PINTURA DE LOS PAÍSES BAJOS, LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS.

Los Países Bajos era ricos y densamente poblados, con ciudades dedicadas al comercio y a la producción artesanal, bien relacionadas con los circuitos internacionales. En espacial en Brujas tenían representación gentes italianas, españolas y alemanas, divididas en naciones. Hasta mediados del siglo XV el principal centro es Dijon, pero a partir de entonces empieza a destacar el condado de Flandes, donde están Brujas y Gante, lo que posteriormente dará lugar a hablar de arte flamenco; o al condado de Brabante, con Bruselas y Amberes. El asentamiento de los duques en las ciudades del país, junto con la crisis de París favoreció el desarrollo de los centros productivos de los Países Bajos. Cuando se analiza la situación se hace patente que los duques de Borgoña se convierten en los clientes y promotores más importantes, pero también lo son la pequeña aristocracia que les rodea, los comerciantes extranjeros y las asociaciones de comerciantes extranjeros (en especial castellanos), las asociaciones comunales de vecinos, así como sus representantes más destacados. El desarrollo económico y la importancia de la burguesía, como nueva clase social impone una nueva dirección a la labor artística. Los burgueses son los clientes de estos pintores, y demandan un arte que sea testimonio de su posición social, por lo que el retrato se convierte en uno de los géneros que tendrá más desarrollo en este momento. Respecto a la pintura se han dicho muchas cosas. En España se acuño el termino “primitivos flamencos”, cuando en realidad no tienen nada de primitivos. También se les considera como creadores de un Renacimiento nórdico, pero para hablar de un Renacimiento tenía que haberse dado una voluntad consciente de que se volvía a recuperar algo que estaba muerto o olvidado. Nada de ese ocurrió. Los más grandes creadores jamás realizaron una reflexión escrita sobre su profesión y no quisieron volver sobre ningún pasado. Por el contrario son ejemplos perfectos de integración en un sistema gremial artesanal propio de la Edad Media avanzada. Ello no impide que se haya conseguido crear un nuevo modelo de pintura. Con ellos se perfecciona, no se inventa, la técnica del óleo; se consiguen unos efectos de veladura sin precedentes, y se llega a un virtuosismo de ejecución al que colabora la técnica reformada. Se experimenta con el espacio llegando a unos efectos ilusionistas ópticos superiores a los italianos, pero de un modo intuitivo, porque nunca se trató de crear un sistema de geometría perspectiva. Existió una voluntad firme de representar las cosas tal y como las ve el ojo, estamos ante un arte que sería correcto llamar profundamente realista. Esto tuvo entre otras consecuencias el desarrollo del más exacto de los retratos y un preocupación por reproducir con idéntica veracidad y destreza el tema central de la pintura y cualquier detalle accesorio. El mismo cuidado se

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mantuvo con la calidad de los materiales elaborados por los propios pintores, de forma que apenas se han visto degradadas por el paso del tiempo.

Los antecedentes están en los miniaturistas franceses de los siglos XIV y XV, en los que el gusto por el detalle minucioso era uno de los elementos más característicos dentro del llamado Gótico Internacional. Esta tendencia hace que se busque representar todos los objetos de la forma lo más real posible, dándose la misma importancia a un objeto que un personaje o a un paisaje.

El paisaje se había convertido en un tema ignorado en la pintura medieval, o como mucho en un elemento secundario, reaparece ahora tomando una gran importancia. Independientemente del tipo de cuadro que sea el autor siempre introducirá el paisaje, paisajes muy detallistas en los que la línea del horizonte está muy alta y donde se introducen escenas de todo tipo (agricultores, ciudades, campos de cultivo...). Aun en el caso de que la escena se desarrolle en un interior, aparece un ventana que se abre a un amplio paisaje. Se trata de una pintura que no acaba de despegarse de lo medieval, y de ahí la importancia que tienen los elementos simbólicos que aparecen por todo el cuadro (flores, objetos, que hay que leer como símbolos para una total comprensión de la obra) El prestigio social de los artistas crece y empiezan a ser considerados por su trabajo, ya no son simples artesanos que desarrollan un oficio, por eso conocemos ya los nombres de muchos de ellos, que llegaron a tener una gran consideración, siendo sus obras demandas por los personajes más importantes del momento.

Los pintores más conocidos son los hermanos van Eyck (Hubert y Jan), poco sabemos del Hubert, salvo que inicio el políptico del Cordero, acabado por Jan, su estilo es tan semejante de tal forma que se necesitaron medios técnicos para diferenciar las partes de cada uno. Jan van Eyck es el más grande de todos los pintores flamencos, con un papel comparable al de Giotto en la Italia del cambio de siglo. Es el más intelectual y complejo, parece complacerse por usar un lenguaje de símbolos y metáforas, y requiere una prolijidad de lectura llegando más allá de los que pide su cliente. Su técnica es prodigiosa pero casi siempre adaptada al pequeño formato pequeño. Fue seguramente miniaturista. Salvo excepciones la inmensa mayoría de sus obras se hizo para oratorios y casas particulares no para un gran iglesia.

Primero al servicio del Conde de Holanda y Zelanda, permaneció el resto de su vida vinculado al duque de Borgoña. Viajó por España y Portugal, desempeñó misiones diplomáticas y tuvo diversos en la corte del duque. De su obra podemos destacar las siguientes obras, “El matrimonio Arnolfini”, “ La Virgen del Canciller Rollin”, o el gigantesco políptico del Cordero de la catedral de Gante, o la Virgen del Canonigo van der Paele

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El matrimonio Arnolfini es un cuadro lleno de enigmas. Tradicionalmente aparece en los catálogos como el matrimonio de uno de los miembros de la poderosa familia de comerciantes italianos, los Arnolfini; la colonia de italianos asentados en era muy importante en Flandes, No conocemos muy bien la identidad de los contrayentes, ya que eran varios los Arnolfini que ese momento vivían en la zona. Uno de los enigmas que aparece en el cuadro enigma nos lo proporciona la inscripción de Van Eyck en el muro del fondo, en bellísimos caracteres góticos entrelazados. La inscripción no dice que Van Eyck pintara el cuadro, sino que "Jan van Eyck estuvo aquí". Es una extraña declaración, que se explica si pensamos que Van Eyck era amigo de los Arnolfini y que probablemente actuara de padrino o testigo de la boda. A esta solución apunta también el espejo del muro, que refleja a dos asistentes al enlace, uno de los cuales parece un pintor (el que está vestido de azul).

La minuciosidad de Van Eyck permite identificar no sólo las figuras reflejadas, sino también los adornos del espejo: son diez escenas con la Pasión y muerte de Jesucristo.

Otros elementos simbólicos que han llenado de conjeturas el cuadro aparecen en la estancia como simples objetos dispersos por la habitación: el perrillo a los pies de

los esposos indica fidelidad conyugal, la lámpara con una s o l a v e l a e n c e n d i d a simboliza el matrimonio, como también la esculturita de Santa Margarita en el pomo de la cama, el manojo colgado de la misma cama simboliza la fertilidad, y así un largo etcétera. Casi todos los elementos que aparecen tienen algo que ver simbólicamente con la escena, pero Van Eyck los pinta como accesorios totalmente casuales esparcidos por la habitación. Respecto a la esposa, señalaremos la curiosa moda femenina que las damas llevaban: se rapaban la frente y se adornaban con una toca en forma de cuernos (tal y como veremos en el retrato de Margarita van Eyck).El vestido de moda provocaba una deformación en la anatomía de la mujer

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que hizo pensar que la desposada estaba embarazada. Sólo tenemos que comparar a esta muchacha vestida con la Eva del Políptico de Gante para comprobar que se trata de una deformación estética deliberada: mediante un corpiño muy ajustado se estrechaba el pecho de la mujer, elevándolo y creando un abultamiento en el vientre y caderas.

El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico,precisamente a causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles (incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio, muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio.

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Rogert van der Weyden fue una generación más joven y el pintor que alcanzó más popularidad, debido a que, sin dejar de ser metafórico y simbólico, no mantuvo una actitud intelectual tan rigurosa como van Eyck. Algunas de sus obras son muy expresivas, incluso patéticas si el conocimiento lo exige, sin que ello vayan en detrimento del acabado de los personajes. Formado en Tournai, adquirió tardíamente la maestría de Robert Campin, se traslada a

Bruselas donde será pintor de la ciudad. Una de una tabla pintada, sobre la que destaca el grupo de figuras de poderosos volumen, a modo de esculturas policromadas. La composición se ha cuidado al máximo, las personajes extremos la cierran y la posición de cada cual está doblemente condicionada por el gesto que realizan y por el ritmo que relacionan unos con otros. El profundo dramatismo emana de la gesticulación de los cuerpos y la expresividad de los rostros, sin que se pierda en ningún momento la mesura. Gracias a su técnica obtiene efectos táctiles en el tratamiento de las telas. Entre las composiciones que servirán de punto de partida a otros artistas, además del Descendimiento, se encuentra el tríptico Columba.

Thierry Bouts es pintor en Lovaina casi contemporánea de van der Weyden; el políptico del Sacramento de la iglesia de San Pedro de Lovaina es una de sus obras más ambiciosas, en la que se manifiesta su excelente oficio y esa severidad algo rígida e inexpresiva que la caracteriza. Su díptico de la Justicia del emperador Otón, inacabado y magistral, es clásico de un tipo de pinturas en las que se ponía de

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manifiesto algún acto de justicia difícil y brutal, ejemplar para los contemporáneos al situarse en lugar visible del ayuntamiento. El tríptico del Descendimiento de la capilla Real de Granada es una de sus obras de mayores dimensiones e interés. Hugo van der Goes, fue un pintor cuya residencia más constante fue Gante. Su Tríptico Portonari, monumental y con fuertes contrastes, presenta unos pastores adorablemente inquietantes. La gran Epifanía de su etapa intermedia es una de sus pinturas más compensadas. La Muerte de la Virgen sorprende con su gama cromática

algo agria por la expresión alucinada de alguno de los apóstoles. En su época comenzaron a usarse cada vez con más frecuencia sargas y telas como soporte de la pintura y el pintó algunas. Con Hans Memling tenemos el lado amable, grato, suave, de la pintura flamenca. De origen alemán, se instaló en Brujas que comenzaba a dar signos de decadencia, lo que impidió que disfrutara de una posición privilegiada. Sus colores claros, un buen oficio, el usos de esquemas compositivos de otros artistas y un gusto por lo pintoresco y lo anecdótico le hicieron artista grato en su momento y en gusto renovado por esta pintura en el XIX. Su Relicario de Santa Úrsula está lejos de ser su obra mejor, pero es una de las más populares, siendo quizás superior el Tríptico de los Santos Juanes. Gerard David es el punto final de estas generaciones de grandes artistas flamencos habitantes en la zona sur de los Paises Bajos, en su obra se van a detectar italianismos, su arte es también agradable y delicado. Pero junto a ellos existe una escuela menos rica e interesante en la zona que corresponde a la actual Holanda. Sólo hay un pintor extraordinario, incluso en cierto sentido el más extraordinario, contemporáneo de David: el Bosco,

Jerómino Bosch. Todo lo que se ha dicho sobre su obra imaginativa, fantástica, llena de símbolos, ajena a lo común. La mayor parte de las afirmaciones sobre su heterodoxia y vinculación a sectas extrañas no pasan de ser casi con seguridad una invención moderna. Parte de su pintura estaría en los límites de los usual, como la magnífica Epifanía. Pero cuando los enigmas se hacen más palpables y exigen una explicación es en El carro de heno, y sobre todo en el tríptico del Jardín de las Delicias

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