Cuadernos de Cultura Musical

Jaime Ingram Jaén

BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA

Períodos, Estilos y Compositores

Derechos Reservados

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BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA

Estilos musicales

El arte de la música en Europa, a través de su historia, presenta estilos

diversos que a su vez no son más que técnicas características de una época y

expresión de una sociedad determinada. Estos estilos o períodos, en líneas

generales, son: el románico, el gótico, el renacentista, el barroco, el rococó, el

clásico vienés, el romántico, el impresionista y el expresionista.

Cada uno de estos estilos, emanados uno del otro, concatenados entre sí

como los eslabones de una enorme cadena, conllevan sus propios medios de

expresión, sus propias leyes y disciplinas, su propio colorido y dinámica,

conllevan en suma una técnica que le es propia e inherente y que de cierta forma

establece la demanda y el gusto del momento, técnica que es organizada y

sistematizada por los grandes teóricos y compositores, aunque no siempre bien

explicada por la ciencia estética.

Así como es impropio juzgar la moda de vestir de hoy en base a cánones o

gustos de épocas pretéritas así tampoco es aceptable juzgar una obra musical

usando como argumentos conceptos que pertenecen a técnicas y períodos ya

desfasados históricamente. De hacerlo incurriríamos necesariamente en un grave

error, de ahí que Taine señalara1 que “para comprender una obra de arte, un

artista o un grupo de artistas, es preciso representase con exactitud el estado

general del espíritu y de las costumbres del tiempo a que pertenecen”. Valga la

ocasión para señalar, sin embargo, que la brecha que separa al hombre común de

cualquiera de las manifestaciones del arte tiende a ampliarse cada vez más lo cual

impone la creación de una metodología de instrucción sistemática y sostenida

sobre la materia.

Períodos musicales

Si nos basamos en la densidad o textura de las obras musicales, la historia

de la música occidental puede dividirse en tres grandes períodos, a saber:

monofónico, polifónico y Homofónico. Cada uno de estos períodos se traslapan

entre sí, sin que exista una separación concreta y formal entre uno y otro.

1 Taine, Filosofía del arte.

5

6

El canto llano de la Iglesia romana es uno de

los grandes tesoros de la civilización occidental

Grout y Palisca2

PERÍODO MONOFÓNICO (año 300 a 800)

Introducción

Las raíces del período monofónico occidental tienen su origen en los

griegos y en los hebreos. Los primeros aportan fundamentalmente su complicado

pero importante sistema teórico mientras los segundos legan su espléndido

repertorio melódico así como la consuetudinaria y particular habilidad en la

ejecución de los instrumentos musicales.

Entre el ocaso del mundo antiguo y la implantación de la cultura

occidental se interpone una fascinante época de formación conocida como Edad

Media a la que debemos remitirnos para encontrar las fuentes de nuestra actual

sociedad.

La herencia de la cultura griega y la civilización romana se fue diluyendo

con las constantes invasiones de las llamadas tribus bárbaras: ostrogodos,

visigodos, vándalos, francos, hunos, celtas, sajones, vikingos, eslavos, etc.,

grupos humanos que fueron transformándose de “gente primitiva”, con relación a

la civilización conocida del mundo romano, en identidades que constituyen hoy

las diferentes naciones del Continente europeo. De ahí que la Edad Media, lejos

de ser una era de tinieblas y oscurantismo, como se la consideró por muchos

años, representa en realidad un intenso como complejo período de gestación del

hombre occidental, o sea uno de los períodos históricos más ricos, interesantes y

creativos en la historia de la humanidad.

A Alejandro el Grande se debe el restablecimiento del vínculo espiritual

entre el helenismo y el mundo antiguo.

Contrario a lo que comúnmente pueda pensarse, en la Edad Media

existieron etapas de grandes inquietudes espirituales, artísticas, políticas,

económicas y morales, que giraron, como es natural, en torno a los principios de

la austera doctrina cristiana que en esos momentos llevaba a cabo su histórica

gesta. En efecto el ingreso del Cristianismo en la vida espiritual del hombre

occidental trajo consigo, entre otras cosas, un sorprendente despertar de las artes

y las letras, mientras el poderoso Imperio Romano, debido quizás a la falta de

grandeza intrínseca y substancia espiritual, se deshacía poco a poco.

2 Donald J. Grout y Claude V. Palisca, Historia de la Música Occidental, Alianza Música, Madrid,

2001, Vol. 1, Pág. 59.

7

Música y Cristianismo

En un principio la música en general no fue ni siquiera recibida con buena

voluntad por parte de la autoridad eclesiástica que veía en ella un posible vínculo

de perpetuación del paganismo. Para la Iglesia Católica la música tenía que

contribuir exclusivamente a robustecer la fe del hombre y para ello era

fundamental que estuviera por entero al servicio del texto sagrado. De ahí su

poco interés por la teoría y la ciencia en general de la misma.

Es preciso tener presente que la música durante todo este período no tenía

el significado estético que tiene hoy. Era en realidad, usando una expresión

contemporánea, un arte meramente funcional. Después de todo, los propios

filósofos griegos no cultivaban la música por amor al arte ni por la belleza de su

contenido sino más bien por sus valores éticos y formativos. Es más, el arte

musical del medioevo constituyó un patrimonio tan íntimamente vinculado a la

Iglesia y a su calendario litúrgico, que los conceptos “música” y “música

litúrgica” resultan casi sinónimos en la historia de ese período.

Con la rápida difusión del cristianismo y la progresiva organización de la

Iglesia, particularmente a partir del siglo IV, cuando el Emperador Constantino

concedió la libertad de culto a los cristianos, la jerarquía eclesiástica se propuso

organizar y unificar todo aquello que se refería al ceremonial religioso,

incluyendo el canto utilizado para el texto sagrado, que pasó a denominarse

genéricamente Canto Litúrgico, o canto primitivo cristiano.

Salmodia e himnodia

Las dos modalidades fundamentales de dicho canto lo constituyeron la

Salmodia, o canto de los salmos del rey David y la Himnodia, o sea los cantos de

alabanza, devoción y agradecimiento a Dios. Los segundos se consideran, en

general, superiores a los primeros. Existían también otros cantos como el

Benedictus (canto a Zacarías) y el Magníficat (cantos a la Virgen), entre otros.

Canto Litúrgico

El canto litúrgico, o canto monofónico eclesiástico, es una declamación

cantada del texto sagrado cuya sintaxis depende exclusivamente del verso. No

hay ritmo propiamente dicho en el canto litúrgico monofónico3 toda vez que éste

depende de la letra del texto que se canta.

Poco es lo que se sabe en forma concreta sobre el canto litúrgico primitivo

del Cristianismo, salvo que emana casi total y exclusivamente de la sinagoga, en

donde las lecciones de las Sagradas Escrituras se recitaban, los Salmos se

3 A. Robertson y D. Stevens en su Historia Universal de la Música, (Edic. Istmo, Madrid, 1972, Vol. I,

Pág. 239) señalan que el ritmo en el canto gregoriano es una cuestión todavía muy discutida que genera

más acaloramiento que luz.

8

declamaban melódicamente y los Himnos se cantaban. El propio San Pablo en la

Epístola a los colosenses, exhorta a la grey cristiana a instruirse precisamente con

las tres formas vigentes del canto hebreo que eran los salmos, los himnos y los

cánticos espirituales o de alegría, amén de que los primeros chantres cristianos

fueron instituidos en las casas judías de devoción.

Canto declamado

Es de suponerse que el estilo tan propio del canto eclesiástico se origina

por la necesidad que tiene todo aquel que habla o lee, particularmente en un

recinto amplio como sucedió en el antiguo teatro griego, de entonar su texto

sobre una sola nota para proyectar mejor la voz y hacer que el verso sea más

claro para el auditorio. De ahí que la salmodia, o canto de los salmos, se hiciera

a través de la declamación entonada, cantada, o acentuada.

Salmos e himnos

Por otro lado es importante tener presente que los primeros cristianos eran

de origen judío, griegos, egipcios, armenios, sirios, romanos, y galos, entre otros,

con muy pocos vínculos comunes fuera de las enseñanzas de la Nueva Fe,

constituyéndose en un denso crisol de diferentes tradiciones y criterios sin una

unidad real de culto. Es lógico pensar, por ende, que cada uno o cada grupo

humano cantase los Salmos o los Himnos, sea en las catacumbas, sea en

residencias privadas o en el bosque, dentro del estilo de su propia tradición, y que

fue labor de los padres de la iglesia (la Patrística) darle a ese canto eclesiástico la

unidad necesaria para infundirle solidez, fuerza y perennidad, al mismo tiempo

que construía y ordenaba su complejo ceremonial para la formalización del

calendario litúrgico.

A su vez, los himnos o cánticos, eran expresiones o cantos de alabanza,

devoción y acción de gracias cuyo origen se remonta a las escuelas catequistas de

Alejandría, que, con San Clemente a la cabeza, cultivaron el acercamiento entre

la cultura helénica y la cristiana. Cada sílaba del texto de los himnos se cantaba

sobre una o dos notas de la melodía, mientras que en los cantos espirituales, o

cantos de júbilo, se jugaba con las sílabas del texto, adornándolas o alargándolas

con grupos de notas que se denominan melisma o fiorituras4. Originalmente los

himnos fueron acompañados por palmoteos de manos y movimientos de danza,

costumbre que se fue paulatinamente perdiendo.

Primeros himnos latinos

El biblicismo, movimiento de la Iglesia de mediados del siglo III que

velaba por la autenticidad de los textos sagrados, reacciona y reglamenta la

4 Algunos tratadistas clasifican las melodías del canto litúrgico en tres tipos: las silábicas, aquellas que se

canta una nota por sílaba; las neumáticas, aquellas de dos notas hasta cuatro o cinco por sílaba, y las

melismáticas, que son aquellas con largas frases floridas que se cantan con una sola sílaba.

9

himnología o himnodia5. Se le atribuyen al obispo Hilario de Poitiers, junto con

San Agustín, la composición de los primeros himnos latinos de la iglesia

occidental (c.360), tomando como modelos los himnos sirios y griegos de las

primeras iglesias cristianas orientales. De Hilario sólo se han conservado tres

piezas.

Le tocó también a San Ambrosio introducir himnos a la Iglesia occidental

durante la persecución de los arrianos6 de ahí que se le considere como el

fundador de la himnodia en la iglesia romana. Hasta ese momento las iglesias

orientales, siríaca, bizantina, armenia, copta y etíope, asignaban a los himnos una

parte más preponderante en el servicio religioso, costumbre que San Ambrosio

decidió adoptar en la iglesia occidental7.

Con el poeta latino, Prudencio (m. c.405) se cierra el ciclo de la himnodia

latina de los primeros siglos cristianos de música.

El Cristianismo elevará el arte sacro musical monofónico a grandes

alturas, arte que estará al servicio exclusivo del ceremonial religioso. Existió

también abundante arte musical monofónico popular o laico que

lamentablemente no llegó a conservarse.

Hasta mediados del siglo IV la lengua oficial de la Iglesia cristiana fue el

griego y sólo a finales del siglo (382) aparece la traducción latina del Nuevo

Testamento conocida como la Vulgata, solicitada por el Papa Dámaso I,

realizada y compilada por San Jerónimo. Se desconoce, sin embargo, cómo eran

los cantos romanos originales, tales como habían llegado de Jerusalén, Siracusa,

Antioquia o Bizancio8, sean en su forma actual o en sus producciones

francoromanas de los siglos VIII y IX.

Graduale y Antiphonale romanum

Los cantos de las dos formas principales del oficio divino, el propio y el

ordinario (propium y ordinarium), se ordenaron, fundamentalmente, según el

año eclesiástico, en dos libros: el Graduale Romanum y el Antiphonale

Romanum.

El canto era parte integrante de toda ceremonia religiosa o de carácter

cívico, sin olvidar que constituía una de las materias del grupo matemático

superior de las siete artes liberales del momento. En efecto, la música (armonía)

junto con la aritmética, geometría y astronomía, era lo que se conocía, desde

5 Para que sea himno debe tratarse de “una alabanza a Dios cantada por una congregación”.

6 Herejía de Arrio (280-336), sacerdote de la iglesia de Alejandría quien en el 312 comenzó a propagar su

doctrina contraria a la divinidad de Jesucristo, condenada en el primer Concilio de Nicea (325). 7 Los himnos cristianos bizantinos más antiguos que se conocen hasta hoy son los encontrados en el

papiro de Oxirincos (Oxyrhynchos, Egipto, 1918) con notación alfabética griega, preservados en

fragmentos que datan, aproximadamente, de finales del siglo III, entre ellos el llamado Himno a la

Trinidad. 8 Cuando el emperador Constantino mudó la sede del Imperio Romano a Bizancio (conocida

posteriormente como Constantinopla y Estambul) la ciudad se transformó en otro centro hegemónico de

poder como Roma, Antioquia, Alejandría y Jerusalén y, consecuentemente, en un significativo centro de

poder religioso.

10

1253, con el nombre de quadrivium o artes matemáticas.9 La Iglesia Católica,

muy interesada por un lado en el desarrollo del canto eclesiástico, por otro

prohibió terminantemente la introducción del instrumental musical dentro de las

iglesias, prohibición que mantuvo vigente casi hasta hoy. El propio Santo Tomás

de Aquino, aún en el siglo XIII, se manifiesta contrario al uso de los

instrumentos dentro del recinto sagrado alegando para ello varias razones, entre

ellas que distraían la devoción de los feligreses. Sólo en el siglo IX se permitió la

introducción del órgano en las iglesias. Esta es una de las tantas razones por las

que el canto monofónico a capella, o sea el canto de una sola línea melódica sin

acompañamiento instrumental, fue la expresión musical por antonomasia de la

Iglesia cristiana durante un período de mil años aproximadamente.

San Ambrosio y San Gregorio

En el siglo IV, San Ambrosio (ca.340-397), obispo de Milán, fue el

primer coordinador del canto eclesiástico. En efecto, al observar la gran

confusión que había en la música sagrada de la cristiandad decidió fijar las cuatro

escalas o modos que deberían usarse, a la vez que ordenó cuidadosamente el

repertorio existente. Dos siglos después, según ha establecido la tradición, el

Papa Gregorio Magno, (540-604) impuso una segunda reforma y llevó a cabo la

clasificación definitiva del canto litúrgico10

. Aunque estos dos nombres son los

que la historia presenta como los principales organizadores del canto litúrgico

medieval, -de ahí las denominaciones canto ambrosiano o milanés y canto

gregoriano o romano11

- existieron otros padres de la iglesia que se dedicaron a la

misma tarea, con igual ahínco, entre ellos: San Clemente de Alejandría, San

Basilio el Grande, San Silvestre, San Efren y San Gregorio Nacianceno.

Monasterios y abadías

El medio más eficaz que utilizó la iglesia para presentar y difundir su

doctrina y sus valores de civilización fue el monasterio, institución creada en el

siglo VI por San Benito (480-547) de Nurcia, Italia, fundador de la Orden de los

Benedictinos, conocido como “Patriarca del Monasticismo Occidental”, por

haber fundado las primeras órdenes monásticas en las que impuso el estudio de la

música como obligación fundamental de su propia regla. San Benito creó así

mismo el monasterio de Monte Casino en Italia, donde escribió, en el año 540, su

célebre “regla monacal” adoptada rápidamente en toda Italia y el resto de Europa.

La regla planificó las actividades diarias del monje entre el culto religioso, la

meditación, el estudio y el trabajo manual, enseñando a orar y trabajar en

comunidad.

9 El grupo retórico o inferior, o artes verbales que se conoció como trivium y que apareció en los

alrededores de 1475, comprendía gramática, didáctica y retórica. 10

No obstante es interesante observar lo que el historiador Josef Gelmi señala en su obra Papas, Retratos

y semblanzas, Editorial Herder, Barcelona, 1986, Pág. 39, “Es ya insostenible la opinión de que Gregorio

escribió también un tratado de música ni que compusiera himnos, como se afirmó más tarde. Lo que sí es

posible es que hubiera fundado la Schola Cantorum romana”. 11

En los alrededores del 770, finales del siglo VIII, la expresión Canto gregoriano reemplaza el término

Canto romano.

11

De las abadías de Canterbury12

, Soissons, Fulda, Metz, San Gall fundado

cerca de 62713

, Monte Cassino, Solesmes, etc., brotó, poco a poco, la teoría y

estilo de interpretación del canto litúrgico.

Neumas

Como quiera que las notas, tal como las conocemos hoy, no habían sido

inventadas aún, el canto de la liturgia fue registrándose con unos signos llamados

neumas que servían de guía para la orientación del cantante. De ahí surge una

notación o escritura muy particular, que se conoce como notación neumática. La

palabra griega, neuma, significa aire o aliento. Se usa para describir un grupo de

notas que se cantan sobre una sola sílaba y en un solo “aliento” o sea en una sola

respiración. El signo neumático indica también la elevación o el descenso de la

melodía. Las variaciones de altura de los sonidos eran fácilmente señaladas pero

no así los intervalos entre las notas.

En la praxis los cantantes aprendían las melodías de oídas,

memorizándolas, y los neumas, que aparecieron por vez primera en el siglo VII,

sólo servían de recordatorio, pero su lectura nunca fue muy exacta. Inclusive

muchos de ellos no han podido descifrarse todavía.

Primeros manuscritos con neumas

Los primeros manuscritos con neumas aparecen entre el siglo VII y IX,

durante el período denominado paleo francés. Poco a poco se fue elaborando un

sistema que pudiera indicar de manera más segura el intervalo entre nota y nota.

Así fue apareciendo primero una línea horizontal llamada pauta que determinaba

la nota fa (de ahí el origen de la clave de fa), luego otra línea que determinaba la

nota do (clave de do), luego dos más formando el llamado tetragrama, el que

aparece todavía en algunos manuales de canto llano de la iglesia.

12

La tradición del canto eclesiástico en Inglaterra data de la época del Papa Gregorio, cuando envió a su

representante, un monje benedictino llamado Agustín, para convertir al rey Egoberto y a sus súbditos, en

el año 597, quien llegó cantando el Deprecamur te, Domine. Agustín fue el primer arzobispo de

Canterbury, abadía que se transformó rápidamente en el centro más conspicuo de Inglaterra para el

estudio del canto gregoriano. 13

Cuando el poderoso Carlomagno, rey de los francos y emperador de occidente, invitó a un número

plural de cantores romanos, especialistas en canto litúrgico, a trasladarse a su corte de Aquisgrán donde

había fundado una escuela de canto, uno de los monjes del grupo se enfermó en la travesía de los Alpes y

tuvo que permanecer en el monasterio de San Gall, Suiza, logrando transformarlo, según se dice, en uno

de los centros más importantes para el estudio y difusión del canto eclesiástico.

12

Existieron diferentes tipos de neumas dependiendo de las abadías o

escuelas de donde surgían. Así, los neumas de la Escuela de San Gall, por

ejemplo, tenían trazos suaves mientras que los del monasterio de Metz eran

ligeramente ondulados, a su vez los de Benevento se caracterizaban por trazos

fuertes y los de Aquitania presentaban diseños graciosos y más delicados, etc.

Es interesante señalar que ya en el siglo VI se conoció en España una

notación musical visigoda propia y que la lírica latina profana más antigua de

Europa procede de la España de San Eugenio y de San Isidoro de Sevilla.

Primeros Tratados musicales

Durante la tercera década del siglo VI aparece la obra De Institutione

Musica del noble romano Boecio14

(c.480-526), el tratado de música occidental

más antiguo que se conoce, verdadera biblia musical de la Edad Media. Aunque

gran parte de la obra se ha perdido, se conserva de ella la exposición sobre la

notación griega en la que se señalan las influencias de Platón (348 a.C.),

Aristóteles (322 a.C.) y Ptolomeo quién vivió entre 51 y 127 (S.II), considerado

como el último sabio de la antigüedad, importante astrónomo, geógrafo,

matemático y teórico de la música. Hacia finales del siglo II vivió Quintiliano

autor de la obra De Musica. Sucede al tratado de Boecio, el Instituciones

Divinarum et Humanarum Rerum de Casiodoro15

(c.485-575), notable hombre

de Estado quien junto con Boecio suministró en sus escritos todo lo que puede

inquirirse acerca de la ciencia musical en el siglo VI, particularmente en la corte

de Teodorico; tras la entrada de Belisario en Rávena se retiró y fundó dos

monasterios. Siglos después aparecieron De Música (804) del inglés Alcuino16

,

consejero de Carlomagno, obra desaparecida, y el De Música, del monje

Aureliano de Reomi, a mediados del siglo IX, en la que se expone la teoría

modal del canto eclesiástico.

En el año 650 el Concilio de Châlons prohibió formalmente el canto de las

mujeres en la iglesia, además de que, como quiera que toda expresión musical

dentro del recinto sagrado era privilegio exclusivo del clero, el canto de la

comunidad fue igualmente atacado y rechazado.

14

Cuyo verdadero nombre era Anicio Manlio Torcuato Severino (c.470-542) célebre político, filósofo,

musicógrafo, matemático y consejero privado de Teodorico el Grande, escribió cinco libros de música

que constituyeron texto corriente y casi obligante para todo estudioso durante la Edad Media. Fue elegido

cónsul en el año 522. Sin embargo tras severo proceso por un delito imaginario de alta traición, fue

destituido, encarcelado y ejecutado cerca de Milán por orden del propio Teodorico. Varias obras teatrales

del siglo XVII fueron inspiradas en su trágica muerte. 15

Es sorprendente la división de la materia musical en tres partes, armónica, rítmica y métrica, que ya en

ese entonces hace Casiodoro. 16

Es el monje inglés que ayudó a Carlomagno en su programa de reactivación de la educación en todo el

imperio. Gracias a él se crea una serie de importantes centros musicales entre ellos el célebre monasterio

de San Gall, en Suiza.

13

Canto Antifonal y Responsorial

Durante la primitiva era monofónica surgen varios tipos de cantos, entre

ellos el Canto Antifonal17

, generalmente asociado a la Salmodia o canto de los

Salmos18

, que consistía en cantar con coros (o schola), alternos, que se sientan

uno frente al otro y en ambos lados del altar lo que se ponía en práctica en las

ceremonias más solemnes. Esta costumbre, muy recomendada y defendida por

San Basilio desde el siglo IV, se difundió rápidamente por todo el Medio Oriente,

desde Egipto, Libia, Arabia, Fenicia y Siria, hasta Palestina y Mesopotamia. En

el llamado Canto Responsorial, (o Salmodia Responsorial), aparece un solista, (o

grupo de solistas) que alterna con un coro que canta el estribillo.

Tropos y Secuencias

En los alrededores de 850, período denominado Romanesco, se inicia el

desarrollo del repertorio tradicional de la Iglesia con la aparición de los primeros

Tropos y Secuencias19

, expresiones que, dentro de la música medieval, conllevan

prácticamente el mismo significado.

Se llamó tropo a las adiciones o interpolaciones, de palabras o de sonidos,

o de ambos, que se le hiciera a un canto litúrgico preexistente. Los textos del

tropo se fueron ampliando y enriqueciendo de tal forma que se llegaron a

emplear textos dialogados e inclusive dramatizados con pasajes de la vida de los

santos y otros temas de las sagradas escrituras.

La secuencia, que tiene raíces en el canto judío y en la iglesia bizantina,

era una adición importante semejante al tropo, como expresión de alegría o júbilo

que se le hacía al Alleluya20

. Su origen, fundamentalmente literario, aparece por

vez primera en el curso del siglo IX aproximadamente al mismo tiempo que el

tropo, aunque se desconoce el modo auténtico de su interpretación, porque no se

sabe, por ejemplo, si la cantaba un solista o el coro, si se interpretaba antifonal,

alternativa o conjuntamente. Desde el punto de vista técnico se da el nombre de

secuencia a los modismos que prolongan o alargan la última sílaba del Alleluya.

El uso de los tropos desapareció hacia finales del siglo XII mientras que la

práctica de la secuencia se extendió hasta el siglo XIV cuando el Concilio de

17

San Agustín (m.430) atribuía a San Ambrosio (m.397) la introducción del Canto antifonal en

Occidente. 18

Al libro de los Salmos del Antiguo Testamento, de David, rey de Israel (ca.1012-ca.972 a.C.), se le

llama también Salterio. De ahí que las autoridades eclesiásticas urgieron al clero a aprender de memoria

el salterio, lo que no debe confundirse con el instrumento del mismo nombre.

19

Algunos autores atribuyen la invención de las secuencias a Notker Balbulus, el tartamudo (c.840-912)

y el tropo al monje sangalense Tuotilo (m.915). El primero, monje también del monasterio de San Gall

(Suiza), es autor de Liber Hymnorum, colección de sus textos de secuencias, en el que narra como “en su

juventud la idea de añadir textos a los largos melismas del canto llano, para ayudar a la memorización del

mismo, se la dio un monje del noroeste de Francia que había abandonado su monasterio tras sufrir un

ataque vikingo”. 20

El propio San Agustín dice en su Salmo XXII, que “el que esta alegre no emite palabra sino sonidos de

alegría. La inabarcable amplitud de la alegría no cabe en los estrechos límites de las sílabas”.

14

Trento (1545/1563)21

decidió abolirlas para conservar sólo cuatro de ellas, más

otra que se añadió en el siglo XVIII22

. Lo cierto es que, como bien señala Adolfo

Salazar23

, “ambas prácticas constituyen invenciones notables de esos siglos

iniciales del segundo milenio que muestran como estamos ya en presencia de

todo un arte que, aunque religioso y conventual, no es propiamente litúrgico si no

más bien un arte religioso-profano o religioso-popular a veces irreverente y

burlón”.

Dramatización de los Tropos

Con la dramatización de los tropos surge una de las expresiones musicales

más importantes de la época, que es el Drama Litúrgico o drama religioso

medieval24

, género escénico de cuño religioso-popular de los siglos X y XI, que

se extiende hasta mediados del siglo XVI. A su vez el drama litúrgico, que era

cantado casi siempre en latín, es uno de los géneros precursores de la ópera. Uno

de los dramas más significativos de ese entonces es el llamado Juego de Daniel25

representado hacia 1250 con acompañamiento de gran cantidad de cuerdas y que

se refiere a la vida del profeta Daniel, así como la Historia de Adán y Eva (Jeu

d´Adan et Eve) que exigía tres grupos instrumentales diferentes26

: el órgano regal

para el cielo, las violas, las cítaras, las flautas y las trompetas para la tierra, así

como diversos instrumentos de percusión para el infierno ... etc. Téngase

presente que los instrumentos, inclusive el órgano, se consideraban parte

integrante de la vida profana, de ahí que se encuentren en las diferentes

manifestaciones de la vida privada, en el teatro, en las fiestas paganas y

populares pero nunca en la Iglesia que prohibía el uso de ellos en sus ceremonias

limitando su expresión musical, sean salmos, antífonas, himnos, aleluyas o

cánticos en general, a la exclusiva intervención de las voces. Habrá que esperar

todavía que el órgano vuelva de Bizancio, donde los emperadores, después de

perfeccionarlo27

, lo introdujeron en las grandes ceremonias de la corte, para que

logre la aceptación de las autoridades eclesiásticas, lo que tendrá lugar sólo en el

siglo IX.

21

El concilio se desarrolló durante los pontificados de Pablo III, Julio III y Pío IV. 22

Las cuatro que conservaron son: Victimae paschali laudes (para Pascua), Veni Sancte spiritu

(Pentecostés), Lauda Sion, atribuida a santo Tomás de Aquino (Corpus Christi) y el Dies irae, atribuido a

Tomás de Celano (Semana Santa). Luego, en 1727, se añadió el Stabat Mater (Estaba la Madre junto a la

Cruz) atribuida a Jacobo da Todi, monje franciscano del siglo XIII. 23

La Música en la Sociedad Europea, primera edición, El Colegio de México, México, 1942, Vol. 1, Pág.

99. 24

Como es en España el conocido Canto de la Sibila de cuño totalmente castellano, o el célebre tropo

dramatizado ¿Quem Quaeritis in Sepulcro? del siglo X en el que participan tres mujeres y un ángel, que

se cantaba en la misa de Pascua de Resurrección antes del introito. Los dramas de Pascua de Resurrección

y Navidad fueron los más representados por toda Europa. 25

La palabra juego debe interpretarse como representación o ejecución tal como sucede con el francés y

el inglés. 26

Ver La Orquesta, de L. Aubert y M. Landowski, Edit. Universitaria de Buenos Aires, Argentina,

1959, Pág. 13. 27

En el año 757 Constantino Coprónico VI, emperador de Bizancio, envió de regalo al rey Pepino el

breve de Francia, un órgano portátil.

15

Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso

Es necesario no confundir el canto litúrgico con el canto religioso o

música religiosa. En efecto, se denomina canto religioso o música religiosa a las

obras musicales de carácter religioso pero que no pertenecen necesariamente a la

liturgia, aunque se añadan algunas veces a las funciones litúrgicas para mayor

solemnidad, mientras que por canto litúrgico se entiende las distintas melodías

que integran la liturgia de culto.

Canto Mozárabe, Galicano, Bizantino e Irlando Británico

Constituyen cantos litúrgicos pertenecientes al período monofónico, los

siguientes: a) El Canto Mozárabe o Rito Hispánico, denominado erróneamente

Canto Visigodo, el que se desarrolló en España durante la dominación

musulmana o mozárabe particularmente en Aragón, Castilla y León, muy

floreciente hasta el siglo XI (c. 1077) en que fue abolido para ceder su lugar a la

liturgia romana con sus dos actividades fundamentales que son: los oficios28

y la

Misa. Se considera a Toledo, en España, la capital de la liturgia mozárabe

adoptada oficialmente en el año 633. Es interesante señalar que por concesión

especial de Roma, en una de las capillas de la Catedral de Toledo29

se permite

utilizar el Canto Mozárabe en determinadas fechas del calendario litúrgico, para

el cual se usan las melodías que aparecen en los libros impresos a finales del

siglo XV, preparados bajo la égida del cardenal Jiménez de Cisneros. Entre los

coordinadores del canto mozárabe figuran San Leandro (m.599), San Isidoro

de Sevilla30

(570-636) y San Ildefonso (m.667). b) El Canto Galicano o canto de

Francia, llamado también canto provenzal, que alcanza su mayor esplendor en el

siglo VII. c) El Canto Bizantino, que es el canto litúrgico original de la Iglesia

Cristiana del Imperio Bizantino o Imperio de Oriente, fundado por Constantino el

Grande en el año 328 y destruido en 1453 con la caída de Constantinopla.

Bizancio constituyó el emporio más rico de la cultura helénica y el centro más

fecundo de los nuevos conceptos cristianos hasta el advenimiento de la dinastía

carolingia31

. Mientras en Italia y Francia el canto litúrgico permanecía en los

monasterios, en el Imperio Bizantino resplandecía por doquier, junto con el

órgano, inclusive en las ceremonias civiles. La liturgia musical bizantina

sobrevivió al imperio y constituye hoy día el gran patrimonio de la Iglesia

Cristiana griega junto con la de los servios, albaneses, búlgaros, rumanos, turcos

28

El repertorio musical de los oficios (maitines, laudos y vísperas) se encuentra en el libro litúrgico

denominado Antifonario. 29

Así como también en una capilla de Salamanca. 30

San Isidoro de Sevilla, oriundo de Cartagena (Murcia) ciudad de la cual fue obispo, hermano de San

Leandro, San Fulgencio y Santa Florentina, escribió un importante tratado, su obra principal, Originum

sive etymologiarum libri XX, en el que dedica todo un capítulo a la música. La importancia de San Isidoro

es inmensa no solo por haber recogido la suma del saber de su tiempo, sino porque su obra Etimologías,

en la que reunió el inventario de la herencia intelectual romana, constituyó la enciclopedia por

antonomasia de la Europa medieval. 31

Referente o relativa a Carlomagno y sus descendientes.

16

y rusos. d) El Canto Irlando-Británico, derivado del canto cristiano romano, es

el que se utilizaba en la Catedral de Salisbury entre el siglo XIII y XVI.

Dentro del Canto Litúrgico de la Iglesia, el más importante es el llamado

Canto Gregoriano también conocido como Canto Llano que alcanzó su mayor

esplendor entre los años 750 y 850.

Cerca el siglo IX, cuando el emperador Carlomagno decretó la

obligatoriedad del culto católico en todo su imperio, el canto litúrgico contó con

los elementos necesarios para su efectiva difusión. No obstante a través de los

años, el pueblo, necesariamente ocupado en otros menesteres, fue alejándose de

las congregaciones, perdiendo poco a poco la práctica de los cánticos,

limitándose a responder sólo con un Amen o un Alleluia, quedando el resto del

canto en manos del sacerdote o salmista que presidía la ceremonia. Esta

disyuntiva creó la necesidad, por parte de la iglesia, de formar coros especiales

que se dedicaran a cantar el repertorio necesario para las ceremonias del

calendario litúrgico, quedando los feligreses cada vez más marginados del

mismo. Inclusive la constitución y forma de la sagrada Misa no fue una creación

inmediata, sino que se extendió durante varios siglos hasta llegar a completarse

íntegramente en el siglo X.

BREVES BIOGRAFÍAS

San Ambrosio (340-397)

Nació en las Galias. Padre de la iglesia latina, gobernador de Milán (370),

consejero del Emperador Teodosio, fue consagrado obispo de Milán en el 374,

año en que entregó todas sus posesiones a los pobres. Es uno de los primeros

forjadores de la música eclesiástica de la Iglesia. Tuvo el valor de negarle la

comunión al Emperador Teodosio por la matanza de miles de personas en

Tesalónica. Excelente teólogo y moralista, San Ambrosio se hizo de un nombre

en la historia de la música al introducir en Milán la salmodia antifonal, de raíces

orientales. Compuso, además, himnos con aires populares para introducir la

doctrina ortodoxa durante la lucha contra los Arrianos, himnos que eran a veces

acompañados de la cítara. La práctica de enriquecer los himnos se hizo tan

general en otras partes de Italia, que actualmente es imposible distinguir los

himnos originales de Ambrosio de aquellos compuestos o enriquecidos por otros

padres de la Iglesia. Aunque sólo existen cuatro himnos, mencionados por San

Agustín (quien fue bautizado por San Ambrosio) en sus Confesiones, cuya

17

autenticidad ambrosiana parece estar garantizada, los utilizados hasta hoy en el

ceremonial milanés, aunque casi todos son de factura posterior, se le denomina

indistintamente canto ambrosiano. El siglo IV, el de San Ambrosio, representa el

momento en que todo el territorio romano estaba ya latinizado y el idioma de la

Iglesia deja de ser el griego para adoptar el latín.

San Gregorio Magno32

o Gregorio I, el Grande (c. 540-604).

Fue el primer benedictino en ocupar el solio pontificio. Nació en Roma en el

seno de una egregia y pudiente familia senatorial, en cuya genealogía figura el

Papa Félix III. Siendo pretor y prefecto de Roma abandonó todo para dedicarse a

la vida monacal, llegando rápidamente a diácono con lo que tuvo contactos

inmediatos con la música sacra. Fue Nuncio Apostólico en Constantinopla,

ciudad en que permaneció siete largos años y cuya avanzada cultura le ayudó en

sus posteriores acercamientos a los pueblos del Norte de Europa. A su retorno a

Roma donó todos sus bienes a la Iglesia. Sucesor de Pelagio II, y gracias al gran

prestigio que adquirió ascendió al trono pontificio en el año 590, llegando a ser

particularmente admirado por sus coetáneos. Su sistema administrativo y la

pompa en el ceremonial que tanto admiró en Bizancio, se convirtió rápidamente

en la base del absolutismo papal, ceremonial que sólo se humaniza con Juan

XXIII en pleno siglo XX. Activo, inteligente, ecuánime, infatigable trabajador y

polemista, como Pontífice supo tomar decisiones políticas y militares

importantes, particularmente ante las amenazas de los longobardos, demostrando

ser un hábil diplomático. Su prestigio en la Historia de la Música descansa

fundamentalmente en la organización, tanto litúrgica como musical, del canto

eclesiástico, obra que compiló bajo el tituló de Antiphonarium cento. Aunque la

Schola cantorum (Escuela de Canto), en la que se impartía toda la teoría y estilo

del canto litúrgico, además de gramática, retórica y teología, haya sido creada

bajo el reinado pontifical de Silvestre I, quien la organizó en forma definitiva fue

Gregorio, centralizándola en dos grandes sedes catedralicias: San Juan de Letrán

y San Pedro, en Roma. Entre su obra dejó un importante comentario sobre el

libro bíblico de Job. Se cree que un códice manuscrito de cantos sagrados que se

conserva en el monasterio de Saint-Gall, Suiza, es una fiel copia del Antifonario

original de Gregorio que desapareció durante la invasión de los bárbaros.

32

Aunque la tradición universal atribuye al Papa Gregorio la reorganización del canto litúrgico dicha

tradición ha sido puesta en duda por varios autores, entre ellos el conocido musicólogo Willi Apel. No es

posible soslayar que la biografía más antigua que se conoce sobre Gregorio fue escrita por Juan el

diácono, en el año 873 o sea 300 años después de la muerte del sumo pontífice. En todo caso la

reorganización de Gregorio. desde el punto de vista musical, debe haber sido muy precaria debido a la

pobre notación musical de la época. La tradición, indudablemente, fue más vocal (oral) que escrita. No

obstante se sabe con toda seguridad que el Papa Gregorio sí se preocupó con la sistematización del Canto

Litúrgico y formalizó, con gran interés, la Schola Cantorum, especie de academia de canto dedicada a

salvaguardar la teoría, el estilo y la tradición del canto cristiano.

18

CUESTIONARIO Nº 2

01. Mencionar los tres grandes períodos de la Música.

02. Cuáles son las raíces del canto monofónico?

03. Qué significado tuvo la música en la Edad Media?

04. Definir lo que es el Canto Litúrgico.

05. Qué significa Canto Monofónico?

06. Quién fue San Ambrosio?

07. Qué es el Canto Gregoriano o romano?

08. Mencionar cuatro diferentes tipos de Canto Monofónico

09. Qué es Canto Mozárabe?

10. Cuál es la diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso

11. Quién fue San Isidoro de Sevilla?

12. Qué innovaciones musicales surgen a mediados del siglo IX?

13. Cuáles fueron las dos modalidades del Canto Cristiano?

14. Qué son los Tropos?

15. A qué se denomina Secuencia?

16, Qué es Canto o Salmodia antifonal?

19

17. Qué es Canto Responsorial?

18. Explique que fue exactamente lo que hizo el Papa Gregorio.

19. Mencione tres padres de la Iglesia del Canto Monofónico.

20. Qué son los Himnos?

21. Mencione cuatro importantes abadías del período.

22. Cómo se llama la anotación o escritura del canto litúrgico?

23. Mencionar dos tratados antiguos de música.

24. Qué son los melismas o fiorituras?

25 En qué siglo aparecen las nota cuadradas?

26. En qué tratado aparecen las primeras referencias polifónicas?

27. Qué es la Schola Cantorum?

28. Cuáles son las dos grandes sedes de la Schola Cantorum?

29. Dónde se practica todavía el Canto Mozárabe?

30. Cuál es la primera expresión musical de la iglesia?

La polifonía es para la música lo que

el gótico es para la arquitectura.

PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)

20

Durante el último período Carolingio33

y la temprana Edad Media,

aparecen las primeras noticias sobre un primitivo canto polifónico, la aportación

más importante del hombre occidental al arte de la música. Después de nueve

siglos de canto monofónico, el Occidente encuentra su expresión musical más

original con la polifonía, polimelodía o canto a varias voces, cuyos primeros

ejemplos, sean profanos como religiosos, se manifiestan hacia finales del siglo

IX y mediados del siguiente34

. El concepto polifónico consiste en la

manifestación simultánea de más de una línea melódica con igual o casi igual

importancia.

Temprana polifonía

Las primeras expresiones de este nuevo arte, aunque muy sencillas en su

inicio pero particularmente complejas para su notación y realización toda vez que

planteaban arduos problemas en la coordinación de las voces, por la carencia

todavía de un sistema exacto de escritura y métrica, aparecen casi al mismo

tiempo en las Islas Británicas35

y Flandes, región que comprendía la provincia de

Artois en el norte de Francia, las provincias de Hainaut y Bravante en Bélgica,

hasta las costas del Mar del Norte.

Es interesante observar que el nuevo arte vocal inicia su aparición a partir

del momento en que el canto monofónico alcanzó su mayor esplendor.

En los alrededores del 870, Juan Escoto (Scotus) de Erígena, filósofo y

teólogo de origen irlandés, maestro de la corte de Carlos el Calvo de Francia,

había publicado su obra De Divisiones Naturae (Acerca de las divisiones de la

Naturaleza) en la que menciona por vez primera la existencia de una suerte de

polifonía vocal que denomina Organum, de la que no da, desafortunadamente,

ningún ejemplo.

A esta época, finales del siglo IX o albores del X aproximadamente,

pertenece también el tratado aparentemente anónimo, del siglo IX, denominado

Musica Enchiriadis o Manual de música36

, (según el historiador Roland de

Candé37

, el nombre correcto es Enchirias de Musica) en el que se describen dos

maneras de “cantar juntos”, y muestra los primeros ejemplos escritos del

33

Carlomagno se consagra emperador de Occidente en el año 800 cuando los fundamentos teóricos e

ideológicos de la música eclesiástica (litúrgica) de la iglesia cristiana son todavía precarios. 34

Mientras tanto ya en el año 987 había tenido lugar la caída de la dinastía carolingia y el inicio de la era

de los Capetos con la ascensión de Hugo Capeto al trono de Francia. 35

Se afirma que los celtas cataban a varias voces ya en el siglo X costumbre que probablemente

adquirieron de los normandos. Otro tanto se dice inclusive de los griegos en sus expresiones populares.

Lo cierto es que el gran desarrollo musical alcanzado en la región de Gales y en el norte de Inglaterra, ya

en el siglo X, hace suponer que esos pueblos fueron unos de los primeros en cultivar el arte polifónico.

Inclusive en diversas regiones de Afrecha hay ejemplos de polifonía primitiva. 36

Atribuido, según unos al monje Hucbaldo (c.840-930) autor de Harmonica Institutione y según otros a

Hoger de Werden (m.905) o a Otger de Sans Pons (m.940). Tratados como Musica Enchiriadis eran

destinados a estudiantes que aspiraban a tomar órdenes religiosas y no al público en general. El tipo de

notación musical utilizado en dicho tratado, así como en tratados afines de la época, se denomina

notación dasciana, que pese a ser una de las más antiguas de Europa era bastante precisa en su

indicación. 37

Historia Universal de la Música, Edición Aguilar, Madrid 1981, Vol. 1, Pág. 199.

21

principio polifónico conocido como organum o diafonía, entre ellos el célebre

dístico: Rex Caeli Domine.

No obstante, de acuerdo con las últimas investigaciones todo parece

indicar que cl principio de la polifonía había sido, desde muchos años antes, una

práctica popular, o sea que “la polifonía no es una peculiaridad exclusiva de la

música occidental”38

. El tema todavía es motivo de discusión entre los

especialistas. El propio Aristóteles observaba que los hombres y mujeres

cantaban a la octava “creyendo cantar al unísono”.

Organum y discantus

Existen varios tipos de organum, a saber: el puro, el simple, el compuesto,

el libre, el melismático, etc., aunque es poco lo que se sabe sobre las fechas

exactas en que fueron apareciendo.

Se llama organum purum o duplum (puro o doble) a aquel en el que la

voz inferior sostiene notas largas mientras la voz principal entona el cantus

firmus (canto firme).

Cuando la voz inferior, que es la segunda voz, conocida también como voz

organal, canta paralelamente a la melodía gregoriana o cantus firmus que lleva la

voz principal, a la distancia de una cuarta o quinta inferior, se conoce como

discantus o diafonía.

Por otro lado si la voz organal se mueve con cierta libertad a partir del

unísono, alcanzando intervalos de segunda, terceras y cuartas, en movimiento

paralelo y contrario con la voz principal, el organum se denomina libre, en cuyo

caso el duplum (o sea la voz organal) puede, inclusive, moverse por encima de la

tesitura del cantus firmus.

El gymel y Organa de Winchester

En Inglaterra con el gymel, las voces progresan por terceras, género que se

origina en el falsobordón, nacido, parece ser, en la propia isla en el siglo XIII

alcanzando su mayor apogeo en el siglo XV.

En dos excepcionales manuscritos, de Oxford y Cambridge, conocidos

como “organa de Winchester”, se conservan unas 174 composiciones, que datan

entre el 996 y 1050, que anteceden en casi un siglo a las creaciones de la escuela

de San Marcial de Limoges (Francia), constituyendo el arsenal más antiguo

polifónico que se conoce hasta hoy, al margen de los ejemplos que aparecen en el

mencionado Musica Enchiriadis y los señalados por Guido de Arezzo en su

Micrologus, obra que dedicó a su protector el obispo Teobaldo y en el que

expuso una división más sencilla del monocordio que la expuesta hasta ese

momento por Boecio,

38

Ver, La Música medieval, de John Caldwell, Alianza Editorial, Madrid 1984, Pág. 107.

22

Guido de Arezzo (Toscana), Guido Aretino o Guido Monaco (995-

1050) monje benedictino del monasterio de Pompona, autor del mencionado

Micrologus de disciplina Artis Musicae (1030) es responsable, entre muchas

otras novedades musicales39

, del nombre de las notas y del perfeccionamiento del

pentagrama. Tanto en el Micrologus de Arezzo, como en el anónimo Dialogus de

música, se definen por vez primera los modos eclesiásticos utilizados en ese

entonces para la clasificación de los diferentes cantos gregorianos40

.

Primera mujer compositora

En pleno siglo XII surge la sorprendente mística, poeta, escritora y

compositora alemana Hildegard von Bingen (1098-1179), hija de padres nobles,

famosa por sus poderes proféticos y revelaciones, figura femenina única en la

historia medieval, educada en un convento de benedictinas por la abadesa Julia

von Spanheim, a la que sucedió en 1136 como directora (magistra) del convento.

“De escasa salud física se hallaba dotada en cambio de una formidable

personalidad”41

. Cuatrocientos años antes que la gran Teresa de Ávila, se dedicó

a fundar nuevos monasterios de su orden. Fue consejera de papas, emperadores y

príncipes, dejando numerosos escritos teológicos y científicos. Entre sus

composiciones se encuentran 35 antifonías, 7 secuencias (para las que componía

tanto el verso como la música), 19 responsorios y un Kyrie, así como el drama

musical sacro (no litúrgico), Ordi vurtutun (Las virtudes). En el ámbito de la

música religiosa de la baja Edad Media, Hildegard von Binden es, además de una

mujer excepcionalmente dotada, la figura musical más relevante de su siglo.

Escuelas Polifónicas

El nuevo arte de la polifonía se extendió poco a poco a través del

Continente, hasta llegar a cultivarse con gran propiedad y maestría en diferentes

regiones, ciudades, o centros que eran abadías, monasterios e iglesias, que en la

historia de la música se conocen como escuelas polifónicas. De ahí que estas

escuelas lleven el nombre de una región determinada como Borgoña en Francia o

Castilla en España, o el de una ciudad como Roma, París o Viena, o

sencillamente el nombre de un monasterio, abadía o catedral como San Gall, San

Marcial, Monte Casino o Nuestra Señora de París, dependiendo de la importancia

que alcanza el arte polifónico en cada uno de ellos.

39

Entre ellas las aportadas a la “pedagogía musical” como por ejemplo su método para la educación del

oído o para la improvisación así como su famosa “mano guidoniana” usada hasta el siglo XVIII como

auxiliar pedagógico, aunque el pretendido inventor no la menciona en ninguna de sus obras. 40

Los modos eclesiásticos son ocho en total y se dividen en dos clases: los modos auténticos, que tienen

una extensión melódica, o ámbito, de una octava por encima de la nota final, que es la tónica del canto

litúrgico, y que tienen nombres de origen griego, como dórico, frigio, lidio y mixolidio; y los modos

plagales que tienen el ámbito de una quinta por encima y una cuarta por debajo de la nota final ó tónica y

que usan el prefijo hypo antes del nombre griego: hipodórico, hipofrigio, hipolidio e hipomixolidio.. 41

Ver, Éxtasis sin fe de Javier Álvarez, Editorial Trotta S.A., Madrid, 2000, Pág. 74.

23

Los compositores de la época se asocian, ya sea por la forma de

expresarse ya sea por la técnica que les caracteriza, con un centro o región de

origen, y así decimos, Palestrina de la escuela romana, Morales de la escuela

castellana o Lassus de la escuela flamenca, toda vez que cada escuela es y

representa la impronta de una técnica específica.

Divisiones de la Polifonía

De acuerdo con las innovaciones que aparecen en el correr de los años el

arte polifónico puede dividirse en cuatro etapas, a saber: Ars Antiqua, Ars Nova o

Gótico, Renacimiento y Período Barroco.

ARS ANTIQUA

Se llama Ars Antiqua o arte antiguo, a la música comprendida entre el

siglo XII y el XIII. El centro o Escuela principal de esta primera etapa de la

polifonía fue la catedral de Nuestra Señora (Notre Dame) de París. En ese

24

momento Francia era el país rector de Occidente, donde el feudalismo había

alcanzado su mayor desarrollo42

. Otros centros importantes continentales fueron,

la catedral de Chartres y la abadía de San Marcial, fundada en el año 848, en

Limoges.

Los compositores más representativos del centro parisino fueron:

Leoninus o Léonin (c.1130-1190) y Perotinus o Pérotin (c.1150-1220).

El primero fué Caput Scholar de la Iglesia de la Virgen María de París y el

segundo primer organista de la Catedral de Nuestra Señora, ambos en París,

Francia. Perotinus, sucesor de Leoninus, es el mayor representante de la

escuela de Notre Dame, de su época. Fue autor de organa triples y cuádruples43

muy apreciados por sus contemporáneos, así como de conductus, y cláusulas de

una y varias voces44

. Su influencia fue grande no sólo en Francia sino en

Inglaterra aunque nada se sabe de sus discípulos salvo el nombre de uno de ellos,

el inglés llamado Roberto de Sabilón45

, organista y teórico, que ocupó la

dirección de la capilla de Nuestra Señora en los alrededores de 1250 y que tuvo

como sucesor al teórico y compositor Pierre de la Croix, (Petrus de Cuce)

original de Amiens, uno de los creadores de la notación proporcional, autor de un

oficio litúrgico de 1298 compuesto por encargo de Felipe el hermoso para la

fiesta de San Luis, y uno de los representantes de la transición del estilo

polifónico entre el siglo XIII y XIV.

Primera composición a tres voces

La primera composición a tres voces de la que se tiene conocimiento,

Benedicamus domino, aparece en el Codex Calixtinus (hacia 1140) de Santiago

de Compostela del Magister Albertus Parisiensis, muerto en París en la segunda

mitad del siglo XII y quien fuera Chantre en la Catedral de Nuestra Señora. El

manuscrito Calixtinus, cuya copia es de los inicios del siglo XII, depositario de

unas veinte obras a dos y tres voces, es testimonio fehaciente de la existencia de

una polifonía precoz en España.

Estructura más importante

La estructura más importante y audaz del momento es el motete,

generalmente conocido como motete de París o motete del siglo XIII para

diferenciarlo del motete renacentista, cuya colección más significativa es la del

42

Época de la construcción de la Catedral de Nuestra Señora de París, finalizada en 1235 y la creación de

la Universidad por Robert de Sorbón (1202-1274). 43

Por organa se debe entender composiciones de Organum y no música para órgano. Su principio fue

señalado por el monje teórico inglés John Cotton en los alrededores del 1100, en su tratado De Musica

cum Tonario al referirse al organum vagans. Una versión contemporánea del tratado de Cotton fue

publicada por el American Institute of Musicology en 1950. 44

El conductus es una composición polifónica en la que la voz principal usa un tema libre, no litúrgico,

sea popular o de invención propia. Existen también conductus monofónicos. La cláusula, también una

composición polifónica casi siempre en estilo discanto, introduce libremente cortos melismas en la voz

principal. A finales del siglo XIII la cláusula fue reemplazada por el motete. 45

Se le supone autor del tratado De musica libellus.

25

Codex de Montpellier (Código de Montpellier). De la misma época (c.1250) es el

Manuscrito de Bamberg, de la Biblioteca Estatal, en el que se encuentran los

primeros ejemplos de música polifónica puramente instrumental. Otras formas

relevantes, además del conductus y la clausula, fueron el rondel o rondó

(rondellus, rondeaux) y el canon.

Teóricos musicales

Importante teórico y compositor del siglo XIII fue Franco de Colonia46

,

conocido también como Franco Teutónicus, autor del tratado Compendium

discantus, en el que se refiere a la obra de Perotín, así como de Ars Cantus

mensurabilis (El Arte del Canto medido), escrito hacia 1260, donde aparece la

primera referencia que se conoce sobre la notación mensuralista, de cara a la

notación modal, además de una explicación sobre el uso de las consonancias y

disonancias. Es digno de mención también el teórico y astrónomo inglés Walter

Odington, monje del convento de Eversham, autor del tratado De speculations

musicae (Especulación sobre la música), escrito durante la transición entre el Ars

Antiqua y el Ars Nova. Otros teóricos de la época fueron: Juan de Garlandia

(c.1190-c.1255) profesor de la Universidad de Tolosa, quien trabajó tanto en

Inglaterra como en Francia (1217); Jerónimo de Moravia autor del Tratado de

la música medida con el que contribuyó a establecer una notación proporcional o

medida.

La ciudad de París era desde ese entonces centro particularmente activo en

teorización y práctica musical. No obstante ciertos autores, entre ellos algunos

franceses, afirman que el enriquecimiento de la música francesa de ese período se

debe, en parte, a la presencia en París de un número plural de ingleses con muy

avanzados conocimientos musicales lo que pareciera significar que los británicos

poseían ya una técnica musical superior a la conocida en el Continente en ese

entonces. A este período pertenece la célebre como interesante composición

inglesa Sumer is icumen in (El verano ha llegado), atribuido a John de Fornsete,

monje de la abadía de Reading, cuya técnica se adelanta mucho a los

conocimientos polifónicos conocidos hasta ese momento47

.

Instrumentos más característicos:

Los instrumentos más característicos del momento son: el órgano,

instrumento que se remonta a la época greco-romana probablemente al siglo III

46

Se desconocen detalles de su vida aunque su actividad como teórico parece haber sido entre 1250 y

1280. Su célebre tratado, como tantos otros, ha sido republicado en 1974 por el American Institute of

Musicology. 47

Se trata de una canción de primavera con un insólito sentido poético de la naturaleza, de texto en inglés

y otro, optativo, en latín, para cuatro voces, que es motivo de interminables polémicas hasta hoy.

Inclusive se ha dicho que no pertenece al siglo XIII sino al XV en base a su adelanto contrapuntístico. No

obstante José Subirá en su mencionada Historia de la Música, tomo I, Pág. 303) señala que recientes

investigaciones históricas han impuesto una rectificación toda vez que la obra data del siglo XIV, según el

examen analítico realizado por Manfred Bukofzer, publicado por la Universidad de California.

26

a.C., inventado, según Herón48

, por Ktesibios o Ctesibio de Alejandría bajo el

reinado de Ptolomeo VII; el arpa, cuyo origen se pierde en las civilizaciones

mediterraneas, para extenderse por todo el mundo civilizado y cuyo ejemplar

más antiguo que se conserva (data de ca. 2600 a.C.) era ya un instrumento

sofisticado y elegante; la lira, instrumento de cuerda de la antigua Grecia; el

salterio, con cuerdas pulsadas o cítara, y con cuerdas percutidas o tympanon

conocido también como dulcema o dulcemelos; el laúd, el cordófono más

representativo de los árabes; la vihuela, la guitarra, la viola (que da origen a los

instrumentos de arco con cuerdas); la flauta (travesera y recta); el chalumeau,

antecesor del clarinete que constituyó una familia de por lo menos cuatro

instrumentos de diferentes tamaños; el olifante, trompeta elaborada con colmillos

de elefante bellamente tallados, que se consideró símbolo de autoridad; la

corneta, el caramillo, el sacabuche o trombón medieval, la bombarda (el tenor de

la familia de la chirimía, instrumento de viento con doble lengüeta), la dulzaina

de madera o de metal (una chirimía de España), la cornamusa o gaita, un

instrumento popular en Europa, norte de Africa, Oriente Medio e India y que hoy

se asocia casi exclusivamente a Irlanda; las trompas o bocinas (como las del

héroe de La Canción de Rolando), la trompeta (recta y/o curva), el cencerro,

cascabeles, campanas, tambores de diferentes tamaños como atabales (tambor

cilíndrico o bombo del tipo que se usa en España) o nakeras (especie de timbal

oriental que llegó a Europa en el siglo XIII), pequeños timpani que se llevaban

colgados en la cintura y a cada lado del caballo) timbales, el tamborin, el

pandero, la pandereta, etc. además del organistrum conocido en España como

viola con rueda.

No obstante los instrumentos continuaban vedados por la autoridad

eclesiástica de entrar al recinto sagrado en parte porque se vinculaban a lo

popular o pagano pero también porque con su sonido “opacaban la palabra

divina”, prohibición que subsiste aún en la Iglesia Oriental. El conocimiento

sobre el instrumental medieval se basa fundamentalmente en las pinturas,

esculturas, relieves, frescos, miniaturas de códices y referencias literarias de la

época, por cierto no siempre muy precisas.

La Misa

Es en el siglo XII cuando la Misa, ceremonia por antonomasia de la

Iglesia Católica, que surge como una conmemoración ritual de la Última Cena y

que tanto ha inspirado a los compositores, adquiere su forma definitiva tanto en

el llamado propium49

como en el ordinarium. Desde el punto de vista musical los

cantos del propio (graduales, aleluyas, tractos, ofertorios, etc.) son los que

48

Heron de Alejandría, matemático griego del siglo I de nuestra era. En su obra Pneumatika describe el

órgano hidráulico inventado por Ktesibios de Alejandría, fundador de la mecánica. Lo que se desconoce

es si Heron participó del invento o sólo se limitó a describirlo. 49

En el Propium, que quiere decir “propio para el momento o estación” los textos cambian de una Misa a

otra. Así por ejemplo, el Introito, que hace parte del propio, tiene un texto distinto en Navidad que en

Pascua Florida. Otros textos también del propium son el Gradual, el Aleluya, el Ofertorio y la Comunión.

Mientras el Ordinarium, el grupo más importante quizás para nuestro estudio, comprende aquellas partes

de la misa cuyos textos son siempre iguales, a saber: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, a los que

habría que añadir el ite missa est.

27

históricamente más se desarrollaron50

. (Ver Misa en Estructuras musicales, Parte

I)

Aparición de las notas

En los siglos X y XI, con el desarrollo de la polifonía o canto a varias

voces, surgió la necesidad impostergable de crear una notación que fijara el valor

de las notas con mayor exactitud toda vez que la práctica del canto polifónico se

hacía sumamente precario y complejo. Se introdujo entonces un sistema

semejante al actual con cuatro formas de notas, que eran, una nota rectangular

con plica que se llamó doble longa; una nota cuadrada, que era la mitad de la

rectangular, también con plica, conocida como longa; otra nota cuadrada, esta

vez sin plica, llamada breve, y una pequeñita, en forma de rombo que se llamó

semibreve. Cada una de estas notas valía, teóricamente, la mitad o un tercio de la

precedente, dependiendo del tiempo perfecto o imperfecto, o sea el tiempo

ternario o binario, que se usara. Más adelante, ya entrado el siglo XIV, surgieron

nuevas figuras: máxima, longa, breve, semibreve, mínima, semínima, fusa y

semifusa, convirtiéndose el sistema en algo más semejante al que se usa en la

actualidad.

Las indicaciones de tiempo que se usaban consistían en un círculo para el

tiempo perfecto o ternario y un semicírculo para el imperfecto o binario. El

semicírculo se usa todavía, sólo que se ha convertido en una especie de C,

probablemente por una alteración involuntaria de los copistas. Las barras o líneas

divisorias fueron apareciendo en los siglos XV y XVI. Toda y cualquier

recopilación estaba en mano de los llamados escribas que eran también monjes.

Las Cantigas de Santa María

Al mismo siglo de las primeras notas medidas corresponden las famosas

Cantigas de Santa María del Rey Alfonso X, el Sabio composiciones poético-

musicales, sacras y profanas, en lengua galaico portuguesa, en homenaje a la

Virgen. Se trata de una colección de un poco más de cuatrocientas obras que

datan de la segunda mitad del siglo XIII (hacia 1250 y 1280), y que según el

musicólogo español, Higinio Anglés51

, constituyen los únicos manuscritos de ese

siglo con música monódica, copiados en perfecta notación mensural.

Alfonso X, el sabio, nacido en la ciudad imperial de Toledo en 1221, hijo

de Fernando III, sucedió a su padre en el trono de Castilla y León en 1252. A

pesar de haber sido un soberano entregado a la cultura en general, además de

poeta y compositor, supo mantener los dominios de su padre e inclusive

ampliarlos con los reinos musulmanes. Fue el creador de la cátedra de música de

50

Ver Historia de la Música Occidental, de Donald J. Grout y Claude V. Palisca, Vol. I, Pág. 76,

Alianza Música, Madrid 2001. 51

Monseñor Higinio Anglés (1888-1969) estudió teología y filosofía en Tarragona y realizó estudios

musicales en Barcelona (donde fue discípulo inclusive de Felipe Pedrell) así como en Friburgo y Gotinga

(Alemania). A partir de 1917 dirigió el Departamento de Música de la Biblioteca Central de Barcelona;

perteneció a la Academia Real de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; dirigió el Instituto Español de

Musicología desde su creación (1943); presidió el Pontificio Instituto de Música Sacra de Roma, y ha

llevado a cabo importantísimas y muy serias investigaciones musicales.

28

la Universidad de Salamanca en 1254 y en su corte eran recibidos con particular

interés músicos, poetas, escritores y filósofos. Su obra, Grande e General

Historia, es un magnífico compendio de la cultura de su época. Las Cántigas de

Santa María52

, que no son creación totalmente suya y sí una recopilación de

composiciones de diferentes países (como hiciera el papa Gregorio Magno en su

momento con el Canto Litúrgico), es uno de los monumentos musicales de la

Edad Media europea. El rey Alfonso X murió en Sevilla en el año 1284.

Ya para entonces existían en España centros musicales de significativo

esplendor entre ellos el Monasterio de las Huelgas fundado por Alfonso VIII de

Castilla entre los años 1180 y 1187, regentado por las religiosas de la Orden de

Cister, de ahí que la mayor riqueza del Ars antiqua española se encuentre en el

llamado Código de las Huelgas.

El Lauda

En esa misma época aparece en Italia lo que se conoció como Lauda, o sea

cantos laudatorios a la Virgen53

, que constituyeron “cantos preferidos de los

peregrinos flagelantes en su penitencia por alcanzar la purificación y el perdón de

sus pecados”. Algunas laudas fueron dialogadas y de su montaje escénico

surgieron algunos de los primeros intentos del teatro religioso en Italia.

Los Trovadores

El arte profano o secular de la Edad Media está representado, casi en su

totalidad, por aquel que hace el trovador, cuyo canto y melodías populares eran

generalmente acompañados de danzas sin perder de vista que la lírica

trobadoresca era el producto de una sociedad culta y aristocrática. Se trata de un

personaje típicamente francés, del sur, y su arte se expresó exclusivamente en

lengua Provenzal. El trovador fue poeta y músico a la vez y su oficio fue

considerado de gran categoría, de ahí que miembros de la nobleza provenzal

(inclusive señoras) lo ejercieran, entre ellos, el propio Ricardo I de Inglaterra

(1157-1199), conocido más bien como Ricardo Corazón de León, que era,

dicho sea de paso, de origen parcialmente provenzal.

El arte trovadoresco consistió en melodías cantadas a solo, acompañadas

al unísono, por la viola, el arpa, la guitarra, la vihuela o el laúd.

Los trovadores fueron los zapadores de la canción vernacular o sea los

primeros en cantar melodías utilizando la lengua de la región en vez del latín que

era la lengua erudita. Nace con los trovadores el concepto de música tal como se

entiende hoy, como “confesión de expresión sentimental”. Su canto elogiaba

prioritariamente el amor, el heroísmo, la justicia, la bondad y la fe.

52

Según Higinio Anglés las Cantigas constituyen los únicos manuscritos del siglo XIII con música

monódica copiada en perfecta notación mensural. 53

En el laudario de Cortona (s. XIII), recientemente encontrado, se conservan unos 130 cantos de

diversos compositores.

29

Con la aparición de las llamadas “lenguas nacionales” comienzan a surgir

fecundos contrastes en las canciones de las diferentes regiones. Por otro lado en

el uso de los modos litúrgicos se le va dando preferencia, cada vez más, a dos de

ellos hasta prevalecer por encima del resto el modo mayor y el modo menor.

La palabra Troubadour, de origen provenzal, proviene del verbo trobar,

hallar o trovar, lo mismo que su sinónimo del norte de Francia, trouvere o

trovero. El Trovador a pesar de ser poeta y compositor no necesariamente era

buen tañedor o cantante. De ahí que a veces se hiciera acompañar por un juglar o

ministril, como se decía en España (jongleur para los franceses y ministrel para

los ingleses), especie de titiritero, prestidigitador, bailarín, marginado social a

veces, cuyo oficio se consideraba de inferior jerarquía aunque para el pueblo

llano constituía, indudablemente, el personaje central. Un hábil54

e ingenioso

juglar podía eventualmente elevarse al rango de trovador. En el siglo XI los

juglares llegaron a organizar cofradías que con el tiempo se constituyeron en

gremios que impartían enseñanza musical. En España hubo relevantes ministriles

populares, músicos instrumentistas, que tuvieron una importancia capital en la

península desde el siglo XIII, y que tenían como misión ejecutar música profana

de “cámara” (en grupo) para alegrar a los comensales en las fiestas cortesanas,

cívicas y familiares.

El propio Alfonso X, el sabio, figura cimera de la cultura medieval

europea debe considerarse como el mayor representante del arte trovadoresco de

la península amén de que sitúa a España junto a Francia en el desarrollo de la

incipiente polifonía del siglo XIII. La influencia de los trovadores llegó inclusive

a Italia aunque es poco lo que se sabe al respecto.

Trovadores conocidos

Entre los trovadores que adquirieron gran renombre están Guillermo

Séptimo, Conde de Poitiers y Noveno Duque de Aquitania (1071-1127) Bernard

de Ventadour (ca. 1130-1195) famoso por sus cantos a Leonor de Aquitania,

posteriormente esposa de Enrique II de Inglaterra; Rambauet de Vaqueiras (m.

1207); Floquet de Marseille (ca.1155-1231); Raimon de Miraval (m.ca. 1220);

Aimeric de Peguillan (1205-1275) y Guiraut Riquier (m. 1294) considerado

como el último de los trovadores.

Troveros y Cantores de Minne

54

Entre las reglas que regían a los juglares hay una que lo explica en forma cabal: “sepas bien inventar y

rimar y en apuestas y concursos dar buenos consejos. Toca con garbo el tambor y los platillos y la rústica

lira. Has de saber echar manzanitas al aire y cazarlas al vuelo con cuchillos; imitar el canto de las aves,

hacer juegos de manos con los naipes y saltar a través de cuatro aros; debes saber tocar la cítola y la

mandolina, el monocordio y la guitarra; has de saber encordar la rotta de 17 cuerdas, tratar bien el arpa y

acompañar con el violín para hacer más agradable el canto. Debes saber componer y arreglar nueve

instrumentos: vielle, zampoña, flauta, arpa, lira, violo, decacordio, salterio y rotta. Si aprendes a tocarlos

bien estarás en condiciones de satisfacer a todas las exigencias. Toca también el organillo y haz sonar los

cascabeles”. Johannes J. Wolf, Historia de la Música, Edit. Labor, S.A., Madrid, 1934, Pág. 45.

30

A mediados del siglo XII la acción de los trovadores se extendió al centro

y norte de Francia con los Troveros, y parte de Alemania con los Minnesingers o

Cantores de Minne.

La ciudad de Arrás en particular, en ese entonces capital de Artois, llegó a

alcanzar un especial desarrollo en la música profana. En ella Jean de Bretel y

Adam de la Halle, fueron troveros muy renombrados.

En efecto Adam de la Halle (ca. 1240-1287) el más célebre de todos los

troveros, conocido también como “el jorobado de Arras”, hijo de um empleado

de la concejalía del mismo nombre, estudió en la abadía de Vauxcelles y luego en

París donde se hizo clérigo. Entre su obra se encuentran piezas polifónicas como

14 rondós, un rondó virelai, una balada, 7 motetes profanos como también un

número plural de canciones monofónicas. Es autor de una célebre pastoral

intitulada El Juego de Robin y Marion, obra considerada por muchos como

precursora de la ópera cómica. Llevó una vida agitada viajando intensamente,

inclusive por regiones distantes como Siria, Palestina y Egipto. En 1282 fue a

Nápoles, en compañía de Roberto de Artois que acudía a apoyar a Carlos de

Anjou después de la masacre de las Vísperas Sicilianas (Verdi escribió una ópera

con ese tema) ciudad donde falleció en 1287.

Otros troveros conocidos fueron: Grace Brulé (m.1220), Chatelain de

Concy (m. 1203); Conon de Béthune (ca. 1160-1219), Gautier d’Espinal

(m.1240); Thibaut IV, Conde de Campagne y luego Rey de Navarra (1201-

1253), así como Gilbert de Berneville (m. 1300).

Semejante a los trovadores, los Minnesingers, en Alemania, fueron en su

mayoría de rango caballeresco. Su canto era dirigido a una sociedad aristocrática

y cultivada. El arte del Cantor de Minne o cantor del amor (la palabra alemana

Minne engloba las dos acciones de recuerdo y de amor) es erudito y de técnica

refinada. Semejante al trovador provenzal o al trovero, el Minnesingers es a la

vez poeta y compositor. Precisamente un personaje histórico utilizado por

Wagner en su melodrama Tannhäuser es el cantor de Minne, Wolfram von

Eschenbach, quien le da la trama para Parsifal55

. La personalidad dominante de

los Minnesingers o Minnesäng fue Walther von der Vogelweide de la escuela

del Valle del Danubio, hacia finales del siglo XII y comienzos del siguiente,

quien triunfara en uno de los célebres certámenes realizados en el Castillo de

Watburg, en la corte de Hermann de Turingia, el 7 de julio de 1207, recibiendo

un feudo como premio.

Repertorio trovadoresco

De origen trovadoresco se conservan alrededor de 2.600 canciones aunque

las melodías transcritas apenas llegan a 300, mientras que de los troveros se

conservan casi 4.000 poemas y cerca de 1.000 melodías.

55

Es interesante señalar que la historia de Parsifal está basada en fuentes francesas.

31

Desaparición de los trovadores

Lejos de lo que suele pensarse el oficio de trovador se limitó al lapso

comprendido entre finales del siglo XI y la segunda mitad del siglo XIII, y fueron

tres los factores decisivos de su desaparición: a) la expansión de la lengua

francesa (lengua d’oeil) toda vez que el trovador cantaba en provenzal o en

lengua d´oc; b) La decadencia de la caballería formada casi en su totalidad por

nobles o descendientes de nobles y c) la destrucción de la secta de los

Albigenses, casi toda constituída por nobles del sur de Francia.

El libro de Buen Amor

A esta época pertenece el Libro de Buen Amor, uno de los pilares de la

literatura castellana, en el que aparece una de las relaciónes más completas del

instrumental de la Edad Media. Su autor es el español, Arcipreste de Hita, cuyo

nombre real es Juan Ruiz, clérigo andariego medio juglar y medio escritor “que

bailaba, tañía, improvisaba música y componía admirables estrofas”. Que duda

cabe de que tanto Alfonso X el Sabio como Juan Ruiz, Arcipreste de Hita,

constituyen dos grandes ejes, tanto literario como musical, de dos siglos que

forman en su conjunto el momento de máximo esplendor histórico de la ciudad

de Hita56

, provincia de Guadalajara, centro de gran poderío militar durante la

Reconquista y en donde convivían o luchaban entre sí, mozárabes, castellanos,

moros y judíos.

Canciones de goliardo

Otro de los pocos documentos laicos de la época conservados hasta hoy

son, los doscientos y tantos poemas profanos latinos (los hay así mismo con texto

en inglés, francés y alemán) conocidos también como canciones de goliardo57

,

conservados en un manuscrito de los siglos XII y XIII encontrado en el siglo

decimonono en el claustro benedictino de Beuren (Burana), Alta Baviera58

. El

manuscrito reune una selección de cantos del repertorio europeo, recogidos y

escritos muchos de ellos en un latin decadente con argumentos procaces, por

estudiantes callejeros y clérigos mendicantes que migraban de una escuela a otra

antes de la creación de las grandes universidades. Se trata de cantos

enaltecedores del vino, las mujeres y el amor libre, de carácter satírico en general

y en su mayoría vulgares y obscenos59

. No obstante muchos de ellos no se han

podido descifrar todavía debido a su compleja notación neumática. Algunos de

dichos cantos fueron los usados por el compositor alemán Carl Orff en su

célebre Carmina Burana, para solistas, coros y orquesta.

56

Desde 1961 se celebran en Hita los famosos Festivales Medievales, con música popular y cortesana. 57

Aunque el origen del nombre es incierto aún, algunos se lo atribuyen al obispo Golias, mítico patrono

de estudiantes, mientras otros se lo atribuyen al gigante bíblico Goliat. 58

Los manuscritos reposan actualmente en la Biblioteca Estatal de Baviera, Munich. 59

La conducta relajada de los goliardos y sus expresiones procaces contra la Iglesia da como resultado

que se les negaran finalmente “los privilegios del clero”. Su influencia decae en los alrededores de 1225

en la medida en que crecía la importancia de las grandes universidades medievales.

32

Los Maestros Cantores

Después de la decadencia de los trovadores y los cantores de Minne, la

clase popular, trabajadores, pequeños comerciantes y artesanos, imitaron su arte

y lo continuaron, añadiéndole nuevas complejidades, sujetándolo a ciertas reglas

académicas y agrupándose en sólidas corporaciones profesionales. A estos

grupos se le denominó Meistersingers o Maestros Cantores. Este movimiento

tuvo su origen en Maguncia y por mucho tiempo se consideró erróneamente a

Heinrich von Meissen (conocido por el apodo de frauenlob lo que significa

“panegirista de las damas”) como el fundador, en dicha ciudad, de la primera

escuela o corporación de Maestros Cantores en el año 1311. Las escuelas de

Maestros Cantores proliferaron en Alemania y alcanzaron su apogeo en la ciudad

de Nuremberg con el barbero cirujano, Hanz Folz (m. 1515), el tejedor,

Lienhard Munenbeek (m. 1510) y el célebre zapatero Hans Sachs60

(1494-

1576) prolífero poeta, dramaturgo y compositor de finales de ese período,

ferviente partidario de Lutero a quien dedicó su poema Die Wittenbergisch

Nachtigall.

El motete isorítmico

La forma más importante en el siglo XIV fue el llamado motete isorítmico,

que surge del motete del siglo XIII. Se trata de una composición polifónica de

tres y cuatro partes basada en un cantus firmus del tenor que en vez de presentar

secuencias modales cortas, como el motete de París, usa secuencias más largas

por causa del modelo rítmico que se repite, lo que se denominan talea. Si el

modelo que se repite es melódico, se denomina color. La mayoría de los motetes

de Guillermo de Machaut son isorítmicos.

60

Este personaje histórico, usado por Wagner en su melodrama Los Maestros Cantores de Nuremberg,

dice haber escrito 4.275 canciones, 1.700 fábulas y cuentos, 208 obras dramáticas, etc. Su obra completa

ha sido recogida en veintiseis volúmenes editados por A. Von Keller y E. Gotéese, Turingia (1870-1908).

Algunas de sus farsas se representan todavía, ocasionalmente, en ciertas ciudades de Alemania.

33

BREVES BIOGRAFÍAS

Leoninus o Léonin (c.1130-1190)

Compositor francés de finales del siglo XII, maestro de capilla de la iglesia de la

Beata Maria Virgen de Paris, perteneciente a la Escuela de Notre Dame (Nuestra

Señora) de la que es el primer gran exponente. Se desconocen mayores detalles

de su vida salvo una mención que data aproximadamente de 1275, en un tratado

anónimo en el que se le califica de magister y de organista, término, este último,

34

que debe entenderse como escritor de organa y no como ejecutante del órgano.

Su obra, que se sitúa en los alrededores de 1180, recopilada en el libro titulado

Magnus liber organi de graduali et antiphonario pro servitio divino

multiplicando (Gran Libro de organum), constituye la base de las futuras

creaciones de Pérotin, su sucesor.

Perotinus o Pérotin61

(c.1150-1220)

Compositor francés. El más célebre maestro de la Escuela de Notre Dame

(Nuestra Señora) de París en los alrededores de 1200 y sin duda el mayor

compositor francés anterior a Guillaume de Machault. En un tratado de

aproximadamente 1275 se le califica de discantor optimus lo que significa

excelente compositor de discantus o discanto. Estuvo muy activo en la iglesia

parisina entre finales del siglo XII y alrededores de 1230, sobresaliendo

particularmente en la producción de organas litúrgicas. Fue continuador de la

obra de Léonin, muchas de las cuales enriqueció, ampliando el uso de las voces

hasta cuatro líneas melódicas, sobreponiendo a la vox principalis, que entonaba

una melodía litúrgica escogida del repertorio gregoriano, hasta tres partes

melismáticas de libre creación. Amplió, inclusive, las proporciones del organum,

introduciendo nuevas pautas rítmicas. Pérotin es la primera gran personalidad de

la polifonía europea. Se le atribuyen con certeza 9 obras de dos a cuatro voces62

,

entre las que es particularmente célebre su organa a cuatro voces Viderunt omnes

e Sederunt principes. Su nombre, rápidamente olvidado, volvió a cobrar

relevancia en la segunda mitad del siglo XIX con las investigaciones históricas y

musicológicas del francés Charles Edmond Henri de Caussemaker, quien

publicó sus textos en 1864 por vez primera.

61

Pérotin es un diminutivo de Petrus 62

Que reposan en el Antifonario Médicis, de la Biblioteca de Florencia, Italia.

35

ARS NOVA O GÓTICO MUSICAL

La segunda etapa de la polifonía, que se extiende desde el año 1300 a

1450, se denomina Ars Nova o Nuevo Arte. El término fue introducido por el

obispo compositor, poeta y teórico francés, Felipe de Vitry (1291-1361) en su

tratado del mismo nombre63

, con el que quiso señalar la aplicación lógica y

consecuente de un sistema reformado de música y notación, en contraposición al

período anterior que pasó a llamarse, desde ese entonces, Ars Antiqua.

Históricamente Ars Nova es el eslabón musical entre la Edad Media y el

Renacimiento. Es el período que determina el final del Estado Feudal y el inicio

de los Estados Nacionales, con España en primer lugar, seguida de Inglaterra y

Francia.

Innovaciones del período

En esta segunda etapa polifónica se encuentran nuevos conceptos rítmicos,

estructuraciones de mayores dimensiones así como expresiones melódicas de

extracción popular y melodías más elaboradas. En Francia e Inglaterra se impone

la escritura a tres y cuatro voces con imitaciones canónicas, mientras en Italia

prevalece la escritura a dos voces. Durante este período la música atraviesa por

importantes transformaciones de tipo teórico y armónico, a la vez que se

solucionan algunos de los más significativos problemas planteados por los

teóricos medievales. Aparece, entre otras innovaciones, la música medida o

anotación mensural64

de donde derivará todo el sistema de escritura musical

moderno y lo que es más importante aún, la teoría modal gregoriana preconizada

por la Escuela de Notre Dame es incipientemente amenazada por el uso de

ciertos acordes de tercera y de sexta, iniciándose tímidamente la brecha que

llevará la música hacia un nuevo concepto armónico.

63

El equivalente en Italia del tratado de Vitry, es el Pomerium in arte musicae mensuratae de Marchetus

de Padua escrito entre 1321 y 1326, que trata por primera vez la notación mensuralista italiana en los

albores del siglo XIV, y habla también sobre el tempus perfectum, en oposición al tempus imperfectum. 64

Esta notación musical no necesariamente expresaba en forma efectiva la entonación, que en realidad era

determinada por la tesitura de las voces cantantes. Téngase en cuenta que la entonación exacta fue durante

largo tiempo cuestión secundaria, hasta más adelante, con la aparición de la ciencia de la Armonía que

concreta las tonalidades y con la invención de una escritura musical más exacta.

36

Los mayores compositores del momento

De Francia, Italia e Inglaterra surgen los mayores compositores del

período.

En Francia sobresalen el ya mencionado obispo Felipe de Vitry y

Johannes de Muris, en torno a quienes se ubicaron los llamados músicos

progresistas en contraposición al grupo de los conservadores, seguidores de las

teorías de Jacobo de Lieja. Aunque cómo músico Vitry es aún un personaje

poco concreto, toda vez que su producción musical se desconoce casi totalmente,

como poeta lanzó formas métricas novedosas. Fue el traductor de la

Metamorfosis de Ovidio mereciendo altos elogios de Petrarca quien le escribió

una extensa carta calificándolo de “el más grande y único poeta de su tiempo”,

mientras Simon Tunsted, prestigioso escritor inglés, le llamó “la flor de los

músicos del mundo”.

Sigue a Vitry, el también poeta y diplomático además de compositor y

eclesiástico, Guillermo de Machaut65

o Machault (1300-1377), quien le dio a

la misa polifónica la primera estructura formal completa, (constitución orgánica

tomada de la misa gregoriana) y quien representa la más alta expresión del Ars

Nova de Francia con una obra original y refinada. (Ver biografía más adelante)

En Italia varias ciudades se constituyen en centros musicales significativos

entre ellas Bolonia, Padua, Módena, Milán, Perugia y muy particularmente

Florencia donde se cultivó tanto el madrigal como la caccia y la ballata.

Es Francisco Landini (c. 1325-1397), el mayor compositor Italiano del

momento además de sobresaliente organista, cultivador de la Ballata66

a dos y

tres voces de las que escribió más de un centenar. Hijo del pintor Jacopo Landini

dal Casentino, pese a ser ciego desde temprana edad, alcanzó admiración

continental como organista, compositor, poeta y filósofo. Su fama como virtuoso

del órgano, en la iglesia de San Lorenzo en Lucina de Florencia fue

extraordinaria, aunque ejecutaba con igual pericia tanto el laúd como la flauta,

además de otros instrumentos. Su producción comprende al margen de un

número plural de composiciones para órgano, obras vocales como 10 madrigales,

motetes, amén de 90 baladas a dos voces y 42 a tres voces. Se le considera el

mayor organista italiano anterior a Frescobaldi.

Otros compositores italianos del momento son Giovanni da Cascia

(Johannes de Florentia) organista de Santa María del Fiore en Florencia y que

estuvo al servicio de la corte de Verona entre 1329 y 1351, así como Jacobo de

Boloña músico también de la corte de Verona entre 1340 y 1345. Ambos

escribieron madrigales a dos voces, cacce y baladas. Más adelante, hacia finales

del siglo XIV encontramos a Matteo de Perugia, fallecido en los alrededores de

65

Así como Perotino fue la propia encarnación del Ars Antiqua, Guillermo de Machaut, el último de los

poetas que escribió su propia música, uno de los hombres más eruditos de su siglo, fue la gran

personalidad musical del Ars Nova y uno de los mayores compositores de la historia. Su obra fue la

continuación lógica de la de Perotino. 66

Forma poética de una sola estrofa con estribillo, semejante al virelai francés.

37

1418, quien fuera cantor en Pavía para quien más adelante sería el papa

Alejandro V, así como cantor de la Catedral de Milán. Estuvo en Pavía, Pisa,

Pistoia y Bolonia. Es autor de baladas tanto italianas como francesas, rondós,

virelais, glorias a 4 voces, Credos, canon, etc.

En Inglaterra se destacó muy particularmente John Dunstable67

(1375-

1453) astrónomo y matemático además de erudito compositor polifónico, quien

incorporó en su obra las terceras y sextas como intervalos consonantes. Es

considerado el iniciador del nuevo estilo después del florecimiento del Ars Nova,

tanto en Italia como en Francia, donde alcanzó gran prestigio desde 1370. Otro

compositor y teórico inglés fue Lionel Power (m.ca. 1445) del cual poco se sabe,

aunque algunos autores lo colocan después de Dunstable y Dufay en la lista de

compositores más notables del período. Se le atribuye el arreglo unificado más

antiguo del Ordinario de la Misa, con Alma redemptoris Mater.

Escuelas neerlandesa, borgoñesa y franco flamenca

En el siglo XV se impone la Escuela Neerlandesa como la más importante

de la época, incluyendo la producción de la Escuela Borgoñesa68

en la primera

parte del siglo y la creación de la Escuela franco-flamenca en la segunda parte

del mismo. A su vez la técnica de la escuela flamenca dominará todo el siglo

XVI y se extenderá a lo largo y ancho del Continente europeo.

Guillermo de Dufay (c.1400-1474) constituye el gran exponente de la

Escuela Borgoñesa o Escuela de Cambray y uno de los mayores compositores de

todos los tiempos. Dufay abandonó prácticamente el uso de las melodías

gregorianas para introducir melodías populares de canciones muy de moda en

aquel entonces, inclusive en sus misas69

. (ver biografía más adelante)

Igualmente importante fue su contemporáneo Gilles Binchois (c.1400-

1460) quien aunque escribió significativas obras sagradas es más conocido por su

obra secular o profana. Su fama se basa particularmente en las canciones

(chanson), casi siempre a tres voces con textos humorísticos y picarescos. Con

estos dos compositores las ciudades de Cambray y Dijon, respectivamente, se

transforman en importantes centros polifónicos. Poco es lo que se sabe de la

juventud de Binchois aunque parece ser que, semejante a su contemporáneo

Dufay, hizo parte de la escolanía de Cambray. Fue soldado y luego sacerdote. En

los alrededores de 1430 entró al servicio de Felipe el Bueno, el más importante

de los cuatro duques de Borgoña, posición que mantuvo por el resto de su vida

creando un notable centro de enseñanza del arte polifónico. De sus magníficas

canciones populares polifónicas (chansons) se conservan alrededor de 55.

67

Poco es lo que se sabe de la vida de Dunstable fuera de que fue astrónomo, matemático y el mayor

representante de la escuela inglesa del gótico musical. 68

Según algunos autores, la más avanzada de todas, pese a las luchas intestinas entre Bernardo de

Armanac y Juan sin Miedo, ambos asesinados por sus respectivos adversarios y que dejó a Francia al

borde del desastre. 69

Sus tres misas, Ave Regina caelorum; Ecce ancilla Domini y L´homme armé, de forma cíclica,

constituyen probablemente el punto meridiano de la producción de Dufay. En la última, se usa, por vez

primera, una canción profana como cantus firmus.

38

Después de Dufay y Binchois aparece un significativo compositor,

considerado uno de los grandes, cuya obra da nuevo impulso a la evolución del

arte musical: Jean de Ockeghem (1420-1495), gran maestro de la segunda

generación de la escuela flamenca, chantre de Amberes y maestro de la capilla

real de Carlos VII y Carlos VIII, cuya influencia en los compositores de la época

fue marcadísima. En 1470 estuvo en España. Fue ampliamente reconocido y

admirado en vida; a su muerte el propio Erasmo de Rotterdam escribió su

epitafio. Su canon-motete a 36 voces (Deo gratias) alcanzó inmensa celebridad.

Escribió, además, unas 20 misas, un Requiem un Credo, pasiones, unos 10

motetes, 19 canciones profanas (chansons), etc.

Su coetáneo, Jacob Obrecht (1450-1505)70

, figura ilustre de la escuela

neerlandesa, fue compositor de la catedral de Utrech y de la Corte de Este en

Ferrara, así como maestro en Cambray, Brujas y Amberes. Según el teórico

musical Tinctoris, se le rindió gran admiración ya que era considerado por

muchos como “el mayor de todos”. Escribió 26 misas, 32 motetes, fugas, 25

canciones profanas, una Pasión a 4 voces71

(oratorios), etc. Obrecht murió en

Ferrara, víctima de la peste. Se le atribuía la rara facultad de poder escribir una

misa completa en una noche.

Personaje cumbre de los neerlandeses y el más importante discípulo de

Ockeghem es Josquin de Pres ó Desprez (c.1440-¿1521?), quién con su obra,

atrevida y novedosa, punto de confluencia de dos épocas, el Gótico y el

Renacimiento, prepara la última gran etapa de desarrollo del arte polifónico

vocal. Fue biscantor en la Catedral de Milán, para pasar luego al servicio de la

Capilla privada del duque Galeazzo María Sforza. El cardenal Ascano Sforza le

llevó a Roma donde estuvo laborando en la Capilla papal. Viajó por Pavía,

Placencia, Módena y Nancy. En 1499 fue a Ferrara donde entró al servicio del

duque Hércules. En 1501 entró al servicio de Felipe el Hermoso, quien le llevó a

España. En 1503, regresó a Ferrara, con el duque Hércules, para retornar dos

años después a Francia. En 1509 estuvo en Saint-Quentin y en 1515 Maximiliano

le nombró deán-preboste de la colegiata de Condé-sur-Escut donde permaneció

hasta su muerte. Su fama fue tan grande que Lutero le llamó “maestro de las

notas”. Entre su vasta obra, casi toda de índole religiosa, aparecen 32 misas, 98

motetes, salmos, un Miserere, etc. Des Pres hace parte de la tercera generación

de la escuela flamenca o neerlandesa y sobresale tanto en la composición

religiosa como en la profana, transformándose en un ídolo sin fronteras. Es

considerado uno de los creadores de la canción polifónica francesa, aunque es

conocido fundamentalmente por sus magníficos motetes, género en el que fue

figura dominante para la época.

Siguen en importancia: Pierre de la Rue (m. 1518), también conocido

como Petrus Platensis, oriundo de Picardía, maestro de capilla de Felipe el

hermoso, Carlos V y Margarita de Austria, así como Juan Mouton72

(m. 1522),

70

Tanto Ockeghem como Obrecht hacen parte de una segunda generación de la escuela flamenca. 71

Obrecht fue el creador del tipo de Pasión polifónica, con texto en latín, que atingirá su apogeo en el

período barroco. 72

Su nombre verdadero es Juan de Hollingue.

39

chantre de Luis XII y Francisco I, reyes de Francia. Mouton fue a su vez maestro

de Willaert.

Los compositores de este período son para el arte de la música tan

grandes e importantes como sus coetáneos maestros de la pintura: Giotto, Fray

Angélico, Van der Weyden, Masaccio y Fray Filippo Lippi. Del mismo modo

durante los siglos XIII y XIV desfilan grandes personalidades del pensamiento

filosófico medieval: San Buenaventura, Santo Tomás de Aquino, Juan Escoto

(Scotus) de Erígena, Rogerio de Bacon, Guillermo de Ockham y el gran Maestro

Eckhart, entre otros, así como en la literatura brillan particularmente, Bocaccio,

Dante y Petrarca.

Formas características

Las formas características del Ars Nova en Italia son el madrigal, la

caccia y la ballata, mientras en Francia sobresale el virelai, el rondó y la balada,

esta última más rica polifónicamente que la ballata italiana.

La frottola

Un nuevo estilo se extiende a su vez por toda Italia, de cara al gusto

franco-flamenco, con la nueva fórmula poética llamada frottola, composición

vocal a 4 voces con texto italiano y acompañamiento instrumental de inspiración

popular, que adquiere mucha importancia inclusive como canción de sociedad,

particularmente a finales del siglo XV. Dos ciudades se destacan en su

desarrollo: Verona y Mantua para extenderse después por diferentes ciudades de

Europa. Los mayores frottolistas de la época fueron el veronés Bartolomeo

Tromboncino (1470-1535) “de fácil y agradable invención melódica” y el

veneciano Marco Cara (m. 1530) quien estuvo en el séquito del marqués de

Gonzaga en Mantua y cuyo prestigio como compositor le llevó a ser comparado

con Josquin Des Pres. Generalmente en la frottola se cantaba sólo la parte

superior mientras las otras voces se interpretaban con el laúd o en el órgano. La

popularidad del nuevo género cedió lugar al madrigal.

Teóricos

Otros teóricos del período fueron: Juan de Grocheo (muy activo en Paris

en los alrededores de 1280) autor del tratado Theoría (c. 1300) en el que hace

una descripción de lo que es musica civilis y musica vulgaris; el mencionado

sabio, filósofo, matemático y músico francés, Juan de Muris73

(c.1290-c.1351),

amigo de Vitry, hombre abierto a todas las innovaciones del momento autor de

Musica Speculativa y Ars Novae musicae, a quien se le acreditó por muchos años

73

Juan de Muris, polígrafo y figura enigmática, fue uno de los astrónomos que trabajó en la reforma del

calendario, bajo los auspicios del Papa Clemente VI en Aviñón. Su autoridad es sólo comparable a la de

Boecio. El estudio de su obra Musica speculativa fue obligatorio en la mayoría de las universidades

europeas en los siglos XIV y XV.

40

el célebre tratado enciclopédico en 7 libros, el más extenso que existe sobre la

teoría musical conocido como, Speculum musicae74

, que resultó ser de Jacobo de

Lieja (c.1260-c.1340) conocido también como Jacobus Leodiensis, probable

discípulo de Petrus de Cruce, quién conjuntamente con Muris constituyó figura

relevante de los estudios musicales de finales del medioevo. Bien se puede

afirmar, que desde el siglo XIII al siguiente, Francia fue el centro más importante

de cultura musical en Europa.

Instrumentos musicales

Aunque no existe todavía una literatura propiamente dicha para

instrumentos estos empiezan a popularizarse, sea para doblar alguna de las voces

del canto, sea para acompañarlas con cierta libertad, así como para amenizar las

diferentes danzas populares entre ellas la ballade, la estampie y el rondeaux. La

estampie o estampida merece mención especial toda vez que llega a

transformarse, en una de las formas más antiguas del repertorio puramente

instrumental75

.

Entre los instrumentos más significativos del período están: el arpa, el

salterio, el laúd, la bándola, la guitarra, la vihuela, la viola, el rabel, la lira y la

rota. Tanto el órgano como el clavicordio y el clave son los instrumentos de

tecla más conocidos.

Las primeras obras para órgano, que surgieron alrededor de 1325 (que se

conservan en el British Museum), no son más que transcripciones de obras

vocales a las que se les han añadido algunas ornamentaciones. El órgano es un

instrumento conocido en época muy anterior al cristianismo. Su historia se

remonta a la era greco-romana, posiblemente al siglo III antes de Cristo. Los

primeros ejemplares que se conocen son los llamados órganos hidráulicos, como

el que Constantino V, emperador de Bizancio, le obsequio a Carlomagno en el

año 754, reemplazados posterior-mente por los órganos neumáticos. La entrada

del órgano al recinto sagrado se debe probablemente a la orden de los

Benedictinos en los alrededores del siglo IX y su proliferación fue bastante

rápida.

Entre los instrumentos de viento están: la flauta dulce, la flauta traversera

u horizontal, la flauta de pan o fretel, el caramillo, la cornamusa, la bombarda,

el cromorne, el cuerno, la corneta, las trompas y, las trompetas. Entre los

instrumentos de percusión están los címbalos, las castañuelas, las campanas,

tambores, tímpanos así como los timbales o nácaras.

Es durante el Ars Nova cuando aparece un reputado e interesante

instrumento de cuerdas con teclado, del cual se sabe poco, llamado Exaquir que

el propio Guillermo de Machaut menciona en su poema La Toma de Alejandría

y que constituye, junto con el Dulcemelos, uno de lo precursores del piano76

. 74

Publicado recientemente por la American Institute of Musicology. 75

La estampida más antigua que se conoce es la de Raimbault de Vaqueiras, de mediados del siglo XII. 76

Ver Jaime Ingram, Historia, Compositores y Repertorio del Piano, Editorial Universitaria, EUPAN,

Panamá 1993, Pág. 5 y 6.

41

“Palestrina apacigua. Victoria embarga.

Uno canta la gloria de un Dios consolador,

el otro la de un Dios sufriente.”

42

N. Dufourcq

RENACIMIENTO

En la tercera etapa de la polifonía, mal llamada Renacimiento, se

encuentra la Edad de Oro de la Polifonía Vocal. Se extiende este período desde

el año 1450 hasta los albores del siglo XVII. El arte del contrapunto tomó

proporciones extraordinarias en manos de maestros de una técnica impecable y

de enorme trascendencia.

Perotin abrió el camino, Machaut lo enriqueció, Dufay lo decoró

ricamente y Des Pres lo iluminó con el ardor de su fe con tal énfasis que servirá

de inspiración tanto al arte de Lassus como al de Palestrina y Victoria.

Primeros editores de música

En 1501 aparece en Venecia el más antiguo editor de música que se

conoce, Ottaviano Petrucci (1466-1539) cuya primera publicación fue la

antología polifónica Harmonice musices Odhecaton77

. El primer editor de música

en Francia con tipos movibles, que aparecerá veinte años después, fue Pierre

Attaingnant (m. 1552) y el primero en el mundo en imprimir las palabras de la

música vocal debajo de las notas correspondientes.

La escuela veneciana

Los compositores más significativos de la escuela veneciana son: Adrián

Willaert (1490-1562), gran maestro original de Brujas, (flamenco según Zarlino

que fue su alumno y neerlandés según otros), quien después de seis años de

residir en Paris, Roma, Ferrara, Milán y Hungría, creó la célebre escuela

veneciana. Maestro de capilla en San Marcos de 1527 hasta 1562, renovó el uso

de los coros dobles (canto antifonal) a la antigua usanza, siendo el primero en

escribir composiciones para dos coros simultáneos dentro de una escritura muy

avanzada para su época. Además de ser uno de los zapadores del ricercare

italiano y del madrigal, practicó también la música instrumental. Quien

probablemente fuera su discípulo, Cipriano de Rore (1516-1565) con una obra

importante que comprende Misas, motetes, magnificats, salmos, 1 Pasión,

algunas canciones y 125 madrigales. le sucedió en el cargo de organista de San

Marcos.

77

Se trata de 96 piezas de diferentes compositores, en su mayoría chansons francesas, sin textos.

43

Dos compositores franco flamencos de prestigio, de la misma época, son:

Nicolás Gombert (1500-1556) cuya carrera transcurrió casi toda al servicio de

Carlos V a quien acompañó en sus viajes por España, Italia, Austria y Alemania,

considerado uno de los compositores más importantes de música religiosa del

período, particularmente en la técnica de la imitación sistemática, autor de unas

10 Misas, 8 magnificats y más de un centenar de motetes a 4, 5 y 6 voces,

publicados en diferentes colecciones, entre otras cosas, y el maestro de la Capilla

Sixtina, “músico del rey de Francia” y maestro de Capilla del Cardenal de Lorena

es, Jacques Arcadelt 1500-1568) autor de motetes, salmos, madrigales (de los

que escribió 5 libros), y canzoni francesi.

Siguen: Giosefo Zarlino (1517-1590) brillante teórico y maestro de

capilla de la catedral de San Marcos en 1565; Nicola Vicentino (1511-1572)

compositor de madrigales; el organista Claudio Merulo (1533-1604) creador de

la toccata, y muy particularmente los Gabrieli: Andrea, (1510-1586) gran

organista y sucesor de Merulo, y su sobrino Giovanni (c.1555-1612) que

representan el punto meridiano de la Escuela veneciana, con una obra importante

y trascendente.

Otros compositores italianos de prestigio son: Luca Marenzio (1553-

1599) célebre por su colección de madrigales profanos, protegido del príncipe

Virginio Orsini, del cardenal Cinzio Aldobrandi y del Papa Clemente VIII, el

representante más significativo del madrigal romano; Carlo Gesualdo príncipe

de Venosa (1560-1613) espléndido compositor revolucionario y figura

sobresaliente del Renacimiento italiano, amigo de Tasso, autor, entre otras obras

de carácter religioso, de una colección de originales como interesantes

madrigales con una escrita rigurosamente contrapuntística, ricos en cromatismo,

falsas relaciones y sorprendentes disonancias. Se cree que Gesualdo fue

discípulo del madrigalista napolitano Pomponio Nenna (1550-1618) autor de 8

Libros de Madrigales a 5 voces, una colección de Madrigales a 4 voces y dos

colecciones de Responsorios.

Escuela española de órgano

Entre los compositores más cotizados del momentos ocupa lugar

destacado el gran organista Antonio de Cabezón (1510-1566), invidente de

nacimiento, músico del emperador Felipe II (ver biografía más adelante), así

como Fray Tomás de Santa María (1510-1570), autor del libro llamado Arte de

tañer fantasía (1565) y Hernando de Cabezón (1541-1602), hijo del anterior

también diestro organista. Muy prestigioso fue el tratadista español más

importante del siglo XVI, jefe del grupo de compositores castellanos radicados

en Roma, profesor de música en la Universidad de Salamanca y Maestro de

Capilla del Virrey de Nápoles, ciego también de nacimiento, amigo de Fray Luis

de León, el organista Francisco Salinas (1513-1590).

Escuela franco flamenca y romana

44

Figura cumbre y gran maestro de la Escuela franco flamenca es Orlando

de Lassus ó de Lasso78

(1532-1594), procedente de Henao, conocido como el

“Orfeo belga”, espíritu universal y compositor sorprendentemente fecundo

(escribió más de dos mil obras) y apreciado particularmente por sus Pasiones,

Salmos penitenciales y motetes. (Ver biografía más adelante)

De la Escuela romana, aunque flamenco de nacimiento, es Felipe de

Monte (1521-1603)79

nacido en Malinas, once años mayor que Lassus, quien

después de viajar por Italia e Inglaterra se establece en Viena como maestro de

capilla del emperador y en cuya obra se encuentran 38 misas, más de 300 motetes

de 4 a 6 voces y unos 40 libros de madrigales de 3 a 7 voces.

Siguen históricamente, la gran figura de Giovanni Pierluigi da

Palestrina, (c.1525-1594, (ver biografía más adelante) su discípulo Giovanni

Nanino (1545-1607) quien le sucedió en 1571 como Maestro de Capilla de Santa

María la Mayor, Gregorio Allegri (1582-1652) alumno del anterior, autor de un

famoso Miserere a nueve voces y dos coros, así como Marco Antonio Ingegneri

(1545-1592) protegido del Papa Gregorio XIV, maestro de capilla de la catedral

de Cremona y por ultimo la primerísima gran figura del drama musical, Claudio

Monteverdi (1567-1643) autor entre otras obras de 10 libros de madrigales de 4

a 6 voces en los que hace uso de un cromatismo avanzado. (Ver biografía más

adelante)

Escuela castellana, inglesa, portuguesa y alemana

De la escuela española80

sobresalen como compositores de polifonía vocal,

Cristóbal de Morales (1500-1553) de Andalucía, uno de los precursores más

significativos de Palestrina; el sevillano Francisco Guerrero (1527-1599)

discípulo de su hermano Pedro Guerrero y del propio Morales, autor de Misas,

motetes, Magníficats, salmos, Pasiones (según San Mateo y San Juan) así como

de una serie de canciones y villancicos espirituales y populares; y muy en

particular, probablemente el mayor de todos, de la escuela castellana,81

Tomás

Luis de Victoria (ca. 1535-1612) sucesor de Palestina como maestro de capilla

en el Seminario Romano (Ver biografías más adelante). Otras escuelas españolas,

además de la andaluza y castellana, son: la valenciana, la de Zaragoza y la

catalana.

Otros compositores castellanos son: Juan Escribano (m. 1558),

Bartolomé Escobedo (m. 1564), original de Zamora, cantor de la capilla papal

78

Según el musicólogo francés Roland de Candé “Lassus fue el más ilustre músico del Renacimiento:

su gloria sobrepasó la de Palestrina, y sus contemporáneos pudieron considerarlo como el más grande

compositor que hasta entonces hubiese existido”. Historia Universal de la Música, Edición Aguilar,

Madrid, 1981, tomo I, Pág. 357. 79

Ese mismo año (1603) aparece en Colonia la antología más completa de música para Laúd (403

piezas), de Juan B. Bésard (1567-1625) llamada Tesoro Armónico, con un tratado sobre la forma de

ejecutarlo. 80

Las tres fuentes más importantes de la música antigua española son: El Cancionero musical de Palacio,

El Cancionero de la Colombina y la Colección de música religiosa de la catedral de Tarazona. 81

Que tuvo su centro en la Real Capilla de Madrid, en Toledo y en Burgos.

45

en roma; Sebastián Raval (m. 1604) soldado y fraile capuchino y Diego Ortiz

(c.1525-c.1570) autor de variaciones, motetes, música sacra, etc., así como el

Tratado de glosas sobre cláusulas y otros géneros en la música de violones,

publicado en Roma en 1553.

A la escuela inglesa pertenecen John Taverner (1495-1545) de quien se

conservan 8 misas escritas en un impecable estilo contrapuntístico; Christopher

Tye82

(1500-1572) y Thomas Tallis (c.1505-1585) quienes conforman la

llamada tres TTT., así como William Byrd (1543-1623), primer madrigalista

inglés, a quien algunos críticos comparan con Lassus y Palestrina (Ver

biografías más adelante).

En Portugal sobresalen los polifonistas de la escuela de Manuel Mendes

(1547-1605) maestro de capilla de la Catedral de Evora, Duarte Lobo (1565-

1646) maestro de capilla de la Catedral de Lisboa, cuya obra impresa en Lisboa y

Amberes se conserva en las bibliotecas de Munich, Viena, catedral de Toledo,

Sevilla, Valladolid, Coimbra, catedral de Evora, en el Palacio de Vila Vicosa, el

British Museum y el royal College of Music de Londres. Su obra completa ha

sido reeditada por M. Joaquim; Felipe de Magalhaes (m. c.1590) maestro de

capilla de la Iglesia de la Misericordia de Lisboa con una obra significativa

conservada en diversas bibliotecas de Lisboa.

De la escuela alemana surgen: el flamenco Alejandro Agrícola (1445-

1506), fallecido en Valladolid en 1506 cuando acompañaba a Felipe el hermoso

de Borgoña y España, autor de chansons, cantatas, oratorios, Misas, motetes y

obras para órgano, dentro de un estilo claramente italiano; Adam de Fulda

nacido en 1445, humanista notable, historiador, poeta, músico autor de música

sagrada entre responsorios, himnos, Magnificat, etc., además de cantos

populares; Heinrich Isaac (c.1445-1517) eminente contrapuntista el más

destacado compositor alemán de su generación, de origen flamenco en la

provincia de Brabante, conocido organista y diplomático. Estuvo el servicio de

Lorenzo el Magnífico de 1484 a 1496, , de Segismundo de Innsbruck y luego en

la corte de Maximiliano de Augsburgo en Viena, para retornar a Florencia donde

residió. Es autor de Misas y motetes, frottolas, strambotti y unas 80 canciones

polifónicas vocales e instrumentales con texto en alemán, francés e italiano,

además del famoso Choralis Constantinus escrito entre 1513 y 1516, ciclo de

obras litúrgicas para la Misa concluido por su discípulo, el compositor suizo

Ludwig Senfl (c.1486-1542/43); Thomas Stolzer (c.1475-1526)

quien se

distinguió en el terreno de la canción aunque también compuso Misas, motetes y

otras obras sacras; Hans Leo Hassler (1564-1612), de Nuremberg, el mayor

maestro alemán de finales del siglo XVI, discípulo de Isaac y de 1584 al 85 de

Andrea Gabrielli en Venecia, organista titular imperial en Praga y del Elector de

Sajonia desde 1608, compositor de misas, madrigales, motetes, salmos, corales

luteranos, danzas instrumentales, etc. En su obra resulta evidente el modelo

italiano aliado a la expresión popular alemana, anticipándose al gran maestro

82

Se dice que fue Tye quien compuso el primer himno de la iglesia anglicana, dentro de la más severa

tradición luterana, forma que reemplazó al motete en Inglaterra, cuando ésta se separó de la iglesia

católica romana.

46

barroco H. Schütz. Otros compositores alemanes del período son: Stefan Mahu

(c. 1490-c.1540), el Jesuita Jacob Gallus (1550-1591) y Leonhard Lechner

(1553-1606) discípulo de Lassus en Munich.

Pintores y humanistas

La mayoría de estos maestros compositores estuvieron al servicio de la

iglesia católica, sea en la Santa Sede en Roma o en Aviñón,83

en alguna

importante Catedral europea o al servicio de una Corte, a semejanza de sus

coetáneos pintores: Botticelli, David, Bosco, Leonardo, Grunewald, Durero,

Miguel Angel, Rafael, Tiziano, Holbein, los Brugel, Tintoreto, Veronés, el

Greco, Rubens, Hals, Ribera, Zurbarán, Van Dyck, Velásquez, etc.

El pensamiento humanístico de la época estuvo representado entre otros

por: Petrarca, Pico de la Mirandola, Nicolás Maquiavelo, Campanella, Leonardo

de Vinci, en Italia; Michel de Montaigne y Pierre de la Ramé (Petrus Ramus), en

Francia; Cisneros, Nebrija, Fray Luis de León y Luis Vives, en España; Tomás

Moro en Inglaterra; Erasmo de Rotterdam en Holanda; Teofrasto, Paracelso,

Martín Lutero y Jacobo Boehme en Alemania.

La Guitarra, la Vihuela y el Laúd

Es relevante en este período, cuando el órgano lleva la voz cantante de los

instrumentos, el auge muy particular que tomó el arte de la guitarra y la vihuela o

guitarra de Flandes, en España, así como el laúd en Italia (especialmente en

Mantua, Florencia84

Milán y Venecia), Francia y Alemania.

Tanto para la guitarra como para la vihuela, el laúd o la viola de gamba,

existieron diversas tipos de tablaturas (o sistemas de cifra que variaban entre un

país y otro), que es como se denominan los diversos sistemas antiguos de

notación musical para órgano, laúd, guitarra, viola, flauta, etc. en el que los tonos

se indican por medio de letras en vez de notas.

Entre los mayores vihuelistas españoles se encuentran: Luis de Narváez

(1500?-1550?) autor de 6 Libros del Delfín de música de cifra para tañer

vihuela, de 1538, que comprende fantasías, variaciones, transcripciones de

canciones sacras y populares algunas inclusive de Josquin de Pres. Luis de

Milán (1500-1561) autor del libro El Maestro85

de 1536 con tientos, fantasías y

pavanas, además de villancicos, romances y sonetos para voz con

acompañamiento de vihuela. Diego Pisador (1509-1557) autor del Libro de

música de vihuela en 1552, y Miguel de Fuenllana (m. ca.1579) gran virtuoso

del instrumento y compositor, ciego de nacimiento, autor de la obra Orphenica

Lyra, de 1554.

83

Es el momento del “doble papado”, cisma de la Iglesia Católica que inicia Clemente V, en 1309. 84

En Florencia se distingue como laudista Vicenzo Galilei (1520-1591) padre del célebre astrónomo

Galileo Galilei y miembro conspicuo de la camerata fiorentina. 85

También conocido como Libro de Vihuela de mano. Escribió también, en 1516, la obra intitulada El

cortesano que trata sobre su vida en la corte Valenciana de la cual fue miembro.

47

Diestro vihuelista también y el más importante compositor de obras con

sabor popular de la época, es el poeta y músico español Juan de la Encina o del

Enzina (1469-1529) cuyo verdadero nombre es Juan de Fermoselle, Maestro de

Capilla de Salamanca, en cuya Universidad estudió música y derecho, muy

conceptuado también en la literatura, donde se le considera el Patriarca del

Teatro Español, músico de la corte del Duque de Alba, prior de la Catedral de

León. En Roma gozó de las atenciones del Papa León X, ciudad donde vivió

entre 1514 y 1519 para luego viajar a Tierra Santa después de lo cual inició una

carrera eclesiástica. En su obra Triunfo del amor, cita los diferentes instrumentos

de su tiempo. Fue también traductor de Las Bucólicas de Virgilio; Luis Venegas

de Henestrosa o Hinestrosa, instrumentista y compositor al servicio del cardenal

Juan de Tavera en Santiago de Compostela y Toledo, publica en Alcalá de

Henares, en 1557, su Libro de cifra nuevo para tecla, harpa y vihuela86

con un

variado repertorio de obras originales y transcripciones de diferentes

compositores españoles y franceses, entre las cuales sorprende una fuga anónima,

Unum Colle Deum, a 40 voces para dos instrumentos87

.

En el último tercio del siglo XVI aparece el que probablemente sea el

último trabajo importante para vihuela, El Parnaso, publicado en Valladolid en

1576, del poeta y compositor Esteban Daza, en el que incluye motetes,

villancicos, sonetos y fantasías. Otro autor español de la época es el diestro

contrapuntista Fernando de las Infantas (1534-1601) quien en 1584 se ordena

sacerdote en Roma después de ver sus obras publicadas en Venecia.

Entre los laudistas más conocidos están: Francesco Spinacino (n. en

Frossombrone, m.ca. 1507)88

, Francesco de Milano (ca.1490-ca.1566) quien

además de haber sido un ejecutante sin par, conocido como el divino, fue un

compositor de gran originalidad que influenció a toda una generación de

seguidores. Alberto de Rippe, de Mantua (1480-1551) laudista de Francisco I de

Francia, cuya obra incluye fantasías, pavanas y gallardas originales. Giovanni

Antonio Terzi, autor de 2 libros de Itavolatura para laúd publicados en Venecia

en 1593, y Simone Molinaro (1565-1615), Maestro de Capilla de la Catedral de

Génova.

Es digno de mención el compositor y célebre laudista inglés John

Dowland (1563-1626), con un Bachelor of Music de la Universidad de Oxford y

Cambridge, autor de 4 libros de Aires, piezas varias publicadas en 1597, 1600,

1603 y 1613, respectivamente. Se dice que fue discípulo de Marenzio y que

trabajó en la corte de Cristian IV de Dinamarca para luego pasar a la corte

inglesa. Su obra comprende también canciones tanto de raíces populares como

complejas y refinadas, además de salmos.

86

Transcrito y publicado por Higinio Anglés en su obra La Música en la Corte de Carlos V, Consejo

Superior de Investigaciones Científicas, Instituto Español de Musicología, Barcelona, 1944, Pág. 142. 87

Ver obra cit., de Anglés, Pág. 163. 88

Autor de las primeras tablaturas impresas: los dos volúmenes de Intabulatura de Lauto publicados en

Venecia en 1507. Es interesante señalar que con su obra queda demostrada la existencia, a inicios del

siglo XVI, de un temperamento igualado por el ajuste de los trastes (!).

48

La vihuela y el laúd alcanzaron su apogeo como instrumentos solistas a

mediados del siglo XVI el primero y a finales del mismo siglo el segundo. A

partir de entonces ambos fueron reemplazados definitivamente por la guitarra, el

clavicordio y el clavecín.

Características Generales del período:

La música de este período es de mayor refinamiento que la del período

anterior, con giros melódicos de mayor fluidez y continuidad, más a tono con

nuestra expectativa. Las cadencias o finales de frase, así como las modulaciones,

son suaves y cómodas. El recurso de imitación entre las voces es asiduamente

utilizado. Desde el punto de vista “armónico” esta música es más rica que la del

período anterior y el elemento rítmico, aunque todavía muy sereno en

comparación con la música de hoy, es también más complejo que el del período

precedente.

Salvo excepciones, la creación musical continúa siendo en líneas

generales de carácter religioso, aunque con obras inspiradas también en

expresiones populares, ambas dentro del sistema modal tradicional. Los grupos

corales son todavía formados exclusivamente por voces masculinas adultas y

voces blancas. Aunque esta música continúa modal en su esencia ya se escuchan

efectos de modos mayores y menores particularmente en la creación secular o

profana.

Las formas más importantes y representativas, además de la Misa

Polifónica, son: el Motete y el Madrigal. El primero es original de Francia y el

segundo surge en Italia en el siglo XIV constituyéndose en el género más

importante de la música profana italiana del siglo XVI.

El canto popular y la música instrumental

El canto popular o canto profano se desarrolla paralelamente al canto

religioso y ya en el siglo XVI el acervo de la canción popular era copiosa en

todos los géneros. Otro tanto sucedería con la música instrumental

particularmente con los ya mencionados juglares, aunque es poco el repertorio

escrito que ha llegado hasta nosotros por falta de conservación. El canto y los

instrumentos hacían parte de la vida cotidiana: laúdes, guitarras, rabeles,

bombardas, flautas, pífanos, trompas, trompetas, cornetas, trombones, etc., la

mayoría de los cuales habían sido llevados por los árabes89

. En efecto en el siglo

XV el repertorio instrumental se enriqueció de tal manera que comenzó a sentirse

la diferencia en carácter entre el repertorio instrumental y el vocal a la vez que

asciende una clase burguesa, no necesariamente noble, que se interesa

particularmente por la música de carácter profano, canciones populares, danzas

89

Para el instrumental de la Edad Media y Renacimiento recomendamos consultar el Libro de Buen Amor

del Arcipreste de Hita, sección “De cómo clérigos e legos e frayles e monjas e dueñas e joglares

salieron a receber a don Amor” y “En quáles instrumentos non convienen los cantares de arávigo”.

49

instrumentales y fantasías en general, que a través de la parodia90

se había

enriquecido enormemente.

Es interesante constatar que el coro de la Capilla Papal que contaba con

una planta de nueve miembros, en 1436, ya en 1500 alcanza hasta 24 cantantes.

Por otro lado Ockeghem, quien estuvo en la Catedral de Nuestra Señora de

Antuerpia en 1443, contó con 51 cantantes en su cuerpo coral, de los cuales

veinticinco constituían el coro polifónico y veintiséis el coro litúrgico o

monofónico.

Primeras academias

Surgen en este período las primeras Academias91

en las que la música se

convierte en el tema habitual de conversación y fuente de entretenimiento para

todos, sin distingo de castas sociales, y algunas de ellas, inclusive, se dedican

exclusivamente a la composición e interpretación musical. Los compositores

laicos empiezan a ser aceptados por la sociedad civil en tanto que la Iglesia

modifica su posición de intransigencia de cara a la canción popular y el

repertorio instrumental, sin olvidar que ya en 1480 el Papa Sixto IV, gran

promotor del arte y de la ciencia, había suspendido para siempre “la excomunión

que pesaba contra algunos músicos”.

La chanson francesa

La contribución francesa más importante a la música renacentista ha sido la

chanson polyphonic (canción polifónica), cuya excelencia, a semejanza de los

madrigales ingleses, se debe, mayormente, a la alta calidad del verso de poetas

como Ronsard. Existieron tres diferentes estilos de chanson. El primero era de

estilo fugal con imitaciones canónicas entre las voces. El segundo era de estilo

armónico (acordes) con un alineamiento vertical de las sílabas en todas la voces,

y el tercero era la chanson a una voz con acompañamiento instrumental. Los

compositores más significativos de chansons son: Pierre de la Rue (c.1450-

1518), Clement Jannequin (c.1485-1560), Claude Lejeune (1528-1600), Jean

Antoine de Baïf (1532-1589), Jacobo Regnard (c.1550-1599) y Jacques

Maudit (1557-1627) entre otros. Algunos de estos compositores hacían parte del

grupo denominado La Pléyade. Claude Lejeune cultivó todos los géneros

musicales con igual maestría: Misas, motetes, aires de tres a seis voces, salmos,

90

La parodia fue, en efecto, otra fuente de enriquecimiento de la canción popular; una melodía de carácter

religioso y de fácil memorización, se le ponía letra profana y se cantaba en la calle. 91

Se llamó Academia a una reunión de varias personas interesadas en literatura, ciencia o arte en general.

El término emana de la célebre Academia Platónica, por las reuniones que el propio Platón hacía en los

jardines de la casa de Academus, ciudadano griego. En el siglo XV se dio este nombre a una sociedad de

sabios formada por Laureano de Médicis de Florencia (1470) con motivo del renacer de los estudios

greco-latinos. En esas llamadas Academias, a las que concurría lo más selecto de la sociedad, se daban

también audiciones musicales. De las numerosas Academias que se fundaron en ese entonces subsiste

todavía en Roma la creada por el Papa Gregorio XII, conocida como la Congregación y Academia de

Santa Cecilia, erigida en cofradía en 1583 que se dedicó, desde ese entonces, exclusivamente a la música

religiosa.

50

madrigales, canciones francesas, etc., aunque sobresalió muy particularmente

por sus Fantasías para viola. Su obra ha sido comparada inclusive con la de

Lassus. A su vez Baïf fue el fundador, en 1570, de la Academia Francesa de

poesía y música.

Teóricos importantes

Algunos de los teóricos prestigiosos durante este período, fueron los

españoles Ramos (Ramis) de Pareja (1440-c.a.1491) autor del tratado Música

Práctica quien trabajó en Salamanca, Bolonia y Roma92

; Johannes Tinctoris

(ca.1446-1511) quien escribió unos doce tratados sobre música, la mayoría para

el rey Fernando de Aragón, y autor, así mismo, del primer diccionario de

términos musicales que se conoce; Juan Bermudo (1510-1555) autor de la

Declaración de Instrumentos Musicales, publicada en Osuna en 1549 y 1555

respectivamente, y el veneciano Gioseffo Zarlino (1517-1590) cuya obra

Instituzioni Armoniche motivó una célebre polémica con Vicenzo Galilei, padre

del célebre astrónomo Galileo Galilei, y autor, entre otras obras, de Dialogo della

musica antica e della moderna, que se llegó a considerar, con sobrada razón,

como “el manifiesto de la monodía”.

Ocaso del sistema modal

Hasta este momento el período polifónico occidental lleva

aproximadamente 700 años de espléndido desarrollo y en las obras de los

compositores el sistema modal, imperante hasta ese momento, va desapareciendo

lentamente para ceder lugar al nuevo concepto armónico, con sus dos escalas

fundamentales, el modo mayor y el modo menor, los únicos dos que quedan de

los numerosos modos originados por la melodía unísona. En efecto, en la

segunda mitad del siglo XVII se cierra definitivamente el período modal y se

inicia el novedoso período armónico con sus respectivas escalas y tonalidades,

tan íntimamente ligadas al nuevo sistema de afinación temperada, como se verá

más adelante.

BREVES BIOGRAFÍAS

Guillermo de Machaut (c. 1300-1377)

Compositor francés. Sabio sacerdote93

, fino poeta y excelente cronista, que vivió

sucesivamente en las cortes de Juan de Luxemburgo rey de Bohemia94

, de la

92

Bartolomé Ramos de Pareja (1440-1491) discípulo de Johannes de Monte, fue el primero en

formalizar las propiedades matemáticas de las terceras mayores y menores así como el primero en

declarar que la tríada es un fenómeno natural, sentando las bases de la ciencia de la Armonía. 93

Fue canónigo, o sea eclesiástico con cargos y prebendas especiales.

51

duquesa de Normandía y de Carlos V de Navarra para cuya coronación escribió

una notable misa. Poca información se conoce de su infancia, adolescencia e

instrucción intelectual al margen de que se radicó en Reims en cuya catedral fue

canónico. Es considerado el mayor exponente del Ars Nova y uno de los

personajes más eruditos de su siglo. Escribió importantes obras religiosas y

profanas, entre ellas la misa polifónica más antigua que se conoce. Se dice que

fue el último poeta francés de la época de los trovadores que escribió no

solamente la letra sino también la música de sus canciones. Machault quiso a

toda costa enriquecer el primitivo motete gótico con textos latinos líricos

amatorios, en francés, apartándose osadamente de la exclusiva línea religiosa con

texto en latín, logro que no pudo concretar. En sus manos el motete deja de ser la

miniatura que fue en el siglo XIII, ampliando considerablemente sus

proporciones y tejido polifónico, y adquiriendo, además, un lirismo desconocido

hasta entonces, en contraposición a la habilidad del “juego aritmético-melódico-

rítmico” que tanto se admiró en Vitry. Alcanzó con su música una expresión

profundamente expresiva que llevó a la Balada secular a niveles de igualdad

polifónica con el Motete. De ahí la opinión de ciertos eruditos de que el Ars Nova

fue más bien un arte secular en contraposición a los magníficos y rigurosos

organa de Pérotin, y así, pese a las severa ansiedad del Papa Juan XXII, a la

postre el arte religioso fue enriqueciéndose con las nuevas tendencias polifónicas

del Ars Nova. Su obra comprende, entre otras cosas: 42 baladas, 33 virelais, 23

motetes, 21 rondós, 19 lais, además de la célebre Misa de Notre dame, a cuatro

voces escrita en 1364, etc. Entre sus obras literarias se conocen, su novela, Le

Voir dit, La Toma de Alejandría y sus Poesías Líricas en dos volúmenes.

Guillermo de Dufay (c. 1400-1474)

Es considerado el más sobresaliente compositor de la Escuela borgoñesa. Inició

su vida musical como corista tanto en su tierra, Cambray, como en Roma. Fue

canónico en Cambray y en Brujas. En 1428 fue ordenado sacerdote en Bolonia y

a finales de ese mismo año ingresó como chantre en la capilla del Papa Martín V

de Roma, para cuya entronización escribió el motete Eclesiae militantis. En

1433, en ocasión de la firma del tratado de paz entre Eugenio IV y el emperador

de Alemania Segismundo, escribió el motete Supremum est mortalibus. Le unió

una gran amistad con los Malatesta95

para quienes escribió obras importantes, en

diferentes ocasiones. Asumió responsabilidades en la Capilla papal, tanto en

Florencia como en Boloña y obtuvo el título en Derecho Canónico aunque no se

94

En calidad de secretario participando de las cacerías, batallas y fiestas del Soberano. A la edad de 60

años se unió a la joven de 18 años, Peroné d´Armantières, con la que mantuvo un idilio insólito que duró

dos años y sobre el que escribió, en 1365, el romance epistolar intitulado, Le voir dit, que ha inspirado

varias obras musicales. 95

Célebre familia de condottieri italianos, establecidos en Rimini desde mediados del siglo XII y que

tuvo que ver, hasta el siglo XIV con la evolución de muchos sucesos significativos de la historia de Italia.

El Malatesta en cuestión es Segismundo Pandolfo (1417-1468) aliado a grandes familias italianas, entre

ellas a los Este y los Sforza. Fue un reconocido mecenas rodeándose de artistas y construyendo célebres

monumentos, entre ellos, la Iglesia de San Francisco, conocida como Templo Malatesta, construida por el

arquitecto Alberti. Dufay mantuvo también muy buenas relaciones con la corte de Luis XI, René de

Anjou y el célebre Lorenzo de Médicis.

52

sabe en qué fecha ni en que Universidad. En su obra están representados todos

los campos de la polifonía profana y espiritual. Dufay constituye el primer

ejemplo europeo de verdadera polifonía en el sentido que se comprende hoy.

Mientras fue director de música de la Catedral de Cambray logró formar una

escuela, transformándola en el centro de enseñanza mas destacado de música

polifónica del momento. Dufay muere en Cambray, probablemente a la edad de

76 años. Su obra comprende: 9 Misas; 13 Kyries, 12 Glorias, 4 Credos, 4

Sanctus, 60 motetes, 14 motetes isorítmicos (escritos entre 1420 y 1438), más de

80 canciones, etc.

Cristobal de Morales (1500-1553)

Compositor español y el mayor representante de la escuela andaluza del siglo de

oro de la polifonía vocal. Desde los 26 años figura como maestro de capilla de la

catedral de Ávila, funciones que ejerció también en la Catedral de Plasencia. En

1534 el Papa Clemente VII le concedió una posición relevante en la Catedral de

Salamanca y al año siguiente se trasladó a Roma como cantor de la Capilla

Pontificia, para recibir en 1536 el título de Conde del Sacro Palacio y de San

Juan de Letran, así como el de “notario familiar del pontífice”, tal era ya su

prestigio. Dice mucho de su fama el hecho de que cuando en 1538 se reúnen en

Niza, Paulo III, Carlos V y Francisco I, para concertar un tratado de paz, se

encarga a Morales componer la Cantata alegórica para la regia ocasión. La

repercusión del hecho en Ferrara fue tan grande que al año siguiente cuando el

hijo de Lucrecia Borgia, Hipólito de Este fue ascendido a cardenal se encomendó

a Morales escribir la correspondiente obra congratulatoria. A los 40 años de

edad, después de 15 de permanencia en Roma, dada su delicada salud, Morales

tuvo que retornar a su tierra, viaje que hace en compañía de su compatriota

Bartolomé Escobedo miembro también de la Capilla Sixtina. Una vez en España

el Cabildo de Toledo le ofreció el cargo de Maestro de Capilla de la Catedral que

asumió hasta 1547, para pasar luego al servicio del duque de Arcos. En 1551 fue

cantor de la Catedral de Málaga. Su obra, casi en su totalidad de índole religiosa,

comprende: 21 Misas, 16 Magnificats, 91 Motetes, 11 Himnos, etc., y algunos

Madrigales. Fue un compositor altamente considerado y respetado inclusive por

sus más exigentes colegas, y constituye, junto con Victoria y Guerrero la gran

trilogía vocal renacentista de España. Morales falleció en Andalucía en 1553

Antonio de Cabezón (1510-1566)

Célebre compositor y organista español, “el primero y mas grande de los

organistas castellanos, en competencia con el madrileño Fray Tomás de Santa

María”96

. Invidente desde su nacimiento, fue discípulo de García Baeza en

Palencia. En 1526 entró al servicio de la emperatriz Isabel y un poco más

adelante fue músico de cámara de Carlos V y de su hijo, el emperador Felipe II,

96

Adolfo Salazar, La Música en la Sociedad Europea, Primera edición, Fondo de Cultura Económica,

México, 1942, Vol. 2. Pág. 205.

53

con quien viajó a Italia, Francia, Países Bajos e Inglaterra, dando a conocer su

maestría que causó asombro por doquier, e influenciando con su obra a los

compositores y virtuosos de la época, tanto ingleses como alemanes e italianos

“siendo decisivo en la formación de la escuela napolitana de organistas que

precedió el auge admirable de la virtuosidad en el teclado culminante en Claudio

Merulo y los Gabrielli”97

. Se le considera el creador del tema con variaciones

adelantándose en casi medio siglo a las primeras variaciones de los compositores

ingleses, particularmente con sus Tientos y Diferencias. Cerca de 1570, o sea

poco después del fallecimiento de Cabezón es que la forma de variación aparece

en Alemania, Italia e Inglaterra98

. Cabezón figura entre los músicos de tecla más

importantes de la Europa de su tiempo pese a que sus obras más significativas

han desaparecido. Su hermano Juan de Cabezón (1519-1566) fue también

organista de Felipe II, así como su hijo Hernando, quien publicó sus obras en

1578 con el título de Música para tecla arpa y vihuela, sin olvidar que a la sazón

en España eran estos los tres instrumentos que podían ejecutar el acorde y la

música polifónica.99

La expresión “tecla” comprendía tanto el órgano como el

clavicordio y cualquier otro instrumento de teclado. Cabezón realizó también

múltiples arreglos de tonadas e himnos así como de motetes de Josquin y otros

compositores. El gran organista muere en Madrid el 26 de marzo de 1566, a los

56 años de edad, después de haber permanecido cuarenta al servicio de la Casa

Real de España, y fue enterrado en la iglesia de San Francisco de Madrid. No se

conoce siquiera su rostro pese a haber sido pintado por Alonso Sánchez de

Coello, por encargo de Felipe II, retrato que quedó destruido en 1734 en el

incendio del Alcázar de Madrid. Su obra completa ha sido reeditada en Brooklyn

por le editora Ch. G. Jacobs en 1967.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (c.1525-1594)

Gran compositor italiano del Renacimiento. Tomó el nombre de la ciudad en

donde nació, cerca de Roma. Dedicó toda su vida musical al servicio de la

Iglesia Romana, aunque fue también un hábil hombre de negocios. Maestro de

Capilla de la Catedral de San Pedro en Roma, fue un compositor muy

considerado en vida; se le apodó “el Príncipe de la Música”. Casi toda su obra es

vocal y a capella. Salvo algunos madrigales escritos en lengua vernacular, sólo

utilizó el latín para sus textos. Escribió 105 misas entre ellas la conocida Misa

del Papa Marcellus100

, dedicada al Sumo Pontífice Marcelo II, (Marcelo

Cervini), así como Assumpta est Maria, e Improperia que se cantó todos los años

en la Capilla Sixtina, el Viernes Santo, hasta 1870. Su extensa obra, que abarca

97

Ibidem, Pág. 206. 98

Ver, Willi Apel, The History of Keyboard Music to 1700, Indiana University Press, Bloomington,

1972, Pág. 270. 99

Importantes obras de Cabezón aparecen ya en el Libro de Cifra Nueva, de Venegas de Henestrosa

publicado en Alcalá de Henares en 1557. Una reedición del mismo se encuentra en la estupenda obra de

Higinio Anglés, Música en la Corte de Carlos V, publicación del Consejo Superior de Investigaciones

Científicas, Barcelona 1944. 100

Se trata de una obra excepcional de textura prácticamente homorítmica (nota contra nota) que le

permite una clara declamación del texto.

54

34 Tomos, tamaño folio, comprende: 103 misas, cerca de 600 motetes, himnos,

lamentaciones, magnificats, madrigales, ofertorios, letanías, salmos, un Stabat

Mater, etc. Es, junto con Victoria y Lassus, el mayor polifonista vocal del

Renacimiento. En 1580 triste por diferentes desdichas familiares entre ellas la

muerte de su esposa, decidió hacerse sacerdote pero mudó de idea y contrajo

nupcias con una viuda adinerada dueña de una peletería, con la que tuvo tres

hijos, lo que motivó que se le despidiera de la Capilla Sixtina. Asociado a un

compañero continuó exitosamente el negocio de las pieles. En 1583 fue invitado

a ser maestro de la Corte de Mantua lo que no fue posible por la suma de dinero

que se exigía. Seguidamente lanzó sus Canciones de Salomón, y en 1589 publicó

su versión armonizada de la Himnología Latina. A su muerte fue sepultado en la

Capella Nuova de la vieja Iglesia de San Pedro. Una edición monumental de su

obra fue lanzada por la prestigiosa editorial alemana, Breikopf & Härtel, en 33

volúmenes.

Orlando de Lassus o Lasso (1532-1594)

Se le considera el compositor más importante de la Escuela flamenca y uno de

los grandes de la música. Inició su carrera de músico desde temprana edad como

cantante en el coro de su ciudad natal. Mientras Palestrina permaneció en Roma,

Lassus fue un cosmopolita. Dominaba cinco idiomas y conocía a la perfección la

literatura de su tiempo. En efecto, viajó por Italia, llevado por Fernando

Gonzaga, Virrey de Sicilia y General de los ejércitos del Emperador Carlos V.

Estuvo varias veces en Austria invitado por el Emperador, así como en Francia

con cuya corte mantuvo estrechas relaciones y donde obtuvo el premio de la

Sociedad Santa Cecilia. Fue maestro de coros en la Catedral de San Juan de

Letrán en Roma, viajó por los Países Bajos, residió varios años en Amberes en

donde llegó a ser el factotum de la vida musical, estableciéndose finalmente en

Munich donde fue maestro de Capilla del duque de Baviera, Albrecht V, posición

que mantuvo durante los últimos 40 años de su vida. Escribió unos 700 motetes,

del cual fue el maestro indiscutible aunque cultivó con igual eficiencia el

madrigal. Escribió también 53 misas, 7 salmos de Penitencia, canciones,

letanías, lamentaciones, Requiem, oficios, himnos, 4 Pasiones, varios

Magnificats, etc. Su obra enriqueció todos los géneros de la Escuela flamenca. Se

relacionó con grandes personalidades de la época, con las que mantuvo

correspondencia, de las que se conservan unas 55 cartas. Contrajo nupcias con

Regina Wäckinger y dos de sus hijos, Ferdinand y Rodolphe, ocuparon

posiciones relevantes tanto en Baviera como en el extranjero. La melancolía

empañó los últimos años de su vida, muriendo de apoplejía a la edad de 62 años

después de llevar una vida rica en honores y reconocimientos. Algunos

historiadores lo consideran el mayor compositor del Renacimiento.

William Byrd (1543-1623)

El mayor compositor inglés del siglo XVI, chantre y organista de capilla,

típicamente renacentista por la variedad de sus actividades musicales. Fue

55

discípulo de Thomas Tallis (1510-1585) quien fue además su gran amigo y

compañero de negocios. En efecto, gracias a una concesión de la corona

británica, ambos mantuvieron, durante dos décadas, el monopolio absoluto de la

impresión y ediciones musicales en toda Inglaterra, negocio, empero, que no

parece haber sido muy productivo. Su obra coral comprende, entre otras: 3

Misas, 257 Motetes, 42 Antífonas, Salmos, 45 Cantos religiosos para voz solista,

etc., así como unas 125 piezas para Virginal101

entre las que figuran una serie de

variaciones102

sobre aires populares, varias de ellas publicadas en la célebre

colección Parthenia, de Londres, de 1613, (la primera publicación que se conoce

con obras para tecla, de Byrd, Bull y Gibbons), 40 Obras para viola (fantasías),

etc. Gozó en vida de un extraordinario prestigio y se le conoció como “el padre

de la Música”. Entre sus discípulos se cuentan nada menos que, Thomas Morley

(1557-1602), Giles Farnaby103

(1565-1640) Thomas Tomkins (1572-1656),

Orlando Gibbons (1583-1625) virginalista de la corte y Doctor de Música de

Oxford, así como el gran virtuoso del teclado y compositor John Bull (1563-

1628).

Tomás Luis de Victoria (c.1548-1611)

El mayor de los polifonistas españoles, así como poeta y una de las figuras más

relevantes del Renacimiento musical. Estuvo al servicio de la Santa Sede

(Vaticano) durante casi veinte años. Se cree que nació en la Villa de San

Chidrián, cerca de Ávila. Estudió música con Bartolomé de Escobedo104

quien

fuera chantre de la catedral de Salamanca y después de la Capilla Sixtina. Fue

capellán cantor en el Colegio Germánico de Roma, Maestro de Capilla en San

Apolinar y por último, Maestro de Capilla, capellán y organista en el monasterio

de las Descalzas Reales de Madrid ciudad donde murió. Escribió música sagrada

exclusivamente, incluyendo una himnología completa para el año litúrgico de la

Iglesia Católica Romana105

. Su obra comprende, además, gran cantidad de Misas

y Motetes así como un conocido Réquiem para la Emperatriz española, doña

María, viuda de Maximiliano de Austria el infortunado Emperador de México. El

actual “Premio Iberoamericano de la música”, creado en España en 1996, el de

mayor dote en todo Iberoamérica, lleva su nombre.

101

En Inglaterra el clavecín o espineta se llamó virginal, instrumento que ejecutaba la propia reina

Victoria. 102

Byrd, después de escuchar al organista español Antonio de Cabezón, desarrolla considerablemente el

arte de la variación en Inglaterra. 103

Primer compositor en escribir una obra para dos instrumentos de tecla, intitulada For two Virginals,

inspirado ciertamente en el modelo veneciano de los discípulos de Willaert. 104

Autor, entre otras obras, de la Misa a 6 voces, Philippus Rex Hispaniae, escrita para la coronación de

Felipe II en 1556. 105

Los períodos principales del año litúrgico son: Adviento, Navidad, Epifanía, Precuaresma, Cuaresma,

Pentecostés y Domingo de Trinidad.

56

CUESTIONARIO Nº 3

01. En qué consiste el concepto polifónico?

02. Dónde aparecen los primeros ejemplos de canto polifónico?

03. Mencione cuatro importantes escuelas polifónicas?

04. Cómo se divide históricamente el arte de la polifonía?

05. Quienes fueron los dos primeros compositores?

57

06. Que es el Organum?

07. Quién fue Guido de Arezzo?

08. Mencione cuatro polifonistas ingleses del siglo XVI.

09. Quién fue Antonio de Cabezón?

10. A quien pertenecen las Cantigas de Santa María?

11. Mencione a dos laudistas célebres.

12. Quiénes fueron los representantes del arte musical profano?

13. En qué consistió el arte trovadoresco?

14. A qué clase social pertenecieron los trovadores?

15. Quiénes fueron los juglares ?

16. En que país surge el tema con variaciones?

17. En qué libro aparece la mayor relación de instrumentos?

18. Quiénes fueron los minnesingers?

19. Quién fue Guillaume de Machaut?

20. Quién fue Guillermo de Dufay?

21. Quién fue Orlando de Lassus?

22. Cuándo tiene lugar la edad de oro de la polifonía vocal?

23. Mencione a tres polifonistas españoles del Renacimiento.

24. Quien fue Hildegard von Bingen?

25. Cuál es la diferencia entre Motete y Madrigal?

26. Qué fue la chanson polyphonic francesa en el Renacimiento?

27. Qué compositor inglés fue también un gran teclista?

28. Mencione a cuatro grandes vihuelistas.

29. Mencione a tres grandes teóricos del período renacentista.

30. En qué consiste la obra de Palestrina?

PERÍODO BARROCO

58

(1600-1750)

La cuarta y última etapa de la polifonía es la que se conoce con el nombre

de Período Barroco o Nuove Musiche. Este período se extiende desde el año 1600

hasta 1750 y representa, entre otras cosas, el auge del período instrumental

polifónico de cara a lo que ya fue el cenit del período vocal.

Panorama histórico

El siglo XVI mantiene gran parte de las mentes dirigentes de Europa

ocupadas en la gran epopeya de la colonización y en la solución de los complejos

problemas religiosos, científicos, políticos y económicos que traen consigo las

tierras descubiertas en la centuria anterior, principalmente América.

España y Portugal, países que tienen en ese instante el dominio político-

económico en sus manos, no tardarán en ceder el poder a sus vecinos rivales,

Francia e Inglaterra.

Durante la primera mitad del siglo XVII los ojos de Europa se vuelven

hacia las luchas político-religiosas, conocidas con el nombre de “guerra de los 30

años” (1618-1648) en las que se enfrentan Francia, Alemania y Suecia

especialmente, contiendas que culminan con la decisiva Paz de Westfalia

concertada en 1648, que demarca el inicio de la hegemonía de Francia en la

política occidental, de la misma forma que el Tratado de Utrecht, de 1713,

marcará el fin del dominio español en los mares y el comienzo del dominio

inglés.

La segunda mitad del siglo XVII es dominada por la elevada cultura de la

corte de Luis XIV (1643-1715) en el elegante y regio palacio de Versalles a la

vez que la política exterior europea gira en torno de la figura del primer ministro

francés, el Cardenal Richelieu.

El pensamiento filosófico en general es vivificado por la ciencia empírica,

y el método deductivo de Aristóteles es desplazado por el inductivo o método de

la experimentación, preconizado por los grandes científicos del momento:

Copérnico, Kepler, Galileo, Newton, Harvey y otros, métodos expuestos en la

dialéctica de Francis Bacon, Descarte, Spinoza, Malebranche y Leibnitz, entre

otros. En la literatura descuellan: Lope de Vega, Calderón de la Barca, Milton,

Defoe, Swift, Corneille, Racine y Molière. Algunos de los grandes nombres de la

pintura del momento son: Zurbarán, El Greco106

, Velasquez, Rembrandt, Rubens

y Van Dyck.

El origen de la expresión

La expresión Barroco aparece por primera vez en la obra de Burckhardt,

El Cicerone, quien la usa en el sentido de “un Renacimiento deformado”.

106

Cuyo nombre real es Domenikos Theotocopoulos.

59

Se ha dicho que la expresión deriva del nombre del pintor Baraocci, o

Baroccio, muerto en 1612. No obstante Barroco es una palabra original del

idioma portugués, que significa, deforme o sin forma. Originalmente se refería a

la perla de forma irregular (perla barroca). Fue en ese sentido que la utilizó

Burckhardt al referirse al arte de los siglos XVII y XVIII, como una deformación

del arte renacentista anterior.

Sin embargo el esteta Heinrich Wölfflin revisa esta opinión y en su obra,

Conceptos Fundamentales en la Historia del Arte, señala definitivamente las

aportaciones positivas y originales del período en cuestión. Hoy día cuando nos

referimos al barroco musical no lo hacemos en sentido peyorativo, como

refiriéndonos a un arte renacentista decadente, pero sí a un estilo de arte nuevo,

original, rico e independiente, con valores éticos y estéticos propios.

Innovaciones, estructuras y características del Barroco

El barroco musical trae consigo innovaciones significativas para el arte de

la música entre ellas: la escala diatónica, así como el libre uso de la escala

cromática, que sustituyen definitivamente a los modos eclesiásticos; la afinación

temperada que adquiere carta de naturaleza107

permanente; los instrumentos

asumen la misma importancia que las voces y los compositores les dedican gran

parte de su obra con características propias y en consecuencia se toma en

consideración el planteamiento científico de la técnica de ejecución de los

mismos, particularmente los de tecla y los de la familia de la viola; tiene lugar la

introducción del estilo concertante en los grupos instrumentales y el surgimiento

de una de las expresiones más significativas de la historia, cual es el drama

musical u ópera como estructura mixta, mientras se enriquecen el Aria da Capo,

el Oratorio, la Cantata y el Coral protestante, como estructuras vocales o mixtas

(para el significado de cada una de ellas ver, en la primera parte de esta obra,

Formas y Estructuras Musicales), así como, la Toccata, el Tema con

Variaciones, la Passacaglia, el Preludio, el Concerto Grosso, el ricercare, la

Fuga, la Fantasía y especialmente la Suite, como estructuras netamente

instrumentales; se impone el bajo cifrado108

en la escritura de las obras, especie

de taquigrafía armónica, con cifras que se colocan debajo de las notas

fundamentales del bajo; el arte de la improvisación adquiere particular

importancia entre los organistas; se definen las ornamentaciones, tanto vocales

como instrumentales109

; se formaliza, por último, la ciencia de la Armonía y

107

Sistema de afinación que, mediante una alteración matemáticamente calculada del valor acústico de

los intervalos musicales, permite la división de una octava perfecta en 12 semitonos iguales. La

elaboración del sistema fue motivo de grandes discusiones y polémicas entre matemáticos y teóricos

desde la Edad Media. El primero en exponer la exacta relación matemática, con gran ventaja sobre los

demás, fue el célebre teórico español Bartolomé Ramos de Pareja (1440-1491). 108

La invención del bajo cifrado se le atribuye a Ludovico Grossi de Viadana (1560-1627). Fue, por lo

menos, uno de los primeros en usarlo en sus Cento concerti ecclesiastici, en 1602, junto con Peri y

Banchieri. 109

Aunque el problema de las ornamentaciones, o adornos, existe desde el canto litúrgico medieval, su

formalización ha sido siempre tema de preocupación por los abusos y distorsiones que de ellos se hace.

Sobre el particular se ha escrito gran variedad de tratados que van desde el de Jerome de Moravia,

Tractatus de Musica, de finales del siglo XIII, hasta hoy.

60

como consecuencia el concepto de tonalidad con sus acordes fundamentales de

tónica y dominante, a la vez que impera la frase de cuatro compases o múltiplos

de cuatro.

En términos generales, el barroco es un período de éxtasis, admiración y

exuberancia; de tensión dinámica, despreocupación y negación propia, en

contraste con la seguridad personal del hombre renacentista. La música es a

grandes rasgos más rica rítmicamente (en lo que colabora el llamado basso

continuo, elemento muy particular del momento) y más espectacular que la de

cualquier período anterior. Se utilizan grandes masas corales mixtas,

acompañadas la mayoría de las veces de un rico instrumental en obras de

mayores dimensiones. Desde el punto de vista de la dinámica, las obras de este

período presentan contrastes violentos, a manera de luz y sombra como sucede en

la pintura coetánea, así como una práctica mucho más organizada de la ciencia de

la armonía. Por otro lado se pierde, en el período barroco, un poco del carácter

permanente de religiosidad que existía hasta el momento en casi todas las obras

musicales.

Primeros grandes organistas

Durante el temprano período Barroco aparecen, como resultado de la

valorización de las familias instrumentales, los primeros grandes organistas

compositores, cuyos zapadores fueron: Jan Peters Sweelinck (1562-1621) de la

escuela holandesa; Jean Titelouze (1563-1633) de la escuela francesa;

Girolamo Frescobaldi (1583-1643) de la escuela italiana; John Bull (1562-

1628) conocido como “el Liszt” de la época por la maestría con que ejecutaba

tanto el órgano como el clave o virginal. Su actividad como ejecutante y

compositor la desarrolló particularmente en Bruselas donde tuvo que refugiarse

por problemas religiosos; y Orlando Gibbons (1583-1625) de la escuela inglesa.

Tenemos por último a Samuel Scheidt (1587-1654) de la escuela alemana. Son

ellos también los primeros virtuosos de los instrumentos de tecla en general,

clavicordio, clave y congéneres.

Discípulo de Scheidt fue Adam Krieger (1634-1666), el más célebre

autor de canciones alemanas (Lied) del siglo XVII quién no debe confundirse con

Johann Philipp Krieger (1649-1725) autor, entre otras obras, de unas 2.000

cantatas, según aparece en el registro del castillo de Weissenfels

(Ephoralarchiv).

La escuela clavecinista francesa

El francés Jacques Chambon de Chambonnieres (1603-ca.1672)

descendiente de familia de músicos, considerado el fundador de la escuela

francesa de clavecinistas, es uno de los primeros compositores en escribir música

para clave claramente distinta de la de órgano. Entre sus continuadores se

encuentra el organista Louis Marchand (1669-1732) así como los clavecinistas

Louis Nicolás Clérambault (1676-1749), Jean François Dandrieu (ca.1682-

61

1738), Louis Claude Daquin (1694-1772), Francois Couperin (1688-1733),

conocido como “el Grande”, autor de unas 200 obras para clave, y Jean-

Philippe Rameau (1683-1764) entre otros, artistas de primer orden que

representan a la llamada “escuela de Versalles”, autores de ingeniosas y elegantes

piezas para clavecín, propias para aristócratas entendidos y que constituyen un

importante acervo musical francés que será modelo, a finales del siglo XIX, para

los compositores de la escuela impresionista.

Rameau, considerado como el más importante músico francés del siglo

XVIII, adquirió renombre como teórico (es autor de unos de los primeros y más

importantes tratados de Armonía), y sólo después de los 40 años, bajo la

protección del célebre y poderoso mecenas Alexander de la Pouplinière110

adquirió verdadero prestigio como compositor. Aunque su obra para clave no

tiene la elegancia, la gracia y la flexibilidad de la Couperin, es más pintoresca,

tiene más fuerza de imaginación, mayor riqueza armónica y probablemente

mayor unidad. Mientras la obra para tecla de Couperin es abundante la de

Rameau es relativamente pequeña, no obstante fue Rameau quien supo mantener

el interés por la ópera francesa en Francia, creada por Lully. Su obra más

significativa en este aspecto es la ópera Castor y Pollux, con la que llama la

atención de Gluck en el uso del recitativo y los coros.

Melómano, además de literato, que adquirió gran importancia en la época

fue el ginebrino Jean Jacques Rousseau (1712-1778) teórico y crítico muy

respetado a la sazón, el mismo que en un momento dado publicó un artículo

expresando que la lengua francesa no era apropiada para el canto, y “que los

franceses no tenían música ni pueden tenerla y si la tuvieran, será tanto peor para

ellos”111

, opinión que no era otra cosa que la mitificación general de la música

italiana a la sazón. Fue precisamente en manos de Rousseau en quien quedó la

responsabilidad de escribir sobre el tema de la música en la prestigiosa

Enciclopedia112

.

Primeros maestros y compositores

Entre los grandes maestros del temprano barroco alemán están Johann

Schein (1586-1630), el ya mencionado Samuel Scheidt (1587-1654) y Heinrich

Schütz, (1585-1672) conocidos como las tres grandes SSS. De esta ilustre

trilogía, Schütz, alumno de Giovani Gabrieli en Venecia y autor de la primera

ópera alemana, Dafne, infortunadamente desaparecida, es el más importante.

Schütz introduce en Alemania las novedades italianas y contribuye a la

formación de un estilo alemán que anticipa ya el arte del gran Bach. Mientras

Schütz se dedicó casi exclusivamente a escribir obras de carácter religioso,

110

La Poplinière, descendiente de una antigua como noble familia francesa se complacía en promover la

carrera de músicos talentosos. 111

Letre sur la musique francaise (1753), en Donald J. Grout y Claude V. Palisca, Historia de la música

occidental, Vol. 2, Pág. 582. 112

Ver Enrico Fubini, La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX, Alianza Editorial,

Madrid 1997, Pág. 203 y s.

62

Schein, figura igualmente eminente, escribió tanto obras religiosas como

profanas.

Otros prominentes organistas y compositores alemanes son: Michael

Praetorius (1571-1621), Johann Jakob Froberger (1616-1667) alumno de su

padre y de Frescobaldi, en Roma, autor de unas 30 Suites113

, 25 toccatas, 14

ricercares, 18 caprichos y 6 partitas. Jan Adam Reinken (1623-1722) maestro

alsaciano muerto a la edad de 99 años, tan ilustre en la ejecución del órgano que

el propio Bach caminó dos veces desde Lüneberg a Hamburgo, cubriendo

aproximadamente 50 kilómetros de distancia, para escucharlo, y ante quien

improvisó con el tema del Coral, Por las aguas de Babilonia, impactando por su

talento y virtuosidad al venerable maestro; Johann Pachelbel (1653-1706)

significativo compositor de corales y toccatas para órgano, así como 18 suites

para clavecín en todas las tonalidades, alumno de Kaspar Kerll (1627-1673) el

eminente maestro de composición del momento; Johann Kuhnnau (1660-1722)

predecesor inmediato de Bach como cantor en Santo Tomás de Leipzig114

;

George Böhm (1661-1735) de Lüneburg, probablemente discípulo de Reinken y

Buxteheude, maestro de J.S. Bach de 1700 a 1703 y aplaudido virtuoso del

órgano. Johann Joachim Quantz (1697-1773) oboísta de la capilla real de

Dresde y de Varsovia. Hizo un viaje de estudios por Italia, Francia e Inglaterra y

estuvo al servicio de Federico II de Prusia desde 1741 de quien fue maestro y

confidente musical, dejando una obra que comprende cerca de 300 Conciertos y

200 obras de cámara, así como una importante ensayo sobre el arte de la

ejecución de la flauta travesera.

Valga el momento para mencionar al organista valenciano Juan Bautista

Cabanilles (1644-1712) quien a pesar de no ser clérigo fue nombrado organista

de la Catedral de Valencia a los 19 años, alcanzando amplia reputación tanto en

España como en Italia y Francia. Es autor de Tientos, diferencias o variaciones

para órgano (a la manera de Cabezón) aunque también escribió importante

música vocal.

El temprano barroco en Italia

Importante figura de la época y uno de los zapadores del oratorio y la

cantata es el italiano Giacomo Carissimi (1605-1674) maestro de capilla de San

Apollinare de Roma. Carissimi115

conforma una prestigiosa trilogía italiana con

Frescobaldi (el mayor organista de su tiempo, discípulo de Luzzaschi y autor de

importantes toccatas) y Monteverdi el gran compositor de óperas y madrigales.

Girolamo Frescobaldi (1583-1643) fue un precoz talento musical. A

inicios del siglo XVII fue organista y cantor en Santa Cecilia de Roma y tres

113

Se le considera el codificador de la estructura base de la Suite: allemanda, curanta, sarabanda y giga. 114

Se le recuerda particularmente por sus Sonatas (como algo distinto a las Suites) y por haber sido uno

de los primeros en escribir música programática como sus Sonatas Bíblicas con las que describe episodios

emocionantes de las Sagradas Escrituras tales como El combate de David y Goliat o Saúl curado por la

música. Es interesante señalar que Kuhnau escribió una novela satírica intitulada El Charlatán musical. 115

Entre sus oratorios son más conocidos: Salomón, Baltasar, Jonás, Jephte y Judiccium.

63

años después (1607) organista de Santa María de Trastévere bajo la protección

del cardenal Bentivoglio, a quien acompañó a Flandes cuando éste fue nombrado

nuncio apostólico de Pablo V. Estuvo en Malinas, Bruselas y Amberes. En 1608

en Roma, ciudad donde contrajo matrimonio y tuvo cinco hijos, obtiene por

concurso la posición de organista de la Capilla Julia. Según se dice, su

virtuosismo y maestría era tan grande que en la Plaza de San Pedro se reunían

hasta 30.000 personas (!) para escucharlo. Fue compositor fertilísimo,

particularmente con obras para órgano y clavecín, instrumentos para los que

escribió: toccatas, ricercares, fantasías, caprichos, arias, canzoni, partitas

gallardas, magnificats, etc. Escribió también obras vocales, sobre todo

madrigales y arias, muchas de las cuales se han perdido. Falleció en marzo de

1643 atacado de fiebre maligna y fue sepultado, con todos los honores, en la

basílica de los Santos Apóstoles de Roma.

Herederos del arte de Frecobaldi, en Italia, fueron Rossi y Pasquíni. El

primero es autor de magníficas toccatas mientras el segundo, Bernardo

Pasquíni (1637-1710) de Pistoia, también precoz músico, discípulo de Vittori y

Cesti, fue organista de Santa María la Mayor en Roma, clavecinista de cámara

del príncipe Borghese desde 1669, huésped de Cristina de Suecia, de Fernando

de Médicis, de Leopoldo I y de Luis XIV de Francia, donde fue reconocido como

un gran virtuoso. Precursor de Domenico Scarlatti, con sus toccatas y sonatas.

Escribió también óperas, oratorios y cantatas. Pasquíni fue zapador de la

literatura para dos instrumentos de teclado combinación para la que escribió 14

Sonatas. Entre sus discípulos descuellan Durante y Gasparini.

Los mayores maestros del Barroco

En el alto barroco, a partir de la segunda mitad del siglo XVII surgen los

compositores más conspicuos del período, como el organista Dietrich

Buxtehude (1637-1707), el compositor más importante entre Schütz y J. S.

Bach, y uno de los máximos representantes de la tradición musical protestante de

Alemania del Norte (aunque es danés de nacimiento) en cuyas obras la literatura

para órgano alcanza un alto grado de dramaticidad y virtuosismo; George

Telemann (1681-1767)116

, célebre músico autodidacta con estudios

universitarios en Leipzig, organista, compositor prolífero y director del

Collegium musicum de Leipzig hasta 1704, maestro de capilla de Eisenach y

director musical de las cinco iglesias principales de Hamburgo, autor de un

copiosa obra que incluye unas 40 óperas, 46 oratorios, doce ciclos completos de

cantatas sagradas, cantatas mundanas, música de cámara, música para órgano,

música orquestal, conciertos para instrumentos solistas, etc.

Juan Sebastián Bach (1685-1750) y Jorge Federico Händel (1685-

1756) los dos colosos sin par del barroco alemán y dos figuras de primera

magnitud en la historia de la música (Ver sendas biografías más adelante).

116

Respetado compositor que escribió tanto trío sonatas, como sonatas independientes y música de

cámara que denominó Tafelmusik o música de mesa para ser ejecutada durante los banquetes.

64

Arcángelo Corelli (1653-1713) con una obra poco extensa aunque

importante que consiste, además de 12 Concerti grossi Op.6 en los que alterna

los movimientos lentos con los rápidos jugando con el grueso de la orquesta (el

ripieno) y los instrumentos solistas (concertino), en 48 Sonate a tre (tríos de

iglesia) Ops. 1, 2, 3 y 4 y 12 Sonate a violino e violone e cembalo o contínuo,

Op. 5, entre las que se encuentran las célebres variaciones conocidas como La

Follia. En 1689 fue nombrado Director de Música del Cardenal Ottoboni en

Roma; además del grande, único y prolífero “padre rosso” Antonio Vivaldi

(1678-1741) así como el brillante virtuoso del clavecín y compositor Doménico

Scarlatti (1685-1757) en Italia (Ver ambas biografías más adelante); siguen los

no menos importantes, ya mencionados, François Couperin (1668-1733)117

reconocido como gran organista, el mayor de los clavecinistas franceses y

representante máximo del arte rococó por su obra para clavecín, entre la que

sobresalen sus Suites conocidas con el nombre de Ordres. Su obra L´Art de

toucher le clavecin (El arte de tocar el clavecín) ejerció gran influencia sobre

Bach; y Jean Philippe Rameau (1683-1764) teórico, organista y clavecinista

importante además de compositor de óperas, en Francia; y el inglés Henry

Purcell (1658-1695) muy significativo personaje, figura cumbre de la era

isabelina, pese a su corta existencia, inclusive en el desarrollo de la escuela

violinística inglesa (Ver biografías más adelante).

Que duda cabe de que en la obra para órgano y clave de Buxteheude, F.

Couperin, Rameau, Bach, Händel y Domenico Scarlatti, la literatura de

ambos instrumentos alcanza, en el siglo XVIII, su mayor esplendor, tal como

sucede con el Concerto grosso y la composición para violín en manos de Corelli

y Vivaldi.

Instrumentos de cuerdas: laúd y violín

El laúd, instrumento de cuerdas punteadas, se pone muy de moda durante

este período hasta formar una respetable generación de laudistas, particularmente

en Italia, Francia y Alemania. Inclusive el gran Bach escribió una rica literatura

para laúd.

Otro tanto sucedió con el violín en Italia donde surgen los primeros

virtuosos del instrumento así como excelentes compositores de obras para

orquesta, entre ellos, Alessandro Stradella (c.1645-1682), los ya mencionados

Arcangelo Corelli (1653-1711), llamado maestro dei maestri y Antonio Vivaldi

(1669-1741). Les siguen Francesco Geminiani (1680-1762) y Pietro Antonio

Locatelli, (1695-1764), este último antecesor de Paganini con sus Capricci,

ambos discípulos de Corelli. Francesco Verachini (1690-c.1750), autor de una

serie de 24 Sonatas en algunas de las cuales aparecen ya dos temas contrastados;

Giuseppe Tartini (1692-1770), seductor impenitente, conocido como el maestro

de las naciones toda vez que ningún violinista se sentía seguro de sí sino había

117

Los Couperin en Francia, como los Bach en Alemania, constituyeron grandes familias de músicos.

Los primeros dieron cinco generaciones de compositores y ejecutantes mientras los Bach llegaron hasta

ocho generaciones.

65

sido escuchado y aprobado por él, autor de una serie de ensayos musicales entre

los cuales uno que establece los principios fundamentales del uso del arco. Su

escuela de violín en Padua fue altamente prestigiosa en toda Europa. Escribió la

monumental cantidad de 131 Conciertos para violín y orquesta, entre los cuales

2 para violonchelo y 2 para flauta. Entre sus Sonatas son célebres hasta hoy la

conocida como el trino del diablo, así como su Sonata a tre, Op. 8, para dos

violines y orquesta. Pietro Nardini (1722-1793) cuyo virtuosismo impresionó

tanto a Leopoldo, el padre de Mozart, y Giovanni Battista Viotti (1753-1824) el

mayor discípulo de Gaetano Pugnani (1731-1798), compositor de la corte de

María Antonieta, el primer compositor en escribir un concierto virtuosista para

violín en forma de Sonata considerado como el puente entre Corelli y la escuela

romántica de violín del siglo XIX.

Sobresale entre las personalidades italianas del período el monje

franciscano, Giambattista Martini (1706-1784) de Boloña, reconocido en todo

el Continente como uno de los grandes maestros del contrapunto y quien con

tanta simpatía acogió al joven Mozart, entonces con 12 años, cuando éste le

visitó acompañado por su padre en la otrora prestigiosa Academia Filarmónica,

fundada en 1666.

Estos virtuosos del arco fueron además distinguidos compositores, muy

particularmente Corelli y Vivaldi. En efecto, el primero es uno de los maestros

del Concerto Grosso118

y el segundo uno de los mayores compositores del

período, junto a J. S. Bach y Händel (ver más adelante las biografías de cada

uno).

El violín en Francia y en el resto de Europa

En Francia la literatura para violín aparece poco después que en Italia y se

considera al compositor Jean Marie Leclair (1697-1764) como el fundador de la

escuela violinística francesa y destacada personalidad en la música instrumental

del siglo XVIII. Discípulo de Locatelli en Amsterdam, sus primeras obras para el

instrumento aparecen en 1723, aunque dejó un total 48 Sonatas para violín y

contínuo, así como 5 libros de Sonatas tríos para dos violines, algunos Concerti

grossi, una ópera y un ballet. Otros violinistas y compositores franceses fueron:

Pierre Rode (1774-1830) discípulo de Viotti, Pierre-Marie Baillot (1771-1842)

y Delphin Alard (1815-1888) ambos profesores del Conservatorio de París. A

estos nombres habría que adicionar al célebre virtuoso español Pablo Sarasate

(1844-1908) discípulo de Rodriguez Sáes en Madrid y de Alard en París; los

belgas Charles Auguste de Béritot (1802-1870) y Henri Vieuxtemps (1820-

1881) así como al polaco Henryk Wieniawski, en manos de quienes la literatura

virtuosística para violín alcanza niveles significativos.

Constructores de violines

118

Uno de los primeros en introducir el concerto grosso en Alemania fue el compositor y organista de

origen alemán, Georg Muffat (1653-1704).

66

A esta época pertenecen los legendarios constructores de violines, arte que

parece haber nacido en Italia. Entre ellos, los Amati: Antonio, Jerónimo y

Nicolás; los Guarnieri; el célebre Antonio Stradivari (1643-1737) o

Stradivarius119

, verdadera gloria del arte italiano, discípulo de Nicolás Amati

(1596-1684), todos oriundos de Cremona; los hermanos Montagnana, de

Venecia, los Gagliano de Nápoles, y otros. Es menester señalar que aquellos

que construyen y reparan instrumentos de cuerdas, particularmente violines,

actividad altamente especializada, se les llama Luthier120

, vocablo universal, de

origen francés.

La Opera o drama con música

Pertenece también a esta última gran etapa de la polifonía la invención, en

Florencia, del drama con música llamado Opera121

. Esta nueva forma, la más

fecunda probablemente de todos los géneros musicales122

, nació, en parte, gracias

a un grupo de nobles y melómanos, que se reunieron en los salones del palacio

del Conde Giovanni Bardi, en Florencia, allá por los años 1580, conocidos con el

nombre de camerata fiorentina123

con el firme propósito de hacer renacer el

teatro helénico y conversar sobre la posibilidad de encontrar un nuevo estilo

musical que se asemejara a la música del drama griego, hasta ese entonces poco

conocido en Europa. Este grupo de artistas, que pertenecía en gran parte a la élite

intelectual de la aristocracia de la ciudad, partiendo de premisas equivocadas, sin

saberlo, inician un género totalmente nuevo en la que se unen en feliz simbiosis

la música, el teatro y el ballet, estructura que en menos de un siglo empeñaría el

interés de la mayoría de los compositores italianos y sería del agrado casi

incondicional de todos los públicos.

Valga la ocasión para señalar que ya estaba en el ambiente, desde siglos

atrás, el sentimiento de hacer obra teatral con música124

, cantada, muy a pesar de

que no existía todavía nada que pudiera servir de modelo, al margen de ciertos

intentos aislados como la mencionada fábula pastoral de Adam de la Halle del

siglo XIII, amen de los célebres autos sacramentales, misterios, milagros y

moralidades, que constituyeron el teatro religioso medieval que se representó

tanto dentro como fuera de la Iglesia. Uno de los más antiguos autos sube a

escena cada diez años en la ciudad alemana de Oberammergau. La más famosa y

antigua de estas representaciones litúrgicas, todavía activa, es Quem queritis (¿A

quien buscáis?) de referencia clara a la Pasión, en Francia. Otro ejemplo de lo

119

Como luthier, Antonio Stradivari se convirtió en un signo de perfección artesanal hasta hoy. El éxito

de sus violines (construyó más de 500) tanto por su diseño armonioso como por su sonoridad particular-

mente bella, se debe, en parte, a las dimensiones, calidad y tratamiento de la madera, como al barniz

especial que empleó, cuya fórmula mantuvo en el más hermético secreto. 120

También se les conoce como violeros. 121

Ver ópera en Estructuras musicales, en el primer libro de Orientación Musical. 122

Según una estadística reciente, se han escrito un poco más de 40.000 óperas! 123

Por camerata se entiende una reunión informal, generalmente con la intención de llevar a cabo una

discusión literaria, filosófica o artística. 124

En su Poética , redescubierta en 1498, Aristóteles ya decía: “Cinco son los elementos que caracterizan

a la tragedia: la fábula, los caracteres, el lenguaje, los movimientos escénicos y la música”.

67

mismo se conserva hasta hoy en España, con El Misterio de Elche, impresionante

auto sacramental que se celebra anualmente en la ciudad del mismo nombre. De

ahí que al drama pastoral, así como a las representaciones dramático-musicales

en general, de la Edad Media y el Renacimiento, se les tenga como jalones

fundamentales en la evolución que culmina en la creación de la ópera.

En efecto, Vicenzo Galilei125

(1520-1591) uno de los más entusiastas

apologistas de la reforma melódica del momento, así como Giulio Caccini

(1550-1618), el Conde Bardi y Piero Strozzi, decidieron celebrar sus reuniones

en los salones del palacio del conde para hablar sobre poesía, música y otros

temas filo-helénicos, con particular afán por resucitar el poder expresivo de la

música griega y el teatro antiguo. El mentor del grupo era el humanista y

filólogo, Girolamo Mei (1519-1594), hombre de vasta cultura y muy versado en

las diferentes novedades teóricas de la música, sobre las que escribió varios

libros126

.

Bien se ha dicho que toda técnica y toda manera de hacer responde, en el

fondo, a una necesidad estética y a una voluntad de expresión ya que todas las

novedades abren horizontes insospechados y estimulan nuevos descubrimientos.

Efectivamente, dentro de la errónea creencia de que el drama antiguo se cantaba

de principio a fin, la Camerata crea, a finales del siglo XVI, uno de los filones de

mayor enjundia en la música occidental. En el fondo la ilusión helenística no fue

más que la última gota que rebasó el vaso, la causa final de la necesidad de

reformar la música vocal tal como se conocía hasta ese momento.

La primera ópera y primeros teatros

Y es así que en 1597 se escribe la primera ópera de la historia, Dafne127

,

con libreto de Octavio Renuccini y música de Jacobo Peri (1561-1633), cantante

y compositor florentino, estrenada en la mansión de los Corsi, en Florencia,

donde se había organizado un cenáculo semejante al círculo de Roma. La obra se

representó el 6 de octubre de 1600 en la celebración de los esponsales de María

de Médicis con Enrique IV de Francia en su segundo matrimonio. Ese mismo

año Peri estrena su segunda ópera, Eurídice, con libreto del propio Renuccini, el

poeta del grupo.

Se dice que Caccini, poco después también le puso música al mismo texto

de Dafne, aunque se desconoce la partitura. Más adelante el gran maestro alemán

Heinrich Schütz compuso la que sería la primera ópera alemana, con una

125

Vicenzo Galilei fue cantante, violista, laudista y compositor, discípulo de Zarlino en Venecia y de

Girolamo Mei en Roma, protegido del conde Bardi, descubridor de antiguos himnos griegos y autor, entre

otras obras, del ya mencionado ensayo intitulado Dialogo della musica antica e della moderna, verdadero

manifiesto en defensa de la monodía (1581). 126

Entre su obra se encuentran: De modis musicis antiquorum, escrita entre 1566 y 1572 (Biblioteca del

Vaticano), De nomi delle corde del monochordo (Biblioteca Ambrosiana), Discorso sopra la musica

antica e moderna (Biblioteca de Venecia). Se conservan también cinco de las treinta cartas que escribió a

V. Galilei, entre 1572 y 1581. 127

Opera de un prólogo y seis escenas de la que, desafortunadamente, sólo se conservan pocos

fragmentos musicales.

68

revisión del mismo libreto elaborado por el propio Renuccini, obra que

desafortunadamente también ha desaparecido.

El género se populariza poco a poco y toda ciudad italiana de cierta

importancia deseó tener su recinto especial para las novedosas representaciones y

así vemos que en 1637 se inaugura en Venecia el San Cassiano, primer teatro

público de la Historia, dedicado exclusivamente a la ópera.

Primeros operistas

Entre los zapadores de la ópera están, además de los ya mencionados:

Claudio Monteverdi128

(1567-1643), de Cremona, (ver biografía más adelante)

considerado como el primer genial compositor del nuevo género. Su ópera Orfeo,

de 1607, es realmente el primerísimo melodrama verdaderamente auténtico en la

historia de la música; otro tanto pude decirse de su Coronación de Popea, que

sube a escena en Venecia en 1642.

Siguen a Monteverdi, Pedro Francisco Cavalli (1602-1676) organista en

San Marcos de Venecia y autor de numerosas óperas además de un Requiem y

otras obras religiosas. Alejandro Scarlatti (1660-1725), célebre y prolífero

operista siciliano, formado en Roma, padre de Domenico, llegó a ser Director de

la ópera del Virrey de Nápoles. Es autor de aproximadamente unos 115

melodramas prácticamente olvidados hoy día. No obstante sus 700 cantatas, 200

salmos, oratorios, música de cámara, concerti grossi y toccatas para órgano y

clave fueron modelo para muchos compositores italianos y alemanes. Otro

personaje del género es Cristóbal W. Gluck (1714-1787), el gran zapador y

maestro del estilo operístico alemán, del cual se hablará más adelante. Le sigue

Nicolás Piccini (1728-1800), alumno de Durante129

, autor de unas 139 óperas y

artífice de una violenta contienda parisina contra Gluck, entre los admiradores de

los dos compositores, de la que el alemán salió victorioso contando, no obstante,

con la ardiente admiración personal de su rival.

La ópera en Francia

Aunque la primera ópera presentada en tierra francesa fue Orfeo del

compositor romano Luigi Rossi, en 1647, actividad que estuvo bajos los

auspicios del cardenal Mazarino, es Juan Bautista Lulli o Lullo o Lully, (1632-

1687) en quien recae el honor de haber sido el introductor y creador del género

lírico en Francia. Florentino de nacimiento, diestro violinista, guitarrista,

coreógrafo, bailarín, actor y cantante, a los veinte años pasó al servicio de Luis

XIV130

, en la fastuosa Versalles, donde ocupó una importante posición como

128

Monteverdi escribió 15 operas aproximadamente y aportó al nuevo género innovaciones

fundamentalmente importantes, entre ellas la consolidación del Aria, el enriquecimiento de la orquesta, la

valoración del discurso musical, el carácter dramático de la instrumentación, introduciendo, entre otras

novedades, el trémolo como recurso ambiental así como las disonancias sin preparación. 129

Francesco Durante (1684-1755) fue también maestro de Paisiello, Pergolesi y Traetta, entre otros. 130

El Cardenal Richelieu (Armando du Plessis) como Ministro de Exteriores, se propuso dar a Francia la

preponderancia sobre los demás países de Europa. Mazarino, Colbert, Madame de Sévigné, Corneille,

69

director de ópera y compositor, particularmente de ballets, en los que tomaba

parte el propio monarca. Su prestigio fue tan grande que al contraer nupcias con

Madeleine Lambert, en 1662, el contrato matrimonial fue suscrito por el propio

rey de Francia, la reina y la madre de la reina. Al gozar de la protección de los

monarcas, y gracias a su espíritu polifacético, exigente y severo, Lully logró

formar una orquesta en la Ópera de París, que llegó a considerarse la mayor y

más eficiente de Europa. Su asociación con el gran Moliere constituyó un

acontecimiento relevante para el ballet de Francia, escribiendo El Matrimonio

forzado, que permaneció como uno de los primeros ejemplos del género cómico;

siguieron, El amor médico (1665) y El burgués gentilhombre (1670) dos obras

que lo convirtieron en uno de los principales compositores del momento. Obtuvo

un título de nobleza ocasión en que afrancesó su apellido de Lulli a Lully.

Aunque llevó una vida disipada amasó gran fortuna, lo que le permitió adquirir

varias propiedades en París y sus alrededores. Lully murió como consecuencia de

una gangrena en un pié provocada por un golpe que se dio con su larga y pesada

batuta, mientras dirigía. Son muy significativas las innovaciones que introdujo en

el género, imitadas de inmediato por diversos compositores en otros países

particularmente en Alemania. Entre sus óperas y ballets figuran: Cadmus y

Hermione (1673), Alceste (1674), Thésée (1675) Atys (1676), Isis (1677), Psyché

(1678), Bellérophon (1679), Proserpina (1680), Perseo (1682), Amadis de Gaula

(1684), Rolando (1685), Armide (1686), Acis y Galatea (1686), etc.,

La ópera en Inglaterra

El drama con música rebasó las fronteras italianas y se popularizó rápidamente.

No obstante, en Inglaterra, donde tanto la literatura dramática como la música

instrumental y vocal estaban tan desarrolladas, y pese a que las mascaradas

constituían moda en la sociedad inglesa, la cultura operística tardó mucho en

germinar.

Los primeros intentos de teatro cantado en inglés sólo surgen en la

segunda mitad del siglo XVII, con El Sitio de Rodas, texto del poeta y

dramaturgo, Sir William de Davenant, y música de un grupo de compositores,

aunque la partitura se desconoce y permanece perdida. Otro tanto sucedió con las

óperas, La Crueldad de los Españoles en el Perú y La Historia de Sir Francis

Drake, con música del inglés Matthew Locke (1622-1677). Se conoce, no

obstante, su ópera Cupido y la muerte, de 1653, así como la partitura de música

incidental, escrita en 1667, para La Tempestad de Shakespeare, que se considera,

según Paul Lang131

, como la primera ópera inglesa conservada hasta hoy, y por

ende “una de las piedras angulares de la música dramática inglesa”. La razón del

atraso histórico del género en Inglaterra se debe, probablemente, a la prohibición

que existió para las representaciones escénicas durante la época. Después de la

Restauración surgen algunas óperas inglesas, aunque de poca importancia, con

Descartes, La Rochefoucault, Moliere, Racine, Bossuet, Lafontaine y otros, hacen de la época el Gran

siglo francés, que se inicia con Luis XIII y alcanza su punto meridiano con Luis XIV, el Rey Sol. 131

Paul Henry Lang, Music in Western Civilization, Norton, Nueva York, 1941. Trad. en español, La

Música en la Civilización Occidental, en EUDEBA, Buenos Aires, 1963.

70

raras excepciones como son Venus y Adonis (1684/1685) de John Blow (1649-

1708) y la célebre Dido y Eneas132

(1689) de Henry Purcell (1659-1695).

Los Castrati

Durante el período barroco se hizo popular la voz del llamado castrato es

decir cantantes masculinos capaces de emitir una voz de mujer, sea soprano,

mezzosoprano o contralto. Los castrati (plural de castrato en italiano) fueron

especialmente importantes en la ópera seria, monopolizando los principales

papeles y alcanzando niveles de verdaderas estrellas internacionales. Entre los

más célebres castrati figuran: Antonio Bernacchi (1685-1756), Caffarelli

(1710-1783), Farinelli cuyo nombre verdadero es Carlo Broschi (1705-1782),

Baldasarre Ferri (1610-1680), Caetano Guadagni (1725-1792) y Gasparo

Pacchierotti (1740-1821) entre otros. Muchos de ellos, grandes divos en las

óperas de Händel, en Londres donde eran muy cotizados, actuaron, además, en

los grandes teatros del continente, inclusive en la Scala de Milán y La Fenice, de

Venecia. El más aplaudido de todos fue, probablemente, Carlo Broschi,

discípulo de Bernacchi, quien hizo su debut a mediados del siglo XVIII en la

ópera de Nápoles, ciudad que rivalizaba con Venecia por el título de capital

operística del mundo. Farinelli, seudónimo con que se le conocía, permaneció 25

años en España donde estuvo al servicio exclusivo de los reyes Felipe V133

y

Fernando VI, respectivamente. Con la aparición de bel canto y las grandes voces

femeninas los castrati fueron perdiendo popularidad hasta ser desplazados y

terminantemente prohibidos a finales del siglo XIX.134

Primeras grandes figuras femeninas de la ópera

Entre las grandes figuras femeninas del bel canto, del siglo XVIII y XIX

tenemos a: la mezzo Faustina Bordoni (1695-1781) esposa del compositror

Hasse; Francesca Cuzzoni (1700-1770) intérprete de Händel, Hasse y Pórpora;

Caterina Gabrielli (1730-1796) intérprete de Galupi135

, Gluck y Traetta;

Lucrecia Aguiari (1743-1783) conocida como “la Bastardella” con un registro

“de contralto a soprano ultraligera. Giuditta Pasta (1798-1865), excelente actriz,

creadora del papel de La Sonámbula y Norma; Henriette Sontag (1806-1854)

con tesitura de soprano; Maria Malibran (1808-1836) célebre contralto, hija del

famoso tenor español Manuel García (1775-1832) creador del papel de

Almaviva en El Barbero de Sevilla de Rossini, hermana de la igualmente famosa

Paulina Viardot (1821-1910) con un registro particularmente amplio. Giulia

Grisi (1811-1869) creadora del papel de Norma; Jenny Lind (1820-1887)

conocida como “el ruiseñor sueco”, mujer bella con excelente voz; Marieta

132

Escrita para un internado femenino, con texto de Nahum Tare quien supo dramatizar la conocida

epopeya La Eneida de Virgilio. 133

“Su Majestad Católica descubrió que tres arias que cantaba diariamente Farinelli (siempre las mismas)

eran la cura perfecta para su melancolía”. Christopher Hogwood, Händel, Alianza Editorial, Madrid,

1988, Pág. 125. Farinelli recibía en la corte española una pensión mayor que la que Händel recibía en la

corte inglesa, quien además de residir en la corte tenía una carroza especial para su transporte personal. 134

Patrick Barbier, Historia de los Castrati, Javier Vergara Editor, Buenos Aires, 1990. 135

Uno de los precursores de la Sonata clásica para instrumentos de tecla.

71

Alboni (1826-1894) con una gran voz profunda de contralto. Adelina Patti

(1843-1919) soprano ligera, primera gran cantante que hizo grabaciones

eléctricas; Christina Nilson (1843-1921) soprano de extraordinaria voz que

participó en la función inaugural de la Ópera Metropolitana de Nueva York, etc.

El género cómico

La ópera seria llegó a dominar los escenarios europeos de tal forma que

surgió la necesidad de crear, como reacción, otro género menos formal y es así

que en Francia aparece la llamada ópera cómica junto con la opereta y el

vaudeville que no es otra cosa que una “farsa o parodia con música”. El género se

extendió velozmente por Italia creando la opera bufa así como en Inglaterra

donde se origina la Beggar´s Opera o la ballad opera y más adelante el Singspiel

en Alemania. Tanto en Italia con la comedia dell´arte,como los comediantes

ambulantes en Inglaterra y los personajes cómicos de la ópera de Hamburgo en

Alemania, existía ya el precedente necesario para la creación del nuevo género

que con toda rapidez conquistaría el gusto general del público.

Muchos son los compositores, además de los ya mencionados, que

merecerían ser tomados en cuenta en una relación musical del período barroco,

lo que no es posible, sin embargo, en una breve crónica como esta.

BREVES BIOGRAFÍAS

Claudio Monteverdi (1567-1634)

Genial compositor italiano del temprano período Barroco. Nació en Cremona,

considerado el primer gran compositor de óperas y sin duda el más importante de

su época, además de gran maestro del Madrigal. A los 15 años siendo alumno del

veronés Marcantonio Ingegneri publicó su Primo Libro di Canzonette a tre voci

(Primer libro de canciones a tres voces). Fue violinista de renombre en la corte

de los Gonzaga desde el año 1590 además de cantante y compositor. Fue

Director de la Corte del Duque de Mantua y Maestro de Capilla de la Iglesia de

San Marcos en Venecia, ciudad donde falleció. Estuvo en Hungría y en Flandes.

Su obra era constantemente solicitada tanto en Venecia, como en Mantua, Parma,

Piasencia y Boloña. A pesar de haber sido casado (su esposa Claudia Cattaneo

fue cantante) hacia el fin de su vida se ordenó sacerdote (1632). En 1643 decidió

visitar su ciudad natal viaje que nunca se consumó toda vez que enfermó en el

72

camino viéndose obligado a retornar a Venecia, donde murió. La administración

veneciana le confirió un funeral propio de un príncipe tal era la admiración y

veneración que se le tenía. Monteverdi es una de las figuras más fascinantes e

imponentes de la música. Fue innovador en muchas cosas, sobre todo en materia

armónica y en el arte de la instrumentación, pese a que gran parte de su obra se

ha perdido. Son extraordinarias sus óperas: Orfeo (1606); Ballo delle Ingrate

(1608); Lamento d’Arianna (1608); Il matrimonio d´lceste con Admeto (1617);

La vittoria d´Amore (1619); Andrómeda (1619); Il Combattimento di Tancredi e

Clorinda (1624); Adone (1639); Il ritorno d´Ulisse in Patria (1641);

L’Incoronazzioni di Poppea (1642). Escribió gran cantidad de música religiosa

así como 8 libros de Madrigales a cappella (escritos entre 1587 y 1638) que

constituyen una obra maestra en el género profano.

Heinrich Schütz (1585-1672)

Importante compositor alemán, del temprano período Barroco, nacido en Sajonia.

Desde niño fue cantante de coro en la capilla de música de la corte de Cassel. Fue

alumno de Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi en Venecia; organista de

la Corte de Cassel y Maestro de Capilla del Elector de Sajonia en Dresde, cargo

que desempeñó hasta su muerte. Schütz fue colmado de honores por príncipes y

venerado por sus colegas. Es, junto con Dietrich Buxtehude (1637-1707) el

compositor más importante de la Alemania del siglo XVII. En su obra,

esencialmente vocal y sacra, se funden admirablemente los estilos italiano y

alemán. Es el zapador, en Alemania, del Oratorio, la Pasión136

, la Opera y la

Cantata religiosa. Su obra comprende: tres Pasiones (según los evangelistas, San

Mateo, San Juan y San Lucas); los Oratorios: Historia de la Resurrección e

Historia de la Natividad; Salmos de David, Motetes, Doce Cantos Espirituales,

Las Siete últimas Palabras de Cristo, Exequiem, Arias, etc. Schütz compuso en

1627 la ópera, Dafné, la primera obra de ese género en idioma alemán, cuya

partitura se ha perdido.

Henry Purcell (1659-1695)

Considerado el mayor compositor inglés de todos los tiempos junto a William

Byrd, muy a pesar de haber vivido solo 36 años, o sea sólo un año más que

Mozart. Creció dentro de un ambiente de músicos profesionales. Fue miembro

conspicuo del coro de la Capilla Real desde muy joven. En 1679, con 20 años de

edad sucedió a su maestro John Blow (1649-1708) como organista en la Abadía

de Westminster, posición que conservó hasta su muerte. La mayoría de sus obras

son de carácter eclesiástico (Antifonías) y el espíritu del Himno lo mantuvo

durante toda su vida, aún en sus obras dramáticas. Aunque él mismo señala que

sus creaciones dejan transparecer el estilo italiano, se le considera un compositor

de personalidad netamente inglesa. En 1677 escribió una magistral Elegía a

136

El primero en escribir una Pasión con texto en alemán fue Johan Walther, Pasión según San Mateo,

escrita en 1530, la que fue acogida con gran entusiasmo en Alemania.

73

Mathew Locke, compositor que tuvo gran influencia en su obra. En 1683

aparecen sus 12 Sonatas para violín y bajo así como las 12 Sonatas en trío. Para

esa época su reputación como el mayor compositor inglés estaba sólidamente

establecida. Dos años después compuso su obra religiosa más conocida, el Te

Deum y Jubilate para voces, cuerdas, trompeta y órgano en ocasión de la

festividad de Santa Cecilia, patrona de la música, así como 15 Himnos, 25 Odas,

Cantatas seculares, Canciones, Duettos vocales con bajo continuo, etc., además

de alrededor de doce Fantasías para cuerdas, una Chacona, Sonatas de trío, etc.

Escribió también música incidental y óperas, tales como Dioclesiano, (la que fue

anunciada como “obra al estilo de una ópera”), La Reina de la Feria, La

Tempestad, El Rey Arturo y otras. Pero su gran obra dramática, considerada hasta

hoy como la más importante ópera inglesa, es Dido y Eneas (en la que aparece la

célebre canción Lamento de Dido). Para tecla dejó un grupo de piezas cortas tipo

danzas, muy apreciadas en Inglaterra. Tanto su padre como su tío fueron

Caballeros de la Capilla Real y su hermano menor, Daniel, gozó de cierto

nombre como compositor. De su maestro John Blow heredó además de la

técnica y el magisterio, la fantasía italiana para su obra vocal, así como la

expresión francesa para su obra instrumental, elementos con los que consolidó su

recia y particular personalidad.

Antonio Vivaldi (c.1685-1741)

Prolífero gran compositor137

y violinista italiano, discípulo de su padre, músico

de la catedral de San Marcos y de G. Legrenzi, ordenado sacerdote en 1703. Se

le conoció con el nombre de “el Padre Rojo” según unos autores por tener

cabello rojizo y según otros por pertenecer a una congregación que viste hábito

rojo. Durante muchos años fue director del Conservatorio de la Pietá, para

huérfanas, en la ciudad de Venecia en el que formó una excelente orquesta.

Emprendió varios viajes por Italia dirigiendo inclusive un grupo de ópera,

después de obtener por parte del Vaticano la dispensa necesaria para renunciar al

ejercicio de su ministerio al descubrirse que sufría de ataques epilépticos. Fuera

de un corto viaje que realizó a Viena, según se cree, invitado por el emperador

austriaco Carlos VI, y otro a Praga y Amsterdam donde fue invitado a participar

de la celebración del centenario de la fundación de un teatro (1737) no viajó al

extranjero, salvo en un extraño y misterioso viaje que hizo a Viena (1741) donde

murió en obscuras circunstancias, víctima de una “inflamación interna”. Vivaldi

fue enterrado, “sin ceremonia alguna” en el cementerio del llamado “Hospital de

los pobres”, ya desaparecido. En realidad es poco lo que se conoce de su vida,

como suele suceder con los músicos que han sido religiosos. Escribió más de 500

Conciertos (tipo Concerti Grossi de la época barroca)138

, entre ellos, Las Cuatro

Estaciones, L’Estro Armonico Op. 3 (1712), La Stravaganza Op. 4 (1712/13), El

cimento dell´armonia e dell´invenzione Op. 8 (1725), La Cetra Op. 9 (1728)

etc., para violín; 23 Sinfonías, 75 Sonatas o Trios, 46 óperas, 40 Cantatas,

137

La versión castellana de la biografía de Vivaldi, por Michael Talbot se encuentra en Alianza Editorial,

S.A., Madrid, 1990. 138

La mayor cantidad de la obra de Vivaldi se conserva en la Biblioteca Universitaria Nacional de Turín.

74

oratorios y algunas obras para órgano. En el catálogo de su obra se registran

252 Conciertos para violín (o violines), 6 Conciertos para viola de amor, 27

para violonchelo, 2 para mandolina, 16 para flauta y flautín, 15 para oboe, 39

para fagot, 1 para trompa, 2 para corno, 26 para combinación de cuerdas y 51

para otras combinaciones. Su obra fue publicada en vida por editores italianos y

holandeses. Bach fue su gran admirador al punto de transcribir y copiar algunas

de sus obras, nota a nota, lo que en la época era señal de deslumbramiento y

respeto.

Juan Sebastián Bach (1685-1750)

Gran compositor barroco, clavecinista y organista alemán. Sólo fue ampliamente

conocido y admirado como creador casi cien años después de su muerte cuando,

por accidente, el compositor Félix Mendelssohn encontró, en una biblioteca, el

manuscrito de su Pasión Según San Mateo, una de las obras primas de todo el

arte musical. Mientras Händel triunfaba aparapatosamente tanto en Alemania

como en Inglaterra, Bach era conocido sólo por contados círculos musicales de

Alemania. Nació en la ciudad de Eisenach a la sombra del Castillo de Warburg

donde estuvo prisionero Martín Lutero. Al morir su padre vivió en Ohrdruff y

estudió el clave y el órgano con su hermano Juan Cristóbal quien lo introdujo

en la obra de Froberger. Fue un músico organizado y sistematizado en su

preparación. Se sabe, por ejemplo que copió a mano todo el Fiori musicali de

Frecobaldi, así como estudió la obra de los compositores italianos: Legrenzi,

Albinoni, Corelli, Vivaldi, Marcello139

y Bonporti, y los compositores

franceses, d´Anglebert, Couperin y Marchand140

. Fue un hombre de recia

personalidad y carácter, un pater familiae ejemplar, trabajador infatigable,

exigente consigo mismo, consciente de su trayectoria y sus metas de las que

nunca se apartó ni siquiera en sus momentos de mayor desasosiego. Fue ante

todo y sobretodo un autodidacta aunque conocía la producción musical de su

época mejor que cualquiera. Ocupó en vida varias posiciones de relieve como

organista en diferentes ciudades de Alemania, hasta llegar a Kantor (Director de

Música) en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, posición que conservó hasta su

muerte. Bach compartía la predilección por el simbolismo así como la

interpretación de ideas extra musicales141

. Con sus dos esposas, su prima María

Bárbara (1707) y Ana Magdalena Wilke (1721)142

, tuvo más de 20 hijos, la

mayoría magníficos músicos. Su obra, imponente y vastísima, comprende cerca

de 300 Cantatas de Iglesia (Cantatas luteranas), Pasiones (particularmente la

Pasión según San Juan de 1724 y la Pasión según San Marcos de 1729, con

textos de Brokle y Pikander, respectivamente, en las que une con asombrosa

139

Benedetto Marcello (1686-1739) Escribió un pequeño libro que causó resquemor en su momento,

Teatro alla moda, con el que estigmatiza en forma maliciosa las vanidades y debilidades del mundo de la

ópera y los empresarios. Escribió, además de Concerti grossi, una bella ópera llamada Armide. 140

Music through the Ages de Marion Bauer y Ethel R. Peyser, Putnam´s Sons, Nueva York, 1967. 141

Ver, The Interpretation of Bach´s Keyboard Works, Erwin Bodky, Harvard University Press, 1960. 142

El conocido libro La pequeña crónica de Ana Magdalena Bach fue escrito por la inglesa Esther

Meynell por los años 1930, época del nazismo alemán, transformándose de inmediato en un best seller.

75

maestría la esencia dramática con la severidad litúrgica), Oratorios (el de

Navidad, de 1734 por ejemplo), el Magnificat, la grandiosa Misa en sí menor

(1733-38) para la liturgia católica, además de otras misas menores, unos 400

Corales, etc; famosísimas obras para clave y órgano, entre ellas: 6 Trios Sonatas

para órgano, así como numerosos Preludios y Fugas, Toccatas y Fugas,

Fantasías, Passacaglia y Fuga, el Orgelbüchlein, varios cuadernos de 6, 18, 25 y

28 Preludios Corales y Variaciones Corales; 48 Preludios y Fugas llamados El

Clave bien Temperado143

(2 volúmenes de 24 preludios y fugas cada uno en

todos los tonos, mayores y menores de la escala cromática), Fantasía Cromática

y Fuga, 6 Suites Inglesas, 6 Suites Francesas y 6 Suites Alemanas o Partitas,

Passacaglia, 15 Invenciones a dos voces, 15 Invenciones o Sinfonías a tres

voces, las monumentales Variaciones Goldberg, el Concierto Italiano, las

Toccatas con Fuga, etc. Obras para orquesta: 6 Conciertos de Brandenburgo144

(Concerti grossi), 4 Suites para Orquesta, La Ofrenda Musical (dedicada a

Federico el Grande, de Prusia), el Arte de La Fuga, 2 Conciertos para clave, 3

para dos claves y orquesta, 2 para tres claves y 1 para cuatro claves y orquesta;

3 Conciertos para violín y orquesta, un Concierto para dos violines, 3 Sonatas y

3 Partitas para violín solo, una Sonata para dos violines y bajo continuo, 6

Sonatas para flauta y clave, 6 Sonatas para clave y viola, 6 Sonatas para violín

solo, 6 Sonatas o Suites para violonchelo solo, numerosas canciones o Arias,

música de cámara, etc. Pese a su magistral y gigantesca producción, tanto en el

género vocal como instrumental, a diferencia de Händel, nunca fue tentado por

el campo de la ópera. J. S. Bach, más conocido como “el gran Bach”, es sin

lugar a dudas el mayor compositor del período Barroco aunque en vida no fue ni

comprendido ni apreciado en su enorme capacidad de creación, salvo por

contadísimas personas, como Telemann y Reinken. En su obra se conjuga una

extraordinaria simbiosis entre la escritura contrapuntística anterior con la

naciente e innovadora escritura armónica, constituyendo el punto final de una

larga evolución y el inicio de una nueva era. Con su muerte se da por terminado

el gran período barroco a la vez que queda demostrado y sentado el nuevo

concepto tonal. Sus primeros admiradores y biógrafos fueron, el musicólogo

Johann Nikolaus Forkel145

(1769-1818) y el musicógrafo, Johann Friedrich

Rochlitz (1769-1842) con quienes estamos todos comprometidos en gratitud. La

143

El Clave bien temperado (Das wohltemperirte Klavier) de J.S. Bach es una colección de 48 preludios

y fugas, en todas las tonalidades, mayores y menores, de la escala cromática, agrupados en dos

volúmenes, escritos en un período de 22 años y reunidos en pares, el primer volumen en 1722 y el

segundo de 1738 a 1742. Se desconoce si la obra es para clavecín o para clavicordio, o para ambos

instrumentos. La idea de Bach, tal como la describió A. Werckmeister en 1691, fue comprobar la

eficacia, tanto teórica como práctica, de la afinación temperada de los instrumentos de tecla. El

compositor alemán Johann Ferdinand Fischer (1665-1746) había realizado en 1744 una experiencia

semejante con 20 Preludios y fugas, en 19 tonalidades diferentes, para órgano, en su obra titulada Ariadne

Musica. 144

En los cuales queda de manifiesto su admiración por Vivaldi, escritos cuando era Kapellmeister en la

corte de Köthen donde tenía que dedicarse más a la creación de música instrumental (1721), con la

particularidad de que emplea en ellos diversas formaciones que incluyen instrumentos de viento como

grupos solistas o concertino. En el quinto, por ejemplo, los solistas son la flauta el violín y el clave, en

donde aparece la primera gran cadencia para un instrumento de teclado. 145

Johann Nikolaus Forkel, Juan Sebastián Bach, versión castellana publicada en Breviarios del Fondo

de Cultura Económica, México 1949, con una introducción y notas de Adolfo Salazar.

76

primera publicación completa de su obra fue realizada por la Bach Gesellschaft

(Sociedad Bach) de Leipzig creada en 1850. El primer volumen apareció en

1851 y en 1900 la labor fue terminada con el volumen XLVI, más un volumen

suplementario publicado en Leipzig en 1932.

George Frederic Händel (1685-1759)

Gran compositor alemán nacido en Halle146

. Estuvo desde 1710 al servicio de la

corte inglesa hasta adoptar la nacionalidad en 1726. Viajó por Italia en 1706,

viaje decisivo para su formación, donde conoció tanto a Alejandro como a

Domenico Scarlatti con quien entabló amistad y viajó por el sur de Italia. Fue el

mayor organista y compositor de su época, sólo igualado por J.S.Bach. Es

interesante señalar que para el siglo XVIII Händel era considerado un artista libre

e independiente, atributo que casi un siglo después se le adjudicará a Beethoven.

Compuso 46 óperas, entre ellas: Reinaldo, Berenice, Julio César, Orlando, etc.

Treintidos oratorios: Saúl, Israel en Egipto, el Mesías, escrito en 24 días (con el

famoso e imponente Aleluya), Sansón, Judas Macabeo, Salomón, Susana,

Teodora, etc. Escribió además, Salmos, Motetes, Te Deums, Himnos, Odas,

Canciones, etc. Entre sus composiciones para orquesta figura la conocida,

Música Acuática147

, escrita para una fiesta ofrecida por el rey de Inglaterra sobre

el río Támesis, así como 22 Conciertos para orquesta (Concerti Grossi).

Escribió también música para órgano y para clave: 12 Conciertos para órgano,

así como varias Sonatas; 17 Suites para clave, Variaciones (entre ellas, El

Herrero Armonioso), 6 Fugas, 15 Sonatas para violín, oboe y viola de gamba

(con acompañamiento en bajo cifrado), 6 Tríos, Sonatas para 2 oboes y bajo

continuo, 15 Sonatas para dos violines, 6 Conciertos para oboe, Oberturas al

estilo italiano y francés, etc. En 1750 viaja por última vez a Alemania en el que

resultó herido en un accidente de carruaje entre La Haya y Haarlem. Al año

siguiente pierde la visión del ojo izquierdo y en agosto de 1752 sufrió un ataque

de parálisis que le afectó la cabeza y peligró con perder la vista pero es operado,

con bastante éxito, por el cirujano de la Princesa de Gales, Dr. William

Brombields. En 1753, frisando los 68 años de edad, Händel perdió gran parte de

la visión quedando casi totalmente ciego poco después. Händel falleció en

Londres el 14 de abril de 1759 (tres años después del nacimiento de Mozart) y

fue enterrado en la Abadía de Westminster con honores ante la presencia de

3.000 personas. El 15 de julio de 1762 se descubre en la Abadía el monumento

de Roubiliac en su memoria.

Domenico Scarlatti (1685-1757)

146

La biografía de Christopher Hogwood, Haendel, ha sido publicada en castellano por Alianza

Editorial, Madrid, 1988. 147

El nombre, Water Music, se refiere a tres suites orquestales (en fa, re y sol) con diferentes

movimientos, algunos de los cuales fueron interpretados en la recepción real sobre el Támesis el 17 de

julio de 1717.

77

Compositor italiano148

, uno de los mayores clavecinistas de su siglo, hijo del

prolífero napolitano, compositor de óperas, Alejandro Scarlatti quien dirigió sus

estudios. En 1701 fue organista y compositor de la Capilla real de Nápoles. A

los 20 años se trasladó a Venecia donde conoció a Gasparini, Vivaldi y a

Händel en una Mascarada149

, con quien mantuvo, en 1709, en el Palacio del

Cardenal Ottoboni, en Roma, una amistosa y célebre contienda musical,

semejante a la que tendrá Mozart más adelante con Clementi. En 1715 fue

maestro de capilla de la Cappella Giulia y cinco años después entró al servicio

de la corte portuguesa como maestro de los infantes, hijos del Rey de Portugal,

pasando luego, tras los esponsales de la infanta Bárbara de Braganza, en 1729,

con el heredero al trono español, Fernando VI, a la corte de España en Madrid,

trabajando muchos años en el monasterio de San Jerónimo del Escorial, donde

hizo amistad con el Padre, compositor y clavecinista, catalán Antonio Soler.

Junto con Farinelli, fue el músico preferido de la corte española, a la sazón, en

Madrid, ciudad donde falleció el 23 de julio de 1757. Escribió alrededor de 600

Sonatas150

, o Ejercicios para clave como el mismo las denominaba, en un solo

movimiento, ejecutadas hoy día al piano por todos los grandes virtuosos. Aunque

compuso también música para otros géneros, como oratorios, cantatas, música

religiosa, óperas, etc., su prestigio se circunscribió a la espléndida obra para

tecla, tal como sucederá más adelante con Chopin.

CUESTIONARIO Nº 4

Período Barroco

01. Explicar el origen de la palabra Barroco.

02. Dónde se ubica el período barroco musical?

03. Mencione algunas innovaciones del período Barroco

04. Mencione tres zapadores de la Opera.

05. Dónde se inventa la Opera y en qué época?

06. Como se denominó el grupo que inventó la ópera?

07. Quién fue Jean Philippe Rameau?

08. Quien fue el primer genio de la ópera?

148

La versión castellana de la excelente como exhaustiva biografía de Domenico Scarlatti por el

clavecinista Ralph Kirkpatrick, lanzada originalmente por la Editorial de la Universidad de Princeton

(1953), está publicada en Alianza Editorial, S.A., Madrid, 1985. 149

John Mainwaring, Memoirs of the Life of the late George Frederic Händel. Londres, 1967, Pág. 51-52 150

Sonatas barrocas, monotemáticas y bipartitas. Ver Sonata, en Formas o Estructuras musicales, en la

primera parte de Orientación Musical.

78

09. Quien fue Juan Bautista Lully?

10. Mencione algunas estructuras instrumentales barrocas.

11. Mencione tres estructuras vocales barrocas.

12. Qué es una Suite?

13. Qué es una Cantata?

14. Quiénes constituyen las tres grandes SS?

15. Quién fue Antonio Vivaldi?

16. Quién escribió los Conciertos de Brandenburgo?

17. Mencione las tres Pasiones escritas por J. S. Bach

18. Quién es el autor de El Mesías?

19. Qué compositor barroco escribió más de 600 Sonatas?

20. Quién fue Arcangelo Corelli?

21. Quien escribió la ópera Orfeo?

22. Quién escribió la primera ópera alemana?

23. Quien fue Buxteheude?

24. Quien escribió 48 Preludios y Fugas?

25. Quién fue el autor de Música Acuática?

26. Como se titula la ópera más importante de Purcell?

27. Mencione el nombre de dos Concerti Grossi de Vivaldi

28. Quien es Jacques Chambon de Chambonnieres?

29. En que género se distinguió Alejandro Scarlatti?

30. Mencione tres grandes organistas del siglo XVI?

79

“La Música es una revelación más

alta que cualquier filosofía”

Beethoven

80

PERIODO HOMOFÓNICO

(1750 en delante)

Cuando decimos período homofónico nos referimos a una época en que la

obra musical es dominada por una línea melódica que prevalece y se valoriza por

encima de todo lo demás. Una melodía sustentada o mantenida por un

acompañamiento instrumental, simple o elaborado.

El homofónico es un concepto nuevo, opuesto al polifónico anterior. No

implica esto que la polifonía, como arte de composición, esté ausente en las obras

de este período.

El período homofónico, último en la evolución de los tres grandes

conceptos de expresión musical, se inicia en la segunda mitad del siglo XVIII

para extenderse hasta nuestros días.

Es dentro de este nuevo concepto que se desarrollan, el período Clásico

Vienés y todo el dinamismo romántico del siglo XIX, así como el impresionismo

y parte del expresionismo actual.

EL CLASICISMO MUSICAL

Clasicismo vienés

81

Por clásico se entiende algo de primera calidad tanto en arte como en

ciencia. Se llaman clásicas comúnmente a las altas culturas, particularmente la

helénica en la era de Pericles.

En música, lo clásico puede tener diferentes significados que señalamos a

continuación:

a) Antítesis de lo romántico. Período anterior al romántico y posterior al

período barroco, que tuvo su centro en Viena.

b) Todo aquel que ha superado lo efímero para pasar a la inmortalidad:

Machaut, Victoria, Bach, Beethoven, Chopin, Debussy, Stravinsky,

etc. compositores que se reconocen como “clásicos de la música”.

El significado que nos concierne en este momento es el primero.

Al decir período clásico nos referimos específicamente al período clásico

vienés que se ubica históricamente entre los años 1770 y 1830 aproximadamente,

o sea en el último tercio del siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX. Los

compositores de este período se denominan compositores clásicos y sus obras,

también del período clásico, sin que esto signifique que estos compositores y sus

obras sean más clásicos o más inmortales que los de cualquier otro período de la

historia.

Síntesis histórica

El siglo XVIII corresponde a lo que en filosofía se denominó el

Iluminismo Europeo151

. También se le conoce como el Siglo de las Luces, la

Ilustración o el Enciclopedismo152

, que en el fondo no son más que diferentes

denominaciones para aludir a un fenómeno único, cuyas consecuencias políticas

propiciaron la creación de los Estados Modernos.

En efecto, las concepciones antiguas, ya sean políticas, económicas o

sociales, así como los prejuicios de castas y todos los sistemas científicos,

especialmente la Física y la Química, además de la Astronomía y las Ciencias

Naturales en general, fueron objeto de una revisión a la luz de una crítica

objetiva. Francia constituyó el centro indiscutible del Siglo de las Luces. Es el

siglo de Catalina la Grande de Rusia, de Federico el Grande de Prusia, de María

Teresa de Austria, de la Guerra de los siete años (1756-1763), la Carta de

Derechos Humanos de Filadelfia, la Revolución francesa y de Napoleón

Bonaparte.

El XVIII es también el siglo en que se inaugura el uso sistemático de la

máquina, sentando las bases de la llamada revolución industrial, con la que a su

vez se originarán nuevas complejidades en el campo económico. Se intensifican

así mismo los descubrimientos geográficos y se completan las colonizaciones.

151

Paradójicamente los iluministas o enciclopedistas demostraron haber sido los menos “iluminados”

para juzgar a los grandes maestros polifonistas de su época al considerar sus obras como “un gran

galimatías exento de cualquier interés”. Basta recordar sus opiniones sobre la obra de Rameau: “música

llena de disonancias y de inútiles artificios”. De sus óperas se dijo que eran “incoherentes, ruidosas,

desprovistas de concordancia entre música y palabras”. Enrico Fubini, La Estética musical desde la

Antigüedad hasta el siglo XX. Edic. española, Alianza Editorial, Madrid, 1997. Capítulo IX. 152

Los primeros volúmenes de la Encyclopédie fueron publicados en 1751.

82

Personajes como Voltaire, Diderot, Rousseau153

, d´Alambert, Buffon,

Montesquieu, Tugot, Quesnay, Marivaux, Euler, Hume, Winckelmann, el

sociólogo Adam Smith, Franklin y muchos otros, representan el pensamiento

más relevante del momento. Entre los artistas de la plástica más conspicuos del

período están Goya, David, Reynolds, Gainsborough y Copley.

Características del Período Clásico Vienés

El clásico vienés es un período de gran estabilidad, claridad, balance y

objetividad, en oposición a todo lo que implica inquietud, experimentación,

ostentación y subjetivismo. Es el predominio de la razón sobre la fantasía. Es la

expresión de lo perfecto en una absoluta unidad y homogeneidad de elementos

técnicos. Es el total acatamiento de las reglas y sobriedad en el uso de la forma.

Y es precisamente esta expresión en forma erudita lo que hace que las obras de

esta época constituyan un patrimonio de minorías.

Oímos en la música del período clásico una gran organización temática,

frescor y gracia en el mensaje general, así como un nuevo concepto tímbrico en

cada instrumento en particular. Tanto la melodía como el tejido armónico se hace

diáfano y más diatónico. En general el discurso es elegante, fluido, aunque

impersonal y objetivo. Los elementos dinámicos son utilizados en toda su escala

de matices por primera vez, lo que es original de la Escuela de Mannheim. La

obra gira alrededor de un centro tonal bien establecido. Para ese entonces la

ciencia de la armonía ha sentado cátedra completa.

Los ideales clasicistas se gestan paralelamente en la obra de muchos

compositores nacidos en diferentes regiones de Europa, grupos de maestros

menos conocidos, iconoclastas que arremetieron contra el solemne y recio

concepto barroco que había conocido su cumbre de expresión, particularmente en

la obra de Vivaldi, Bach y Händel, entre otros, para iniciar un nuevo concepto

sonoro de carácter homofónico.

Ha de ser Viena, capital de Austria, la elegante ciudad de los Hapsburgos

convertida para ese entonces en uno de los núcleos musicales más importantes de

Europa donde tendrá lugar el asiento del clasicismo musical, expresado

generosamente en la obra de Gluck, Haydn, Mozart y parte de la de Beethoven

quien en realidad ocupa una posición muy propia y original en la historia de la

música sirviendo de puente entre el clasicismo y el movimiento romántico del

siglo decimonono. Son Gluck, Haydn, Mozart y Beethoven, los mayores

maestros del período.

Los llamados compositores clásicos prefieren trabajar con una sola línea

melódica en vez de tratar con el intrincado tejido polifónico de varias melodías

como en el período barroco, inmediatamente anterior, sin que por ello hayan

dejado de escribir grandes y extraordinarias obras polifónicas, solo que la

melodía con acompañamiento adquiere prioridad sobre el contrapunto y la fuga.

153

Rousseau, que bien puede considerarse el primer motor de la Revolución francesa, en su obra Lettre

sur la musique française, denigró, inclusive, la música de Francia.

83

Que duda cabe, por otro lado, de que en las últimas obras tanto de Bach como de

Händel o D. Scarlatti, se puede entrever ya elementos que serán característicos

del Clasicismo.

Estructuras del clasicismo

El Clasicismo musical trae consigo la forma o estructura instrumental más

rica y equilibrada de la historia de la música: la Sonata Allegro y sus

congéneres: la Sinfonía, el Concierto, el Trío, el Cuarteto, o cualquier otra

combinación instrumental, así como la Serenata también conocida como

Divertimento154

, la Casación, la Bagatela, el Tema con Variaciones, el Minueto,

el Vals, la Marcha, el Rondó, la Fantasía, la Fuga, etc. (Ver Estructuras

Musicales).

Operistas italianos de mediados del siglo XVIII

Aunque continúan vigentes las grandes estructuras mixtas ya conocidas

anteriormente como, la Misa, el oratorio y el Réquiem, los compositores italianos

se distinguirán particularmente por sus obras líricas. Entre ellos: Niccolo

Jommelli (1714-1774), el más célebre compositor napolitano, junto con

Pergolesi, desde Alejandro Scarlatti hasta Cimarosa, autor de exitosas óperas,

muy aplaudidas tanto en Italia como en Viena y Stuttgart; el veneciano

Baldassare Galuppi (1706-1785) compositor de casi un centenar de óperas de

preferencia en el género bufo y el que llevó la ópera italiana por primera vez a

Rusia, invitado en 1766 por Catalina II; Tommaso Traetta (1727-1779), de la

escuela napolitana, discípulo de Porpora y Durante, autor, entre otras, de dos

Ifigenias anteriores a las de Gluck. Domenico Cimarosa (1749-1801), discípulo

de Sacchini y Piccini, autor de unas ochenta óperas entre las cuales El

matrimonio secreto, la ópera cómica más aplaudida entes de las de Rossini, (en

Nápoles alcanzó ciento diez representaciones consecutivas). Fue compositor de

la corte de Catalina de Rusia durante tres años, sucediendo a Salieri, después, en

Viena como Maestro de Capilla de la Corte Imperial. Giovanni Paisiello (1740-

1816), probablemente el más celebre compositor italiano de su época, fue

maestro de Capilla de Catalina II en San Petersburgo donde estrenó sus dos obras

maestras, El Barbero de Sevilla155

y La Serva Padrona (La criada como Ama).

Estuvo al servicio también del Emperador José II en Viena y, años más tarde, por

invitación del emperador Bonaparte vivió como un gran señor en París rodeado

de honores y espléndidamente retribuido, cayendo luego en desgracia. Paisiello

representa la transición de la ópera del siglo XVIII al siglo XIX. Antonio Salieri

(1750-1825) amigo de Gluck, contemporáneo y rival de Mozart así como

maestro de Beethoven (quien le dedicó sus tres primeras Sonatas para violín y

154

Tanto la serenata como la cassación o el divertimento, eran términos aparentemente intercambiables.

Constituyen la contraparte de las suites en el período barroco, con cuatro y hasta diez movimientos, la

mayoría de los cuales consistían en danzas tales como minuetos o gavotas, etc., para pequeñas orquestas

de diversas combinaciones instrumentales para ser ejecutadas en reuniones sociales, cumpleaños, en

jardines, conciertos domésticos, etc. Haydn escribió unas 65 obras de este género y Mozart unas 30. 155

Esta obra tan popular en su momento fue olvidada con la llegada de la ópera homónima de Rossini.

84

piano,Op.2), autor de una cuarentena de óperas, fue director de la Capilla

Imperial así como director de la Opera Italiana, en Viena. Otros operistas

italianos muy apreciados en aquel entonces fueron: P. Anfossi (1727-1809), T.

Giordano (1744-1798) y N. Zingarelli (1752-1837) entre cuyos discípulos se

encuentra Mercadante.

La ópera en Francia

En Francia la ópera ligera se conocía como ópera cómica que surge como

un género más bien de entretenimiento popular típico de las ferias pueblerinas

(vaudeville) en el que se pone de moda el diálogo hablado en lugar del recitativo,

género que floreció aceleradamente durante la Revolución francesa y en la era

napoleónica alcanzando mayor significado y popularidad en pleno siglo XIX.

Entre los primeros maestros del nuevo género sobresalieron, Philidor (1726-

1795), Monsigny (1729-1817) y Grétry (1741-1813). El primero, prolífero

compositor fue autor, entre otras cosas, de un Réquiem en homenaje a Rameau,

y un invencible maestro de ajedrez156

muy aplaudido en Londres ciudad donde

murió en 1795. El segundo, uno de los primeros maestros de la ópera cómica, fue

administrador de los bienes del Duque de Orleáns y sucesor de Grétry en la

Academia. Su obra maestra fue El desertor que data de 1769. El tercero, belga de

nacimiento, fue uno de los más significativos compositores de óperas de finales

del siglo XVIII, llegando a producir un poco más de 50 de ellas, introduciendo

nuevas ideas adoptadas y enriquecidas, casi un siglo después, por el propio

Wagner. Entre sus obras más aplaudidas figuran, Los dos avaros (1770), Zamira

y Azor (1771), El amante celoso(1778), Ricardo Corazón de León y La

Caravana del Cairo, ambas de 1784.

No obstante el género lírico alcanza su mayor esplendor en manos de

Gluck y Mozart. Ambos atingen niveles excepcionales (ver sendas biografías

más adelante), seguidos en importancia de la dorada trilogía italiana del bel

canto, Rossini, Donizetti y Bellini.

El piano

Es a partir de este período cuando el piano, que original-mente se conoció

como forte piano157

, inventado en 1710 en Italia por Bartolomeo Cristofori, inicia

su exitosa carrera como instrumento solista, conquistando omnímodamente, en la

segunda mitad del siglo XIX, los escenarios de Europa así como el interés de los

compositores y el gusto del público en general, a tal extremo que durante el siglo

XIX prácticamente todos los compositores son a la vez excelentes pianistas. Los

156

Francois Danican Philidor maestro francés , considerado el mejor jugador de ajedrez del siglo XVIII

y campeón oficioso del mundo de 1745 a 1795. Escribió diversas obras sobre “el juego rey” entre las

cuales se destaca Análisis del juego de ajedrez. Divulgó, así mismo, la defensa que lleva su nombre. 157

Originalmente el “nuevo instrumento de teclas con martillos” se conoció como forte piano, por la

capacidad que tenía de sonar fuerte o suave, lo que no podía hacerse con el Clavecín. Más adelante, con

el desarrollo del mecanismo y la caja sonora el piano se denominó piano forte, en el siglo XIX, para hoy

conocerse simplemente como piano.

85

compositores barrocos no tocaron el piano. Es sabido, sin embargo, que Bach

llegó a experimentar (1747) en la corte de Federico de Prusia los primeros

Hammerklavier (claves con martillos o martinetes) construidos por Silberman y

que a pesar del mecanismo todavía muy primitivo, fueron elogiados por el gran

maestro particularmente por la posibilidad del “toque ligado y el sonido

mantenido” que no tenía el clavecín158

y con el que no estaba satisfecho; J.C.

Bach, Haydn y Mozart, lo usaron y lo recomendaron, y Beethoven lo adoptó

definitivamente como su instrumento preferido.

Los compositores del período vienés forman legión159

, toda vez que los

elementos musicales que caracterizan dicho período comienzan a aparecer en la

obra de los hijos del gran Bach, entre ellos, particularmente Carlos Felipe

Emanuel Bach (1714-1788) o el Bach de Berlín, Director de música en la corte

de Federico II de Prusia, zapador de la estructura Sonata Allegro, y Juan

Christian (1735-1782) o el Bach milanés (se le conoce también como el Bach

londinense, por haber vivido en ambas ciudades) el primer músico de renombre

que haya dado un recital público con un piano, formado en Italia por el célebre

padre Martini160

.

La Escuela de Mannheim

De gran importancia en la gesta de los ideales clasicistas son los

compositores que conformaron la prestigiosa Escuela de Mannheim, muy

apoyada, financieramente por el príncipe Carlos Teodoro, que gobernó de 1742 a

1748 y quien supo rodearse de una pequeña Versalles161

. Dichos compositores

fueron: Johan Stamitz (1717-1757), excelente violinista quien fuera el Director

de la célebre Orquesta de Mannheim, considerada en su momento la mejor de

Europa, y creador de la posición del Concertino en la orquesta; Karl Stamitz

(1746-1801), el primer compositor en escribir un Concierto para Clarinete y

Orquesta; Franz Xavier Richter (1709-1789), Ernst Eichner (1740-1777) e

Ignaz Holzbauer (1761-1783), entre los más destacados.

Otros compositores precursores de la Sonata

Ligados directa o indirectamente con el grupo de Mannheim, son dig1nos

de mención: François-Joseph Gossec (1734-1829) sinfonista belga muy

conceptuado en París donde sucedió al propio Rameau como director de la

orquesta de La Pouplinière y donde publicó sus primeras sinfonías, llegando a ser

158

Se sabe inclusive que Bach estuvo trabajando en el mejoramiento del instrumento, conjuntamente con

su amigo el fabricante de Leipzig, Z. Hildebrand, y que llegó a construir un clavicémbalo-laúd. Otro tanto

se podría decir de Händel muy amigo también del célebre fabricante de pianos londinense Burkhardt

Tschudi 159

Ver más adelante, al final de la obra, Lista de compositores en orden histórico. 160

Giovanni Battista Martini (1706-1784) franciscano, gran maestro del contrapunto, original de

Bolonia, discípulo de violín y violonchelo de su propio padre. Maestro de capilla de la iglesia de los

franciscanos de Bolonia, historiador, compositor, erudito, teórico notable y eminente pedagogo, convirtió

a Bolonia en un centro internacional de irradiación del estilo italiano donde acudían los compositores en

busca de consejo y orientación. 161

Se calcula que el príncipe Teodoro invirtió unos 35.000.000 (Treinticinco millones!) de florines en

actividades musicales.

86

uno de los compositores más populares del período revolucionario con sus óperas

cómicas, marchas y cantatas; Luigi Bocherini (1734-1805) compositor y

prestigioso violonchelista italiano uno de los zapadores del Cuarteto de Cuerdas

quién vivió muchos años en España donde se le consideró “el más español de los

compositores italianos”; Giovanni Battista Sammartini (1701-1755) también

italiano, maestro de Gluck, representante eminente de la escuela sinfónica

milanesa, y el bohemio Karl Ditter von Dittersdorf (1739-1799) importante por

su decidida influencia en la creación de la Sinfonía Clásica, destacándose

también con algunas de sus óperas. Otros compositores conocidos en el entorno

cosmopolita de Mannheim fueron, el austriaco, I. Holzbauer cuyas obras fueron

muy apreciadas por Mozart y el checo Antón Filtz alumno de Stamitz y su

primer violonchelista en la orquesta de Mannheim, autor de más de 40 Sinfonías,

Conciertos para violonchelo y flauta, música de cámara, etc., muerto

prematuramente a los 30 años de edad.

Dentro de este período surgen también: el clavecinista y compositor

austriaco Georg Cristoph Wagenseil (1715-1777) quien no sólo rompe la

estructura de la ópera napolitana y prepara la reforma de Gluck sino que es uno

de los forjadores de la sinfonía clásica junto con otros compositores; Jorge

Benda (1722-1795), el más célebre de la numerosa familia Benda, violinista,

clavecinista, compositor y director de orquesta, así como Federico Guillermo

Rust (1739-1796), compositor, violinista y clavecinista, discípulo, entre otros, de

Carlos Felipe Emanuel Bach.

Otros virtuosos del violín

Otros virtuosos del violín fueron: el francés Rodolfo Kreutzer (1767-

1821) a quien Beethoven dedicó su espléndida Sonata “Kreutzer”; Ludwig

Louis Spohr (1784-1859)162

aplaudido desde los 14 años, en Alemania, Rusia,

Austria, Francia e Inglaterra, director de los Festivales de la ópera de Viena,

amigo de Mendelssohn, Beethoven, Rossini y Wagner, autor de unas 200

obras, entre las cuales 50 son para violín, así como su discípulo Ferdinand

Davis (1810-1873) uno de los grandes ejecutantes del violín del siglo XIX, junto

al austriaco Franz Clement (1780-1842) para quien Beethoven escribió su

extraordinario Concierto para violín y orquesta.

No obstante el mas célebre violinista es el legendario Nicolo Paganini

(1782-1840) uno de los genios del violín de todos los tiempos, original de

Génova, cuya extraordinaria aportación técnica ha sido decisiva para el

desarrollo virtuosístico del instrumento. Su obra constituye piedra angular de la

literatura para violín y fuente de inspiración para otros compositores, entre ellos

Schumann, Liszt, Brahms, Rachmaninoff y Lutoslavski, quienes escribieron

162

Luis Spohr fue compositor prolífico, autor de 15 Conciertos para violín y orquesta, 34 Cuartetos de

cuerdas, Quinteto de vientos con piano Op. 52, un Octeto, un Noneto, 9 Sinfonías, Oratorios, un

Requiem, etc. e inclusive óperas entre ellas Fausto (la primera inspirada en el drama de Goethe) y

Jesonda (1823) considerada su obra maestra. Sus conciertos para violín fueron un fuerte ascendiente para

los de Mendelssohn y Brahms. Spohr dejó una autobiografía en 2 volúmenes que constituye un

interesantísimo testimonio sobre su época (existe un resumen de la misma publicado en 1962 por Henry

Pleasans, Norman), así como un Método de violín.

87

importantes variaciones sobre el tema del último Capricho en la menor. El propio

Liszt, henchido de admiración ante el virtuosismo alcanzado por Paganini,

transcribió para piano seis de los caprichos dando origen a lo que se conoce

como 6 Grandes Estudios de Paganini163

. Su obra comprende aproximadamente:

24 Caprichos Op.1 (Capricci) para violín solo, 6 Sonatas Op. 3 para violín y

guitarra, 60 Variaciones Op. 14 sobre el tema Baracubá para violín y guitarra, 3

Cuartetos Op.5 para violín, viola, guitarra y violonchelo, música de cámara, 5

Conciertos para violín y orquesta, Variaciones para violín y orquesta sobre

diferentes temas, etc.

Digno de mención es también el prodigioso virtuoso catalán de la guitarra

Fernando Sor (1778-1839) instruido en el monasterio de la Escolanía

Montserrat y en la Academia militar de Barcelona, es autor de una importante

literatura para guitarra, entre la que se distinguen las dos Grandes Sonatas Op. 22

y 25, la serie de Estudios Op. 29, 31, 35, 44, y 60, diversos Temas con

Variaciones y célebres Duetos para dos guitarras. Sor escribió, además, dos

óperas, varios Ballets entre ellos Hércules y Onfalia escrito para la entronización

del Zar Nicolás I, obras vocales, dos Sinfonías, un Concierto para violín, etc., así

como un conocido Método para guitarra traducido a varios idiomas.

Seguidores de Gluck

Entre los compositores seguidores de las reformas en la ópera de Gluck

están: Antonio Sacchini (1730-1786) reconocido particularmente en París,

Londres y Alemania; Luigi Cherubini (1760-1842)164

prolífero compositor

florentino como Lully, que llegó a alcanzar posiciones muy importantes en

Francia inclusive la de Director del Conservatorio Nacional de París (apenas

fundado en 1795). Se le consideró un compositor muy cosmopolita “poseedor de

gran conocimiento y profunda erudición”. Sus óperas gozaron de una gran

acogida tanto en Viena como en Alemania (Ver lista de Compositores y sus

óperas más significativas al final). Fue inclusive profesor de composición en

París de varios maestros franceses de óperas, como Auber165

y Halévy, entre

otros; Etienne-Nicolas Mehul (1763-1817) rival de Gossec y autor de unas 30

óperas entre las que sobresale Joseph (1807), así como Gaspare Spontini (1774-

1851), muy aplaudido por su ópera La Vestale, con la que se hizo acreedor del

premio instituido por Napoleón Bonaparte para la mejor obra lírica, con un

jurado formado por Mehul, Gossec y Grétry. Spontini fue director del Teatro

Italiano de París donde presento, entre otras obras, las primeras audiciones en

Francia de Don Juan y Cosi fan tutte de Mozart.

Es el momento de referirnos al talentoso compositor español Vicente

Martín y Soler (1754-1806) original de Valencia y organista en Alicante, que

163

Los transcritos al piano por Liszt son los caprichos en sol menor, mi bemol, sol sostenido menor (la

Camppanella), mi mayor y dos versiones del capricho en la menor (la Chasse). 164

Autor de varias óperas, Misas y música religiosa en general entre la que sobresale su Requiem en do

menor. Escribió así mismo un conocido Tratado de Armonía. 165

Con su ópera La Muda de Portici (La Muette de Portici) Auber abrió el período de la grand opera en

la historia del drama lírico francés.

88

adquiere nombre en Madrid con la presentación de su ópera I due avari (Los dos

avaros) en 1766. Viaja a Italia donde se le conocerá como Martini lo Spagnolo

después del inmenso éxito de su ballet representado en la Scala de Milán en

1778, transformándose en un serio rival de Cimarosa y Paisiello. Se lanzó

rápidamente en Italia y en Viena como compositor de óperas, entre ellas, Una

cosa rara, ossia Belleza ed Onesta, con libreto de Lorenzo da Ponte166

, uno de

cuyos temas utilizó Mozart en el final de su Don Juan, haciéndole, inclusive,

decir a su personaje “Hurra! Esto es Cosa rara”. En 1788 Catalina II de Rusia lo

nombró director de la Ópera en San Petersburgo y más adelante Pablo I le hizo

consejero privado. Otras de sus óperas son: Ifigenia in Aulide (1779), Ipermestra

(1780), Astartea y la reina de Golconda (1781), La Dona festeggiata (1783), La

Isla del amor (1784), El Barbero de buen corazón (1787), El Árbol de Diana

(1787), etc. Martín y Soler escribió también, canciones populares, cantatas y

música religiosa en general. En 1801 perdió su importante posición para morir,

casi en la indigencia, en San Petersburgo el 30 de enero de 1806.

El nuevo arte de la orquestación

La simplificación contrapuntística que se experimentó a partir de la obra

de los hijos de Bach, o sea durante la incipiente etapa del clasicismo vienés,

provocó una alteración en los principios del arte de la orquestación. Así vemos

que la orquesta de Mannheim, que ya en 1756 se consideraba la mas prestigiosa

de Europa, estaba formada por 20 violines, 4 violas, 4 violonchelos y 2

contrabajos con una sección de instrumentos de viento que llegó a incluir hasta 4

cornos, además de 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes y 2 trompetas, culminando con

los timbales y el órgano. Mozart quedó muy impresionado con dicha orquesta

cuando visitó la ciudad en 1777 en compañía de su padre. No obstante, el

brillante período musical de Mannheim terminó cuando la corte fue trasladada a

Munich en 1778.

A su vez Mozart le asignó a los instrumentos de viento-madera una

preponderancia desconocida hasta entonces, incorporando a la familia de los

vientos-madera, el clarinete y el fagot, siguiendo el modelo de Mannheim,

innovación que Beethoven enriqueció con el flautín y algunos instrumentos de

viento-metal, introduciendo posteriormente los trombones y ampliando el ámbito

de los timbales. No obstante Gluck ya había incluido trombones167

, arpa,

clarinetes y diversos instrumentos de percusión, en varias partituras de sus

óperas.

Es interesante observar, por otro lado, que aunque Beethoven piensa para

la orquesta, como generalmente se dice, y se orienta desde sus primeras obras

hacia la música instrumental, y no hacia la escritura vocal con la que enfrentaba

ciertas dificultades, su enriquecimiento sonoro en la orquesta no sólo se debe a

166

El éxito de Una cosa rara, en el Teatro Imperial de Viena, aplaudida por Salieri, fue tan

extraordinario que eclipsó en su momento la presentación de Las Bodas de Fígaro de Mozart. De Una

cosa rara surge, inclusive, el tema de un vals vienes muy conocido intitulado El sitio de Belgrado. 167

Mozart también había usado trombones y el glockenspiel en Don Juan como en La Flauta Mágica,

respectivamente y Rameau había usado el clarinete desde 1751..

89

un aumento en el número de los ejecutantes e instrumentos, sino también a la

forma en que utilizó los instrumentos y los grupos instrumentales. En efecto,

Beethoven amplía la tesitura del cuarteto de cuerdas: violines, violas,

violonchelos y contrabajos. Así, por ejemplo, a los violines los hace extender su

sonoridad hasta el la bemol agudo, mientras a los contrabajos los hace descender

hasta el do grave, exigiendo además un mayor dominio del instrumento por parte

del ejecutante, mientras el grupo de los violonchelos los divide en dos partes,

cosa rara a la sazón, y a las violas igualmente las divide en tres o cuatro partes, lo

que se conoce como divici. Por otro lado, introduce el trombón como instrumento

de planta, que hasta el momento sólo se usaba en el teatro o en la iglesia.

Observamos así que en su Quinta Sinfonía utiliza hasta tres trombones (alto,

tenor y bajo), y contrario a la costumbre de la época, pone en vigencia el grupo

percusivo, platillos-bombo-triángulo, adelantándose a la instrumentación teatral

de Wagner. La observación es válida si constatamos que aunque la orquesta de

Beethoven es impresionantemente más sonora que la de sus grandes antecesores,

Haydn y Mozart, aún así el componente de sus instrumentos sólo alcanza treinta

ejecutantes cuando presenta la primera audición de la Tercera Sinfonía, obra que

aún hoy constituye un hito sonoro dentro del grupo de sus sinfonías. Sorprende

sobremanera comparar el número de instrumentos que Beethoven utiliza en la

Heroica con los que usa en la Sinfonía Coral. La primera exige: 2 flautas, 2

oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 3 cornos, 2 trompetas, timbales y el cuarteto de

cuerdas, mientras la Novena Sinfonía exige: 3 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 3

fagotes, 4 cornos, 2 trompetas, 3 trombones, timbales, triángulo, platillos, bombo

y el cuarteto de cuerdas. La diferencia consiste en 10 instrumentos, entre ellos los

poderosos trombones y una sonora percusión, además de los divici mencionados

anteriormente. No hay duda de que la orquesta en manos de Beethoven alcanza

su Edad de Oro abriendo el camino para el posterior desarrollo del sinfonismo

germánico del siglo XIX, al punto tal que ningún compositor del siglo

decimonono escapó por completo de su poderosa influencia.

A sólo tres años de la desaparición de Beethoven, escribe Berlioz su

Sinfonía Fantástica en la que hace gala de una imponente instrumentación que

además del cuarteto de cuerdas tradicional y dobles atriles de los instrumentos de

viento-madera, presenta 4 cornos, 2 cornetas, 2 trompetas, 3 trombones, 2 tubas,

2 fagotes extras, campanas, bombo, 4 timbales, flautín, clarinete en mi bemol,

corno inglés y arpa, amén de la variedad de toque que le impone a ciertos

instrumentos, como las esponjas para los percutidores de los tambores, y lo que

es más raro aún los divisi en los contrabajos y en los timbales.

Primeros pedagogos del piano

Hacia finales del período clásico aparecen los primeros pedagogos

significativos del piano: El italiano Muzio Clementi (1752-1832) quien además

de haber sido un brillante y reconocido ejecutante fue fabricante de pianos en

Londres y compositor prolífero. Entre su obra se destacan 100 Estudios para

90

piano cuya colección se conoce como Gradus ad Parnassum168

. Dejó además un

número plural de graciosas Sonatinas e interesantes Sonatas para piano,

admiradas por el propio Beethoven, inclusive dos Sonatas para dos pianos, así

como varios Conciertos con orquesta y Sinfonías que han resurgido últimamente

gracias a los melómanos de las grabaciones. Clementi fue uno de los innovadores

de la literatura del piano y el primer compositor importante que pensó en

términos propios del nuevo instrumento incorporando octavas y dobles notas,

tanto terceras como sextas, razón por la que se le reconoce como “el padre del

piano forte”. Jan Ladislav Dussek169

(1761-1812) compositor checo es una de

las primeras figuras pianísticas de su época a quien se le atribuye la posición del

piano en el escenario con el lado derecho del ejecutante hacia el público; John B.

Cramer (1771-1858) original de Manheim, autor, entre otras cosas, de una

colección de 80 excelentes Estudios para piano, muy recomendados por

Beethoven, que siguen constituyendo, hasta hoy, un material didáctico de

primera línea para la enseñanza del piano e introducción a los Estudios de

Chopin; Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) brillante pianista, alumno de

Mozart y Clementi, Maestro de Capilla del príncipe Esterházy al suceder a

Haydn en el cargo, compositor de Estudios, Sonatas y 6 Conciertos para piano y

orquesta muy apreciados en su época, que anticipan el lirismo del propio

Chopin. Entre la obra de Hummel se encuentra también una bella como delicada

composición para dos pianos intitulada Introducción y Rondo así como una

brillante Sinfonía Concertante para piano, violín y orquesta, un Concierto para

fagot, otro para mandolina, uno para trompeta, unas Variaciones para oboe y

orquesta, además de un variado y rico repertorio de música de cámara. Su

prestigio como compositor fue tan grande que llegó a ser considerado, en un

momento dado, rival de Beethoven quien por su parte lo estimó mucho; el

irlandés John Field (1782-1837) conocido no sólo por su virtuosidad pianística

ponderada por Liszt, sino por haber sido el inventor del Nocturno.

Son estos compositores y pianistas los que prepararon el camino a los

grandes virtuosos del período romántico con una obra didáctica que continuará y

enriquecerá el discípulo de Beethoven, el vienés, Karl Czerny, (1791-1857),

maestro de Liszt, autor de más de mil Estudios para piano que siguen siendo,

particularmente los Ops. 299 y 740, una base sólida para el desarrollo muscular

del joven estudiante de piano. Czerny escribió así mismo un número plural de

Sonatas y Conciertos para piano inclusive uno para cuatro manos y orquesta, de

menor importancia.

Otro pedagogo y pianista virtuoso de prestigio, fue el checo Ignaz

Moscheles (1794-1870) alumno de Albrechtsberger y de Salieri, a quien

Beethoven confió la reducción para piano de su ópera Fidelio, profesor de piano

en el Conservatorio de Leipzig. Es autor del otrora célebre Método de los

Métodos para la enseñanza del piano así como de 7 Conciertos, 24 Estudios,

Sonatas, Variaciones y una serie de obras para dos pianos que ejecutó junto con

Mendelssohn.

168

Nombre que ya había utilizado J. J. Fux (1660-1741) para su célebre tratado de Contrapunto de 1725. 169

Otros compositores de Bohemia fueron: Tomasek y particularmente su discípulo Vorisek, cuya

Sonata Op. 20 y su Sinfonía en re estuvieron muy de moda en la Viena de la primera mitad del siglo XIX

91

BREVES BIOGRAFÍAS

Christoph, Willibald von Gluck (1714-1787)

Original del Palatinado (Bohemia), compositor y figura gigantesca dentro del

ámbito de la ópera de finales del Barroco e inicios del clasicismo vienés. Nació

cuando Händel mediaba 29 años de edad y alcanzó su plenitud al mismo tiempo

que Haydn. Es una figura que aunque nace en pleno desarrollo del período

barroco se adelanta de tal forma a su época que pertenece en gran parte al espíritu

clasicista. Poco se sabe de sus estudios musicales además de que estudió violín,

órgano y clavecín, en “una escuela católica”. En Viena hizo parte de los músicos

al servicio del duque de Lobkowitz gran amante de la música. Protegido del

Príncipe Melzi viajó a Italia donde tomó clases con Sammartini y en 1741

debuta con su ópera Artaserse, con texto de Metastasio, en el Teatro Regio Ducal

de Milán. A partir de ese momento su producción operística levanta vuelo y en

apenas cinco años produce siete óperas, dentro del estilo italiano para diferentes

teatros de diversas ciudades importantes de Italia, entre ellas Venecia, Milán y

Turín. En 1745 es invitado a Londres donde debuta al año siguiente con dos

óperas que no fueron exitosas, criticadas por el propio Händel quien le ayudó en

las producciones. En 1748 su ópera Semirámide riconosciuta, con texto también

de Metastasio, es elegida para la gran reapertura del Burgtheater de Viena y

constituyó todo un éxito. De ahí en adelante, transformado en una importante

personalidad musical, sigue una carrera triunfante, hasta instalarse en forma

definitiva en Viena donde fue Consejero Musical y Maestro de Capilla de la

Corte así como compositor titular (1754) del Teatro Imperial. Bajo la influencia

de la ópera francesa, particularmente de Rameau y de las nuevas ideas liberales

de Voltaire y Diderot, incursionando inclusive en la novedosa ópera cómica,

Gluck, conjuntamente con Durazzo y el poeta Calzabigi, reforma totalmente su

estilo operístico deshaciéndose de cualquier influencia italiana instaurando un

modelo profundamente moderno de tragedia lírica junto con el “drama

coreográfico” concepción innovadora surgida de la estética francesa de la época,

que encuentra su más alta realización en Semiramis que servirá de pauta al propio

Wagner después. En 1761 crea al primer ballet pantomímico de la historia de la

danza con el tema de Don Juan. Surge inmediatamente su gran trilogía: Orfeo y

Eurídice (1762), Alceste (1767) verdadero manifiesto de la reforma de la ópera

92

lanzado por Gluck170

, y París y Elena (1770), óperas que no tuvieron éxito,

debido, ciertamente, a sus innovaciones y a su novedoso estilo. Luego en París

escribió Ifigenia en Aulide, apoyado por la reina María Antonieta171

e Ifigenia en

Tauride (ambas inspiradas en Eurípides) así como Armida (según Tasso), las que,

junto con Orfeo y Euridice, de 1775, constituyeron verdaderos triunfos, pese a la

envidia opositora que se suscitó por parte de los partidarios del estilo italiano y

que desembocó en una ridícula querella con el compositor Nicolás Piccini y sus

admiradores que se conoce como “la guerra de los bufones”172

. Después de la

terrible como ridícula contienda, Gluck regresó a Viena, ya rico y admirado,

donde muere de un ataque al corazón ocho años después. Entre sus innúmeras

aportaciones está el haber sido uno de los primeros en introducir el arpa y los

trombones en la orquesta y el primer compositor cuya obertura constituye un

avance, aunque breve, del melodrama lírico que sigue a continuación.

Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Importante y prolífero compositor original de Rohrau, baja Austria. Su padre fue

carretero y agricultor. Al margen de ser miembro del coro de San Esteban, en

Viena, fue en gran medida un autodidacta. Hombre sencillo, muy trabajador,

protegido de Metastasio, Nicolás Pórpora, von Dittersdorf y del conde Mozin,

permaneció al servicio de los príncipes Pablo y Nicolás Esterházy durante 30

años como Vicemaestro de capilla primero y luego como Director musical. En el

palacio de los Esterházy habían dos teatros así como dos amplias salas de música

lujosamente decoradas. En el ocaso de su vida se estableció independientemente

en Viena. Fue casado con Maria Anna Keller, persona sencilla y problemática

con la que no fue nada feliz. En vida adquirió gran reputación en toda Europa.

Sus dos exitosas visitas a Londres fueron muy favorablemente comentadas

particularmente por sus 12 últimas grandes sinfonías conocidas como Sinfonías

Londinenses o Salomónicas173

, éxitos que se tradujeron en dinero además de los

honores que le tributaron en Palacio y el título de doctor honoris causa que le

confirió la Universidad de Oxford. Haydn es el mayor compositor de oratorios

170

En el que se afirma perentoriamente que todo debe estar en función del drama. 171

María Antonieta, hija de María Teresa de Austria y esposa de Luis XVI, protectora de la música,

estrenaba óperas “con interludios de ballet” durante sus fiestas en el Pequeño Trianon. En la memorable

recepción ofrecida en honor de Gustavo III, rey de Suecia, María Antonieta, sentada ante el clavicordio

cantó arias de la ópera Dido de Nicolás Piccini. 172

El calificativo surge por causa de un grupo de italianos, músicos ambulantes que actuaban en ese

entonces en París presentando óperas bufas con inmenso éxito. En Francia la ópera bufa se conoce como

ópera cómica. 173

El nombre surge por el violinista y compositor alemán, Johann Peter Salomon (1745-1815) quien

después de una exitosa carrera como virtuoso se transforma en empresario de espectáculos musicales en

Londres, y tras enterarse que el príncipe Esterhazy había fallecido se precipitó a ofrecer al compositor un

enjundioso contrato a cambio de una serie de conciertos en Londres para los que Haydn compuso sus

famosas últimas 12 Sinfonías, conocidas como Sinfonías Salomónicas o Londinenses. Fue Salomon quien

sugirió a Haydn la composición del Oratorio La Creación y quien le encargó, así mismo, los últimos

cuartetos para cuerdas. Los grandes éxitos del compositor, en la ocasión, no tienen precedente en Londres

desde Händel. Después de él solo Mendelssohn volverá a cosechar tales triunfos.

93

del período clásico174

, entre los cuales están: El Retorno de Tobías (1774), La

Creación (1798)175

, Las Estaciones176

(1801) y Las Siete Palabras de Cristo177

.

Su vasta obra comprende, 104 Sinfonías, varios Conciertos para clave, para

violín y para violonchelo; 125 Tríos, 84 Cuartetos, más de 24 Operas con textos

en italiano y alemán, 52 Sonatas para piano, Temas con Variaciones, Cantatas,

14 Misas (entre las que sobresale la llamada Misa Imperial o Misa de Lord

Nelson escrita en 1798 cuando el almirante estaba en la Batalla del Nilo), 13

Ofertorios, además de motetes y otras obras religiosas como Salve Reginas y Ave

Reginas. Fue considerado el mayor compositor de Europa cuando Beethoven era

todavía joven y Mozart, ya fallecido, era poco conocido aún. Murió en la ciudad

de Viena donde recibió cristiana sepultura, con grandes honores, inclusive de

parte de Napoleón Bonaparte, que en esos momentos invadía Austria.

Armónicamente hablando la obra instrumental de Haydn es bastante más osada

que la del propio Mozart, de ahí que se le considere el inmediato antecesor de

Beethoven.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Genial compositor austriaco, nacido en Salzburgo. Fue un extraordinario niño

prodigio que realizó giras de conciertos desde la edad de 6 años, acompañado por

su padre178

y su hermana Nanerl. La vida de Mozart está colmada de honores y

de hechos prodigiosos hasta que alcanzó sus 17 años de edad. Fue admirado y

aplaudido por los públicos más exigentes de Europa. A la temprana edad de 7

años termina su primera ópera llamada Bastien y Bastiana. En Londres fue

objeto de detallada observación por parte de la Academia Científica Inglesa por

los fenómenos musicales que era capaz de producir y que rebasaban toda

posibilidad de análisis y comprensión. A los 12 es aceptado como miembro

honorario de la severa Academia Musical de Boloña, Italia, regentada en ese

entonces por el padre Martini179

de la orden franciscana, etc. Mozart es

considerado uno de los grandes genios de la humanidad, pese a su personalidad

inquieta, controversial, caprichosa y egocéntrica. Dominó con igual perfección

todos los géneros de la composición musical. Su obra comprende: Operas: La

Clemencia de Tito, Idomeneo, El Empresario, Las Bodas de Fígaro, Don Juan180

,

174

Si bien sus oratorios no podían presentarse en las iglesias católicas debido a que el compositor

pertenecía a una logia francmasónica (así como Mozart) al igual que su libretista el barón Gottfried van

Swieten, diplomático de la corte prusiana y director de la Biblioteca Real de Viena. 175

Inspirado en el Génesis y un poco en El Paraíso Perdido de Milton, cuya traducción libre al alemán

fue realizada por el ya mencionado barón van Swieten. 176

Se trata realmente de un oratorio secular con muy poco contenido religioso. 177

Obra escrita a solicitud de una comunidad religiosa de Cádiz, España. 178

Leopoldo Mozart (1719-1787), padre y mentor del célebre compositor, fue reputado violinista y

bachiller en filosofía. Su Método para violín, reeditado muchas veces, estuvo en vigencia hasta finales del

siglo pasado. Su hija Nanerl fue también excelente ejecutante. 179

En el pequeño museo del Conservatorio de Música de Boloña se conservan los ejercicios de prueba

que Mozart tuvo que realizar para ser aceptado en la prestigiosa Academia. 180

Inspirado en el drama de Tirso de Molina y escrito por el gran libretista, Lorenzo da Ponte (1749-

1838), cuyo nombre original es Emmanuele Conegliano, nacido en Ceneda cerca de Venecia, hombre

versátil, arrogante, intrigante, poeta de la corte de José II de Viena, librero, empresario y sobre todo

aventurero. Fue ordenado sacerdote en 1773, profesor de letras y retórica en el seminario de Trévise y

94

La Flauta Mágica, etc.; 31 Conciertos para piano y orquesta, incluyendo un

concierto para dos pianos y orquesta así como otro para tres pianos y orquesta;

20 Sonatas para piano, Fantasías, Valses, 33 Sonatas para violín, 5 Conciertos

para violín, Sonatas para violonchelo, Sonatas y conciertos para clarinete,

Sonatas para flauta, etc., 41 Sinfonías, Serenatas, Divertimentos, 24 Cuartetos

de cuerdas, 6 Quintetos de cuerdas, gran cantidad de otras combinaciones de

Música de Cámara; 17 Misas entre ellas la célebre Misa de la Coronación; un

prestigioso Réquiem en re menor comenzado pocas semanas antes de su

fallecimiento y terminado por su alumno Süssmayr; 4 Letanías, 2 Vísperas,

Motetes, Canciones con acompañamiento de piano; una extraordinaria Sonata

para 2 pianos, etc. Por ironía del destino, Mozart murió pobre y triste a los 35

años de edad. Sus restos reposan en el cementerio de San Marcos de Viena,

Austria, en una fosa común, de acuerdo con la práctica de la época al no poder

sufragar el costo de una sepultura independiente, y como quiera que no se colocó

lápida alguna en el momento del funeral, no ha sido posible localizar su cuerpo.

Las posibles causas de su muerte han sido ampliamente tratadas por diferentes

biógrafos, especialistas y médicos pero aún no se ha logrado llegar a una decisión

definitiva y son todavía materia de mucha especulación. Por otro lado aumenta

cada vez más el interés por el llamado “efecto Mozart”181

referente al beneficio

de su música en el desarrollo del intelecto humano e inclusive en el tratamiento

terapéutico de ciertas enfermedades. Mozart es un compositor más conceptuado

desde el punto de vista vocal que instrumental. No fue un reformador y se

contentó con hacer uso de las formas y estilos establecidos en su época semejante

a Bach. Sus óperas son las únicas del siglo XVIII que permanecen en el

repertorio actual de todos los grandes teatros del mundo y su obra sigue

ocupando los primeros lugares en los escenarios de diferentes continentes.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Colosal compositor alemán182

, nacido en Bonn. Personaje puente entre el

Clasicismo y el Romanticismo, Beethoven vivió desde los 22 años en Viena,

expulsado en 1776 por defender las ideas de Rousseau. Fue desterrado de Venecia en 1779 durante 15

años. En 1783 obtuvo el cargo de “poeta del Teatro Italiano” en Viena, época en que escribió diversos

libretos para Salieri, Martín y Soler y Mozart, entre otros. A la muerte de José II fue desterrado de

Viena. En Praga hizo amistad con el célebre Giacomo Casanova, pasando luego a Londres, vía Dresde,

donde fue nombrado poeta del King´s Theater. En 1805 viajó a Nueva York donde renovó sus actividades

de empresario, promovió la construcción de la Opera Italiana de la ciudad y fue profesor de Literatura y

lengua italiana en la Universidad de Columbia de 1826 a 1837. En 1929 la Universidad neoyorquina creó

la “Cátedra Lorenzo da Ponte”. Da Ponte dejó escrita sus interesantes Memorias, en 4 volúmenes. 181

Ver El efecto Mozart, de Don Campbell, Ediciones Urano S.A., Barcelona 1998. 182

La versión inglesa, completa, de la biografía escrita en 1840 por su amigo personal Antón Félix

Schindler Beethoven as I knew him, se puede adquirir en W.W. Norton & Company Inc., Nueva York. La

versión castellana de la célebre biografía escrita por Romain Rolland, en seis volúmenes, está publicada

por la Librería Hachette S.A., Colección Numen, de Buenos Aires, 1954. La de Héctor Berlioz, versión

castellana, se encuentra en la Colección Austral de Espasa Calpe, S.A, Madrid, 1979 (cuarta edición).

Una muy novedosa y agradable, en la que se hace una interesante como minuciosa investigación sobre la

“Amada Inmortal”, es la de Maynard Solomon, (originalmente de Schirmer Books, Nueva York)

publicada por Javier Vergara Editor S.A., Buenos Aires, 1987. Sobre Beethoven y su obra se han escrito

más de 25.000 libros.

95

ciudad donde murió y que constituyó su segunda patria. Pese a la partícula noble

del apellido, van, apenas hacía dos generaciones que los Beethoven pertenecían a

la categoría de los dedicados al servicio de uno de los tantos príncipes

germánicos y recibían un salario de la capilla musical del arzobispo príncipe

elector de Colonia, residente en Bonn. La situación de la familia era bastante

inferior al decoroso nivel social de un Leopoldo Mozart quien además era un

músico de altura. Los Beethoven fueron agricultores y artesanos en su origen,

oriundos de Lovaina de donde pasaron a Bélgica y luego a Bonn. Desde joven

Beethoven fue considerado niño prodigio, reconocido especialmente por su

particular talento en el arte de la improvisación. Contrario a Mozart, fue un

hombre de una recia conciencia política. En efecto, en 1796 musicó un poema de

Friedelberg en honor de un cuerpo voluntario vienés que había enfrentado a las

tropas napoleónicas en la batalla de Arcole, y al año siguiente escribió un himno

que iniciaba con la frase “somos un gran pueblo alemán”; es harto sabido que

cuando Napoleón Bonaparte se hace emperador, Beethoven tachó disgustado el

título de su Tercera Sinfonía que se denominaba Sinfonía Bonaparte y escribió

en vez “en memoria de quien fue un gran hombre”; en 1814 compuso una

Cantata para la inauguración del Congreso de Viena que intituló Oda a la

Naturaleza; ese mismo año cuando las tropas aliadas entraron en París, escribió

su obra coral Germania y al año siguiente, en ocasión a la segunda toma de París,

escribió el coro final para el Ehrenpforte de Tretschke. De personalidad severa y

exigente en 1824, aceptado ya como uno de los grandes compositores del

momento, quedó totalmente sordo (el mal se había manifestado desde 1801).

Además de ser uno de los grandes revolucionarios en la historia de la música se

le considera como el mayor Sinfonista y el mayor maestro en el arte del Tema

con Variaciones. Como eterno enamorado platónico tuvieron especial significado

en su vida las siguientes figuras y personalidades femeninas: Magdalena

Willmann, Giullietta Guicciardi, Josefina von Brunswick, Teresa von Bruswick,

María von Erdödy, Teresa Malfatti, Betina Brentano y Amalia Sebald, entre las

que se encuentra la misteriosa “amada inmortal”. Beethoven lleva la estructura

Sonata a su mayor desarrollo. Sus 32 Sonatas para piano constituyen el

monumento más extraordinario de toda la literatura pianística, comparable sólo a

los 48 Preludios y Fugas de Bach y a los 24 Estudios de Chopin. Muy a pesar

de su genial capacidad creativa corregía sus obras en forma extenuante y así

vemos que un aria de Fidelio la tuvo que escribir 18 veces y solo de la misma

ópera se conservan más de 300 páginas de bocetos diferentes. Otro tanto sucedió,

por ejemplo, con su célebre tema de la felicidad, del final de la Novena Sinfonía.

La totalidad de su obra, dividida en tres períodos cronológicos o estilos, por el

pianista y musicólogo ruso Wilhelm von Lenz (1809-1883)183

y no por el propio

compositor, comprende fundamentalmente: 9 Sinfonías (entre ellas las conocidas,

Heroica, Nº 3, Pastoral, Nº 6 y Coral, Nº 9), 17 Cuartetos de Cuerdas, Cuarteto

con piano, Quintetos, una Gran Fuga para cuerdas, 5 Conciertos para piano

(además de un concierto de juventud), 17 Cadencias, un Concierto para violín,

un Triple concierto para piano, violín y violonchelo, 32 Sonatas para piano

(entre ellas las conocidas como: Patética, Claro de Luna, Pastoral, la

183

Wilhelm von Lenz, Beethoven et ses trois styles, en dos volúmenes, San Petersburgo, 1852.

96

Tempestad, Aurora o Waldstein, Appassionata, los Adioses y la Hammerklavier

), Rondós, 27 Bagatelas, Danzas alemanas, 20 minuetos, sonatinas, 15 valses,

para Elisa, Fuga, Oberturas para gran orquesta (Leonora nº 1 o Fidelio, Leonora

nº 2 y nº 3; Coriolano, Egmont, El Rey Esteban, Las Ruinas de Atenas, La

Consagración de la Casa, etc.) Ballet (Las Criaturas de Prometeo), la Opera

Fidelio, Misas (entre ellas la grandiosa Misa Solemne, nunca ejecutada en su

totalidad en vida del compositor), Cantatas, Fantasía Coral para piano coro y

orquesta, 10 Sonatas para violín y piano, 5 Sonatas y 3 Temas con variaciones,

para violonchelo, otras Sonatas para varios instrumentos (flauta, clarinete, etc.)

Tríos, Oratorios (Cristo en el Monte de los Olivos), 22 Temas con Variaciones

para piano, Canciones (alrededor de 200 arreglos de cantos populares, 86

Lieder, Adelaida, 25 Cantos Italianos, etc.). El funeral de Beethoven,

presenciado por unas 25,000 personas de todas las clases sociales, constituyó

todo un acontecimiento que conmovió a la ciudad de Viena por entero.

Beethoven, transformado en leyenda aún antes de morir, representa un punto de

convergencia único dentro de la historia de la música entre el clasicismo y el

dinamismo romántico. Bien se puede decir que es epílogo del clasicismo y

prólogo del romanticismo decimonónico. Dejó sin terminar varias obras, entre

ellas una décima sinfonía y el oratorio Saul y David. Sigue siendo el compositor

más ejecutado en el mundo. En el “Archivo Beethoven”, en la ciudad de Bonn,

reposan más de 100.000 tomas de microfilmes, un fichero índice con más de

80.000 fichas, una biblioteca sobre su obra y persona con más de 3.000 títulos,

una hemeroteca que abarca unos 9.000 números, y lo que es más valioso aún,

30.000 fotocopias de manuscritos, copias en limpio, borradores, transcripciones,

cartas y otros documentos que se conservan en cajas metálicas protegidas contra

incendio mediante forros de amianto. Los diferentes pianos que fueron propiedad

del compositor se conservan en el Museo de Instrumentos musicales de Viena, en

el Museo Nacional de Budapest y en el Museo Nacional de Nüremberg, entre

otros.

97

CUESTIONARIO Nº 5

01. Qué significa música homofónica?

02. Dónde se ubica el Período Clásico Vienés?

03. Mencione algunas características del Período Clásico.

04. Cuál es la gran estructura del Período Clásico? 05. Mencione una célebre ópera de Paisiello

06. Quiénes fueron Rossini, Bellini y Donizetti ?

07. Qué compositor escribió 104 Sinfonías?

08. Qué compositor escribió la ópera Don Juan?

09. Quien fue Lorenzo da Ponte ?

10 Qué posición ocupa Beethoven en la historia de la música?

11 Cuántas Sinfonías escribió Beethoven?

12 Quién es el autor de la Opera Fidelio?

13 Cuántas Sinfonías escribió Mozart?

14 Mencione tres compositores de la Escuela de Mannheim?

15 Quién fue Bocherini?

16 Quien fue Muzio Clementi?

17 Mencione tres ópera de Gluck?

18 Quién escribió Las Siete palabras de Cristo?

19 Mencione a tres grandes violinistas del período?

20 Quién escribió la Sinfonía Coral?

21. Quién escribió la Sinfonía Júpiter?

22. Quien es el autor de La Flauta Mágica?.

23. Mencione un Oratorio de Beethoven.

24. Quién escribió la Sinfonía Heroica?

25. Cuántos Cuartetos escribió Beethoven?

26. De que nacionalidad es Mozart?

27. Cuántas Sonatas para piano escribió Beethoven?

28. Quién escribió el Concierto Emperador?

29. Quién escribió un célebre Requiem?

98

30. Quién escribió un Triple Concierto para piano, violín y chelo?

“La música es la más romántica de las artes”.

E.T.A. Hoffmann

“Ha sido la música, entre todas las artes, la más fecunda

durante el período romántico”.

Marion Bauer

“El dolor agudiza la inteligencia y fortifica el alma.

El goce, por el contrario, hace a las personas egoístas y frívolas”.

Schubert

EL DINAMISMO ROMÁNTICO

Antecedentes históricos

La revolución francesa marca la última etapa en el proceso de

humanización en la concepción del mundo al poner en práctica, hasta sus

consecuencias más extremas, los principios renacentistas del individualismo y de

la democracia184

, sellando el destino de lo que aún quedaba de la sociedad

medieval. Es el fin del absolutismo monárquico y el nacimiento del liberalismo

burgués. Es el ocaso del Estado Nacional y el inicio del Estado Industrializado.

Europa había sido desangrada casi ininterrumpidamente en la segunda

mitad del siglo XVIII, desde la guerra de los siete años que inicia en 1756, con

una pérdida mayor de quinientas mil vidas, seguida de la Revolución Francesa y

184

Erwin Leuchter, La Historia de la Música, como reflejo de la evolución cultural, Ricordi

Americana, Buenos Aires, 1946, 4ª. Edición.

99

las guerras napoleónicas que sólo llegan a su término en 1815 culminando con el

Congreso de Viena y la Santa Alianza.

Si bien es cierto que los filósofos plantean con su dialéctica los grandes

problemas de las superestructuras político-económicas, estas ideas sólo adquieren

fuerza militante cuando han llegado a los grupos sociales inferiores a través de la

palabra más asequible de los pensadores. En efecto, la propia dinámica de la

revolución francesa está planteada ya en toda su extensión en la obra de algunos

filósofos renacentistas, entre ellos el español Francisco Suárez (1548-1617) quien

toma posición vanguardista en la cuestión del origen del poder, negando la teoría

del derecho divino de los reyes y apoyando con sorprendente anticipación la tesis

de la soberanía popular.

Si el derrumbe de la aristocracia, con todo lo que ella representa, tiene

lugar en el año histórico de 1789 es porque desde hacía centurias el ciudadano

común no se conformaba con su estado de mansedumbre, a la vez que llega a

convencerse de que todo ser humano nace con iguales derechos, sin fueros ni

privilegios y que sólo el trabajo y el valor personal, y no necesariamente su nivel

y ascendencia social, le otorgan el derecho a escalar y mejorar su condición de

vida.

Las ideas claras que al respecto, Lafayette lleva a Norteamérica son las

que sirven de impulso inicial para que poco después en todos los rincones del

mundo occidental se pusiera en práctica lo que ya ampliamente se comentaba: los

principios de igualdad, libertad y fraternidad.

Con el planteamiento de los Derechos de Filadelfia (Bill of Rights), basada

en el espíritu Jeffersoniano y con la declaración de los Derechos Humanos

propugnados por la Asamblea francesa, una vez tomada la Bastilla, se inició el

acercamiento de las castas sociales, representadas de un lado por la aristocracia y

del otro por el pueblo, en virtud de lo cual surgió un nuevo grupo social que se

denominó burguesía, de burgo que significa manumitido o siervo emancipado.

Los modos de vida de la burguesía, sus costumbres y sus preferencias, sus

sentimientos y criterios, su actitud ante lo espiritual y humano, ante lo social y

particular, su manera de expresarse, en fin, su total sistema de vida es lo que

hemos de llamar Romanticismo. El Dinamismo Romántico, en suma, es la

expresión genuina, con toda la gama de matices, de la sociedad burguesa del

siglo XIX, una especie de proclamación de los derechos de la burguesía, porque

el verdadero objeto del arte es la expresión de la vida misma.

Dentro del panorama histórico internacional son temas significativos del

siglo, la heroica gesta de Simón Bolívar y las consecuentes independencias de

España de los países hispanoamericanos en el primer cuarto del siglo XIX; la

Guerra de Crimea (1854-1856), la cruenta Guerra Civil estadounidense (1861-

1865) y la guerra Franco-Prusiana de 1870. Los filósofos más significativos del

momento son: Schopenhauer, Nietzsche y Hegel.

Si el proscenio de la actividad artística del renacimiento fue el monasterio,

y el palacio el del barroco, en el clasicismo lo será el salón aristocrático y en el

romanticismo el salón burgués como admirable conquista del espíritu humano.

100

La palabra romántico, expresión todavía muy controversial y harto difícil

de definir, deriva del romanesco, de romance, en el sentido de procurar o abogar

por algo irreal, por algo que no existe. La semilla del movimiento, en arte, se

encuentra inclusive desde el siglo XVII en Inglaterra185

, semilla que crece

robustamente en la obra de autores como Tiech y Novalis186

, para producir sus

frutos más significativos en la Alemania del siglo XIX. Y auque haya sido Paris

la capital internacional del arte romántico, sería del todo imposible separar los

conceptos de Romanticismo y música germánica.

Si Florencia fue la capital del renacimiento musical, Alemania el centro

del Barroco y Viena el corazón del clasicismo musical, le tocará a París ser el

epicentro o punto de convergencia del movimiento romántico: poetas, literatos,

pintores, filósofos, escultores, músicos e intelectuales en general del mundo

civilizado convergen en los salones burgueses parisinos.

Se ha dicho ya, con suficiente razón, que si bien es cierto que el estilo

galante187

del siglo XVIII surgió primeramente en París, Mannheim y Nápoles,

una fuente importante del espíritu romántico musical lo fue también la Venecia

de finales del siglo XVII y principios del XVIII, si observamos la fuerte dosis de

emotividad y subjetividad que contienen ya algunas de las obras de Monteverdi,

Albinoni, Marcello y Vivaldi. Y pese a que el romanticismo se plantea, en

parte, como una reacción contra la Ilustración, desde sus comienzos acusa una

fuerte tendencia religiosa que se manifiesta en forma de un catolicismo

renovado. Beethoven, último gran baluarte del clasicismo, el ultimo gran músico

del siglo XVIII, se había formado en el ambiente efervescente todavía del

llamado Sturm und Drang, “Tormenta y pasión”, título de un drama de F.M. von

Kinger (1777) que se utilizó como consigna de un movimiento intelectual

inspirado en las ideas de Rousseau que surge a finales del siglo de las luces

contra la sociedad aristocrática y el racionalismo propugnando la liberación del

individuo.

Características del Romanticismo

En oposición a lo clásico, en el romanticismo se le da énfasis a lo

subjetivo, a lo emocional, negligenciando lo formal y estructural. Es el

predominio de la imaginación, la fantasía y el sentimiento sobre la razón. Es la

valorización de lo particular y lo nacional, por encima de lo universal. Es la

185

En Inglaterra lo romántico pasaba por lo pintoresco, mientras que en Francia se confundía romántico

por novelesco y en Alemania el sustantivo die Romantik se refería, desde finales del siglo XVIII, a una

tendencia opuesta al clasicismo. 186

Novalis fue el gran lírico del temprano romanticismo, poeta, novelista y pensador genial que ejerció

gran influencia en el mundo del arte decimonónico. Su verdadero nombre es Friedrich Leopold

Hardenberg (1772-1801). 187

El estilo galante, más que una tendencia estética claramente definida, representó un gusto musical

general, preponderante durante el período que señala el paso del barroco al clasicismo, que ganó el favor

del público, particularmente de la recién surgida burguesía setecentista europea, con una literatura

sencilla, ligera pero ingeniosa y a veces virtuosista, aunque alejada del enjambre contrapuntístico.

101

expresión tanto de lo perfecto como de lo defectuoso, o sea la unificación de

elementos antitéticos a la vez que la violación sistemática de las reglas y normas

tradicionales. Es la negación de lo convencional. Es el tratamiento

eminentemente libre de la forma y la inspiración en lo vernacular con el

propósito de hacer la obra de arte más accesible a todos. Es la exageración de la

lírica, la variedad de la técnica y la exuberancia en la expresión. Es en el fondo

la apoteosis de “la civilización liberal”, resultado inmediato de la gran revolución

social.

En la música de los compositores llamados románticos predomina la

emoción personal e individualista y contraria a la producción del clasicismo que

se hace distante para el público en razón de su formalismo, llega más fácilmente

al auditorio porque intenta expresar emociones conocidas y experimentadas por

el oyente. Jamás el compositor había sido más libre, rechazando en la medida de

su inspiración, el formalismo de una sociedad acabada, sin pretender cambiar las

reglas fundamentales del sistema tonal y sin poner en duda su legitimidad. Por

otro lado la nobleza y la jerarquía eclesiástica habían perdido ya su poderosa y

decisiva influencia sobre la creación artística.

El compositor ya no escribirá para una sociedad limitada y homogénea,

como la de Haydn y Mozart, sino para un público híbrido y heterogéneo que

pasará a llamarse “el gran público”. A su vez la música dejará de ser una

manifestación meramente social para comenzar a asumir una compleja función

estética y cultural.

Entre las aportaciones artísticas-musicales del período romántico está la

creación de la musicología, la crítica musical como intermediaria entre el creador

y el público, los conciertos y recitales abiertos a la ciudadanía en general con

precio y boleto de entrada. Las salas de concierto, al igual que los museos,

constituyen cosa novísima para la sociedad ochocentista que no había tenido

antes la oportunidad de tomar conocimiento de la obra de arte hasta entonces

monopolizada, y gracias a ellos conservada, por la jerarquía eclesiástica y por la

aristocracia en general.

Dentro de este nuevo concepto social dificultoso y confuso, le tocará a

Beethoven señalar el nuevo rumbo a seguir, pese a que junto con Weber y

Schubert pertenece en esencia al período anterior. En efecto, estos compositores

han desaparecido antes de la fecha acordada universalmente como la frontera

que separa el dinamismo romántico del clasicismo vienés, y que se ha de

caracterizar por las sublevaciones liberales y nacionalistas, simbolizado

artísticamente por la producción de Hernani de Victor Hugo y la Sinfonía

Fantástica de Berlioz, en el año 1832.

En el campo operístico las dos grandes figuras de mayor influencia del

siglo XIX fueron Weber y Rossini, y aunque el primero era 16 años mayor que

el segundo el éxito del segundo se adelantó al éxito del primero. Ciertamente que

el desarrollo de las carreras artísticas de ambos compositores fue totalmente

diferente y así, mientras la ópera popular y romántica de Weber, en idioma

alemán, llevó al drama lírico de Wagner, el William Tell (Guillermo Tell) de

102

Rossini sirvió de modelo para la ópera espectacular que se desarrolló en París

durante el Segundo Imperio con Meyerbeer y otros.

Diferentes generaciones de compositores

Desde el punto de vista histórico los compositores más representativos e

importantes del período romántico pueden dividirse en tres generaciones, a saber:

Primera generación: Ludwig van Beethoven (1770-1827), Nicolo

Paganini (1782-1840), Louis Spohr (1784-1859), Carl Maria von Weber

(1786-1826), Gioachino Rossini (1792-1868), Franz Schubert (1797-1828) y

Gaetano Donizetti (1797-1848).

Segunda generación: Vicenzo Bellini (1801-1835), Héctor Berlioz (1803-

1869), Félix Mendelssohn (1809-1847), Roberto Schumann (1810-1849),

Federico Chopin (1810-1849), Franz Liszt (1811-1886), Ricardo Wagner

(1813-1883), Giuseppe Verdi (1813-1901), Charles Gounod (1818-1893),

Cesar Fanck (1822-90) y Anton Bruckner (1824-1896).

Tercera generación: Johannes Brahms (1833-1897), Camille Saint-

Saëns (1835-1921), los llamados compositores nacionalistas (ver Escuelas

Nacionalistas más adelante), Peter Ilich Tchaikovsky (1840-1893), Jules

Massenet (1842-1912), Gabriel Fauré (1845-1924), Hugo Wolf (1860-1903),

Gustav Mahler (1860-1911), Ricardo Strauss (1864-1949), Alexander

Scriabin (1872-1915) y Max Reger (1873-1916)188

. (Ver breves biografías de

los principales más adelante)

Estructuras vocales e instrumentales

Las grandes formas del pasado continúan vigentes aunque algunas como

la Suite y la Cantata tienden a desaparecer mientras otras, como el Oratorio y la

Misa, continúan enriqueciéndose, a la vez que aparecen algunas nuevas como el

Poema Sinfónico189

lanzados por Liszt y Berlioz. Dos conciertos para violín y

orquesta se ponen a la altura del de Beethoven, en el siglo XIX: el Concierto en

mi menor de Mendelssohn y el Op. 77 de Brahms.

188

Podrían añadirse muchos otros compositores pero nos hemos limitado a los más importantes. 189

Semejante a lo que se denomina música programática o música descriptiva, o sea música que pretende

expresar o representar ideas, imágenes, estados de ánimo, acontecimientos históricos, o cualquier hecho

no musical en general, muy de moda particularmente en el siglo XIX. No obstante, anteriormente al siglo

decimonono existieron obras musicales que pretendieron expresar un programa descriptivo específico,

como por ejemplo las canciones del sacerdote Clement Janequin (1485-1558), capellán del duque

Francisco de Guisa, entre ellas, La Guerra, El Canto de los Pájaros, La Caza, etc., que en el fondo no es

otra cosa que música de programa o programática. Otros ejemplos más conocidos son, Las Estaciones de

Vivaldi (aunque se desconoce que el compositor haya seguido un texto concreto) o las 6 Sonatas Bíblicas

(o de programa) para tecla, del compositor y gran jurisconsulto alemán, Johann Kuhnau (1660-1722).

Otro ejemplo clásico de música programática, o pintura sonora, como también se le denominó, es La

Victoria de Wellington de Beethoven (ver Poema Sinfónico en Formas o Estructuras de la Música).

Inclusive desde los griegos se menciona con admiración una pieza conocida como Nomo pítico, del atleta

Sakadas considerada por muchos como la primera “música de programa” de la historia.

103

Adquiere énfasis especial, por otro lado, la forma pequeña o microforma,

tanto vocal como instrumental, con el preludio, la bagatela, el nocturno, el

estudio, el intermezo, las romanzas sin palabras, la rapsodia, la consolación, el

momento musical190

, el capricho, el impromtu y otras, como formas

instrumentales; el lied191

o canción artística, como la más representativa y

exquisita microforma vocal, reunidos algunos de ellos en forma de ciclos,

particularmente con Schubert, Schumann, Brahms, Fauré, Hugo Wolf192

,

Duparc, Tchaikovsky, Mahler y Ricardo Strauss, con textos de grandes poetas

alemanes, franceses y rusos (Ver biografías más adelante).

La ópera en Italia

A su vez el Drama Lírico u ópera continúa desarrollándose intensa y

agresivamente, sobretodo en Italia, hasta alcanzar el gran éxito en las obras de

Gioachino Rossini193

(1792-1868), el mayor genio cómico de su época, con una

serie de obras ingeniosas como La Italiana en Argelia (1813), La Cenicienta

(1817), Semirámide (1823) y otras, pero muy particularmente por su obra

maestra El Barbero de Sevilla, que data de 1816, escrita en trece días y revisada

años después. Rossini destaca también en el manejo de la instrumentación y la

dinámica de la orquesta.

Discípulo del compositor alemán Johann Simon Mayr (1763-1845) autor

de unas setenta óperas aproximadamente, Gaetano Donizetti (1797-1848)

oriundo de Bérgamo se estrena como operista en 1818, hasta llegar a producir la

sorprendente cantidad de 67 óperas en las que incorporó la acción dramática seria

dando inicio a un impactante realismo teatral con obras como Anna Bolena

(1830) que lo lanzó por toda Europa, a la que siguieron muchas otras como Elixir

de amor (1832), Lucia de Lammermoor (1835), La Hija del Regimiento (1840)

La favorita (1840) etc., y su alegre ópera bufa Don Pasquale estrenada en Viena

en 1843.

Por último, Vicenzo Bellini (1801-1835) miembro de una familia con

tradición musical y de la nobleza siciliana, educado en el Conservatorio de

190

La expresión fue inventada por el editor de Schubert al publicar sus Seis Piezas Op. 94. 191

Que duda cabe que la nueva y excelsa microforma vocal se debe, en gran parte, a la excelente poesía

romántica alemana que surge en el siglo XIX Le siguen en importancia creativa del género, Francia y

Rusia. 192

Hugo Wolf (1860-1903) compositor autriaco inmortalizado por sus canciones o lieder. Escribía con

rapidez, haciendo gala de una gran variedad de estados de ánimo y de intensidad emocional llegando

inclusive hasta el humor irónico. Escribió también alguna música instrumental: Piezas para piano,

Cuarteto para cuerdas en re menor, el poema sinfónico Panthesilea, la ópera El Corregidor, etc. 193

Rossini, hijo de un trompetero de Pésaro que demostró talento musical desde su niñez. A los 14 años

tocaba con gran destreza la viola así como el corno y el clavecín. Su producción operística fue asombrosa;

en término de 20 años escribió 39 óperas. Bien se ha dicho que Rossini es “el maestro que de lo trivial

hizo obras maestras”. Su fama fue tan enorme que en 1823, con apenas 31 años de edad, se registran 23

óperas suyas en escena al mismo tiempo en diferentes ciudades de Europa. Escribió también un conocido

Stabat Mater (1842), una Pequeña Misa Solemne (1864) y unas piezas para piano que denominó Pecados

de mi vejez. Rossini murió en 1868, en París, donde fue altamente apreciado. Fue sepultado en el

cementerio Père Lachaise. No obstante, el Gobierno Italiano solicitó que su cuerpo fuese trasladado a la

Iglesia de la Santa Cruz en Florencia donde permanece hasta hoy. En la instrumentación de Rossini

llaman particularmente la atención sus originales crescendos. Una lista completa de su obra aparece en el

Apéndice B de la citada biografía de Osborne.

104

Nápoles, alcanzó su primer gran éxito con El Pirata lanzada en La Scala de

Milán en 1827. El más sublime y poético de los tres, autor de apenas 9 óperas,

entre las que sobresalen La Sonámbula (1831), Norma (1831) su obra cumbre, y

Los Puritanos (1835) escrita para el Teatro de los Italianos en París. Se le

considera el gran maestro de la melodía.

La ópera en Francia

En Francia, donde el género había quedado casi exclusivamente en manos

de compositores italianos surge nuevamente con las obras de: Auber (1782-

1871) uno de los zapadores de la ópera cómica, alumno de Cherubini, autor de

unas 40 óperas en total, varias con libretos del célebre Eugene Scribe. Su mayor

éxito lo alcanzó con La muda de Porticci de 1828, aunque Fra Diavolo (1830) no

le va en zaga en popularidad hasta hoy. Fue director del Conservatorio de París

desde 1842 hasta su muerte y Maestro de Capilla de Napoleón III. Giacomo

Meyerbeer (1791-1864) cuyo nombre original es Jacobo Libermann, de origen

alemán, de formación musical italiana con Muzio Clementi, aunque estudió

también con Zelter (maestro de Mendelssohn) y el abate Vogler, después de lo

cual se fue a Italia a enriquecer sus conocimientos por recomendación de Salieri,

donde alcanzó su primer éxito con Romilda e Constanza en Padua en 1817

llegando a ser uno de los compositores más populares de Italia en pocos años.

Después de permanecer algún tiempo en Berlín y Venecia se estableció

definitivamente en París en 1826, donde descartó su identidad musical italiana

para transformarse en un compositor netamente francés en estilo, alcanzando en

el término de 25 años un ingreso superior a los cuatro millones de francos con las

presentaciones de sus grandes dramas Roberto el Diablo194

(1831), Los

Hugonotes (1836), El Profeta (1849) y particularmente su obra maestra, La

Africana. Meyerbeer se transformó no solo en el más conocido compositor de

óperas de su época sino en el mayor exponente de la ópera en el estilo frances.

Aunque su obra se caracterizó por su acción, fuerza dramática, virtuosidad

orquestal, pomposidad, grandes escenas de ballet, etc., ha perdido actualidad

para caer casi en el olvido absoluto. Le siguen: Herold (1791-1833) del

Conservatorio de París y ganador en 1812 del Premio de Roma, muy aplaudido

en su momento con la ópera Zampa (1831); Halévy (1799-1862) ganador

también del Premio de Roma en 1819, quien alcanzó inmenso éxito con su ópera

La Judía. Fue profesor de armonía, contrapunto y fuga en el Conservatorio de

París, formando compositores como Gounod y Bizet, entre otros; Adam (1803-

1856) autor de casi 50 óperas, hoy día totalmente olvidadas, cuyos éxitos le

llevaron a merecer la legión de honor, la mayor condecoración del Gobierno

francés así como la membresía del prestigioso Instituto de Francia.

El poco apreciado en su tierra Héctor Berlioz (1803-1869), el de la

célebre Sinfonía Fantástica, autor de las óperas Benvenuto Cellini, La

194

Con esta ópera Meyerbeer logra crear la grand opera que Auber había iniciado con La Muda de

Portici.

105

Condenación de Fausto, Los Troyanos en Cartago, Beatriz y Benedicto, etc., es

considerado por algunos autores como el mayor operista de Francia. Le sigue

Charles Gounod (1818-1893) particularmente con sus tres grandes dramas

líricos: Fausto, Mireille y Romeo y Julieta acogidas siempre con inmenso éxito.

Fausto constituye, desde hace años, la obra emblemática del Palacio Garnier,

Teatro de la ópera de París. A continuación el compositor y excelente pianista,

Camille Saint-Saëns (1835-1921), autor de la conocida Sansón y Dalila, seguido

muy de cerca por George Bizet (1838-1875)195

ganador del Prix de Rome tras

obtener los Primeros Premios de piano, órgano y fuga, respectivamente en el

Conservatorio, con su obra maestra Carmen (1875), eslabón significativo del

verismo, la más importante ópera francesa del siglo XIX junto con Fausto de

Gounod.

Verdi y Wagner

Dos colosos dominaron ampliamente el firmamento de la ópera romántica,

ellos son, Giuseppe Verdi (1813-1901) y Ricardo Wagner (1813-1883). El

primero italiano, el segundo alemán, nacen el mismo año y los dos se dedican

casi que exclusivamente al drama lírico. Mientras Verdi se caracterizó por una

personalidad generosa, simpática y desprendida, Wagner fue a través de toda su

vida un personaje egocéntrico, egoísta y prepotente. No obstante ambos poseían

el “fuego sagrado” de la creación y trabajaron intermitentemente logrando

producir una impresionante obra. Tanto Verdi como Wagner fueron

recompensados con el éxito y el reconocimiento universal196

. (Ver las biografías

de cada uno más adelante).

Otros operistas significativos

Otros significativos compositores de óperas son: von Weber197

, aclamado

como el primer compositor genuinamente romántico, precursor directo de

Wagner, creador de la ópera nacional alemana, con Abu Asan, La Preciosa, Der

Freischütz (El Cazador Furtivo), Euryanthe y Oberón; el ruso Mussorgsky, con

su impresionante Boris Godunov; el francés Massenet, autor de aplaudidos

dramas líricos como Manon, Werther y Thais; los italianos Leoncavallo, con Los

Payasos y Mascagni, con la popular Cavallería rusticana, y sobretodo,

195

Bizet además de la ópera Carmen, escribió Los Pescadores de Perlas (1863) así como una bella

Sinfonía en do. 196

Es interesante señalar que en ocasión del centenario de la muerte de Verdi, el 27 de enero de 2000, el

director de la Staatsoper, Ioan Holender, al presentar en rueda de prensa el denso programa que el teatro

lírico de Viena había preparado en homenaje a Verdi declaró: “es sin duda el compositor de ópera más

importante de todos los tiempos”. La programación incluyó la representación de 12 grandes óperas del

compositor italiano. 197

La obra de Weber, muy vasta, comprende entre muchas otras: Dos Sinfonías, Dos Conciertos para

piano y orquesta, un destacado Konzerstücke para piano y orquesta (que rompió con la forma tradicional

del concierto), 4 Sonatas para piano, 6 Escocesas, Concierto para clarinete y orquesta, Quinteto con

clarinete y cuarteto de cuerdas, composiciones para diferentes instrumentos, 58 lieder y otros, 12

Cánones, Cantatas, Misas, Temas con Variaciones, piezas para cuatro manos, etc.

106

Giacomo Puccini, autor de poderosos dramas líricos como Manon Lescaut, La

Bohème, Tosca, Madama Buterfly y Turandot, revelándose como verdadero y

digno sucesor de Verdi (ver biografía más adelante).

Claude Debussy y Ricardo Strauss autores de imponentes como

importantes dramas líricos abren las puertas a las novedades más avanzadas que

trae consigo el siglo XX (ver biografías respectivas al final del capítulo). El

primero, francés, con su magnífica ópera Pelleas y Melisanda y el segundo

alemán con sus impresionantes dramas Salomé y Electra, entre otros, así como su

deliciosa comedia El Caballero de la Rosa.

Los compositores ingleses

Es interesante constatar que Inglaterra, tan vanguardista y productiva

musicalmente en épocas anteriores198

, semejante a España en ese sentido, no

muestra compositor alguno de relevancia durante el clasicismo vienés ni en el

siglo romántico, al margen del mencionado irlandés John Field (1782-1837)

aplaudido pianista creador del Nocturno, William Sterndale Bennet (1816-

1875) tan apreciado por Schumann y del ingenioso Arthur Sullivan (1842-

1900) compositor de operetas escritas en colaboración con el humorista Sir

William S. Gilbert, cuyos parlamentos rápidos, inspirados en los clásicos

diálogos hablados o recitativos, especie de trabalenguas, constituyen uno de sus

mayores atractivos.

No obstante dos compositores ingleses, de la segunda mitad del siglo XIX,

Edward Elgar (1857-1954), autodidacta, mayormente conocido por las

Variaciones sobre un tema original “Enigma” (1899) y el Oratorio El sueño de

Geronte (1900), así como Frederick Delius (1862-1934), con una extensa obra

orquestal, además de un conocido Concierto para piano y un Réquiem, han

alcanzado nombre fuera de Inglaterra.

En Ralph Vaughan Williams (1872-1958), dotado de una sólida

preparación cultural, discípulo de Max Bruch en Berlín aunque muy inspirado

en melodías populares inglesas, encontramos a una interesante figura, autor de

una rica obra con 9 Sinfonías, Suites, varios Conciertos con solistas y orquesta

(Concierto para violín, Concierto para oboe, Concierto para tuba, etc.)

colección de Canciones, Fantasías para orquesta (entre ellas la Fantasía sobre

un tema de Thomas Tallis y la Fantasía “greensleeves” para media flauta, arpa

y orquesta), diversas obras corales, una Misa en sol menor, un Magnificat, un

Tedeum, la Cantata “Dona Nobis Pacem” de 1936, música para órgano, música

de cámara, etc. Gustav Holst (1874-1934) discípulo de Charles Stanford, (uno

de los zapadores junto don Hubert Parry de la nueva música inglesa) en

Londres, conocido casi exclusivamente por la suite orquestal Los Planetas escrita

en 1916; Cyril Scott (1879-1870), nacido en el último cuarto del siglo XIX,

autor entre otras obras de canciones, conciertos, sonatas, obras orquestales, una

198

Nos referimos a los compositores de la época isabelina y no a Händel, que es tan inglés como

españoles han sido Bocherini o Domenico Scarlatti, muy a pesar de los éxitos alcanzados en Londres.

107

cantata y una ópera El alquimista. Fue discípulo de Ivan Knorr y muy dado a la

teosofía y al ocultismo, con un idioma “comático, exótico, místico e

impresionista” que le valió el título de “el Debussy inglés”.

Intermediario entre Vaughan Williams y Walton, egresado del Royal

Academy of Music, ganador en 1931 de la Medalla de Oro de la Royal

Philarmonic Society (Real Sociedad Filarmónica de Londres) es el compositor

Arnold Bax199

(1883-1953) autor de una obra que aunque romántica e inspirada

en elementos populares célticos se expresa con un idioma contemporáneo. Entre

su obra, Variaciones Sinfónicas (Concierto para piano y orquesta), Sonata para

viola y piano, Mater ora Filium, Sonata para viola y arpa, Sinfonía N° 1, Noche

de mayo en Ucrania (para piano), 4 Sonatas para piano, 3 Sonatas para violín y

piano, 2 Sonatas para violonchelo y piano, 3 Cuartetos de cuerdas, varios

Quintetos, Concierto para la mano izquierda, Concierto para violín, 7 Sinfonías,

varios poemas para orquesta además de varios ballets, obras vocales y

composiciones para diferentes filmes, etc., probablemente la más popular sea el

poema para orquesta Tintagel. En 1941 después de haberle concedido el título

nobiliario de Sir la corona inglesa le nombró Master of the King´s Music. El

último compositor significativo inglés nacido en el siglo XIX es Arthur Bliss

(1891-1975) egresado de la Universidad de Cambridge y del Royal College of

Music donde fue alumno de Wood, Stanford y Vaugham-Williams, dejando

una obra apreciable entre la cual son más conocidas: Sinfonía de los colores

(1922), Héroes de la mañana (1930), Música para cuerdas Op. 54 (1935),

Concierto para piano y orquesta (1938), Meditaciones sobre un tema de John

Blow (1955), Concierto para violín y orquesta (1955), Concierto para

violonchelo y orquesta (1970) etc. Escribió también varios Ballets, entre ellos

Checkmate (1937), Miracle in the Gorbals (1944) y Adam Zero (1946), música

para el cine y dos óperas.

Nacidos en el siglo XX sobresalen: Sir William Walton (1902-1983) con

un lírico y conocido Concierto para violín y orquesta dedicado al brillante

virtuoso Jascha Heifetz, además de varias Sinfonías, Oberturas, Variaciones

sobre un tema de Hindemith, etc; Constant Lambert (1905-1951), quien fuera

director, de 1928 a 1947, del Ballet Sadler Wells de Londres; Michael Tippet

(1905-1998) con un idioma más contemporáneo que el anterior, autor de varios

Conciertos con solistas, Sinfonías etc., así como de varias Sonatas para piano, A

Child of Our Time (1941), dos óperas: El matrimonio de verano (The

Midsummer Marriage, de 1952) y The King Priam de 1962.

El compositor contemporáneo más prestigioso y prolífero de Inglaterra, es

Benjamín Britten (1913-1976), quien estudió composición con Frank Bridge y

luego con John Ireland en el Royal College of Music, excelente pianista, a

quien la corona británica honró con el título nobiliario, “Lord de Aldeburgh”. Su

obra abarca exitosamente todos los géneros: varias óperas, entre ellas una bella

como ingeniosa ópera para niños intitulada Hagamos una ópera (ver lista de

óperas al final del libro), y muy particularmente su ópera en 3 actos Peter Grimes

199

Bax dejó su autobiografía intitulada Farewell my Youth, publicada en Londres en 1943.

108

de 1945 y música religiosa con el gigantesco Réquiem de Guerra para soprano,

tenor, barítono, gran orquesta, una orquesta de cámara, coro mixto, coro de voces

blancas y órgano; obras sinfónicas (muy conocidas son sus Variaciones y Fuga

sobre un tema de Purcell, Op. 34); Conciertos (entre los que está la Burlesca

para piano y orquesta), Tema con Variaciones, para la mano izquierda Op. 21, la

Cello Symphony, etc; Ciclo de canciones, composiciones para diferentes

instrumentos; música de cámara (entre ella 4 Cuartetos para cuerdas); Balada

Escocesa para dos pianos y orquesta, Sonata para violonchelo y piano, 3 suites

para violonchelo solo, Suite para violín y piano, Suite para arpa, la espléndida

Guía para la enseñanza de los instrumentos de la orquesta (The Young Person´s

Guide to the Orchestra), etc. Para el quinto centenario de la Universidad de

Basilea compuso su Cantata Académica.

Los postrománticos

A los compositores nacidos entre 1850 y 1875 se les suele clasificar como

postrománticos. Son aquellos cuyas obras pese a ser ajenas a los postulados de

los compositores llamados nacionalistas (ver más adelante) no participan,

tampoco, de las innovaciones musicales que caracteriza al movimiento

impresionista francés. Se trata en el fondo de un complejo período de transición

representado en todo su esplendor en la obra de Gustav Mahler y Ricardo

Strauss. Estos dos maestros de la orquesta lograron mantenerse alejados de la

expresión romántica tradicional, constituyendo un núcleo típicamente germánico,

semejante a lo que sucederá también con el colosal pianista italiano Ferrucio

Busoni (1866-1924) y con el alemán Max Reger (1873-1916), tan inspirados a

su vez en las técnicas contrapuntísticas barrocas.

Desarrollo de la orquesta y la música sinfónica

Después del espléndido sinfonismo de la Escuela de Mannheim así como

el de Haydn, Mozart y particularmente Beethoven, la orquesta toma nuevo

impulso en las obras de Héctor Berlioz, el más conspicuo sinfonista y operista

francés de la primera mitad del siglo XIX200

además de enriquecer tan

significativamente el arte de la instrumentación; Schubert, con 8 Sinfonías y 8

Oberturas; Schumann con 4 Sinfonías, 4 Oberturas de concierto y un

extraordinario Concierto en la menor para piano y orquesta; Mendelssohn, con 5

Sinfonías, Oberturas de concierto, un célebre Concierto para violín y orquesta, 2

Conciertos para piano y orquesta y 2 Conciertos para dos pianos y orquesta;

Liszt con 13 Poemas Sinfónicos, además de la Sinfonía Fausto y 2 Conciertos

para piano; Bruckner, con 11 Sinfonías (dos incompletas); Brahms, con 4

Sinfonías, 2 Oberturas sinfónicas, Variaciones Sinfónicas, 2 Serenatas, un

Concierto para violín, un Doble Concierto para violín y violonchelo, 2

Conciertos para piano y orquesta, etc.; Mahler con 10 Sinfonías (una

incompleta) y Canción de la Tierra (ciclo de canciones con orquesta, tenor y

200

Fue Berlioz, también, al margen de las 4 Sinfonías programáticas que escribió, el inventor de la “idea

fija”, como signo dramático y estructural, como los que enlazan los diferentes movimientos de su Sinfonía

Fantástica, sugiriendo la forma cíclica desarrollada posteriormente por Liszt, Wagner y Franck.

109

alto) entre otras obras con orquesta; Tchaikovsky con 7 Sinfonías (incluyendo

Manfredo), 6 Suites orquestales, 11 Poemas Sinfónicos, Oberturas, 3 Conciertos

para piano y orquesta (entre los cuales el primero en si bemol menor es

probablemente la obra más popular que existe para piano y orquesta), un

Concierto para violín, y las Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo

y orquesta; Ricardo Strauss con Las Aventuras de Till, Así Habló Zaratustra,

Don Quijote, Vida de Héroe, Sinfonía Doméstica, Sinfonía Alpina, Burlesca para

piano y orquesta, Concierto para violín y orquesta, etc., además de las obras para

orquesta de Saint Saëns201

: 3 Sinfonías, varios Poemas sinfónicos (entre ellos La

Danza Macabra), 5 Conciertos para piano, 3 Conciertos para violín y orquesta,

así como La Habanera e Introducción y rondo caprichoso, 2 Conciertos para

violonchelo, etc; César Franck: Sinfonía en re menor, varios poemas sinfónicos,

las Variaciones Sinfónicas para piano y orquesta, etc; Chausson: Sinfonía en si

bemol, Poema para violín y orquesta, varios Poemas sinfónicos, etc; D´Indy: la

Trilogía Sinfónica basada en el Wallenstein de Schiller, el poema dramático El

Canto de la Campana, la Sinfonía sobre un canto montañés francés, la Segunda

Sinfonía en mi bemol202

, Istar, etc; Bizet: Sinfonía en do, y la música incidental

La Arlesiana; Rimsky Korsakov: 3 Sinfonías, varios Poemas sinfónicos y

oberturas, el Concierto para piano, el Capricho español, la suite Scheherazade,

etc; Borodin: 3 Sinfonías, las escenas sinfónicas En las estepas del Asia Central,

etc; Balakirev: Oberturas, Poemas sinfónicos, Concierto para piano y orquesta,

etc; Dvorak: 9 Sinfonías, Poemas sinfónicos, Oberturas, el Concierto para

violonchelo y orquesta y el Concierto para piano y orquesta; Grieg, con varias

Suites y el popular Concierto en la menor para piano y orquesta; Smetana, con

su trilogía de Poemas, la Sinfonía Triunfal así como los 6 Poemas Sinfónicos

entre los que se encuentran Mi Patria y El Moldova; el finlandés Sibelius, con 7

Sinfonías, las Escenas históricas, Finlandia, otros poemas sinfónicos como La

hija de Pohjolas, Las Oceánicas, etc., y el popular Concierto para violín y

orquesta.

El Oratorio y la música religiosa

El gran maestro del Oratorio del siglo romántico es Mendelssohn, quien,

dentro de la más estricta tradición de Händel, Haydn y Beethoven203

, escribió la

Sinfonía Cantata (Canción de Gracias), San Pablo, Noches de Valpuria y su más

importante oratorio, Elías, que tanto éxito le produjo en Londres. Le siguen los

pasos: Spohr con El Juicio Final; Berlioz con La Condenación de Fausto y La

Infancia de Cristo; Schumann con El Paraíso y la Peri catalogado como el

mejor oratorio seglar del romanticismo. El propio autor consideraba que era su

obra mejor lograda; Liszt, con Santa Isabel y Cristo; Elgar con El sueño de

Gerónte, etc.

201

Considerado el más universal de los compositores de su generación. 202

Considerada la mayor obra sinfónica francesa después de la Fantástica de Berlioz. 203

Quien con, Cristo en el Monte de los Olivos, escribió el primer gran oratorio del siglo XIX.

110

Entre las obras de fondo religioso del siglo XIX se encuentran, entre otras:

las 7 Misas y los 2 Stebat Maters de Schubert; el Te Deum y el Requiem de

Berlioz; la Misa en re menor de Cherubini; la Misa Húngara de la Coronación

de Liszt; la Misa en do menor de Schumann; el Réquiem Alemán de Brahms; el

Te Deum anglicano (1832), los Salmos, Lauda Sion y los Motetes para voces

femeninas y órgano, de Mendelssohn; el Tantum Ergo, Pater Noster, el Requiem

y Quattro pezzi sacri, de Verdi; el Te Deum y las Misas, de Bruckner; el

Réquiem de Fauré; las Beatitudes de Franck, etc.

Instrumentos dominantes

El piano reclama al violín la supremacía en los escenarios para

transformarse en un instrumento dominante tanto para el compositor

(prácticamente todos los compositores del período románticos fueron excelentes

ejecutantes del piano) como para la burguesía en general y la literatura para

ambos instrumentos alcanza niveles trascendentes de virtuosismo particularmente

en las obras de Paganini y Liszt, respectivamente, amén de los conciertos con

orquesta, sonatas, música de cámara y demás obras de los grandes compositores

del período.

Escuelas Nacionales Dentro de la dinámica del siglo XIX apareció, a mediados de la centuria,

el llamado movimiento nacionalista, que no fue otra cosa que el resultado lógico

de los sentimientos político-nacionales que se hizo presente en el continente

europeo y que se extendió a todo lo largo y ancho de nuestra América.

Dicho movimiento se caracterizó por el énfasis muy particular que ciertos

compositores dieron a los elementos étnicos de sus países respectivos, acudiendo

al patrimonio popular e incorporándolo en sus obras, pretendiendo con ello

minimizar toda y cualquier influencia foránea y escribir con características

originales e identificables desde el punto de vista regional. Se trata de un

concepto radicalmente opuesto a lo que hasta ese entonces se había considerado,

precisamente, como una de las prerrogativas más genuinas del arte de la música,

el mensaje o carácter universal de la obra de un compositor, que le permitía una

comunicación igualmente clara con cualquier público, sea de donde fuere. La

diferencia sutil entre el compositor nacionalista y el no nacionalista, aunque de

carácter nacional, es que el primero planea intencionalmente expresarse a través

de sus elementos telúricos, mientras que el segundo no puede evitar hacerlo

porque dichos elementos hacen parte de su personal identidad cultural. El

nacionalismo fue el arma que esgrimieron algunos compositores para hacerle

frente a la aplastante influencia de sus colegas germánicos, específicamente

Beethoven, Wagner, Bruckner y Brahms.

111

Es preciso observar que los movimientos nacionalistas204

en música

tomaron cuerpo sólo en aquellos países que hasta el momento no habían logrado

construir un acervo musical propio en virtud de lo cual vuelven sus ojos a los

valores vernaculares para encontrar en su propia tierra los elementos necesarios

para alcanzar una expresión musical con sabor original, particular-mente en el

drama lírico. Estos países, que constituyen principalmente el perímetro

continental europeo, fueron: Rusia, con Mili Balakiref (1837-1910), Alejandro

Borodin (1833-1887), Cesar Cui (1835-1918), Modesto Mussorgsky (1839-

1881) y Rimsky-Korsakov (1844-1908), quienes conformaron el llamado

“grupo de los cinco”205

o “la comuna”, talentos excepcionales y aficionados, muy

inspirados en el mensaje musical nacional ruso de Mijail Glinka206

(1804-1857)

y Alejandro Dargominsky (1813-1869); España, con Isaac Albeniz (1860-

1909) y Enrique Granados207

(1867-1916); Bohemia, actualmente República

Checa, con Bedrich Smetana208

(1824-1884), creador de la Escuela Nacional de

música, y su ilustre sucesor Antonin Dvorak (1841-1904) junto con Leos

Janácek (1854-1928) autor de un número plural de óperas: Jenufa, La Zorra

Astuta, El Caso Makropulos, Desde la casa de los muertos, etc., así como obras

corales, piezas para piano, piezas para órgano, obras para orquesta (Taras Bulba,

Sinfonietta, etc.) y Bohuslav Martinu (1890-1959) discípulo de Suk y Roussel,

autor de óperas (Juliette, El Matrimonio, La Pasión griega (inspirada en

Kazantsakis) etc., ballets, el oratorio La Profecía de Isaías, 6 Sinfonías, 7

Cuartetos para cuerdas, obras para piano: 4 Conciertos con orquesta, 4

Concertinos (entre ellos uno para la mano izquierda), un Concierto para dos

pianos y orquesta, etc.; Noruega, con Eduardo Grieg (1843-1907)209

; Finlandia¸

204

Sobre el controversial tema es recomendable la densa obra de Rudolf Rocker, Nacionalismo y Cultura,

Ediciones Imán, Buenos Aires, 1942, así como el ensayo de Alejo Carpentier, América Latina en la

confluencia de coordenadas históricas y su repercusión en la música, publicado en América Latina en su

música, Relatora Isabel Aretz, UNESCO, Siglo Veintiuno Editores, México 1977. 205

Balakirev originalmente estudiante de matemáticas decide dedicarse a la música después de conocer a

Glinka y Dargominsky; Borodin auxiliar de química egresado de la Academia de Medicina de la

Universidad de Berlín; Cui, militar de carrera que llega a general; Mussorgsky, descendiente de una

antigua familia rusa fue miembro de la Guardia Imperial e ingeniero de aguas y bosques; Korsakov de

familia aristocrática hizo la Escuela de Marina en San Petersburgo hasta llegar a alférez de navío. Todos

llegan a ser compositores reconocidos. 206

Glinka es considerado el padre de la música rusa. Su ópera La Vida por el Zar marcó el comienzo de

la música clásica rusa liberada de la influencia italiana y alemana. Otro tanto se puede decir del brillante

pianista y compositor Dargominsky con su obra maestra Russalka. El mentor de “los cinco” fue

Balakirev el único músico profesional del grupo ya que todos fueron, como quedó dicho, talentosos y

valiosos autodidactas. No obstante entre las óperas rusas destacan Boris Godunov (1874) de Mussorgski

y Príncipe Igor (1890) de Borodin, conocida como Ivan Susanin durante el período socialista. 207

El mentor de ambos y padre del nacionalismo español fue Felipe Pedrell (1841-1922) autor, entre

otras cosas, de la trilogía sinfónica Los Pirineos (1891), del ensayo Por nuestra música y varios trabajos

lexicográficos como el Diccionario técnico de la música, Cancionero musical popular español (4 Vols.),

etc. 208

Smetana, compositor checo y excelente pianista dejó una obra fértil e interesante, entre ellas, la ópera,

La novia vendida, varios poemas sinfónicos como, Mi país, mejor conocido con el nombre alemán, Die

Moldau (El Moldavia), así como un bello Cuarteto de Cuerdas. Tuvo una vida trágica ya que fue sordo

como Beethoven y terminó demente como Schumann y Hugo Wolf. 209

He aquí un compositor que, con una obra poco difundida, supo crear un estilo musical genuinamente

noruego. Estudió en el Conservatorio de Leipzig y luego en Copenhagen bajo la dirección de Niels Gade.

Sus obras más significativas son: las dos suites Peer Gynt, el Concierto para piano y orquesta en la

menor, 3 Sonatas para violín y piano, sus lieder, las Danzas norueguesas y una Marcha fúnebre escrita

112

con Jean Sibelius (1865-1957) e Inglaterra, con Edward Elgar (1857-1934).

Todos estos compositores buscaron deliberadamente en el folklore de sus países

de origen los materiales temáticos, melódicos, rítmicos y armónicos que

utilizaron en sus obras.

Es interesante constatar que contrario a lo que había sucedido hasta

entonces en Rusia y otros países eslavos, cuyo patrimonio popular era poco

conocido en el resto de Europa, la música popular de España, donde las danzas y

ritmos son tan exuberantes y agresivos, era ampliamente conocida y sirvió de

pauta inspiradora a muchos compositores de otras latitudes. Y así vemos que,

Glinka escribe en 1845 Recuerdos de una noche de verano en Madrid, y tres

años después el Capriccio brillante sobre el tema de una Jota Aragonesa; el

compositor francés Eduardo Lalo (1823-1892) se hace célebre con su Sinfonía

española (1875) que rápidamente queda incorporada en el repertorio de todo

virtuoso del violín; el propio Bizet se inspira en un personaje español, y hace uso

de una serie de ritmos ibéricos en su ópera Carmen; Chabrier adquiere fácil

nombre internacional con su poema sinfónico España emulando el éxito del

Capricho Español (1887) del compositor ruso Rimsky Korsakov y como si lo

anterior no fuera suficiente, Debussy escribe su bella obra orquestal Iberia (la

segunda pieza del cuaderno de Imágenes), así como Lindaraja para dos pianos, y

Ravel escribe la ópera en un acto La Hora Española, Pieza en forma de

Habanera y Rapsodia española para orquesta, además de su célebre Bolero.

Últimos nacionalistas

Dicen la última palabra en las tendencias nacionalistas de Europa pero con

idiomas propios del siglo XX: Bela Bartok (1881-1945) y Zoltan Kodály

(1882-1967) en Hungría, así como George Enesco (1881-1955) en Rumania,

Vaughan William (1872-1958), en Inglaterra, Manuel de Falla (1876-1946) en

España y Aram Kachaturian (1903-1978) en Armenia.

Lejos de congraciarse con un folclorismo romántico y banal, como

generalmente sucede con algunos compositores ingenuos, incapaces de crear algo

original e interesante, sea por falta de una preparación académica, sea por la

ausencia de verdadero talento creativo, Bartok llevó a cabo un trabajo inédito,

profundo y depurado, inspirado en el estudio de la música popular magiar, en el

que se impone una poderosa fuerza creadora. La personalidad de Bartok se

trasluce desde sus primeras composiciones para piano hasta sus grandes obras

escénicas como El Castillo de Barba Azul (1911) o El Mandarín Milagroso

(1919), pasando por su difícil Sonata para dos pianos y percusión (1937) o en su

formidable segunda versión de 1940 para dos pianos y orquesta, o simplemente

sus Cuartetos para cuerdas, transformándose en una de las grandes creaciones de

la primera mitad del siglo XX. Junto a su contemporáneo y amigo, el compositor

Zoltan Kodály, recopiló cerca de 13.000 canciones y danzas húngaras, rumanas,

búlgaras, eslovacas, árabes y turcas, trabajo que se podría comparar con el que

en Roma en homenaje a su discípulo, Richard Nordraak, joven y talentoso compositor, desaparecido

prematuramente, que fue ejemplo y modelo para él.

113

realizaron, Héctor Villa Lobos (1887-1959) en Brasil, George Gershwin (1898-

1937) en Estados Unidos y Carlos Chavez (1899-1978) en México210

.

Compositor muy particular (rechazado radicalmente por los denominados

“puristas” y “exquisitos” de la música), eminente pianista y director de orquesta

quién goza de envidiable popularidad y demanda en todos los centros musicales

del mundo, es el ruso Sergio Rachmaninoff (1873-1943), que sin ser un

modernista en el sentido cabal de la expresión es un romántico sentimental en

pleno siglo XX. Concluyó sus estudios con altos honores en el Conservatorio de

Moscú en 1892, en la clase de piano de Siloti, contrapunto y fuga con Taneiev y

composición con Arensky. Su ópera en un acto, Aleko, le hizo acreedor de la

“medalla de oro”, producida con gran éxito en el Teatro Bolshoi en 1893. Fue

director de orquesta de la ópera de Marmontov y director del Bolshoi de 1904 a

1906. Viajo por todo el mundo como gran pianista. Su obra para piano, difícil,

efectiva y admirablemente bien escrita, es honrada por todos los grandes

ejecutantes así como sus Sinfonías y Conciertos para piano por todos los

directores de orquesta sin distingos de nacionalidad. Su obra comprende, entre

otras cosas: 3 Sinfonías; los poemas sinfónicos, La Isla de los Muertos y La

Roca; 3 Danzas Sinfónicas; 4 Conciertos para piano y orquesta; Rapsodia sobre

un Tema de Paganini, para piano y orquesta, etc. Música de cámara: 2 Suites

para dos pianos; Romanza y Danza Húngara para violín y piano; Sonata para

Violonchelo y piano, etc. Para piano: 6 Momentos musicales Op. 16; Variaciones

sobre un tema de Chopin, Op. 22; 2 Sonatas, Ops. 28 y 36; 2 Ciclos de Preludios

(1903 y 1910); 3 Ciclos de Etudes-Tableau, Op. 33 y 39; Variaciones sobre un

tema de Corelli, Op. 42; Piezas para 4 manos, una serie de Transcripciones, etc.

Para voces: Serie de Canciones; 6 Coros; Liturgia de San Juan Crisóstomo;

Misa de tarde; Primavera cantata para barítono, coro y orquesta; Las Campanas

(basado en un poema de Poe) cantata para solistas, coro y orquesta; Cantos

populares rusos, etc., tres óperas: Aleko (basada en Pushkin), El Caballero avaro

(basada también en Pushkin) y Francesca da Rimini. En Rusia se ha creado un

Concurso Internacional de piano Sergio Rachmaninoff, pese a que su música, al

ser tildada de “burguesa” durante el régimen socialista fue totalmente prohibida

de ejecutarse durante muchos años.

Valga la ocasión para señalar que es verdaderamente sorprendente que dos

rusos, con raíces culturales de igual procedencia, influenciados prácticamente por

los mismos maestros, entre ellos Glinka, Rimsky Korsakov y Mussorgsky, con

una impecable y muy semejante preparación académica, casi coetáneos y

contemporáneos entre si (con apenas 9 años de diferencia), como son

Rachmaninoff e Igor Stravinsky, hayan resultado tan radicalmente distantes en

sus respectivos idiomas y conceptos creativos.

En nuestro continente, particularmente en Iberoamérica, salvo honrosas

excepciones, el acervo musical está terminando su etapa nacionalista, lo que en

Europa fue superado casi una centuria atrás. El mayor baluarte de la Escuela

210

El compositor checoslovaco Leos Janácek (1854-1928) tan original y audaz, había realizado un

trabajo semejante con el folclor moravo treinta años antes. Su arte de vanguardia, en base a un sistema

armónico muy personal, pertenece en realidad al siglo XX.

114

Nacionalista en América, es el ya mencionado brasileño Heitor Villa Lobos211

(1887-1959). (Ver biografía más adelante)

El Impresionismo:

La expresión “impresionismo” nació de una ocurrencia crítica periodística

(Louis Leroy), con la finalidad explícita de ridiculizar un cuadro de Manet, que

representaba un amanecer, que el pintor le había puesto por título Impresión.

Surge de ahí uno de los movimientos más importantes y originales de la historia

del arte y sin duda el más importante de Francia en los últimos cien años. El

movimiento, que tuvo lugar en París a finales del siglo XIX, no era otra cosa que

una reacción natural contra los principios de la pintura clásica, romántica y

realista, una rebeldía contra la academia, contra el arte oficial de los salones, a la

vez que una atracción irresistible por el aire libre, la luz, el sol y sobretodo por un

nuevo concepto y estilo pictórico que terminó por conocerse como

Impresionismo.

Aunque el origen del movimiento es el arte pictórico, sus enfoques y

novísimos postulados estéticos no se hicieron esperar en la música y así el

derroche de colores se transformó en el multitonalismo armónico rompiendo

drásticamente con los principios tradicionales de la ciencia de la armonía

mientras que la liberación de peso, densidad y solidez de los cuerpos se tradujo

en una polirítmia serena y ligera, a la vez que la mera sugerencia de los objetos a

través de manchas multicolores se muestran musicalmente en combinaciones

sonoras brumosas y opacas dando lugar a imágenes delicadamente borrosas con

melodías estáticas y armonías difuminantes cual formas etéreas en constante

evolución y cambio.

Los mayores baluartes del impresionismo musical son los franceses,

Claude Debussy (1862-1918) y Maurice Ravel (1875-1937)212

, ambos

consumados e inspirados maestros, particular-mente en el arte de la

instrumentación y orquestación, así como grandes entre los mayores

compositores de la historia. Aunque ambos constituyen las dos grandes figuras

del impresionismo y de la creación musical de comienzos del siglo XX, Debussy

y Ravel son, en el fondo, dos compositores con diferencias muy marcadas y

precisas. En efecto, “lo que en Debussy son contornos etéreos, en Ravel es línea

precisa, cincelada, casi clásica; lo que en Debussy es surco en el agua,

ondulación, niebla, es en Ravel transparencia, desnudez, piedra labrada; y si

Debussy es un poeta, Ravel es un epigramista, un mago, o, como decía

Stravinsky, “un relojero suizo”. Por otro lado, “si Debussy es el gran

211

Para información biográfica ver Música en América poco más adelante. 212

Musicalmente hablando las obras de estos compositores responden a progresiones armónicas muy

coloristas, rodeadas de una particular penumbra sonora, que no es otra cosa que el resultado del uso de

ciertos acordes, intervalos de quintas o cuartas paralelas y consecutivas, enriquecidas por melodías

estáticas, sin momentos culminantes, rodeadas de una combinación de sonidos muy particulares y

originales. Aunque Debussy rechazó siempre el término, su obra se transformó de inmediato en el

impresionismo musical por antonomasia. En su música, los matices (nuances) reemplazan las

exposiciones explícitas y la sugerencia toma el lugar de cualquier declaración clara y tajante.

115

revolucionario de la forma y la armonía, Ravel es el orquestador más formidable

del siglo”213

. (Ver ambos, en Breves Biografías, más adelante).

Es interesante observar que los compositores franceses resistieron la

influencia musical del sinfonismo germánico con las ideas del movimiento

impresionista, genuinamente francés, sin tener que recurrir a elementos

vernaculares de última hora, como los llamados compositores nacionalistas.

Otros compositores impresionistas

Hacen parte también del espíritu impresionista: el francés Paul Dukas

(1865-1935) tan conocido por su poema sinfónico El aprendiz a Brujo y su ópera

Ariana y Barba Azul; los españoles Isaac Albeniz (1860-1909), particularmente

interesante por la Suite Iberia para piano, la obra para piano más importante

creada en España; Enrique Granados (1867-1916) con la ópera Goyescas y sus

Piezas para piano; Manuel de Falla214

(1876-1946) con los ballets El Amor

Brujo y El Sombrero de Tres Picos así como la extensa Fantasía Bética para

piano y Noche en los Jardines de España para piano y orquesta; por último

Federico Mompou (1893-1987) con sus delicadas miniaturas para piano y la

Suite campostelana para guitarra; el inglés Frederick Delius (1862-1934) de

raíces alemanas, autor de una vasta obra, entre la que se destacan sus Poemas

sinfónicos; el ruso Alexander Scriabin215

(1872-1915) con su famoso “acorde

místico”, personalidad interesante y a veces desconcertante, por las armonías y

los conceptos avanzados de su obra que la hacen pertenecer por entero al siglo

XX, pese a haber fallecido en 1915. Basta constatar la diferencia radical que hay

entre sus 12 Estudios Op. 8 y los 8 Estudios Op. 42, o Op. 49, Op. 56 y los tres

Op. 65, así como el adelanto armónico que demuestra en cada una de sus Sonatas

para piano y sus poemas sinfónicos; y el italiano Ottorino Respighi (1889-

1936), conocido más bien por sus poemas sinfónicos, Los Pinos de Roma, Las

Fuentes de Roma y Los Pájaros, obra, esta última, inspirada en una pintura de

Botticelli. Que duda cabe de que el emblemático compositor iberoamericano,

Heitor Villalobos, se expresa también dentro de un idioma con fuerte sabor

impresionista sazonado con la rítmica y el colorido exótico de la húmeda y

misteriosa selva tropical.

El grupo de los seis

Inmediatamente después de la primera conflagración mundial la nueva

creación musical, y artística en general, esgrime su tradicional pujanza en París.

Dentro de esa espléndida efervescencia de nuevos talentos, se consolidó, en la

213

Luis Ignacio Helguera, La Música Contemporánea, Tercer Milenio, Consejo Nacional para la

Cultura y las Artes, primera edición, México, 1997. 214

De Falla es muy conocido también por sus óperas La Vida Breve, El Retablo de Maese Pedro (para

títeres), el Concierto para clavicémbalo y orquesta de cámara y las Siete Canciones populares españolas. 215

Algo semejante se puede decir de Erik Satie que nace en 1866, seis años antes que Scriabin, aunque

le sobrevive diez años.

116

propia capital francesa, una reacción contra los postulados impresionistas,

preconizada por lo que se llamó el “grupo de los seis”, constituido por:

Germaine Tailleferre (1892-1983), Luis Durey (1888-1979), George Auric

(1899-1983), Arthur Honegger (1892-1955), Francis Poulenc (1899-1963) y

Darius Milhaud (1892-1974).

Este grupo de compositores respondió, en un principio, a los originales

conceptos enunciados por el iconoclasta Erik Satie216

(1866-1925), personalidad

bohemia e irreverente, típica de la belle epoque, figura señera de la escuela

francesa moderna de composición, alrededor de la cual se reunieron los llamados

“nueva juventud”, origen del “grupo de los seis” creado en 1920.

De este grupo los mas significativos han sido: Honegger, Poulenc y

Milhaud.

Arthur Honegger217

, es autor de una obra sobria, poderosa, bien

construida, entre ella, el salmo dramático en forma de oratorio con recitativo, El

Rey David (1921); Pacific 231 inspirada en una locomotora de factura

estadounidense (1923), el Movimiento Sinfónico (1924), el Concertino para

piano y orquesta (1924); los oratorios Judith (1925) Juana de Arco en la hoguera

(1935) La danza de los muertos (1938), etc., el drama lírico Antígona con texto

de Jean Cocteau; 5 Sinfonías, con rico colorido orquestal, entre ellas la

impresionante Sinfonía Litúrgica (1946); Edipo Rey, música incidental para la

obra homónima de Sófocles (1952) y su última obra, Una Cantata de Navidad

(1953) para barítono, voces blancas, coro mixto, órgano y orquesta. Durante la

última guerra mundial Honegger fue profesor de composición en la Escuela

Normal de Música de París.

El parisino, Francis Poulenc, radicalmente opuesto a Honegger en estilo,

y que con ciertas obras bien podría encuadrarse dentro de una quasi música de

salón neo clásica, con armonías politonales, graciosas y agradables, a veces

triviales, como sus piezas para piano, Mouvements perpetuels (1918) o el Presto,

dedicado a su amigo y gran pianista Vladimir Horowitz. Más interesantes son,

sus Canciones, la Misa en sol (1937), Cuatro Motetes (1939), la Gran Sonata

para dos pianos en cuatro movimientos (1953); el Stabat Mater (1951) sus

óperas, El Diálogo de los Carmelitas (1956) con texto de Bernanos y La voz

humana (1958), la Sonata para flauta y piano (1957), el Gloria (1960) etc. Otras

obras conocidas son: Concierto para dos pianos y orquesta (1932), el Concierto

para órgano y orquesta (1938), la Sonata para oboe y piano, etc. Poulenc gozó

del don excepcional de la melodía que siempre sobresale sin dificultad tanto en

su obra vocal como instrumental.

El más celebrado y flexible del grupo, haciendo uso de ritmos

latinoamericanos de Cuba y Brasil como del jazz estadounidense, ha sido Darius

Milhaud. Provenzal de nacimiento, discípulo de Gedalge, d´Indy, Dukas y

216

Satie, pianista del cabaret El Gato Negro (Chat Noir) en París, entronizó la estética del music-hall. Fue

alumno tanto de d´Indy como de Roussel. 217

Es interesante su pequeño libro, Yo soy compositor, versión castellana publicada en Ricordi

Americana, Buenos Aires, 1952, en el que comenta sus experiencias como compositor.

117

Widor, autor de una extensa obra, que siempre le surgió con excepcional

facilidad, abarca todos los géneros musicales en diferentes estilos, incursionando,

inclusive, por las más diversas innovaciones del siglo XX: 15 Sinfonías, la Suite

Proteo (1918), 24 Conciertos para diferentes instrumentos solistas con orquesta;

más de 150 Canciones, 18 Cuartetos para cuerdas, los ballets: El Toro sobre el

Tejado (1919) con texto de Jean Cocteau, La Creación del Mundo (1923) de

ambiente negro africano y jazz218

como idioma musical, adelantándose un año a

Rapsodia en blue de Gershwin; sus óperas y mini-óperas, Agamenón, Las

Coéforas, Europa, Ariadna, Thesus, Las desdichas de Orfeo, Medea,

Maximiliano, Bolívar, David (en cinco actos), El Pobre Marinero, etc., y la más

ambiciosa de todas con texto de Paul Claudel, Cristóbal Colón de 1928. Son

también muy conocidas sus Suite provenzal (1936) y Suite Francesa (1944), la

Obertura Filarmónica (una de las varias obras encomendadas por la Filarmónica

de Nueva York para la inauguración del Lincoln Center for the Performing Arts),

Asesinato de un Gran Jefe de Estado (obra encomendada por la Sinfónica de

Oakland en conmemoración al asesinado presidente John F. Kennedy) para

orquesta; la suite Scaramouche (1937) para dos pianos así como su obra para

piano solo, Saudades do Brasil (1921). A Milhaud le interesó particularmente la

obra para gran orquesta tanto como las composiciones de carácter religioso, entre

las que figuran, Servicio Sagrado para el Sábado (1947) y lo que es más

admirable aún, Pacem in Terris, de 1963, sobre la Encíclica del Papa Juan XXIII,

a pesar de su ascendencia judía. Ha sido también un excelente maestro de

composición en el Conservatorio Superior de Música de París, pese a sufrir de

una violenta artritis que le obligó a permanecer durante varios años en una silla

de ruedas lo cual no fue óbice para dirigir sus obras con grandes orquestas tanto

de Europa como de Estados Unidos en su calidad de director invitado.

Nuevos estilos

Es propio, dentro del decorrer de la historia del arte en general, que tan

pronto un concepto y estilo creado alcanza su pleno desarrollo, aparezca otro,

innovador y opuesto, que eventualmente ocupará su lugar, con la única diferencia

de que en los últimos años estos cambios se producen con mayor rapidez, como

en todos los aspectos de la ciencia y la tecnología. Así vemos que el concepto

impresionista, con todos sus postulados innovadores es reemplazado por el

concepto expresionista en poco menos de medio siglo. Aún así es evidente que

cada nuevo estilo conlleva permanentemente micro elementos de estilos

anteriores enriqueciéndose intermitentemente unos a otros aunque pasan

desapercibidos para los oídos no iniciados.

218

Milhaud quedó impactado con las sesiones de jazz que escuchó en Londres, en 1920, y en Harlem en

l922 donde escuchó el auténtico jazz de Nueva Orleans, lo que constituyó una “verdadera revelación”,

para él, según sus propias palabras.

118

BREVES BIOGRAFÍAS

Franz Schubert (1797-1828)

119

Compositor austriaco.219

Nació y murió en Viena, ciudad en la que pasó la mayor

parte de su vida. En su corta como simple existencia (fue siempre pobre) tuvo

pocos reconocimientos sin haber ocupado nunca una posición oficial importante,

semejante a lo que le sucedió a Mozart. Pese haber sido un alma sencilla y

tímida su obra es sorprendentemente madura desde temprana edad. Escribió un

poco más de 600 canciones artísticas o lieder (entre ellas: el Ave María y la

célebre Serenata) con letra de grandes poetas como Goethe, Heine, Klopstock,

Novalis, Ossian, Petrarca, Schiller, Shakespeare y Walter Scott, entre otros. La

mayoría de dichas canciones están agrupadas en ciclos entre los que son

particularmente conocidos, La Bella Molinera y La Jornada de Invierno; el ciclo

intitulado Schwanengesang o Canto del cisne no es original del autor; responde a

la decisión de su editor vienes, Haslinger, de reunir arbitrariamente en una sola

publicación todas las canciones inéditas encontradas después de la muerte del

compositor. Schubert es considerado el mayor compositor de este género, aunque

escribió también obras para diferentes instrumentos y géneros. Entre sus

composiciones para piano sobresalen las 21 Sonatas, las Danzas (unas 300), los 6

Momentos musicales, las Escocesas, los 4 Impromtus Op. 90220

y los 4

Impromtus Op. 142, 47 Marchas, Fantasías entre ellas la Fantasía Wanderer (El

Caminante), 10 Polonesas, Temas con variaciones, etc., así como su rica obra

para piano a 4 manos, entre la que sobresale la lírica Fantasía en fa menor. Su

Música de cámara es abundante: 2 Tríos con cuerdas y 4 Tríos con piano, 15

Cuartetos de cuerdas, Quintetos (entre ellos los conocidos, La Trucha y La

Doncella y la Muerte), un Octeto, etc. Para orquesta dejó Oberturas, 10 Sinfonías

entre ellas la conocida como Inconclusa, (Incluyendo la llamada Sinfonía Gastein

cuya partitura permanece perdida)221

y diversas Marchas militares. Escribió

también, 6 Misas y diferentes obras de carácter religioso, entre ellas dos

Oratorios (Canto Triunfal de Miriam y Lázaro que quedó sin terminar. Entre sus

obras escénicas (15 Singspiele) está la ópera Rosamunda222

. Schubert, murió a la

temprana edad de 31años, y es junto a Mozart y Mendelssohn uno de los

compositores más prolíferos de la historia.

Luis Héctor Berlioz (1803-1869)

Compositor francés223

, hijo de un médico de Grenoble quien lo orientó en su

instrucción y cultura general. Dominó la guitarra y desde muy joven empezó a

219

La biografía de Schubert por George Marek puede encontrarse en Javier Vergara Editor S.A., México,

1986. 220

Se considera que fue el compositor checo (Bohemia) J. Vorzischek (1791-1825) quien introdujo el

Impromtu, como sinónimo de pieza lírica, en la literatura musical, con sus Impromtus Op. 7. 221

En 1825 Schubert escribió la Sinfonía Gastein (escrita en la ciudad de Gastein, Tirol) que sería la

octava, ordinal que ocupa en estos momentos la llamada Inacabada o Inconclusa. Se cree que el Gran

Dúo, Op. 140 para piano es un arreglo de la Gastein. 222

El musicólogo Alfred Einstein, en su libro sobre Schubert, cuenta que la partitura de su ópera más

bella, Claudine von Villa Bella fue usada, en 1848 por unos sirvientes, para encender un fuego y sólo se

salvó uno de sus tres actos. 223

Ver Berlioz de Hugh Macdonald, en Javier Vergara Editor S.A., Buenos Aires, 1989. Es recomendable

el ejemplar en gran formato dedicado a Héctor Berlioz lanzado por la revista de arte Argentina ARS,

1968, Nº 106, en el que participaron, con diversos artículos, distinguidas personalidades del arte y de la

música.

120

componer para pequeños grupos de cámara. Fue a París en 1821 para hacer

estudios de medicina los que interrumpió para dedicarse de lleno a la música que

dio como resultado una ruptura con su familia. Alumno de Lesueur, Reicha y

Cherubini, progresó con sorprendente rapidez al punto de escribir, en poco

tiempo, su Misa de San Roque. Estudió asiduamente, según sus propias palabras,

las partituras de Weber y Beethoven. En 1830 se apasionó por la actriz inglesa

Harriet Smithson que gozaba de gran cartel en París; ese mismo año compone la

Sinfonía Fantástica que estrenará en diciembre de ese año. Acto seguido parte a

Italia con el Prix de Rome (Premio de Roma) que se había adjudicado por su obra

Sardanápalo. Regresó a París en 1832, con los manuscritos de La Captive, Lelio

(que haría parte de la nueva versión de su Sinfonía Fantástica) y las oberturas El

Rey Lear, Rob Roy y El Corsario. Ese mismo año contrae matrimonio con la

Smithson con quien no será nada feliz. De 1834 a 1840 realiza una rica

producción que comprende, entre otras obras: Haroldo en Italia (1834) para viola

y orquesta224

, Gran Misa de Muertos (1837), la gran ópera Benvenuto Cellini, la

Sinfonía Fúnebre y Triunfal, Op. 15; la sinfonía con coros Romeo y Julieta Op.

17 (1839), algunas Cantatas y Canciones, el Tedeum Op. 22 obra monumental

para tenor, tres coros, orquesta, banda de metales y órgano; así como la leyenda

dramática La Condenación de Fausto, Op. 24 (1846), etc. En 1837 hace crítica

musical para la Revue et Gazette Musicale, demostrando gran capacidad en el

oficio; Saint Saëns lo consideró el “primer crítico musical de su época”. En 1844

publica su célebre Tratado de Instrumentación y Orquestación moderna, al que

añadió luego como suplemento, El Director de Orquesta. En 1847 hizo un viaje a

Rusia donde fue muy bien recibido. En 1852 fue nombrado bibliotecario del

Conservatorio de París, lo que le brindó la oportunidad de estudiar las partituras

de los grandes maestros lo que constituyó la fuente principal de su instrucción

musical, según declara en sus Memorias225

. En 1855 contrajo nuevas nupcias

con la cantante Martín Recio, quien le dio un hijo que murió en un naufragio. Al

morir su esposa, y poco después su hijo (1865), su vida se transformó en una

agonía de soledad y abandono. Dos años después hizo un segundo viaje a Rusia

donde lo esperaba “el grupo de los Cinco”. Berilos murió en París en 1869. Otras

obras importantes son, el oratorio La Infancia de Cristo, Op. 25 (1854); El

Carnaval Romano; la gigantesca ópera, en dos partes, Los Troyanos226

y Los

Troyanos en Cartago, que le tomó tres largos años, y por último la ópera cómica

Beatriz y Benedicto, inspirada en la obra de Shakespeare, Much Ado about

Nothing (Mucho ruido y pocas nueces), cuya primera audición, bajo su dirección,

tuvo lugar en el año 62. Viajó reiteradas veces por Alemania, Rusia, e Inglaterra

224

Obra encomendada, ni más ni menos que por Paganini, quién esperaba, en realidad, un Concierto para

violín, por la que pagó la sorprendente suma de 20.000 francos oro. 225

Existe una excelente versión castellana en Editorial Schapire, Buenos Aires, Argentina, 1945. 226

Inspirada en La Eneida de Virgilio y cuya primera presentación integral sólo se realizó en Alemania en

1890. Es interesante tener presente que la Revolución francesa creó una reacción negativa de cara al

género operístico, que recordaba a los revolucionarios el “antiguo régimen”, dando lugar a la creación de

himnos cívicos con los cuales colaboraron Méhul, Gossec, Leseur, Catel y otros. En 1792 Rouget de

l´Isle, militar de formación y músico aficionado, hallándose en Estrasburgo escribió el “Canto para el

Ejército del Rin, en 1792, marcha vigorosa y enaltecedora, conocida como La Marsellesa, actual himno

de la República de Francia. De Lisle escribió después varias marchas y canciones como La Revolución

del 9 Thermidor.

121

donde fue aclamado triunfalmente, en contraste con Francia donde el público le

fue indiferente y hostil por muchos años. Su aportación a la música sinfónica ha

sido significativa: fue el creador de la idée fixe (idea fija) como elemento

dramático y estructural; enriqueció el arte de la instrumentación y fue el artífice

de la formulación del programa sinfónico. La Sinfonía Fantástica escrita a sólo

tres años de la desaparición de Beethoven, trajo consigo muchos elementos que

se constituirán en un patrimonio del arte sinfónico del siglo XIX.

Félix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847)

Compositor alemán227

, excelente pianista, organista y director de orquesta. Fue

un hombre de gran talante y personalidad, miembro de una familia acaudalada y

de intelectuales, residentes en Berlín. Fue hijo de un culto y próspero banquero.

Su abuelo Moisés Mendelssohn, filósofo prestigioso, es autor de una clásica

traducción al alemán del Pentateuco en la que aparece la más antigua descripción

autorizada de los instrumentos musicales judíos. Fue director del Conservatorio

de Leipzig en 1843, excelente aficionado al dibujo y niño prodigio, tanto en la

composición como en la ejecución del piano. A la edad de 17 años compuso su

célebre obertura Sueño de una Noche de Verano, inspirada en la obra homónima

de Shakespeare228

. Viajó mucho, particularmente a Inglaterra, país que constituyó

su segunda patria y en donde fue ampliamente aplaudido. Su obra para piano es

vasta: 48 Canciones sin Palabras, 2 Conciertos, y varias otras obras con

orquesta, 6 Preludios y Fugas, Andante y Rondo Caprichoso, Temas con

Variaciones (entre ellos las magníficas Variaciones Serias), Sonatas, Scherzos,

Piezas Infantiles. 3 Caprichos, 7 Piezas Características, etc., 2 Conciertos para

dos pianos y orquesta, etc; Para orquesta escribió 5 Sinfonías, algunas con títulos

como Primavera, La Escocesa, La Italiana229

, La Reformación, además de las 15

Sinfonías para cuerdas, que datan de su juventud, Oberturas (entre ellas la ya

mencionada Sueño de una Noche de Verano, así como Las Hébridas o La Cueva

de Fingal), un conocidísimo Concierto para violín en mi menor; abundante como

excelente música de cámara entre Tríos, Cuartetos, Quintetos, Sexteto con piano,

Octeto, etc. Para órgano escribió importantes Sonatas y Conciertos,

infundiéndole una nueva presencia al “instrumento rey” un tanto olvidado desde

el período barroco. Entre sus oratorios son conocidos, San Pablo (1834) y Elías

(1846). Escribió así mismo, Salmos, Música escénica o Incidental para Antígona,

Edipo en Colona, Athalie; La Primera noche de Walpurgis, obra maestra con

texto de Goethe, etc., y más de 70 Canciones (Lieder), con textos de diferentes

poetas alemanes. Mendelssohn fue gran amigo de Goethe, Chopin, Liszt,

Auber, Rossini y Meyerbeer. Fue director de la prestigiosa Orquesta de

Gewandhaus de Leipzig (creada en 1781), con la que presentó, en 1829, en

primera audición pública, la Pasión Según San Mateo de Bach, así como la

227

En la Editorial Schapire S.R.L., colección “Los Grandes Músicos, se encuentra la versión castellana de

la obra de Stephen S. Stratton, Mendelssohn, su vida y su obra, Buenos Aires, 1960. 228

Mendelssohn amplió la obra más adelante añadiéndole, entre otras partes, la célebre Marcha nupcial

que ha servido de fondo musical a millones de parejas en su ceremonia matrimonial. 229

De las sinfonías de Mendelssohn la Escocesa y la Italiana son las que gozan de mayor popularidad.

122

primera audición de la Sinfonía en do de Schubert. En 1837 contrajo matrimonio

con Cécile Jeanrenaud, de ascendencia hugonote, bella y elegante mujer que le

dio varios hijos. En 1843 inauguró y dirigió el Conservatorio de Leipzig. La

muerte de su hermana Fanny, en 1847, le afectó profundamente y falleció pocos

meses después.

Roberto Schumann (1810-1856)

Compositor alemán230

. En 1832 fue obligado a abandonar la carrera de pianista

por haber sufrido parálisis en el tercer dedo (y no en el cuarto como siempre se

repite) de la mano derecha. Hizo estudios de filosofía y leyes. Después de mucha

oposición por parte de su futuro suegro, el profesor de piano Friedrich Wieck

(1785-1873) contrajo matrimonio con su hija la gran pianista Clara Wieck231

en

1840, constituyendo un matrimonio amoroso, fértil e inmensamente feliz. En

1854 tuvo que ser hospitalizado en un sanatorio de enfermos mentales en donde

murió. Su obra para piano es una de las más conceptuadas de todo el repertorio,

entre las que se conocen mucho: Variaciones Op. 1, Papillons Op. 2, Estudios

sobre un tema de Paganini, Op. 3, Variaciones sobre un tema de Clara

Schumann, Op. 5, Las Danzas de David, Op. 6, Tocata Op. 7, Allegro en si

menor Op. 8, Carnaval Op. 9, Estudios sobre Caprichos de Paganini, Op. 10,

Sonata en fa sostenido Op. 11, 8 Piezas de Fantasía Op. 12, Estudios Sinfónicos

Op. 13, Escenas Infantiles Op. 15, Kreisleriana Op. 16, Fantasía en do Op. 17,

Arabesca Op. 18, Hojas de Album Op. 19, Humoresque Op. 20, Noveletas Op.

21, Sonata en sol menor Op. 22, Visiones Nocturnas Op. 23, Carnaval de Viena

Op. 26, Escenas del Bosque Op. 82, Andante con Variaciones para dos pianos,

Album para la Juventud, etc. Para Orquesta: 4 Sinfonías (Primavera, Renana,

Manfredo), Concierto para piano en la menor Op. 54, Concierto para violín y

orquesta (ejecutado por primera vez en 1937), Concierto para violonchelo y

orquesta, etc. Música incidental para el Manfredo de Byron y Fausto de Goethe,

etc. Música de cámara: 3 Tríos, 3 Cuartetos de cuerdas, Cuarteto con piano,

Quinteto con piano, etc. Unas 138 canciones, género en el que se le considera

sucesor de Schubert con muy importantes ciclos, tales como: Amores del Poeta

y Vida y Amor de Mujer. Música escénica: La cantata, El Paraíso y la Peri, El

Peregrinaje y la Rosa, así como la ópera Genoveva en la que, semejante a

Wagner, empleó intensamente el leitmotiv. Schumann fue también excelente

crítico musical y ensayista de calidad para los que usó diferentes seudónimos,

como Florestan, Eusebio y Maestro Raro. Escribió un interesante opúsculo

intitulado Consejos Musicales para la Juventud232

, así como una colección de

piezas cortas para piano que denominó Piezas para la Juventud. La obra para

piano de Schumann es, sin lugar a dudas, una de las más cotizadas dentro de la

mejor literatura pianística.

230

La versión castellana de la biografía de Schumann, por Ronald Taylor, ha sido editada por Javier

Vergara Editor S.A., Buenos Aires, 1987. 231

Además de gran pianista Clara fue una apreciable compositora. Son conocidas sus Canciones, el

Concierto para piano y orquesta Op. 7, los 3 Preludios y Fugas Op. 16, el Trío Op. 17 y las Variaciones

sobre un tema de Schumann Op.20. 232

Schumann, Consejo a los jóvenes estudiantes de música, Ricordi Americana, Buenos Aires, 1957.

123

Frederic Francois Chopin (1810-1849)

Compositor polaco233

y gran pianista, aunque según él mismo confesaba,

contrario a Liszt, el escenario prácticamente lo petrificaba. Hizo sus estudios en

Varsovia y a partir de 1831 residió permanentemente en París. Su vida estuvo

muy ligada a la excéntrica novelista francesa George Sand234

(cuyo nombre real

es Aurore Dudevant) relación que duró casi 11 años y que lo marcó

profundamente. Fue un excelente músico, muy severo desde el punto de vista

creación e interpretación, así como bastante retraído socialmente hablando,

aunque como hombre fino y de buen gusto fue siempre admirado y acogido con

entusiasmo en los salones más elegantes de París. Su obra, casi exclusivamente

para piano, comprende: Berceuse, Preludios, 21 Nocturnos, 12 Estudios Op. 10 y

12 Estudios Op. 25, 3 Estudios independientes, 3 Sonatas (en la segunda de las

cuales está la conocida Marcha Fúnebre, como tercer movimiento), 19 Valses, 3

Escocesas, 15 Polonesas, 4 Scherzos, 51 Mazurkas, 4 Baladas, Barcarola, 4

Impromtus, 2 Conciertos para piano y orquesta, las variaciones La ci darem la

mano, para piano y orquesta; varios Rondós (uno en Do Mayor para 2 pianos).

Menos conocidas son la Sonata para violonchelo y piano, el Trío para violín,

violonchelo y piano así como sus Canciones polacas arregladas por Liszt para

piano solo. Mientras Schumann utilizó títulos extra musicales para sus obras de

piano (carnaval, escenas infantiles, escenas del bosque, papillon, carnaval de

Viena, kreisleriana, etc), Chopin usaba términos que describen el tipo de

composición, como, polonesa, rondó, scherzo, mazurka, preludio, estudio,

nocturno, balada, impromtu, etc. Murió de tuberculosis pulmonar en París a la

temprana edad de 39 años. Su funeral constituyó un multitudinario

acontecimiento artístico y social, celebrado en la Iglesia de la Madelaine de

París. Según su deseo su corazón fue trasladado a Polonia y reposa en la iglesia

de la Santa Cruz de Varsovia. Semejante a Bellini fue un extraordinario creador

de bellas melodías. Por otro lado su novedosa técnica pianística así como sus

originales efectos sonoros, influenciaron poderosamente, junto con la obra de

Liszt, toda la literatura del piano de la segunda mitad del siglo XIX y parte del

siguiente. Su obra pianística es probablemente, dentro del repertorio del piano, la

más ejecutada en las salas de conciertos.

Franz Liszt (1811-1886)

Compositor húngaro235

excepcional pianista y personalidad. Su padre, intendente

de los dominios del príncipe Esterhazy, excelente melómano, le inició en el

233

La versión castellana de la conocida biografía de Chopin por el musicólogo francés Bernard Gavoty se

encuentra en Javier Vergara Editor S.A., Buenos Aires, 1987. 234

Ver Gorge Sand, Historia de mi Vida, Compañía General Fabril Editora, Buenos Aires, 1960. El relato

de George Sand sobre su viaje a Mallorca con Chopin, Un Invierno en Mallorca, escrito en 1855, está

traducido al castellano y publicado en Ediciones La Cartuja, Palma de Mallorca, España, 1975. 235

La biografía de Franz Liszt de Alan Walker, en tres volúmenes, publicada por la Cornel University

Press, Ithaca, Nueva York, está entre lo más completo que se ha escrito hasta hoy sobre el compositor y

su obra.

124

piano. Extraordinario niño prodigio, alumno de Czerny y personaje muy

considerado desde joven en los mayores centros artísticos e intelectuales de

Europa. Desde sus 15 años se le consideró el mayor pianista del siglo. Con una

inmensa capacidad de trabajo, después de una vida plena de triunfos, homenajes

y apasionadas aventuras amorosas, en 1865 tomó hábitos menores y se alejó de la

vida social y artística. Ayudó generosamente, en la medida de sus posibilidades,

a muchos compositores, entre ellos, Schubert, Saint-Saëns, Wagner, Grieg,

Delius, y Berlioz. Siendo director musical de la corte, entre 1848 y 1858, hizo de

la ciudad de Weimar un centro artístico significativo, centro que continuó

visitando anualmente, aún después de su retiro como virtuoso, para atender las

clases de perfeccionamiento pianístico de los numerosos alumnos que le llegaban

de todos los países, inclusive de América. En 1861 se instaló en la ciudad de

Roma. En 1871 el Gobierno Húngaro lo honró con el título de Consejero real.

En 1873 se celebró en Budapest el cincuentenario de su excepcional carrera

artística y dos años después fue nombrado presidente de la Academia de Música

Húngara creada aquel mismo año. En julio de 1886 se trasladó a Bayreuth para

asistir a una de las representaciones de las óperas de Wagner236

donde, después

de un enfriamiento que coge en el tren en que viajaba, contrajo una enfermedad

mortal y muere ocho días después. Fue enterrado en el cementerio de Bayreuth.

Liszt es, junto con Berlioz, el creador del Poema Sinfónico (Los Preludios,

Orfeo, Hamlet, Sinfonía Dante, Fausto, etc.) su obra para piano, muy prolífera,

comprende, entre otras cosas: la Sonata en si menor, 12 Estudios

Trascendentales, 6 Grandes Estudios de Concierto, 6 Grandes Estudios de

Paganini, Fantasía quasi Sonata, Armonías Poéticas y Religiosas, Años de

Peregrinaje, 20 Rapsodias Húngaras, 6 Consolaciones, 12 Cuadernos de

Ejercicios técnicos, 3 Nocturnos (originales para voz y piano, entre los cuales es

particularmente conocido el llamado Sueño de Amor), 3 Valses de Mefisto, 3

Sonetos de Petrarca, Gran cantidad de Transcripciones y paráfrasis, de obras de

otros compositores, tanto de arias operísticas como de canciones; el Concierto

Patético y Fantasías para 2 pianos, etc., Misas, Oratorios (Santa Isabel y Cristo,

una de sus grandes obras corales); más de 70 Canciones (con texto en francés,

alemán, italiano, húngaro e inglés), dos Conciertos para piano y orquesta, etc.

Aunque tuvo una vida sentimental agitada, solo dos mujeres tuvieron particular

importancia para él: la escritora francesa “Daniel Stern” cuyo nombre real es

Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, quien le dio tres hijos (Daniel (1839-

1859), Blandine (1833-1863) y Cósima (1837-1930), y la princesa Carolyna

Sayn Wittgenstein, cuyo nombre de soltera es Carolyna Ivanovska, con quien no

pudo desposarse por impedimento explícito del Vaticano. La obra pianística de

Liszt hace gala de un virtuosismo nunca alcanzado hasta entonces, y su

cromatismo237

armónico influenció a muchos compositores entre ellos al propio

Wagner238

y al ruso Scriabin.

236

RicardoWagner fue casado con Cósima, hija de Liszt, quien fue a su vez casada en primeras nupcias

con el pianista Hans von Bulow, también célebre director de orquesta. Cósima dejó un interesante diario

publicado por vez primera hace apenas 20 años. 237

No obstante el cromatismo no es exactamente un descubrimiento de los compositores del siglo XIX.

Se sabe que en la música de la antigua Grecia el cromatismo constituyó un elemento importante, aunque

después fue poco utilizado en las composiciones de la Edad Media, probablemente por el

125

Richard Wagner (1813-1883)

Compositor alemán239

dedicado casi exclusivamente al drama musical (ópera),

género en el cual no tuvo paralelo en su país. El mismo, además de la partitura

musical, escribió sus libretos y creó su propia escenografía. Fue autor de diversos

ensayos sobre música y temas políticos, además de director de orquesta. Su

mecenas y protector, el excéntrico monarca, Luis II de Baviera, construyó un

Teatro en su honor, exclusivamente para la representación de sus dramas

musicales, en el que se llevan a cabo hasta hoy los célebres Festivales de

Bayreuth (Alemania). Sus óperas más conocidas240

, son: Rienzi, El Buque

Fantasma, Tannahäuser, Lohengrin, Tristán e Isolda (probablemente el drama

más intenso de Wagner, inspirado en una vieja leyenda celta, un poema de amor,

sufrimiento y muerte que anuncia la descomposición del sistema tonal clásico),

El Anillo del Nibelungo, tetralogía inspirada en leyendas nórdicas, que

comprende: El Oro del Rin, La Valkiria, Sigfrido y El Ocaso de los Dioses. Otras

de sus óperas, son, Los Maestros Cantores y Parsifal. De personalidad

compleja y muy controversial, fue el creador de lo que se denomina leitmotiv o

tema generador (reminiscencia temática, melódica, armónica o rítmica, con la

que se sugiere al oyente algo que no se ve, sea personaje, lugar o idea) así como

la llamada melodía infinita, que pareciera no tener cadencia final. La riqueza

plástica y el denso tejido armónico que caracteriza el estilo orquestal de Wagner,

marcó un hito profundo e importante en la historia de la música. Pocos

compositores han influenciado a las generaciones siguientes en forma tan

decisiva como Wagner. De 1849 a 1852 escribió una serie de ensayos y artículos,

entre ellos: Arte y Revolución (1849), La obra de Arte del futuro (1850), y el más

importante de todos Opera y Drama (1851), así como la diatriba El Judaísmo en

la Música. Existen además otros artículos241

cortos sobre Palestrina, Bach,

Haydn, Mozart, Gluck, Weber, Berlioz, etc.

desconocimiento, a la sazón, de un sistema exacto de afinación instrumental. De ahí que las notas no

diatónicas (a excepción del si bemol) en la Edad Media pertenecían a lo que se denominó música ficta, en

contraposición a la llamada música recta. Ejemplos de cromatismo muy anterior al siglo romántico, son

algunos madrigales de los italianos Constanzo Festa (c.1480-1545), Luca Marenzio (1553-1599), y

muy particularmente el príncipe de Venosa Carlo Gesualdo (ca.1561-1613) e inclusive el gran

Monteverdi. Otro tanto se puede decir de la espléndida Fantasía Cromática y Fuga de Bach. No sin

cierta razón se ha dicho que durante la Edad Media existió un arte cromático secreto. 238

Es interesante saber que el poema sinfónico Los Preludios, de Liszt, constituyó un modelo de

instrumentación para el propio Wagner desde la primera vez que vio la partitura. 239

La versión española de la enjundiosa biografía de Martin Gregor-Dellin, de Wagner, se encuentra

publicada en dos volúmenes, en Alianza Editorial, S.A., Madrid, 1983. La de Ronald Taylor, autor así

mismo de las biografías de Schumann y Liszt, se puede encontrar en Javier Vergara Editor S.A., Buenos

Aires, 1987. 240

Wagner dudó mucho sobre los temas que utilizaría en sus dramas, si históricos o mitológicos. Esbozó

algo sobre Federico I, e inclusive sobre Jesús de Nazareth. A la postre se decidió por la leyenda. 241

En nuestro idioma se han publicado varias colecciones, entre ellas: Escritos y Confesiones, con un

ensayo introductorio de Ernst Bloch, Editorial Labor, S.A., Barcelona, 1975; Novelas y Pensamientos

(Músicos, Filósofos y Poetas), F. Sempere y Comp., Editores traducción de Blasco Ibáñez, Valencia (sin

fecha); Correspondencia de Wagner-Liszt, Colección Austral Espasa Calpe, Argentina, 1947;

Epistolario a Matilde Wesendonk, Colección Austral, Espasa Calpe, S.A., Buenos Aires, 1947. Es

interesante el ensayo de Thomas Mann, intitulado Richard Wagner y la Música, publicado en Plaza &

126

Giuseppe Francesco Verdi (1813-1901)

Célebre compositor italiano242

de óperas, género en el que fue sorprendentemente

prolífero y tan importante como Wagner. Sus obras se llevan a escena en todos

los teatros de ópera del mundo, siempre con renovados éxitos. Entre sus óperas

tenemos: Nabucco, Macbeth, Rigoletto, El Trovador, La Traviata, Simón

Bocanegra, Baile de Máscara, La Fuerza del Destino, Don Carlos, Luisa Miller,

Aida, Otelo, Falstaff etc. Las dos últimas las escribió después de haber cumplido

70 años de edad. Escribió también un conocido Réquiem, en memoria del poeta

Manzoni; un Te Deum, un Stabat Mater, Laudi alla Vergine Maria, etc. así como

algunas obras instrumentales poco ejecutadas. Como representante típico de la

cultura italiana del siglo XIX Verdi fue un importante personaje histórico243

que

vivió apasionadamente los acontecimientos políticos de su época; llegó inclusive

a ser elegido diputado, posición que ocupó entre 1860 y 1865. Fue un artista muy

querido, admirado y honrado por sus contemporáneos y colegas. Murió en Milán

a la edad de 88 años colmado de gloria. Recordando las palabras de Lang,

podríamos decir que con Verdi, última gran figura de la ópera italiana, casi se

extingue el rico y noble linaje operístico que arrancó con Monteverdi y se

extendió con Puccini244

.

César Auguste Franck (1822-1890)

Compositor de origen belga245

y célebre organista. Fue niño prodigio y alumno

particular de Anton Reicha. En 1838 obtuvo el Primer Premio de Piano del

Conservatorio Nacional de Música de París, en las clases de Zimmermann; en

1839 el Segundo Premio de Contrapunto; en 1840 el Primer Premio de Fuga y en

1841 el Segundo Premio de Órgano. A partir de 1843 fijó residencia definitiva

en París. En 1872 sucedió a su maestro Benoit en la cátedra de órgano del

Conservatorio de París. Entre sus alumnos, quienes le apodaban el Pater

Seraphicus, sobresalen: Vincent d´Indy, Lekeu, Chausson, Bordes, Duparc246

y Pierné. Su obra comprende, entre otras, una conocida Sonata para violín y

piano, la Sinfonía en re menor, los oratorios: Ruth, La Torre de Babel y Las

Beatitudes; los Poemas Sinfónicos: El Cazador Maldito, Psyché, y Les Djins.

Janes Editores, S.A. Barcelona, 1986. Existe así mismo una bella edición castellana de las memorias del

compositor, intitulada Mi Vida, ricamente ilustrada, en Ediciones de Nuevo Arte Thor, Barcelona, 1977. 242

Ver biografía de Verdi, por George Martin publicada en Javier Vergara Editor, Buenos Aires, 1984. 243

Su propio nombre, Verdi, los realistas italianos lo utilizaron políticamente, en su lucha contra los

austriacos, con un significado muy particular: Victor Emanuel Rey De Italia, cuyas primeras letras de

cada palabra constituyen su apellido, a manera de acróstico. 244

La Música en la Civilización Occidental, de Henry Lang, EUDEBA, Buenos Aires, 1963, Pág. 731. 245

Existe traducción castellana de la breve biografía de Cesar Franck por Jean Clausse, publicada en

Espasa-Calpe, S.A. Madrid, 1980. 246

Henri Duparc (1848-1933) escribió 13 memorables canciones de concepciones wagnerianas, con

textos de diferentes poetas franceses, entre las que se distinguen particularmente, Soupir, Chanson Triste,

L´Invitation au voyage, Extase, La Vague et la Cloche, Phydilé y La Vie antérieure .

í

127

Composiciones para piano: 64 Piezas cortas, Preludio Aria y Final, Preludio

Coral y fuga, Preludio, Fuga y Variación, Variaciones Sinfónicas para piano y

orquesta; excelente música de cámara; importantes obras para órgano; música

sagrada; canciones, etc. Franck, aseguró, junto con Saint-Saens, el surgimiento

en Francia de la música sinfónica y de cámara, en un período en que lo que

predominaba era el teatro cantado (ópera). Su ejemplar vida de artista, sencilla y

modesta a la vez, pero exigente y muy profesional, así como la bondad que le

caracterizaba y su reconocida dedicación a los discípulos en las clases del

Conservatorio, le infundió a la música francesa un nuevo talante de seriedad y

profundidad, preparando en cierto modo las futuras conquistas de Debussy.

Anton Bruckner (1824-1896)

Compositor austriaco conocido fundamentalmente por sus sinfonías y obras de

carácter religioso. Descendiente de una vieja familia de campesinos (en Viena se

le consideró como “un campesino del Danubio”) fue organista desde los 10 años

de edad hasta que fue invitado a ocupar la importante posición oficial de

organista de la Catedral de Linz. Al considerar que su formación técnica era

insuficiente decidió entregarse al estudio en forma agresiva y formal, hasta

recibir, en 1861, a los 37 años de edad, en Viena, el título de “maestro de

música”. El exceso de trabajo y las decepciones sentimentales resquebrajaron

fuertemente su salud al extremo de llevarlo al borde de la desesperación. Fue

profesor de órgano, armonía, contrapunto y fuga en el Conservatorio de Viena, al

mismo tiempo que continuaba componiendo en forma intermitente. Su prestigio

como organista se fue consolidando al punto de recibir invitaciones para

presentarse en el exterior y dar conciertos inclusive en la Catedral de Notre Dame

en París, donde estuvieron presentes Saint-Saens, Auber y Gounod, todos

eminentes organistas y compositores. Su reconocimiento como compositor fue

lento, aunque alcanzó súbita notoriedad cuando en 1884 se presentó en Leipzig

su Séptima Sinfonía. Hoy se le considera el mayor sinfonista austriaco junto a

Mahler. Su obra comprende, 9 Sinfonías, 5 Misas, (entre ellas una conocida

Misa Solemne) Te Deum, Música de Cámara, Canciones, Motetes, Requiem en re

menor, etc. En 1875 recibió el título de doctor honoris causa de la Universidad

de Viena y tres años más tarde pasó a ser miembro definitivo de la Capilla

Imperial. No fue feliz en sus relaciones sentimentales y murió soltero.

Respetando su última voluntad Bruckner fue enterrado bajo el órgano de la

iglesia de San Florián, en Viena.

Bedrich Smetana (1824-1884)

Compositor checo, hijo de un cervecero, violinista aficionado. Fue un

espléndido pianista conocido muy particularmente por las interpretaciones de

Chopin así como por sus arreglos y transcripciones. Hizo estudios de

composición con Joseph Proksch en Praga. En 1849 (año en que muere

Chopin) funda en Praga una escuela privada de música con el apoyo de Liszt y

Clara Schumann. En 1853 escribió una Sinfonía triunfal y un Trío con piano.

128

En 1856 viajó a Suecia donde fue director de la Orquesta de la Sociedad

Filarmónica de Götemburgo y profesor particular de música. Allí escribió su

trilogía de poemas sinfónicos, Ricardo III (inspirado en la obra homónima de

Shakespeare), El Campo de Wallenstein y Hakon Jarl, terminados en 1861.

Regresando a su país de origen, al año siguiente, participa en la fundación del

primer teatro bohemio de Praga que seis años después será el Teatro Nacional.

Fue director de coro de la Asociación Coral Hlahol de Praga y director de una

Escuela de Música durante dos años. En 1866, siendo director del nuevo teatro y

dentro de una efervescencia patriótica, presentó la primera de sus ocho óperas

nacionales, Los brandeburgueses de Bohemia y dos años después su gran ópera

patriótica Dalibor, ambas con inmenso éxito. En esa época también subió a

escena la primera versión de su opereta, La novia vendida, que pasó

desapercibida lo que le instó a escribir una nueva versión que es la que se

conoce hoy y que le despertó a Dvorak su vocación por la música. En 1874 le

apareció el síntoma de la sordera, semejante a lo que le sucedió a Beethoven,

retirándose a la ciudad de Jabkonia, alejado de sus compromisos como Director,

donde su estado se agrava rápidamente hasta llegar a la sordera completa. Aún

así compone el ciclo de poemas sinfónicos Má Vlast (Mi patria) que son seis en

total, así como algunas obras corales e instrumentales. Le surgió, de pronto, unos

síntomas de desarreglos mentales al punto de tener que ser internado poco

tiempo después en un hospital psiquiátrico (1884), como Schumann y Wolf,

donde fallece dos meses más tarde, dejando 8 óperas, Poemas sinfónicos, música

de cámara, obras corales, canciones y un número plural de piezas para piano.

Johannes Brahms (1833-1897)

Importante compositor alemán247

nacido en Hamburgo. Vivió en Viena desde

1862, ciudad donde murió. Fue amigo muy querido de la familia Schumann,

Roberto y Clara. Su obra, que cubrió todos los géneros excepto la ópera, una de

las más importantes entre los compositores románticos, comprende: 4 Sinfonías,

Oberturas (Festival Académico, Trágica, etc.) 2 Conciertos para piano,

Concierto para violín, Doble Concierto para violín y violonchelo, Rapsodia para

alto y orquesta, Variaciones sobre un Tema de Haydn, Réquiem Alemán, etc;

Música de cámara: 3 Sonatas para violín y piano, 2 Sonatas para violonchelo y

piano, 2 Sonatas para clarinete y piano, etc. Tríos, Cuartetos para cuerdas y con

piano, Quintetos, etc. Entre la obra para piano aparecen: 3 Sonatas, Intermezos,

Caprichos, 2 Rapsodias, Variaciones sobre un tema de Schumann, Variaciones

sobre un Tema de Haydn para 2 pianos, Variaciones y Fuga sobre un Tema de

Händel, Variaciones sobre un Tema de Paganini (dos cuadernos) etc. Escribió

también muchas obras para grupos corales así como varios ciclos de Canciones,

género en el que se coloca a la altura de Schubert y Schumann. En 1877 declinó

la invitación que le extendió la Universidad de Cambridge para recibir

personalmente el grado de doctor en música, pero aceptó en cambio el doctorado

247

En nuestro idioma existen múltiples biografías, entre ellas: Brahms, por Yves y Ada Rémy, Espasa-

Calpe, Madrid, 1984; Brahms, un maestro en la música, de Madeleine Goss y Robert Haven Schauffler,

Colección Austral, Espasa-Calpe, Buenos Aires, 1947.

129

honoris causa de la Universidad de Breslau. En 1886 fue condecorado con la

Orden del Mérito del Caballero Prusiano y elegido Miembro de la Academia de

las Artes de Berlín. En 1889 el Emperador Francisco José de Austria le otorgó la

Orden de Leopoldo. Al margen de su profunda amistad y admiración por Clara

Schumann, no se conoce mujer alguna ligada a la vida de Brahms.

Charles Camille Saint-Saëns (1835-1921)

Prolífero compositor francés y brillante pianista. Fue un niño prodigio de

precocidad mozartiana. Estudió piano con C. Stamaty y P. Maleden, y

composición con Halevy Es el primer compositor francés en escribir importantes

conciertos para piano y orquesta, los que fueron, inclusive, modelo del género en

Francia durante muchos años. Fue así mismo excelente organista. A los 36 años

era el factótum absoluto de la música en Francia y considerado además como

una de las personalidades francesas más relevantes del momento. Inclusive el

gobierno francés lo escogió, en representación de Francia, para los actos de

inauguración del Canal Interoceánico de Panamá, lo que no se llevó a cabo por el

estallido de la primera guerra mundial. Su obra cubre todos los géneros, inclusive

el drama con música, con su ópera Sansón y Dalila. Su obra sinfónica

comprende: 5 Sinfonías, 4 Poemas Sinfónicos (entre los que se encuentra la

popular Danza Macabra), 5 Conciertos para piano y orquesta; El Carnaval de

los Animales (para dos pianos y orquesta) Introducción y Rondo para violín y

orquesta; 3 Conciertos para violín y orquesta; Habanera para violín y orquesta;

2 Conciertos para Violonchelo, etc. 119 Canciones. Entre sus obras para piano

descuellan sus Estudios, inclusive 6 Estudios Op. 135 para la mano izquierda;

varias obras para dos pianos entre ellas unas Variaciones sobre un tema de

Beethoven, 36 obras de música de cámara entre las cuales: Sonatas para violín y

piano, Sonatas para violonchelo y piano, Tríos, Cuartetos, Quintetos, un Sexteto

y un Septeto. Obras corales de carácter religioso; obras para órgano, etc. Entre

sus muchos discípulos basta con nombrar a Fauré, Ravel y Poulenc. En 1871

fundó La Sociedad Nacional de Música dándole un impulso significativo a la

renovación musical francesa. Desde 1895, a petición de la Editorial Durand, se

dedicó a la revisión y publicación de la obra completa de Rameau. Saint-Saëns

murió colmado de honores, gozando de gran prestigio internacional, dejando

inclusive algunas grabaciones al piano.

Peter Ilych Tchaikovsky (1840-1893)

Compositor ruso248

de personalidad muy particular. Hijo de un ingeniero de

minas hizo estudios de Derecho en San Petersburgo durante siete años. Después

de haber ejercido las funciones de secretario en el Ministerio de Justicia decidió

dedicarse a la música e ingresó al Conservatorio, estudiando composición con

N.I. Zaremba, orquestación con A. Rubinstein, culminando sus estudios con la

escritura de una cantata sobre la Oda a la alegría de Schiller. De 1866 a 1877 fue

248

Ver versión castellana de Tchaikovski por Herbert Weinstock, con traducción y prólogo de Jesus Bal y

Gay, en Biografías Gandesa, México, 1960.

130

profesor de teoría de la música en Moscú; Teneiev figuró entre sus alumnos. En

1877 contrajo matrimonio con una antigua alumna del Conservatorio, Antonina

Ivanovna Miliukova que terminó en un total desastre. Fue protegido por la

acaudalada viuda Nadezda Filartovna von Meck, gracias a la cual pudo dedicarse

tranquilamente a la composición. Hizo una exitosa gira por Estados Unidos en

1891. Fue el director del concierto sinfónico inaugural del célebre Carnegie Hall

de Nueva York. Poco antes de morir, la Universidad de Cambridge le concedió el

doctorado honoris causa de música. Murió víctima del cólera. Hoy día se sabe

que Tchaikovsky cometió suicidio bebiendo agua contaminada al enterarse, a

través de un amigo del Ministerio de Justicia, que un juicio escandaloso en el que

aparecía directamente implicado estaba a punto de explotar. Entre su extensa

obra se cuentan: 7 Sinfonías; 3 Conciertos para piano (el primero, en si bemol

menor Op. 23, es uno de los más populares que existen en la literatura del piano);

Concierto para Violín Op. 35; Variaciones sobre un tema rococó para

violonchelo y orquesta Op.33; Capricho Italiano Op. 45, Oberturas, Poemas

Sinfónicos: Romeo y Julieta , Francesca da Rimini Op. 32, La Tempestad Op.

18, Mozartiana, Hamlet Op. 67, Mazeppa, etc; 7 Operas (las más bellas y

conocidas son Eugene Onegin, 1879 y El As de Espadas,1890); para Ballet,

género en el cual fue particularmente dotado, escribió: El Lago de los Cisnes, La

Bella Durmiente del Bosque y Cascanueces Op. 71. Escribió además música de

cámara, más de 100 obras para piano, entre ellas la extensa Sonata, en sol, Op.

37, Las Estaciones Op. 37b (12 piezas), Piezas Op. 10, 19, 40, 51 etc. 104

canciones, etc. Dejó un Manual para el estudio práctico de la armonía.

Tchaikovsky fue un músico de gran formación académica, en contraposición a

los diletantes que constituyeron el “grupo de los cinco”, a excepción de

Balakirev, el único músico profesional del grupo. Es el mayor sinfonista ruso y

uno de los grandes de la segunda mitad del siglo XIX. Su instrumentación de

Cuadros de una Exposición de Moussorsky marcó época hasta que llegó la

imponente instrumentación de Ravel.

Antonin Dvorak (1841-1904)

Compositor checo. Hizo sus estudios musicales como organista, en Praga y fue

violinista de la orquesta del Teatro Nacional de esa ciudad, época en que escribió

sus dos primeras sinfonías. Siendo organista de la iglesia de San Adalberto en

Praga se dedicó totalmente a la composición. Brahms lo introdujo al editor

Simrock en Berlín, quien se interesó por sus obras, publicando en 1878 las

Danzas Eslavas para piano a 4 manos, así como los Cantos moravos, que le

dieron prestigio, inclusive en Inglaterra. Su oratorio Stabat Mater le abre las

puertas del editor inglés Novello, quien lo invitó a visitar Londres. De ahí en

adelante es invitado a diferentes países para dirigir sus obras. En 1890 recibió el

doctorado honoris causa de la Universidad de Cambridge y dos años después fue

invitado por el Conservatorio Nacional de Nueva York como profesor y director,

funciones que ejerció durante tres años, ocasión en que escribió su conocida

Sinfonía Nuevo Mundo. Su obra comprende, entre otras cosas: 9 Sinfonías, 5

Poemas Sinfónicos (La Ondina, El Hada de mediodía, La Rueda de oro, La

131

Paloma y El Canto heroico); 3 Oberturas (En la Naturaleza, Carnaval y Otelo),

Leyendas; Tres Rapsodias Eslavas; Concierto para piano y orquesta (1876);

Concierto para violín; un célebre y conocido Concierto para violonchelo (1895);

varios Cuartetos de Cuerdas, un conocido Quinteto con piano (1887), un famoso

Trío con piano (1891), un Cuarteto con piano (1893), varias óperas: Dimitri

(1881), El Jacobino (1888), El Diablo y Catalina (1899), la famosa Rusalka

(1900) y Armide (1902). Escribió también un Cuarteto en fa mayor, Cantos

Bíblicos, la Cantata, La Novia del Espectro (1884), el oratorio Santa Ludmila

(1885), un Réquiem (1890), etc. Dvorak, es junto con Smetana, el compositor

más significativo de la República Checa, un gran sinfonista así como una de las

figuras más representativas del movimiento nacionalista europeo.

Gabriel Fauré (1845-1924)

Compositor francés, alumno de piano de Saint Saëns en la Escuela Niedermeyer,

donde obtuvo el primer premio de piano (1860) y el primer premio de

composición (1865); fue organista de la Iglesia de la Magdalena de París (1877),

profesor de composición (1896), director del Conservatorio (1905), miembro del

Instituto de Francia, Académico de Bellas Artes (1909) y uno de los armonistas

más revolucionarios de la segunda mitad del siglo XIX. Su lenguaje musical es

la antítesis del romanticismo alemán. Su Misa de Réquiem, que llama la atención

por la ausencia del Dies Irae, escrito para honrar la muerte de su padre en 1888,

marcó la renovación de la música religiosa en Francia y sigue siendo con sus

otras obras maestras (dos Sonatas para violín y piano, dos Sonatas para

violonchelo y piano, Tríos, 2 Cuartetos para cuerdas, Cuartetos con piano,

Quintetos, etc.) el creador de la música de cámara francesa. Aunque escribió

además una apreciable obra para piano, (5 Impromtus, 13 Barcarolas, 13

Nocturnos, 9 Preludios, 8 Piezas breves, Temas con Variaciones, Dolly para

cuatro manos, etc.) inclusive una Fantasía para piano y orquesta, la ópera

Penélope (con la que se inauguró el Teatro de los Campos Elíseos de París el 9

de mayo de 1913), los poemas sinfónicos, Prometeo, Calígula, Shylock, la

música incidental Peleas y Melisanda, etc., fueron sus ciclos de canciones

(lieder) los que le dieron mayor prestigio universal. Sus dúos vocales y obra coral

en general es vasta y muy apreciada. A pesar de ser 30 años mayor que Ravel y

10 años mayor que Debussy hizo parte, igual que ellos, del movimiento de

renovación que sucedió al Romanticismo. Fue un gran pedagogo, y junto con

Vincent d´Indy (1851-1931), después de la muerte de Cesar Franck, los dos

mayores profesores de composición de Francia, en el primer tercio del siglo XX.

Entre sus discípulos se distinguen Ravel, y Nadia Boulanger. En 1920 renunció

a la dirección del Conservatorio, donde estuvo 15 años. En 1922 se le ofreció un

homenaje público en el anfiteatro Richelieu de la Sorbona con la presencia de

todo el mundo musical de París. Dos años después falleció a los ochenta años de

edad, gozando de la admiración y aprecio universal. El Estado francés le tributó

exequias de autoridad nacional.

132

Edward Elgar (1857-1934)

Compositor inglés. Su padre fue propietario de un importante comercio de

música, además de haber sido violinista y organista, instrumentos que enseñó a

su hijo. Elgar, quien en el fondo fue un autodidacta, en 1885 sucedió a su padre

como organista en la iglesia de San Jorge. A partir de 1924 ocupó el puesto de

Master of the King´s Music (Maestro de la música del Rey). En la

instrumentación siguió las pautas de Berlioz y R. Strauss. Su obra más

significativa, Las Variaciones Enigma, para orquesta (1899) llamó la atención de

músicos como Ricardo Strauss, así como su oratorio El sueño de Geróncio

(1901), inspirado en el poema religioso del cardenal Newman, que en su primera

audición en Birmingham el 3 de octubre de 1900 el dramaturgo George Bernard

Shaw a la sazón uno de los críticos musicales más prestigiosos de Europa, lo

declaró una obra maestra, marcando un hito en su vida. Posteriormente escribió

dos oratorios más, Los Apóstoles (1903) que demanda un número plural de

solistas, y El reino (1906). Su obra más conocida es, probablemente, el Concierto

para violonchelo y orquesta (1919). Escribió además una Sonata para violín, un

Cuarteto de Cuerdas, un Quinteto con piano (1918), varias Oberturas y Suites

(The Wand of Youth, Severn Suite y Nursey Suite), 2 Sinfonías (1908 y 1911),

Introducción y Allegro para cuerdas (1905), Serenata para cuerdas (1905), un

Concierto para violín y orquesta (1910), que constituyó un éxito inmediato y un

número plural de obras vocales, el Estudio Sinfónico Falstaff y sus marchas,

Tierra de Esperanza y Gloria y Pompa y Circunstancia. La Oda para la

Coronación, obra encomendada para la ascensión al trono del rey Eduardo fue

inmediatamente aplaudida. Durante la primera guerra mundial Elgar escribió,

Carillon, Polonia y por último, la más célebre de todas, la oda Para los caídos

(For the fallen). Después de 1920, a raíz del fallecimiento de su esposa, escribió

varias transcripciones de obras de Bach y Händel. Elgar murió el 23 de febrero

de 1934, después de una larga y penosa enfermedad. Sus exequias se realizaron

en la Catedral de Worcester.

Giacomo Puccini (1858-1924)

Célebre operista italiano, alumno, entre otros, de Bazzini y Ponchielli en el

Conservatorio de Milán. En 1884 concursó para el premio Sonzogno con su

ópera Le Villi, que, pese a no haber ganado, constituyó todo un éxito al

presentarse en el Teatro Verme de Milán, al punto tal que La Scala la incluyó en

su programación del año siguiente y la célebre Casa Ricordi publicó de

inmediato la partitura, comisionándole inclusive una nueva ópera, Edgar, que no

fue bien sucedida. En 1893 presenta, en el Teatro Turín, Manon Lescaut su

primera ópera importante, seguida por La Bohemia (1896) de nueva concepción

verista, con personajes de clase media, que lo lanza de inmediato en el panorama

internacional como uno de los mayores operistas del momento; continúa con

Tosca (1900) que alcanza un éxito asombroso y le da mayor renombre

internacional. En 1903 sufre un accidente automovilístico que lo retiene durante

ocho meses en una silla de ruedas, lo que no le impidió componer Madame

Butterfly (1904), que en su primera presentación, en La Scala, constituye un

133

fracaso, para transformarse en menos de un año en una de sus más exitosas

óperas del repertorio. En 1907, escribe La Fanciulla del West (La chica del

Oeste) para la Opera Metropolitana de Nueva York, que subió a escena en

diciembre de 1910, alcanzando uno de los mayores éxitos de la gran sala

neoyorquina a la sazón. Acto seguido Puccini escribe su trilogía de 1918 (Il

Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi) y por último la célebre Turandot,

obra que no pudo terminar debido a un cáncer de garganta que se operó en

Bruselas, seguido de un mortal ataque al corazón; la obra la completó Franco

Alfano. Puccini, además de ser un espléndido instrumentador, y el mayor

operista italiano después de Verdi, supo perfilar ejemplares personajes

femeninos que se transformaron en símbolos de variados sentimientos: Manon,

Mimí, Tosca, Madame Buterfly, la Chica del Oeste, Turandó y Liú.

Isaac Albéniz (1860-1909)

Significativo compositor español249

, junto con Granados, Turina y Manuel de

Falla. Fue niño prodigio del piano, impresionando al propio Marmontel, pero no

pudo entrar al Conservatorio de París por ser demasiado joven (!). En Madrid

estudió con Mendizábal. Se escapó de casa y llevó una vida de aventurero

durante varios años, viajando, inclusive, por Argentina, Uruguay, Cuba, Brasil,

Puerto Rico y Estados Unidos. Estuvo también en Londres y Liverpool. En

Leipzig estudia con Jadassohn250

y Reinecke. Gana en Madrid una beca para

estudiar en el Conservatorio de Bruselas donde obtiene el Primer Premio.

Perfeccionó su técnica pianística con Liszt. En 1883, en Barcelona, fue discípulo

del célebre Felipe Pedrel (1841-1922) cuyos consejos le llevaron a recoger en

forma elevada e inteligente el canto popular de diferentes regiones españolas. En

París, siendo profesor de piano de la Schola Cantorum alternó con Debussy,

Chausson, Fauré, Dukas y d´Indy. En 1903 fijó residencia en Niza para

dedicarse seriamente a la composición. Con una obra desigual, Albéniz alcanza

el pináculo de su creación en la bella Suite Iberia, que comprende 4 cuadernos,

obra de extraordinaria complejidad pianística y gran originalidad armónica y sin

duda la más importante aportación a la literatura pianística de España. Otras de

sus obras para piano son: Suite Española, Cantos de España, Cantos Nacionales,

La Vega, Sonata Nº 5, Navarra, Azulejos, Serenata española, 12 Piezas

Características, etc. Para orquesta: Rapsodia Cubana (1887), Rapsodia

Española con piano solista, Concierto para piano y orquesta, así como

Catalonia, obra de gran fuerza y calidad. Para canto escribió 6 Baladas, Rimas

de Bequer, 6 Canciones, 4 Melodías, etc. Entre sus óperas y zarzuelas: El Mago

Opal, Henry Clifford, Merlin y San Antonio de la Florida, aunque la más

249

La Fundación Isaac Albéniz de Madrid ha lanzado (1990) una recopilación de diversos ensayo sobre el

compositor español intitulada Albéniz y su Tiempo con la colaboración de varios autores, edición que

corrió al cuidado del crítico Enrique Franco. 250

Salomón Jadassohn (1831-1902) autor de un célebre Tratado de Armonía así como un Tratado de

Contrapunto, muy utilizados en los Conservatorios tanto de Europa como América. Existe versión en

inglés en G. Schirmer, Inc, Nueva York.

134

conocida es Pepita Jiménez. Albéniz murió en Cambo-les-Bains, en los Pirineos

franceses. El gobierno francés le concedió la Gran Cruz de la Legión de Honor.

Gustav Mahler (1860-1911)

Compositor y director de orquesta austriaco251

. En 1875 termina brillantemente

sus estudios musicales en el Conservatorio de Viena continuándolos en la

Universidad de esa misma ciudad. Bruckner fue su protector y amigo. Ascendió

rápidamente a los puestos más importantes como director de orquesta tanto en

Cassel, como en Praga, Leipzig, Budapest y Hamburgo, hasta alcanzar la

Dirección Artística de la Opera Imperial de Viena (1897) que logró elevar a un

excepcional esplendor con representaciones modelo de obras de Gluck, Mozart

y Wagner. No obstante se vio obligado a renunciar a su cargo, agotado por las

incesantes intrigas de sus adversarios envidiosos y racistas. Mahler fue un

profesional serio y exigente aunque muy presumido de sus dotes artísticas lo que

le hacía aparecer como un egocéntrico insufrible. Viajó a Estados Unidos como

director de orquesta presentando por primera vez las sinfonías de Bruckner y en

donde fue, inclusive, director de la Opera Metropolitana de Nueva York252

. En

1902 contrajo matrimonio con la joven y talentosa Alma Schindler253

, con quien

tuvo dos hijas. En sus composiciones, Mahler, deja transparecer un sentido de

lamento, de fatalidad, de victoria, de transfiguración y de liberación, elementos

muy propios de su raza. Su obra comprende 10 Sinfonías (la última quedó

inconclusa) algunas con voz solista (4ª) y otras con solistas y coro (2ª, 3ª)

mientras la 8ª incluye tres sopranos, dos contraltos, tenor barítono, bajo, coro de

niños, doble coro mixto y gran orquesta, también llamada Sinfonía de los mil;

Canción de la tierra (para tenor, contralto, orquesta y órgano); Canciones para

los niños muertos (Kindertotenlieder); El cuerno maravilloso de los niños (Des

Knaben Wunderhorn) que comprende 12 canciones; Cantos de Juventud (Lider

und Gesänge), La Canción del lamento (Das klagende Lied); Canciones de un

compañero errante (Lieder eines fahrenden Gesellen) etc. Entre sus óperas están:

El duque Ernesto de Suabia y Los Argonautas. Le unió una gran amistad con

Arnold Schönberg quien le dedicó su Tratado de Armonía254

. En febrero de

1911 Mahler contrajo, en Estados Unidos, una inflamación cardiaca que le obligó

a ingresar luego en un sanatorio de París. En mayo, Alma se lo llevó a Viena y a

pesar de la amargura, fruto de las múltiples decepciones que había sufrido, no

251

Ver, Gustavo Mahler o el corazón abrumado, de Arnoldo Liberman, en Altalena, Madrid, primera

edición 1982. La biografía de Mahler escrita por el gran director y amigo del compositor, Bruno Walter

se encuentra, en versión española, en Alianza Editorial, primera edición, Madrid, 1983. 252

Sus amigos, “la pandilla de Mahler” como los llamaban sus detractores, entre los que estaban, Hugo

von Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, Jakob Wassermann, Stefan Zweig, Arnnold Schönberg, Carl

Moll, y Segismund Freud, todos celebridades del momento, le dieron un homenaje de despedida. Existe

en París una biblioteca musical única en el mundo con el nombre de Gustav Mahler, con unos 20.000

libros sobre música en diferentes idiomas, 2.500 documentos diversos, unas 6.000 publicaciones, 8.000

partituras, 40.000 discos, manuscritos de compositores, cartas, programas, carteles, fotografías, etc. 253

Alma fue casada con Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel. Fue así

mismo musa inspiradora del pintor Kokoschka. Existe una versión castellana de su autobiografía titulada

Mi vida, publicada en Tusquets Editores, S.A., Barcelona 1984. 254

La dedicatoria reza: “Este libro está consagrado a la memoria de Gustav Mahler”. Existe versión en

español, en Real Musical, Editores, Madrid, España, 1974.

135

pudo resistirse al deseo de “volver a casa” para morir, lo que tuvo lugar el 18 de

mayo de 1911. Al día siguiente una gran multitud, en total silencio, siguió el

coche fúnebre hasta su último destino. En 1938 el director Wilhelm Mengelberg

anunció haber encontrado los manuscritos de cuatro sinfonías juveniles de

Mahler.

Claude Debussy (1862-1918)

Notable compositor francés, crítico musical y original innovador de la técnica y

sonoridad del piano y de la música en general. Es el representante más genuino

del movimiento impresionista musical. En 1884 obtuvo al codiciado Premio de

Roma con su cantata L’Enfant Prodigue (El hijo pródigo), lo que le permitió

permanecer en “la ciudad eterna” durante dos años. En 1888 escribió su primera

obra importante La Demoiselle Elue (La señorita elegida) sobre un poemario de

Dante Gabriel Rossetti, ya habiendo escrito una serie de canciones con textos de

Verlaine, Baudelaire, Mallarmé y otros, inspirado probablemente en la cantante

Vasnier, cuyo salón frecuentó. Pese a la vida modesta que llevó, con grandes

dificultades económicas, unido a una desconocida modista parisina, nunca dejó

de producir. Admiró la obra de Wagner, particularmente el Tristan aunque

detestó la tetralogía que consideró una “máquina de trucos”. Después de dos años

de intenso trabajo da por terminada su ópera Pelléas et Mélisande (Peleas y

Melisanda), con texto de Maeterlinck premio Nóbel de literatura de 1911, que en

su presentación en 1902 en la Ópera Cómica de París, suscitó una diversidad de

opiniones encontradas. En 1903 escribió su único Cuarteto, obra maestra en su

género, e inmediatamente después, inspirado en una égloga de Mallarmé, lanzó

su maravillosa obra sinfónica L´Aprés-midi d´un Faune (La siesta de un Fauno)

una de sus obras cumbres y obra maestra del siglo XX. Obras: Peleas y

Melisanda (ópera); para orquesta: La Siesta de un Fauno, El Mar (poema

sinfónico en tres partes), Iberia, 3 Nocturnos, El Rey Lear, Danza Sagrada,

Danza Profana, Fantasía para piano y Orquesta, etc.; para piano: 2 Arabescas,

24 Preludios (en dos libros), 12 Estudios, Suite Bergamasca (con 4 piezas entre

las cuales el célebre Claro de Luna), El Rincón de los Niños, Suite Pour le Piano

(que comprende: Preludio, Zarabanda y Tocata), 6 Epígrafes Antiguos,

Estampas, La isla alegre, Imágenes (dos cuadernos), Homenaje a Haydn;

Lindaraja y la suite En Blanco y Negro (para dos pianos); varias piezas para 4

manos, etc.; Música de Cámara: Cuarteto de cuerdas, Sonata para Violín y

Piano, Sonata para violonchelo y piano. Escribió también Música incidental

para el Rey Lear, El Martirio de San Sebastián, Juegos (Jeux) etc., así como

importante serie de canciones: Cinco poemas de Baudelaire, Mandoline, Fiestas

Galantes, Tres Melodías, Prosas Líricas, etc. Debussy representa una de las

cumbres creadoras de la historia de la música. En su obra, particularmente

significativa para los compositores del siglo XX, no se encuentra necesariamente

la descripción si no la impresión. Fue un trabajador infatigable pese a las

innumeras dificultades que tuvo durante su vida. En 1879 viajó por Francia,

Suiza, Italia, Austria y Rusia al servicio de la protectora de Tchaikovsky,

Madame von Meck. En 1888 y 1892 en Bayreuth, escuchó Tristán e Isolda, Los

136

Maestros Cantores, y Parsifal, de Wagner, obras que le causaron profunda

impresión, sin llegar a alterar por ello su poderosa personalidad creadora. En

1909 se le declaró un cáncer, enfermedad que supo soportar hasta el fin con gran

estoicismo. Dejó una serie de artículos que han sido recogidos en una antología

con una introducción y anotaciones de François Lesure, publicados con el título

de Monsieur Croche et autres écris255

en la edición completa de su obra editada

por Gallimard, París, en 1971.

Ricardo Strauss (1864-1949)

Compositor alemán256

, gran maestro de la orquesta que alcanzó celebridad en

diversos géneros musicales, particularmente con su obra sinfónica (Poemas

Sinfónicos) y en el campo de la ópera. Su padre, Franz Strauss fue renombrado

cornista. Sucedió a Hans von Bülow, su protector, en la dirección de la Orquesta

Filarmónica de Berlín. En 1905 presentó su primera gran ópera, Salomé, con

libreto de Hugo von Hofmannsthal, basado en la obra homónima de Oscar Wilde,

alcanzando nombre internacional. Asumió durante varios años la dirección de la

Opera de Viena. En 1924, ya reconocido como uno de los mayores compositores

vivos, abandonó sus diversas obligaciones para dedicarse exclusivamente a la

composición. Strauss murió en 1949, en su Villa de Garmisch, víctima de una

repentina y grave enfermedad. Su vasta obra consiste, fundamentalmente, en:

(para orquesta) Sinfonía en fa menor Op. 12; De Italia, Op. 16; Don Juan, Op.

20; Macbeth, Op. 23; Muerte y Transfiguración, Op. 24; Las alegres travesuras

de Till Eulenspiegels, Op. 28; Así hablaba Zaratustra o Zoroastro, Op. 30

(inspirado en la obra homónima de Nietzsche); Don Quijote Op. 35 (Variaciones

Fantásticas para violonchelo y orquesta inspiradas en personajes de Cervantes);

Una vida de héroe, Op. 40; Sinfonía Doméstica, Op. 53; Preludio Festivo, Op.

61 (para gran orquesta y órgano, escrito para la inauguración de la Konzerthaus,

gran sala de conciertos de Viena); Sinfonía Alpina, Op. 64; Parergon sobre la

Sinfonía Doméstica, Op. 73 para piano, mano izquierda sola, y orquesta;

Variaciones para piano Op. 74 (para la mano izquierda sola); Burlesca en re

menor, para piano y orquesta (1885); Himno Olímpico (escrito para la

inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín en 1935); Música Festiva, Op.

84 (para la celebración de los 2600 años de la creación del Imperio del Japón);

Divertimento para pequeña orquesta; Dos Conciertos para corno y orquesta;

Concierto para oboe y orquesta; Concertino para clarinete y fagot; etc. Música

vocal: Strauss escribió unas 150 canciones aproximadamente, entre las que

descuellan los 4 últimos lieder (1948). Un número plural de óperas, entre la

cuales están, Salomé, Op. 54; Elektra, Op. 58 (obra en la que anticipa la

atonalidad y en la que pone en ejecución su mayor aparato orquestal); El

Caballero de la rosa, Op. 59; Adriana en Naxos, Op. 60; La mujer sin sombra,

Op. 65. etc. Otras obras: Sonata Op. 15 para piano; Sonata para violín y piano,

255

Existe traducción al castellano en Alianza Editorial, Madrid, 1987, con el título de El Señor Corchea y

otros escritos, en versión de Angel Medina Alvarez. 256

La versión castellana de la biografía de Ricardo Strauss, escrita por George R. Marek, está publicada

en Javier Vergara Editor S.A., México, 1986.

137

Op. 18; Concierto para violín y orquesta (1881); Cuarteto para cuerdas;

Sonatina para 16 instrumentos de cuerdas solistas, etc. Con su obra Strauss llevó

el sistema tonal tradicional a los límites más extremos de sus posibilidades con el

uso audaz de las disonancias y de la politonalidad. Su obra representa la última

expresión del dinamismo romántico.

Jean Sibelius (1865-1957)

Compositor finlandés. Inició estudios de Derecho en la Universidad de Helsinki,

al mismo tiempo que sus estudios de música en el Instituto de Música, conocida

actualmente como Academia Sibelius, para, después de dos años, dedicarse a la

música, lo que hizo con un severo sentido de organización y seriedad,

particularmente después de su amistad con Busoni. Continuó estudios en Berlín

y Viena, donde estudió con A. Becker, Robert Fuchs y Goldmark. Fue

profesor en el Instituto de Música de Helsinki y en la Escuela de la Orquesta de

la Sociedad Filarmónica, además de ser segundo violín en el Cuarteto del

Instituto. Durante dos años fue director asistente de la Filarmónica de Helsinki,

lo que le permitió viajar por diferentes países. El Senado finlandés le concedió

una pensión anual que le permitió dedicarse por entero a la composición, ocasión

en que abandonó Helsinki para radicarse en su Villa Ainola en Järvenpä, a poca

distancia de Helsinki, Villa que con el correr de los años se transformó en un

sitio de peregrinaje para sus admiradores, particularmente durante el dominio

ruso. De ahí que sus obras sinfónicas, Kullervo (Sinfonía para solista coro y

orquesta, 1891) y Finlandia (1899) tuviesen tan particular significado desde el

momento de su creación ya que con ellas el compositor reafirmaba su identidad

cultural finlandesa, ameritándose la admiración de sus conciudadanos, no sólo

como compositor sino como hombre. A finales del siglo XIX Sibelius estuvo

ocupado leyendo el poema épico de la mitología finlandesa, Kalevala, del que

surgieron una serie de poemas, como Canto de Primavera (1894), Lemminkäinen

(1895) El Cisne de Tuonela, etc. A partir de 1905 Sibelius es invitado para dirigir

sus obras en diferentes países, y en 1914 viaja a EE.UU., donde fue honrado con

el doctorado honoris causa de la Universidad de Yale. Colmado de

reconocimiento internacional Sibelius fallece en su Villa donde residió durante

toda su vida adulta. Su obra incluye: 7 Sinfonías, Una Saga, (1892), Karelia

(1893), Escenas históricas I y II, los poemas sinfónicos Finlandia, La hija de

Pohjola, Cabalgata Nocturna y Salida del Sol, La Dríada, El Bardo, Las

Oceánidas, etc., y muchos años después Tapiola (obra encomendada por la

Sociedad Filarmónica de Nueva York en 1926), un aplaudido Concierto para

violín (1903), unos 100 lieder, obras para coro mixto y otras combinaciones; para

el teatro escribió, El Rey Christian II (1898), La Muerte, con el conocido Vals

Triste (1903), Pelleas y Melisande (1905), El Festín de Baltasar (1906),

Scaramouche (1913), Jedermann (1916), La Tempestad (1926), etc.

Alexander Scriabin (1872-1915)

138

Compositor y pianista ruso257

. Egresado del Conservatorio de Moscú en las

clases de Safonov, Taneiev y Arenski. En su carrera como pianista, tanto en

Europa como en Estados Unidos, se limitó a ejecutar sus propias obras. El

mecenas de las ediciones rusas, Belaief, lo tomó bajo su protección y publicó

toda su obra. De 1898 a 1903 fue profesor del Conservatorio. Vivió en Suiza y

luego en Bélgica, donde frecuentó círculos filosóficos y teosóficos influenciados

por Nietzsche y Madame Blavatsky, llegó a crear un mundo sonoro muy

particular utilizando un acorde de su propia invención formado por cuartas y

quintas superpuestas que denominó “acorde místico”. Retornó a Rusia en 1910,

para dedicarse poco a poco a una “mística extática y contemplativa” que se

refleja en gran parte de su obra: Poema del Extasis; Prometeo o Poema del

fuego, para orquesta, piano concertante, coro, órgano y coreografía de luces a

colores258

, etc. Sus primeras obras, aproximadamente hasta el Op. 29, muestran

una fuerte influencia de Chopin, aunque sin perder en ningún momento su fuerte

originalidad. He aquí otro compositor que no tuvo necesidad de hacer uso de

elementos telúricos de su país sin dejar por ello de proyectar un temperamento

eminentemente ruso y original. Su rica obra comprende, para piano: 10 Sonatas;

19 Poemas; 26 Estudios; 90 Preludios (Ops: 11, 16, 22, 67 y 74); 21 Mazurkas,

Preludio y Nocturno (para la mano izquierda sola), Fantasía Op. 28, el

vanguardista y difícil poema para piano, Vers la flamme Op. 72, etc. Existe

también una Fantasía en fa menor, póstuma, para dos pianos. Para orquesta: 5

Sinfonías, (la primera es con coros); Poemas: Poema divino (o tercera Sinfonía);

Poema del éxtasis (o cuarta Sinfonía), Poema del fuego (o quinta Sinfonía); el

Concierto para piano y orquesta, etc. No hay duda de que Scriabin es el gran

eslabón, decisivo, entre el romanticismo decimonono y la explosión expresionista

rusa del siglo XX.

Maurice Ravel (1875-1937)

Brillante compositor francés que junto con Debussy, constituye el mayor

representante del movimiento impresionista. Gran maestro de la orquesta para la

cual escribió: Rapsodia Española, La Valse, Suite Dafne y Cloé, Una Barca

sobre el Océano, Le Tombeau de Couperin, Bolero, etc.. Obra para Piano: 2

Conciertos (entre ellos uno para la mano izquierda sola); El Concierto en re

menor, para la mano izquierda sola, escrito para el pianista austriaco Paul von

257

Existe actualmente en Rusia un concurso internacional de piano con su nombre y en Nueva York se ha

conformado la Scriabin Society of America que realiza una intensa actividad de divulgación de su vida y

obra 258

Scriabin pensaba, semejante a Berlioz y Rimsky Korsakov, que a cada tonalidad correspondía un

color, así por ejemplo a la tonalidad de do, el color rojo; a sol el naranja; a re el amarillo; a la el verde; a

mi el azul pálido; al fa sostenido el azul intenso; a re bemol el violeta; a la bemol el púrpura; a mi bemol

el color acero; a si bemol, idem, y a fa el rojo obscuro. Esta teoría ha planteado muchas controversias,

aunque se remonta al siglo II con el famoso alejandrino, astrónomo, filósofo y teórico de la música,

Claudio Ptolomeo..

139

Wingenstein, quien perdió la mano derecha por el estallido de una bomba en el

campo de batalla de la Primera Guerra Mundial (En esa misma ocasión

Prokofiev le escribió su 5º Concierto, también para la mano izquierda sola);

Sonatina, la impresionante Gaspard de la Nuit (que comprende: Ondine, Le

Gibet y Scarbo), Mirroirs (con 5 piezas: Noctuelles, Pájaros tristes, Una Barca

sobre el Océano, Alborada del Gracioso y El Valle de las campanas), Pavana

para una infanta difunta, Juegos de agua, Valses nobles y sentimentales, Para la

Tumba de Couperin (6 piezas, entre las que se encuentra la célebre Toccata), etc.

Escribió además: Sonata para violín y piano, Tzigane, Trío para violín,

violonchelo y piano, Cuarteto de Cuerdas, así como abundante obra para canto,

entre ellas: Historias Naturales, Cinco Melodías Populares, Dos melodías

hebreas, 3 Poemas, Don Quijote a Dulcinea, etc. En l928, la Universidad de

Oxford le confirió el doctorado Honoris Causa. Los últimos años de Ravel, que

fue un verdadero dandy en elegancia, fueron crueles al manifestársele, en 1933,

los síntomas de un tumor cerebral que le hizo perder gradualmente la memoria y

la coordinación de sus movimientos, deterioro del que tenía plena consciencia

hasta su muerte, que tuvo lugar cuatro años después.

CUESTIONARIO Nº 6

01. A qué siglo pertenece el Período Romántico?

140

02. Mencionar algunas características del período.

03. Nombrar una estructura característica del romanticismo.

04. Quién fue Paganini?

05. Qué es Lied?

06. Mencione tres ciclos de canciones del siglo XIX.

07. Nombrar tres microformas románticas.

08. Mencione tres obras de Cesar Franck ?

09. Qué compositor del siglo XIX escribió más de 600 canciones?

10. Quién escribió una tetralogía operística?

11. Qué compositor escribió Canciones sin Palabras?

12. Quién escribió Sueño de una Noche de Verano?

13. Cuantas Sinfonías escribió Schubert?

14. Quién escribió el Carnaval Op. 9?

15. Quién escribió 20 conocidos Nocturnos?

16. Quién escribió las Rapsodias Húngaras?

17. Nombre cinco compositores de Ópera del siglo XIX.

18. Quién es el autor de Tristán e Isolda?

19. Quién escribió la Sinfonía Fantástica?

20. Nombre cinco Óperas de Verdi.

21. Cuántas Sinfonías escribió Bruckner?

22. Quién escribió el Réquiem alemán?

23. Cuántas Sinfonías escribió Brahms?

24. Qué son las Escuelas Nacionalistas?

25. Nombre cinco compositores nacionalistas.

26. Cuántas Sinfonías escribió Dvorak?

27. Mencione tres obras de Grieg.

28. Cuántas Sinfonías escribió Mendelssohn?

29. Quien es el autor de Estudios Sinfónicos?

30. Quien escribió Los Preludios?

31. Qué es un Poema sinfónico?

32. Mencione cuatro grandes Conciertos para violín del siglo XIX

33. Quien es el autor de 4 famosas Baladas para piano?

34. Con quién fue casado Schumann?

35. Que compositor francés escribió 5 Conciertos para piano?

CUESTIONARIO Nº 7

01. Cuántas Sinfonías escribió Tchaikovsky?

02. Cuántas Sinfonías escribió Mahler?

03. Cual ha sido la mayor obra de Albéniz?

04. Mencione cinco obras de Debussy.

05. En que país surge el movimiento impresionista?

06. Mencione cinco compositores impresionistas.

141

07. Mencione tres Poemas Sinfónicos de R. Strauss.

08. Quien fue Enrique Granados?

09. Cuantas sinfonías escribió Sibelius?

10. De que nacionalidad es Sibelius?

11. Cuantas Sonatas para piano escribió Scriabin

12. Que escala usó Debussy?

13. Mencione dos obras de Glinka.

14. Quien fue Balakirev?

15. Mencione dos obras de Borodin.

16. Quien escribió el Poema sinfónico Francesca de Rimini

17. Mencione dos obras de Rimsky Korsakov.

18. Quien fue Elgar?

19. Mencione tres obras de Elgar.

20. Mencione tres célebres Conciertos para violonchelo del XIX

21. Quien es el autor de La Siesta de un Fauno?

22. Mencione cuatro obras de Ravel.

23. Que compositor relacionó las tonalidades con colores?

24. Quien es el autor de Canción de la Tierra?

25. Quien escribió un Concierto para la mano izquierda?

26. Mencione cuatro Óperas de R. Strauss.

27. Mencione cuatro Óperas de Puccini.

28. Mencione cuatro Óperas francesas del siglo XIX.

29. Mencione cuatro Óperas italianas del siglo XIX (excluyendo a Verdi)

30. Quien es el autor de la Ópera Boris Godunov?

142

“La música del siglo XX aparenta ser tan fundamentalmente

distina de la del pasado, tan variada y de tal amplitud en sí misma,

que es difícil comprender que tenga, profundas raíces en lo que ocurrió

antes y, al mismo tiempo, una unidad integral que la distingue de su pasado” Eric Salzman, La Música del siglo XX.

Siglo XX:

El Expresionismo

Con el inicio del siglo XX llegamos al final del breve recorrido histórico

musical que nos hemos impuesto, final que no es más que la línea imaginaria de

un horizonte que señala a su vez el umbral de uno nuevo sin solución de

continuidad.

Mientras el impresionismo es la expresión del mundo que nos rodea tal

como lo vemos, “consumando el abandono de la alegría sensual”, el

expresionismo es la exteriorización de nuestra conciencia y mundo interior como

una concentración en los problemas del ser individual.

El término, surge de las artes visuales y de la literatura alemana de

comienzos del siglo XX259

. Es Kandinsky el pintor representativo del

expresionismo, además de Kokoschka, Klee, Rouault y Braque. En la música se

aplica particularmente a la obra de Schönberg y su escuela, aunque la expresión

se usa ya libremente para señalar todo el movimiento que, en oposición al

impresionismo, lanzó nuevos rumbos y nuevas soluciones para la creación

musical actual. Con el expresionismo se pretende una “reestructuración de la

realidad externa por medio de la exageración y la distorsión”260

.

Nuevos campos de la actividad musical

El nuevo siglo trajo consigo diferentes campos que inciden fuertemente en

el mundo de la música, tales como: el fonógrafo, el cine, la radio y la televisión,

campos que a su vez expanden significativamente el interés por la música en

general. El repertorio instrumental continua ocupando el primer lugar en el

dominio e interés tanto del público como de los compositores.

Las grandes estructuras sinfónicas, como la sinfonía, el poema sinfónico y

la suite sinfónica, tan enriquecidas en el siglo XIX, continúan vigentes. A su vez

aparece un nuevo despertar del género de música de cámara, particularmente a

partir de 1920 cuando se ponen de moda las tendencias neoclásicas; otro tanto

sucede con el género coral; la literatura del piano, si bien es cierto que deja de

ocupar el primerísimo lugar que mantuvo durante todo el siglo anterior, cuenta

aún con un excelente e importante repertorio. A su vez el género mixto del ballet, 259

El término fue acuñado por Herwarth Walden, editor de la revista vanguardista Der Sturm que abarcó

en un principio todas las tendencias artísticas llamadas progresistas, desde el fauvismo, cubismo,

futurismo, etc., hasta las primeras tentativas abstractas. 260

Don Randel, Diccionario Harvard de Música, versión española, Alianza Editorial S.A., Madrid, 1997.

Pág. 412

143

independientemente de la ópera, crece en popularidad con obras cumbres como,

El Pájaro de Fuego (1910), Petroushka (1911) y Ritos de Primavera Pagana

(1913) de Stravinsky, Juegos (Jeux) y Preludio a la Siesta de un Fauno de

Debussy (1912), Dafné y Cloé (1912) y Bolero (1928) de Ravel, El amor Brujo

(1915) y El Sombrero de Tres Picos (1919) de De Falla, La Creación del Mundo

(1916) de Milhaud, Parada (1917) de Satie, y muchos otros, en los que

colaboraron grandes artistas como León Bakst, Mauricio Utrillo y Pablo Picasso.

Otro tanto sucede con la Ópera, con El Caballero de la Rosa de Ricardo

Strauss, Peleas y Melisanda de Debussy, Turandot de Puccini, Wozzek de Berg,

Cardillac de Hindemith, Lady Macbeth de Shostakovitch o El amor de Tres

Naranjas de Prokofieff, y muchas otras.

Que decir de la insospechada industria de las grabaciones, con discos

acústicos y eléctricos, de 78 revoluciones primero, 33 revoluciones después, la

grabación en alambre y en cinta magnetofónica, así como el cassette, seguido del

novedoso digital conocido como CD, acompañado a su vez del video, el video

digital y el novedoso DVD, destruyendo una vez tras otra los inmensos y

costosos patrimonios de los melómanos y coleccionistas profesionales, que se

ven obligados a desechar y adquirir nuevos componentes electrónicos para

satisfacer su intermitente pasión por la música. Basta sólo señalar que un simple

catálogo como el Schwann/Opus, de finales del siglo XX, promueve alrededor de

45.000 grabaciones diferentes exclusivamente de música clásica, lanzadas al

mercado mundial.

Todo lo anterior y mucho más, es indicativo de que el arte de la música,

pese a todo lo que se pueda decir, continúa desarrollándose a plenitud. No

obstante, y esto es preciso comprenderlo, dicho desarrollo conlleva, como ha

sucedido siempre en los siglos precedentes, sin excepción, la aparición y puesta

en vigencia de nuevas técnicas, nuevos conceptos, nuevas tendencias y por ende

nuevos gustos, así como rupturas definitivas con todo aquello que llegó a

constituirse en “arte tradicional” y que se transforma de inmediato en arte del

pasado, en un movimiento perpetuo.

Ya en 1910 el compositor italiano Francesco Balilla Pratella (1880-

1955) lanzó el manifiesto de los músicos futuristas en el que planteó una

apología al ruido o sonidos de afinación indeterminada en el sentido de la

necesidad de incorporar los ruidos de fábricas, ferrocarriles, aeroplanos,

maquinarias, automóviles en las calles, etc., al arte de la creación musical,

adelantándose en cierta manera a lo que más adelante pregonaría la llamada

“música concreta”. Algo semejante planteó, en 1913, Luigi Russola (1885-1947)

inventor inclusive del instrumento a ruidos que denominó l´intonarumori cuyo

postulado se denominó “el arte del rumor o del ruido”. El futurismo musical

consistió en la amplia revaloración del ruido como timbre con el afán de

enriquecer la gama sonora general, lo que tuvo una evidente y decisiva

repercusión en la creación contemporánea. Lo cierto es que la participación del

ruido o sonidos de afinación indeterminada en el arte de la música tuvo lugar

desde el momento en que los instrumentos percusivos son utilizados.

144

Diferentes técnicas y procedimientos de composición

Las técnicas y procedimientos de composición vigentes hoy son múltiples

e interesantes, pero muy desiguales en su calidad. Si bien es cierto que la

composición musical contemporánea presenta obras de gran envergadura y

calidad superior, existe también un inmenso emporio de mediocridades, producto

del más ridículo charlatanismo. Y es lastimoso observar cómo unas y otras obras

se presentan generalmente ante el público consumidor sin discriminación

ninguna, a través de los medios técnicos más exclusivos de divulgación,

favoreciendo a la confusión total del oyente que no sabe diferenciar entre lo

bueno, lo mediocre y lo malo.

Entre las tendencias y estilos actuales más importantes, siempre dentro de

la desacralización de la armonía tradicional, tenemos, el Expresionismo, el

Neoclasicismo261

, la Música Serial, la Electroacústica o Concreta y la

Aleatoria262

, entre otros.

No es función de una obra como la nuestra extenderse y profundizar en

cada una de las tendencias mencionadas. Tarea semejante rebasaría la dimensión

de un trabajo que no pretende más que brindar una perspectiva de síntesis, como

introducción y orientación al arte de la música.

Tendencias generales del siglo XX

Es nota común de los lineamientos contemporáneos la disolución del

centro tonal o la negación de una tonalidad central como la que ha regido durante

cinco siglos. Es el final del concepto disonancia o mejor, según expresión del

propio Schönberg, “es la emancipación de la disonancia”. La Armonía

tradicional, ciencia que permanecía casi incólume hasta finales del siglo XIX y

parte del XX, termina su dinastía cediendo el lugar a la composición atonal.

La era instrumental que se gesta desde el periodo barroco, última etapa

del período polifónico, parece haber llegado a su punto meridiano en el siglo XX

con las grandes instituciones orquestales y con las brillantes, dinámicas,

coloridas y originales combinaciones instrumentales, logradas por los

compositores contemporáneos.

261

Según el Diccionario Harvard de la Música (Edic., española, Alianza Editorial, Madrid, 1997) las

características principales de la expresión son: la objetividad y la contención expresiva mientras que las

técnicas más importantes son la claridad motívica, la transparencia de texturas, el equilibrio formal y la

dependencia de modelos estilísticos”. 262

La música electroacústica o concreta es la que se hace con elementos grabados electrónicamente. Los

primeros ejemplos los produjo el ingeniero y músico francés Pierre Schaeffer (1910) por los años 1948

al plantearse la idea de manipular el sonido una vez grabado. En 1951 se formó el Grupo de

Investigadores de Música concreta de la RTF con personalidades tales como Boulez, Barraqué y

Philippot. A su vez la expresión aleatorio significa “incierto”, “depender de la suerte o del azar”. La

técnica surge en la segunda mitad del siglo aunque no es una novedad. La obra puede consistir en

segmentos que se repiten caprichosamente, sin un orden específico ni duración predeterminada. La

personalidad más significativa en el fenómeno es el compositor estadounidense John Cage, desde 1951

con su obra Music of Changes.

145

Si la era vocal polifónica llegó a su máxima expresión en la obra de los

compositores renacentistas, la era instrumental ha llegado a su más alto grado de

técnica y expresión en la obra de los compositores de hoy.

Un compositor generalmente olvidado pero que se anticipó con sus

pronunciamientos y obra a su compatriota Schönberg es el austriaco Joseph

Matthias Hauer (1883-1959), instruido en la escuela Wiener Neustadt donde

recibió una sólida formación musical. En 1911 descubrió un principio de la

técnica de los doce sonidos263

, prioridad que defendió hasta el final de sus días.

Entre su obra (óperas, suites para orquesta, una Sinfonietta, un Concierto para

violín y piano, cantatas, música de cámara, canciones, piezas para piano, etc.)

casi totalmente inédita, dejó dos trabajos teóricos: De la melodía a los timbales y

Teoría dodecafónica: la teoría de los tropos, que datan de 1925 y 1926

respectivamente.

Entre los maestros de mayor significación en la estética contemporánea,

dos nombres ocupan lugar singular. El primero es el vienés Arnold Schönberg

(1874-1951), verdadero zapador del expresionismo musical y creador de un

nuevo sistema de composición que rompe radicalmente con los conceptos

sonoros practicados hasta el momento, conocido como “sistema de los doce

tonos” o “sistema dodecafónico”. El segundo es el ruso, exiliado en París y

Estados Unidos, Igor Stravinsky (1882-1971), indudablemente la personalidad

musical más celebrada de la primera mitad del siglo XX, con una obra de

difusión universal y de profundo influjo.

Schönberg se percató de que el sistema tonal vigente se hallaba, por

agotamiento, en vías de desintegración y armándose de un valor extraordinario se

propuso elaborar uno nuevo que llenaría todas sus aspiraciones. El maestro

vienés, formado dentro de la más pura tradición romántica alemana y por lo tanto

hijo espiritual de Brahms y Wagner y cuya maestría creadora resultó evidente

desde el inicio con su Noche Transfigurada, resolvió abandonar el camino

tradicional de la creación musical, sendero fácil quizás para un hombre de su

talante, al entregarse, con todas sus contrariedades y difíciles consecuencias, a lo

que probablemente haya sido la más ingrata revolución que tuvo lugar en la

historia de la música: el lenguaje armónico atonal. Entre sus alumnos más

relevantes están Anton Webern (1883-1945) y Alban Berg (1885-1935).

Ante el aparente agotamiento de la tonalidad, el método de Schönberg

abrió nuevas posibilidades al arte de la composición y así en pocos años surge el

serialismo integral, o la aplicación de la serie, particularmente entre los

compositores franceses como André Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen

(1908-1992) y Pierre Boulez (1925), iniciado, este último, en la nueva técnica

263

A través de lo que él denominó tropos o sea núcleos o células melódicas procedentes de una triple o

cuádruple subdivisión de la escala de doce sonidos y cuyo valor esencial consiste en los intervalos que tal

subdivisión engendra. Ver Introducción a la Música de nuestro tiempo, de Juan Carlos Paz, Editorial

Nueva Visión, Buenos Aires 1955, Pág. 82.

146

por René Leibowitz264

(1913-1972) polaco de origen y discípulo de Webern en

Viena, quien se estableció definitivamente en París en 1945.

No es irónico declarar que para comprender mejor los lineamentos

musicales de hoy es menester poseer una clara visión de lo que ha sucedido ya en

los siglos XVIII y XIX. De ahí que la comprensión de la fenomenología del arte

musical, o del arte en general de actualidad, sea más asunto de profesionales y

buenos melómanos que del público consumidor en general. Por otro lado no está

demás aclarar que lo que sucede hoy en las artes es la consecuencia lógica del

proceso evolutivo de las artes mismas; no es el producto de una generación

espontánea, ni el resultado del aislacionismo, ni una burda y caprichosa actitud

de los artistas creadores. Lejos de eso, es el complemento lógico de lo que se ha

estado haciendo hasta ahora.

Los conceptos que rigen los cánones estéticos del arte en un momento

dado no son ni pueden ser estáticos; estos se mantienen en constante renovación,

en la ininterrumpida y latente búsqueda de la “nueva verdad”. Cada período de la

historia del arte no es más que el eslabón de una inmensa cadena, eslabón que

representa la expresión de una sociedad determinada en un período determinado.

El artista creador es el producto concentrado de la sociedad en que se agita, y

para lograr expresarse con originalidad, necesariamente tiene que crear sus

propios medios de expresión si es que los tradicionales resultan insuficientes y

obsoletos para producir una nueva dimensión creadora.

Es interesante observar la historia de la humanidad a través de la obra de

los artistas que la representan. Qué expresivas pueden ser las microformas

románticas, por ejemplo, con los Momentos Musicales de Schubert o los

Nocturnos de Chopin, para mostrar una imagen cabal de un grupo social europeo

del siglo XIX265

. Qué diferente de aquella que nos muestra la obra de Bach en

sus Cantatas o Antonio de Cabezón en sus Tientos y Diferencias. Asimismo la

música de hoy, lejos de ser una afrenta a nuestra personalidad, como algunos

podrían gratuitamente pensar, es el reflejo fiel de nuestra propia humanidad.

Tanto el impresionismo como el expresionismo no son más que frentes

comunes de la gran lucha planteada contra los postulados subjetivos y personales

del romanticismo alemán, mediante un arte que pretende ser más objetivo y

universal, que si bien es cierto utiliza elementos comunes con el arte anterior,

conlleva un nuevo concepto de objetividad más acorde con nuestra época.

Compositores del siglo XVIII, como Haydn y Mozart, por ejemplo,

poseedores de una técnica impecable, fueron totalmente objetivos e impersonales

264

Son interesante las consideraciones de René Leibowitz en torno a la historia de la música, vertidas en

su pequeño ensayo intitulado La evolución de la música de Bach a Schönberg, Editorial Nueva Visión,

Buenos Aires, 1957. 265

Es significativo e interesante, por ejemplo, el análisis que hace la escritora periodista estadounidense

Bárbara Tuchman, ganadora del Premio Pulitzer, en su ensayo intitulado La Torre del Orgullo, un retrato

del mundo antes de la gran guerra, de la Alemania imperial del último cuarto del siglo XIX a través de la

obra musical de Ricardo Strauss. Ver The Proud Tower, de Barbara Tuchman, Mcmillan Company,

New York, 1965, Capítulo 6.

147

en su obra al considerar que los sonidos musicales tal como ellos los producían,

eran de por si suficientemente elocuentes como vehículos portadores de emoción.

Con la llegada del dinamismo romántico el concepto de la creación

musical muda radicalmente. El compositor de ese período rechaza la posición de

su antecesor clasicista y antepone la expresión de su propia emoción a la posición

objetivista y universal precedente. Eso hicieron, particularmente, Chopin,

Schumann, Liszt y Wagner, de ahí el sello individualista, personal e innovador

de sus obras. Su meta fue exponer en forma amplia sus propios sentimientos,

aunque para ello tuvieran que romper con todos los reglamentos de las

disciplinas musicales existentes, por más ortodoxos que estos fueran.

Para el compositor ochocentista el sonido de por sí careció de

significación estética. En sus manos, el mensaje musical se hizo más expresivo y

humano; por eso la extraordinaria accesibilidad de su obra para el público, que

descubre en la generalidad de dichos compositores, un especial contenido poético

así como una nueva y plácida fuerza expresiva.

La fuente generadora del nuevo concepto, musicalmente hablando, es

Beethoven. El gran maestro alemán agota la objetividad clasicista,

transformándose en el artífice de la simbiosis impersonal/personal,

objetivo/subjetivo, brindándole a la música una nueva dimensión de

expresividad. Esto no quiere decir que el compositor clasicista careció de

contenido emocional, sino, simplemente, que en él predominó, en forma

espontánea y casi axiomática, la razón sobre la fantasía, la organización sobre la

ostentación, la perfección y el balance de los materiales sonoros sobre los

elementos antitéticos e individualistas.

Es precisamente ese retorno a lo universal, a lo impersonal, a la pureza del

lenguaje, al equilibrio y a la sobriedad de la forma, el postulado general que

plantean los compositores contemporáneos aunque con materiales, idioma y

conceptos diferentes.

Por otro lado no puede existir una teoría estética definitiva, inflexible y

omnicomprensiva sobre la creación musical actual. Por el contrario, todo intento

por establecer una estética que refleje la realidad de la creación musical de hoy,

tendría necesariamente que enfocarse como una “metodología en perpetuo

cambio” que sólo sería aplicable en un momento determinado. Dicha

metodología a su vez, exigiría una “constante conciencia de su provisionalidad” a

la vez que constituiría un “eslabón a más de una larga y extensa cadena” cuyos

componentes totales serían imprescindibles para la verdadera y cabal

comprensión del fenómeno objeto de nuestro análisis.266

Lejos de pretender brindar una explicación completa de la fenomenología

de la música actual mencionaremos a continuación algunos de los hallazgos más

originales de las nuevas creaciones. Dichos hallazgos son, precisamente, los que

266

Luis de Pablo: Aproximación a una Estética de la Música Contemporánea, Edit. Ciencia Nueva,

Madrid, 1968.

148

desconciertan de inmediato al auditorio, debido a las constantes e insospechadas

innovaciones.

De ahí que el desarrollo de la música del siglo XX estaría sintetizado en

una descripción detallada y cronológica de los rompimientos sucesivos y

constantes con las normas ya establecidas. La cronología de dicho rompimiento

es difícil de establecer. En un comienzo se rompió con la división tradicional de

compases en grupos de 4 o múltiples de 4 que prevalecía ya desde el período

barroco, lo que se denomina “verso musical”. La frase continuaba siendo la

unidad de la arquitectura musical pero su inicio y su fin ya no eran fácilmente

percibidos. La repetición seguía constituyendo el principio fundamental de la

estructura musical, aunque se trataba de una repetición encubierta, variada, que

se manifestaba a intervalos irregulares y en lugares inesperados. Gracias a la

variedad métrica, la música regresaba al encanto de lo irregular de antaño,

aquella riqueza rítmica original que había perdido sistemáticamente desde el

siglo XVI en adelante.

Los primeros intentos de prosa musical, en oposición al verso musical, se

encuentran en las obras de Modesto Mussorgsky y Max Reger. El concepto de

prosa musical abarca todos los intentos para liberar los diversos elementos de la

música de las ataduras de la organización simétrica, tan propia de la creación

musical anterior al movimiento impresionista.

A la asimetría melódica se adicionó la asimetría rítmica. La música se

encaminó en el campo del ritmo, a otra dimensión, a través de nuevas

revoluciones.

Compositores como Bartok y Stravinsky comienzan, en las dos primeras

décadas del siglo, a utilizar desplazamientos sincopados de acentos, trastornando

el equilibrio del compás tradicional, inspirados por el folclor húngaro y la rítmica

africana respectivamente. Entre ambos se lleva a cabo el desalojo de la atención

sobre el campo armónico hacia el campo rítmico como centro de gravitación del

discurso sonoro. A partir de las primeras grandes experiencias, tales como la

Consagración de la Primavera de Stravinsky o Dafne y Cloé de Ravel, la

asimetría rítmica se convirtió en norma de la composición musical. Tal es el

impacto que produce la Consagración que el público que asiste a su estreno

mundial, el 29 de mayo de 1913 en París, no pudo resistir la politonalidad

disonante y los novedosos ritmos asimétricos. El maestro Saint-Saëns,

octogenario a la sazón y de una mentalidad propia de una estética anterior, se

retiró del Teatro, totalmente indignado, inmediatamente después de los primeros

compases iniciales de la obra. El propio Ricardo Strauss, pese a que era

considerado en aquel entonces como “el mayor compositor del momento” ya

había estremecido violentamente tanto al público como a la mayoría de los

críticos de renombre, entre los 200 más afamados que asistieron a la premiere,

con el atrevido y espectacular estilo de orquestación de su ópera Electra, el 25 de

enero de 1901 al punto de ser tildado de loco!

Hemos dicho al inicio de esta obra que los ruidos ocupan un lugar

importante en el arte de la música. El fenómeno no es nuevo. Compositores como

149

Mozart y Beethoven así lo comprendieron. En el inicio de la marcha alemana,

en si bemol, del último movimiento de la Novena Sinfonía, Beethoven utiliza

bombo, triángulo y platillos, instrumentos percusivos de afinación indeterminada

o ruidosos, que escandalizaron los oídos de la época. Posteriormente los

compositores del siglo XIX y sus sucesores, incorporaron a sus partituras mayor

cantidad de instrumentos percusivos exóticos: Tchaikovsky incluye con la

Obertura 1812 un cañón militar (!) buscando un efecto sonoro específico, detalle

que hoy día ya pasa casi desapercibido. Los compositores del siglo XX dan una

participación aún más importante al factor ruido, no sólo en la música

instrumental sino también en la vocal.

La tradicional palabra hablada o recitativo tan utilizado en la ópera, se

enfatizó aun más y se enriqueció con nuevas sutilezas melódicas (melodía

hablada). El ejemplo más impresionante quizás lo encontramos en la partitura de

Pierrot Lunaire (1912) de Schönberg quien enfrentó grandes dificultades para su

correcta notación. La novedad fue inmediatamente adoptada por otros

compositores particularmente por sus discípulos. Al año siguiente el maestro

vienés compone su partitura coral, La Mano Feliz, en la que une melodías

habladas con melodías cantadas. Su discípulo Berg, osadamente amplía aún más

las posibilidades en la ópera Wozzek (1917).

En 1915 el compositor francés Milhaud hace la primera combinación de

coros hablados mixtos con música puramente de ruidos o sonidos

indeterminados, utilizando 15 percusionistas en su obra, Las Coéforas. El uso de

instrumentos de afinación indeterminada, que producen ruidos, se hizo

característico durante la tercera y cuarta década del siglo. En efecto una de las

obras más interesantes en este sentido es la Sonata para dos pianos, percusión y

celesta de Bartok que data de 1937 (la obra existe también en la versión de

Concierto para dos pianos, percusión y orquesta, de 1940), así como la Toccata

para instrumentos de percusión, de 1942, del mexicano Carlos Chavez,

interesante obra en tres movimientos, con diversos tipos de tambores, actuales y

precolombinos, entre otros instrumentos percusivos.

Otro elemento incorporado a la música actual es el de la simultaneidad

tonal, noción ya conocida en la pintura y en la poesía lírica de la segunda década

del siglo XX. La simultaneidad desde el punto de vista melódico ya se conocía

desde la Edad Media; en el siglo XX se aplicó en los campos de la tonalidad y

del ritmo. Uno de los ejemplos más tempranos de la simultaneidad tonal nos la

brinda Bartok, en 1908, en la primera de las Catorce Bagatelas, Op. 6. La pieza

tiene dos líneas melódicas escritas en tonalidades distintas: una en do sostenido

menor y la otra en fa menor. Si bien es cierto que ya Bach había incursionado en

la bitonalidad, en uno de sus Dúos para clave, es solo en nuestro siglo que se

establece en forma definitiva la politonalidad simultánea.

Ya se ha dicho que si hace mil años se pasó de la monofonía a la polifonía

no hay razón para que ahora no se pase de la monotonalidad a la politonalidad.

Stravinsky usa constantemente hasta tres tonalidades simultáneas y Milhaud en

su Tercera Sinfonía para pequeña orquesta (1912) tiene pasajes en que seis

instrumentos diferentes ejecutan seis melodías en seis distintas tonalidades, a la

150

vez. La innovación fue de inmediato emulada por otros compositores importantes

del momento, entre ellos: Busoni, Ricardo Strauss, Debussy, Ravel y

Prokofieff.

La simultaneidad rítmica fue experimentada tempranamente por el

compositor francés Eric Satie, el estadounidense Charles Ives y el propio

Stravinsky. Sucesivamente el compositor vienés Berg enriquece el campo de la

polimetría y polirítmica con el concepto nuevo que él denomina rondó rítmico,

que aplica tanto en su Concierto para violín (1935) como en su ópera Lulú

(1929-35).

Con la técnica dodecafónica, y a partir de la Suite para piano Op. 25 de

Schönberg, se incorpora un nuevo concepto a la música vanguardista del siglo

XX: el atonalismo organizado, con el que se tiran por tierra las reglas de la

armonía tradicional y se abren al mismo tiempo nuevos horizontes para la

creación musical. Ejemplo admirable y riguroso de esta segunda etapa del

atonalismo lo constituye el ya mencionado drama musical Wozzeck de Alban

Berg, de una trascendencia comparable a Boris Godunov de Mussorgsky o a

Peleas y Melisanda de Debussy.

Otros compositores a su vez buscaron nuevos rumbos en el campo de la

Afinación Temperada basando sus teorías en la división matemática, no natural,

del sonido. Inclusive los griegos conocieron los microintervalos dentro del

tetracorde. El propio Aristóxeno267

, teórico del siglo IV a. C., habló de cuartos,

tres cuartos y tres octavos de tono, y en la música de la India se utilizan

intervalos menores que el semitono occidental. La bisección matemática del

semitono en la música occidental se practicó desde finales del decimonono y se

extendió hasta mediados del siglo XX en la obra de compositores como, Alois-

Haba, Novak, Carrillo, Bloch, Enesco y Krenek entre otros, quienes aplicaron

la microtonalidad en diversas ocasiones.

El maestro mexicano Julián Carrillo (1875-1965) fue uno de los

zapadores de la bisección del sonido y sin duda el compositor más importante en

nuestro Continente en dicha innovación. Entre sus obras -en las que aplica sus

nuevos experimentos- está el Concertino para violín, guitarra, violonchelo,

octavina, corno y arpa con cuartos, octavos y dieciseisavos de tono. En 1931 el

compositor moravo Alois Hába (1893-1973) discípulo de Novak en Praga y de

Schrecker en Viena, estrenó en Munich la primera ópera conocida en cuartos de

tono, llamada La Madre. En 1924 la casa Foerster fabricó un piano con cuartos

de tonos siguiendo el diseño proporcionado por el compositor. Hába impartió

clases de composición en cuartos de tonos en el Conservatorio de Praga.

El género microtonal ha ido desapareciendo, en parte por la dificultad de

su ejecución (habría que construir instrumentos especiales para hacerlo), por

haberse puesto en duda la necesidad de la bisección del sonido y nuestra

ineptitud para usarla.

267

Aristóxeno propuso, inclusive, una afinación semejante a la que posteriormente se llamaría afinación

temperada.

151

El compositor actual da al sonido en sí toda una importancia muy

particular. De ahí la proliferación de las combinaciones y timbres. Cada cual

busca y experimenta su propia sonoridad para identificarla con la expresión de su

emoción creadora, pero la calidad de esa emoción así como la forma expresiva

que adopta es radicalmente diferente y hasta opuesta a lo que se haya hecho hasta

el momento. De ahí la imposibilidad de juzgar el arte actual con los cánones

estéticos ya establecidos y propios de una época pretérita. El oyente de hoy tiene

que estar preparado para recibir el mensaje de una obra que no se ajusta a

ninguna experiencia previa, un mensaje que pareciera tirar por tierra todo lo

convencional y axiomático anterior, y una obra que no admite comparaciones ni

análisis superficiales, pero que reafirma, mas que nunca, el derecho impertérrito

que tiene el arte y el artista creador de renovarse en cada instante de su

existencia.

Como quiera que la música es un arte que transcurre en el tiempo, los

conceptos tiempo y forma musical se tornan inseparables. La forma musical

tradicional se manifiesta mediante la identificación del mensaje sonoro y de la

transformación y reiteración de ciertas células reconocibles. A comienzos del

siglo XX, las repeticiones y reiteraciones fueron desapareciendo poco a poco, lo

que se conoce como “renuncia de la memoria del mensaje musical”, aunque el

discurso sonoro tal como fue decidido y escrito por el compositor permanecía

inalterable. Al no transformarse (desarrollo) ni repetirse (recapitulación) el

material sonoro -eliminándole las simetrías definidas durante la época

clásico/romántica- no había lugar para la elaboración, aunque sólo fuera en forma

muy subjetiva, de una estructura sonora. Se obtenía pues una exposición o

presentación sonora simple y llana, a través de todo el discurso que ya de por sí

rompía, por su intermitente novedad, con el procedimiento tradicionalista. Aún

así, el discurso sonoro, al ejecutarse nuevamente, surge siempre igual, en virtud

de que así ha sido ordenado y escrito por el propio compositor.

Es interesante constatar, por otro lado, que en un país como Italia que

durante todo un siglo ha estado prácticamente viviendo del bel canto haya

surgido una generación obstinadamente interesada en las técnicas más actuales

de composición, lanzando inclusive el conocido Festival de Palermo que

mantiene sus puertas abiertas a toda clase de manifestación musical novedosa.

A la cabeza de esta amplia apertura se colocaron dos compositores ya de

renombre internacional: Luigi Nono (1924-1990) y Luciano Berio (1925). El

primero, licenciado en Derecho, fue alumno de Malipiero, Maderna y

Scherchen. En 1955 casó con Núria la hija de Schönberg y a partir del éxito de

Il canto sospeso (1956) se lanza a una carrera internacional de primera magnitud.

De 1954 a 1960 trabajó en el estudio electrónico de Radio Milán. A su vez

Berio, quien también hizo estudios de Derecho, asistió a los cursos de

Dallapiccola en Tanglewood (Estados Unidos), convirtiéndose en poco tiempo

en una de las personalidades internacionales más importantes del momento. En

1954 fundó con Bruno Maderna el Estudio de Fonología de la RAI (Milán)

donde ya había realizado experiencias electroacústicas. De 1965 a 1971 fue

profesor de composición de la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, para

152

regresar a Europa y ser profesor del IRCAM de París y Director de la Academia

Filarmónica de Roma, en 1976.

Durante la tercera década del siglo XX el estadounidense Charles

Ives268

que según Juan Carlos Paz es “el músico creador más potente y original

que haya surgido en América”269

, hace las primeras experiencias de eliminación

estructural en su original Sonata Concord, para piano, a través de una serie de

fragmentos que pueden yuxtaponerse y dinamisarse en forma libre y espontánea

(música aleatoria). En otras palabras, música que admite tipos antitéticos de

ejecución por no haber predeterminado el compositor un camino único a seguir.

Esta admirable como sorprendente experiencia pasó desapercibida en el

momento y sólo se repite muchos años después, también en Estados Unidos, con

John Cage, en Music of Changes (1951), en Europa con el alemán Stockhausen

en Pieza de piano Nº XI y el francés Boulez en su Tercera Sonata para piano. En

todas estas obras el concepto forma sufrió una transformación radical no

solamente por la ausencia de una memoria musical sino principalmente por la

imposibilidad de obtener dos ejecuciones materialmente iguales. En efecto el

mensaje sonoro se manifiesta en forma distinta en cada versión, dependiendo del

ejecutante, aunque el compositor continúa conservando la responsabilidad de

todo y cualquier resultado que pueda obtenerse con sus materiales sonoros

originales por más reducidos que estos parecieran ser.

No hay que olvidar que los parámetros que rigen la creación de las

grandes obras de arte están siempre en constante renovación y que lo que hoy

constituye elemento de novedad que exige conocimiento y comprensión extrema

por parte de cada uno, se transforma tarde o temprano en materia superada y pasa

a hacer parte de un legado pretérito que hay que conservar.

Es precisamente esa sensible complejidad de la naturaleza del arte lo que

dificulta cada vez más una creación original que queda restringida

momentáneamente a grupos de iniciados. De ahí que su divulgación deba

someterse a cronogramas cuidadosamente planificados270

; así por ejemplo, una

nueva obra musical contemporánea sólo podría captar el interés del hombre

medio, si se pudiera escuchar un número plural de veces, en momentos y

ambientes adecuados y a través de ejecuciones de calidad superior. Es sabido, sin

embargo, que reunir estas condiciones no es siempre fácil aún en grandes

metrópolis, por lo que es menester que los organismos de instrucción y

divulgación general, en los que recae la grave responsabilidad de informar y

enriquecer culturalmente a la ciudadanía, observen y comprendan el fenómeno

con la seriedad e interés que amerita, para impedir que el hombre de hoy, tan

agobiado cotidianamente por el feroz pragmatismo que lo rodea, quede triste e

irreparablemente marginado del mundo extraordinario del arte musical y la

cultura artística en general.

268

Ver, Charles Ives y su Música, por Henry y Sidney Cowell, con prefacio de Juan Carlos Paz. Rodolfo

Alonso Editor, Buenos Aires, 1971. 269

En el prefacio intitulado Charles Ives, un fenómeno musical, de Juan Carlos Paz, a la biografía

anteriormente mencionada. 270

Que en países como el nuestro debe necesariamente programarse con grabaciones cuidadosamente

seleccionadas.

153

BREVES BIOGRAFÍAS

Arnold Schönberg (1874-1951)

Importante e innovador compositor austriaco271

, creador del Sistema de los doce

tonos272

, conocido también como dodecafonismo. Huérfano a los quince años se

271

Existe una excelente versión castellana de la obra, Vida, contexto y obra de Schönberg de H.H.

Stuckenschmidt, en Alianza Editorial, S.A., Madrid, 1991.

154

emplea en la banca y prosigue estudiando música por su cuenta. Dirige un coro,

escribe canciones para un cabaret e instrumenta operetas. Autodidacta en buena

medida, tomó lecciones con Alexander von Zemlinsky273

(1872-1942) fue

heredero de la más auténtica tradición wagneriana postromántica, lo que queda

patente en sus primeras obras, particularmente en su sexteto, Noche

Transfigurada,Op. 4, transformada en el Ballet Los siete pilares de fuego. Fue

director de orquesta del cabaret literario de Berlín (Buntes Theater). Sus

canciones, Gurrelieder, le valieron la recomendación de Ricardo Strauss, para

el Premio Liszt así como una cátedra de composición en el Conservatorio Stern.

Después de la Primera Guerra mundial abrió en Viena un seminario de

composición en el que se inscribieron discípulos y colaboradores que pronto se

harían muy conocidos, entre ellos, Ratz, Berg, Steuermann y Webern. Entre

1921 y 1924 nacieron sus primeras obras escritas dentro de la discutida nueva

técnica de los 12 sonidos. En 1925 sucedió a Ferrucio Busoni en las clases

superiores de composición en la Academia prusiana de Berlín. En 1933 se exilió

en Francia, para continuar de inmediato a los EE.UU., donde vivió el resto de su

vida, siendo profesor tanto en Nueva York como en Boston y Los Angeles en la

Universidad de California, donde recibió alumnos de todos los confines del

planeta. Murió trabajando en los textos de los Salmos modernos. Su obra

comprende, entre otras cosas: piezas para piano; 3 Piezas Op. 11; 6 Piezas

pequeñas Op. 19; 5 Piezas Op. 23; Suite Op. 25; 2 Piezas Op. 33; Variaciones

sobre un Recitativo Op.40; Fantasía Op. 47 para violín y piano; Trío de cuerdas,

Op. 45; 4 Cuartetos para cuerdas; Quinteto de Viento Op. 26; Noche

Transfigurada Op. 4 (sexteto de cuerdas); Serenata Op. 24 para 8 instrumentos;

Suite Op. 29 para siete instrumentos; Sinfonía de cámara nº 1, Op. 9, para

quince instrumentos; el poema sinfónico, Pelleas y Melisanda Op. 5; 5 Piezas

para orquesta Op. 16; Variaciones para orquesta, Op. 31; Música para una

película, Op. 34; Concierto para violín, Op. 36; Concierto para piano Op. 42;

Tema y Variaciones Op. 43; etc. Para canto escribió varios grupos de lieder,

entre ellos Gurrelieder y el ciclo de 21 melodramas, Pierrot Lunaire, así como

diversas obras corales. Su ópera Moises y Aaron, en 3 actos, quedó inacabada.

Entre sus escritos se conocen universalmente, su tratado, Armonía Tradicional

(traducido a todas las lenguas) así como su ensayo filosófico, Estilo e Ideas. El

sistema creado por Schönberg rompe definitivamente con todo el sistema

armónico conocido hasta entonces.

Manuel De Falla (1876-1946)

Importante compositor español. Estudió armonía y composición en Cádiz, y

piano en el Conservatorio de Madrid en el que obtuvo los mayores honores.

272

Realmente el Sistema de los doce Tonos fue creado por el austriaco Joseph Mathias Hauer (1883-

1959) quien además de músico era reconocido matemático. Hauer publicó en 1912 una obra para piano

llamada Law, que constituye la primera composición conocida escrita dentro de dicha técnica. Las

primeras obras dodecafonistas de Schönberg solo aparecen en 1923. La expresión dodecafonismo fue

usada por primera vez, en 1911, por el musicólogo e historiador italiano Domenico Alaleona (1881-

1928). 273

Zemlinsky, cuñado de Schönberg, además de compositor fue importante director de orquesta.

155

Entre 1900 y 1905 escribe varias zarzuelas en colaboración con Vives de las que

quedó únicamente Los Amores de la Inés que alcanzó moderado éxito. En 1903

ganó un premio nacional con su obra para piano, Allegro de Concierto, y en 1905

se adjudicó el Premio de la Academia de Bellas Artes de Madrid con su ópera La

Vida Breve, su primera obra realmente importante. Ese mismo año compone sus

Siete canciones populares españolas que constituyen, hasta hoy, uno de sus

mayores éxitos. En 1907 viajó a París donde vivió siete años, alternando con los

mayores artistas del momento: Debussy, Dukas, Ravel, Satie, Albéniz, Schmitt,

Roussel, Stravinsky etc., y absorviendo todas las novedades de la Escuela

Impresionista. En 1908 escribe las Piezas Españolas, para piano (1908) y Tres

Melodías (1909) con texto de Gautier, publicadas al año siguiente. Al estallar la

Primera Gran Guerra regresa a Madrid, y en 1915 estrena El Amor Brujo. De

Falla que era un hombre ajeno a cualquier tipo de publicidad o vida social, en

1919 se retiró a Granada, a la sombra de la Alhambra, donde residió durante 17

años apartado de cualquier otra actividad que no fuera la composición musical y

viajando esporádicamente a otras ciudades europeas para escuchar la ejecución

de sus propias obras. Ese mismo año Diaghilev presenta en Londres El Sombrero

de los Tres Picos, ballet inspirado en la obra original de Antonio de Alarcón. A

raíz de la guerra civil española De Falla se expatrió voluntariamente en

Argentina, residiendo en Alta Gracia, provincia de Córdoba, donde escribió su

cantata escénica La Atlántida, que no llegó a terminar274

. De Falla murió en Alta

Gracia el 14 de noviembre de 1946. Otras obras importantes son: Fantasía

Bética (1919) para piano, obra encargo del célebre virtuoso Arturo Rubinstein;

Noche en los Jardines de España, para piano y orquesta (1915); Homenaje a La

tumba, de Debussy, su única obra para guitarra; El Retablo de Maese Pedro

(1923); Concierto para clavecín y orquesta (1926) dedicado a la gran

clavecinista polaca Wanda Landowska, etc. Pese a que la obra de De Falla no

es muy abundante, mantiene siempre un nivel de calidad superior.

Bela Bartok (1881-1945)

Compositor húngaro, de corte nacionalista. A los nueve años escribió sus

primeras composiciones para piano y al año siguiente tuvo sus primeras

presentaciones públicas como pianista. Hizo estudios intensivos de música en

Pressburgo con Lászlo Erkel, después de lo cual asistió a la Academia Real de

Música de Budapest (Hungría) donde fue alumno de piano de István Thomán y

composición de János Koessler. En 1907 fue nombrado instructor de piano en

la Academia. Excelente pianista, viajó por Europa y Estados Unidos ejecutando

sus propias obras. Ya para ese entonces había escrito gran cantidad de obras,

entre ellas: 14 Bagatelas Op. 6; Cuarteto para cuerdas, Op. 7; Para los niños,

274

La Atlántida, probablemente la obra más ambiciosa de Manuel de Falla, que lo mantuvo ocupado

durante casi 25 años, fue terminada por el compositor español Ernesto Halffter. Como quiera que los

derechos de la partitura los tenía legalmente la Casa Ricordi de Milán, ésta decidió que la primera

presentación mundial se realizaría en La Scala, lo que motivó una discusión con España que insistía que

se diera en territorio español por constituir una obra épica nacional. Ambas partes llegaron a un acuerdo,

que consistió en que se diera en España una “versión de concierto” con partes de la obra, mientras la

versión escenográfica completa se produjera en La Scala. Y así se hizo.

156

colección de 85 cantos populares arreglados para piano (1908) muy útiles para la

pedagogía musical; la ópera El Castillo de Barba Azul (1911) y el popular

Allegro Bárbaro para piano. En 1940, con 60 años de edad, estableció su

residencia definitiva en Estados Unidos, falleciendo cinco años después, de

leucemia, en un hospital de Nueva York, en completa penuria y prácticamente

abandonado muy a pesar de haber sido reconocido como “uno de los

compositores titanes del siglo”. Fue un investigador infatigable del folclor

húngaro material que recogió en una publicación monumental, junto con Zoltán

Kodály, creando a su vez un estilo muy personal de composición. Su obra,

incluye: un Quinteto con piano (1904); Suite para orquesta Op. 3 (1905); 2

Conciertos para violín y orquesta (1907 y 1938) 6 Cuartetos para cuerdas

(1909/1939); 2 Sonatas para violín y piano (1921 y 1922); 2 Rapsodias para

violín y piano (1928) con versiones para violín y orquesta; Sonata para violín

sólo (1944); 3 Conciertos para piano y orquesta (1926/1945); Música para

cuerdas, celesta y percusión (1936); 14 Bagatelas para piano (1908); Diez

piezas para niños (1908); Allegro Bárbaro para piano (1911); Sonatina para

piano (1915); Suite Op. 14 para piano (1916); Tres Estudios para piano (1918);

Sonata para piano (1926); Suite para piano “Al aire libre” (1926); Concierto

para Orquesta (obra comisionada por Koussevitzky en 1943); Suites para

pequeña orquesta; Danzas Rumanas; Danzas húngaras; Sonata para 2 pianos e

instrumentos de percusión (1937) de la que existe también una versión con

acompañamiento de orquesta de 1940 llamada Concierto para dos pianos y

orquesta; Música vocal: Gran variedad de canciones inspiradas en melodías

populares, etc. Para le escena escribió la ópera El castillo de Barba Azul (1911),

así como los ballets El Príncipe de madera (1916) y El Mandarín milagroso

(1919). Para piano escribió también un Método que ha tenido mucha divulgación,

además de la célebre colección, Mikrokosmos, especie de método para piano en 6

volúmenes, con 156 piezas en total, escritas entre 1926 y 1937, muy conocida en

todos los Conservatorios y Escuelas de Música. Bartok dejó una diversidad de

artículos y pequeños ensayos particularmente sobre música popular tanto húngara

como eslovaca, búlgara, rumana y turca275

.

Igor Stravinsky (1882-1971)

Compositor ruso y una de las personalidades musicales más decisivas del siglo

XX276

. Su padre fue un célebre cantante del Teatro Marínsky de San

Petersburgo. Obtuvo su licenciatura en Derecho en 1905, a instancias paternas,

pero optó por ser compositor y fue discípulo de Rimsky-Korsakov, durante tres

años. Su recia personalidad se hace notar a partir del Scherzo fantástico (1908) y

Fuego de Artificio, obras que demuestran ya su maestría en el arte de la

275

Una amplia muestra, en castellano, de sus artículos, así como una corta autobiografía con un prefacio

de Zoltán Kodály, se encuentra en, Bela Bartók, escritos sobre música popular, publicación de Siglo

Veintiuno editores, S.A., México, 1979 276

Recomendamos la lectura de Crónicas de mi vida, del propio Stravinsky, publicadas, en un tiraje

limitado y numerado, en versión castellana, con una carta prólogo de Victoria Ocampo y un retrato de

Picasso, en, Editorial Sur, Buenos Aires, 1936.

157

instrumentación. En 1910, a solicitud de Sergei Diaghilev277

, obtiene su primer

gran éxito con la partitura del ballet, El Pájaro de Fuego, éxito que se renueva

con Petrouchka, en la que demuestra, entre varias otras cosas, un particular y

novedoso uso del folclor. No obstante la obra que constituyó el símbolo de la

creación musical de la primera parte del siglo XX fue La Consagración de la

Primavera, obra revolucionaria en todo sentido, con una polirítmia emancipada y

poderosa, compases de siete, once, trece tiempos y síncopas variadas, etc., que

desencadenó un escándalo masivo, en la noche de su estreno, el 29 de mayo de

1913 en el Teatro de los Campos Elíseos, de París. Con estas tres obras maestras

Stravinsky se convirtió en un clásico, y en el representante por antonomasia del

expresionismo musical, junto con Schönberg. La Revolución de Octubre (1917)

le lleva a refugiarse en París, donde escribe El Canto del Ruiseñor, Las Bodas,

La Historia del soldado (1918), Polichinela (1919) Sinfonía para instrumentos

de viento (1920), la ópera cómica, Mavra (1922), Octeto para vientos (1923),

Concierto para piano y orquesta de vientos (1924) así como Sinfonía de los

Salmos, Edipo Rey, Apolo Lider de las Musas, y la ópera The Rake´s Progress,

etc., obras todas de primerísima importancia. A raíz de la Segunda guerra

Mundial (1939), decide residir permanentemente en EE.UU. En la década de los

50 experimentó con el sistema de los doce tonos y lanza su Cantata sobre cuatro

poemas ingleses anónimos, Septeto y el nuevo ballet, Agon (1956), pasando

luego a incurrir en el serialismo con su obra Sacrum ad honorem Sancti Marci

nominis. En 1959 ocupo la cátedra de Poética Musical en la Universidad de

Harvard, dictando seis charlas magistrales que fueron recogidas y traducidas a

varios idiomas278

. Otras de sus obras son: El beso del Hada, Capriccio (para

piano y orquesta), Concierto en re para violín y orquesta, Persefone

(melodrama), Juego de Cartas (ballet). Concierto en do (para 14 instrumentos),

Sinfonía en do, Oda, Sinfonía en tres movimientos, Misa (para coros mixtos, coro

de niños y diez instrumentos), Orfeo (ballet), etc.

Anton von Webern (1883-1945)

Compositor austriaco. Estudió musicología con Guido Adler y recibió el título

de doctor en Filosofía en la Universidad de Viena, en 1906 con la tesis Choralis

Constantinus de Heinrich Isaac. Fue discípulo de Schönberg y dirigió orquesta

durante varios años en diferentes teatros provinciales y en Praga. Se dedicó a la

enseñanza de la composición y a dirigir conciertos populares para los obreros. Su

obra, aunque limitada, incluye, entre otras: 4 Piezas para violín y piano; 3

277

Célebre mecenas y empresario ruso que supo reunir los mejores bailarines del teatro imperial para

espectáculos públicos tanto en Rusia como en París y otras ciudades. En 1913 su grupo que denominó

Ballets Rusos, formado en 1911, inauguró el Teatro de los Campos Elíseos de París, brindando las

primeras presentaciones mundiales de obras como: Petrouchka, la Consagración de la Primavera, El

Pájaro de Fuego, El gallo de oro, etc. (Stravinsky), El Espectro de la Rosa (Weber), El Lago de los

Cisnes (Tchaikovsky), Daphnis y Chloé (Ravel), L´Aprés midi d´un faune (Debussy), etc. 278

Las charlas de la cátedra, Poética Musical (con nota preliminar de Adolfo Salazar), han sido

recogidas y vertidas al español por diferentes editoriales argentinas y españolas.

158

Pequeñas Piezas Op. 11; Tríos de cuerdas, Op. 20; Cuarteto Op. 22 para violín

clarinete, saxofón, tenor y piano; Cuarteto Op. 28; Quinteto con piano (1906);

Sinfonía Op.21; Concierto Op. 24; Variaciones Op. 27; Variaciones Op. 30, etc.

Música vocal abundante con diversas combinaciones instrumentales. En 1934

cuando Austria se incorporó al Tercer Reich, a Webern, el austero miniaturista de

la Escuela de Viena279

alegremente acusado de bolchevismo cultural, se le

despoja de sus posiciones oficiales, se destruyen sus manuscritos y se prohíbe la

ejecución de sus obras. Webern murió por un tiro que recibió, accidentalmente,

de parte de un soldado norteamericano. Para muchos Webern es el representante

más significativo de la Escuela de Schönberg también conocida como Escuela de

Viena.

Alban Berg (1885-1935)

Compositor austriaco. A pesar de su temprana inclinación por la música sólo

empezó a recibir instrucción musical seria a partir de los 20 años, con

Schönberg. A partir de 1906, gracias a una herencia recibida, pudo dedicarse

por entero a la composición. Su primera obra de cierta importancia, Cuatro

Canciones para Orquesta (Altenberg Lieder, 1912), constituyó un caos en su

primera presentación pública en Viena, en 1913, lo que continuó sucediendo con

otras de sus creaciones. No obstante Berg, indiferente al rechazo del público,

continuó componiendo lentamente, con gran pulcritud y sensibilidad. Su obra

apenas rebasa los diez títulos pero ya se ha dicho que casi cada página suya

constituye una obra maestra. A la altura de la Primera Gran Guerra, Berg sólo

había escrito dos obras de mayor importancia: Cuatro Piezas, Op. 5 para

clarinete y piano (1913) y las Tres piezas para Orquesta, Op. 6 (1914). Dedica

varios años en escribir la ópera Wozzek, que termina en 1920 y cuya primera

audición mundial tuvo lugar en la Opera del Estado de Berlín en 1925, dirigida

por Erich Kleiber, obra que le dio prestigio mundial. Ese mismo año escribe el

Concierto de Cámara, para piano, violín y 13 instrumentos de viento, seguida de

Suite Lírica (1926) y del Cuarteto para cuerdas. En 1927 la Editorial Universal

de Viena le firmó un contrato de por vida. En 1935 escribe su célebre Concierto

para violín280

y su ópera Lulú, que quedó sin terminar. En agosto del año 35 fue

picado por un insecto desconocido que le produjo un absceso; cuatro meses

después fue operado, se le hizo una transfusión de sangre y una semana después

murió víctima de una septicemia. De los tres grandes compositores de la Escuela

de Viena, Berg fue el único que se preocupó por reconciliar el atonalismo con la

gran tradición tonal.

Sergio Prokofiev (1891-1953)

279

Su maestro, Schönberg, decía que “Webern era capaz de expresar una novela en un sólo suspiro”. 280

Obra llena de lirismo dedicada a Manon, la hija de Alma Mahler, con la dedicatoria “a la memoria de

un ángel”.

159

Compositor y brillante pianista ruso281

. A los cinco años escribió sus primeras

obras para piano y a los 9 compuso la partitura de piano de su primera ópera

llamada El Gigante. Estudió composición con Gliere, Liadov y Rimky-

Korsakov, piano con Essipova y dirección de orquesta con Tcherepnin en el

Conservatorio de San Petersburgo. A los 23 años ganó el Premio Rubinstein con

su primer Concierto para piano y orquesta. Viajó por Europa y vivió en Londres,

París, Japón y en Estados Unidos, en donde estrenó la ópera El amor de las tres

naranjas, regresando definitivamente a Rusia en 1934, después de vivir 10 años

en París. Su primera obra orquestal importante es la Suite Escita, escrita en 1915.

En 1943 fue laureado con el Premio del Estado Soviético, y en 1947 fue

declarado Artista del Pueblo de la Federación Rusa. No obstante en 1948 tuvo

que enfrentar las ridículas críticas que le dirigió el Comité Central del Partido

Comunista por el “formalismo” de su música a las que respondió con una carta

abierta publicada en el Pravda. En 1951 obtiene por segunda vez el Premio de

Estado. El Premio Lenin, la más alta condecoración del Gobierno soviético, le

fue concedido a título póstumo. Su obra, extensa, que cubre todos los géneros

musicales, comprende, para orquesta: 7 Sinfonías (entre ellas la primera,

conocida como Sinfonía clásica), Canto Sinfónico, El teniente Kijé (film), Las

Noches Egipcias, Obertura sobre temas judíos, Pedro y el Lobo (cuento

sinfónico y declamado para niños) etc. los Ballets, Chout el Bufón, Paso de

Acero, El hijo pródigo, Sobre el Dniéper, Romeo y Julieta, La Cenicienta,

Leyenda de la flor de piedra, etc. 9 Sonatas para piano; Visiones Fugitivas,

Sugestión Diabólica, Toccata, Sarcasmos, Los Cuentos de la Vieja Abuela, 5

Conciertos para piano y orquesta (el IV es para la mano izquierda); 2 Conciertos

para violín y orquesta, 3 Conciertos para violonchelo, etc. Unas 30 Canciones;

Cantata para el XX aniversario de la Revolución de octubre, Las Canciones de

nuestro tiempo, etc. El Oratorio La Guardia de la Paz. Entre sus óperas están: El

amor de las tres naranjas, El ángel de fuego, Semión Korko, La dueña, Guerra y

Paz, Historia de un hombre verdadero, etc. Iván el Terrible, para el film

homónimo; Alexander Nevsky (film), Un partisano en las estepas de Ucrania

(film), etc. Prokofiev dejó varios escritos como fragmentos de una autobiografía

(Años jóvenes, El Conservatorio, y Acabando el Conservatorio). Su obra

constituye uno de los testimonios más valiosos del arte musical de la primera

mitad del siglo XX.

Paul Hindemith (1895-1963)

Compositor, director y teórico alemán. Se educó en el Conservatorio Hoch en

Frankfort. En 1915 fue nombrado Konzermeister de la orquesta de la Ópera de

Frankfurt y miembro del Cuarteto Amar del cual fue fundador. De 1921 a 1926

sobresalió como violista y compositor en los Festivales de música

contemporánea de cámara de Donaueschingen, en Baden Baden, en los que se

estrenaron varios de sus cuartetos. En 1927 fue profesor de composición en la

Hochschule für Musik de Berlin (Escuela Superior de Música). En ocasión del

281

Ver biografía de Prokofiev, por Harlow Robinson, en Javier Vergara Editor, S.A., Buenos Aires,

1988.

160

estreno de su Sinfonía Mathias el Pintor, el 12 de marzo de 1934, con la

Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Wilhelm Fürtwängler tuvo

problemas con el partido Nazi que lo acusó de escribir “música decadente y

degenerada”. Acto seguido decidió abandonar Alemania. Viajó a Turquía,

honrando una invitación del gobierno turco para organizar la vida musical de

Estambul. A partir de 1940 se estableció definitivamente en Estados Unidos,

donde se incorporó a la facultad de la Universidad de Yale, además de dictar

clases de composición en el Centro Musical de Berkshire y en la Universidad de

Harvard, donde escribió sus dos conocidas obras teóricas, El Arte de componer y

Armonía Tradicional282

traducidas a varios idiomas. En 1953 regresó a Europa

para residir en Zurich después de lo cual viajó a NuevaYork (1961) para asistir a

la presentación de su ópera, La larga cena de Navidad. Su última presentación

pública fue en Berlín, noviembre de 1963, donde dirigió su última obra, Misa

para coro a cappella. Al mes siguiente, el 28 de diciembre, murió en Frankfurt

víctima de un problema circulatorio. En 1955 recibió el Premio Sibelius así como

el Premio Balzam (Roma, 1962) “por su significativa aportación al arte de la

música”. Entre su vasta producción, que cubrió todos los géneros musicales,

tiene obras individuales con piano para todos los instrumentos de la orquesta.

Entre sus óperas tenemos, Santa Susana, Cardillac, Matías el pintor y La

Armonía del mundo. Gran cantidad de obras para orquesta: Sinfonía en mi bemol;

Concierto Filarmónico (variaciones); Danzas Sinfónicas; Metamorfosis

Sinfónica, sobre un tema de Weber; Sinfonietta; la ya mencionada Sinfonía

Matías el Pintor; etc. Conciertos para diferentes instrumentos: violín, viola,

violonchelo, órgano, piano, clarinete, fagot, trompeta, corno francés, etc.

Concierto para Orquesta con oboe, fagot y violín de solistas; Los cuatro

Temperamentos (para piano y cuerdas) etc., así como abundante música de

cámara para una diversidad de combinaciones instrumentales. Entre su obra para

piano: 3 Sonatas; Suite Op. 26; Ludus Tonalis, colección de Preludios,

Interludios y Fugas283

; Klaviermusik Op. 37; etc. Ballet (Nobilissima Visione); el

ciclo de canciones, La Vida de María, para soprano y piano; etc.

Dmitri Dmitrievitch Shostakovitch (1906-1975)

Compositor ruso soviético. De padre y madre talentosos musicalmente, ella,

alumna del Conservatorio de San Petersburgo, fue su primera maestra de piano.

A los nueve años de edad compuso un Tema con Variaciones y dos años después

un Himno a la Libertad en homenaje a la revolución octubrina. Asistió a la

Escuela Glasser de la que pasó al Conservatorio de Leningrado (San Petersburgo)

a las clases de L.V. Nicolaev (piano) y M. O. Steinberg (composición), yerno de

Rimsky Korsakov, coronando sus estudios con honores, en 1925. Fue

Nombrado profesor de composición del Conservatorio en 1939, al mismo tiempo

282

Ambas publicadas, en castellano, por Ricordi Americana de Buenos Aires, Argentina. 283

Ludus Tonáis (Juego de tonalidades) comprende 12 fugas en diferentes tonalidades, enlazadas por 11

interludios modulantes. Cada fuga esta precedida de un preludio en Do que sirve, en inversión retrógrada,

de postludio. La obra fue escrita en 1942.

161

que en el de Moscú y Primer Secretario de la Unión de Compositores a partir de

1960. Su primera obra importante fue la Sinfonía Op. 10, en fa menor escrita a

los 19 años de edad, presentada al año siguiente por el director Malko con tan

gran éxito que decidió dedicarse por entero a la composición, pese a su gran

talento pianístico. Siguieron, la Sonata Op. 12 para piano, las 10 Piezas para

piano y la Segunda Sinfonía Op. 14, esta última para celebrar el X aniversario de

la Revolución, seguida de su ópera La Nariz producida en Leningrado el 13 de

enero de 1930, el mismo año de su importante ballet en tres actos La Edad de oro

y la Tercera Sinfonía en un solo movimiento. Un crítico de Nueva York lo

consideró “el Mozart del siglo XX”. Los éxitos le fueron sucediendo uno tras

otro. No obstante fue sometido a las mas absurdas como incomprensibles críticas

por parte del Comité Soviético de las Artes, por su “música de carácter burgués”

al punto tal que se vio obligado a modificar ciertas obras, entre ellas la ópera

Lady Macbeth del distrito de Mtsensk pese al inmenso éxito con que había sido

recibida desde su primera presentación el 22 de enero de 1934. Después de

retirada de circulación y reciclada, la ópera reapareció con el nuevo título de

Katerina Ismailova, nombre de la heroína de la obra. Es autor de una prolifera

obra que cubre todos los géneros: 13 Sinfonías (algunas llevan subtítulos, como

Leningrado), 10 Cuartetos para cuerdas, 2 Conciertos para piano y orquesta,

Concierto para violín y orquesta, Concierto para violonchelo y orquesta, 4

Suites para orquesta, 2 Tríos, 24 Preludios para piano, 6 Piezas infantiles,

Aforismos, 24 Preludios y fugas, Concertino para dos pianos solos, Quinteto

para cuerdas, 4 Suites de Ballet, Cantos españoles, 8 Cantos populares ingleses

y americanos, El canto de los bosques (oratorio para solistas, coro de muchachos,

coro mixto y orquesta), Poema sobre la Patria (para solistas coro y orquesta), El

sol brilla sobre nuestra patria (cantata para coro de niños, coro mixto y

orquesta), La ejecución de Stepan Razin (poema para solistas, coro y orquesta,

etc. Óperas: La nariz (1927/28) inspirada en una obra de Gogol, Katerina

Ismailova (1930/32) Tcheriomouchki (1958). Ballets: La Edad de oro (1927/30),

El Encarcelamiento (1930/31), El Arroyo claro (1934/35), música de escena y

películas, así como una nueva instrumentación para la ópera Boris Godunov de

Mussorgski. Shostakovitch recibió por su Quinteto Op. 57, aclamado por los

críticos soviéticos como una obra maestra, el Premio Stalin con una dote de

100.000 Rublos.

Oliver Messiaen (1908-1992)

Eminente compositor francés, además de ornitólogo y especialista en ritmos. Sus

tres grandes influencias y fuente de inspiración fueron: su madre la poetisa

Cécile Sauvage, Shakespeare y particularmente Paul Claudel. En 1916 escribió

su primera composición La Dama de Shalott, para piano. Jean de Gibon le

inicio en los principios de la armonía. De 1919 a 1930 hizo estudios en el

Conservatorio de París, con diferentes maestros, entre ellos, J. y N. Gallon, M.

Emmanuel, M. Dupré, P. Dukas y A. Estyle, donde mereció cinco primeros

premios. Hizo estudios especiales de ritmos provinciales de la India antigua,

métrica griega, canto litúrgico, la agógica de Mozart y rítmica contemporánea,

162

además de filosofía y ornitología. En sus viajes por Europa, Oriente y América,

tanto en Estados Unidos como en Argentina, recogió el canto de los pájaros y,

junto con los de Francia, realizó una notación y clasificación detallada. En 1931

fue el organista de la Trinidad de París284

y al año siguiente es nombrado profesor

de la Schola Cantorum y de la Ecole Normale. En 1936, junto con Jolivet, Lesur

y Baudrier fundó el grupo Jeune de France (Juventud de Francia). Durante la

última conflagración mundial fue preso por los alemanes ocasión en que escribió

su célebre Quatuor pour la fin du Temps (Cuarteto para el final de los Tiempos).

En 1942 fue nombrado profesor de Armonía en el Conservatorio de París en

cuyas clases sobresalieron, Ivonne Loriod (conocida pianista con quien se casó)

y Pierre Boulez, con sendos primeros premios. También fueron discípulos suyos

Stockhausen y Xenakis. De 1947 a 1963 dio clases de ritmo en Budapest,

Darmstadt, Tanglewood y Buenos Aires. En 1966 pasó a ser profesor de

composición del Conservatorio de París y desde 1968 miembro del Instituto de

Francia. De ahí en adelante su elevado profesionalismo internacional le hace

merecedor de toda clase de condecoraciones, reconocimientos285

y premios entre

ellos la “medalla de oro de la Royal Philarmonic Society” de Londres en 1976.

Su obra puede dividirse en cuatro categorías: obras religiosas y teológicas

inspiradas en las Sagradas Escrituras; obras relacionadas con el mito de Tristán e

Isolda; obras de investigación rítmica y obras inspiradas en el canto de los

pájaros. Entre sus composiciones vocales están: Cantos de amor y de muerte

(1938), Tres pequeñas liturgias de la presencia Divina (1944), el oratorio La

Transfiguración estrenado en Lisboa en 1969, la ópera San Francisco de Asis

(1983), etc. Obras instrumentales: La Navidad del Señor (1935), El Cuerpo

glorioso (1939), Cuarteto para el fin de los tiempos (1940), Visión del Amen

(1943), Sinfonía Turangalila en la que usa por vez primera el instrumento

electrónico conocido con el nombre de ondas martenot (1946/48), Libro de

órgano (1952), El despertar de los pájaros (1953), Pájaros Exóticos (1955),

Catálogo de Pájaros (1956/58), Meditaciones sobre el misterio de la Santa

Trinidad (1969), etc. Es autor de una diversidad de artículos musicales, entre

ellos los pequeños ensayos, Análisis sobre (la ópera) Ariadna y Barba Azul de

Ducas; El ritmo en la obra de Stravinsky; Técnica de mi lenguaje musical, etc.

así como un Tratado del ritmo (1954). Messiaen estudió y aplicó los

procedimientos tanto de la música serial como de la música concreta para

enseñarla a sus alumnos, aunque sin dedicarse a componer nada con ellas. No

hay duda de que se trata de una de las personalidades musicales más aplaudidas

del siglo XX.

Pierre Bulez (1925)

Compositor y exitoso director francés. Su deseo fue ser matemático para lo cual

hizo estudios especiales en Lyon. Entró al Conservatorio de París en 1944 donde

284

Messiaen fue un organista excepcional. Con sus improvisaciones provocaba el espanto y al mismo

tiempo la admiración de los fieles que asistían a la misa dominical. 285

En Estados Unidos, cerca de Salt Lake City, en señal de admiración se le da a una montaña el nombre

de “Messiaenax”.

163

estudió armonía y composición con Olivier Messiaen, y contrapunto con

Andrée Vaurabourg-Honegger. Al año siguiente hizo estudios privados con

René Libowitz quien lo introdujo en el sistema de los doce tonos. Se inició

profesionalmente como director de orquesta, campo en el que ha alcanzado

renombre internacional. Creó en París, en 1955, el grupo Dominio Musical

(Domanine Musical), dedicado a la divulgación exclusiva de la música

vanguardista. En la década de los 70 creó el Ensemble Intercontemporain uno de

los grupos más importantes del género en el mundo, y en 1973 fundó en París el

IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica y Música). Con su

obra incursiona tanto en el dodecafonismo, que abrazó con pasión, como en el

concretismo, la electrónica, en lo aleatorio y en la composición espacial. Su obra

incluye: 3 Salmodias; 3 Sonatas para piano286

; Estructuras (dos libros) para dos

pianos; Sonatina, para flauta y piano; Polifonía X, para 18 instrumentos solistas;

Poesía para el poder, para solista, 3 orquestas y 4 bandas electrónicas; Estudios I

y II; Obras vocales, etc. Boulez, considerado como el guía de la escuela serial

postweberniana, es además un excelente ensayista en temas musicales, entre los

cuales están: La Música y los problemas contemporáneos (1963); Piense la

música actual (1964), colección de artículos de juventud; Relevos de aprendices

(1967); La música en proyecto (1975) obra colectiva dirigida por el compositor;

Por voluntad y por casualidad (1975), Puntos de referencia287

(1981) etc. Se le

considera junto con Stockhausen el inventor del serialismo integral.

Karlheinz Stockhausen (1928)

Importante compositor alemán de vanguardia. Hizo estudios de piano en la

Escuela Superior de Música de Colonia, estudiando composición con Frank

Martin, Darius Milhaud y Olivier Messiaen288

en París. Se inició en la música

concreta, con Pierre Schaeffer lo que lo llevó a incurrir en las posibilidades

electrónicas de la música. En 1952 y 1954 hizo estudios de física y acústica en la

Universidad de Bonn. Sus Estudios Electrónicos (1954) constituyen las primeras

obras publicadas en ese sistema, campo en el que se extendió ampliamente,

seguidos del célebre Klavierstück XI (Piezas para piano) y de su obra electrónica

más significativa, Canto de Juventud (1956) para muchacho soprano y sonidos

con cintas magnetofónicas, compuesta en un estudio especialmente equipado

para él por la Westdeutscher rundfunk de Colonia, del que es fue inclusive

director; Grupos (1958) para tres orquestas289

, las que se colocan en diferentes

sitios del teatro, cada una dirigida por su propio director, con tiempos

parcialmente independientes a manera de un diálogo; Ciclo para instrumentos de

286

Boulez además de excelente director es un pianista de categoría. 287

Puntos de referencia “reúne, salvo unos pocos de menor importancia, todos los textos de Boulez,

escritos desde 1945 inclusive 14 trabajos inéditos en francés y otros ocho totalmente inéditos”. Existe

traducción al castellano en Editorial Gedisa S.A., primera edición, Barcelona, España, 1984. 288

El propio Stockhausen cuenta como en París asistió, en 1952, durante todo un año, dos veces por

semana, al intenso como exhaustivo curso de estética y análisis de Messiaen. 289

Lo que exige un aparato orquestal gigantesco!

164

percusión (1959); Cuadrado para cuatro orquestas y coros290

, obra estrenada en

Hamburgo en 1960 para la que hubo que alquilar una inmensa sala industrial

capaz de albergar cuatro grupos sonoros completos y obtener una ejecución

contrastada; Contacto (1960) obra en la que experimenta con la “dimensión

espacial en música”, para piano, percusión y electrónica; Ciclo (1961) para

instrumentos de percusión y un solo ejecutante en cuya partitura aparecen toda

clase de signos e imágenes a manera de guía para el solista, sin ningún concepto

determinado de ritmo; Adiós (1966) para quinteto de viento; Mantra para dos

pianos y otros instrumentos de percusión (1969/70); la serie Tierkreis (1975),

para diversas combinaciones instrumentales; Michael´s Reise para 9 instrumentos

(1986), etc. Las obras de Stockhausen están siempre experimentando con nuevas

técnicas y dimensiones sonoras.

Krysztof Penderecki (1933)

Importante compositor polaco. Estudió en el Conservatorio de Cracovia con A.

Malawski y S. Wiechowicz. Adquirió nombre en los medios musicales

europeos cuando en 1959 tres de sus obras obtuvieron simultáneamente los tres

premios nacionales de Polonia. Seguidamente tras el éxito de Anaklasis, en 1960,

y particularmente con la presentación de su Pasión según San Mateo se

transforma en uno de los compositores de mayor renombre mundial, recibiendo

encargos de los centros musicales más importantes de Europa y América. En

1964 fue nombrado profesor del Conservatorio de Varsovia del que sería rector

en 1972. De aquí en adelante inicia una carrera meteórica como director invitado

por las orquestas más prestigiosas del mundo para dirigir y grabar sus propias

composiciones. Su obra orquestal comprende: Epitafium (1958), Emanaciones

(1958), la ya mencionada Anaklasis (1960), Trenos para las víctimas de

Hiroshima (1960), Polimorphia (1961); Concierto para violín y orquesta (1963);

Sonata para violonchelo y orquesta (1964); De natura sonoris (1966); De natura

sonoris II (1966); Capriccio para violín y orquesta (1967); Obertura Pittsburg

(1967); Partita (1971); Concierto para violonchelo y orquesta (1972); Sinfonía

N° 1 (1973); El sueño de Jacob (1974); Sinfonía N° 2 (1980), Concierto N° 2

para violonchelo y orquesta (1981), Concierto para flauta y orquesta (1982);

Concierto para viola y orquesta (1983), Concierto N° 2 para violín y orquesta

(1992), etc. Obra vocal: Salmos de David, para coro y percusión (1958); Strofy

para soprano y 10 instrumentos (1959); Dimensiones del Tiempo y del Silencio

para coro (1960); Stabat Mater (1962); Pasión según san Lucas (1965); Dies

Irae: oratorio para los muertos en Auschwitz (1967); Ultrenia (1972);

Kosmogonía (1970); Canticum, Canticorum Salomonis (1972); Ecloga (1972);

Magnificat (1974); Te Deum (1979); Agnus Dei (1980), Réquiem polaco (1984),

290

El propio compositor comenta que “las voces y los instrumentos están mezclados de un modo que

favorece a una sonoridad mixta de carácter homogéneo, mientras el texto está compuesto con un criterio

puramente musical: una escala de diferencias sonoras obtenidas a partir de consonantes y vocales mudas,

lo que lo transforma en un texto intraducible anotado en escritura fonética”. Tomado de Tendencias de la

Música de Hoy, Pág. 35, texto de unas conferencias de Heinrich Strobel, en Difusión Cultural, UNAM,

México 1964.

165

Sinfonietta para cuerdas (1990), etc. Ópera: Los demonios de Loudun (1968); El

paraíso perdido (1978) y Ubu roi (1983). Música de cámara: 3 miniaturas

(1959); Cuarteto N° 1 (1960); Cuarteto N° 2 (1968); Trío para cuerdas (1990);

Cuarteto para clarinete y cuerdas (1993), etc. Pese a la modernidad del idioma

de Penderecki, y gracias a al gran poder expresivo, su mensaje musical es bien

recibido por el auditorio.

CUESTIONARIO Nº 8

01. Nombre algunas tendencias y estilos musicales del siglo XX.

02. Quién fue el creador del sistema dodecafónico?

03. Que busca el sistema de los doce tonos?

166

04. Mencione tres obras de Penderecki.

05. Mencione cuatro obras de Prokofiev.

06. Mencionar dos grandes obras de Manuel de Falla.

07. Quien es el autor de la Consagración de la Primavera?

08, Quién es el autor de la ópera Wozzeck?

09. De que nacionalidad es De Falla ?

10. De que nacionalidad es Arnold Schönberg?

11. De que nacionalidad es Penderecki?

12. Mencione cuatro obras de Schönberg

13. Quién es Pierre Bulez?

14. Cuantas sinfonías escribió Shostakovitch?

15. Cuantos Conciertos para violín escribió Prokofiev?

16. Quién escribió la ópera Lulú?

17. Mencione alguna característica de dicha ópera.

18. Mencione dos significativos alumnos de Schönberg.

19. En que año aparece el sistema de los doce tonos?

20. Que compositor latinoamericano trabajó con microtonos?

21. Quien escribió un Concierto para dos pianos y percusión?

22. Quien escribió la ópera El amor de las Tres Naranjas?

23. De que nacionalidad es Bartok?

24. Nombre algunas características de la música actual.

25. Que dificultades enfrentó Schönberg con Pierrot Lunaire?

26. Mencione algunas obras con politonalidad simultánea.

27. Cual es la primera ópera conocida con cuartos de tono?

28. Explique lo que es la “renuncia de la memoria musical”

29. En que consiste la “eliminación estructural”?

30. Mencione dos obras de Satie.

31. Mencione tres obras de Hindemith.

32. Mencione cuatro obras de Milhaud.

33. Mencione cuatro obras de Honegger.

34. Mencione cuatro obras de Stockhausen.

35. Mencione cuatro obras de Messiaen.