El perfil egipcio, el hieratismo flamenco, las líneas sinuosas renacentistas, la serpentinata manierista, la solemnidad neoclásica o la fragmentación cúbica; desde los abundantes volúmenes de la Venus de Willendorf hasta nuestros días, donde la mezcla es la clave, la manera de reproducir y ubicar el cuerpo humano en el espacio ha llevado implícita una forma de entender la realidad.

Y, como reflejo de ésta, la representación responderá en cada época a unos patrones estéticos, limitados en ocasiones no tanto por el desconocimiento técnico como por unas pautas encaminadas a indicar al espectador estatus, religión y pensamiento del modelo, cuyo naturalismo, muchas veces, se verá "sacrificado".

En la actualidad nuestra percepción está acostumbrada a la perspectiva lineal, en la que las figuras decrecen en tamaño según estén ubicadas hacia el fondo en el eje de la composición que se dirige a un punto de fuga final. Junto con esto, la mayoría entenderá el naturalismo como el fin deseado de una representación, a menos que los cánones "válidos" sean destruidos con una intención conceptual.

Gran Vía, de Antonio López

Esta forma de experimentar la plástica puede alejar al espectador contemporáneo de concepciones históricas donde la intención del Arte no se ceñía a la búsqueda de realidad sino a plasmar un simbolismo trascendente, una intención propiciatoria o simplemente la capacidad narrativa o expresiva de la historia. 

Cueva de Altamira

Barranco de la Valltorta

Así encontramos ejemplos en el arte de obras antropomorfas cuyo verismo deja mucho que desear; y esto, más que una muestra de la "ignorancia" del artífice, poseería en la mayor parte de las ocasiones un sentido que, al tiempo, nos ofrece las claves para acercarnos a una comprensión más amplia del periodo concreto donde la pieza se inserta.

• Así, encontramos en diversas culturas de la Antigüedad representaciones de la mujer en la forma de figurillas donde las características sexuales de ésta han sido exageradas hasta el extremo, en una marcada acentuación de la fertilidad. En épocas donde la subsistencia era una preocupación primordial, asociada a la descendencia y la comida, el arte respondería a unos imperativos de orden propiciatorio y animista.

Venus de Laussel

Venus de Willendorf

Las representaciones en el arte del Antiguo Egipto (asociado de manera casi exclusiva a faraones y funcionarios) llevan años trayendo de cabeza a investigadores e historiadores de todo el mundo: el llamado "perfil egipcio" no obedecen a una ausencia de conocimiento, puesto que los artistas de esta civilización conocían la tridimensionalidad, aunque en rarísimas ocasiones la aplicaron a la pintura.

De este modo, el hieratismo y la representación de perfil del arte egipcio, junto con la característica de su invariabilidad, debían responder a cuestiones religiosas. La "magia" es, de hecho, una característica inherente a la vida del Antiguo Egipto y, el arte, indisociable de la misma.

Arte, religión y vida están fuertemente unidas en una tríada asegurada por el faraón, y el arte debe responder a la necesidad de mantener la vida en el más allá. De esta manera, el arte se constituye en una convención y el artista en una productor alejado de cualquier tipo de creatividad o permisividad expresiva individual.

En el arte griego encontramos, en la época arcaica, una representación del cuerpo en una posición frontal y rígida, de la que se pasa, en el periodo clásico a un mayor naturalismo e idealización y a la utilización del contraposto u oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, proporciona cierto movimiento y contribuye a romper la ley de la frontalidad. Una de las piernas está fija en el suelo y la otra se adelanta, los brazos hacen lo propio, mientras la cabeza mira hacia un lado simulando un paso.

El movimiento se va expresando cada vez más. Pasamos de la característica serpentinata del periodo clásico (forma sinusoidal o serpentina en "S“) a la máxima expresión de movimiento, teatralidad y tensión del periodo helenístico

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Venus de Milo

Victoria de samotracia

En la Edad Media la convención será de nuevo la regla, si bien las leyes de la perspectiva y la representación ofrecerán un mayor abanico de posibilidades. En el arte bizantino, la reproducción de los personajes está dominada por la llamada "perspectiva de importancia". Así, ubicándose en el mismo plano, los representados tendrán diferentes tamaños en función de la jerarquía a la que respondan.

En la Baja Edad Media, el arte será de carácter sacro, el hieratismo y la frontalidad responderán a la maiestas, a la seriedad debida al hecho religioso. La expresividad del personaje es interiorizada en la representación; una característica muy acorde con el periodo de fervor religioso imperante, donde el arte se debe adecuar a una intención loatoria y evangelizadora, y el decoro y la introspección son obligados.

Junto con la rigidez, una de las características del arte de este periodo que más llaman la atención es el uso "incorrecto" de la perspectiva en múltiples iconos y obras de temática religiosa . Es común encontrar a los personajes insertos en espacios arquitectónicos cuya composición obedece a una perspectiva inversa, el punto de fuga no se ubica en el fondo del cuadro sino que se dirige hacia el espectador.

De esta manera la acción representada se abre por completo a quien la observa, en vez de ser el espectador quien se "introduzca" en la obra. Una forma de ponerle las cosas fáciles al creyente por medio de un arte cuyos recursos se emplean de forma casi exclusiva con una intención transmisora.

Con el Renacimiento, y el paso de una sociedad teocéntrica a una antropocéntrica, el hombre se convierte en la medida de todas las cosas, el móvil del mundo. Lo natural será que el arte se adecue a dicha circunstancia, como harán el resto de las disciplinas. De este modo, el naturalismo se convertirá en el propósito de las manifestaciones plásticas.

Aunque será un naturalismo aún idealizado. La curva y la perspectiva lineal, el verismo y la mitología ensalzarán al hombre, su cuerpo y sus pasiones. El desnudo deja de ser un tema tabú en la representación y la mirada se volverá a dos civilizaciones clásicas consideradas maestras: la griega y la romana. 

La representación de la naturaleza humana en el Renacimiento alcanzará un paso más en época manierista, en la que las claves previas se exacerbarán con una intención expresiva. La línea deja de ser sinuosa y se convierte en la retorcida serpentinata; la anatomía del cuerpo humano se vuelve musculosa y marcada; el gesto se contrae y el escorzo es la norma en unas composiciones donde el ambiente se ha vuelto frío y abstracto.

Laocoonte (El Greco)

Cristo crucificado con dos donantes. El Greco

La concepción del hombre en el mundo ha cambiado al amparo de descubrimientos como el de Copérnico, y las guerras, la situación socio-económica en la que viven las ciudades y las sucesivas reformas religiosas provocarán un clima de inestabilidad cuya huella ha llegado hasta nuestros días plasmada en el arte.

Junto con estos, podemos encontrar múltiples ejemplos de cómo el arte, y en concreto la representación del cuerpo, se ha constituido a lo largo de los siglos en fiel reflejo de las circunstancias sociales, religiosas, políticas, ideológicas, culturales, imperantes en el momento.

Nuevas formas de percepción y comprensión de la realidad traerán consigo nuevos modos expresivos, constituyéndose el arte de esta manera en una fuente inagotable donde poder encontrar datos que nos ayuden a comprender, de una forma mucho más cercana, el momento y lugar de los personajes representados.

Basado en: http://www.artelista.com/articulos/news1551/el-codigo-del-cuerpo.html