sistemas de representación roma- barroco
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SISTEMAS DE
REPRESENTACIÓN
ROMA- BARROCO
Carmen Carbonell Gil
ROMA
DESARROLLO
Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo
IV después de Cristo. Algunos lo consideran inferior al arte griego,
pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos
se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la
Edad Media y del Renacimiento fue notable. Los temas eran
asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas,
naturaleza muerta y el retrato.
ARQUITECTURA
La característica esencial de la arquitectura romana es, sobre
todo, su racionalidad y funcionalidad.
En la arquitectura románica destaca el coliseo romano:
ESCULTURA
Aunque la escultura romana tuvo infinidad derepresentaciones, soportes y funciones, no cabe dudaque es el retrato la más sobresaliente.Y es que el retrato romano hunde sus raíces en el arteetrusco.
Los materiales más utilizados en el retrato romanofueron el bronce y el mármol: Las estatuas eran apolicromas, no estaban coloreadas, salvo en un primermomento en que los ojos sí se coloreaban, prácticaque se abandonó posteriormente para ser tallados.Al comienzo, la escultura romana de retrato sólorepresentaba la cabeza y parte del cuello.Posteriormente, se avanza en la representación detodo el busto, incluyendo hombros y pecho.No obstante, también se esculpieron esculturas decuerpo entero.
La escultura romana del retrato nació para elemperador y luego se adaptó a otro tipo de personajespudientes que pudieron costearse el trabajo de losartistas.
TIPOS DE RETRATOS
Retrato togatos.
Retrato toracatos.
Retrato apoteósico.
ESCULTURA A DESTACAR
La estatua de 'Augusto de Prima Porta'
muestra al emperador romano en una
majestuosa pose que combina latensión y
la relajación de sus músculos. Esta escultura
fue descubierta en 1863, en Villa de Livia, Roma,
donde se cree que fue encargada por la mujer
de César Augusto tras su muerte. Sus más de
dos metros de alto suponen una de las mayores
atracciones de los museos del Vaticano.
PINTURA
A partir del siglo I, se observan dos corrientespictóricas o estilos: el estilo Neo ático, que sepreocupa por la forma humana, resaltandoasuntos de la mitología y epopeya y el estiloHelenístico - Alejandrino, que pone demanifiesto la preocupación por la pintura rural,se cultivan el paisaje y las marinas.
Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestraépoca (pintura en Pompeya), se observancuatro estilos: de incrustación, alejandrino oarquitectónico, ornamental y fantástico.
La pobreza de los materiales arquitectónicosutilizados en las construcciones romanas hizoposible un desarrollo de la pintura mural.
Debemos destacar de estos primeros años dela pintura romana aquella que podemosdenominar 'geográfica'. Este tipo de pinturaaludía a la necesidad de Roma por conocer losnuevos lugares conquistados. Otro tipo depintura fue el tipo decorativo.
TÉCNICA
La técnica utilizada para el enlucimiento de lasparedes romanas era la técnica al fresco.
Está inspirada en la tectónica griega, es decir, ladivisión del muro en tres partes: Zócalo,superestructura y zona intermedia.La mayoría de los ejemplos de sistemas derepresentación con respecto a la pintura,proceden de las dos ciudades sepultadas por laerupción del Vesubio: Pompeya y Herculano.
Los pintores eran artesanos con una destrezaespecial.
La pintura, se ha dividido estilística ycronológicamente la pintura romana.
ROMÁNICO
ARQUITECTURA
Se llama estilo románico en arquitectura al resultado de
la combinación razonada y armónica de elemento
constructivo y ornamentales
- Perfeccionamiento
- busca de la altura y la luz.
- El material empleado debía ser piedra. El templo debía
estar abovedado y techos altos.
ESCULTURA
La escultura románica no surge por generación espontánea,;
hay que buscar sus antecedentes en los ensayos
prerrománicos de los pueblos bárbaros.
La portada y el capitel son el soporte específico de la
escultura. La escultura románica tiene una función didáctica.
CARACTERÍSTICAS
· Anti naturalismo.· Las figuras se deforman intencionadamente buscando el impacto emocional.· Simplicidad y estilización. Geometrismo y abstracción.· Reúsa la representación del cuerpo humano desnudo, todas las figuras se cubren con vestiduras. No hay canon de proporcionalidad, ni equilibrio entre masa y peso.· Las figuras son rígidas, hieráticas. Solemnes y alargadas, para acentuar su carácter espiritual. Técnicamente aparecen como primitivas, con un cierto aire arcaico.· Ausencia general de movimiento.· Las composiciones y escenas se yuxtaponen en un mismo plano, sin formar grupos.· Falta volumen, las composiciones son planas y simétricas, con un claro predominio de la frontalidad.· Es una plástica que se dirige a la mente, de una gran carga intelectual, dado que transmite contenidos ideográficos con una evidente afán didáctico.
TEMÁTICA
La temática está inspirada y determinada por la
Iglesia.
PINTURA
La pintura románica es un capítulo originaly breve, ya que la desaparición de losmuros continuos, las bóvedas y ábsideslisos con la llegada del gótico pondrá fin aesta experiencia de pintura mural. Muchasde sus características son semejantes a lasde la escultura.
La llamada pintura mural, es decir la quecubría los muros de los templos, se basabaen la preparación de la pintura a base depigmentos coloreados diluidos en agua decal. Este tipo de pintura se aplicaba sobrela superficie mural.
Una línea gruesa línea de colornegro servíapara contornear enérgicamente la silueta yseparar cada superficie cromática. El colores puro, sin mezclas, o a lo sumo con dostonalidades. Son colores intensos ybrillantes: rojo, amarillo, naranja, azul.
La pintura tiene una finalidad didáctica ,esta pinturaes simbólica, antinatural. Las figuras carecen de profundidad.Se disponen en posturas paralelas a manera de relleno de unplano. Con frecuencia resaltan sobre un fondomonocromático o sobre franjas horizontales de diferentescolores. Al no mezclar los colores, no interviene la luz en elmodelado de los colores, lo que contribuye a aumentar lageometrización de las figuras. En el rostro y en las manos seaplican impactos de color para dar cierta idea de volumen.Las composiciones son yuxtapuestas, con preferencia por lasfiguras frontales y con la eliminación de cualquier forma querompa el plano en profundidad.Los temas proceden de laBiblia, sobre todo del Antiguo Testamento.
GÓTICO
ARQUITECTURA
La arquitectura gótica emplea sillares de piedra
bien labrados. Sus elementos esenciales son
el arco apuntado y la bóveda de crucería. Este tipo
de bóveda permite prescindir de los muros
macizos del Románico.
ESCULTURA
En la escultura gótica se rompen algunos iconos del período románico, tales como el hieratismo y la frontalidad de las figuras, dando paso a un progresivo naturalismo. La expresividad cambia, las figuras se hacen más humanas y reflejan sentimientos a los fines de adecuarla a una nueva mentalidad acordes con los conceptos filosóficos de hombre y naturaleza. Así la representación de Cristo se hace desde una perspectiva más humana para acercarlo al creyente; igual sucede con la Virgen María, ya no se reproduce como un trono donde se sienta Cristo a gobernar, sino que aparece más maternal y femenina.
TIPOS DE ESCULTURA GÓTICA
-La escultura monumental
-La escultura de bulto redondo
CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA GÓTICA:
-Naturalismo
-Humanización
-Carácter monumental
-Función didáctica
-Simbología
-Iconografía gótica
PINTURA
La pintura mural, que se dio tanto en las iglesias antes del gótico, desaparece con la llegada de este estilo. La arquitectura gótica introduce grandes ventanales en los muros de sus construcciones, con lo que el espacio que antes estaba destinado a las pinturas ahora está ocupado por una vidriera. De la misma forma, la gran altura de las bóvedas de crucería dificulta que éstas estén pintadas.
Por estos motivos en Europa se aprecia un florecimiento
de la pintura sobre tabla, principalmente en
los retablos adosados a la pared. El estudio de los
retablos permite analizar la evolución de la pintura
durante todo el gótico.
Las figuras se humanizan y expresan sentimientos,
dejan de ser hieráticas para adoptar poses más
normales y habituales. Los cuerpos se adivinan
fácilmente debajo de los ropajes.
TÉCNICA
La técnica utilizada es el temple. Desde el siglo XV
se comienza a utilizar la pintura al óleo, inventada
por los pintores flamencos y que utiliza el aceite
como aglutinante.
FASES
En la evolución de la pintura gótica se distinguen
cuatro fases o estilos :
- Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII)
- Estilo ítalo-gótico o trecentista (s. XIV)
- Estilo flamenco o hispano (s. XV)
flamenco
Ítalo-góticoGótico lineal
- Estilo flamenco
RENACIMIENTO QUATTROCENTO
ARQUITECTURA
Arquitectura quattrocento y cinquecento
La arquitectura de la Italia renacentista suele
estudiarse bajo dos categorías, el Quattrocento ó el
siglo XV y el Cinquecento ó siglo XVI.
ESCULTURA QUATTROCENTO
El relieve renacentista muestra preocupación por captar elespacio y la profundidad mediante el nuevo sistema derepresentación de la perspectiva: Relieve pictórico(SCHIACCIATO).
Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce, porinfluencia de los modelos clásicos.
TEMAS
Tanto en el relieve como en lasesculturas de bulto redondo, siguenpredominando los temas religiosos,pero empiezan a desarrollarsetambién los profanos: mitológicos,históricos y alegóricos.
El motivo principal es la figurahumana. Se recuperan las tipologíasfrecuentes en el Arte clásico: eldesnudo, el retrato o la estatuaecuestre.
El cuerpo humano desnudo, ejemplomáximo de la belleza perfecta,siguiendo las ideas antropocéntricas,debe ajustarse a un correcto sistemade proporciones como en laAntigüedad (Canon clásico),representándose de una manerarealista, con estudio de la anatomíay el movimiento.
.
El retrato tiene un gran
auge en esta época, tanto
de cuerpo entero como el
busto, de gran realismo,
expresión de la importancia
del individuo en la
sociedad.
También la estatua ecuestre
adquiere un sentido nuevo
al erigirse en lugares
públicos para exaltar las
glorias de un personaje
importante.
DONATELLO
Considerado por algunos teóricos como el principalescultor de la escuela florentina quattrocentista,Donatello (de verdadero nombre Donato di Niccolo diBetto Bardi) ha pasado a los anales de la historia delarte por su excepcionalidad como artífice, ademásde por la maestría que destilará a la hora de conciliarel más puro clasicismo con un dramatismo que, afinales de su vida, se tornará cercano incluso alfeísmo.
Y si el Renacimiento lleva implícito en su origen elreconocimiento de la importancia del hombre en elmundo, Donatello será el escultor que lo constante,siendo en su producción la forma de concebir lafigura humana.
PINTURA QUATTROCENTO
El objetivo de la nueva pintura será reproducir el mundo real tal como loperciben nuestros ojos; sustituyendo la “mirada interior” propia del artemedieval, para lo cual optarán por:
Representación realista de la figura humana, los espacios y los objetos.
Utilización del dibujo (perspectiva líneal) y de la luz para representar elvolumen y el espacio tridimensional.
TEMÁTICA Y TÉCNICA
La temática es variada: Abundan las pinturas religiosas(en iglesias y capillas) y cada vez más, los pintoresreciben encargos de la temática mitológica, los retratos ylas representaciones de temática histórica encargadaspor nobles y burgueses para sus villas y palacios.
En cuanto a la técnica: domina la pintura mural al fresco,pero también existe pintura sobre tabla primero al templey luego al óleo por influencia flamenca.
RENACIMIENTO CINQUECENTO
ESCULTURA CINQUECENTO
La escultura del Cinquecento buscará la
grandiosidad y la monumentalidad inspiradas
directamente en las esculturas clásicas
descubiertas en Roma gracias a una ferviente
actividad arqueológica (1506. Descubrimiento del
Laooconte). Lo que supone la recuperación del
desnudo y las representaciones heroicas y
gigantescas realizadas en bronce y, sobre todo en
mármol.
MIGUEL ÁNGEL
Arquitecto, pintor y, antetodo, escultor, Miguel Ángeles el máximo exponente dela larga lista de ingeniosindividuales que elRenacimiento italianoalumbrará. Asimilable en susinicios a la corriente delCinquecento, en sumagnífica obra esapreciable, casi desde loscomienzos de la misma, unapotente manifestación de lossentimientos que derivará enmonumentales y poderosasfiguras por completomanieristas .
PINTUTRA CINQUECENTO
Durante el siglo XVI trabajan en Italia algunos de losgrandes maestros de la pintura universal. Ellosconsiguen con su arte culminar el proceso que habíaniniciado los pintores del Quattrocento respecto a lacorrecta representación del cuerpo humano y el interéspor representar la profundidad a través de laperspectiva lineal y el estudio de las luces y lassombras. El grado de perfección y la calidad de la obrade artistas como Leonardo, Miguel Ángel o Rafael haceque los pintores posteriores, ante la imposibilidad desuperar sus logros, deban buscar un nuevo lenguajeque se aleje del clasicismo; surge así el Manierismo.
CARACTERÍSTICAS
Cuidadas composiciones, basadas en formasgeométricas (triángulos cuadrados) o simétricas,uso de la perspectiva de una forma más natural:menos geométrica, buscando la profundidad através del uso de las luces y las sombras y lospaisajes. Representación del cuerpo humanoidealizado según los cánones clásico y especialinterés por representarlo en movimiento. Poco apoco el color se maneja de una forma más suelta yva ganando importancia sobre el dibujo.
Técnicas, Grandes composiciones al fresco ytambién pintura al óleo sobre tela. Temas, Pinturareligiosa, temas inspirados en la antigüedad clásica(mitología) y retratos.
LEONARDO DA VINCI
A pesar de la relativa toma deconciencia y la admiración queLeonardo despertó como científico einventor en los últimos años, su famaha descansado sobre sus creacionescomo pintor de varias obras,autentificadas o que se le atribuyen,y que han sido consideradas comograndes obras maestras delpatrimonio universal.
Sus pinturas son célebres. Por unlado, han sido copiadas e imitadaspor los estudiantes, y por otro hansido el centro de debate ycontroversia entre los especialistas.Entre las cualidades, cabe destacarlas técnicas pictóricas innovadorasque empleó.
CARACTERÍSTICAS
Sus esculturas revelan unperfecto conocimiento de laanatomía, lo que le permiterepresentar fielmente todoslos detalles del cuerpohumano, sobre todo demúsculos, venas yarticulaciones.
Sus figuras encierran unmovimiento en potencia quese convertirá en acto alllegar la generación delbarroco.
Es característico de algunasde sus esculturas laexpresión de la cara en laque destaca mirada terribleque sus contemporáneosdenominaron terribilitá.
ARQUITECTURA
La arquitectura barroca es resumen y paradigma del
espíritu de la "civilización del barroco".En ella se adoptan
las líneas curvas frente a las rectas por generar aquéllas
mayor dinamismo y expresividad.Las fachadas
adquieren la máxima importancia. Las plantas de los
templos también tienden a alejarse de las formas
clásicas.
ESCULTURA
Este fue un movimiento artístico que se extendióaproximadamente entre los años 1600 y 1750. Surgió enItalia y se difundió por muchos lugares, adquiriendo distintasmodalidades.
En términos estilísticos, el barroco prefirió el movimiento, lagrandiosidad y el dramatismo, al contrario de la serenidad ysimetría que buscaba el Renacimiento.
Pretendió dar una sensación de movimiento a través delíneas curvas y oblicuas. Las personas o cosas eranrepresentadas con gran realismo, se privilegiaba el colorsobre el dibujo, el efecto del claro oscuro.
Representaban figuras mitológicas, personajes históricos, asícomo santos y escenas religiosas.
Predominio de los temas religiosos.
Realismo.
Para extremar el realismo de lasfiguras se recurre a postizos como elempleo de pelo real, corona real, ojosy lágrimas de cristal, etc. Se llegarona crear imágenes de vestir, en las quese realizaban con minuciosidadcabeza, manos y pies para vestirlascon ropa real).
Empleo de la madera policromadacomo material preferido.
El cliente más importante es la Iglesiay en segundo lugar la Corte.
Las obras decoran retablos, silleríasde coro y los famosos pasos deSemana Santa.
Se produce la decadencia de laescultura funeraria.
PINTURA
La característica principales su vinculación a larealidad, que es tambiénconsecuencia de unaevolución estilística, ya que,cuando en los últimos añosdel siglo XVI la justificaciónpuramente estética y elconsciente antinaturalismodel manierismo agotan suscauces expresivos, losartistas barrocos usan lanovedad formal plasmandoen sus obras aquello que elmanierismo rechazaba: larealidad y la naturaleza.
DEBIDO AL INDEPENDIENTE DESARROLLO DE LAS ESCUELAS PICTÓRICAS NO
SON MUCHAS LAS NOTAS COMUNES QUE CARACTERIZAN A LA PINTURA
BARROCA; SEÑALAMOS LAS SIGUIENTES:
Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo, la preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos (dolor, alegría), etc. En no pocas ocasiones la luz se pone al servicio del realismo.
Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas (Velázquez o Rembrandt). Se pintan las cosas como se ven en la realidad, con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado.
Profundidad continua. En el barroco se abandona el rigor de la perspectiva lineal, para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer término desmesurado, un primer término oscuro, juegos de luces, plasmación de efectos atmosféricos
Hegemonía de la luz. Se abandona el esfumato de Leonardo se pasa a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y en correlación, la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz, y en algunas ocasiones las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
Libertad en la composición, es decir composición asimétrica y atectónica. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco. Esta composición atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior; a veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la tela.
Preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas. La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican. A veces este movimiento no existe y el exceso de quietud y austeridad se debe relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia religiosa.
Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleoy el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura sobre tabla casi se abandona. La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de las paredes.
Temas. Aquí es donde la multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas.
En cuanto a los temas religiosos abundan la representaciones de la Virgen, como Inmaculada Concepción, la Piedad, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los santos y sus experiencias religiosas, la visión de la muerte.
El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías.
La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes.
Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y dentro de él temas especiales como, escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas, batallas navales, etc.
También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas.
LAS ESCUELAS DE LA PINTURA
BARROCA EUROPEA: ITALIA. Miguel Angel Merisi, il
Caravaggio, (1573-1610)
Introdujo una profunda revolución
en la pintura italiana del XVII. Dos
son las características básicas de su
obra, el naturalismo , rechazó los
ideales clásicos; cuando pintaba una
escena de tipo religioso, introducía
en los cuadros lo vulgar, las escenas
con gente corriente, sin ningún tipo
de idealización. En segundo lugar,
el tenebrismo, para acentuar el
realismo, realza sus figuras y
escenas por los efectos de luz,
haciéndolas destacar sobre el fondo
oscuro, la luz no se difunde
suavemente, sino que surge de un
vano lateral y cae sobre las figuras,
sobre la escena, delimitando
claramente las formas iluminadas en
las que los colores son vivos e
intensos y destacan sobre las
zonas oscuras.
La llamada de San Mateo
1599-1600
Óleo sobre lienzo, 322 x 340 cm
Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma
