Diseño y Educación

Conversación: Henry Vargas acerca del Congreso Mundial de Diseño de México

Por: Luis Fernando Quirós, noviembre 2012

Henry O. Vargas Benavides es un investigador y profesor de Diseño de la Universidad de Costa Rica, en la Sede de Occidente, con grado de Doctorado, quien, a finales del año 2012 participó en el Congreso Mundial de Diseño en la ciudad mexicana de Querétaro, donde se realizó además un encuentro sobre la Educación del Diseño Gráfico y la Bienal Internacional del Cartel. Me interesó entrevistarlo para que nos ponga al tanto de los alcances del evento, como conocer ¿Cuáles fueron las principales temáticas abordadas?, ¿cómo impacta a la profesión?, ¿qué

aportó El Congreso Mundial de Diseño?

Henry O. Vargas, Fotografía cortesía de H.O. Vargas

En primer lugar, -expresa Henry Vargas-, hay que aclarar que esta “12 Bienal Internacional del Cartel en México” y el “Congreso Mundial de Diseño” en Querétaro, acogió por vez primera el primer “Seminario de Educación y Diseño”, por tanto las temáticas fueron amplias y variadas. La presente Bienal del Cartel albergó cuatro temas primordiales, el de la cultura, la problemática política y social, el publicitario y el de la economía verde, este último dirigida a jóvenes menores de 27 años y con carteles inéditos. Además se realizaron exposiciones sobre el cartel de connotados diseñadores, tanto en el Museo Franz Mayer, del Distrito Federal, como en diferentes espacios en la ciudad de Querétaro.El Congreso acogió exposiciones y

ponencias de reconocidos diseñadores del cartel como a Gitte Kath y Finn Nygaard de Dinamarca, Stephan Bundi de Suiza, Kenya Hara de Japón, Felipe Taborda de Brasil y un grupo de diseñadores de Taiwán. El país invitado al Congreso fue Estados Unidos, por lo que tuvimos la oportunidad de contar con conferencias de importantes diseñadores como Eric Boelts, Antonio Castro, Art Chantry, Javier Cortés, Alice Drueding, David Kunzle, Elizabeth Resnick, Phil Risbeck y Lanny Sommese. Además de importantes diseñadores y maestros suizos, polacos, checos, canadienses, mexicanos, ecuatorianos, venezolanos, entre otros. Esto permitió obtener una visión desde el diseño gráfico, el industrial, de vestuario, del espacio, sobre los temas y carpetas de cada exponente.

Diseño y Educación

Conversación: Henry Vargas acerca del Congreso Mundial de Diseño de México

Por: Luis Fernando Quirós, noviembre 2012

Henry O. Vargas Benavides es un investigador y profesor de Diseño de la Universidad de Costa Rica, en la Sede de Occidente, con grado de Doctorado, quien, a finales del año 2012 participó en el Congreso Mundial de Diseño en la ciudad mexicana de Querétaro, donde se realizó además un encuentro sobre la Educación del Diseño Gráfico y la Bienal Internacional del Cartel. Me interesó entrevistarlo para que nos ponga al tanto de los alcances del evento, como conocer ¿Cuáles fueron las principales temáticas abordadas?, ¿cómo impacta a la profesión?, ¿qué

aportó El Congreso Mundial de Diseño?

Henry O. Vargas, Fotografía cortesía de H.O. Vargas

En primer lugar, -expresa Henry Vargas-, hay que aclarar que esta “12 Bienal Internacional del Cartel en México” y el “Congreso Mundial de Diseño” en Querétaro, acogió por vez primera el primer “Seminario de Educación y Diseño”, por tanto las temáticas fueron amplias y variadas. La presente Bienal del Cartel albergó cuatro temas primordiales, el de la cultura, la problemática política y social, el publicitario y el de la economía verde, este último dirigida a jóvenes menores de 27 años y con carteles inéditos. Además se realizaron exposiciones sobre el cartel de connotados diseñadores, tanto en el Museo Franz Mayer, del Distrito Federal, como en diferentes espacios en la ciudad de Querétaro.El Congreso acogió exposiciones y

ponencias de reconocidos diseñadores del cartel como a Gitte Kath y Finn Nygaard de Dinamarca, Stephan Bundi de Suiza, Kenya Hara de Japón, Felipe Taborda de Brasil y un grupo de diseñadores de Taiwán. El país invitado al Congreso fue Estados Unidos, por lo que tuvimos la oportunidad de contar con conferencias de importantes diseñadores como Eric Boelts, Antonio Castro, Art Chantry, Javier Cortés, Alice Drueding, David Kunzle, Elizabeth Resnick, Phil Risbeck y Lanny Sommese. Además de importantes diseñadores y maestros suizos, polacos, checos, canadienses, mexicanos, ecuatorianos, venezolanos, entre otros. Esto permitió obtener una visión desde el diseño gráfico, el industrial, de vestuario, del espacio, sobre los temas y carpetas de cada exponente.

Conferencia de Luc Courchesne.

Fotografía cortesía de H.O. Vargas

Como docentes, estudiantes, investigadores, en el campo del diseño gráfico y publicitario, nos interesa mucho el día a día de la profesión, por lo que me parece oportuno que nos compartas las experiencias de tu viaje a Querétaro. En ese ir y venir del congreso, el encuentro de docentes y la bienal del cartel, ¿qué alcance y discusiones atendieron al tema específico de la educación?

Hoy en día y ante una coyuntura tan cambiante es imprescindible tener muy claro nuestro rol actual de diseñadores en una sociedad movida por el mercado, dinos Henry ¿qué estrategias se vislumbran ante las problemáticas globales?

Esta es una problemática que nos atañe a todos y en especial a quienes trabajamos en la docencia y nos enfrentamos a atender estudiantes a veces con muy buena formación básica, pero en otras muy deficientes. Al diseñador actual, ¿lo hace la experticia, la tecnología, la creatividad? ¿Cuáles son los aportes de las escuelas? Y, ¿cómo valorar los aportes de las tecnologías de la información y comunicación (TICs) en el campo específico del diseño gráfico?

Detalle del público asistente a las conferencias del congreso. Fotografía

cortesía de H.O. Vargas

Henry Vargas: El “Seminario de Educación y Diseño” se centró en las distintas metodologías, problemáticas y propuestas que desarrollamos los colegas desde las aulas universitarias. Se contó con la participación de países como México, Estados Unidos, Argentina, Venezuela y Costa Rica. Es de destacar la organización concisa, clara y amena por parte de los maestros Félix Beltrán y Teresa Camacho de México, coordinadores del Seminario y el apoyo

de Xavier Bermúdez, director de la Bienal y el Congreso.Henry Vargas: En general en el diseñador contemporáneo se ha creado una conciencia en solventar necesidades sobre la protección de los recursos del planeta, de la sustentabilidad, de energías renovables y reutilizables; además de concientizar a la población en lo referente a las problemáticas sociales, sobre la igualdad y el respecto mutuo, así como la conservación de sus tradiciones,

de su huella patrimonial y la identidad de nuestros pueblos. Henry Vargas: El diseñador que hoy en día se gesta desde una escuela de diseño desarrolla destrezas que son parte de su misma naturaleza, las proyecta por medio de líneas, formas, colores que armoniza con el conocimiento, las herramientas y las ideas de su propio accionar. Ese productor está influenciado por los medios socioculturales que forman parte de su bagaje histórico. Podemos decir también que el diseñador contemporáneo solventa una “necesidad” que lleva a la resolución efectiva de los problemas por medio del resultado conjunto, producto de este accionar, por tanto, no se les puede separar.Como ejemplo destaco el trabajo

presentado por el investigador y artista canadiense de tecnologías de información, Luc Courchesne, quien ha desarrollado videos interactivos desde los años ochentas. Lo que pretende es que los participantes naveguen desde un espacio expositivo en medios virtuales y puedan comunicarse con otros, así como compartir sus experiencias por medio del diálogo y la imagen. Esto permite intercambiar ideas desde sus ámbitos culturales, sea en una misma sala de exposiciones o interconectados con otros espacios en dos o tres países a la vez. La diferencia a las redes sociales actuales es que el proyecto permite interactuar con todo el cuerpo y expresar las sensaciones inmediatas desde dentro de una gran campana de proyección virtual

MAESTROS

En todo foro, encuentro o congreso todos terminamos hablando se hablando de INNOVACIÓN como la clave para el futuro y éxito de diseño. ¿Se aprende a innovar? Muchos de los diseñadores que entrevisto para mis blogs concuerdan con la importancia de los fundamentos del diseño, la técnica, expresión y conceptos que generan experticia, ¿Cuál es tu visión al respecto?

Logré ver la colección completa de los carteles seleccionados en la página web de la Bienal, y me parece que sí, que la experimentación y transdisciplinariedad mueve al diseñador a experimentar y a ver desde diversas posturas la creación iconográfica y las técnicas. ¿Te parece que asomó preocupación sobre los fundamentos del diseño básico en la realidad de la Bienal del Cartel?

Ponencia de Henry O. Vargas, lo presenta el maestro Félix Beltrán. Fotografías cortesía de H.O.Vargas

Henry Vargas, Félix Beltrán y Eduardo Terrazas

El maestro Félix Beltrán goza de amplio reconocimiento en el país-, ha venido a ofrecer talleres, conferencias, a ser jurado de eventos y conoce además muy de cerca nuestra realidad y a nuestros diseñadores ¿cuál fue la naturaleza de su abordaje en el encuentro y el congreso?

y movilizarse por el espacio proyectado por medio de un control de mando. Henry Vargas: Por supuesto que el diseño se innova día con día, pero para esto es importante conocer sobre la historia misma de su especialidad y determinar si un producto existente puede mejorarse aún más. Hoy en día, la historia inmediata se logra a través de encuentros entre distintas disciplinas, en las que se intercambian conocimientos, sea desde su ciudad, región, medios virtuales o en encuentros internacionales como el Congreso. Si bien la tecnología es una herramienta que facilita dicho desarrollo, el buen diseñador continúa bocetando, proyectando manualmente antes de plasmar sus conceptos en un medio como la computadora. Esto lo advirtieron indirectamente los especialistas en las ponencias presentadas, lo que permite

observar que en las escuelas de diseño son insustituibles los cursos de diseño básico y los de dibujo.

Henry Vargas: Varios de los carteles que recibieron mención fueron dibujados o realizados manualmente y otros recibieron algunos retoques digitales

posteriores, por tanto, podemos detallar que en el presente la mano aún no puede ser sustituida del todo por la mecanización.  Henry Vargas: El maestro Félix Beltrán manifestó la trascendencia de este primer Seminario, pues enfoca la esencia misma del diseño desde los procesos formativos en los estudiantes. El punto más valiosos del encuentro consiste en el intercambio

del conocimiento entre los diferentes académicos con el público presente y la comunidad internacional. Para Félix Beltrán la clave de la enseñanza consiste aprovechar al máximo la potencialidad de los estudiantes desde sus realidades y necesidades. Esto radica en servirse de los recursos tecnológicos contemporáneos que les rodean y combinarlos con el aprendizaje del diseño. Por otro lado, enfatizó que

MAESTROS

En todo foro, encuentro o congreso todos terminamos hablando se hablando de INNOVACIÓN como la clave para el futuro y éxito de diseño. ¿Se aprende a innovar? Muchos de los diseñadores que entrevisto para mis blogs concuerdan con la importancia de los fundamentos del diseño, la técnica, expresión y conceptos que generan experticia, ¿Cuál es tu visión al respecto?

Logré ver la colección completa de los carteles seleccionados en la página web de la Bienal, y me parece que sí, que la experimentación y transdisciplinariedad mueve al diseñador a experimentar y a ver desde diversas posturas la creación iconográfica y las técnicas. ¿Te parece que asomó preocupación sobre los fundamentos del diseño básico en la realidad de la Bienal del Cartel?

Ponencia de Henry O. Vargas, lo presenta el maestro Félix Beltrán. Fotografías cortesía de H.O.Vargas

Henry Vargas, Félix Beltrán y Eduardo Terrazas

El maestro Félix Beltrán goza de amplio reconocimiento en el país-, ha venido a ofrecer talleres, conferencias, a ser jurado de eventos y conoce además muy de cerca nuestra realidad y a nuestros diseñadores ¿cuál fue la naturaleza de su abordaje en el encuentro y el congreso?

y movilizarse por el espacio proyectado por medio de un control de mando. Henry Vargas: Por supuesto que el diseño se innova día con día, pero para esto es importante conocer sobre la historia misma de su especialidad y determinar si un producto existente puede mejorarse aún más. Hoy en día, la historia inmediata se logra a través de encuentros entre distintas disciplinas, en las que se intercambian conocimientos, sea desde su ciudad, región, medios virtuales o en encuentros internacionales como el Congreso. Si bien la tecnología es una herramienta que facilita dicho desarrollo, el buen diseñador continúa bocetando, proyectando manualmente antes de plasmar sus conceptos en un medio como la computadora. Esto lo advirtieron indirectamente los especialistas en las ponencias presentadas, lo que permite

observar que en las escuelas de diseño son insustituibles los cursos de diseño básico y los de dibujo.

Henry Vargas: Varios de los carteles que recibieron mención fueron dibujados o realizados manualmente y otros recibieron algunos retoques digitales

posteriores, por tanto, podemos detallar que en el presente la mano aún no puede ser sustituida del todo por la mecanización.  Henry Vargas: El maestro Félix Beltrán manifestó la trascendencia de este primer Seminario, pues enfoca la esencia misma del diseño desde los procesos formativos en los estudiantes. El punto más valiosos del encuentro consiste en el intercambio

del conocimiento entre los diferentes académicos con el público presente y la comunidad internacional. Para Félix Beltrán la clave de la enseñanza consiste aprovechar al máximo la potencialidad de los estudiantes desde sus realidades y necesidades. Esto radica en servirse de los recursos tecnológicos contemporáneos que les rodean y combinarlos con el aprendizaje del diseño. Por otro lado, enfatizó que

Henry -te conozco hace muchos años en tanto fuiste mi estudiante en la licenciatura de Diseño Gráfico de la Escuela de Artes Plásticas de la UCR, además trabajamos juntos en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo en el Centro Regional de Investigación y Documentación en la creación de la primera web site de Arte Contemporáneo Centroamericano, pero me parece interesante, para los lectores, que amplíen su saber acerca de vos, ¿tú como docente de diseño y diseñador, en qué crees, cuáles son tus referentes, qué buscas? No dudo del enorme aporte que darás a la profesión y a la educación del diseño, pero para aclararlo a los lectores ¿en qué contribuyó tu participación en dicho evento de Querétaro para el diseño nacional?

Taller de Eduardo Terrazas. Fotografía cortesía de H.O. Vargas

Según tu percepción de los carteles de la Bienal, y a manera de conclusión de esta conversación ¿hacia dónde crees que va el cartel? ¿En qué se está innovando?

desde sus primeros y grandes maestros comprendió que la clave del buen diseño subyace en la simplicidad, por lo que debe ser directo, limpio y preciso.

Henry Vargas: La clave radica en el conocer nuestra realidad identitaria, pluriétnica y multicultural. Desde niño he sentido el deseo de conocer más sobre el complejo proceso sociocultural de la realidad de nuestros pueblos y el de nuestros abuelos. Esto me ha llevado posteriormente

como diseñador a estudiar el diseño precolombino costarricense, desde los tesoros patrimoniales que poseemos y el remanente precolombino en el diseño contemporáneo, como lo es el estudio de estos tópicos en artistas y artesanos en la región centroamericana. El presente “Congreso Mundial de Diseño” me llevó a presentar a los colegas y al público del Seminario los dos temas mencionados atrás y cómo estos se están implementando en los procesos de enseñanza en las aulas y desde Costa Rica. Además, de recibir un taller con el maestro Eduardo Terrazas, quien se ha

dedicado a estudiar y difundir la tintorería tradicional de los pueblos indígenas mexicanos. Esto permite identificar y conocer aún más nuestras raíces indígenas y difundirlas en la academia, en este caso desde la simbología y la aplicación del color en el diseño. Al mismo tiempo permitió intercambiar opiniones sobre las diferencias y similitudes entre nuestros países, pues no debemos olvidar el rico intercambio mesoamericano que tuvimos desde épocas como la prehispánica y la colonial.

Henry Vargas: Si bien, en las últimas bienales en México privan temas como los ya mencionados atrás, para la Bienal del Cartel en Bolivia del 2013 lo puntos a tratar son similares, pero se incluyó el de la crisis mundial. Estas temáticas permiten evidenciar en el cartel una vía crítica, estética y del gran potencial en el que se denuncia el irrespeto humano, la conciencia sobre el cuido del planeta y el desarrollo de políticas culturales globales. Por tanto el cartel, como medio directo para la transmisión de múltiples ideas, se innova constantemente al denunciar los diversos temas sociales y biológicos que nos aquejan, involucran e importan.

“Los caracoles construyen una casita que llevan consigo”. Así “el caracol está siempre en su casa, viaje por donde viaje”.

-Gaston Bachelard.

La vida contemporánea se desarrolla en la pantalla. El tiempo libre se

centra cada vez más en los medios visuales. No hay tiempo para estar consigo mismo, no hay espacio para la soledad, la meditación, porque siempre estamos conectados. Vivimos una época en que la tecnología quiere absorbernos, robarnos hasta nuestros más íntimos placeres, reemplazándolos por la falsa ilusión de un mundo virtual.

El incremento de estos excesos del mundo de hoy hace más necesario que nunca, el recobrar el espacio íntimo, la singularidad de los objetos, de los grupos, de las pertenencias, la recomposición de

lugares y singularidades de todos los órdenes. Dentro de esta recomposición, la experiencia del “no lugar” , espacio útil pero sin identidad, tiene un carácter paradójico con el “cocooning” o encapsulamiento, el individuo cada vez más quiere estar en la protección del hogar, en el nido, busca un espacio íntimo y cómodo donde estar protegido del mundo exterior. En este mundo de “no lugares” necesitamos encontrar un lugar propio, es urgente regresar al ser humano, devolverle su ser, su espacio.

Partiendo de esta problemática del hombre contemporáneo se plantea crear un Habitáculo objeto-espacio,

que sea un lugar íntimo de relajación, y que inspirándose en la forma y en la significación metafórica del caracol, tenga además la capacidad de ser transportable. Este espacio-objeto, intenta generar en la persona que lo habite un estado de paz y armonía, transportarlo al interior del mar como espacio ideal de tranquilidad. Este proyecto nace de una búsqueda individual a través de mi propia experiencia personal, pero la intención es convertirlo en una opción funcional como objeto que responda a una necesidad latente de búsqueda de espacio individual en el mundo de hoy.

HABITÁCULOOBJETO - ESPACIOinspirado en la forma del caracol

“Los caracoles construyen una casita que llevan consigo”. Así “el caracol está siempre en su casa, viaje por donde viaje”.

-Gaston Bachelard.

La vida contemporánea se desarrolla en la pantalla. El tiempo libre se

centra cada vez más en los medios visuales. No hay tiempo para estar consigo mismo, no hay espacio para la soledad, la meditación, porque siempre estamos conectados. Vivimos una época en que la tecnología quiere absorbernos, robarnos hasta nuestros más íntimos placeres, reemplazándolos por la falsa ilusión de un mundo virtual.

El incremento de estos excesos del mundo de hoy hace más necesario que nunca, el recobrar el espacio íntimo, la singularidad de los objetos, de los grupos, de las pertenencias, la recomposición de

lugares y singularidades de todos los órdenes. Dentro de esta recomposición, la experiencia del “no lugar” , espacio útil pero sin identidad, tiene un carácter paradójico con el “cocooning” o encapsulamiento, el individuo cada vez más quiere estar en la protección del hogar, en el nido, busca un espacio íntimo y cómodo donde estar protegido del mundo exterior. En este mundo de “no lugares” necesitamos encontrar un lugar propio, es urgente regresar al ser humano, devolverle su ser, su espacio.

Partiendo de esta problemática del hombre contemporáneo se plantea crear un Habitáculo objeto-espacio,

que sea un lugar íntimo de relajación, y que inspirándose en la forma y en la significación metafórica del caracol, tenga además la capacidad de ser transportable. Este espacio-objeto, intenta generar en la persona que lo habite un estado de paz y armonía, transportarlo al interior del mar como espacio ideal de tranquilidad. Este proyecto nace de una búsqueda individual a través de mi propia experiencia personal, pero la intención es convertirlo en una opción funcional como objeto que responda a una necesidad latente de búsqueda de espacio individual en el mundo de hoy.

HABITÁCULOOBJETO - ESPACIOinspirado en la forma del caracol

Como diseñadora y artista visual, surge la inquietud de hacer una obra que tenga una funcionalidad más allá del espacio expositivo, que supere el espacio efímero para convertirse en un diseño que llegue a un público ávido de experiencias estéticas y sensoriales, que puedan hallarse fuera o dentro del museo. Es entonces que nace la idea de hacer un objeto y a la vez una instalación que pueda llevarse consigo.

La realización de este habitáculo me da la oportunidad de tener un espacio propio, un espacio íntimo donde quiera que esté y proponerlo como una alternativa de recogimiento para quienes, por diversas razones, puedan tener una inquietud similar.

JUSTIFICACIÓN

El estudio de los elementos de la naturaleza, es algo que he venido trabajando en el desarrollo de mi curso de diseño tridimensional. De igual manera, he indagado en la creación de espacios e instalaciones artísticas alrededor del mar o con elementos como las rosas o los árboles pretendiendo siempre evocar un espacio en otro. En el caso de este proyecto el espacio que pretendo evocar es la sensación del mar, basándome en el caracol rosa, ya que desde niña fue éste el primer contacto que llegué a tener con el mar. Al igual que el caracol, en mi condición de migrante, siempre he querido tener la oportunidad de meter todo dentro de una maleta y poder llevar mi mundo a donde quiera que vaya.

En todas las obras que he realizado ha

persistido como elemento recurrente la búsqueda de un espacio de refugio, ya sea como un espacio lúdico, evocador, de diálogo interior, de protección o de recuerdo. De igual manera el diseño del habitáculo busca ser un lugar de refugio.Hay muchas otras obras y artistas que de manera directa han sido antecedentes importantes y elementos de inspiración para este proyecto por su concepto, sus imágenes, el manejo de la metáfora y del espacio, quisiera mencionar solo algunos:

Una de las primeras obras que me llegó inquietar sobre al tema del espacio fue la Cámara del amor, políptico del artista colombiano Luis Caballero, al verla por primera vez sentí como una obra podía salirse del plano a la tridimensionalidad,

cubriendo al espectador. Después de estar inmersa en el Políptico de Caballero pensé que una obra sólo tendría sentido si lograba atrapar al espectador en el espacio. Caballero consigue involucrar al espectador, convertirlo en participante. Otra obra que igualmente llegó a impactarme en el sentido del manejo del espacio instalativo y la evocación de la memoria, fue la obra de Carlos Capelán, Mapas y Paisajes. El ambiente íntimo y ritual de esta obra fue un referente importante en la realización del proyecto. Igualmente, cuando tuve la oportunidad de conocer la obra de Karla Solano me impactó por su manejo del espacio y el tamaño de los formatos que logran introducirnos en un microcosmos.

ANTECEDENTESInterior del habitáculo

individuo que lo habite, pretende que éste se apropie del espacio, que logre identificarse con el.

La naturaleza desempeña igualmente, un importante papel en la regulación y la evolución del diseño. En este proyecto se retomó la biónica desde la inspiración en el objeto natural y su zoometría. La estructura y funcionalidad del caracol fue usada como base para la forma y las proporciones del Habitáculo.

El diseño inspirado en la biónica es algo que he venido trabajando como estrategia metodológica en los cursos que imparto de diseño tridimensional. Asimismo, los estudiantes han tomado

Las formas inspiradoras del Habitáculo, teniendo en cuenta el uso de las bibliotecas asociativas, al tener elementos de protección dados por la forma del caracol y del capullo en su parte interior, pretenden ser referentes innatos agradables para el habitante, debido a la evocación de la seguridad primigenia del nido y del vientre materno.Según Mike Press and Rachel Cooper, el diseñador no es simplemente un creador de objetos, es un posibilitador de experiencias. Los diseñadores somos creadores de experiencias estéticas y perceptuales que enriquecen la vida humana. El espacio-objeto producto de este estudio busca generar toda una experiencia perceptiva en el

Por último, quiero mencionar una película que fue un punto de inspiración importante en el concepto del proyecto. La estrategia del caracol (1993), del director colombiano Sergio Cabrera, es una película que narra cómo los vecinos de un barrio muy pobre luchan para evitar el derribo de la casa donde viven, planean una original estrategia ante la imposibilidad de poder quedarse con su hogar, deciden trasladar la casa pieza por pieza, mueble por mueble, pared por pared, literalmente deciden

llevarse la casa a cuestas. Es una idea utópica pretender transportar un espacio entero de un lugar a otro, pero a veces quisiéramos tener el poder de hacerlo. Cuando cambié mi país de origen, hay una parte de la vida que no pude traer, que quedó atrás. Por eso decidí retomar la metáfora que plantea está película, la estrategia del caracol de llevar su casa a cuestas.

elementos de la naturaleza para llegar a abstracciones bi y tridimensionales que han interpretado en objetos de diseño. Retomar el lenguaje de la naturaleza y sus patrones como insumos de diseño. Observar los mecanismos y leyes naturales conlleva a desarrollar métodos que generen estrategias creativas para armonizar y mejorar la calidad de vida frente a un mundo que requiere reformas urgentes de cara a los sistemas naturales. Buscar fuentes en nuestro propio entorno, leer y copiar del libro de la naturaleza puede llegar a producir diseños más sostenibles.

CONCEPTOS BÁSICOS

Corte del Strombus Gigas,Museo de Ciencias

Naturales de la Salle.

Película de Sergio Cabrera: La Estrategia del Caracol

Bocetos del habitáculo

EL PROYECTO DE DISEÑO

El Habitáculo, se estructuró a partir de la forma del caracol, por tanto su aspecto va acorde con la figura espiral; se desarrolló de tal forma que pareciera que el caracol está hendido en la arena, por tanto vemos la mitad de la espiral proyectarse sobre la base.

Para la realización del proyecto, el caracol elegido específicamente como objeto de análisis e inspiración, fue el caracol rosa (Strombus Gigas), especie en vía de extinción propia del Caribe. La magia del caracol es algo que ha impactado a muchas culturas, es un objeto fantástico, que nos habla, que nos transporta. Es poseedor de una de las estructuras más perfectas de la naturaleza, su espiral tiene un movimiento continuo que no tiene principio ni fin, es capaz de crear su propio espacio y crecer con él.

Todo ser humano, al igual que los animales, busca su refugio, el espacio de paz, de seguridad que nos remite al estado primitivo. Ya sea el lecho, el cuarto, la cortina, la esquina, el closet, un espacio que nos evoque la protección del vientre materno. De este modo, el proyecto hace uso de la naturaleza como metáfora, los elementos del Habitáculo se asociarán con las características y simbología de diferentes animales: en su forma externa con el caracol, en el interior del Habitáculo con el nido, y el habitante del espacio se asociará con el cangrejo ermitaño.

El interior del Habitáculo pretende ser para quien lo habite, un refugio de paz. La ambientación interna tendrá elementos suaves, blandos, de seda, que inviten a una sensación similar a la tranquilidad del caracol dentro de su concha o del gusano dentro de su capullo.

EL CARACOL(forma externa)

EL NIDO(interior del espacio)

CANGREJO HERMITAÑO(habitante del espacio)

EL HABITÁCULOEl cangrejo ermitaño conoce bien el arte de ocultarse, de buscar refugio, un nido, un espacio que le proporcione comodidad. La casa no crece consigo como es el caso del caracol, él la busca adaptada para su comodidad. Es así como, para efectos del presente proyecto, hago una analogía entre el cangrejo ermitaño y el habitante del espacio. El habitante no creó el espacio ni creció con el, pero lo busca para su comodidad. De igual manera, no es preso de él como es el caso del caracol, él puede cambiar si lo desea la concha-nido por otra concha, la que le permite sobrevivir en el mundo exterior.

Concepto y utilización del Habitáculo: Anida

planos de habitáculo

Partiendo de la investigación del caracol, su forma estructural, también su significación, empecé a desarrollar una serie de prototipos experimentales, tratando de capturar al máximo su esencia. Hubo propuestas que se alejaron mucho de la forma del caracol, otras que conservaban su forma pero no daban la posibilidad de un espacio habitable. Fue entonces que con base en el principio de la biónica se llegó a la conclusión de retomar la forma literal del caracol haciendo un calco de su estructura original. Considerando el hecho de que los caracoles adultos se encuentran en la arena, y al morir dejan sus conchas abandonadas enterradas en la playa, el habitáculo inspira su forma en un caracol enterrado en la arena.Se realizó primero una maqueta que proporcionaría la estética del espacio y dos maquetas más que permitirían llegar

a la estructura funcional final. Luego de realizados los planos de diseño fue desarrollado un prototipo a escala real del objeto, para poder hacer los moldes de la tela basados en la estructura realizada, el habitáculo finalmente logró una estructura desmontable, fácilmente transportable.Luego de tener el objeto realizado, se consideraron todos los posibles usos que podría tener en espacios internos y externos, se tomaron imágenes en diferentes lugares para comprobar la versatilidad del objeto diseñado.Como resultado de todo el proceso y la investigación realizada se le dio al habitáculo el nombre de Anida. El nombre se escogió teniendo en cuenta el concepto del proyecto que pretende que el habitante sienta el espacio como un lugar de refugio, donde permanecer o literalmente poder anidar.

PROCESO DE DISEÑO

INSTALACIÓNARTÍSTICAPor último se realizó una propuesta de instalación artística que fue montada en la Galería Roberto Sasso Sasso de la Universidad Veritas. Dentro del habitáculo Anida y alrededor de él se realizó una instalación, que llevó como nombre “Refugio de mar”. Pretendía invitar al espectador a entrar y disfrutar del espacio, impactándolo en todos los sentidos, con pétalos, sedas, espumas, aromas, sabores, luz, poesía, una libreta y sonidos de mar en su interior. En el exterior con arena, piedras, pequetos troncos y conchas para crear en el habitante la sensación de estar en un caracol inmerso en la tranquilidad del mar.

planos de habitáculo

Partiendo de la investigación del caracol, su forma estructural, también su significación, empecé a desarrollar una serie de prototipos experimentales, tratando de capturar al máximo su esencia. Hubo propuestas que se alejaron mucho de la forma del caracol, otras que conservaban su forma pero no daban la posibilidad de un espacio habitable. Fue entonces que con base en el principio de la biónica se llegó a la conclusión de retomar la forma literal del caracol haciendo un calco de su estructura original. Considerando el hecho de que los caracoles adultos se encuentran en la arena, y al morir dejan sus conchas abandonadas enterradas en la playa, el habitáculo inspira su forma en un caracol enterrado en la arena.Se realizó primero una maqueta que proporcionaría la estética del espacio y dos maquetas más que permitirían llegar

a la estructura funcional final. Luego de realizados los planos de diseño fue desarrollado un prototipo a escala real del objeto, para poder hacer los moldes de la tela basados en la estructura realizada, el habitáculo finalmente logró una estructura desmontable, fácilmente transportable.Luego de tener el objeto realizado, se consideraron todos los posibles usos que podría tener en espacios internos y externos, se tomaron imágenes en diferentes lugares para comprobar la versatilidad del objeto diseñado.Como resultado de todo el proceso y la investigación realizada se le dio al habitáculo el nombre de Anida. El nombre se escogió teniendo en cuenta el concepto del proyecto que pretende que el habitante sienta el espacio como un lugar de refugio, donde permanecer o literalmente poder anidar.

PROCESO DE DISEÑO

INSTALACIÓNARTÍSTICAPor último se realizó una propuesta de instalación artística que fue montada en la Galería Roberto Sasso Sasso de la Universidad Veritas. Dentro del habitáculo Anida y alrededor de él se realizó una instalación, que llevó como nombre “Refugio de mar”. Pretendía invitar al espectador a entrar y disfrutar del espacio, impactándolo en todos los sentidos, con pétalos, sedas, espumas, aromas, sabores, luz, poesía, una libreta y sonidos de mar en su interior. En el exterior con arena, piedras, pequetos troncos y conchas para crear en el habitante la sensación de estar en un caracol inmerso en la tranquilidad del mar.

ANÁLISIS DE RESULTADOS

El diseñador de hoy debe ser integral, y la realización de este proyecto me permitió ahondar de manera interdisciplinaria en otras áreas del diseño que antes no había experimentado. El fin último de la maestría era involucrar la imagen, el objeto y el espacio teniendo como base un discurso retórico, apoyado en la investigación y en la praxis del diseño. Gracias a esta propuesta pude mezclarme a fondo con el diseño de producto y en la creación de un espacio con fines más allá de la estética.

Anida es un objeto-espacio que podría cargar siempre conmigo y ambientarlo en cada sitio donde esté. No solamente es un objeto de diseño sino también una experiencia sensorial para el usuario o habitante del espacio. Es un elemento funcional, que por su estética puede llegar a ser aplicado como una instalación artística. Asimismo, es una instalación artística con una finalidad más allá del espacio expositivo, que puede llegar a convertirse en un objeto de uso.

El proyecto Anida brinda una estructura versátil que puede ser usada tanto en interiores como en exteriores, dando la alternativa de privacidad dentro de un espacio compartido o no lugar como son los espacios contemporáneos, lugares pequeños de habitación o áreas de trabajo. Anida le facilita al usuario la posibilidad de aislarse en un espacio de tranquilidad.

El diseño realizado tuvo en cuenta aspectos de sostenibilidad, el material usado facilita la suficiente circulación de aire sin requerir de ningún sistema de ventilación adicional. Por la simplicidad de su diseño y su materia prima no necesita demasiado consumo energético para su producción e instalación y puede ser fácilmente transportado. Permite varios usos, proporcionando diferentes funciones en un solo objeto. Anida es un objeto de diseño reproducible que podría hacerse con otras variaciones o posibles líneas de producción diferentes, acordes al público que las requiera. De igual manera, se hace factible desde el proceso de proyectación realizado dar lugar a otra serie de productos derivados con el mismo concepto.

"Este es apenas el principio de un proceso de experimentación. El diseño de Anida es sólo una propuesta, pero puede tener muchas más posibilidades de realización, personalización, prueba de materiales y estructuras. Como producto es un primer modelo que puede mejorarse. Sin embargo, la riqueza del proceso, la investigación y

la capacidad de síntesis lograda en el proyecto me deja espacio para seguir creando".

En espacio (interno y externo)

En otra entrevista que publiqué en mi blog del portal de la revista española de diseño y arquitectura Experimenta.es, decía que en tiempos pasados, el rol de las organizaciones gremiales –como una asociación-, eran bastante activas, en tanto lideraban movimientos en pro de mejorar los derechos de sus asociados. Mi criterio es que con el uso del fax, y más tarde internet, pareciera que estos organismos entraron en crisis en la medida que los profesionales se comunican de manera horizontal. Eventos tales como foros, bienales, muestras, encuentros, congresos internacionales, debido a los altos costes de transporte y estadía en sus sedes, además de organización y logística, son difíciles de realizar. Aunque algunas organizaciones, con apropiadas estrategias de comunicación, trocaron esas desventajas y hoy aprovechan los medios para relacionarse de otras maneras y asumir los nuevos desafíos. Entre otros factores algunos miembros no encuentran utilidad el estar asociados, y otros, quizás, aunque se interesen no dan el paso para agremiarse. Ante estas disyuntivas, mis preguntas son ¿qué hace ALADI para propiciar nuevas vinculaciones? ¿Qué metas se propone para el año 2013? ¿Hacia dónde quiere ir como una organización que busque liderar las prácticas del diseño en un mundo que si sigue igual -en términos económicos y de impacto ambiental-, colapsaría?

Primero que todo, Luis Fernando, deseo aclararte que la ALADI no es una asociación de diseñadores, es una organización conformada por instituciones, en la cual convergen todos los intereses vinculados a todos los campos del diseño y la participación es a través de organizaciones, o sea la integran representantes, en general los directivos, de instituciones académicas de diseño, artes, ciencia y tecnología, gremiales profesionales (por cierto las asociaciones de diseñadores que tantos problemas tienen en organizarse...) y empresarias, ONG de corte social, de medio ambiente, de investigaciones, patrimoniales, promoción, museos, sean privadas como públicas, medios de prensa, etc… Hay también un espacio en calidad de adherentes para profesionales, empresas, estudiantes y simpatizantes.

Entrevista a Paolo Bergomi, Presidente de la Asociación Latinoamericana de Diseño en su 32 aniversario cumplido en el año 2012. Paolo Bergomi es un destacado intelectual, docente, empresario e industrial italo-argentino, quien preside esta organización gestora de la institucionalidad y que mantiene la mirada puesta sobre el diseño regional con múltiples lazos con otros organismos suprarregionales principalmente europeos.

Luis Fernando Quirós es un docente pensionado, trabajó para la Escuela de Diseño Industrial del Instituto Tecnológico de Costa Rica, para la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica, y para la Escuela de Diseño de Productos de la Universidad VERITAS.

32 ANIVERSARIO ALADI

ENTREVISTAPOR: LUIS FERNANDO QUIRÓS

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Pero, ¿cómo es que un carácter tan amplio, no logre impactar al gremio para cohesionarlo?

Gracias, Paolo, por aclararnos la dimensión estructural de ALADI como organización. ¿Cuáles estrategias se proponen para aprovechar esas ventajas de la tecnología?

Es posible que este pluralismo sea difícil de digerir para un perfil tan sectorizado como somos los diseñadores, pero justamente en ese pluralismo de intereses reside el factor diferencial y de desarrollo de la organización. El desafío es asumir la diversidad y el saber trabajar interdisciplinariamente en forma transversal. La sociedad se moviliza a este ritmo y la ALADI lo viene expresando desde hace 20 años en su misión y en su visión. No por nada hemos cumplido los 32.

Si bien se dice que no es bueno empezar con una negativa, no creo que la progresiva aparición en escena de los medios de comunicación tecnológica haya sido un demérito para las organizaciones, en la cuales por supuesto ALADI se incluye, por el contrario ha colaborado activamente para que aquellos que entienden y aprecian el valor de las directrices instituciones, sus políticas, sus proyectos y sus resultados, realmente vivan estas instancias en tiempo real, por caso el “Facebook” de ALADI, adormeciendo de alguna manera su propia página, cada día instala acciones y resultados del tejido vinculado. Si se quiere leer de otra forma, acciones y resultados de todos aquellos que realmente piensan y ergo trabajan en un red activa para el desarrollo del diseño Latinoamericano.

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¿Qué de las figuras que inspiraron la ALADI de aquel exitoso Congreso y Asamblea en México, hace ya más de veintiún?

En todo organismo activo, hoy en día, se mueve tanto el consenso como el disenso. ¿Cómo se asumen esas contingencias?, y ¿qué criticas emergen de la discusión ante las intenciones de ALADI de formar un cuerpo activo y gestor del diseño en el panorama internacional?

Respecto de las pertenencias vale la pena reflexionar que muchos no pertenecen porque lamentablemente nos han dejado terrenalmente, tengamos en cuenta que hace 32 años la media de aquellos fundadores era de 30 años, y si bien los umbrales de longevidad se han incrementado, para unos cuantos recordados con afecto y además valiosos en nuestras filas, el llamado les ha llegado antes. Sea a nivel internacional como Ivan Espín, Alejandro Lazo Margain, Sergio Rivera Conde, José Cuendias Cobreros, Guillermo Buendía Moreira, Víctor García, y en cada país miembro.Otros más, tanto valiosos, como tu propio caso, son Oscar Pamio y Valeria London, que si bien no participan físicamente, son cercanos en mente y espíritu. Respecto de la utilidad, o sea el remanido y ya a nivel de motivación, no compromiso ante “el que me da?”, entonces se les responde afirmativamente “es lo que usted está dispuesto a dar...”, habida cuenta que ALADI no es una organización benéfica ni un patronato de pensionados del diseño, sino una organización activa que se mueve por la sangre de su gente, mejor dicho y vale reiterar, de las organizaciones con gente que se quieran mover.

También es cierto que unos cuantos miembros han sido alejados de la asociación por decisiones de la organización misma, y que quedan algunas otras gentes que por suerte ya no están, que si bien en tertulias privadas siguen refrescando los relatos de los años ‘80, con sus congresos festivos pagados por otros, mostrándose recíprocamente sus “diapos” y luego retornando a casa sin referir ni producir nada en beneficio de la comunidad del diseño de los propios países a quienes decían representar. Y hoy al responder a preguntas sobre la ALADI, dicen no conocerla, “a pesar de que el Comité Argentino de Diseñadores Industriales CADI intentó confederar diversas organizaciones, la ALADI no llegó a tener representación en el país…” (Crónicas del diseño industrial en la Argentina, Ediciones FADU, 2005).

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¿Esa remezón, no repercute es los aspectos económicos que permiten empujar la realización de ALADI?

Aquellos que a partir del Congreso de México en 1991 –al que te refieres-, en base a la estratégica propuesta de la delegación de Argentina que me tocó representar, al abrirse la plataforma de participación plural a todos los intereses vinculados al diseño, no los personales o sólo los académicos, sino a todo el entramado de las organizaciones de la sociedad civil y pública, se encontraron con un horizonte de compromisos y obligaciones a cumplir, entre ellas una mínima y necesaria cuota anual de pertenencia por país, y en esencia con una nueva forma de gestionar una organización. Como se ve es un panorama complejo, desbordante de intrigas, celos, incapacidades, genuflexiones, y si quiere hasta intentos, en algunos casos mal-logrados, de negación y/o secuestro de identidad, por cierto un universo de situaciones y no una única situación. Traigo a la memoria a quienes usaron la organización para subir peldaños e instalarse en otras, peldaños que no de haberlos recorrido, no hubieran sido lo que fueron. Ráfagas de veloz aprendizaje y pérdida de memoria. Por caso, 14 de los 15 becarios, a razón de uno por cada país miembro ALADI, que se beneficiaron con la beca ALADI ITALIA, el único sistema de becas otorgado por una organización latinoamericana a un conjunto de países, que cubría los pasajes y dos meses pagos en la península, y que no cumplieron con el compromiso firmado de la devolución de la formación recibida, o sea un programa de formación de formadores. Sólo uno cumplió con lo acordado, hoy es el Secretario de ALADI. A beneficio recibido y disfrutado, los otros desaparecieron del mapa.Podrá no gustar pero nuestra organización se comporta de esta forma; cumplimos y exigimos cumplimiento. Los que participamos lo hacemos absolutamente ad honorem, aportando medios, tiempos y capacidades en la conciencia que el servicio institucional es una consigna de diseño.

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Aprecio la pregunta para reactualizar que desde el mítico quinquenio de las Jornadas del Oeste del DEDIT(,1985 - 1989), germen naciente del que luego sería el Comité ALADI Argentina, en una de las cuales usamos tu composición dodecafónica como fondo musical, venimos proponiendo un cambio en la currícula académica de las carreras de diseño, una adaptación a la realidad productiva de nuestras comunidades-países, una relectura de la teoría, una formación basada en la praxis y en el relacionamiento cierto con el sistema productivo. No ha sido una tarea fácil, en cada foro hemos insistido en esta línea de acción, testeamos un primer intento concreto en el ‘97 en Argentina, y luego en el 2004. Podemos verificar avances y coincidencias en el continente y ya hay programas en base ALADI aprobados. El problema es que a la par nos encontramos con programas de estudio vigentes desde 1980 y de aún antes, sin actualizarse y con algunas visiones temerarias que ahora plantean negar la relación con el tejido productivo proponiendo como solución de empleo para los diseñadores, que se conviertan en productores. Una visión que, más allá de aquellos ejemplos exitosos y aplaudibles, encierra una trampa viciosa a contra-natura de la profesión, arquitectos venidos a constructores, médicos a enfermos, abogados en defensores de sus propios dislates... En números, a los millones de artesanos, pequeños y medios productores de América Latina, que no perciben sus propias necesidades de diseño, pero si sufren las ausencias de innovación que la profesión les puede ofrecer, que les permita enfrentar no sólo los desafíos del desembarco de los productos foráneos en sus mercados internos, sino las potenciales posibilidades de proyectarse al mundo con productos diseñados. Deberemos entonces agregar, conforme a estas destempladas teorías, el medio millón o más de profesionales y estudiantes de diseño que serán sus potenciales y efímeros competidores.

¿Cuál es la relación con los Comités Nacionales que trabajan con la Presidencia?

Quizás hoy en día estas organizaciones por su naturaleza, requieren entrar en proyectos de “networking”, educación, muestras itinerantes y otros aspectos para buscar visibilidad para el diseño regional. ¿Qué se propone hacer en estas áreas, sobre todo en el sector educación, cuando la tecnología brinda enormes posibilidades?

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¿Qué otros logros a empujado cambios para el crecimiento del diseño?

ALADI está conformada por los Comités Nacionales con sede y nominación de cada país miembro, conformando su propio Comité según posibilidades, usos y costumbres. En cada Congreso-Asamblea bianual se reflexiona y opera sobre las actualizaciones y cambios a producirse en base a las experiencias desarrolladas. Hay Comités con directiva unificada en una sola organización, caso especial de Cuba, otros con pluralidad relativa y en progreso de incorporación de nuevas organizaciones del país. El caso de Argentina es el objetivo deseado; un Comité abierto, integrado convenialmente por veintiséis organizaciones (universidades públicas y privadas, cámaras empresarias, ONG, asociaciones profesionales, institutos tecnológicos de formación e investigación, medios, entes de gobierno, museos y centros patrimoniales) y además con la característica estratégica de la cooperación y/o pertenencia con cada uno de los miembros.

Por otra parte, y ya desde 1997, cuando ALADI Argentina crea el Centro Promotor del Diseño CEPRODI, lanzándolo con el apoyo de la poderosa Confederación General Económica / CGERA, instala en el país una herramienta innovadora para la promoción del diseño, que a través del tiempo ha generado la puesta en marcha de quince Polos CEPRODI en las diversas comunidades, en cada caso conforme a las características sociales, culturales y productivas de cada una de ellas. La figura del CEPRODI está siendo reproducido en Nicaragua y en Uruguay con dos Polos en cada país y uno en Chile. La fórmula del CEPRODI fue tomada en su momento por la Ciudad de Buenos Aires para crear su Centro Metropolitano del Diseño, situación similar con el gobierno nacional que solicitó a la ALADI adaptar el Programa Argentino de Diseño / PROA DISEÑO ALADI 1997, para organizar el propio Programa Argentino de Diseño en 2002.

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: La agenda ALADI de Diseño de cada año, brinda muestras fehacientes de nuestra transformación, reinvención, cambio, o como se la quiera llamar. No sólo enfrentamos desafíos constantes, los proponemos. Pretendemos diseñar horizontes sucesivos para las realidades cambiantes. Desbordamos los territorios comunes para instalar nuevas formas de ver el diseño, de producirlo, de pensarlo, de usarlo, en el universo social, cultural y económico. El programa comunitario ARTODOS, la plataforma de pensamiento BOOK21, la cooperación 4I con su proyecto Totora, los programas Casilda Diseño, Monte Caseros Vuela Alto, Una Tela dos Ciudades, Manos que se Ayudan, Corredor Productivo Italia-Argentina y la cooperación con ICW Global RSE, son algunos de los claros ejemplos de innovación. Sustentamos estratégicamente el Museo del Diseño y de la Industria HECHO EN ARGENTINA y el Museo de Arte de Piriápolis MAP, con muestras y presentaciones en múltiples ámbitos y en cada caso con foros de discusión sobre el valor patrimonial y cultural del diseño. Calificamos con nuestro Sello de Respaldo al Museo de la Silla de Asunción MUSA en Paraguay, a veinte publicaciones latinoamericanas seleccionadas por su temática, calidad y contenido y a las actividades que meritan recibirlo, por caso el programa “online” Impulso Cultural, el Concepto Multiculturalismo y el proyecto de rescate patrimonial del Oficio Sartorial de la CONPANAC . Desde 1990 la ALADI es miembro consultivo del Consejo Económico y Social de las Naciones Unidas ECOSOC. A partir de 1998 creamos el Mes ALADI del Diseño Mercosur, desde entonces en el mes de octubre, este año celebraremos su 15ava. edición. En el 2000 firmamos, y lo ponemos en acción en nuestros programas de trabajo, el Acuerdo de Producción Limpia de Naciones Unidas. En el 2005 nuestro aporte fue valioso para que Buenos Aires fuera declarada Capital del Diseño por la UNESCO. Nuestros representantes son permanentemente convocados para congresos, jurados y proyectos. Mención que hago para poner en valor la capacidad y dedicación de los directivos y de los integrantes de los Comités, que conforman una masa crítica privilegiada en cuanto a profesionalismo y humanidad, sin los cuales sería imposible llevar adelante semejante tarea.

¿Por qué la Presidencia se quedó en Argentina? ¿Qué ha pasado en los últimos Congresos y Asambleas Generales de esta organización?

En tiempos en que todo se transforma, ¿en qué se reinventa ALADI? ¿Cómo ha cambiado ALADI en el tiempo para readecuarse a esos nuevos desafíos?

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A partir de los Estatutos ALADI actualizados en la Asamblea ALADI 1996 en Ecuador, el cargo de la Presidencia es electivo y reelegible. El espíritu y objetivo de la enmienda fue privilegiar la capacidad de gestión y los resultados verificados; independientemente de haber organizado el Congreso. Es así que en el período 1996 a 98 fue Ecuador, luego 1998 a 2000 Brasil, de 2000 a 2002 México. Desde 2002 es Argentina, cuando el Presidente fue elegido, a propuesta del Comité ALADI CUBA, por voto unánime de los Delegados representantes de los países miembros. La misma situación de propuesta y elección se presentó en la Asamblea ALADI 2004 en Perú, luego en la Asamblea 2006 en Cuba con extensión a Uruguay, en la Asamblea 2008 en Nicaragua y en la Asamblea 2010 en Cuba. Por razones ajenas al Comité de Presidencia y privativas del Comité ALADI BRASIL, a último momento no se pudo organizar el Congreso y Asamblea 2012 en Brasil según lo programado, quedando la gestión a cargo hasta el próximo Congreso y Asamblea, programado y aprobado en la Asamblea en Cuba, para el 2014 en Chile, la sede votada para el 2016 será Republica Dominicana. Más allá del esfuerzo en conducirla, desde el Comité Argentina estamos orgullosos de esta continuidad que nos ha comprometido a un progreso constante y que es acompañado por los restantes comités. Uno de nuestros principales objetivos, y alcanza con ver nuestros discursos, el reciente en el Congreso en Córdoba, es la necesidad de formar y generar una nueva dirigencia, joven, capaz, plural y comprometida con la causa, la iniciativa de los Encuentros Latinoamericanos de Estudiantes está en sintonía con este objetivo.

Me parece necesario y motivante –como lo ha hecho Paolo Bergomi, Presidente de ALADI, en esta entrevista al poner los puntos sobre las íes en muchos aspectos que afectan el crecimiento de la organización, dirigir de nuevo la mirada hacia estas gestiones que infunden valor estratégico al diseño, al buscar la innovación de nuestros frutos y procesos, así como una mejor inserción en los tejidos macro económicos y coyunturas sociales que están transformando esta idea de región con voz activa en el discurso mundial. Bergomi acota su visión de desarrollo para el naciente período 2013: “estamos frente a un año de intenso trabajo con una fuerte agenda de acciones de las cuales anhelamos positivos resultados. La ALADI es una organización abierta para aquellos que realmente quieran trabajar para el bien común. Estimamos que hay mucho todavía por hacer, hagámoslo juntos”.

Asamblea Comité Nacional Argentina 2010. Fotografía cortesía de la Presidencia de ALADI.

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La papa que no podía dormir

Una noche, una papa se acostó en su cama con el único propósito de dormir; lo extraño fue que esa noche se perdió en sus propios pensamientos, y en su cabeza decía: - “Siendo yo una papa, ¿cómo es que puedo dormir? ¿O acaso estoy dormida? Pero soy una papa, no soy un ser animado, por lo tanto tiene que ser un sueño”. Teniendo esto en mente la papa poco a poco se cuestionaba cada vez más su propia existencia, pero lo que más le extrañaba era que todo se sentía y se veía muy real. – “Si esto fuera un sueño podría cabalgar un camarón sobre la luna”, se dijo a sí misma, poniendo así una situación imposible en la vida ordinaria que ella conocía. Esperó unos segundos y viendo que su desbaratada idea no se tornaba realidad se asustó un poco más pues la simple idea de ser una papa animada y pensante no parecía real. Cada vez más la papa no podía creer la idea de su existencia – “¡Pero soy una papa! No puede ser posible que yo hable, camine y piense! ¡La única explicación es que yo esté soñando!” La pobre papa estaba a punto de volverse loca cuando de repente, se despertó en su cama sudada y agitada con sus ojos bien abiertos; se levantó y se tomó un vaso con agua para relajarse un poco, se acostó nuevamente en su cama y dijo: - “¡Qué susto!… Era solo un sueño…”

FIN

MORALEJA“Si pasas tu vida cuestionando todo y sin darle ningún valor terminarás como una papa en un marisco... o algo parecido. Lo importante es aprovechar cada día como si fuera un regalo; digamos, un play station 3, un carro, hasta una

refrigeradora”

La papa que no podía dormir

Una noche, una papa se acostó en su cama con el único propósito de dormir; lo extraño fue que esa noche se perdió en sus propios pensamientos, y en su cabeza decía: - “Siendo yo una papa, ¿cómo es que puedo dormir? ¿O acaso estoy dormida? Pero soy una papa, no soy un ser animado, por lo tanto tiene que ser un sueño”. Teniendo esto en mente la papa poco a poco se cuestionaba cada vez más su propia existencia, pero lo que más le extrañaba era que todo se sentía y se veía muy real. – “Si esto fuera un sueño podría cabalgar un camarón sobre la luna”, se dijo a sí misma, poniendo así una situación imposible en la vida ordinaria que ella conocía. Esperó unos segundos y viendo que su desbaratada idea no se tornaba realidad se asustó un poco más pues la simple idea de ser una papa animada y pensante no parecía real. Cada vez más la papa no podía creer la idea de su existencia – “¡Pero soy una papa! No puede ser posible que yo hable, camine y piense! ¡La única explicación es que yo esté soñando!” La pobre papa estaba a punto de volverse loca cuando de repente, se despertó en su cama sudada y agitada con sus ojos bien abiertos; se levantó y se tomó un vaso con agua para relajarse un poco, se acostó nuevamente en su cama y dijo: - “¡Qué susto!… Era solo un sueño…”

FIN

MORALEJA“Si pasas tu vida cuestionando todo y sin darle ningún valor terminarás como una papa en un marisco... o algo parecido. Lo importante es aprovechar cada día como si fuera un regalo; digamos, un play station 3, un carro, hasta una

refrigeradora”

Por: Nolan Paez y Elena Baharet

Que es como andar en oscuridad, donde no hay luz, donde no hay creatividad, donde todo es copia y más de lo mismo y de lo mismo y de lo mismo…Dicen que la oscuridad no existe, que es la ausencia de la Luz. Así que no creo que los creativos no existamos, es sólo que

quizás estamos muy cómodos donde estamos y por eso no vemos más allá y nos falte un poco de luz. Se trata de que simplemente nos levantemos de esa mecedora que nos mueve solo en dos direcciones a un paso lento y sin rumbo.

Por: Nolan Paez y Elena Baharet

Que es como andar en oscuridad, donde no hay luz, donde no hay creatividad, donde todo es copia y más de lo mismo y de lo mismo y de lo mismo…Dicen que la oscuridad no existe, que es la ausencia de la Luz. Así que no creo que los creativos no existamos, es sólo que

quizás estamos muy cómodos donde estamos y por eso no vemos más allá y nos falte un poco de luz. Se trata de que simplemente nos levantemos de esa mecedora que nos mueve solo en dos direcciones a un paso lento y sin rumbo.

seamos creativos

Alguien que ha decidido no dejarse llevar por su entorno o circunstancias, alguien que mastica el chicle de la felicitación y los logros rápido para poder ganar rápidamente más logros, alguien que dice: ¡Basta! Yo, que siento este “llamado” al diseño, no puedo pretender seguir en la Zona de Comodidad.

“si te comparas con la gente peor que tú, siempre serás el mejor. Si te comparas con gente mejor que tú, siempre harás algo para alcanzarlos”…o en este caso superarlos. Pregúntese hoy, ¿cómo quiere que lo vean a usted? ¿Como alguien de la “pericada” (los pericos solo juntos viajan) ?, o mejor aún ¿cómo un creativo extraordinario?

¿SEGUIMOS?

Si ha decidido seguir leyendo, o más bien, salir de la zona de confort, es porque hay una necesidad en su interior de cambiar ciertas cosas en su vida. Y bueno ahí empieza el cambio. Para que seamos creativos tenemos que vivir como creativos, y entender algunas cosas. Nada hacemos con los talentos si no los cultivamos y alimentamos para su desarrollo. Para ser de los creativos realmente buenos, que destacan, hay que pagar el precio. El precio es que para lograr cosas diferentes tenemos que hacer cosas diferentes, que tenemos

que pensar más que el resto, leer más que el resto, ir más allá de las respuestas que encontramos, es correr la milla extra en cada aspecto de los trabajos que hacemos.

Así que no es necesario hablar mucho porque” el que mucho habla, poco hace”. Les dejamos una lista de algunas cosas que podríamos hacer para salir de nuestra zona de confort y ser más creativos.

Haga algo por la vida: deportes, camine, forme parte de algún grupo, y demás.

¡LEA! ¡Investigue! El conocimiento es poder, no sea vago (a)

Escuche música, no sea aburrido.

Sea su mejor crítico, siempre busque ser el mejor, aunque no lo logre.

Viaje, conozca! Aprenda de la Creación, de la natu-raleza, de los lugares que no son su casa y su cuarto.

Ame esto, o déjelo. Porque no hay nada más cansado que estar con algo o alguien que uno NO ama.

Documente sus ideas, sus viajes, lo que aprende, aunque sean cosas pequeñas. Use notas, dibujos, fotos.

Deje de compararse, sea usted mismo, APRENDA de los demás que es diferente.

Y busque más ideas creativas, usted se conoce a usted mismo, el cambio empieza por usted, no por el de la par.

Haga algo por la vida: deportes, camine, forme parte de algún grupo, y demás.

¡LEA! ¡Investigue! El conocimiento es poder, no sea vago (a)

Escuche música, no sea aburrido.

Sea su mejor crítico, siempre busque ser el mejor, aunque no lo logre.

Viaje, conozca! Aprenda de la Creación, de la natu-raleza, de los lugares que no son su casa y su cuarto.

Ame esto, o déjelo. Porque no hay nada más cansado que estar con algo o alguien que uno NO ama.

Documente sus ideas, sus viajes, lo que aprende, aunque sean cosas pequeñas. Use notas, dibujos, fotos.

Deje de compararse, sea usted mismo, APRENDA de los demás que es diferente.

Y busque más ideas creativas, usted se conoce a usted mismo, el cambio empieza por usted, no por el de la par.

MERCADO EMERGENTEaplicaciones y videojuegos

Para nadie es un secreto que las redes sociales, el internet e incluso los videojuegos son ahora parte de nuestra vida diaria. El uso de apps para teléfonos móviles se ha disparado en los últimos años , lo cual genera la necesidad de crear más aplicaciones, más eficientes, más actualizadas, más sencillas de utilizar, más rápido. Según estadísticas, el 81% de los usuarios utiliza el teléfono móvil para navegar por la red y casi el 70% usa regularmente aplicaciones. En el 2009 la industria de desarrollo de aplicaciones y animación digital dejó ganancias de 1277 mil millones de dólares a nivel mundial, a pesar de la crisis económica.

Según PROCOMER hay alrededor de 7500 estudios de animación, creación de videojuegos e interacción en el mundo, el mercado de la tecnología digital está creciendo, y éste ya no excluye a Costa Rica.

Por: Luis Martínez y Natalia Delgado

Un 70% de usuarios lo utiliza para usar las diferentes aplicaciones descargables

81%

70%navegan

aplicaciones

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MERCADO EMERGENTEaplicaciones y videojuegos

Para nadie es un secreto que las redes sociales, el internet e incluso los videojuegos son ahora parte de nuestra vida diaria. El uso de apps para teléfonos móviles se ha disparado en los últimos años , lo cual genera la necesidad de crear más aplicaciones, más eficientes, más actualizadas, más sencillas de utilizar, más rápido. Según estadísticas, el 81% de los usuarios utiliza el teléfono móvil para navegar por la red y casi el 70% usa regularmente aplicaciones. En el 2009 la industria de desarrollo de aplicaciones y animación digital dejó ganancias de 1277 mil millones de dólares a nivel mundial, a pesar de la crisis económica.

Según PROCOMER hay alrededor de 7500 estudios de animación, creación de videojuegos e interacción en el mundo, el mercado de la tecnología digital está creciendo, y éste ya no excluye a Costa Rica.

Por: Luis Martínez y Natalia Delgado

Un 70% de usuarios lo utiliza para usar las diferentes aplicaciones descargables

81%

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aplicaciones

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2007deja ganancias en la industria de

1277 mil millones de dólares

Marte Estudio es una de las empresas costarricenses de animación y efectos visuales, pionera en Latinoamérica al fundarse en 1998.Forma parte, junto a otras 5 empresas, del Costa Rica Animation Holding, que es un consorcio por el cual las empresas exportan sus servicios, con ayuda de PROCOMER.Otra de estas empresas es Fair Play Labs, estudio que es “Sony Licensed Developer” para Play Station Portable en la región de Centroamérica.

Studio Flex se fundó en el 2000; está fusionada con la productora norteamericana Motion Pixel Corporation, y ha ganado premios como el Premio Especial de Desarrollo Audiovisual de la Embajada de Francia, Primer Finalisa en el festival ICARO en Guatemala y una de sus obras abrió el festival de animación digital de Vancouver, VIDFES en el 2006. Junto a la compañía productora Irlandesa CPOINT Entertaiment desarrollaron un juego llamado “Druids the Epic”.

1. (Peña. S. (2012, 10 de junio). Proyectos de Animación costarricense le dan la vuelta al mundo. (versión elec-trónica) La Nación. . http://www.telenoticias7.com/detalle_especiales.php?id=136784)

2. Comas.B (2011, 10 de noviembre). Estadisticas del uso de Apps para móvil y la importancia del m-Commerce. (versión electrónica) Tourist Revolution blog. http://www.blogtrw.com/2011/11/estadisticas-de-uso-de-apps-para-movil-y-la-importancia-del-m-commerce-infografia/

En Costa Rica, estudiantes de la Universidad Veritas ya están entrando en el mercado nacional y mundial, como algunos de los profesionales de Sabor Studio, creadores del juego Pota-Toss, que se descargó 3000 veces por día desde que se estrenó en el Appstore de Apple, con el título de “Top Free App” y que al día de hoy tiene unas 100.000 descargas alrededor del mundo. Este juego se caracteriza por utilizar el GPS para mostrar las distintas locaciones del juego, y enfrenta a jugadores de distintos países en diferentes escenarios.

100.000

3000descargas

descargas

lanzamiento

hoy en día

APPLICACIÓN

El proyecto de graduación de Laura Murillo de la Escuela de Diseño Publicitario, se trata de un juego para la fundación Paniamor enfocado para niñas y jóvenes. El tema del proyecto es apoyar a chicas entre 14 y 18 años a crecer como personas, asumir metas y así prevenir el embarazo a temprana edad; se desarrolla por medio de una dinámica con las niñas, y de acuerdo a su interacción hay distintas respuestas y actividades que realizar. Fue un enfoque diferente y una buena forma de llegar a personas jóvenes, para concientizar divirtiéndose e interactuando con la aplicación.

Dentro del proceso desarrollado por la estudiante se propone el diseño de una plantilla con su respectivo estilo gráfico que refleja las distintas personalidades y representa a diversidad de jóvenes de acuerdo a la realidad. Su resultado es sencillo y responde a la usabilidad determinada para el usuario, a favor de la disposición por su parte para aprender por medio del computador y las aplicaciones.

Este proyecto trabajó en conjunto con el desarrollo de las nuevas tecnologías aplicadas al ámbito social, demostrando que la innovación puede llegar a ser

PIONEROScentroamericanos

aplicada en todos los ámbitos, y que mediante la interactividad, se pueden encontrar las maneras idóneas de tratar mensajes convencionales de una manera mucho más atractiva para el usuario. Y así, muchos otros proyectos de animación, diseño de aplicaciones y videojuegos se están abriendo campo en el mercado de la innovación y tecnología en Costa Rica, por lo que es un buen nicho en el cual profesionales tanto en el diseño como en la programación pueden pensar desde ahora.

STUDIO FLEXyMARTE ESTUDIO

El mayor problema que existe es que dicen no tener las habilidades en el dibujo, pero lo que no saben es que el dibujo es apenas un apoyo que tienen algunos para poder facilitarse el proceso de ilustrar. Dibujar no lo es todo a la hora de ilustrar; una simple mancha de acuarela o tinta basta para poder generar una imagen o idea para que nuestra creatividad (herramienta que todos los diseñadores desarrollan y perfeccionan a lo largo de su carrera) pueda encontrar

soluciones gráficas para el mismo. También se puede ilustrar con fotografía, interviniéndola manualmente o por medio de programas de computadora para generar una perspectiva diferente y añadirle aspectos como colores, contrastes y siluetas. El collage es un arte muy fácil y poco complejo que se basa en recortar ya sea imágenes, o pequeños trozos de papel rasgado o recortado para crear una composición llamativa y atrevida; eso sí, un diseñador debe

Por: Sergio Zamora

“En muchas ocasiones se escucha a un estudiante de diseño hablar de su futuro, sus metas y ambiciones; son personas de grandes expectativas y con mucho potencial frente a ellos, pero existe un problema a la hora de presentar un proyecto que requiere ilustración. Lo mas común es escuchar la frase “es que yo no sé dibujar” o también se le oye decir “yo no soy ilustrador”; por lo que uno se pregunta ¿cómo es que saben diagramar, utilizar tipografía, paletas de colores, incluso desarrollar todo un libro de marca y decir que no saben ilustrar?”

A continuación una pequeña reflección a la hora de realizar un trabajo referente

a diseño.

El mayor problema que existe es que dicen no tener las habilidades en el dibujo, pero lo que no saben es que el dibujo es apenas un apoyo que tienen algunos para poder facilitarse el proceso de ilustrar. Dibujar no lo es todo a la hora de ilustrar; una simple mancha de acuarela o tinta basta para poder generar una imagen o idea para que nuestra creatividad (herramienta que todos los diseñadores desarrollan y perfeccionan a lo largo de su carrera) pueda encontrar

soluciones gráficas para el mismo. También se puede ilustrar con fotografía, interviniéndola manualmente o por medio de programas de computadora para generar una perspectiva diferente y añadirle aspectos como colores, contrastes y siluetas. El collage es un arte muy fácil y poco complejo que se basa en recortar ya sea imágenes, o pequeños trozos de papel rasgado o recortado para crear una composición llamativa y atrevida; eso sí, un diseñador debe

Por: Sergio Zamora

“En muchas ocasiones se escucha a un estudiante de diseño hablar de su futuro, sus metas y ambiciones; son personas de grandes expectativas y con mucho potencial frente a ellos, pero existe un problema a la hora de presentar un proyecto que requiere ilustración. Lo mas común es escuchar la frase “es que yo no sé dibujar” o también se le oye decir “yo no soy ilustrador”; por lo que uno se pregunta ¿cómo es que saben diagramar, utilizar tipografía, paletas de colores, incluso desarrollar todo un libro de marca y decir que no saben ilustrar?”

A continuación una pequeña reflección a la hora de realizar un trabajo referente

a diseño.

saber cómo hacer una composición favorable para su diseño (qué colores utilizar, qué tipo de imágenes, ¿lo intervengo con algo mas que solo recortes?). Si lo manual no es tanto de su agrado, siempre es posible ilustrar con una computadora; con el buen uso de vectores en Ilustrator es posible crear una ilustración e imagen gráfica muy estilizada y nítida además de fácil de corregir, sin mencionar la posibilidad de

poder ilustrar utilizando solo tipografía. La forma más compleja es por medio del programa de Photoshop que brinda un gran variedad de maneras en las cuales se puede comenzar desde cero, o editando trabajos hechos a mano y fotografías.

Estas son las maneras más comunes que se aprenden a lo largo de la carrera para poder hacer nuestra propia ilustración; si esto no es lo que estamos buscando,

también se puede investigar acerca de diferentes artistas que se desempeñan en el campo para poder tener una referencia de cómo lo lograron y cómo podemos nosotros lograrlo y perfeccionarnos; siempre existirán tutoriales o ejemplos en bibliotecas, internet, la televisión e inclusive en persona, para ayudar.

La computadora ha remplazado a muchos utencilios de trabajo y hecho obsoletas muchas técnicas manuales, pero siempre

hace falta cierto “tacto” para que sea un trabajo más personal.

Lo más importante siempre va a ser la retroalimentación y qué tanto queremos superarnos a nosotros mismos como diseñadores; sin importar qué se nos ponga en frente, lo mejor es solucionarlo y en el proceso aprender cada vez más y pulir nuestras habilidades, recordar que “la práctica hace al maestro” nadie nace aprendido en este mundo. Así que como diseñadores reconsideren la próxima vez que digan “yo no sé ilustrar”.

Para poder ejemplificar mejor este punto de vista, podemos observar cómo en el 2012 dos estudiantes fueron capaces de utilizar a su favor el método de la ilustración para trabajar en sus respectivos Proyectos de Graduación y obtener resultados muy favorables, con gráficas excelentes y muy acorde con el tema seleccionado.

Primero cabe mencionar el Proyecto de Ximena Esquivel con el tema de “Súper Héroes Ambientales”, retomando un tema muy delicado e importante como lo es la protección del medio ambiente. En este Proyecto menciona la inspiración por Nelson Mandela:

“LA EDUCACIÓN ES EL ARMA MÁS PODEROSA QUE PUEDES USAR PARA CAMBIAR EL MUNDO”, y después con sus propias palabras menciona: “Sin embargo, si bien el pueblo de Costa Rica carece de motivación, educación y actitudes propias de líderes ambientales, hay esfuerzos realizados que ubican a nuestro país como uno de los primeros países latinoamericanos en reconocer la importancia de la protección de los recursos naturales.

A raíz de esto, surge mi interés en marcar la diferencia, de acuerdo con mis posibilidades, motivando una relación saludable y armoniosa entre los niños y el planeta Tierra.

El proyecto emerge de una lluvia de ideas que me motivan a investigar acerca de programas de educación ambiental en Costa Rica y al darme cuenta de la existencia del Programa Súper Héroes Ambientales, vi la oportunidad de retribuir, mediante mis conocimientos, un aporte a la sociedad y al medio ambiente.

El interés hacia el proyecto aumenta al presentarse la oportunidad de desarrollar libros de actividades para los niños que integran el programa; material gráfico que nunca había tenido la oportunidad de desarrollar. Esto en conjunto con otros aspectos, me brindan la motivación necesaria para dirigir mi esfuerzo y conocimiento a concluir el proyecto de manera exitosa pues creo fielmente que es hora de detener el deterioro ambiental y educar y concientizar a los ciudadanos.Con todo este trasfondo logra plantar la idea y generar piezas graficas e ilustradas muy exquisitas.”

A partir de una investigación previa y una fuerte motivación por la protección del planeta Tierra, Ximena logra desarrollar un proyecto amplio con una utilización muy precisa de calidad gráfica e ilustrada, utilizando colores muy vivos y una ilustración infantil y sencilla la cual contribuye mucho con su público meta y con la intención de crear libros de educación con estos Súper Héroes Ambientales.

Hay que ganárse al público con detalle o con sencillez

“Como podemos ver, la ilustración nos brinda un exquisito deleite visual que logra captar nuestra atención en seguida, mientras es respaldada por un gráfica justificada y propiamente hecha por la capacidad de todo un diseñador o diseñadora.”

En este mismo año y para proyecto de graduación, el estudiante Yohan Solano Pereira nos relata cómo inspirado un día de 1986 por una bandada de pericos, tomó sus lápices y comenzó su gran desempeño en el campo de la ilustración y pasión ,no solo por las aves, sino por la naturaleza en general; explica y detalla Yohan, de una manera muy poética, de cómo todos estos acontecimientos lo llevaron a elegir un material para su Proyecto de Graduación: “Autocapacitación Avistamiento de Aves en Costa Rica”

Su proyecto, refleja muy claramente la pasión por la ilustración, además de una calidad de detalle y precisión muy alta

que plasma en sus piezas. Dado que el avistamiento de aves es un trabajo o pasatiempo de observación y ubicación, debe no solo utilizar una ilustración del tipo científico sino también la creación de íconos reconocibles para una rápida comprensión; todo esto contando con una gráfica informativa y de carácter llamativo.

En todo su trabajo logra desarrollar gran cantidad de piezas ilustradas de aves costarricenses de fácil reconocimiento y diferenciación, con su respectiva ficha informativa detallada con características como: plumaje, pico, patas, hábitats, colores, tamaños, etc. Todos queremos graduar-

nos, e ilustrar es una muy buena ocpión.

PUNTOS SOBRELAS ÍESEntrevista Luis Fernando Quirós a Rodolfo Fernándes Álvares

Sin duda la tecnología cambió nuestras vidas, y al entrar en el nuevo milenio

vivenciamos un punto de quiebre que marcó la evolución de nuestras profesiones. Muchos de los colegas se quedaron intrincados en el uso o no de la máquina, sin saber qué hacer o cómo dar nuevos pasos; otros, nadando contra corriente, persisten, asumiendo una profunda reinvención de lo que hacían antes, ahora del lado de la tecnología. Pero la gravedad de la crisis que afecta al planeta entero socavó aún más la zona laboral del diseñador, y una de las disciplinas, el diseño gráfico, vio agrietado aún más el terreno de desempeño debido a la competencia no solo de los propios diseñadores gráficos formados en las universidades sino de profesiones afines como la arquitectura, el diseño de productos, de espacio interior, de arte, fotografía, además de otros diletantes que entran a ofrecer sus servicios sin conocer los rigores del diseño básico que nos formó, y sin conocer siquiera la disciplina tipográfica, fundamental para comunicar correctamente los mensajes. Si bien

dichos profesionales poseen destrezas y habilidades en el manejo tecnológico, no son capaces de dar contenido a sus diseños, menos conceptualizar, teorizar, sentido a la acción proyectual que realizan pero muy a tientas.Rodolfo Fernández Álvarez es un colega con nutrida experiencia en el diseño de marcas, “branding”, ilustración, cartelismo, educación y otras sendas de actuación profesional propias del diseñador. Se inició en América del Sur, en Uruguay y Paraguay pero en los últimos años se ubica en España con su empresa “Signica” (www.xignica.com). Hemos leído importantes ensayos y textos de su autoría así como conferencias suyas; es reciente la publicación de una campaña en Facebook y otros espacios de internet para concientizar sobre el valor económico del diseño gráfico como disciplina conocedora de los ámbitos del mercado y cómo llega una nueva marca a posicionarse en esa deriva que nadie sabe hacia dónde va, pero que todos vamos en ella, y hay que saber cómo salir a flote.

LFQ: Quisiera preguntarte cuál es el epicentro de la remezón que afecta a la profesión, y poner los puntos sobre las íes acerca de esa realidad. ¿Qué está pasando en el diseño gráfico y tipográfico?Rodolfo Fernández Álvarez: El término “diseño gráfico” se ha vulgarizado, de nada han valido años de difusión que en general no ha llegado al público: la gente, los clientes en su mayoría han creído que el hecho de contratar a un diseñador podría ser una necesidad de estar en sintonía al ver que otros lo hacían.

LFQ: ¿A qué te refieres con una visión cortoplacista en los nuevos diseñadores gráficos?RFA: Sito un texto que se escribió en el informe Estudio del Impacto Económico del Diseño 2005 por DDI Sociedad Estatal del Diseño Español (hoy desaparecida): En las economías avanzadas, el diseño es un valor en alza, un factor ineludible para que las empresas crezcan y sus productos y servicios sintonicen con las demandas y las expectativas de sus clientes.La estrecha correlación entre el nivel de competitividad y el grado de desarrollo del diseño se hace más que evidente en países de nuestro entorno (Alemania, Gran Bretaña, Noruega, Suecia) y en otros tan lejanos como dinámicos (Australia, Corea, Japón). Más allá de sus evidentes implicaciones económicas, el diseño

es también un factor de mejora para el conjunto de la sociedad, que contribuye a elevar el progreso, la calidad de vida y el bienestar de las personas, y todo ello de manera sostenible.

LFQ: ¿Incumbe esa remezón a la educación del diseñador?RFA: Esta divulgación masiva de la “herramienta” como fin y no como medio influye en la posición y apreciación que todo es opinable, que todo es color y gusto, que todo es una apreciación artística y de valor relativo, opinable por cualquiera, muy poco prestigiosa como profesión, no creíble y desvirtuada por otras. Como en otras profesiones se mira de reojo tal o cual carrera al final el paso por las universidades determina su respetabilidad pública.

LFQ: ¿Qué centra la tecnología en este discurso? ¿Dónde cortocircuita la problemática ocupacional?RFA: Esta práctica masiva del uso de programas de diseño por un lado amplia el conocimiento, lo democratiza, pero por otro lado hace accesibles las herramientas “on line” a cualquier persona que no necesariamente viva de ello o haya invertido años de experimentación o estudio. Los nuevos diseñadores entienden que la única posibilidad de aumentar sus portafolios es trabajando gratis, pero quizás el error sea que no lo hacen para la gente cooperando con

instituciones sin fines lucrativos ONGs, hace un tiempo que creo debería existir diseñadores sin fronteras aunque es un hecho que vivimos en una aldea global y no necesitamos salir de nuestros estudios para hacer diseño responsable colaborando con muchas cosas que deberían ser diseñadas o rediseñadas.

LFQ: ¿Cómo ejemplificar el asunto que está detrás?RFA: No hace mucho mi amigo Yves Zimermann componente del grupo de normas ISO lanzó al mundo la convocatoria para encontrar un pictograma que resolviera “Empujar” para las puertas de emergencia, este pictograma sería universalizado e utilizado en todos los sistemas de señalética normalizada. Este es un ejemplo de lo que puede hacer un diseñador gráfico al manejar el lenguaje visual. Desde un cartel para apoyar un proyecto social en Somalia hasta un sistema tipográfico braile para dar accesibilidad a museos.(http://foroalfa.org/articulos/diseno-complice-o-diseno-etico)

“No debemos olvidar que en principio el diseño gráfico pertenecía al ámbito publicitario y fueron los diseñadores que se especializaron allí dónde la publicidad no prestaba el interés. Luego academias y la universidad hicieron el resto.”

LFQ: ¿Adviertes como imprescindible revisar el curriculum y planes de estudio para adecuarlos a la actuación profesional?

RFA: Muchos dirán que las tecnologías presentes y las futuras necesitan de la competencia de un diseñador gráfico pero yo digo que no solo será un requisito, a esto hoy en día las empresas que buscan candidatos no les interesa en particular les interesan los lenguajes y habilidades en programación, internet, plataformas. Es decir cual metamorfosis muchos programadores suman habilidades y por supuesto el mero hecho de ser operadores de programas gráficos “on line” habilidosos no es suficiente porque se destacan otras cosas. Y en cambio a la inversa Diseñadores Gráficos “off line” deben estudiar programación… se ha traspolado una profesión con otra ni que decir que los fotógrafos hoy en día deben diseñar y los diseñadores hacer fotografía, es curioso la divulgación de herramientas (de bajo coste) condiciona habilidades.Las carreras universitarias no están a la altura se van a dos tiempos distintos, el alumno que se recibe debe empezar desde cero aunque con un bagaje de experiencias y conocimientos generalistas no está preparado si no es por él para enfrentar el mundo laboral distinto hoy en día, si tiene suerte y consigue trabajo, sino se suma a la larga lista de “freelance” que salen en búsqueda de trabajos de “diseño gráfico”.

LFQ: ¿En qué se innova en términos del diseño tipográfico? ¿Cómo y cuándo se innova? ¿Qué valor encuentras en el estudio tipográfico para marcar la diferencia respecto a los diletantes que se ocupan del campo de trabajo del diseñador?

RFA: La tipografía quizás sea la disciplina que en los últimos años se ha desarrollado más, y es importante porque no seríamos diseñadores si no fuera que esta es nuestra semilla original y toda adicción a ella resulta sana y culta. Las mejores escuelas de diseño han inculcado el valor de la tipografía como disciplina troncal del diseño gráfico.Innovar siempre es posible toda vez que justifique el lugar dónde se aplique, hoy es necesario diseñar más tipografías para dispositivos.Aunque parezca casi imposible inventar cosas en tipografía es un campo muy grande y ha sido y será muy recorrido debe existir mucho amor “gestáltico” a las formas y contra formas, leer, caligrafíar mucho, porque la caligrafía es el “abc” de la tipografía siempre. En la universidad por lo menos en Latinoamérica que sepa no se dicta esta materia, cerca de aquí en Londres Central St Martín inculca y enseña la caligrafía desde el inicio al fin de la carrera, como decía es condición sine qua non, para ser un diseñador gráfico debes dibujar letras y entenderlas.

LFQ: Los estudiantes actuales opinan que para qué aprender a trazar letras si en la computadora hay un verdadero arsenal de fuentes tipográficas que pueden utilizarlas y/o bajar gratis. ¿No te parece que esa “gratitud” es una piedra en el camino con que muchos tropiezan una y otra vez y que les impide probar la verdadera gracia de diseñar?

RFA: En esto debemos acotar que también la infinidad de recursos y las tipografías gratuitas también contribuyen a perjudicar, no selectivamente un mercado emergente que aún no tiene el estado de reconocimiento público como para ser entendido profesionalmente. El diseño tipográfico es un oficio muy complejo y aunque todos tengamos las herramientas para hacerlo más fácil ello no significa que tengan calidad por el mero hecho instrumental de fabricarlas, son muchas horas, meses y años desarrollar esta disciplina si se quiere ser bueno en esto.

LFQ: ¿Qué parámetros determinan un buen diseño tipográfico?

RFA: Doy mi opinión personal: el balance de “color” tipográficamente hablando, que cada glifo sea parte de un todo “hay una armonía similar a la música”, en la construcción de un párrafo, si todas las letras conjugan bien sus tonos se disfruta con el ojo. Por supuesto que se contribuye a ello trabajando mucho

abc... “La caligrafía, es el abc de la tipografía siempre”

para que al reunir esas letras en un bloque, un artículo, etc. que puedan leerse fácilmente, ergonomía visual o lectografía. Las grandes tipografías no destacan en los textos por sus detalles caprichosos son componentes de un todo “suenan” como una sinfonía.

LFQ: Hoy en día, cuando uno pide a un nuevo estudiante de diseño que seleccione una fuente apropiada, estética, selecciona todas aquellas fuentes “fantasía” y crea una ensalada de colochos, ligaduras, florituras ilegibles y repugnantes. ¿Qué hacer ante esa realidad cuando tampoco atienden los consejos del docente porque creen que lo que hacen es lo máximo en materia de innovación? ¿Cuál es tu apreciación del fenómeno educativo actual?

RFA: Esto no es un tema de la didáctica, despreocúpate, es un problema de entorno, cultura visual o cultura popular. Porque si en la calle la gente ve florituras y colorines, entiende que es eso lo normal y habitual. Es decir, así como el gusto se educa en la música, las artes, la literatura, la expresión popular tiende a “folclorizar” el sentido estético. Es irremediable, puedes formar pero no modificar gustos ancestralmente instalados, aunque no sean propios son adaptados y aceptados como válidos, por reminiscencia a lo ornamental, lo que agregas y retuerces “parece” ser estéticamente correcto. La cultura tipográfica tiene sus orígenes en la caligrafía y allí es dónde y como puedes entender en que sitio y estilo sea el adecuado. Si se enseña “todo” el alumno discernirá en que sitio posicionarse. La batalla por el gusto está perdida sin cultura.

LFQ: ¿Qué estrategias implementar para marcar la diferencia delante de tanto diletante que pululan en el campo de trabajo del diseñador gráfico?

RFA: ¿Cambiar el nombre profesional? podría ser la respuesta, pero quizás los italianos ya lo hagan con dos palabras: Comunicazione visiva ( la representación icónica de la realidad ) el eikon, (griego) la imagen. Quiere decir que un diseñador visual es un comunicador y no se vale de la imagen, sino que crea imágenes de comunicación para un cometido específico, con contenidos conceptuales sólidos y efectivos.Es una delgada línea entre los que usan las imágenes (pantallas, on line) y los que crean imágenes gráficas para comunicar. Para los alemanes Gestaltung La Hochschule für Gestaltung HfG, (Escuela Superior de Proyectación o Escuela de Ulm) “El diseño es un proyecto” lo afirma Otl Aicher en su libro: El mundo como proyecto, llevar la idea desde un esquema de pensamiento a la realidad, construir realidad y esto hoy las empresas de vanguardia, las que para ellas el diseño ha significado el aumento de los valores de sus acciones le llaman Design thinking mientras por un lado el diseño pierde seriedad “a ojos de la gente” al vulgarizarse y ser un hecho banal, por otro lado es una nueva disciplina para buscar soluciones en los negocios utilizando métodos y procesos, analizando, posicionando alternativas no lineales con la lógica usual, entendiendo desde “el otro hemisferio” la solución y viabilidad de las ideas esto ha migrado de nuestros procedimientos como diseñadores.

LFQ: Hemos tocado puntos importantes en la actuación profesional y la formación del futuro diseñador, cuando nos toca hacer algo a nosotros pues más adelante no tenemos competencia. La herida del empleo sangra, duele, pero tampoco solos podemos hacer algo por remediar la crisis. Necesitamos de todos. En tres líneas, ¿Cuál sería tu conclusión a este acercamiento a tu pensamiento de diseñador que reciente estos aspectos coyunturales?RFA: Sería importante entender que el diseño ya no puede permanecer como varias especialidades, diseño gráfico, arquitectónico, industrial, interiorismo, moda… El diseño es uno solo y que HACER u OPERAR imágenes, tipografías, libros, logotipos, invitaciones de cumpleaños, páginas web, etc, no debería ser “CREAR” porque para ello se necesita talento, mucho trabajo, investigación, experiencia y formación. Hay otros terrenos más específicos como la información y las interfaces haciendo comprender mediante signos y gráficos los procesos funcionales ¿Que diferencia tiene un curandero con un médico? pues eso “ser operador de diseño gráfico” o “creador en comunicación visual”.

EL DOMINGO 3 DE FEBRERO se celebró la esperada XLVII edición del Super Bowl, el día más importante para la publicidad en Estados Unidos. El juego, el espectáculo de medio tiempo y los estrenos publicitarios de las grandes marcas, hacen de este show el evento más esperado del año. Con una audiencia media de 111 millones de espectadores, el Super Bowl XLV disputado en 2011, se convirtió en el programa más visto en la historia de la televisión estadounidense. El juego celebrado este año recibió una cifra cercana a los 109 millones de espectadores y una participación masiva en redes sociales como twitter, generando más de 24 millones de ‘tuits’ que hacían mención del evento.

Como resultado, al ser uno de los pocos eventos anuales que alcanza una

audiencia tan amplia, muchos de los comerciales de televisión de alto perfil se emiten durante el juego, a menudo procedentes de las grandes marcas (como Budweiser, que es reconocida por emitir spots durante el Super Bowl, con notables campañas como el Whassup? y los Clydesdales), y las marcas más pequeñas o menos conocidas que están en busca de la exposición que se puede obtener a través de la publicidad durante el evento. Sin embargo, esta cantidad de audiencia también ha provocado el aumento vigoroso del precio para pautar los comerciales: en el Super Bowl XLVII (2013), el coste medio de un anuncio de 30 segundos era de alrededor de 4 millones de dólares.

Los anuncios transmitidos durante el Super Bowl se han convertido en un fenómeno cultural; muchos

espectadores sólo ven el juego para ver los comerciales, mientras que las encuestas nacionales (USA Today Super Bowl Ad Meter) determinan cuál fuel el comercial que obtuvo la mejor respuesta por parte de los espectadores.

Curiosamente, el Super Bowl no siempre fue un gran evento para la publicidad. La mayoría de los expertos apuntan el inicio del fenómeno al año 1984, cuando Apple publicó un comercial llamado “1984” para presentar el Macintosh. El spot, inspirado por la obra de George Orwell “1984”, fue un comercial espectacular de gran presupuesto para la época, que hasta el día de hoy ha generado una gran cantidad de comentarios.

Se ha producido un cambio reciente en el propósito de los comerciales pautados

EL DOMINGO 3 DE FEBRERO se celebró la esperada XLVII edición del Super Bowl, el día más importante para la publicidad en Estados Unidos. El juego, el espectáculo de medio tiempo y los estrenos publicitarios de las grandes marcas, hacen de este show el evento más esperado del año. Con una audiencia media de 111 millones de espectadores, el Super Bowl XLV disputado en 2011, se convirtió en el programa más visto en la historia de la televisión estadounidense. El juego celebrado este año recibió una cifra cercana a los 109 millones de espectadores y una participación masiva en redes sociales como twitter, generando más de 24 millones de ‘tuits’ que hacían mención del evento.

Como resultado, al ser uno de los pocos eventos anuales que alcanza una

audiencia tan amplia, muchos de los comerciales de televisión de alto perfil se emiten durante el juego, a menudo procedentes de las grandes marcas (como Budweiser, que es reconocida por emitir spots durante el Super Bowl, con notables campañas como el Whassup? y los Clydesdales), y las marcas más pequeñas o menos conocidas que están en busca de la exposición que se puede obtener a través de la publicidad durante el evento. Sin embargo, esta cantidad de audiencia también ha provocado el aumento vigoroso del precio para pautar los comerciales: en el Super Bowl XLVII (2013), el coste medio de un anuncio de 30 segundos era de alrededor de 4 millones de dólares.

Los anuncios transmitidos durante el Super Bowl se han convertido en un fenómeno cultural; muchos

espectadores sólo ven el juego para ver los comerciales, mientras que las encuestas nacionales (USA Today Super Bowl Ad Meter) determinan cuál fuel el comercial que obtuvo la mejor respuesta por parte de los espectadores.

Curiosamente, el Super Bowl no siempre fue un gran evento para la publicidad. La mayoría de los expertos apuntan el inicio del fenómeno al año 1984, cuando Apple publicó un comercial llamado “1984” para presentar el Macintosh. El spot, inspirado por la obra de George Orwell “1984”, fue un comercial espectacular de gran presupuesto para la época, que hasta el día de hoy ha generado una gran cantidad de comentarios.

Se ha producido un cambio reciente en el propósito de los comerciales pautados

durante el Super Bowl. Hace años, un comercial a menudo era la culminación de una campaña. Ahora, un spot en el Super Bowl es generalmente la apertura de una elaborada campaña que se extiende en línea, en las tiendas y en otros medios de comunicación. El objetivo es que el comercial transmitido en el evento estimule acción en el espectador, que hable, comparta y viva la marca; estas acciones se ven complementadas por los otros elementos de la campaña.

NO EXISTE FÓRMULA MÁGICA para crear un comercial estupendo para el Super Bowl, pero hay directrices para apelar a la mayor audiencia posible. Incluyen animales, celebridades, bebés lindos, música popular, efectos especiales, sex appeal y los finales sorpresivos, pero el ingrediente más importante es la creatividad.

Este año el desfile de comerciales se hizo presente durante el evento, cargado de emociones de diferentes naturalezas, todos con un mismo objetivo: impactar. Algunos lograron su cometido, otros serán olvidados en el intento.

EL GANADOR Y CON MUY POCA DIFERENCIA, FUE BUDWEISER. El comercial mostraba la historia de un hombre quien cría un caballo Clydesdale para la compañía, lo que significa que tiene que dejarlo ir; tres años más tarde en un desfile en la ciudad, el hombre y el caballo se reúnen en un emotivo abrazo. El spot es de fuerte contenido nostálgico y cautivó a miles de panelistas. El detergente de Procter & Gamble Tide, logró un estrecho segundo lugar, por delante de muchas marcas que por lo general pautan durante el Super Bowl, con un humor suave. El anuncio presenta una mancha de salsa con la forma de la cara de Joe Montana que milagrosamente aparece en la camiseta de un fan de los 49ers de San Francisco. La milagrosa mancha provoca un alboroto en los medios de comunicación y se convierte en una reliquia de culto hasta que la esposa del fanático - que resultaba ser fan de los Ravens de Baltimore - lava la mancha con Tide.

El comercial de dos minutos de Chrysler para camionetas RAM se ubicó en tercer lugar, el cual consistía en un tributo para el agricultor norteamericano, con imágenes fotográficas de los agricultores y de su trabajo. Para narrativa del anuncio, el fabricante de autos utilizó un comentario de locutor de radio Paul Harvey, quien murió en 2009. Él alababa las virtudes de los agricultores, cuyo arduo trabajo, dice, los pone más cerca de Dios de lo que cualquiera puede estar.

DORITOS, por su parte, terminó en cuarto lugar con un anuncio sobre un padre cuya hija lo convence de vestirse como una princesa por una bolsa de Doritos. Por octavo año consecutivo, Doritos consultó a sus consumidores para crear y seleccionar por medio de votaciones los comerciales que pautaría durante el Super Bowl. La marca se ha

Por primera vez, el panel de votación del USA Today Ad Meter fue abierto a cualquiera que quisiera registrarse. Más de 7.000 personas registradas votaron con puntuaciones del 1 al 10 los comerciales durante el Super Bowl.

AD 1 53 72 64

M

involucrado de lleno con los medios sociales por internet.

Finalmente, el segundo anuncio de dos minutos de Chrysler, esta vez para Jeep, el quinto lugar del Ad Meter, fue un conmovedor saludo a los militares sirviendo lejos de casa. Con esto, Chrysler probó un par de cosas de la noche del Super Bowl que cada anunciante debería tener en cuenta: el patriotismo sigue vendiendo, así como las historias bien relatadas, incluso en una época como la nuestra donde la instantaneidad es característica.

Contrastando lo anterior, la instantaneidad de nuestros tiempos no es un factor negativo; todo lo contrario, cuanto más reciente es un mensaje, más relevante es. Y esto lo demostró Oreo. Con el comentado apagón durante el partido, la marca tuiteó una imagen en la que se leía “Puedes mojar galletas en la oscuridad”. Con una audiencia

masiva pendiente del acontecimiento, la imagen fue inmediatamente compartida por millones de usuarios alrededor del mundo, convirtiendo la pieza publicitaria en uno de los comerciales más compartidos en tan poco tiempo en la historia. Lo que da paso a un interesante cuestionamiento: ¿es posible que un tuit (gratis) sea más poderoso que todos los millones de dólares gastados en comerciales de televisión?

98 10

El grafiti es considerado como un “género de comunicación” y un lenguaje; sin embargo, su evolución ha creado diversidad de expresiones dentro de su género. Dentro de su lenguaje podemos encontrar el verbal, el icónico y el verbal-icónico.

El grafiti verbal está creado por letras, dichos, o palabras, los cuales no están acompañados de otros elementos. El icónico, por el contrario, esá compuesto por señales, símbolos y dibujos en general; por último el grafiti verbal icónico es una mezcla de los dos anteriores.

Uno de los artistas más conocidos en la actualidad, que comenzó dibujando en sitios públicos , primero pegando posters

y luego pintando directamente en muros y paredes de los metros de New York, fue Keith Haring.

Haring dedicó su carrera a mostrar un arte público, cargado de mensajes sociales. Tocó temas de la posmodernidad y trabajó con íconos de la época como Madonna y Andy Warhol. Haring trató de que la gente tuviera acceso a su obra, a un costo mínimo.

Este artista es un excelente referente para comparar cómo un medio de expresión que inicialmente surge como una expresión callejera, llega a convertirse en arte y reflejo social.

¿Cómo ha evolucionado el grafiti en Costa Rica?

El grafiti en Costa Rica es relativamente nuevo ya que tiene aproximadamente de doce a diez años de haberse dado a conocer.

Esto lo afirma André Paredes , “ En Costa Rica la historia del grafiti es relativamente joven, de aproximadamente diez años de existencia, aunque han aparecido muestras de grafiti desde un tiempo más largo.”

¿QUÉ ES EL GRAFFITI?

(Proyecto de graduación, Hotel Gráfica, 2010, p.42).

El grafitero de Costa Rica proviene generalmente de zonas populares, pero se dice que su origen se encuentra en las cárceles de nuestro país. Su cotidianidad comienza haciendo un análisis fenoménico, el cual parte de las relaciones sociales entre los diferentes habitantes que conforman el mismo barrio o cárcel.

Cuando los grafiteros deciden ir en busca de otros espacios, queriendo hacerse escuchar, sus obras se van expandiendo por diferentes partes de la ciudad, buscando un reconocimiento en la sociedad; esto lo consiguen encontrando espacios vacíos, en donde pueden plasmar su voz y firma y de esta forma van siendo identificados y escuchados sobre todo en lugares con mucha circulación.

Un grafiti no es comunicarse directamente con el resto de la sociedad. El grafiti posee una manera inherente en sentido de protesta en contra del control gubernamental y corporativo del espacio urbano, que mediante la comunicación visual ataca y critica manteniéndose como una misteriosa resistencia ante el conformismo. Lo cierto es que del grafiti han surgido

grandes artistas y son muchos los que se dedican profesionalmente a ello.

El grafiti es un medio de comunicación que emplean los jóvenes para comunicar lo que sienten, sus sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideologías. Esto puede ser tomado como arte para muchos y como vandalismo para otros. En muchas ocasiones el grafiti se presta para ser la fachada de tiendas, bares, restaurantes, convirtiéndose en obras artísticas.

Este arte tiene una gran riqueza de expresión, por lo cual si imagináramos la ciudad de Costa Rica, llena de grafiti, rompería con los paradigmas actuales, y se daría oportunidad tanto a gente reconocida como a artistas callejeros, para que expresen ese sentir mediante una nueva forma de arte.

Por: Maricel Campos y Luis Martínez

"Una ciudad tan rica en iconografía, brinda gran información visual para generar un trabajo gráfico, y para un artista grafitero referirse a elementos significativos para crear un mensaje, aporta la riqueza necesaria para que la obra tenga el atractivo que lo vuelve un arte y aporta cultura visual interesante y una capacidad comunicativa que muestra lo que piensa otro tipo de sociedad, la cual tiene toda la capacidad creativa de aportar a la ciudad un reflejo de la sociedad."

Andrés Sagot: ¨Todo es tener esa idea mágica¨

¨Desde pequeño me llamó la atención el dibujo; a los 5 años ya hacía mis garabatos en hojas de papel. En las madrugadas, cuando me levantaba con la excusa “no puedo dormir”. La respuesta era “tome, hágale un dibujo a mamá”. desde ahí nació ese hobby que se volvió parte esencial de mi vida. luego mi mamá me compró crayolas, pilots, plastilina y ahí fue fomentando ese arte hasta el punto de tener que pedirle el menudo para comprar mis latas de spray para un fin de semana¨.

CON UNA CIUDAD TAN RICA EN ICONOGRAFÍA

Así describe Andrés Sagot su experiencia inicial con el arte del Grafiti. Este joven estudiante de licenciatura en Diseño Publicitario, describe esta disciplina como algo que ha formado parte de su vida desde siempre. La creación lo transporta a un punto de euforia y adrenalina, y lo emociona saber que su obra será vista por millones de personas.

Su proceso de inspiración se basa en tener esa idea mágica que llega solamente con dibujar. Otras veces, las ideas se trabajan más, buscando un cuerpo más sólido que permita su realización; luego se realiza un boceto y se busca el lugar idóneo para producir la obra. Una vez encontrada la pared adecuada, dependiendo del diseño que se va a hacer, se utiliza pintura de fondo que se cubre con un rodillo o brocha, luego se procede a hacer líneas claves para rellenar y por último se detalla.

Andrés considera que el grafiti es un medio de crítica social, pero en lo personal, prefiere hacerse entender por su voz; aún así respeta a las personas que utilizan el grafiti para demandar alguna queja, abuso o problemas sociales de injusticia, pobreza y demás.

En muchas ocasiones, las personas interpretan de distinta forma una obra realizada; por ejemplo, un grafiti de una explosión que Andrés realizó al inicio de su carrera, fue cuestionadó por la sociedad ya que para algunos hacía alusión al fin del mundo, una guerra o un atentado terrorista, pero el concepto que él expresó en esa obra simplemente fue una imagen que le quedó grabada de un sueño que tuvo.

¨Como diría un conocido ”la caridad comienza en casa” eso deberían los padres o quien esté a cargo: fomentar el respeto hacia lo que no es de uno.. Pero la vida no es así y a todo mundo le importa un carajo lo que pase¨. Así compartió Andrés su opinión acerca de las personas que utilizan el arte del grafiti para hacer actos de vandalismo. ¨Considero que son un cáncer que sigue enfermando a la sociedad así como los ladrones (chapulines o políticos) que les encanta destruir una Costa Rica bella.¨ expresó.

Andrés considera que la sociedad costarricense ha aceptado más el grafiti como parte del paisaje urbano, donde las municipalidades han fomentado un poco la buena práctica de éste como parte de un proyecto centroamericano llamado ¨De mi barrio a tu barrio¨, donde participaron varios artistas ticos y extranjeros.

El grafiti puede ser considerado como un medio de reflejo social, siempre y cuando fomente las buenas costumbres; el arte, que trabaje de la mano con la juventud, pero sobre todo ¨ que se deje de ver este arte como de vagos ovándalos que es lo menos que somos¨, concluyó.

Parte del Mural de Andrés Sagot

LA CARIDAD,COMIENZA EN CASA

Las tipografías han evolucionado de diseños prehistóricos hasta la actualidad que se utilizan bastante para el diseño, conforme ha avanzado el diseño han salido nuevos exponentes de las tipografías, los cuales rotulan sus propios estilos, y para poder utilizar esas tipografías que cada persona sube en ciertas páginas web.

abc abcABC ABC

“El diseño de las letras ha recibido influencia de una amplia variedad de elementos, entre ellos las herramientas y las manos humanas que las han empuñado, No obstante, uno de los factores más influyentes en los albores de la civilización fue la forma en que una cultura afectaba a otra: las letras fenicias influyeron en las griegas (la imagen); los romanos las tomaron prestadas de los etruscos y los escribas celtas crearon algunas de las primeras letras minúsculas”.

La tipografía no existe simplemente para ser

leída, sino también para ser vista. Además, la expresión del texto

puede alterarse con un simple cambio tipográfico.

“La tipografía debe ser comunicación clara en su forma más vívida. La claridad es la esencia de la impresión moderna”.

–László Moholy-Nagy

Consejos de Uso

Para diseño de páginas web, normalmente es mejor utilizar si es una computadora PC: la tipografía Verdana, y si es una Mac: una tipografía sans serif, que son mas legibles a la hora de abrir la página

Para diseño de editorial es mejor utilizar una tipografía legible y buscar fuentes que tengan variedad de posibilidades y buena legibilidad como bold, condensed, italic, light etc, es mejor no mezclar tipográficas en un artículo. Utilizar tamaños específicos para la lectura de una revista de 10 a 12 pts, para los libros de 12 pts y para los libros para niños(as) menores de 10 años de 14 pts.

1. Mostrar rápidamente cómo ir de A a B.

2. Inducir la lectura.

3. Divertir para anunciar.

4. Romper las ataduras tipográficas.

5. Introducir la letra gótica.

6. Facilitar a los niños la consulta de palabras.

7. Ser reconocible a primera vista.

8. Representar, recordar, funcionar.

9. Probar nuevos caminos tipográficos.

10. Acertar el tono.

11. A la hora de diseñar textos legibles, preguntarse: ¿quién lo leerá?,

¿cuáles son los medios tipográficos adecuados para ellos?, ¿cuál es la

forma adecuada de aplicar estos medios?.

12. Recordar que la letra sencilla no es la de mejor legibilidad, sino la

que resulta más inconfundible.

13. No distorsionen las letras; no las haga sufrir.

14. Realizar un correcto espaciado entre letras, sin manchas ni agujeros.

El espacio entre palabras debe ser claramente menor que el interlineado.

PAUTAS A SEGUIR!abcdefghijklmnopqrstuvwxyz

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ

La Tipografíiasu uso y aplicaciónes

Las tipografías han evolucionado de diseños prehistóricos hasta la actualidad que se utilizan bastante para el diseño, conforme ha avanzado el diseño han salido nuevos exponentes de las tipografías, los cuales rotulan sus propios estilos, y para poder utilizar esas tipografías que cada persona sube en ciertas páginas web.

abc abcABC ABC

“El diseño de las letras ha recibido influencia de una amplia variedad de elementos, entre ellos las herramientas y las manos humanas que las han empuñado, No obstante, uno de los factores más influyentes en los albores de la civilización fue la forma en que una cultura afectaba a otra: las letras fenicias influyeron en las griegas (la imagen); los romanos las tomaron prestadas de los etruscos y los escribas celtas crearon algunas de las primeras letras minúsculas”.

La tipografía no existe simplemente para ser

leída, sino también para ser vista. Además, la expresión del texto

puede alterarse con un simple cambio tipográfico.

“La tipografía debe ser comunicación clara en su forma más vívida. La claridad es la esencia de la impresión moderna”.

–László Moholy-Nagy

Consejos de Uso

Para diseño de páginas web, normalmente es mejor utilizar si es una computadora PC: la tipografía Verdana, y si es una Mac: una tipografía sans serif, que son mas legibles a la hora de abrir la página

Para diseño de editorial es mejor utilizar una tipografía legible y buscar fuentes que tengan variedad de posibilidades y buena legibilidad como bold, condensed, italic, light etc, es mejor no mezclar tipográficas en un artículo. Utilizar tamaños específicos para la lectura de una revista de 10 a 12 pts, para los libros de 12 pts y para los libros para niños(as) menores de 10 años de 14 pts.

1. Mostrar rápidamente cómo ir de A a B.

2. Inducir la lectura.

3. Divertir para anunciar.

4. Romper las ataduras tipográficas.

5. Introducir la letra gótica.

6. Facilitar a los niños la consulta de palabras.

7. Ser reconocible a primera vista.

8. Representar, recordar, funcionar.

9. Probar nuevos caminos tipográficos.

10. Acertar el tono.

11. A la hora de diseñar textos legibles, preguntarse: ¿quién lo leerá?,

¿cuáles son los medios tipográficos adecuados para ellos?, ¿cuál es la

forma adecuada de aplicar estos medios?.

12. Recordar que la letra sencilla no es la de mejor legibilidad, sino la

que resulta más inconfundible.

13. No distorsionen las letras; no las haga sufrir.

14. Realizar un correcto espaciado entre letras, sin manchas ni agujeros.

El espacio entre palabras debe ser claramente menor que el interlineado.

PAUTAS A SEGUIR!abcdefghijklmnopqrstuvwxyz

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ

La Tipografíiasu uso y aplicaciónes

En la actualidad, debido a la gigantesca ola tecnológica en la que vivimos consumidos diariamente, se dice que los medios de comunicación impresos han ido perdiendo alcance y utilidad, pero ¿es acaso que la sociedad esta del todo preparada para dejar atrás el papel y seguir adelante de la mano del Internet?

Ciento cincuenta años atrás la invención de la imprenta generaba revuelo. Entre polémica Johannes Gutenberg vino a revolucionar las comunicaciones y con ello dar impulso al nacimiento del periódico en 1609 , en un inicio destinado únicamente a difundir noticias del área de manera muy precaria, nunca con fines económicos. No fue sino hasta 1835 cuando el periódico Le Presse le dio mayor importancia a la publicidad y a partir de aquí se da un crecimiento acelerado del periódico como medio masivo convirtiéndose para 1881 en uno de los medios de comunicación contemporáneos mas importantes, cada vez mas accesible.

A partir del periódico se comienza a hacer mas frecuente la comercialización de la revista y el afiche, y de acá en adelante vinieron a surgir toda serie de formatos impresos utilizados tanto para divulgar información como para dar apoyo al comercio, así pues los dueños de negocios encontraron la forma perfecta para llegar a su audiencia y darles a conocer sus productos y servicios, de tal forma que este medio se convirtió en un impulsor importante de la actividad comercial.

Hoy en día los medios impresos siguen siendo una parte elemental en la comunicación y actividad comercial mundial pero hay muchos que aseguran que estos fueron una excelente manera de transmitir información durante el siglo pasado pero no lo son en el presente. Se dice que las generaciones actuales no encuentran nada atractivo en el papel pues están acostumbrados desde su época de escuela a la interactividad de la Web y a diario utilizan Internet como parte de toda sus actividades y ya no solo para enterarse de lo que sucede al otro lado del mundo.

Según se estima, en un plazo no demasiado largo los usuarios de medios escritos migraran por completo hacia los medios Web, y es que ya es posible evidenciar como han decrecido las audiencias de las principales casas editoriales del mundo, a tal punto que si en este momento analizamos las audiencias de los formatos on-line de algunos diarios, según los datos de Nielsen, estas llegan casi a triplicar el número de lectores registrados en formato papel. Irrefutablemente Internet crece a pasos de gigante y así lo hace su población la cual manifiesta grandes cambios en las costumbres de los lectores a nivel mundial.

Aspectos como las tendencias ecologistas, el ahorro de papel, la eliminación del uso de tintas contaminantes, el recorte de costos operativos y de logística, la interacción con contenidos, la inmediata actualización de los mismos, los recursos multimedia y una atención mas personalizada que muestra un mayor interés en el usuario son algunos de los innumerables beneficios que los lectores aprecian de los medios Web y que los periodistas, publicistas, diseñadores y demás comunicadores deberían de analizar a la hora de pautar, pensando en este como un medio que cada vez se aleja mas de ser una opción y se convierte en una imponente necesidad.

Periódicos como el New York Times han hecho publica su preocupación pues enfrentan problemas para mantener la publicación en papel y en la red sin registrar pérdidas económicas, ya que sus lectores han comprendido que pueden con mucha mas facilidad ingresar al sitio Web y obtener la misma información del diario impreso sin tener que pagar ni un centavo por el mismo.

Es por esta razón que muchos periódicos como el Financial Times han empezado a cobrar por su información a partir de un número de artículos leídos, aunque seria prematuro decir que esta es la mejor solución pues el panorama es incierto y aunque las publicaciones on-line son parte del futuro de la comunicación, encontrar la manera de hacerlas un negocio rentable es primordial.

Ahora, antes de pensar en cambiar por completo las campañas y publicaciones para adaptarlas a medios Web como el único medio del futuro, se debe tener claro que a pesar de la amenaza que representan los medios Web para el periódico y los demás medios impresos, las ediciones on-line no son mas que un derivado de la versión impresa, puramente informativa y mucho mas breve, por lo cual fácil de digerir.

Las ediciones de papel continúan estando orientadas al análisis, la opinión y a la profundización en los temas, por lo cual decir que una versión va a erradicar a la otra no tendría mucho sentido pues no son exactamente lo mismo. También entre los factores que hacen que los medios impresos sean imposibles de erradicar en nuestra actualidad es la situación socioeconómica en la que vivimos pues es ilusorio pensar que todas las personas del planeta tienen acceso a una computadora o algún otro aparato móvil con conexión a Internet, por lo menos no de este lado del mundo.

La realidad es que muchas personas no solo no tienen acceso a la Web sino que también desconocen como funciona, por lo cual se les haría prácticamente imposible informarse de lo que pasa en el mundo en caso de no tener acceso a algún medio impreso. El factor cultural también juega un papel importante que determina la necesidad de que existan los medios impresos pues para muchas personas el rechazo a los medios Web radica en el temor a lo desconocido y una forma de vida en la que los cambios no son bienvenidos, pues la lectura del medio escrito ha representado durante décadas un momento de ocio a la hora del café o los domingos por la tarde para muchas familias del mundo.

Pero entonces, ¿Estamos ante el fin de los medios impresos? No lo creo, pero juzgue usted. Ciertamente el mundo de las comunicaciones se esta transformando gracias al Internet pero esto no significa el periódico va a dejar de circular o las revistas se van a extinguir, por lo menos no en un periodo cercano, lo único que va a suceder es que dejaran de existir tal y como los conocemos. Los medios mas pequeños desaparecerán y los mas grandes se adaptaran a las exigencias del usuario, las tiradas se reducirán y se dará paso a una inversión Web complementaria. El reto mas grande será lograr que el mundo digital y el impreso sean compatibles y avancen de manera conjunta.

El cambio de panorama en las comunicaciones que ha traído la invención del Internet no tiene porque significar el fin de otros medios sino mas bien su reinvención. Esta es la oportunidad para fusionar lo digital y lo impreso y así lograr verdadero impacto y presencia en el mundo de la comunicación.

El diseño gráfico está en un proceso de cambio ético. Existe un desencanto por parte de la sociedad ante las soluciones basadas en el estilo y la búsqueda de la expresión personal. Las diferentes publicaciones han despertado el interés de diseñar para el bien, pero la disputa sobre el significado del término apenas comienza.

¿Es posible ser un buen diseñador malo o un mal diseñador bueno?

Podría parecer absurdo comparar ética con diseño gráfico/publicitario, ya que uno de ellos es simplemente un trabajo. Sin exagerar, es básico recordar que el diseño gráfico/publicitario es una actividad social por naturaleza propia que afecta a muchas personas, a la sociedad, lo que conlleva mucha responsabilidad, ya que se genera un efecto sobre cualquier persona que lo ve o lo maneja.

Si el objetivo es promocionar un producto o un servicio, el cliente esperara que el efecto sea profundo, para asegurar así la recordación del mismo y por ende la prolongación de su éxito. Sin embargo, este impacto puede ser positivo o negativo. Sea si este impacto agrade a las personas, o sea una pérdida y destrucción del entorno, debemos recordar que el contenido y la forma de nuestro trabajo tienen alguna repercusión. Y cada repercusión variará de acuerdo a las leyes de la publicidad que rigen en cada país.

“El éxito de nuestro trabajo suele incluirse a regañadientes como factor contribuyente para convertirlo en un diseño bueno, pero evaluar el diseño sin examinar la función produce un criticismo sin sentido”

Lucienne Roberts, diseñadora gráfica

He aquí cuando entra en juego nuestro criterio a la hora de evaluar trabajos de diseño; si éste es bueno, si está de acuerdo al estilo del diseñador, etc; todos esos factores que en ocasiones son los que guían a nuestro criterio son superficialidades que ya están infundidas en nuestro entorno, en nuestro ambiente de trabajo.

Debemos tomar en cuenta que si etiquetamos un trabajo como bueno, éste debe ser sometido a criterios más allá de lo objetivo, artístico y funcional, y plantearnos interrogantes donde lo bueno del diseño se vea plasmado en un contexto social más amplio.

El criterio propio, no basta para calificar un trabajo como bueno o malo.

"En el mundo del diseño gráfico, raramente se plantean dilemas éticos; sin embargo, el diseño gráfico forma parte del tejido de la sociedad presente, incluso desde tiempos antiguos; pequeñas decisiones de diseño afectan a otras personas y presentan algo sobre la forma en la que el diseñador orienta la vida."

Nos plantea algunas preguntas para así,dar inicio a este contexto social panorámico

LUCIENNE ROBERTS

Es eficaz el diseño en su uso de materiales y técnicas de producción y puede desecharse o reciclarse sin causar daño o significar un gran coste

Contribuye de manera visual al mundo en el que vivimos

Está el mensaje relacionado con el producto o servicio promocionado

Es el producto o servicio totalmente beneficioso, o podría ser dañino de alguna manera

El diseño es la respuesta a las necesidades resultantes de la industrialización y el desarrollo científico y tecnológico. Y aunque la abundancia y naturaleza de gran parte de las obras de diseño es un reflejo de las diferentes épocas, esto no significa que los diseñadores no cuenten, ya que este movimiento ha aumentado la libertad personal, que a su vez aumenta la responsabilidad personal. Es ahí en donde los diseñadores deben empezar a cuestionarse la dimensión ética de su trabajo.

Una entrevista aAnthony Grayling

En una entrevista realizada en el 2009 a Anthony Grayling, profesor de filosofía en el Birkbeck College de la University of London y miembro supernumerario del St. Anne’s College de Oxford, Inglaterra, se le preguntó acerca de aceptar encargos cuyos clientes comparten sus mismo valores. Él respondió: “Vivimos en una sociedad plural y, con raras excepciones, nos gusta que la gente exprese su punto de vista, incluso si mostramos nuestro desacuerdo. Ponemos a prueba nuestras opiniones para que exista un debate público, y de esto depende la salud de la sociedad… No sólo se quiere que las personas manifiesten su punto de vista, sino que lo hagan de la mejor manera posible. Así, es de justicia que la gente pueda recurrir a la publicidad, a los medios de comunicación o al diseño para exponer sus razones.Dicho esto, si se trata de un dilema ético muy grande para el diseñador, independientemente de las consecuencias, no tiene porque acceder a hacer aquello con lo que no está de acuerdo”.

La sociedad cuenta con numerosos puntos de vista, en donde los intereses y las obligaciones profesionales son del todo legítimos, dándole mayor importancia a la libertad de expresión, haciendo que el criterio no sea más que una brecha muy grande, en donde al final dependerá de los individuos qué postura moral adoptar.

la nueva tendencia de un diseñador

¿Qué tan importante es que un diseñador de cualquier rama tenga su propio portafolio?

Es muy importante. Pero ahora la nueva tendencia es un Portafolio Online, es decir, que se deja de lado lo tradicional (papel) y todo se lleva en un disco o llave puerto USB, una alternativa que hace que podamos dedicarnos hacer otras cosas.

También es un gran complemento si querés hacer un blog y mostrar tus trabajos de una manera que sea creativa y llamativa al mismo tiempo.Internet se ha convertido en un sitio de suma importancia para accesar información y demás. Pero ahora ya no es necesario que se tenga que imprimir tantas hojas para hacer un curriculum para los que son profesionales en diseño y/o arquitectura.

No hay gastos en papel, por lo tanto es ecológico.

Podés tener una descripción mayor de cada uno de tus trabajos.

Resulta fácil de actualizar.

Podés agregar trabajos con interacción.

Podés usar el mismo sitio web para agregar tu curriculum, portafolio, biografía, etc.

Es fácil para los reclutadores encontrar lo que buscan en cada perfil.

Mantenerlo online nos permite tenerlo disponible 24/7.

Claro está, se debe destacar que crear un portafolio online no es tarea fácil. Se requiere de muchos elementos para que funcione y que al final podás ser reclutado. Es una tarea laboriosa pero al final te darás cuenta de que te ahorrás dinero y que los empleadores te colocan en un nivel de selección superior al de alguien que no haya pensado en utilizar esta forma de presentar sus trabajos.

Hay un sin fin de ventajas en un portafolio online que le permiten a un diseñador poder mostrar sus trabajos de una manera mucho más efectiva que un forro de papel con sus diseños:

Hay que tener los trabajos que querás mostrar. Asegurate de tener los mejores ejemplos de tus trabajos, para que se interesen mucho más fácilmente en tu perfil.

Agregá pocas imágenes pero que muestren realmente los objeti-vos de cada proyecto.

Si has trabajado para clientes de renombre, no olvidés agregarlos; siempre son una excelente referencia.

Concursos, premios y certificaciones siempre son recomendables; agregalos.

Poné un acceso directo para descargar el mismo contenido en PDF; hay muchos potenciales interesados en tu trabajo a quienes les gustaría evaluar tu portafolio offline.

Para poder crear un portafolio online de calidad, buen gusto, llamativo y creativo son las siguientes

Si sos un diseñador que está pensando en crear un portafolio online, podés tener en cuenta estos cinco puntos sugeridos por Mac Samson, fundador de Pressfolios

Ahora sabés todos los beneficios que te ofrece este portafolio online; de una manera rápida, creativa y a tu estilo podés mostrar lo mejor que hacés y y así conseguir los mejores puestos laborales.

POR: Ana Lucia Ferrero M.

UN VISTAZO...

¿Por dónde empezar? Quizá por lo que más sorprende: saber que, a pesar del camino recorrido en la enseñanza y en la vivencia del diseño, siempre hay tanto que aprender, tanto que impacta. Pero en realidad toda la vida es así, un aprendizaje continuo. Independientemente de lo positivo o negativo que pueda tener un espacio como el FID, lo interesante ante todo es que genera un espacio de discusión y reflexión sobre el diseño, y esto genera gran aprendizaje.

También es de destacar la enorme oportunidad que representa el Festival Internacional de Diseño que, en su tercera edición, pone al alcance de la mano la oportunidad de escuchar a verdaderos “monstruos” del diseño, a verdaderas personalidades y líderes en este campo, que marcan la tendencia del diseño publicitario y de producto, así como de la arquitectura en el mundo actual. En este sentido, nadie que tenga relación de algún tipo con el diseño (como estudiante, como profesor o como profesional), debería perderse el FID. Dicho sea de paso, este Festival cada año se consolida más a nivel nacional e internacional, y de esto da fe la masiva asistencia que se incrementa cada vez.No quiere esto decir que no se deba poner atención a algunos aspectos. Entre otros detalles, si cabe el término, los organizadores deben establecer una “curaduría”, es decir, un filtro o proceso

de selección de los participantes, asegurándose de que quienes vengan a exponer generen una vivencia en los asistentes, algo más que solo mostrar una carpeta de trabajos o que se divague en una charla cuando la gente está ansiosa de compartir experiencias con contenido que genere aprendizaje.

Pero bueno, vamos al grano, vamos a dar un vistazo por las impresiones generadas al escuchar y ver el trabajo de algunos de los renombrados invitados que expusieron con respecto al diseño, eje temático y transversal de esta revista Difusión y que de manera particular me impresionaron en estas tres jornadas de vivencia del diseño.

Puntual…o casi puntual para honrar la verdad. Problemas de sonido quizá generados por el hecho de que el lugar no fue pensado para eventos de este tipo, o por el mismo sistema instalado…pero, en fin, el primer día el ciclo de charlas inició con la presentación de actividades para la jornada. De inmediato el costarricense Ignacio Oreamuno, el primer latino en dirigir el ADC (Art Directors Club) inició con el tema “Diseño: la nueva oportunidad”. Este publicista y director de arte, es un joven dinámico, y vive el diseño como una experiencia. Por ende, reconoce el valor de integrar la tecnología con el diseño: “el diseño no es solo para diseñadores”, dijo. Y, sin embargo, habló de que todo va de vuelta hacia donde empezó, de que se debe volver a lo que se ha perdido con todo el soporte tecnológico. Es una versión del creativo profesional “a mano”. Promociona así el “art and craft”, una técnica que exige pasar horas escogiendo lo correcto, es simplificar, es tomar una foto en el momento correcto…sin dejar de lado la tecnología.

Es volver a las raíces del diseño pero soñando en grande, olvidarse de lo que se ha aprendido; es, paradójicamente, atreverse a cambiar, como afirma él “reconectándose con la escultura, con la pintura, con lo más puro del arte…”

OREAMUNOIgnacio

imágenes de fidcr.com

¿Qué decir de Túpac y su diseño chicha? Qué enriquecedor escuchar el análisis que realizó sobre la sociedad peruana, en especial desde la perspectiva de las migraciones desde el campo hacia la ciudad.

“Chicha” es un género musical popular que refleja estas realidades sociales. Y el diseño chicha se basa en esta música para proponer buen estilo de información concreta, con diseño tipográfico creado expresamente en cada caso, y con el uso de una paleta de colores vivos para llamar la atención; es un género que se interesa por no por el valor comercial del trabajo, sino por su valor social. Elliot Túpac / Perú

Javier Mariscal/España

Esta parte social del diseño se vio con otros exponentes como Catalina Estrada y Entre Nos Atelier, quienes en el tercer día del FID, transmitieron su principio de apropiación de diseño activando barrios como Guararí y Barrio Nuevo, lugares donde han creado un mejor ambiente para así provocar un impacto positivo principalmente en los niños. Es la visión del diseño no solo como creador de objetos ni como agente que fomenta el consumo, sino como actividad que propone y crea soluciones a problemáticas sociales importantes e incide así en una mejor calidad de vida.

Más tarde ese mismo primer día, Javier Mariscal sorprendió con su visión del color. ¿Sorprendió será la palabra correcta? Acaso sea mejor decir impactó. Porque si ya el color es impactante por sí mismo, entenderlo y visualizarlo desde la perspectiva de este expositor, es realmente un latigazo de impresión.Mariscal, además, es un verdadero “show-man” que hizo de todo para entretener al público…y el público respondió. Aplaudió y se puso de pie para agradecer la visión del expositor. Él, reconocido creador de “Cobi”, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, hizo una cronología del color, una narración basada en su propia inspiración. Nos hizo pasar del negro (antes del Big Bang), pasando por el blanco, los grises acromáticos que empezaron a dar matices (en analogía

con el amanecer), pasando por el azul, el verde, el amarillo, el naranja y el rojo.Interesantísima resultó la forma en que Mariscal relaciona a los colores con eventos culturales y sociales, desde su contexto como español. Esta exposición, de buen manejo del tiempo y que permitió observar su gráfica plena de tintas planas, cautivó por su dinamismo y riqueza. Apenas para el final de un primer día muy enriquecedor.

MARISCAL

TÚPAC

Javier

Elliot

Simón Varela/El Salvador

VARELA

ESTRADA

Simón

Catalina

El segundo día del FID no fue menos intenso. Simón Varela, de El Salvador, mostró una interesantísima faceta de la ilustración: la del diseñador visual, ese profesional que trabaja a partir de un boceto y diseña la parte visual de una película animada. No es que el concepto no sea importante, pero el desarrollo visual genera sensaciones desde los trabajos más pequeños hasta los más grandes.Varela dio un paseo por todas sus creaciones, desde sus inicios, pasando

por Tim Burton, hasta Pixar. No todo lo que se dibuja llega a una película, quizá solo un 10%; además hay proyectos que nunca se realizan.Hay una influencia Davinciana en él: una tendencia a crear figuras que no existen, uniendo características de diferentes animales y objetos.Y para terminar de impresionar, una afirmación que se las trae: se debe rescatar el arte en papel, porque, afirma, “el arte tradicional es más puro”.

Catalina Estrada/Colombia

Más adelante, una interesantísima exposición sobre la dimensión social del diseño, plena de color y de forma, a cargo de Catalina Estrada. Esta colombiana radicada en Barcelona atribuye a la influencia materna su pasión por el color. Para ella no existe el minimalismo ni la escala de grises, algo que defiende al afirmar que “es importante tener un sentido propio de la estética”. Esto no quiere decir que a veces no se canse de tanto color y tanto degradado, y experimente diseños con un solo color o dos, con otras técnicas y otros estilos. Como afirma, a veces es cansado darle siempre gusto al cliente.

Estrada trabaja en el diseño de textiles para las colecciones de moda de una diseñadora brasileña. Juntas, tienen la marca Anunciaciao, que lleva ya catorce colecciones, dos por año. También

diseña portadas especiales para las agendas del escritor Pablo Coelho.Sin embargo, lo que más impresionó al auditorio fue el “Laboratorio del Espíritu”, que explota el poder de las palabras en los niños, su poder de conexión con la naturaleza a pesar de las duras experiencias sociales y de vida que deben afrontar quienes integran el proyecto. Se trata de generar ilustraciones a partir de los escritos de los niños, que sean producto de su voz propia. Con estas ilustraciones se hacen pañoletas, postales y cuadernos que también contienen la fotografía y los datos del niño que inspiró el diseño y que luego se venden para ayudar a financiar la obra social del proyecto “Laboratorio del Espíritu”. Una muestra más de las posibilidades del diseño y de la enorme función social que sus profesionales deben ejercer con responsabilidad.

Simón Varela/El Salvador

VARELA

ESTRADA

Simón

Catalina

El segundo día del FID no fue menos intenso. Simón Varela, de El Salvador, mostró una interesantísima faceta de la ilustración: la del diseñador visual, ese profesional que trabaja a partir de un boceto y diseña la parte visual de una película animada. No es que el concepto no sea importante, pero el desarrollo visual genera sensaciones desde los trabajos más pequeños hasta los más grandes.Varela dio un paseo por todas sus creaciones, desde sus inicios, pasando

por Tim Burton, hasta Pixar. No todo lo que se dibuja llega a una película, quizá solo un 10%; además hay proyectos que nunca se realizan.Hay una influencia Davinciana en él: una tendencia a crear figuras que no existen, uniendo características de diferentes animales y objetos.Y para terminar de impresionar, una afirmación que se las trae: se debe rescatar el arte en papel, porque, afirma, “el arte tradicional es más puro”.

Catalina Estrada/Colombia

Más adelante, una interesantísima exposición sobre la dimensión social del diseño, plena de color y de forma, a cargo de Catalina Estrada. Esta colombiana radicada en Barcelona atribuye a la influencia materna su pasión por el color. Para ella no existe el minimalismo ni la escala de grises, algo que defiende al afirmar que “es importante tener un sentido propio de la estética”. Esto no quiere decir que a veces no se canse de tanto color y tanto degradado, y experimente diseños con un solo color o dos, con otras técnicas y otros estilos. Como afirma, a veces es cansado darle siempre gusto al cliente.

Estrada trabaja en el diseño de textiles para las colecciones de moda de una diseñadora brasileña. Juntas, tienen la marca Anunciaciao, que lleva ya catorce colecciones, dos por año. También

diseña portadas especiales para las agendas del escritor Pablo Coelho.Sin embargo, lo que más impresionó al auditorio fue el “Laboratorio del Espíritu”, que explota el poder de las palabras en los niños, su poder de conexión con la naturaleza a pesar de las duras experiencias sociales y de vida que deben afrontar quienes integran el proyecto. Se trata de generar ilustraciones a partir de los escritos de los niños, que sean producto de su voz propia. Con estas ilustraciones se hacen pañoletas, postales y cuadernos que también contienen la fotografía y los datos del niño que inspiró el diseño y que luego se venden para ayudar a financiar la obra social del proyecto “Laboratorio del Espíritu”. Una muestra más de las posibilidades del diseño y de la enorme función social que sus profesionales deben ejercer con responsabilidad.

Oliviero Toscani/Italia

Fernanda Romano/Brasil

Luego, Olivero Toscani, esperadísimo cierre para esta segunda jornada, acompañado en la traducción por el mismo Mariscal. Generó de entrada una provocación; él mismo lo dijo: “la provocación es parte del Arte, es provocar la capacidad de ver, de amar, de romper una regla…no hay Arte sin provocación.” Él mismo es provocación y lo sabe.

Curiosa su afirmación de que no le gusta el marketing y su consejo de que hay que hacer exactamente lo contrario a lo que dice el marketing, razón por la que ya no trabaja para agencias de publicidad.Ahora, sus exposiciones versan sobre temas prácticos y hace también fotografía artística. Para él, la fotografía tiene una enorme responsabilidad social, en el tanto las personas pueden conocer y aprender a través de las imágenes.

TOSCANI

ROMANO

Oliviero

Fernanda

Tampoco fotografía paisajes ni naturaleza, porque es perfecta; fotografía a ser humano porque es imperfecto. Porque debemos ser testimonio de nuestro tiempo, porque lo simple a veces es complicado. Hay una anulación del virtuosismo estético; nadie es feo dado que cada quien es una entidad única e irrepetible. Igual se nota lo que él mismo afirmó: no hay detalle pequeño.

Al finalizar, luego de un extenso recorrido por toda su obra, desde Warhol hasta la actualidad, mostró su más reciente trabajo en Guatemala, país de donde vino directo al FID; se trata de un aporte del arte a la lucha contra la discriminación racial; lo llama WART. Queda uno casi saturado de imágenes pero deseando que no termine la experiencia. En el fondo surge una afirmación que a la vez asusta e impacta: ¡qué gran compromiso tienen los artistas con lo social!

Por lo visto, Mariscal y Toscani no solo me pusieron a pensar a título personal; también le sucedió a la expositora Fernanda Romano, quien, ya el sábado, confesó haber tenido dificultades para dormir pensando en las aseveraciones de Toscani. Tuvo además la humildad (sí, una cualidad excelente y rara en un diseñador) de reconocer que, luego de la presentación de Javier Mariscal, dudó de si debía seguir adelante con su exposición o no. Fernanda Romano, directora creativa global de Euro RSCG Interactive, fue para mí uno de los puntos más altos del Festival, con su concepto del valor humano detrás del diseño.

Y por su defensa de la actividad publicitaria: “no hay nada malo en hacer publicidad”, dijo. Ella reconoce también la conciencia social de las nuevas generaciones, el saber que vivimos en colectividad no ya para sobrevivir como antes, sino para vivir mejor, algo en lo que la publicidad desempeña una labor importante, al generar las motivaciones para que en verdad se viva mejor. Su papel es de activación, de invitación a tomar iniciativas y acciones. Para ello, se cuenta con el apoyo de la tecnología.

EN CONCLUSIÓN...Para terminar

Luego de tres días, luego de tanta información que procesar, sería hipócrita no confesar que se termina cansado. Es como si el cerebro pidiera ir dosificando de a poco tanto estímulo visual y conceptual recibido. Se agradece la oportunidad de poder estar al frente de renombrados referentes del diseño. Y se espera una IV Edición del FID aún mejor, un espacio que genere mayor aprendizaje, mayor contenido y más formación sobre todo en quienes ejercerán como diseñadores a corto plazo.

El FID es para todos, pero sobre todo para los estudiantes es un espacio que debe fortalecerse.

Fotografía de Germán Fonseca y Angélica SánchezTomadas de: Revista “SU CASA”

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