es su locura, y yo me enamoro de las locuras de algunas mujeres. Cada una de las pocas que he tenido tiene su propia personalidad. Eso me llena a mí en mi carrera de pintor, son mujeres con mucha personalidad que enriquecen a uno espiritualmente.

FC: Has trabajado textos y personajes literarios, tienen fama y son ya casi leyendas urbanas tus Quijotes, y también se que estás trabajando los personajes del Macondo de Cien años de soledad de García Márquez, cuéntame algo de eso.

JC: Sobre lo de Macondo lo tengo estructurado en mi mente, sólo hay algunos bocetos como el que ustedes


portada

sacaron para la edición de Diario Libre en homenaje a Cien años de soledad y García Márquez. En nuestro país tenemos escenas, imágenes y personajes totalmente macondianos, sobre todo de gente macondiana, hay de sobra para poblar el gran macondo que es este mundo. García Márquez para mi es una de las mentes privilegia-das de la literatura y del arte. Supo ver y narrar esa coti-dianidad, esas patologías de estos pueblos y gentes que son tan alucinadas e imprevisibles, y a la vez tan enrique-cedoras y gratificantes.

FC: ¿Con cuál de los personajes de Cien años de sole-dad te identificas o te atrae más?JC: Bueno, hay tantos. García Márquez creó un microcosmo; pero a mí me atrae mucho Mauricio Babilonia, ese aprendiz de mecánica de la compañía bananera que era precedido por mariposas amarillas cada vez que veía a su amada Meme, y que para ir al cine se ponía su muda de lino blanco. Esa personalidad surrealista es maravillosa. También me gusta mucho el gitano que llevó el hielo a Macondo. Cuando haga la muestra verás que mundo tan grande yo veo en esa obra de García Márquez. Los personajes los voy a hacer con perso-najes reales dominicanos, o sea con sus caras y gestos, pero dentro del mundo macondiano.

FC Tu has pintado mucho, eres muy prolífico. Tus obras se ven en el Banco Central como uno de sus teso-ros, o el maravilloso parque Independencia que tiene el Banco Popular, también las residencias de millonarios están llenas de Cesteros ¿Eso significa que eres rico, que has vendido mucho y bien?(SE RÍE)JC: Al dinero lo que hay que hacerle es humanizarlo, como decía Ortega y Gasset.

FC: ¿Cómo se humaniza el dinero?JC: Usándolo en las cosas importantes, ayudar al que no tiene, no es más que papel y moneda. No es tu vida, es un instrumento que ha creado la sociedad para inter-cambiar cosas, pero los sentimientos no son cosas por eso no se puede intercambiar por dinero. Darle uso

al dinero resolviendo las menudencias de la vida que se resuelven con dinero; porque lo importante no se resuelve con dinero, sino con amor, pasión e interés en lo que haces.

FC: ¿Pero eres rico o no eres rico?JC: Bueno yo soy millonario en ideas y proyectos

FC: ¿Y en cuartos?JC: No exactamente, es que ese papel es como huidizo, raro. De esos no tengo.

FC: Vi que la Secretaría de Cultura anunció unas pensiones para un grupo de artistas incluyéndote a ti ¿Funciona?JC: Hasta hoy, mayo del 2008, yo no he visto nada. Pero la idea es fantástica, es muy difícil vivir de la pintura siendo libre pensador, siendo dueño de tu propio destino y sin temor a críticas y convenciones sociales. El Estado hará un gran favor a las artes si esa anunciada ayuda llega a feliz puerto. Estoy en espera.

FC: Desde hace un tiempo cada vez que nos vemos tu mencionas la influencia de la Luna sobre determinada persona y sobre ti ¿Crees que ser lunático es una de las condiciones para ser artistas, en este caso pintor?JC: Claro que si. Todo lo que se mueve es víctima de los cambios de la Luna. Y en el caso de los artistas es evidente, sólo tienes que estudiar la vida de los grandes artistas y verás que les patinan algunos tornillos. Si no hubiera ese algo de locura no hubiera arte, porque para captar y transmitir la realidad hay que estar un poco loco, ya que la realidad es difícil de captar por la gran canti-dad de filtros y mentiras que ha puesto la sociedad y el contrato social. Además la Luna siempre ha sido tema de los artistas, mira a García Lorca con su Luna de gita-nos, yo mismo la he trabajado y ella me ha trabajado a mí también.

FC: ¿Cómo es tu rutina de trabajo? ¿Trabajas por encargo, viene la inspiración o qué?JC: Hay de todo, ahora cuando me paro frente al lienzo en blanco me transformo y vienen las ideas. Pero hay que hacerse una rutina de trabajo, como en cualquier oficio. Ahora, cuando trabajo en algo lo primero que hago es empaparme de la espiritualidad de “ese algo”, de su trascendencia. No empaparme de estilos, ni de modas ni corrientes pictóricas, no. Empaparme del espí-ritu de las cosas para poder revelarlas y hacerlas tras-cendentes.

FC: ¿Consideras que eres reconocido en el País?JC: Creo que si. Gente que yo considero que saben de arte me lo demuestran cada día, los galeristas me buscan y, algo importante, la gente en la calle me demuestra apre-cio y respeto. El pueblo dominicano es un pueblo agrade-cido y lo demuestra siempre que puede.

FC: Manuel Valldeperes, en 1968, te calificó como el Van Gogh del Caribe y dijo que tú aportabas experien-cias nuevas para decidir el rumbo del arte en Domini-cana ¿Recuerdas aquella primera exposición?JC: Claro, eso es como la primera mujer que te ilusionó. Es cierto, Valldeperes fue el primero que me dijo eso, luego Marianne de Tolentino y otros. Para mi es una honra, pues Van Gogh es el paradigma del artistas ínte-gro y que vio la luz como la ven los ángeles. Para mi hay muchos grandes Maestro que reconozco que me han influenciado como Velásquez, Picasso y muchos otros.

FC: Muchas gracias Cestero de parte de Mirada al Arte.JC: Gracias a ti Casanova, Abogado del Diablo, y gracias a Mirada al Arte por tan buen trabajo que están haciendo.

La conjura 1997. Balaguer entrega Palacio a Leonel mientras este da la espalda a Bosch. Colección bar Ocho Puertas.

El Jefe. 1985. 60 x 40 cms.

mirada internacional


Louise Bourgeois es considerada como una de las mayores artis-tas del siglo XX que se mantienen

vigentes y vanguardistas en este Nuevo Milenio. Actualmente, exponen en el Centro Pompidou de París una retrospec-tiva que explora e identifica la obra de esta artista excepcional, desde sus prime-ros lienzos de los años 40-50 hasta sus recientes “muñecas de trapo”.

Esta retrospectiva muestra con brío una obra que pasa por los años y las genera-ciones manteniendo una extraordinaria fuerza, tanto en su propuesta como en su lenguaje.

Desde muy temprana edad, Louise Bourgeois abandonó la Europa de la post-guerra para iniciar su búsqueda de espa-

louisE bourgEois,rEtrospECtiva En El CEntro pompidou dE parís

PoR DELIa BLanCo | FoToS: FuEnTE ExTERna

cio independiente y autónomo, fuera de todas las influencias, de las tendencias y corrientes que marcaban las transvanguar-dias europeas de esos tiempos.

Hija de una familia pequeño-burguesa con referencia y pertenencia hacia las sociedades católicas y bienpensantes, Louise finalizó sus estudios de Bellas Artes en París honorablemente. Nunca quiso pertenecer a ningún grupo ni a ningún movimiento. Para distanciarse de sus padres, con quienes mantenía una atormentada y dolorosa relación, la artista se instaló en 1949 en Chelsea, Nueva York.

En Estados Unidos de América, se impone con sus lienzos de cuerpos esqui-zofrénicos en los que la identidad de la

mujer se destaca con los conceptos críti-cos a la mujer-hogar, a la mujer-casa, a la mujer-dueña y reina de la domesticidad. Entiéndase que la obra de Louise Bour-geois no puede concebirse fuera de los aportes de las reflexiones y de los estu-dios psicoanalíticos de los años 50 y 60. Desde el lienzo en el que la mujer en lugar de cabeza lleva una casa, la obra de Louise Bourgeois se volcó en un laberinto de emociones que nacieron del trauma: reflejo de una madre casi inexistente frente a un padre omnipotente con gran-des brotes de posesión y autoritarismo.

La infancia y la juventud de Louise Bourgeois fueron atrapadas en un enjam-bre de pasiones y horrores que poco a poco se convirtieron en el leit motiv de su obra. La araña gigantesca se impone de manera monumental como la obra que identifica la firma de Bourgeois, arácnido cuyas connotaciones amenazantes y crue-les simbolizan, ante todo, el motor cons-tructor de una trama, de un tejido, de una red frente a la cual la vida se mantiene al filo de la muerte.

Pasarán muchos años antes de recono-cer en Louise Bourgeois la más vanguar-dista y renovadora de las artistas contem-poráneas. El éxito granjeado en EUA le abrió de par en par las puertas de Francia en 1986, es decir, cuarenta años después de su emigración hacia Nueva York. En

Estados Unidos, esta francesa atrevida e intransigente supo abrirse camino e impo-nerse en el mundo del arte sin jamás muti-lar sus orígenes pequeño burgueses. En sus primeros veinte años en Nueva York pudo explorar los caminos de su obra que luego plasmaría en la escultura, sin límites ni reacciones de hostilidad por la crítica profesional. Bourgeois impresionó a América y desde su estudio neoyorquino se destacó y continua destacándose en su propia disciplina.

Los años 70-80, están marcados por objetos en estado de levitación-flota-ción, con decididas formas fálicas que le permitieron provocar al escenario típico y auténticamente americano, todavía empa-pado en el puritanismo anglosajón. Sin embargo, los coleccionistas y los galeris-tas de Soho, vieron en Louise Bourgeois el manejo y desarrollo de una obra dife-rente, personal, y a la vez con altos símbo-los sicológicos que reflejaban el posicio-namiento de una mujer con altas caracte-rísticas intelectuales y grandes rasgos de autonomía e independencia.

No era un artista que se apoyaba en los movimientos feministas de entonces para existir como mujer, en el asediado y complejo mundo del arte. Louise Bourge-ois fue desde siempre provocadora hasta con las feministas a quienes rechazó y soslayó como una de las corrientes a la

Louise Bourgeois.



moda que nunca permitió perturbaran su independencia de mujer-creadora, única y sola, enfrentando todos los movimien-tos y corrientes que se imponían dentro de la sociedad. En muchas entrevistas, la artista ha expresado siempre su angustia y su temor frente a toda pertenencia ideo-lógica, reivindicando su soledad y aisla-miento como la condición innegociable para mantener la evolución de su obra. Siempre declaró que “no creía en los efectos de grupos y que temía, con gran-des razones, tanto al feminismo como al machismo”.

Desde sus instalaciones, como “El dormitorio y el desván”, la obra de Louise Bourgeois es un grito abierto de indig-nación y rechazo a los esquemas de los hogares pequeño burgués y católico que, más allá de las apariencias y de los buenos modales sociales, encierran monstruosi-dades como la violencia física, el incesto

y el adulterio. La telaraña, como la misma araña, que son las banderas artísticas de Louise Bourgeois, llama a lecturas inquie-tantes de su mensaje frente a la humani-dad. Ahora bien, la genialidad artística de Bourgeois es indiscutible, la intensidad expresiva de sus arañas gigantescas forja-das y martilladas en el metal, son autén-ticos monumentos de vanguardia. Esa mujer, de apenas 1.58 metros de estatura, es capaz de imponer al arte contemporá-neo y actual, una de las obras más provo-cadoras y logradas de finales del siglo XX y que a la vez evidencia una de la escul-tura más avanzadas del siglo XXI.

La materia no es un límite ni un obstá-culo para esta artista. Después de haber conceptualizado grandes instalaciones sin jamás abandonar la escultura, en los últi-mos diez años ha vuelto a la pintura y ha manejado telas y retales de reciclaje con las que la artista ha producido muñecos y muñecas de trapo estremeciéndose en encuentros eróticos. Estas obras de tela, o como la llaman aquí “de trapos”, presen-tadas en la galería Cheim de Chelsea, Nueva York, siguen marcando la vigen-cia de una artista que más allá de la edad, nunca ha dejado de explorar nuevas técni-cas y nuevos medios. La retrospectiva de su obra en el Centro Pompidou de París es un evento sin precedentes, y marca un después de que el Museo Guggenheim de Bilbao adquiriera una de sus arañas. El regreso a Europa de una obra trascenden-tal que impone a una artista de noventa y siete años que nunca ha dejado de traba-jar ni de investigar, independientemente del éxito y del reconocimiento, lo que le permite, todavía en la actualidad, ofre-cerle al público una de las obras más señaladas, admiradas y apuntadas del siglo XXI.

mirada


Con los citados aspectos expresio-nistas parece enlazarse a poste-riori José Graziani, quien pertene-

ciendo a otra realidad de permanente crisis epidémica e histórica, se inscribe en una tradición de escolaridad distinta. Es decir, a un expresionismo caribeño que nos permite apreciarlo además con una iden-tidad isleña (nació en Puerto Rico) y con una edad (nació en 1973), que más bien le asocia al neoexpresionismo, una de las tendencias postmodernas, observa Lour-des Cirlot, quien explica que se desarrolla

en Europa durante la década 1970, afian-zándose en los ochenta, “época en que numerosos jóvenes decidieron situarse en una línea extraordinariamente agresiva e incluso brutal, tanto por lo descarnado de los temas como el modo en que estos eran

tratados. La Cirlot cita al crítico Achille Bonita Oliva, quien entiende el fenómeno neoexpresionista como una forma más de transvanguardia, en la medida en que puede entenderse como una actitud que no se circunscribe de manera exclusiva al

ámbito germánico, sino que posee carác-ter internacional. Gerorg Baselitz (Alema-nia), Miguel Barceló (España) y Jean-Mi-chel Basquiat (USA) explica ese interna-cionalismo.

El neoexpresionismo se desarrolla a partir del ámbito alemán donde el lenguaje cuenta con una emergencia que data de principio del siglo XX y que multiplica sus nuevos representantes en los años finales del mismo siglo. Su difusión que obedece a una mundialidad económica abierta no excluye la tradición de cada localidad o región, lo

PoR: DanILo DE LoS SanToS | FoToS RICaRDo RoJaS

JosÉ graZiani: CaribEÑo, insular Y nEoExprEsionistaEn plena juventud, José Graziani se relaciona a la modernidad expresionista: senda que se manifiesta preliminar-mente con los artistas Van Gogh, Edwrd Munch, James Ensor y otros que, aislados y antinaturalistas, transcriben la “incapacidad para reconciliarse con la vida” y manifiestan “los problemas del ser individual”. Es el enlace con el camino de la desfiguración, el lirismo y la estridencia que sobretodo canalizan los pintores alemanes Ernst Ludwig Kirchmer, Erich Heckel, Kail Schmid – Rottluff; Otto Mueller, Emil Nolde y Max Pechsteim. Todos ellos enfrentan estados críticos evadiendo las vivencias reales y manifestándolas mediante un lenguaje expresivo de tono descompuesto, directo, dramático, fluyente, lapidario y vigoroso.

“CUANDo FíSICAMENTE ME ENCoNTRé CoN UNA SECUENCIA TRIPTICA DE PALMAS DANzANTES, LA TREMULACIóN ME INVADIó CoMo UN PoDER DE TEMPESTAD DE QUEMA y VIENTo. ” D.S.

cual significa que un determinado lenguaje de cuño o no “revival” ofrece rasgos especí-ficos del lugar del artista emisor. Esta apre-ciación la sustentamos para reconocer que en el área del Caribe, específicamente en los territorios antillanos vinculados al coloniaje español, como en los casos de Cuba, Puerto Rico y República Dominicana, el lenguaje expresionista tiene un asidero y unos conte-nidos peculiares de explicación común. En el arte puertorriqueño la expresividad lírica y recia es una identidad que fluye en la mayo-ría de los artistas del grabado, así como en un buen número de pintores, incluido Graziani cuyo registro expositivo en Santo Domingo, en “Mesa Fine Art” (abril 2008) nos permite las precedentes anotaciones en torno a la contemporaneidad que no es una, sino múltiple.

Caribeño, insular y puertorriqueño, José Graziani, ofrece su “identidad”, el título para la exhibición de once obras pictóricas que sustenta en la gran verdad que nos dice: “La vida es un viaje”; y si bien la enten-demos como inevitable visado existencial, además la interpretamos como presencia programática que cruza la mar para “cantar-nos visualmente de todo corazón danzante en forma de postiza”; además, portando

una vasija chata de flores y recordándo-nos el martirio con un Cristo internalizado con cromatismo de fuego. Si en estos cantos pictóricos descubrimos una inten-ción simbólica o una proyección de la espi-ritualidad de su autor, sus códigos lingüís-ticos se ensanchan en las restantes visuali-dades también canciones cromatizadas que

dejan escuchar estallidos, oleajes, ritmos, sacudidas, vaivenes, vibraciones y vientos. El compás expresionista fiero e inconteni-ble ofrece un excelente nivel en la contem-plación de una envejecida luna de perfil, sentada espacialmente que resulta en una página azul nocturnal con volátil estrella y/o garabatos signográficos.

Cuando me hablaron de un descono-cido Grazziani, pintor y ponceño que tenía previsto una breve, corta y poco abun-dante muestra de sus textos que entonan visualidades, previamente hice audición en la página web que preparó el galerista Juan José Mesa. Realmente me percaté de un viento fuerte con una azulada arboleda estrujada en un firmamento de violento amarillo con rojo. Cuando físicamente me encontré con una secuencia triptica de palmas danzantes, la tremulación me invadió como un poder de tempestad de quema y viento. Preferencié el conjunto, empero cuando me volví para buscar una salida, una vista marina con celeste de ocaso amarillo reflejado en un brazo de agua me embargó de deseo de encontrar una nao. Otra gran vista me aproximó a un velero besado por una ola blanca y un poético firmamento tajantemente cortado por tres franjas informales anaranjadas. Sentí un gran deseo de que su propieta-rio: elocuente pintor de una antillanidad encendida como lírica, me invitara a subir y charlar después de una salutación por permitirme conocerle. ¡Que jugoso es ser neoexpresionista de verdad en esta parte de nuestro mundo!


mirada

Caribeño, insular y puertorriqueño, José Graziani ofrece su “identidad”

miradas


PoR FERnanDo CaSanoVa | FuEnTE ExTERna

50 pintorEs dominiCanos QuE haY QuE vEr antEs dE morir

TERCERA PARTE

¿Cuándo empieza el arte dominicano? En 1844, en 1492 o desde siempre, desde que la isla es habitada por seres humanos sensibles y capaces de reproducir, mediante el arte, las manifestaciones del hombre y de la naturaleza.

¿Cuál es el Arte dominicano? Pintores, críticos e historiadores del arte dominicano han oído esta pregunta cientos de veces. Pare de preguntar y vea, el arte visual es para ser visto y no para ser contado. Muchas de las teorías sobre pintores y pinturas no son más que inventos, mala o buena fe de algunos, y sobre todo mucho bla, bla, bla…

Maternidad.

La litera.

Diablo Cojuelo.

LoS ARTISTAS◗ 11.- JUAN BAUTISTA GóMEz. Su “La litera”, en la colección y exhi-bición permanente del Museo de Arte Moderno, Plaza de la Cultura.

◗ 12.- LEoPoLDo NAVARRo. Su “La española” perteneciente a la familia Cabral Navarro, y sus “Hilanderas” y “El flautista” en el museo Bellapart.

◗ 13.- JoSé GAUSACHS. Su “Descanso” en el Museo Bellapart.

◗ 14.- JoSé VELA zANETTI. Su “Diablo Cojuelo” en el Museo de Arte Moderno, y su “Maternidad” en la colección de octavio Amiama De Castro.

◗ 15.- yoRyI MoREL. Su “Campesino cibaeño”. Colección Museo de Arte Moderno, Plaza de la cultura; y su “Fiesta campesina” en el Centro León de Santiago.

miradas


Al fondo del Mar Caribe

Tel.: 809-565-6060 www.mesafineart.com / [email protected]

Cóctel de apertura 2da. exposición individual de la artista

María Josefina García (Marijó)Martes 24 de junio 2008 / 8:00 P.M.

Invita:

Descanso.

El flautista

Hilanderas.

Campesino cibaeño.

Fiesta campesina

Desde muy pequeño tuvo inquietudes para la pintura, lo que motivó a la familia a matricu-larlo, con apenas 11 años de edad, en una acade-

mia de arte en la que inició sus primeros estudios. En los trabajos de aquella etapa, ya se apreciaba el dibujo minucioso, cuyos trazos y colores predecían el futuro del artista. Continuó su aprendizaje en la Academia de San Carlos de Madrid, luego ganó una beca y realizó estudios superiores en Roma y Paris, allá entró en contacto directo con la obra de los grandes maestros del renacimiento y el barroco, lo cual le sirvió de inspiración para desarrollar sus ideas artísticas.

En 1880 ganó la Medalla de Plata en una importante exposición colectiva de su país, en la que participó con la obra Moro acechando la ocasión de su venganza; a partir de ese momento, la carrera del pintor fue en ascenso cons-tante. Con el tiempo su obra ha sido expuesta en impor-tantes ciudades del mundo, donde ha impactado por la coherencia en el planteamiento estético; fue elogiado y aplaudido, por lo que recibió en vida, decenas de premios y reconocimientos, a un trabajo audaz, de grandes cuali-dades.

museosCooRDInaDoRa: MIGuELIna BaLBuEna

T: 809-322-6286 • [email protected]

PLaza DE La CuLTuRa(Martes a domingos) Av. Pedro Henríquez Ureña,Esq. Máximo Gómez

MUSEO DE ARTE MODERNOHorario: 10:00AM – 6:00PM • Entrada: RD$ 10.00 p/p • Tel.: 809-685-2154

MUSEO DEL HOMBRE DOMINICANOHorario: 10:00AM – 5:00PM • Entrada: RD$ 20.00 p/p, Estudiantes: RD$ 5.00 • Tel.: 809-687-3622

MUSEO NACIONAL DE HISTORIA Y GEOGRAFÍAHorario: 9:00AM – 4:30PM • Entrada: RD$ 5.00 adultos y RD$ 3.00 niños • Tel.: 809-686-6688 • (Cerrado por remodelación).

MuSEo DE LaS CaSaS REaLESCalle Las Damas, Ciudad Colonial • Horario: 9:00AM – 5:00PMEntrada: RD$ 20.00 p/p • Tel.: 809-682-4202 / 809-688-8298

MuSEo BELLaPaRTAv. John F. Kennedy • Horario: 10:00AM – 6:00PM • Sábados: 9:00 AM – 12:00M • Entrada: Gratis • Telf.: 809-541-7721 Ext. 296

MuSEo DuaRTIanoCalle Isabel La Católica, Ciudad Colonial • Horario: 9:00AM– 5:00PM • Sábados: 9:00 AM – 12:00M • Entrada: RD$ 5.00 p/p • Tel.: 809-687-1436

MuSEo nuMISMÁTICo y FILaTéLICoBanco Central de la República Dominicana, Av. Pedro Henríquez Ureña Esq. Leopoldo Navarro • Horario: 9:00AM – 4:00PM • Entrada: Gratis • Tel.: 809-688-6512

MuSEo DEL DIBuJo ConTEMPoRÁnEo (MuDIC)Rafael Bonelly No.9 • Evaristo Morales • Horario: 9:00AM– 2:00PM Lunes a Sábados • Entrada: Gratis • Tel.: 809-472-9457

MuSEo DE La PoRCELanaJosé Reyes No.6, Ciudad Colonial • Horario: 10:00AM – 6:00PM Lunes a sábados • 11:00AM – 5:00PM Domingos • Entrada: RD$ 15.00 p/p • Tel.: 809-688-4759

FunDaCIón GaRCía aRéVaLoAv. San Martín • Horario: 9:00AM – 12:00M y 2:00PM – 5:00PMLunes a Viernes • Entrada: Gratis • Tel.: 809-620-7777 Ext.235

CEnTRo LEónAv.27 de Febrero No. 146 • Villa Progreso, Santiago de Los Caballeros • Horario: 9:00AM – 6:00PM martes a domingosEntrada: RD$ 50.00 adultos, RD$ 20.00 niños, RD$ 150.00 • Visitas guiadas • Tel.: 809-582-2315

PLaza DE La CuLTuRa DE Bonao MuSEo BIDoPadre Billini Esq. Los Santos , Monseñor Nouel • Horario: 9:00AM – 5:00PM, lunes a Sabados y 9:00AM – 1:00PM Domingos • Entrada: Gratis • Tel. 809-525-7707

MuSEo DE La FaMILIaPadre Billini Esq. Arzobispo Meriño, Ciudad Colonial • Horario: 9:00AM – 4:00PM • lunes a sábados • Entrada: RD$ 20.00 p/p • Tel.: 809-689-5000



¿Está pensando vender sus obras de arte?

o llamar al 809-774-1703

Pintura - Escultura - dibujo

Consulte con nosotros…[email protected]

PoR ISaBEL SERRano FuEnTES

El pintor valenciano Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) es consi-derado uno de los pilares del arte impresionista español. Su historia comenzó con una niñez difícil, cuando contaba con dos años de edad, sus padres murieron por una epidemia de cólera, fue entonces cuando unos parientes se encargaron de su crianza, requirieron grandes esfuerzos en aras de dar al niño una educación digna.

musEo sorollaanivErsario



Sus lienzos son inconfundibles, el artista estuvo imbuido en el realismo social y el costumbrismo, los que trató con una aplicación directa del iluminismo. Cada cuadro de Sorolla es un nuevo paisaje con formas y escenas que emocionan. Captó los atardeceres, pescadores y niños de manera significativa; en sus obras, cada elemento de la naturaleza cobra vida; plantear las trasparencias en el agua, el verdor de los campos, la textura en la piel los peces, los rostros cansados, o la inocencia de los niños, fueron sus mayores logros.

Las pinturas de Sorolla se reconocen por las pinceladas sueltas, el palpitante cromatismo, las luces radiantes y los sutiles equilibrios, que condicionaron un estilo propio. Su obra centra la atención en temas de la vida cotidiana, representó con excelencia muchos aspectos del folklore español; los personajes en la playa se identifican como los más populares de su producción, son figuras que aparecen en barcas o a la orilla del mar, bañadas por el sol intenso; le fascinaron las escenas de pesca, que inmortalizó con gran realismo en muchos de sus cuadros.

En 1925, dos años después de la muerte del artista, su esposa Doña Clotilde García, mediante testamento, entregaba al Gobierno español una valiosa colección de obras y objetos de su marido, con la finalidad de que fueran depositadas en un museo que rindiera homenaje a la vida y obra del pintor; con el tiempo, la casa propie-dad de la familia se destinó como bien museable. Es una vivienda construida a inicios del siglo XX, consta de dos plantas, con sala, comedor, terrazas, cuatro recá-maras y tres salitas que el pintor usaba como estudio, a estas podía acceder desde el jardín y desde el interior de la casa, en aquel ambiente, Sorolla desarrollaría su apasionante obra.

El deseo de la familia se vio materializado cuando el 11 de junio de 1932, quedó inaugurado en Madrid el flamante Museo Sorolla. Los antiguos espacios se convir-tieron entonces en salas que atesoran el valioso patrimo-nio de obras de arte, muebles, fotografías y objetos que pertenecieron al destacado artista. Este mes, dicho museo celebra su aniversario setenta y seis, mostrando la gran colección del llamado “artista del mar”.

La habilidad de Sorolla para captar y representar la luz y la sombra, los movimientos y la figura humana, fue extraordinaria; logró estampas que hasta hoy inspi-ran a poetas, escritores y pintores de cualquier lugar de la tierra. Su agudeza para trasmitir ideas y sentimientos, y la concesión de un arte depurado, de valiosos contrastes, dieron como resultado sus vigorosas composiciones.

Este artista fue un creador insaciable, con sofisticado impresionismo logró una producción que se cataloga entre las mejores del mundo. Su museo, depositario de una cantidad considerable de obras -pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y bocetos- rinde homenaje al quehacer del artista. Su obra está diseminada por diferentes museos y colecciones de Europa y América, en cada recinto las resguardan como joyas del arte contemporáneo; donde quiera que podemos contemplar un cuadro de Sorolla, se produce un momento especial para elogiar el trabajo de aquel, que con ciertos aires de modernidad, recreó como pocos, la vida cotidiana española de fines del siglo XIX.

*Historiadora y crítica de arte.

El baño del caballo, 1909

Cosiendo.

Paseo.

Las Pinturas dE soroLLa sE rEConoCEn Por Las PinCELadas suELtas, EL PaLPitantE Cromatismo,

Las LuCEs radiantEs y Los sutiLEs EquiLibrios, quE CondiCionaron un EstiLo ProPio.

mirada social


gEntE Con artE

01. Juan José Bellapart, Antonio Martorell, Paula Gómez, yolanda Wood y Juan José Mesa. | 02. Antonio Martorell. | 03. Claudia Veras, Aurora Urgal, Rafael Calventi, Parmelia de Calventi y Michelle de Moore. | 04. Bingene Salazar, Virginia de Alma, Lucy Perez y Quique Moore. | 05. Rosa Tavarez y Humberto Figueroa. | 06. José Horacio (Sancocho) Marranzini y Monserrat Prats-Ventós. | 07. Ameriquín Costa A., Dalmasí Lora y Carmen Pellerano. | 08. Freddy Rodríguez. | 09. Ivonne Nader y Loly Alfonso. | 10. Paulette Edelstein, Enriquillo Amiama y Bingene Armenteros.

3

1

6

9

4

2

10

7 8

5

23

saber mirar

Clara Ledesma (1924-1999)


www.rubirosacigars.com

Fum

ar e

s p

erj

ud

icia

l par

a la

sal

ud

. Le

y 4

2-0

1

Información y venta: [email protected]

El lugar más exclusivo de Jarabacoa,agua, luz y seguridad.

Nació en Santiago en 1924. Murió en Nueva York en 1999.Sus primeras orientaciones artísticas las recibió de su maestro Yoryi Morel, de quien fue su discípula. Realiza su primera exposición individual en el Ateneo de San Pedro de Macorís. Realiza tres Exposiciones Individuales en Madrid. En 1954 regresa de Europa y junto a Jaime Colson, José Gausachs y Gilberto Hernández Ortega, forma “el Grupo Los Cuatro”. La primera exposición de este grupo consistió en un Homenaje a Matisse. En 1954 obtiene el Primer Premio de Dibujo en la VII Bienal Nacional de Artes Plásticas, con la obra “Retrato” y en la IX Bienal Nacional de Artes Plásticas recibió Primer Premio de Pintura con el óleo “Ozama”.En 1963 le es otorgado el Primer Premio de Dibujo con la obra “Fragmentos” y el Segundo Premio de Pintura en la Bienal con la obra “Casetas”. Al año siguiente recibe el Segundo Premio en Dibujo en el Primer Concurso Anual de Arte Eduardo León Jiménes, en Santiago de los Caballeros, con la obra “Eco Atávico”. En 1964 Ledesma se traslada a la ciudad de Nueva York donde residió y trabajó hasta su muerte.

un quijote en la ciudad colonial · 1904. nace salvador domingo felipe jacinto dalí i domènech ,...

Documents