noise armada noviembre

Hace poco supe que cerrarán un lugar que llevaba más de 8 años en el espacio cultural cer-cano a donde vivo, y donde pasé los anteriores 7 años de mi vida. Claro, que me frustré; pero en parte no puedo reclamar nada porque, igualmente, del otro lado de la pared, nadie apoyaba el espacio que se nos había re-galado. Así fue como el espacio se perdió, y cuando le conté a la persona que comenzó con este, sintió una gran pena por algo que él mismo saco adelante.

¿Cuánto tiempo pasará para que los espacios donde los mú-sicos de la cuidad que apenas comienzan, y los apoyan, des-aparezcan, o sean remplazados por algo más “moderno”, de-jando por fuera a aquellos que sueñan con una vida diferente?. Tal vez sea solo pasajero, tal vez sea algo que se convier-ta en realidad, y de verdad no tengamos lugares donde poder comenzar a conocer nuevas ideas; ¿o es que acaso las per-sonas que manejan los espacios más populares de la ciudad le abrirán las puertas a todos los artistas que quieren darse a co-

Ed

itor

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espacios culturales

nocer ante el mundo?. Si es así, entonces es una gran salto el que da la cultura en la ciudad, y es un increíble apoyo que se le daría a la música que debe-ría escucharse; y si no es así, pues entonces, cada día, más jóvenes músicos perderán más las esperanzas de ser apoyados desde el comienzo.

Por otra parte, como comen-cé esta editorial, no solo se habla del espacio cultural que desaparece, sino también de que a veces nos cegamos tan-to de los lugares tradicionales (o los que se mueven en masa), que ignoramos que hay lugares donde se pueden conocer cosas más grandes de las que uno es-pera ver. Esta editorial es para promover todos los lugares que las personas comienzan a omi-tir, tenemos que apoyar todas las cosas que se hacen por y para bien, sean nuevas o sean viejas; juntos podemos sacar adelante a los artistas que de verdad merecen la oportunidad hacerlo, juntos podemos crear la armada que puede intervenir el ruido de la música local e in-ternacional.

De nuestros

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La revista Noise Armada no se hace responsable por las opinio-nes de los columnistas, como así tampoco por los conceptos verti-dos por los entrevistados y aun-cions publicitarios

Para mayor información de la re-vista búscanos en

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De nuestros

al rioRock Be Jue Ra

zapuchas

lloMETALPág 28 Pág 14 Pág 34 Pág 38

Día 2Pág 7Día 1

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Desde hace poco he notado que aparece gente que cree que retomarán las vivencias pasadas de los años 60. Hay que aceptar que tal vez esta fue la época más grande e impor-tante del rock, las más grandes bandas de la historia nacen en esa época, en la que el mundo sufrió grandes cambios en muy poco tiempo, y en la cual se mostró que las personas sí se podían mover en masas y des-truir todas esas cosas que nos oprimen; el pensamiento social cambio por completo en aque-llos tiempos y la cultura pop al-canzo a su punto más brillante.

Pero ya ha pasado medio si-glo desde entonces, y vivimos en una época donde todo cam-bia rápidamente. Estamos en medio de la globalización y de la modernización tecnológica, para progresar se necesitan nuevas ideas, las ideas viejas solo sirven para recordar y no cometer los mismos errores, en ningún momento sirven para sobrevivir a tal realidad.

No intento decir que hay que dejar de escuchar la música de aquellos grandes momentos, a mí personalmente todavía me encantan Led Zeppelin, The Beatles, Pink Floyd, y tantas otras agrupaciones que pare-cen que jamás fueran a dejar de ser interesantes (y espero que eso nunca suceda); pero ya he comenzado a cansarme de que las personas crean que pueden detener el mundo solo con el hecho de quedarse en al-gún parque de la ciudad queján-dose del sistema en que viven, de una manera casi “punkera”,

pero sin hacer nada para que la situación a sus alrededores cambie, creando formas de arte y expresionismo que solo se queda para ellos y sin mos-trarlo al mundo. ¿Cómo espe-ran que el mundo les preste atención de esa manera?. El mundo se mueve y todos te-nemos que movernos con él, tenemos que llevarle el ritmo a los avances tecnológicos, y a la globalización, porque para cumplir los sueños que uno de-sea alcanzar, se tiene que en-frentar al mundo al que se fue arrojado; nada cae de cielo por casualidad, hay que sacar la frente en alto con todo lo que nos intenta opacar, no sim-plemente quedarse haciendo manillas, tirando cosas al aire y escuchando rockabilly, blues, y música psicodélica. Eso no es avanzar, eso es quedarse viviendo en la época errónea y creyendo que todo cambiará sólo porque sí o porque sostie-nen unos ideales que otra per-sona se las transmitió de una manera errónea. Si eres un ar-tista, si tienes capacidades que nadie más replica, no te que-des esperando a que llegue a la esquina un busca-talentos. Es difícil salir adelante en la sociedad contemporánea, pero no es imposible; y no es imposible mostrar los talentos que se van adquiriendo, así es la única manera de lograr lo que se desea.

Ya no es momento de retro-ceder, es momento de progre-sar y saltar para alcanzar el otro lado.

en el siglo XXI

De la decadencia de ser un

“hippie”(Por Oscar Alzate)

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Engranaje es una pieza crea-da para complementar este elemento musical conocido como Artefacto, banda paisa nacida en la ciudad de Me-dellín en el año 2007, y que desde entonces ha venido cre-ciendo cada vez más en la es-cena musical y evolucionando su sonido. Una clara muestra de ello es este álbum, donde podemos encontrar diversas y variadas diferencias respec-to a lo que fue su primer ál-bum de estudio, un trabajo en el que el sonido ha sido más trabajado y las melodías más densas, donde podemos hallar variadas influencias del rock y tintes de pop.

Compuesto por 10 tracks, Engranaje podría citarse como una pieza clave para enten-der el sonido de Artefacto, con un gran virtuosismo por parte de sus músicos quienes cuentan con gran experiencia en el campo musical, dejan-do claro que son una banda de calidad tanto en vivo como en el estudio. La pista elegida para dar apertura al disco es “Adicto”, una canción donde se mezclan los ritmos pegadizos y las melodías pop con solos vertiginosos y elaborados; una muy buena elección, puesto que es el abrebocas del disco, dándonos una idea de lo que se puede encontrar más ade-lante: Canciones como “Blanca Mujer” (cover de Robi Draco Rosa) en la que los ritmos son más lentos, creando ambien-tes más densos; o temas como “Empezar” y “Esta Vez”, donde

(Por Juan Felipe Osorio)

se alterna entre ritmos para dar más energía a las cancio-nes. También están “No Soy Como Tú”, “Nueve”, y “Rui-dos”, canciones que no esca-pan a la formula de melodías pop elaboradas y ricas mu-sicalmente. Cabe mencionar “Sexy” una de las tracks más sonadas del disco, donde los chicos de Artefacto desbor-dan toda la energía y juegan con el coqueteo de las letras, para crear una canción que fácilmente podría quedarse en tu cabeza por un buen rato con ritmos altamente pegajosos y una letra sen-cilla pero interesante; le da paso a “Tarde”, canción con la que cierran el disco, y en la que se pueden notar cla-ramente las influencias pop de la banda, especialmente en la letra.

Es así como este álbum nos da a entender que Artefacto tiene aún mucho por ofrecer, la pregunta es si lograron tal calidad

musicalmente hablando con este “Engranaje”. Siendo su segundo álbum de estudio hasta el momento, ¿con qué nos sorprenderán después?. Habrá que esperar para es-cucharlo...

Temas recomendados de este álbum: “Blanca Mu-jer”, “Esta Vez”, “Sexy”, y “Tarde”.

“Engranaje”

Es la mas reciente pieza

de este Artefacto musical.

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Algunas cosas no pierden importancia y figuración popu-lar, sin importar cuánto tiem-po pase, y sin importar cuánto tiempo se ausenten; porque de uno u otro modo se las arre-glan para ganar adeptos y mé-ritos, para bien o para mal, y merecidos o inmerecidos. Han pasado ya 21 años desde “Ri-tual de lo Habitual”, y pese a que la explosión inicial del rock alternativo se esfumó hace un largo tiempo, Jane’s Addiction siguen siendo grupo bandera entre los innumerables popu-lares del rock alternativo, des-de que le dieron tal denomi-nación; con todo y la extraña carrera que han tenido desde que comenzaron por allá en 1985.

Ha pasado el tiempo, y las bandas creativas con aparien-cia de bohemios sin hogar, fue-ron reemplazadas por las ban-das de niños ricos y sabiondos que quisieran ser bohemios, en lo que se refiere a lo que es “cool” según la industria musi-cal; pero los de la vieja escuela no se olvidan, y mucho menos si saben reinventarse sin per-der su propio toque. ¿Quién dice que un perro viejo no aprender trucos nuevos?.

“The Great Escape Artist”, nuevo álbum de Jane’s Addic-tion (apenas su cuarto, en una carrera de 26 años), es dife-rente, novedoso, entretenido, pero no sorprendente. Es lo justo, para un grupo que ha

sabido enfrentar la exigencia de mezclar originalidad con contemporaneidad.

El álbum es efectivo al mez-clar los acordes grandes y walls of sound característi-cos de gran cantidad de gru-pos alternativos actuales, con los grooves influenciados por funk, hard rock, y pop, que la banda es conocida por haber hecho antes; y no hay ver-güenza en demostrarlo, por-que casi todo el álbum trans-curre así. Por decirlo de algún modo, este es el álbum “expe-rimental” de Jane’s Addiction, pero es experimental porque se atreven a cambiar la expre-sión sin sacrificar la esencia (razón por la que Duff McKa-gan abandonó el grupo luego de sólo 6 meses en este); y además de ello, tampoco sue-na sobre-pensado, porque es relativamente accesible.

La apertura con “Under-ground” y su consecución con “End to the Lies” (primer sen-cillo del álbum) son una gran combinación de rock de radio con melodías etéreas, sien-do el segundo de ambos una obvia elección como sencillo. “Curiosity Kills” es la canción que te imaginas escuchan-do en tu casa, durante un día festivo, estando encerrado porque llueve afuera, pero sin estar aburrido porque estás leyendo, o dibujando, o dise-ñando en Photoshop, o bus-cando precios en la web de cosas que quieres comprar, o simplemente siendo ocioso;

luego de armar una lista de reproducción adecuada para el momento. “Irresistible For-ce” está llena de brillantes y creativos cambios, y también podría haber pasado por buen comienzo de álbum si así el grupo lo hubiese escogido. “I’ll Hit You Back” y “Twisted Tales” están a sólo un drum machine de distancia de ser rock industrial, no son impre-sionantes pero sí efectivas; aunque la primera se cons-truye súbitamente hasta que explota un poco después del medio, mientras la segunda es un start-stop constante, pero no muy brusco. “Ultima-te Reason” tiene en orden sus dosis de melodía psicodélica y rock de radio más o menos fuerte, y es otra obvia elección a eventual sencillo promocio-nal. “Splash a Little Water On It” es un punto intermedio en-tre balada y rock industrial, y al igual que “I’ll Hit You Back”, se construye poco a poco. “Broken People” pudo haberse ubicado cerca de la mitad de la tracklist para haberla hecho un poco más afín, pero de to-dos modos es una linda pieza de rock suave que puedes es-cuchar antes de

dormir. Y finalmente, “Words Right Out of My Mouth”, algo cercana a lo que el grupo hizo en “Strays”, y quizás la can-ción más intensa de todo el viaje; es un cierre, no nece-sariamente perfecto, pero sí justo, siendo un respetable número de hard rock alterna-tivo y tercera obvia elección a eventual sencillo radial.

Janes Addiction (Por Marco Antonio Mejia)

The GreatEscape Artist

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opetes abultados, pantalo-nes ajustados, chicas estilo pin up con faldas entalladas, labios rojos y medias de red, junto con el sonido reverbe-rante de un contrabajo, son las características del peculiar y salvaje estilo rockabilly. Des-de mediados de los años 40 hasta los 50, nace en Estados Unidos una tendencia musical, un ritmo que envolvía a la ju-ventud de locura y euforia. Con letras tan románticas como rebeldes, combinadas con so-nidos alocados y bailables que hacían efervecer el corazón de cualquier adolescente que buscaba un respiro entre las exigencias sociales de la épo-ca. Por entonces, los prejuicios y estereotipos dominaban la mentalidad de la sociedad. Siendo así, este sonido fue mal visto, e incluso satanizado; la gente lo catalogaba demasia-do insinuante y sexual, les cau-saba terror a los padres ver a los jóvenes “rebelarse” de esa manera, e incluso, había pocos lugares donde los adolescen-tes pudiesen ir a escuchar y bailar rockabilly sin que los ca-talogaran como delincuentes. Durante los años 60, el roc-kabilly sufrió un decaimiento dramático ante la ola musical de entonces. Y así continuó, es-condido, mas no olvidado, has-

ta acercarse los años 80, sur-giendo así el “neo-rockabilly”, que no es más que rockabilly mezclado con algunos otros géneros e instrumentos. Ban-das como The Meteors (como máximo ejemplar), al estilo de los 50’s, con un look aún más rebelde y quisquilloso, junto-con ritmos aún más rápidos, sexuales y oscuros dan origen al Psychobilly. Comienza en-tonces a florecer de forma im-presionante, tocando los más recónditos lugares del mundo. Actualmente el rockabilly es un estilo de vida, no sólo para los adolescentes, sino también para adultos y gente mayor que conserva los recuerdos y el espíritu de épocas pasa-das. La manera de vestir sigue perfeccionandose, e incluso se ha fusionado con los tatuajes y pearcings, aunque la esen-cia original sigue intacta. En varias partes del mundo se pueden encontrar lugares de-dicados a los rockabillies para socializar, bailar etc. Por ejem-plo, el parque Yoyogi, cerca de la estación Harajuku, en Tokio, Japón. Se realizan también festivales, como son el Roc-kabilly Weekend en Las Vegas, donde asisten bandas de todo el mundo; y recientemente, el primer festival de rockabilly y psychobilly en México: Rocka-lavera 2011, donde se reunie-ron los mejores exponentes mexicanos como son Nicotyna, Black Jacks, Eddie y Los Grasosos, Los Corazones Rotos, etc. Todo esto, en con-junción con expocisiones de tattoo y autos clásicos (Hot Rods), motocicletas, concursos pin up, entre otras cosas.

Cabe mencionar los modismos lingüísticos usados en-tre rockabillies, como son: Gato, que es como los jóvenes

se llamaban entre sí, y el por-qué de que tantas bandas ha-gan alusión a los felinos en sus nombres, canciones y apodos.

Gatita/kitten, que es la ma-nera de llamar a las chicas pin up, por la manera en que ca-minan con una falda entallada.

Hot Rod era como llamaban a sus autos ya que en los 50’s las carreras eran muy popu-lares entre los jóvenes. Otras características del vestuario rockabilly, como son las cere-zas y los signos alusivos a la suerte, se derivan de la popu-laridad que poseían las má-quinas de apostar durante esa época. Las cerezas son lo más femenino entre todos esos símbolos, además de que son rojas, como los labios de las pin ups. Los números y signos de la suerte se siguen utilizan-do hoy en día en los tattoos de los rockabillies. Hoy por hoy, el rockabilly disfruta de una gran fama gracias a la difusión de medios de información, dis-queras, y por supuesto los ya mencionados festivales. Y es-peremos que siga prevalecien-do muchas generaciones más, para que podamos seguir di-ciendo como Bill Haley “Let´s Rip It up”.

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Rock al Río (día 1)

Por Juan Felipe Osorio

En un día donde se juntaron el agua y las buenas bandas, se llevo a cabo el primer día de este festival, que sorprendió por su buena organización y la calidad de las bandas presen-tes. A pesar de haber iniciado mas tarde de lo previsto, por alguno que otro inconveniente, se pudo desarrollar este día de festival, donde el agua no fue obstáculo para que todo salie-ra a la perfección.

T.H.C, IV Tiempos, Pasaporte Caribe, Unos Vagabundos, Don Kristobal, Senza Misura, D Ska Labradox, Reyes Verdes, Kuxa Zue, El Anden, Artefacto, y La Toma; se dieron cita en la ta-rima para compartir con sus fans, que venían de distintas partes del área metropoli-tana de Medellín y Rionegro para disfrutar de sus bandas favoritas; presentaciones en-tre las que se puede destacar a Senza Misura, banda que sorprendió al público asisten-te con su mezcla de rap y hip hop con ritmos de rock, y su lirica con sentido social; Reyes Verdes, quienes armaron toda una fiesta sobre la tarima don-de nadie fue ajeno al show, y pusieron al publico a gozar con su música; e incluso Artefacto, quienes asistieron este año como banda invitada, y dieron lo mejor de su repertorio para



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quienes estuvimos allí, gozan-do este día de festival donde hubo desde punk hasta har-dcore metal, y desde reggae hasta rap; confirmando una vez más, que este festival gira en torno a la diversidad y la tolerancia, cosa que se vio en cada una de las bandas y los asistentes.

También cabe destacar el sentido social del festival. El costo de la entrada eran tres cuadernos o un juguete, que serán destinados a personas que de verdad los necesiten. La asistencia fue buena, y cada una de las personas dis-frutó el festival a su manera, haciendo parte de las diversas actividades que se desarrolla-ban en torno al mismo, como el torneo de skate, que el día sábado se vio un poco opacado por los problemas de la lluvia, pero que continuó en desarro-llo de todos modos.

Entre música y lluvia, todos pudimos disfrutar de un día en el que, ni los problemas técni-cos, ni el retraso, fueron impe-dimento para que el festival se desarrollara con normalidad, y las bandas pudieran dejar lo mejor de ellas en el escenario. Esta edición del festival dejó un muy buen sabor de boca, y esperamos que siga desa-rrollándose a lo largo de los años. Rock al Rio: Diversidad y tolerancia en su máximo es-plendor.

“Se sufrió un retra-so de casi dos horas, que gracias a la bue-na gestión y la or-ganización, se pudo superar sin mayores inconvenientes.”

“Las bandas destacadas de este primer día, fueron Senza Misura, Reyes Verdes, Artefacto, y La Toma.”

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Hamlet, literatura, y luciér-nagas; ¿qué tienen estas co-sas en común?. Bueno, pues, una sola cosa podría sacarse de ellas: Alas Rotas. Esta ban-da de rock nacida en el 96, en la habitación de un chico de 17 años que, con guitarra en mano, decidió cantar verdades e independizar su destino.

Estuvimos con Santiago Londoño, líder y vocalista de la agrupación, que desde el año 2007 se consolidaría para dar nacimiento a esta formación; y entre muchas cosas, nos habló sobre el futuro de la banda y el origen de la misma.

Inspirados fuertemente por la literatura y diversas corrien-tes del arte, nacieron las pri-meras canciones de esta agru-pación que desde sus inicios dejaba algo claro: Lo de ellos era componer de manera natural, mirar que sugería la música. La bana-lidad no tiene entrada en sus composiciones, y por esto, a cada una de ellas, le imprimen su huella. En palabras de Santiago, y citando textual-


mente, “se puede honrar a los grandes de alguna forma”. Bueno, pienso yo que dicha forma ha sido creando composiciones con alto cuidado en su contenido, sin dejar pasar ningún detalle y pu-

liendo cada una de las fisuras, alejándose del costumbrismo y explorando campos donde otras bandas no se han fijado.

Siguiendo esta fórmula sin receta, Alas Rotas sorprende por la calidad en su sonido, las influencias artísticas que son visibles en cada una de las cosas que hacen, y el don de sorprender en cada ocasión en que reaparecen.

La agrupación está confor-mada por Santiago Londoño en las voces, Mateo Nicholls en los teclados, Marco Blandón en la guitarra líder y voces, Juan David en la batería, y An-drea Hernández en el diseño, VJ, y samplers. Cinco persona-jes que le dan a la música de Alas Rotas un toque personal, donde pasa de ser una simple composición, a toda una histo-ria que desenmaraña miles de fragmentos donde se pueden observar cada una de las in-fluencias de su sonido, influen-cias entre las que se cuentan Marilyn Manson, Gibran Khalil, y muchos otros artistas, no sólo limitados al lado musical de las artes.

Datos curiosos de la banda:¿De dónde surge el nom-

bre?. Alas rotas es un libro del poeta, pintor, novelista, y en-sayista libanés, Gibran Kahlil.

¿En qué año se formo la ban-da?. El origen de Alas Rotas se remonta hasta 1996, cuando Londoño empieza a moldearse como músico; pero la forma-ción como tal se consolido en el año de 2007.

Alas Rotas: Música hecha en tornoa la inspiración

¿Dónde se rodo el video de El Mundo de Sofía?. El video se rodo en Bogotá y el concepto fue escrito y dirigido por Lon-doño y Nicholls.

Alas Rotas: Una banda que no pasa desapercibida ante oídos sensatos, música escrita bajo los efectos del arte y la imaginación.

Metal Fest

Una visionfotografica del

BelloPor Camila Valenzuela

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Una tarde como cualquier otra, se encuentran seis per-sonas en una pequeña habita-ción, listos para reventar tím-panos al ritmo de la música; cuatro de ellos ya sudorosos tras rasguear sus guitarras, y otros dos sumergidos en esos ritmos hipnóticos que salían producto del esfuerzo de es-tos músicos, que durante once años han creado un sonido tan propio que les ha dado el reco-nocimiento no solo en su pue-blo natal, Caldas, sino fuera de este, en lugares donde se res-pira rock & roll. ¿Pero quiénes son estos músicos?, ¿quiénes son La Lunar?.

La Lunar es una banda que nace en el año 2000. Empe-zaron tocando en el circuito de bares de Medellín, y poco a poco fueron conquistando terreno. Pasados los años co-mienzan a sufrir cambios en su formación, lo cual daría como resultado el cambio de su soni-do que en un principio era más experimental, donde se daba rienda suelta a las interpreta-ciones atmosféricas llenas de crudeza; y luego regresarían al formato del clásico trió de rock.

En el año 2005 graban su primer demo, con cinco temas y un video clip. Dicho demo, y sus presentaciones en vivo,

ayudarían a La Lunar a afian-zar un sonido más personal y dinámico, con el cual lograrían la aceptación de los medios y la escena local.

En el año 2007 graban su primer disco, “La Lunar Vol.1”, el cual está compuesto por once canciones entre las que se incluyen “Pájaro Negro”, “La Mejor Manera”, “Gata Pe-rra”, y “Cápsula”. En este dis-co reflejan todo el trabajo y la preparación de la banda alre-dedor de los años, desde su formación en el 2000, dando como resultado un álbum con canciones tan pegadizas como melancólicas, y tan enérgicas como caóticas; siendo este un disco que no debe pasar des-apercibido.

En el 2009, entra a la agru-pación Camilo Correa, quien desde entonces hace las veces de segundo guitarrista, y con quien se encuentran grabando lo que será su segunda pro-ducción discográfica, planeada a ser lanzada para el primer trimestre del 2012.

Es así como pasando de lo experimental a lo clásico, de un trío a un cuarteto, y de un disco a otro, La Lunar es una banda capaz de reinventarse a sí misma sin perder sus raí-ces, y siempre con la calidad a la que nos tienen acostum-brados. Es por esto que todo siempre lo logran de la mejor manera.

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Para una agrupación que sólo ha lanzado un álbum bajo un sello “grande”, lo que Cave In han logrado en 16 años de historia parece inimaginable; pese a que su nombre no sig-nifica mucho en este país, o siquiera en latinoamerica, ya que casi toda su fanbase se encuentra replegada por Esta-dos Unidos y Europa. Y es una banda difícil de definir, por-que han ido desde hacer ba-ladas etéreas (“Down the Drain”, “Joy Opposites”) y pop psicodélico (“The Calypso”, “Tides of To-morrow”) con melodías em-palagosamen-te dulces, hasta metal avant-garde (“Ju-ggernaut”, “Cayman Tongue”) y post-metal (“Big Riff”, “Sing My Loves”) con riffs sucios y/o monstruosos, intrincadas marcas de tiempo, screams, y acrobáticos solos de guitarra; y casi todo lo que hay en el tra-yecto. Todo en secuencia de 5 álbumes de estudio, 3 recopi-laciones, y 3 EPs.

Cave In son una banda oriun-da de Methuen, Massachus-sets, Estados Unidos; estable-cida en 1995, influenciados inicialmente por Metallica y Neurosis; y largamente consi-derados, junto con agrupacio-nes como The Dillinger Escape Plan, Botch, Zao, y Converge, como pioneros del metalcore y el mathcore. Pero a lo largo de su carrera se han alejado varias veces de estas raíces,

y de diferentes maneras; pese a que su último LP, “White Silence”, lanzado en mayo de este mismo año, marcó un retorno casi de-finitivo a dichas raíces, aunque incluyendo la madurez que se logra tras años

de experimentación musical. Durante estos mismos años, han probado estar a la altura de abrir para grupos del cali-bre de Foo Fighters, Muse, y A Perfect Circle; y de presentar-se en los escenarios principa-les de los festivales Reading & Leeds, Pukkelpop, y Lollapa-looza.

La banda no tuvo una for-mación estable hasta poco luego su primer lanzamiento, “Beyond Hypothermia” (de febrero de 1998), debido a constantes cambios de voca-lista e intercambios de roles entre los mismos miembros, y a compromisos que estos tenían con sus proyectos pa-ralelos. La formación definiti-va, que se estableció durante el transcurso del mismo año, consiste de Stephen Brodsky (vocalista y guitarrista líder), Caleb Scofield (vocalista y ba-jista), Adam McGrath (guita-rrista rítmico y vocalista de fondo), y John-Robert Conners (baterista, quien fue reempla-zado temporalmente entre 2005 y 2006 por Ben Koller, baterista de Converge); y poco después de esto, fue lanzado el primer LP del grupo, “Until Your Heart Stops” (a través de Hydra Head Records, propie-dad de Aaron Turner, frontman de Isis), una colección de can-ciones que contienen iguales dosis de bruscos cambios de marcas de tiempo y velocidad, riffs de thrash metal, gritos rasgados, minuciosas y textu-radas melodías, y largos pasa-jes instrumentales. Y esto era

De manera irónicamente anóma-la, la recopilación “Anomalies, Vol. 2” fue lanzada antes que “Ano-malies, Vol. 1”.

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sólo la primera muestra de lo que el grupo podía lograr. El siguiente paso en el camino de Cave In fue un cambio tan drástico como acertado. Tras meses de constante gira, y luego de un desafortunado in-cidente en el que se incendió la camioneta que transpor-taba todos los instrumentos de la agrupación, decidieron regresar al estudio a intentar algo completamente nuevo; en parte debido a que estaban decepcionados de que ninguna banda de la escena de Boston (a la cuál pertenecían) se atre-viera a hacer algo novedoso y diferente al hardcore metal, y en parte porque Brodsky co-menzó a sufrir de frecuentes dolores a raíz del casi abusivo uso de screams.

El resultado de esta reno-vada creatividad fue “Creati-ve Eclipses” (1999), un EP de 5 tracks de space rock; de las cuales 3 son instrumentales decididamente psicodélicos, una es un abrebocas al si-guiente esfuerzo del grupo, y la otra es un cover: “Magni-fied”, original de Failure.

En gran parte gracias a la admiración que Brodsky tiene por dicha banda, se inspiró el que sería el segundo álbum de estudio del grupo; aunque contiene influencias diferentes y sorpresivamente efectivas al mezclarse. “Jupiter”, de me-diados de 2000, y de manera casi unánime reconocido como el mejor lanzamiento del gru-po hasta el momento; es un álbum que va más lejos de lo que en principio puede creer-se. “Radiohead versión metal” y “Pink Floyd con post-hardco-re” son calificativos que a me-nudo se han hecho al álbum, que fue nombrado como uno de los mejores álbumes de me-tal de la década pasada por las

revistas Decibel y Spin, pese a que es virtualmente imposible de categorizar: Junto con un brillante y creativo trabajo de batería, contiene iguales par-tes del inventivo trabajo de guitarra del rock y metal alter-nativo, las múltiples y textu-radas capas de delay y reverb y angulares líneas de bajo del space rock y el shoegaze, la creativa intensidad del post-hardcore, y el virtuosismo y di-namismo del rock y metal pro-gresivo. Es, en pocas palabras, una enorme pieza maestra del equivalente en música rock a la ingeniería aeroespacial.

Jupiter, y la subsecuente gira de promoción, le valieron a la banda un amplio reconocimiento desde diferentes lugares de los Estados Unidos y Europa; gran mérito para un grupo en el que ninguno de los integrantes superaba los 22 años de edad. Tanto así fue, que el siguiente lanzamiento del grupo, el EP “Tides of To-morrow”, un cambio aún más drástico, ya que es una colec-ción de tracks de pop psicodé-lico; alcanzó el tercer lugar en el chart de álbumes del Reino Unido. Además de esto, el ál-bum también les valió la aten-ción de varios grandes sellos, y eventualmente terminarían firmando con RCA Records.

La experiencia en un sello mainstream fue frustrante para la banda, aunque comen-zó positivamente: El presu-puesto que RCA dispuso para la grabación del siguiente álbum, les permitió dejar sus trabajos diarios para poder enfocar-se en la música. No obstante, Cave In fueron contratados en medio de un proceso de tran-sición de la discográfica, y las obligaciones y presiones de cumplir con las expectativas de una discográfica grande afectaron el transcurso de las grabaciones. Eventualmente, quienes abogaron por llevar a la banda hasta ese punto, abandonarían la nómina de

RCA, complicando la situación legal del grupo.

Antes de que esto ocurrie-ra, fue lanzado su tercer LP. “Antenna” fue publicado en marzo de 2003, en medio de un complicado ambiente en-tre el grupo y la discográfica. En materia musical, Antenna, que estuvo adelantado a su tiempo por algunos años (te-niendo en cuenta lo que harían grupos como 30 Seconds to Mars y Circa Survive), es otra magistral colección de space rock, esta vez más inclinado hacia el lado de un rock alter-nativo (gracias a influencias de Failure, The Promise Ring, A Perfect Circle (con quienes habían estado en gira) y Nirva-na; entre otros) con impulsos de progresivo y post-hardcore, bordeando por pasajes con el post-grunge; todo agrupado en una impecable producción de estudio.

Aunque Antenna, al igual que su antecesor, fue recibido con aclamación crítica; falló en cumplir las expectativas de éxito comercial que RCA había

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puesto en el grupo. Con difi-cultad pudo alcanzar el pues-to 169 en el Billboard 200, y el puesto 67 en el chart de la BPI; y de los

dos sencillos promocionales lanzados, “Anchor” e “Inspire”, sólo el primero logró entrar en las listas, ocupando el puesto 34 en el chart alternativo de la Billboard y el puesto 53 en el chart de la BPI.

Todo esto dejó insatisfechos a los miembros de la banda, y durante la gira de promo-ción para el álbum, en la que abrieron en diferentes etapas para Muse y Foo Fighters, de-cidieron componer y grabar demos de canciones pesadas de nuevo, y deliberadamente tocarlas durante sus concier-tos, ignorando las adverten-cias de la discográfica. Para cuando la gira finalizó y debían comenzar las grabaciones del siguiente álbum, ambas partes estaban tan insatisfechas con lo ocurrido tras el Antenna, que acordaron la disolución del contrato, y los derechos sobre los nuevos demos fue-ron entregados enteramente al grupo.

Cave In retornaron a la nó-mina de Hydra Head Records luego de terminadas las gra-baciones para el siguiente ál-bum, ya que allí les garantiza-ron completa libertad creativa sobre el mismo. “Perfect Pitch Black” fue puesto en venta en septiembre de 2005, tuvo a Brodsky y Scofield compar-tiendo el rol de vocalista líder; al igual que los dos anteriores lanzamientos del grupo, fue recibido con aclamo por la crí-tica musical.

Si bien fue un regreso al ma-terial pesado que hizo recono-

cido al grupo en sus comien-zos, Perfect Pitch Black está lejos de ser otro álbum de me-talcore. A parte de “Down the Drain” (una canción de amor acústica, y con extensivo uso de phaser, pitch-shifter, y de-lay) “Ataraxia” (un instrumen-tal de poco menos de cinco minutos y medio), el álbum es un metal progresivo que reco-ge riffs de guitarra de stoner metal y sludge metal con el ambiente space rock carac-terístico del grupo, pasajes instrumentales, y complejas líneas de bajo.

Poco después del lanzamien-to, Conners abandonó la banda debido a que se asentó en Ale-mania temporalmente, para tratarse una lesión de muñeca que le impedía tocar la bate-ría; por lo que el grupo buscó a Ben Koller de Converge para reemplazarlo. Luego de esto, se fueron de gira para promo-cionar el álbum por Europa y Japón; y en noviembre de 2006, a causa de las tensiones de los años anteriores, el gru-po anunció un receso indefini-do.

Durante el tiempo de inacti-vidad de Cave In, sin embargo, los miembros se ocuparon de sus proyectos personales. Sco-field comenzó Zozobra, una agrupación que delata las in-

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fluencias de sludge metal pre-sentes en el anterior álbum de Cave In, y con la cual ha lan-zado dos álbumes de estudio hasta el momento; McGrath se unió como guitarrista líder a Clouds, un grupo de stoner rock, con el que ha lanzado dos álbumes de estudio y un EP hasta el momento; y Brodsky publicó material como solista, un poco más inclinado hacia el pop psicodélico y música expe-rimental.

Para mediados de 2009, la relación entre los chicos de Cave In se había renovado; volvieron al ruedo, junto con Conners, y entraron de nuevo al estudio. El 19 de julio, día en que tuvo el gig de regreso del grupo, fue lanzado el EP “Planets of Old”, que contiene 4 tracks que reúnen lo mejor de cada etapa de la banda: “Cayman Tongue” con sus seis minutos y medio de pesados riffs, capas de delay, feedback a la Sonic Youth, intrincados cambios de tiempo, y screams; “Retina Sees Rewind” con un fraseo tan pegadizo como vi-cioso; los dos minutos y frac-ción de disonante hardcore metal de “The Red Trail”; y “Air Escapes”, un brillante encuen-tro entre stoner metal y speed metal.

Posterior a esto, el grupo continuó tocando periódica-mente en pequeños clubes y festivales, a la par de que eran publicadas las recopilaciones “Anomalies, Vol. 1” (una co-lección de viejos sencillos y covers hechos por el grupo) y “Anomalies, Vol. 2” (grabación en vivo de su presentación como teloneros de Muse en el Mazda Palace de Milán, Italia; en octubre de 2003).

Un quinto álbum de estudio fue anunciado a mediados de 2010, sin nombre; pero tarda-ría casi un año entero para ser publicado porque el grupo es-tuvo de acuerdo en producirlo por sí mismos y no lanzarlo hasta no lograr resultados que satisficieran a todos los inte-grantes.

“White Silence” fue lanzado en mayo de este mismo año, sin recibir mucha atención mediática pero con la expec-tativa generada tras haberse anunciado casi un año antes de su publicación. Al igual que el Planets of Old, White Silence expone lo mejor de cada una de las etapas del grupo, pero lo hace con lo que parece ser una renovada inspiración. Es bipolar (por así decirlo), por-que la primera mitad es el metal texturado y psicodélico característico del grupo (inclu-yendo la monstruosa “Sing My Loves”, de 8:18 de duración), y la segunda está compuesta por tracks más cercanas a lo hecho en el Tides of Tomorrow.

El álbum fue similarmen-te recibido con aclamo por la crítica música, y actualmente el grupo se encuentra en gira promocional de este.La gira en la que Cave In promocionó el “Antenna” abriendo para Muse,

fue la gira de promoción para el “Absolution”. Ambos álbumes fueron el tercer lanzamiento de estudio de cada banda, y ambos fueron producidos y mezclados por el productor estadounidense Rich Costley.

Por: Oscar Daniel Alzate Pérez

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Después de donar mi jugue-te e ingresar, se sintió al ins-tante el ambiente de alegría, rodeado de personas que se respetan y que lentamente ejercen cada día un ejemplo; de que, sin importar donde sea, se puede aceptar el pen-sar de los demás, y los que se expresan con una cresta se pueden juntar con los que se expresan con un tache. Todos juntos, disfrutando del evento de skate, una buena manera para completar un evento don-de se pueden demostrar toda clase de ideas. Ya al fondo se encuentra lo más importante y esperado del festival, una tari-ma donde se podía demostrar toda la capacidad musical que el festival ha logrado reunir, y donde, curiosamente no exis-ten clasificaciones de género. El mismo día encontré ban-das de punk rock, black metal, rock alternativo, thrash metal, y bandas de muchos otros gé-neros; quienes, por sí mismos, quisieron desistir de esa pala-bra, y ponerles el mismo nom-bre a todos: El de artistas, el de personas que tiene algo que mostrarle al mundo. Hellworld, Guillotina, Polen, Pandemia Mental, Desastre Capital, Threat, Requiem, Aphangak, Revez, Witchtrap, Posguerra, y Total Chaos, fueron las ban-das que pasaron por la tarima; cada una mostrando una ma-nera diferente de pensar, una manera diferente de respetar y

apreciar. El cielo nos amena-zó con que llovería, pero eso nunca sucedió, al contrario de lo que sucedió el día ante-rior. Y fue así como cada vez más se llenó el lugar, con la esperanza de ver a la banda internacional que cerró el día, Total Chaos; cuyos integran-tes, durante toda la tarde, se mezclaron con el público, y disfrutaron del torneo de ska-te. Ya en la noche, cuando se subieron a la tarima, el opacó toda idea de que el punk se ha muerto, y el show continuó hasta casi media noche.

Rock al Río cada día avan-za más, y así es como lenta-mente, pero a paso seguro, se convierte en un festival al que todas las personas que este-mos interesados en la mú-sica y en conocer las nuevas bandas que se están creando, no solo en la ciudad o en Rio-negro en particular, sino en los municipios que hay en el departamento antioqueño; se pueden dar a conocer en este lugar, que para muchos ya es su hogar, porque la gente de Rionegro te recibe con los brazos abiertos y llenos de amabilidad y confianza de que todo va a salir bien y adelan-te. Acá se encuentra todo eso, en un importante espacio, en un festival internacional que, en este día dos, nos dio unos bonitos recuerdos, como para darte ganas de que sea ya la siguiente edición.

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Foto por: macskapocs http://www.flickr.com/photos/macskapocs/

Back To the glory of hellPor Daniel Alejandro Yepes

Deicide,Al anunciar las fechas y los países que visitarían en su tour de promoción para el álbum, llamado “God Is

Dead – To Hell With God Tour”, durante los meses de febrero y marzo estaba incluido Costa Rica, país que se opuso rotundamente a que el grupo tocara allí, ya que consideraron que sus temáticas y mensajes incitaban a la violencia y al desorden público; cosa que muchos no creyeron, atreviéndose a culpar a la iglesia católica costarricense, que jamás ha sido afín a la banda estadunidense.


Deicide han regresado a la

gloria del inframundo con su

nuevo álbum “To Hell With

God”. La Banda de death me-

tal procedente de la ciudad de

Tampa, Florida, Estados Unidos;

que es catalogada como una de

las bandas más blasfemas de

la historia; dieron a conocer su

nuevo lanzamiento el día 15 de

febrero del presente año, con el

cual se planea reivindicar a la

banda después de una desas-

trosa primera década de siglo;

en la cual lanzaron “Scars Of

The Crucifix” (2004), seguido

del “The Stench Of Redemption”

(2006), y “Till Death Do Us Part”

en el año 2008; Álbumes que

dejaron mucho que desear a los

seguidores de la banda. Sus le-

tras son iguales, si de temáticas

estamos hablando, pero pier-

den la fuerza y creatividad de

sus riffs. Lo desgarrador y ma-

cabro de las voces de Glen Ben-

ton, no obstante, no deja de ser

bueno; pero parecen carecer

de caracter. Después de varios

cambios de formación durante

toda la década, la formación se

estableció con Glen Benton (voz

y bajista), Jack Owen (guitarris-

ta), Steve Asheim (baterista),

y Ralph Santolla (guitarrista).

Los hermanos Hoffman, quie-

nes eran parte fundamental

de la columna vertebral desde

los inicios de la banda, salen en

2004 después de un gran bache

con el álbum “Scars Of TheCru-

cifix“; pero dan paso a dos gran-

des figuras del death metal:

Owen (exmiembro de Cannibal

Corpse), y Santolla (exmiembro

de Death y Iced Earth); quie-

nes después de dos álbumes

(The Stench Of Redemption y

Till Death Do Us Part), al fin en-

cuentran su equilibrio y la glo-

ria con el álbum lanzado a prin-

cipios de este año. To Hell With

God no es la excepción en sus

letras y temáticas tratadas, ya

que esto ha sido origen de gran

polémica para la banda. ¡Pero,

vaya!, este sí que tiene fuerza,

y parece que han encontrado

su inspiración más allá del mis-

mísimo infierno.

El álbum consta de 10 Ex-

celentes temas: 01. SaveYour

02. EmpoweredByBlasphe-

my 03. Conviction 04. Hang

In AgonyUntilYou’reDead 05.

ToHellWithGod 06. Servant

Of TheEnemy 07. Witness Of

Death 08. Angels In Hell 09. In-

toTheDarknessYouGo 10. How

Can YouCallYourself A God El

disco grabado en Audioham-

mer Studios, bajo el sello Cen-

tury Media, y producido por

Mark Lewis (quien ha trabaja-

do con Devildriver, Chimaira, y

The Black Dahlia Murder); tiene

unavariedad de sonidos ini-

maginables. Los riffs son no-

vedosos, y la voz de Benton

recargada con lo mejor del

deathcore. Algo que llama mu-

cho la atención, es que no caen

en el error de muchas bandas

del death metal, tratando de

ser demasiado “pesadas”, y en

su afán de ello caen en grandí-

simo y repetido error de sonar

igual en todos sus temas. Este

no es el caso de To Hell With

God, que cuenta con ritmos

muy intensos en los que se

nota la potencia de estos dos

grandes guitarristas; cosa que

se muestra especialmente en

“Save Your”. Pero no es lo úni-

co que podemos escuchar aquí,

en temas como “Angel of Hell”

podemos encontrar sonidos

más clásicos de la vieja guardia

del death metal, hasta llegar a

un punto de oscuridad inima-

ginable en el tema “‘Into The

Darkness You Go”, cuyo nom-

bre habla por sí solo. Deicide

no podrían haber comenzado

de una manera más brutal esta

década que apenas comienza.


De Juepuchas es una expe-riencia sonora nacida en Bogo-tá, un recorrido por la memo-ria colectiva que, influenciado por sonidos de bandas como The Avalanches, Girl Talk, I.M.S., Beta Band, y principal-mente por la nueva cultura de la creatividad común y la inte-ligencia colectiva; lanzaría en el año 2009 su álbum “Ser de Juepuchas por Varios Años”, en el que se utilizan aproxi-madamente 1000 fragmentos sonoros diferentes, provenien-tes de la cultura popular, de los recuerdos de la mente co-lombiana, donde mezclan so-nidos clásicos de programas y novelas, con su particular esti-lo musical. Su propuesta, más allá de la música, también es un vehículo para promover la

De Juepuchas: Conoce la experiencia

Nanay CucasPor JuanFelipe Osorio


democratización de las ideas, la liberación de contenidos, y la creación colectiva. Adicio-nalmente, se utiliza el sonido y la música como plataforma de socialización de problemáticas cotidianas, y hace un llamado de conciencia sobre la colec-tividad, y lo importante de la memoria en la construcción de un presente.

Conformado por Scott An-derson y George Nenon, estos chicos encontraron en los re-cuerdos del ayer, la excusa per-fecta para recrear la inventiva, dándole a aquello que perma-nece olvidado en la memoria, una nueva forma de uso para no olvidar; mezclando desde “Sammy el Heladero” hasta las

propagandas de Doloran en su estilo único de hacerlo. En su primera producción “Ser de Juepuchas por Varios Años”, se puede encontrar una expe-riencia única en materia mu-sical, donde los De Juepuchas nos llevan en un viaje al pasado para reencontrarnos con la cul-tura popular colombiana, todo un tributo a la memoria; aun-que es poco en comparación con la energía que representan en vivo, donde sugieren la re-cuperación de espacios públi-cos olvidados o subestimados, para llamar a la participación, a la inclusión, a la diversidad, a la socialización de la cultura. Creen en la música para todo el mundo, y en la cultura como

facilitador de cohesión social.De Juepuchas es una expe-

riencia sonora completa que no te puedes perder, dale play a la música y disfruta de un via-je al pasado de la idiosincrasia colombiana.

Este es el bocadillo, previa, o esa vaina que nos dijo Oscar que hiciéramos que no recuer-do como se llama:

De Juepuchas, descritos por sí mismos:

“25 años de recorrido por el planeta, recogiendo y guardan-do memorias, y experiencias auditivas individuales y colec-tivas. De Juepuchas es puro brochazo de retazos y colores sonoros”.

JuanitaDientes Verdes:La respuesta a nuestras plegarias

Foto por Andrea Catt

Por

Juan

Felip

e Oso

rio

JuanitaDientes Verdes:La respuesta a nuestras plegarias

Juanita Dientes Verdes es una banda de rock alternati-vo que nació en Colombia por allá en los años 90, de las más queridas y recordadas bandas de nuestra escena. Ellos han regresado en el 2011, después de una ausencia de trece años, con un nuevo trabajo discográ-fico llamado “Trece Plegarias”. Pero hay mucho mas detrás de todo esto.

Juanita Dientes Verdes es un nombre surgido de una leyen-da irlandesa, en la que una bru-ja devoraba niños a la orilla de los ríos. Es así como la banda regresa en el 2011, con ganas de devorar y atraer al público para infundir su mensaje, un mensaje social donde nos ha-blan de cuidar nuestro planeta.

Formados en la ciudad de Medellín en los años 90, más precisamente por allá en el 92. Con aproximaciones al rock al-ternativo y al post punk ochen-tero, lanzarían, en marzo del 93, su primer trabajo homóni-mo, donde se incluyeron los te-mas “Pintando Azul”, “Plácido Domingo”, “Eres”, y el himno underground, “Aeiou”.

En noviembre del 94 vería la luz el segundo trabajo de Jua-nita Dientes Verdes, titulado

“Plumas de Pato”, del cual se extrae el single “Quiero Ser”, que contaría con su respecti-vo, video; y así comienzan una extensa serie de conciertos en el circuito de bares existentes del país.

La disquera colombiana Co-discos le propone a la agrupa-ción, realizar un tercer trabajo discográfico con un sonido más comercial, a lo cual el grupo se niega, y en enero del 96 se da por terminado el contrato dis-cográfico.

Después de atravesar algu-nos cambios en su alineación y redefinir su sonido, en 1998 lanzan su tercer trabajo, titula-do “Flour Power”, compuesto por 7 temas de pura psicode-lia abrasiva, donde se inclu-yeron los clásicos “Bohemio Pig”, “CO2”, “Labios Adentro” y “Seis Eses”.

Ya en octubre de 1998, Gui-do Isaza, vocalista y líder del grupo, decide disolver la ban-da; y poco después viaja a Los Angeles, California, donde resi-dió por casi 10 años, durante lo cual pudo trabajar y colaborar en varios proyectos como Scit-zo, Ballpit, Eden Scar, La Pesti-lencia, Día de los Muertos, The Unsettled, y Transcient.

En el 2005, Guido regresa durante una corta temporada, donde se logra un reencuentro de la banda y celebrando los 13 años de la formación del grupo con los distintos individuos que hicieron parte de las etapas de la agrupación. El evento convo-caría más de 4000 espectado-res.

El 2011 parece ser un año clave para Juanita Dientes Verdes. Después de su reacti-vación como banda en el 2009, en este año han logrado resur-gir de sus cenizas como una de las bandas más recordadas de los años 90, y demostrando que aún les queda mucho por ofrecer, con un nuevo trabajo discográfico y una alineación compuesta por Guido Isaza en la voz, Diego Vásquez en la batería, David Serna en la gui-tarra, y Andres Piedrahita en el bajo; los chicos de Juanita volvieron para demostrar que más que un simple nombre, son una leyenda.

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Estamos en una sociedad donde cada día nos ponen más tapujos, más ataduras; y no siendo esto suficiente, nosotros mismos, como parte de una humanidad, también nos dividimos a nosotros mis-mos innecesariamente. Esta es la forma de la banda de death metal No Raza, nativa del mu-nicipio de Bello, Antioquia, Co-lombia; de decir NO a la RAZA.

Juan Guillermo Cano nos de-cía que la humanidad no tiene sólo razas que nos separan como tal humanidad, sino que muchos de los grupos creados por nosotros mismos, como lo son las diferentes religiones, y clases sociales y políticas, tam-bién generan fisuras en nues-tras sociedades. Por este moti-vo, No Raza intenta, por medio de sus líricas, hacernos enten-der que no debemos dividir-nos, y ser una sola raza llama-da humanidad. “Muchos años atrás, se visionaba el aterrador futuro que estamos viviendo. La hora llegó, la humanidad y su imparable poder de crea-ción destructiva (irónicamente) está descargando toda su furia contra sí misma. Vemos como el hombre es destruido por el hombre”, dice Alex Palacio. Esta es la filosofía, la columna vertebral de sus letras. Pero, ¿qué hay de sus sonidos?.

La banda cuenta con la si-guiente formación: Juan Gui-llermo Cano (vocalista y gui-tarrista rítmico), Jairo Hernán Gómez (baterista), Alex Pala-cio (bajista), y Gustavo Carva-jal (guitarrista líder); aunque

esta no ha sido siempre la formación; y muchos menos sus estilos musicales. Al inicio eran solamente Cano y Gómez, quienes desde sus influencias musicales, el power metal y el punk, comenzaron a buscar una identidad musical que fue-se afín para ellos, ya que en sus comienzos, No Raza solo era un pasatiempo. Incluso ni Ins-trumentos musicales tenían.

Después de un tiempo se in-corpora Palacio quien después de un viaje a los estados unidos trae una propuesta totalmente Nueva para ellos, Con esto co-mienzan a encaminarse por los caminos del Death Metal lo cual era perfecto para ellos ya que su incentivo principal era ha-cer conciencia social mediante sus letras y el Death Metal se presta demasiado para ello. Después de en el año 2002 se incorpora Carvajal con su fuer-za musical, A complementar lo que es hoy en día No Raza. No Raza ya cuentan con dos traba-jos discográficos: “Extorsión” (2001) y “Del Poder a la Muer-te” (2003). También podemos encontrar varios videoclips de los temas “La Marcha” y “Es-clavos por unos Indios”. Lo cu-rioso de esto es que todos es-tos álbumes fueron producidos y masterizados por ellos mis-

mos. Como nos decía Palacio, “nosotros cree-mos en la música underground, no creemos en disqueras que resquebrajen nuestras ideas”.

No raza también han parti-cipado en diferentes festiva-les de gran importancia en el país, como lo son el Festival Nacional de Bandas (Sucre) y el Altavoz Internacional, Don-de compartieron tarima con grandes bandas nacionales e internacionales como Athaha-tor, Thy Antichrist, I.R.A, The Black Cat Bone, Nepentes, y Carajo. Actualmente, No Raza se preparan para lanzar su úl-timo álbum, “Misantropía”, que será publicado a principios del próximo año, y será su primer disco masterizado en el exte-rior.

Nos contaron en exclusiva para Noise Armada, que pla-nean promocionar el disco con una gira por toda Latinoaméri-ca, patrocinada por sí mismos. Además, una gran exclusiva dada el domingo 13 de no-viembre por Cano, lo cual nos tiene muy contentos por ser los primeros en darla a cono-cer al público: No Raza fueron nominados en “Maximum Dis-tortion”, programa avalado por MTV 3, para Mejor Banda Lati-noamérica de Death Metal; lo que ya es un gran logro tanto para ellos como para el metal colombiano. Esperamos que tengan éxito en lo que se viene con esta nominación. Solo que-da invitarlos a escuchar esta brutal banda.

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Foto por Camila Valenzuela

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El legado del thrash:

Metallica,

Master of Puppets

Master of Puppets es el ter-cer álbum de estudio de la ban-da Metallica, lanzado al merca-do en marzo de 1986, y sería el último álbum que contaría con la participación del virtuo-so bajista Cliff Burton, antes de su trágico deceso. Este álbum es considerado un clásico del thrash metal junto con otros discos, como el “Rust in Peace” de Megadeth.

Compuesto por ocho tracks, entre las que se incluyen clá-sicos como la que le da el tí-tulo al álbum, “Welcome Home (Sanitarium)”, y la canción “Orion”, que es considerada por muchos fans de la banda como un himno de Cliff Bur-ton, siendo tanto así que fue la canción que se escucho en el funeral del mismo; este álbum sirvió para consolidar a Me-tallica en el mercado musical mundial, puesto que fue el pri-mer disco de la banda que fue certificado como disco de oro, tras vender 500.000 copias tan

solo en Estados Unidos llegan-do. Eventualmente llegaría a más de seis millones de unida-des vendidas.

“Battery”, la canción que da entrada al disco, es el intro per-fecto para darnos una idea del sonido del álbum, un tema que en principio da la impresión de balada, pero pasa rápidamente a guitarras fuertes y distorsio-nadas, con la voz de Hetfield cantando a todo dar, y una ba-tería frenética ideal para car-gar energías. La canción que le sigue, misma que da nombre al disco, es uno de los himnos del thrash metal, y elegida por VH1 como la tercera mejor canción de la historia del heavy metal: “Master of Puppets”, un tema que no necesita presentación. “The Thing that not Should Be”, tema inspirado en los es-critos de H.P. Lovecraft, cuenta en toda su extensión con un riff muy pesado, y lento en com-paración con los ‘tempos’ del

resto de canciones del álbum. Luego, en “Welcome Home (Sanitarium)”, nos encontra-mos una canción inspirada en la película “One Flew Over the Cukoos Nest”; de ahí proviene el ambiente oscuro en su melo-día y la letra depresiva, puesto que dicha película trata sobre un hombre que se encuentra encerrado en un manicomio. Por otro lado “Disposable He-roes” es un tema mucho más pesado en comparación con al-gunos de los anteriores, porque la temática de su letra se cen-tra en temas militares, ponién-dolo desde el punto de vista de un soldado obligado a luchar y morir en batalla. “Lepper Mes-siah”, sexta canción del álbum, es una crítica mordaz a las reli-giones que se promocionan en los medios. La canción cuenta con ritmos rápidos y cambian-tes, y habla sobre un mesías le-proso que sirve de parodia a los falsos dioses y sectas. “Orion” y “Damage Inc.”, canciones con las que se cierra el disco, son temas cargados de energía y guitarras rápidas, y en los que se nota mucho la influencia del difunto Burton, especialmen-te en la primera, que como ya se mencionó, es todo un himno del mismo.

Master of Puppets ha servido de influencia para muchos ar-tistas del metal, entre los que se cuentan a Anthrax, Apocalyp-tica, Limp Bizkit, Stone Sour, Dream Theater, Bullet for My Valentine, Humanimal,Razed in Black, Thunderstone y John Marshall, Mikkey Dee, Tony Le-vin y Whitfield Crane; quienes han versionado una o varias canciones del disco a modo de tributo a esta joya del thrash.

De un concierto donde jun-tamos las vibras positivas y la naturaleza, con una de las emisoras más escuchadas en el país, no se podía esperar menos. En el pasado Radiónica Sound System, que tuvo lugar en el Jardín Botánico, tuvimos la oportunidad de disfrutar de dos propuestas musicales en un formato pequeño, sin mu-chas pretensiones, donde lo importante era conectarse con el ambiente; una oportunidad perfecta para pasar la tarde y disfrutar de buena música. La elección de Radiónica no pudo ser más acertada, De Bruces a Mí y M.A.L.A, dos agrupa-ciones de géneros diferentes, pero que lograron envolver al público asistente con sus pro-puestas. En una tarde donde la lluvia nos sorprendió de repen-te y el público era reducido, no importaron los grandes mon-tajes ni un show exagerado; con un formato muy simple, las bandas nos sorprendieron por su puesta en escena y la exce-lente conexión con el público, en un show donde no eran los fans y la banda, sino un todo.

Fue así como estas dos agru-paciones lograron captar la atención de todos los que es-tuvimos allí, sin dejar indife-rente a nadie. Apoyando el año de los bosques, se llevo a cabo este evento que arranco con De Bruces a Mí, quienes, como siempre, dejaron ver la calidad musical a la cual nos tienen acostumbrados; y el carisma de su frontman, Mauricio Oso-rio, hizo lo propio al compartir con los fans que acudieron a la cita ese día, a ver una de las mejores propuestas de reggae de la ciudad.

Por otro lado, M.A.L.A, artista del género de música electró-nica, hizo lo suyo con su mezcla de beats y ritmos ligeros que le puso color a la noche. Sin im-portar el clima, le puso el ritmo a la lluvia, dándole el toque fi-nal a este evento del que, po-dría decirse, fue todo un éxito.


RadionicaSound System,la musica en su ambiente mas natural

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Muchas veces me han dicho en los conciertos ”¿por qué no te diviertes y escuchas la mú-sica?, siempre estas con el ojo pegado de esa lente”, y me re-sulta bastante curioso porque, ¿quién dice que no me divier-to?. Todos tienen su manera de ver las cosas, y mi elección, como la de muchos otros, fue ver la vida a través de un lente. Es muy grato saber que en me-dio de la euforia de los concier-tos, y con la música sonando a todo dar, algunos ven en correr de un lado a otro buscando los mejores ángulos, su idea de di-versión; y es por eso que decidí hablar un poco de esas perso-nas que muchos desconocen, pero que en definitiva han visto algo de ellos: ¡Los Fotógrafos Del Rock! Nombres como Bob Gruen, Annie Leibovitz, Linda Eastman, y Mark Seliger, qui-zás no les suenen a mucho; pero si les dijera que uno de estos es el creador de la mítica imagen de John Lennon con la camiseta de Nueva York, o que Leibovitz es la mente tras la portada más famosa de la re-vista Rolling Stone, misma foto que fue la última de Lennon antes de ser asesinado; ya no son tan “Don Nadie”, ¿cierto?. Cabe mencionar que Linda es la famosa esposa de un beat-le, quien ya era famosa como fotógrafa antes de casarse con Paul McCartney, y que Seliger

es el capo de las portadas edito-riales, y cuenta con la nada des-preciable suma de más de cien portadas publicadas en la revis-ta Rolling Stone. Podría jurar sin miedo a equivocarme, que ellos sí que se divertían en los con-ciertos; y de no ser así, ¿cómo podrían lograr fotografías que pasaron a la historia?.

Pero, ¿cómo dejar de hablar de los nuestros, los chicos de la casa, personajes que vemos a diario en cada concierto pero que algunos aun desconocen?. Fotógrafos como Camilo Her-nández, Andrea Catt, o Karin Richter, son claros ejemplos del talento con el que contamos en Colombia, un país donde el arte sigue siendo de categoría B. Aún así, seguiremos viendo a quie-nes se dedican a disparar en los conciertos; no disparar balas, ni mas faltaba, sino disparos de imaginación que en un abrir y cerrar de ojos habrán inmorta-lizado alguna sensación, algu-na expresión o algún momento para el deleite de muchos, o para el deleite propio. Todos te-nemos una razón. Todos vemos, en distintas cosas, nuestra idea de diversión. Rock

Los Fotógrafos del

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Rock Los Fotógrafos del

Foto de Robert Scoblehttp://www.flickr.com/photos/scobleizer/

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