tesina: arquitectura y canción / arán-barreira

qA c a cr ite t r y a ionu ncu

Gonzalo AranSoledad Barreira

Tutor: Gonzalo NunezMateria: Estetica y Diseno 2.O

Tesina 2Ol3

"Un abordaje a recursos comunes en la toma de partido para diferentes materias del arte".

Tesina Facultad de Arquitectura 2Ol3

A q c a cr ite tur y a ionu nc l

Indice

-

-Disparador............................................................................................................pág. 05

-Glosario................................................................................................................pág. 07

-Antecedentes.......................................................................................................pág. 10

-Cartografía...........................................................................................................pág. 16

Arte desterritorializado: La “canción genérica”..........................................pág. 17

Lo irónico y lo kitsch..................................................................................pág. 20

El arte como mercancía.............................................................................pág. 24

Tensionando la armonía............................................................................pág. 26 La construcción del silencio......................................................................pág. 29

Reflexiones............................................................................................................pág. 32

Bibliografia.............................................................................................................pág. 33

Presentación........................................................................................................pág. 03

Anexo....................................................................................................................pág. 34

Desarrolla una IDEA,

deconstruyela y tendras POESIA,

agregale sonido y nace la MUSICA,

congelala y veras ARQUITECTURA.

Domingo Portas


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Presentacion

Se propone analizar y reflexionar acerca de los recursos y conceptos utilizados para la

elaboración artística, utilizando como contrapunto la arquitectura y la canción. Los modos

de construir arte, las formas de tensionar una armonía o simplemente una toma de

partido, muchas veces, tienen puntos de contacto y se pueden encontrar en un mismo

recurso con diferente materialización.

Esta monografía no pretende profundizar en la bibliografía existente, ni ser informativa, ni

una síntesis, simplemente trataremos de elaborar una cartografía ilustrativa con

elementos comunes a la arquitectura y a la canción desde el punto de vista de quien

construye el arte. Desarmar analíticamente aquellos recursos que utiliza el artista para

crear su obra y descubrir que muchos de estos son comunes a ambas “disciplinas”.

Es entonces un trabajo de hipótesis-tesis donde la verdadera riqueza del documento no

está en la comprobación de la hipótesis (o sea que los recursos son comunes a las dos),

sino en cómo se llega a ello.

Es importante aclarar que si bien existirá un análisis conceptual con una base teórica, así

como las reflexiones personales de estos conceptos, es el objetivo primordial de este

trabajo lograr ejemplificar los conceptos con obras arquitectónicas y músicas reales y

reconocibles.



La arquitectura es como la musica,

un conjunto de bellas piezas

para formar una bella sinfonia.

Renzo Piano



Disparador

Como conclusión del trabajo desarrollado en el curso de estética y diseño surge una

reflexión que da apertura a nuestro interés por investigar e incursionar en el estudio del

objeto de esta monografía.

Si pensamos en los insumos que utiliza un artista cuando proyecta una obra en cualquiera

de las formas que toma el arte, encontramos un territorio extenso, con características

aleatorias y singulares como cada individuo. Con su historia, su contexto e influencias.

Cada una de estas obras forma parte de la estética colectiva de ese momento.

Entonces nos preguntamos ¿qué es lo que hace que la línea estética en un momento

determinado se dirija hacia un lugar y no otro? Que la cultura visual tome como válidas y

verdaderas solo algunos preceptos y descarte otros que fueron verdaderos en otros

tiempos. ¿Cómo se construye una moda?, ¿Quién nos la impone?, y si es así, ¿Por qué?

¿Qué sentido tiene ir mutando en diversas formas, que de cualquier manera van a ser

destruidas y remplazadas?

Hacemos el siguiente ejercicio: suponemos que un artista conoce todos los insumos,

influencias y valores utilizados para construir su obra y que puede traducirlos en datos

matemáticos. Entonces puede desglosar como en una fórmula matemática cada uno de

los términos que componen el resultado de su obra. De ser así, la sumatoria de las

fórmulas de todos los artistas nos conducirían a un gran polinomio el cual explicaría con

exactitud la cultura estética de un momento. Esto claro, surge de exagerar la posible

abstracción de esta disciplina, o sea, suponer a la estética como ciencia exacta. Pero esto

no es así. Por eso existe una vasta cantidad y variedad de literatura que intenta explicar

las distintas estéticas desarrolladas a lo largo de la historia. Pero, ¿qué tan cerca están

estos discursos de lo real, de aquel polinomio implacable? ¿Hasta dónde nos podemos

aproximar?.



3

1 . Extracto de nuestra conclusión en la monografía del curso Estética y Diseño 2.0

La arquitectura es una musica de piedras

y la musica, una arquitectura de sonidos.

Ludwig Van Beethoven



Glosario

Musica

El término música tiene su origen del latín “musica” que a su vez deriva del término griego

“mousike” y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la

advocación de las musas de las artes.

Con la palabra música se designa a aquel arte de organizar de modo sensible y con lógica

la combinación coherente de silencios y sonidos, utilizando como parámetros rectores

para llevar a cabo tal actividad, los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el

ritmo. Estos se verán sujetos e intervenidos por procesos psico-anímicos complejos y a

veces poco predecibles .

Cancion

Del latín cantio, una canción es aquello que se canta (produce sonidos melodiosos). Se

trata de una composición en verso o hecha de manera tal que se pueda poner en música.

La palabra canción también permite dar nombre al conjunto de letra y melodía que

dependen de la otra para existir, ya que fueron creadas para ser presentadas al mismo

tiempo.

Es contemporánea y la consideraremos como un subgénero de la música.

La versatilidad de las canciones es lo que permite adaptarlas a uno o varios cantantes, a

diferentes estilos musicales, a diversos instrumentos y a diferentes ritmos.

Arquitectura

El concepto procede del latín architectūra que, a su vez, tiene origen en el griego.

Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para

satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de

desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen

preceptos estéticos.2

3



2 . definición.de3 . definicionabc.com

3

2

Arte

El arte , del latín ars, es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser

humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario.

Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas,

emociones, percepciones y sensaciones.

Objeto artistico

Es el resultado de la creatividad e imaginación del artista y expresa un concepto o una

manifestación sentimental o emocional. Es decir, el objeto artístico es una creación en la

cual queda totalmente plasmada y en evidencia la intencionalidad del artista.

Composicion

Del latín compositio, composición es la acción y efecto de componer (juntar varias cosas y

colocarlas en orden para formar una).



4

4

4 . definicion.de

5

5 . definicionabc.com

Arquitectura es cuestion de armonias, una pura creacion del espiritu.

Le Corbusier



Antecedentes

Existe mucha bibliografía en la que se vinculan diferentes “disciplinas” artísticas

buscando puntos de contacto, influencias de unas sobre otras o del propio acontecer

histórico. Escritores que tratan de explicar el discurso epocal y reflexionar sobre el

desencadenamiento de las distintas corrientes artísticas y obras emblemáticas.

Sin embargo a la hora de buscar material bibliográfico que vincule la arquitectura con la

canción no se consiguen tantos resultados. Sí se encuentran muchos antecedentes de la

conexión existente entre la arquitectura y la música. Podríamos explicar esto

argumentando que la canción es un sub género de la música y está contenida en ella,

pero bien sabemos, que no es lo mismo. También podríamos pensar que este género es

muy contemporáneo y por reciente, es que no ha sido tan estudiado. De cualquier manera

es la intención de este equipo incursionar en esta temática y aportar nuestras reflexiones

en un campo escasamente abordado, tratando de generar un producto original y atractivo

Arquitectura y musica

Muchos han sido los estudios que han analizado esta íntima relación entre arquitectura y

música, estudiando conceptos comunes en el desarrollo de ambas “disciplinas” artísticas.

Uno de los Casos más emblemáticos de experimentación entre arquitectura moderna y

música, son los trabajos realizados por Le Corbusier y Iannis Xenakis.


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6 . Extracto de artículo “Música + Arquitectura o viceversa”, Freddy Sepulveda 2013 / arquls.cl

Xenakis fue un arquitecto, ingeniero civil y compositor musical nacido en Rumanía en

1922 y exiliado en Francia hasta su muerte en 2001, donde trabajó en el estudio de

arquitectura de Le Corbusier, iniciando una carrera en la que vincularía los conceptos que

unen a la música y a la arquitectura. Estos conceptos son: El Espacio, la Altura, la

Verticalidad y Horizontalidad, el Ritmo, la Armonía e, incluso, la propia Luz que generan

las escalas cromáticas.

Obras como el Pabellón Phillips y el Monasterio de la Tourette, fueron claras

aproximaciones entre ambas disciplinas.

Pabellón Philips / Construcción efímera diseñada por los arquitectos Le Corbusier e Iannis Xenakis con motivo de la Exposición universal de Bruselas de 1958


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El espectáculo visual del Pabellón Philips, constaba de cuatro elementos: Colores

ambientales, una proyección fílmica, proyección de imágenes de formas simples y formas

tridimensionales suspendidas.

En el interior del pabellón una composición sonora de ocho minutos realizada por el

músico Edgard Verèse se escuchaba junto a las filmaciones e instalaciones lumínicas.

También se escuchaba un intermedio de dos minutos con la pieza musical Concrete PH

del mismo Xenakis.

El trabajo conjunto entre Le Corbusier y Xenakis también dio origen a los “paneles de

vidrio ondulantes”, nombre que dio le Corbusier al trabajo realizado por Xenakis para la

fachada del Monasterio de Sainte Marie de La Tourette.

La colaboración en el Monasterio coincide con el tiempo en que Xenakis está creando

“metástasis”, una composición musical para orquesta clásica de 65 ejecutantes, pieza

musical basada en el Modulor y los estudios matemáticos de Xenakis que sirve de base

para la disposición de los elementos verticales que componen la fachada oeste del

monasterio.

Monasterio de Sainte Marie de La Tourette / 1957


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7 . Extracto de artículo “Música + Arquitectura o viceversa”, Freddy Sepulveda 2013 / arquls.cl

Un antecedente mas reciente es una obra de Daniel

Libeskind, arquitecto estadounidense de origen judeo-

polaco. Su obra titulada “Composing the Lines” es una

instalación interactiva que trabaja en la relación de

inspiración entre la arquitectura y la música. Siguiendo

el principio de doce tonos en la música, los visitantes son

libres para componer secuencias de notas a partir de

elementos arquitectónicos. Estas secuencias generan

estructuras espaciales que se proyectan para revelar la

relación entre los diseños arquitectónicos de Libeskind y

la ópera de Arnold Schönberg " Moisés y Aarón ".

Los visitantes pueden componer una fila de doce tonos

con un alfabeto visual diseñado por la arquitectura del

Museo Judío. Luego escucharán lo que han compuesto

y, al mismo tiempo, ver en la mesa de proyección las

variaciones automatizados desarrolladas de acuerdo

con las normas que rigen la música dodecafónica

(retrógrada , inversión e inversión retrógrada) .

Una vez ajustados los doce tonos , los visitantes pueden activar el juego de su fila de

tonos con sus variaciones. Una interpretación digital en una estructura musical y

arquitectónica se realiza en una segunda pantalla proyectada.



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8 . Traducción de “THE ARCHITECTURE OF DANIEL LIBESKIND” de artcom.de

Otros intentos que tratan de conectar la música y la arquitectura, son los estudios de

Stockhausen y György Ligeti, que generan una nueva forma de proyectar juntas, de algún

modo, estas dos disciplinas.

Partitura del “Estudio II” de Stockhausen. En horizontal se representan centímetros de cinta (tiempo). Los cuadrados representan mezclas de sonidos senoidales. En el sistema inferior se representan envolventes.



Notación simbólica de “Artikulation”, compuesta por G. Ligeti.Los distinos dibujos suponen una guía para la audición y representan intuitivamente la música, no sirven para reconstruir la obra como ocurre con una partitura instrumental.

La arquitectura es musica congelada.

Arthur Schopenhauer



Cartografia

A continuación realizaremos una breve cartografía ilustrativa con obras de arte del

campo de la arquitectura y de la canción. Obras que tienen en común un concepto ,

una poética, una mirada estética del mundo y una forma de construir el arte.

Se toman para la realización cuatro ejemplos que titulamos:

l) Arte desterritorializado: La “canción genérica”.

ll) Lo Irónico y lo Kitsch.

lll) El Arte como mercancía.

IV) Tensionando la armonía.

V) La construcción del silencio.



Arte desterritorializado: La “cancion generica”

En el libro SMLXL, Rem Koolhaas analiza formal y

conceptualmente a la ciudad contemporánea. Habla

de esta ciudad como una ciudad clonada, idéntica,

similar, o más exactamente, genérica. Una

urbanización que tiende a la homogeneidad de su

imagen, desplazando cualquier rasgo de localidad

que altere su configuración predefinida. Es así que

aparecen lugares íconos de esta ciudad globalizada

como los aeropuertos, los shoppings, las cadenas de restaurantes de comida rápida,

etc.

Estos programas dan lugar a arquitecturas desterritorializadas. Habitáculos que se

viven de la misma manera en cualquier parte del mundo. Se repite la experiencia

sensorial del espacio conformado mediante un conjunto de normas establecidas de

intervención. Estos “no-lugares” como los definió Marc Augé, son lugares totalmente

controlados, desde la temperatura del aire hasta la seguridad de las personas, todo

está monitoreado y supervisado.

Vale aclarar que aquí no se trata de demostrar si es aceptable o no este tipo de

producción globalizada de una obra, simplemente se analiza la utilización del recurso

cotejándolo en las ramas del arte que son de interés para esta monografía.

Pongamos el caso del restaurante de comida rápida Mc

Donald´s. Estos locales se construyen siguiendo una

línea de acción preestablecida. Existen normas y

regulaciones que impone la marca en su arquitectura

que limitan el desempeño del arquitecto que es

contratado para construir uno de estos edificios.



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9 . S, M, L, XL. Rem Koolhaas, Bruce Mau, Hans Werlemann, Office for Metropolitan Architecture. 1995

Desde el mobiliario, la iluminación, la cartelería, el tipo de pavimento, los símbolos,

colores, las formas puras y contínuas, etc. Todo está prediseñado en un lenguaje

mundialmente aceptado y reconocible. Tal es así, que es el contexto que se adapta al

edificio, y no el edificio a su entorno.

De la misma manera surge en la canción un recurso que parece tener mucho que

ver con estas intenciones en su modo más formal. Obviamente, se debe aclarar que

en este caso, el impacto de abordar un proyecto de canción desterritorializada tiene

consecuencias mucho menos peligrosas que en la construcción de una ciudad.

Debe ser una canción muy popular, conocida por la mayoría de los músicos, que tiene

cierto grado de complejidad armónica y/o melódica.

Si se considera que la pieza nueva supone una transformación importante en cuanto a

la naturaleza musical con respecto a la primera, también se considera a la nueva como

una pieza realmente distinta de la antigua, ya que abre campos distintos para la

improvisación, para los arreglos y para la realización armónica mediante sustituciones.

Esta transformación a “canción consagrada” o al Standard Jazz implica la utilización de

un lenguaje más universal, como el del jazz.

Pongamos como ejemplo el tema Garota de Ipanema

(una canción superpopular, que se identifica

inmediatamente con la cultura brasilera), la versión

del pianista norteamericano David Osborne (Girl from

Ipanema). Para la realización, Osborne distorsiona el

tema original hasta convertirlo en un Jazz melódico

Un Standard Jazz puede ser en su origen una canción

tradicional, o popular, o del ámbito teatral, o del

cinematográfico, o una pieza compuesta por gente del

propio mundo del jazz.



10

10 . wikipedia.org

El producto queda descontextualizado de la misma manera y con los mismos

elementos que son transformadas otras obras que nada tienen que ver con esta, pero

mediante los mismos recursos se va construyendo una biblioteca musical más

homogénea, más globalizada y más genérica.

Parece ser entonces que una sociedad global se manifiesta, o por lo menos una de las

formas en que se manifiesta culturalmente, es con un arte global. Edificios con un

lenguaje universal, canciones genéricas y herramientas de transformación para

concretar un mismo objetivo, el de desterritorializar el arte.

que poco se identifica con la música carioca. Para Osborne, es simplemente una

secuencia de armonías complejas y una línea melódica elegante.



Lo ironico y lo kitsch

La ironía (del griego εἰρωνεία 'eirōneía': disimulo o ignorancia fingida) es la figura

literaria mediante la cual se da a entender lo contrario de lo que se dice. También se

aplica el término cuando una expresión o situación parece incongruente o tiene una

intención que va más allá del significado más simple o evidente de las palabras o

acciones.

Es un recurso utilizado y conocido, el tomar la ironía como vehículo para expresar una

idea controversial, generar un impacto, salir de los esquemas, transgredir, etc.

El artista toma este recurso para expresarse, buscando que su obra produzca infinidad

de sensaciones y reacciones en el receptor, generando en él posibles sentimientos

encontrados o haciéndolo descubrir las metáforas que pueden estar inmersas o

implícitas en la obra, incitando a la reflexión.

Algunos arquitectos usaron este

concepto en sus obras. Un ejemplo

es el de Charles Moore en La Plaza de

Italia en Nueva Orleans. Esta obra es

un collage posmoderno de todos los

simbolismos e iconografías italianas

que recrean en su conjunto el

ambiente de ese país. Moore utiliza un lenguaje directo y contundente, por momentos

casi caricaturesco. Columnas clásicas, nichos, una fuente, etc. Todos elementos

cargados de significado y esteticidad, y con poca funcionalidad.


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11 . wikipedia.org

Otro ejemplo es el de Norman Foster en La

torre Hearst de Nueva York (2006). Se trata de

una torre vidriada que nace desde el interior del

edificio Art Decó de 1928, produciendo así un

gran contraste entre lo antiguo y lo moderno.

Del viejo edificio sólo quedan las fachadas y

detrás de ellas se erige el nuevo rascacielos de

46 niveles con una altura de 182 m. El choque

que genera entre los dos lenguajes es de un

notable impacto para el observador.

El Portland Building de la ciudad de Portland

(Oregón), diseñado por el arquitecto Michael

Graves e inaugurado en 1982, es otro ejemplo

del posmodernismo que usa un lenguaje clásico

de forma irónica.

Todos estos ejemplos arquitectónicos tienen el común denominador de utilizar

elementos consagrados y solemnes del pasado para desarmarlos en un chiste, un

objeto mas cotidiano y construir una nueva obra que tiene que ver con lamás

sociedad de su momento. Usar el lenguaje tradicional de forma impúdica, banalizar lo

sublime.

De esta misma manera es que aparecen

músicos como Leo Masliah o grupos como Les

Luthiers. En su canción “Sonata del Perro de

Mozart”, Masliah utiliza la música de una pieza

clásica y mezcla la elegancia y perfecta ejecución

de un piano, con su voz mundana contando una

historia que nada tiene que ver con lo que está

sonando detrás.


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Les Luthiers también utiliza la música

clásica para contar con ironía historias

vulgares. Ellos también satirizan con

los instrumentos ya que son capaces

de crear dispositivos extravagantes con

elementos cotidianos. Como su “Latín”

(violín de lata) o su “Mandocleta”

(Construida sobre la base de una

bicicleta con su rueda trasera llena de

plectros que pellizcan una mandolina sujeta a ella).

Como apéndice de la ironía podemos abordar el término

Kitsch, en el sentido del arte pretencioso, que tiene una

exuberancia que pone en duda el buen o mal gusto, que

se rebela ante determinados cánones, tomando algo de

ellos pero desvirtuando su uso por ya ser aceptado o

adquirido socialmente.

“Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de

formas y productos característicos de la alta cultura moderna, ya socialmente

aceptados y estéticamente consumidos.” Federico Jorge Klemm

Las Vegas es la ciudad que resume la Arquitectura Kitsch. Copias de edificios célebres

en forma de mini-ciudades, todos los colores que puede ofrecer el neón, réplicas

baratas, escapando tanto de los cánones de belleza que deja de ser malo para ser

Kitsch.



Es el placer de lo horrendo, el arte de lo horrible. Un calificativo que va mucho más allá

de lo feo o de lo horroroso. El kitsch es la esencia misma del mal gusto llevada a su

máxima expresión a través de objetos. No se debe confundir kitsch como sinónimo de

horrible. El kitsch supera esa definición elevando a los altares todo aquello que nos

duele a la vista, que nos hiere el criterio estético, sea el que sea. Un objeto kitsch es

tan extravagante que nos agrada, nos atrae irremediablemente.

Es así que encontramos al músico, escritor y

artista uruguayo Dani Umpi. Surge de la

movida Under rioplatense. Tanto en la

estética de sus presentaciones como en el

lenguaje de su música, Dani Umpi juega

mucho con el ridículo, con lo grotesco, pone

a prueba todo el tiempo el buen gusto de una sociedad tan tradicional como la nuestra.



El arte como mercancia

El mercado tiene una gran importancia y poder sobre el arte. Actúa como regulador del

valor que puede presentar una obra artística, y es tanto su dominio que la

especulación financiera, altera y condiciona el modo en que el arte se expresa.

Con esto nos referimos a que el artista puede en situaciones pasar a ser esclavo de lo

que se “vende” y dejar de prestar tanta atención a lo que realmente le gusta hacer.

Muchas veces se utiliza la obra de arte como medio para vender un producto, un

concepto o una idea. Es entonces que comenzamos a cuestionarnos sobre la pureza

de esta obra. ¿Es de menos valor por ser más funcional que otras? ¿Por no ser

desinteresada?.

Tomaremos el ejemplo de un jingle comercial. Aquí el

compositor parece estar más limitado que en otras

ocasiones. Existen una cantidad de elementos que

condicionan su trabajo. Tiene una temática predefinida,

un tiempo acotado, debe transmitir determinados valores

que define la empresa. ¿Es este encargo el que transforma a esta canción en otra

cosa, que se parece al arte, pero que no lo es?

Otro ejemplo menos extremo podría ser el de una música para película. Es otro

encargo, con menos restricciones, pero es un encargo después de todo.

El artista recibe el pedido con más o menos condicionantes y realiza la obra, pero ésta

no sigue un interés genuino del artista, es el interés de un tercero. El compositor pone

en canción una idea de otro.

Existen muchas personas que se dedican a esto y se destacan sobre el resto.

¿Podemos decir que no son artistas simplemente porque su objeto de trabajo está

más restringido que el de otros? ¿Es el arte por encargo un subgénero? ¿Hemos

caído en la vieja discusión del arte y lo funcional?.



Grandes arquitectos han llevado a cabo ideas de otros sin que se cuestione su

prestigio como artistas. Los templos religiosos del gótico llevaban en su encargo

prefiguraciones que limitaban tanto al artista como los antes mencionados. Formas

simbólicas, ideas, conceptos y valores transmitidos en configuraciones espaciales,

imágenes plasmadas en la pared, todo tratando de transmitirnos un discurso o

simplemente de “vendernos” algo. Se aclara que decimos “vender” en el sentido de

arte como mercancía, no de religión como mercancía.

Muchas veces vemos el peso superlativo que tiene el Marketing de un edificio, el proyecto

es entendido como un objeto de mercado. El creciente desarrollo de la comunicación

visual se ve reflejado en los cartones de presentación de los proyectos arquitectónicos

para los concursos de arquitectura. La composición de los cartones, las imágenes, los

colores, etc toman por si mismos un valor comunicativo y de diseño. Se acercan cada vez

mas a una pieza de publicidad donde el impacto visual en el receptor importa casi tanto

como el contenido.

Aparecen elementos periféricos a la obra de arquitectura pero

que tienen que ver con el mercado como los Gift Shop. Estas

tiendas comercializan el merchandising del edificio imponiendo

a la obra como una marca.

Arq. D. PascualiArq. F. Feliciangeli

Abraham F.G. Arquitecture EspinozArqstudio GEA Arquitectos

También es cierto que muchos arquitectos son tomados como marca registrada y sus

edificios revalorados por ser obra de determinado profesional. Toda ciudad que esté a la

vanguardia quiere tener un edificio de Gehry, así como toda persona que esté a la moda

quiere tener un Gucci, un Chanel o un Armani.





La armonía es el equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo, y su

resultado siempre connota belleza. En música, la armonía es la disciplina que estudia la

percepción del sonido en forma «vertical» o «simultánea» en forma de acordes y la

relación que se establece con los de su entorno próximo.

Las definiciones habituales de la armonía suelen describirla como la «ciencia que enseña

a constituir los acordes y que sugiere la manera de combinarlos en la manera más

equilibrada, consiguiendo así sensaciones de relajación, sosiego (armonía consonante),

y de tensa e hiriente (armonía disonante o dispuesta)».

Esta definición se basa en la idea de que ciertas combinaciones de sonidos (intervalos o

acordes) producen al oyente una sensación de tensión (combinaciones que se llaman

«disonantes») y otras producen una sensación de reposo o calma (combinaciones

«consonantes»).

Tensionando la armonia

Para el arquitecto la armonía también tiene que ver con el equilibrio y las proporciones,

pero en este caso aplicados a un espacio físico. Hay muchos autores que vinculan

elementos como la proporción, el equilibrio, la semejanza, las matemáticas, etc. para

explicar el criterio estético que utilizaron los arquitectos en la creación de edificios.

Pero no nos interesa en este momento profundizar en el concepto de armonía en sí

misma, sino que para este ejemplo investigaremos como el músico y el arquitecto la van

tensionando para lograr producir diferentes sensaciones en el receptor, sensaciones que

pueden ser de vértigo, miedo, misterio, angustia, velocidad, calma, etc. y que van

sucediendo mientras se transita un edificio o se escucha una canción.

Proporción y armonía;Modulor de Le Corbusier

Proporción y armonía. Sección ÁureaArmonía musical

12

12 . wikipedia.org



Un claro ejemplo donde los arquitectos tensionan armónicamente la composición del

edificio es en el movimiento decontructivista. Esta corriente nace a principio de 1980 y

tiene claves conceptuales como la geometría no euclídea, la distorsión de elementos, la

belleza de lo impredecible y el caos controlado. Sus exponentes mas notables son Rem

Koolhaas, Frank Gehry, Peter Eisenman, Zaha Hadid, entre otros.

En la obra de Gehry vemos como se desarticula la cáscara de fachada generando un

contrapunto con el bloque puro de ladrillo contiguo provocando una distorsión

“angustiante” en el observador del edificio.

Zaha Hadid en su proyecto diseña un espacio continuo y sinuoso determinando una

tensión de “vértigo y velocidad”.

En la música clásica, así como en la ópera, es muy común encontrar obras en que se

utilicen estos recursos de manera grotesca para movilizar espiritualmente al oyente.

¿Pero qué sucede en la canción?, si bien es más difícil distorsionar la armonía cuando el

formato de la pieza es mas acotado en el tiempo, involucra mas elementos en conjunto

como la voz del cantor y hay una poesía que narrar, existen muchos ejemplos de la

utilización de este recurso.

Citaremos primero la canción “A day in the life” de The Beatles, este tema transcurre en la

más absoluta calma y armonía hasta que en un momento hay un punto de inflexión en la

obra. En ese momento irrumpe una orquesta de muchos instrumentos que van elevando

el volumen, la velocidad y las disonancias, provocando un grado de ansiedad y angustia

Frank Gehry: Stata Center MIT Zaha Hadid: Beko Masterplan



en el que lo escucha, para culminar en otro

punto de inflexión que vuelve con la calma del

sonido de un piano solitario que nos

tranquiliza.

Podríamos decir que es una experiencia

similar a recorrer visualmente la fachada de

Gehry y terminar fijando la mirada en el

remanso del horizonte.

Otro ejemplo de canción distorsionada es “Las increíbles aventuras del Señor Tijeras” de

Sui Generis. En el fragmento de texto de la canción que se muestra debajo, se puede ver

como la sucesión de acordes va subiendo el tono cromáticamente. Conjuntamente con

esto se eleva el volumen de la voz y los instrumentos musicales. A medida que avanzan

los versos, el canto se vuelve más agresivo y la ejecución de la banda también, lo que

tensiona la sensibilidad del receptor, lo violenta, lo agrede, le genera miedo, le desagrada

por un momento, hasta que se cierra el círculo y se vuelve al estado de equilibrio y

armonía.

D Db D Eb/D E F se contiene suda y después con sus tijeras plateadas

F# G G# A recorta su cuerpo recorta su pelo

Bb B C C# D Eb/D deforma su cara y así mutilada la lleva cargada

E F F# Dm junto a la pantalla justo a la mañana

13 . En la notación del cifrado se establece la correspondencia de tonos con letras, ej. La, Si, Do, Re... A, B, C, D

13

La construccion del silencio

Es interesante descubrir en el artista cierta modalidad de desarrollo proyectual en la

que parece prescindir de todos los recursos estudiados para concluir en un objeto

donde la materia prima es la falta de materia. Donde el peso del vacío es superlativo y

el silencio estruendoso.

El motivo de esta forma de abordar un proyecto, no es precisamente la falta de

conocimiento sino que es decisión del artista el utilizar pocos elementos, lo que le

permite jugar más libremente, generar giros, puntos críticos, disonancias, todo esto sin

dejar de dominar la obra y encausarla en la dirección que apunta.

Hiroshi Hara en la estación de Kyoto logra una espacialidad monumental con un vacío

que fluye a lo largo de todo el edificio. El gran hall de múltiples alturas que oficia de

conector con los diferentes sectores es quien domina el espacio. Este gran vacío

potencia los distintos elementos que van sucediendo a lo largo del trayecto, la gran

masa etérea es interrumpida por caminerías adireccionales, cubiertas curvas,

miradores a distintas alturas, etc. Se entiende que todo esto no tendría el valor ni el

impacto que tiene, de no estar en correspondencia con el vacío construido.



Estación de Kyoto, Arq. Hiroshi Hara. Japón 1997.

En música se hace uso del matiz de intensidad para llevar a cabo este concepto. La

menor expresión de esa intensidad de sonido es el silencio. Todos los artistas matizan

sus canciones, esto se hace para ganar expresión musical, o sea, que la música no

suene tan "estática". Esto les permite elaborar un recorrido donde van sucediendo

cosas y produciendo diferentes sensaciones en quienes lo escuchan. Algunos utilizan

el silencio como guía y lo van complementando con notas singularmente

seleccionadas, desarmando su obra con el fin de llegar a un objeto artístico de

simplicidad compleja, algo así como un minimalismo impuro o caótico.

Dijo el Periodista Ignacio González en una

nota para la sección cultural del diario El

Observador, refiriéndose al músico

uruguayo Fernando Cabrera; “Cabrera

cada vez toca menos notas, escogiendo

con hermoso minimalismo y sutileza cada

uno de los acordes que insinúa”.

Quien conoce la carrera de este artista puede advertir, sobre todo en sus presentaciones,

un cambio en la forma de construir la canción. El objeto es desarmado y reformulado

para terminar en un producto donde es muy difícil encontrar estructuras reconocibles,

provocando la sorpresa constante del receptor.

Tomaremos como ejemplo para el desarrollo de este

concepto una versión en vivo del tema “El tiempo está

después” de Fernando Cabrera. Primero escuchamos

como el músico comienza a insinuar una melodía

reconocible dentro un gran espacio silencioso. Poco a

poco va desarmando la música sobre la línea melódica

complejas, disonancias, variaciones en el tempo. Todo

sonidos, que van cortando el silencio con la precisión de

un cirujano.

de su voz, aparecen armonías

esto logrado con muy pocos


A q c a cr ite tur y a ionu nc 3O

La arquitectura debe prever silencios para que pueda

escucharse la voz de quien la vive.

Carlos Mijares Bracho


A q c a cr ite tur y a ionu nc 3l



Reflexiones

Tal como se anticipaba en esta monografía fuimos descubriendo conceptos análogos en

ambos campos de estudio. Si bien todos los ejemplos tienen que ver con el lenguaje,

creemos que contemplan también el encare o toma de partido del objeto artístico,

poéticas que surgen del contexto sociocultural, la tendencia a lo genérico, el

posmodernismo irónico, el mercado de consumo, la distorsión de la armonía o el

minimalismo caótico o complejo, corrientes tan actuales como las canciones utilizadas en

los ejemplos. Entonces aquí hemos cumplido dos de los objetivos planteados al comienzo

del trabajo. En primer término; nos separamos un poco de la analogía por el lenguaje

formal puro que encontramos masivamente en los antecedentes, y, en segundo lugar,

incluimos ejemplos reconocibles y contemporáneos de la canción adecuados a estas

poéticas.

Se entiende que, como estos cinco ejemplos, deben existir otros tantos que manifiesten

un cierto parentesco entre el músico y el arquitecto. En el desarrollo de estas relaciones

notamos la influencia que tiene el escenario espacio-temporal en el que se encuentra el

artista, el discurso epocal. Es necesario que el profesional del arte conozca el contexto

sociocultural en el que se encuentra para saber donde se va a incorporar su obra, pero a la

vez es el propio medio el que influye sobre el artista y su capacidad creadora.

Parafraseando a Ortega y Gasset podemos decir que el artista es él y su circunstancia.

No obstante, lo más importante en esta pequeña cartografía fue poder recorrer en varias

direcciones la distancia que existe entre una poética cualquiera y el recurso usado por el

artista en la construcción de la obra de arte. O sea, cómo de un concepto único, se abren

infinitos caminos de materialización, incluso en diferentes ámbitos.

Reconocer estos recursos implica estar dispuesto a practicar el ejercicio de la

abstracción artística, que muchas veces se presenta de manera compleja pero

fascinante.



- Xenakis, “Música de la Arquitectura”

- Nietzsche, Friedrich. “El nacimiento de la tragedia”

- Bajtin, Mijail. “Las formas del tiempo y del cronotopo en la novela”

- Heidegger, Martin. “ La época de la imagen del mundo”

- Koolhaas, Rem / Mau, Bruce / Werlemann, Hans / Office for Metropolitan Architecture. “S, M, L, XL”

- Ruiz López, Juan Ignacio. “La obra de arte: Objeto simbólico y mercancía”

- Mateu, Luis “Arquitectura y armonía”

- http://www.arqweb.com/vitrum/quees.asp

- http://www.filomusica.com/filo71/xenakis.html

- http://www.joanfergo.com/ensayos/ArquitecturaMusicaCongelada.pdf

- http://www.dezeen.com/2012/12/05/beko-masterplan-by-zaha-hadid/

- http://www.arquls.cl/2013/04/musica-arquitectura-o-viceversa/

- http://www.artcom.de/en/projects/project/detail/the-architecture-of-daniel-libeskind/

- http://www.articaonline.com/2011/06/el-arte-como-arte-y-el-arte-como-mercancia/ - http://es.wikipedia.org/

- http://www.definicionabc.com/

- http://definicion.de/

Iannis.

Ediciones AKAL, 2009.

EDAF, 1998.

Teoría y estética de la novela. Taurus, 1989.

Caminos de Bosque, Alianza Editorial, Madrid 1938.

Monacelli Press, 1995

Ediciones de la Universidad de Murcia, 2009.

Universidad Autónoma de San Luis Potosí. Facultad del Hábitat. UASLP, 2001.

Gedisa, Editorial, S.A., 1993.

- Augé, Marc “Los no lugares. Espacios del anonimato. Una antropología de la Sobremodernidad”

Bibliografia



Anexo

Se incorpora adjunto al documento escrito un cd con material anexo.

Este material consta del trabajo en formato digital y de fragmentos de canciones que

ilustran los ejemplos desarrollados.

Contenidos del cd:

0-Datos-Tesina.pdf

Canción--------------------------------------------------------------------Tema1-Garota de Ipanema (David Osborne)----------------------------Arte desterritorializado2-Sonata del perro de Mozart (Leo Masliah)---------------------Lo irónico3-Mucho para dar (Dani Umpi)---------------------------------------Lo Kistch4-Jingle Coca Cola 1----------------------------------------------------Arte como mercancía5-Jingle Coca Cola 2----------------------------------------------------Arte como mercancía6-A Day in the Life (The Beatles)------------------------------------Tensionando la armonía7-Las increibles aventuras del señor tijeras (Sui Generis)----Tensionando la armonía8-El tiempo está después (Fernando Cabrera)-------------------La construcción del vacío

tesina: arquitectura y canción / arán-barreira

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