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1 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
IINNTTRROODDUUCCCCIIÓÓNN AA LLAA HHIISSTTOORRIIAA DDEELL AARRTTEE..--
a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como expresión
humana en el tiempo y el espacio.
b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El
lenguaje de las artes visuales y su terminología.
c) Percepción y análisis de la obra de arte.
* * * * * * * *
a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como
expresión humana en el tiempo y el espacio.
1-Término arte.
El término arte deriva del latín ars- artis y se emplea con el significado
de facultad o destreza para hacer algo, en el sentido de habilidad
“técnica”. Se trata, pues, de una habilidad que pueden ser de carácter
intelectual o manual.
2-El concepto de arte. Dificultades para definir el arte. Cambios en la
conceptualización del arte.
Dos de las evidencias a la que se enfrenta el estudioso del arte son:
- La dificultad para definir lo que es el arte.
- El cambio de lo que se ha entendido por arte a lo largo del tiempo.
Sin embargo se pueden señalar una serie de características propias del
hecho artístico:
a) Arte como una manifestación típicamente humana. Arte y hombre son
inseparables. Según las palabras de René Huyghe: “No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin Arte”. En este sentido, el arte sería una
actividad que da forma material a aquello que concibe el espíritu humano.
b) Arte como lenguaje y forma de expresión
El hombre para transmitir ideas y sentimientos ha creado una serie de
códigos, basándose en sistemas de signos. Entre ellos están, por ejemplo, el
lenguaje articulado con el que nos comunicamos al hablar o escribir, el
matemático y el artístico. El lenguaje artístico es un medio de conocimiento
de la realidad y de comunicación del artista respecto tanto de lo que le
rodea (mundo físico y humano) como de su propia interioridad (sentimientos,
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2 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
deseos, temores...). Se trata, por tanto, de un lenguaje de las formas o
visual, de carácter universal- ya que todo el mundo puede expresarse con él
y comprenderlo-, para conocer y comunicar lo exterior e interior al ser
humano.
c) El arte como forma significativa, con un contenido o significado,
incluyendo muchas veces valores simbólicos (Ej.”Saturno devorando a su hijo
de Goya”, símbolo de la crueldad y del paso del tiempo que lo destruye todo)
e incluso, en muchas ocasiones sin significado o deseo de transmitir mensaje
alguno - arte por el arte- (Arte abstracto).
d) Arte como creación. Un artista al concebir y llevar a efecto una obra
de arte está creando un elemento único e irrepetible y al que dota de su
propia identidad.
e) Arte y belleza.. El arte como sinónimo del ideal belleza ha sido una de
las constantes durante muchos períodos históricos (Grecia, Renacimiento,
Neoclasicismo...) y el arte de esta manera era entendido como plasmación
de la proporcionalidad o armonía o equilibrio de medidas.
3- Historia del Arte. Concepto.
La Historia del Arte es la disciplina que se ocupa del estudio y análisis de
los artistas, de las obras de arte, así como de los estilos artísticos dentro
de su contexto histórico y espacial.
4 - Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos.
-Definición.
El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una
tablilla de cera) y designa la manera peculiar de ejecutar su obra por parte
de un artista. En sentido estricto la palabra estilo hace referencia a la
modalidad artística - es decir un conjunto de rasgos artísticos- que
caracteriza a una época o periodo histórico concreto (Ejemplos: por ello, se
habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)
5- Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los
distintos momentos históricos y culturas diversas.
Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el
Paleolítico Superior (arte rupestre, arte mueble, figuras antropomorfas...)
el arte se ha constituido como un elemento básico de las sociedades
humanas de cualquier época o espacio. Para entender de manera completa
una civilización humana, a parte de estudiar su forma de vida (economía), su
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3 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e
instituciones políticas (organización política) su sistema de ideas o
pensamientos (ideologías), etc., es preciso tener en cuenta las
manifestaciones artísticas que ha generado. Esas expresiones artísticas no
han tenido siempre la misma finalidad en las sociedades humanas a lo largo
de la historia, esta ha ido variando y evolucionando.
Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y
culturas
1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver
en el Arte prehistórico. Según ellos las representaciones animalísticas de
las pinturas rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-cazador
del Paleolítico representaría las especies de animales que más tarde
desasearía cazar.
Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando
cada una de las representaciones de animales a signos masculinos y
femeninos respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las
denominadas “venus” paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas
habría que relacionarlas con los cultos a la fertilidad. Es de resaltar la
importancia que tendrían las funciones reproductivas para asegurar la
continuidad de los grupos humanos, en los cuales la supervivencia era un
elemento vital.
2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientes-
el arte ha estado vinculado estrechamente a los distintos poderes políticos
y /o religiosos; bien como un medio más para mostrar su dominio ante al
sociedad o como método de propaganda. Ejemplo representativos son:
a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como
un signo de supremacía de un individuo dentro de un grupo humano.
b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej. Pirámide de Keops), que no
son otra cosa que tumbas monumentales con la que se expresa el rango que
llegaron a ostentar los faraones, considerados como auténticos dioses en la
tierra.
c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos
entre el Arte y los poderes públicos. Los gobernantes romanos,
especialmente los emperadores, fueron los que impulsaron la construcción
de edificios públicos: teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de
construcciones para mostrar sus hazañas al pueblo, generalmente militares,
mediante la erección de monumentos conmemorativos (arcos de triunfo -Ej.
Arco de Tito-), constituyendo todo ello un efectivo método de propaganda
política.
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4 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno
sólo citar a modo de ilustración: el Monasterio de San Lorenzo del El
Escorial, símbolo de la fortaleza de la monarquía de los Austria, mandado
levantar por Felipe II; o más tarde, con respecto a la realeza francesa, el
Palacio de Versalles, autentico símbolo del absolutismo monárquico del s.
XVIII representado en Luis XIV.
3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas,
entre ellas:
a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana
fundamentalmente. Derivado de lo anterior hay que hablar también de un
sentido didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como un
recurso para hacer llegar a la gente las doctrinas o normas morales del
cristianismo
- Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de
los ideales cristianos con el arte paleocristiano.; y durante la Edad Media
cuando se afianza un arte cristiano que tiene sus máximas expresiones en :
el arte bizantino, ; el arte románico, con un predominio de la finalidad
didáctica y moralizante. La misión de manifestaciones artísticas como la
escultura románica se inscribe en una sociedad dominada por las ideas
religiosas y con una institución tan poderosa como la Iglesia , y teniendo en
cuenta, por otro lado, que la mayor parte de la población era analfabeta,
dicha estatuaria desempeñaría la función de enseñar a las gentes una serie
de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía románica haya sido
interpretada por los historiadores del arte como una figuración de los
valores antagónicos del bien y del mal. Asimismo habría que citar el arte
gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían
para ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y
las normas impuestas por la Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a
los reformadores protestantes.
b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión
entre Arte e ideal de belleza. La idea de belleza ha sido una manifestación
constante en toda la extensión de la Historia del Arte, que se ha
manifestado con gran intensidad durante determinados períodos o
momentos
-En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de
muchos artistas. La belleza se concibe como armonía o equilibrio de medidas
(“cánones) en la obra de arte
Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El
Renacimiento y el Neoclasicismo. Al recuperase en ambos momentos los
valores de la Antigüedad clásica. prevalecieron los ideales de belleza, de
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5 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
considerar las obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o
proporciones armonizadas, muchas veces idealizadas.
5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social
de una serie de individuos. El fomento de la realización de las obras de arte
se convertiría en un instrumento para destacar dentro de la estructura
social. En este ámbito podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los
artistas (Ej: los Médicis en la Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas
bien remotos como las clases dirigentes romanas que copiaban o importaban
obras griegas, los papas durante el Renacimiento y el Barroco, o más
actuales como personajes del mundo de la empresa o los negocios el barón
Thyssen (ya fallecido).
6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una
época, o como método de denuncia y oposición a la estructura de una
determinada sociedad o momento histórico. En esta línea hay que mencionar
los movimientos de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios
del XX /entre los tuvo especial relieve el dadaísmo).
7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido
en un elemento de consumo. Las obras de Arte son unos objetos más que se
compran y se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej. subastas y
galerías artísticas, o fenómenos más cotidianos y populares como
reproducciones de obras de arte que se venden en: carteles, videos CD Rom,
libros, fascículos de periódicos... )
b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El
lenguaje de las artes visuales y su terminología.
a) El lenguaje artístico. Lenguaje plástico y visual. Los lenguajes artísticos se caracterizan por ser:
1-Lenguajes plásticos, es decir, utilizan elementos que se pueden moldear
o dar forma.
2-Lenguajes visuales, o, lo que es lo mismo, que se perciben con el sentido
de la vista.
*Los lenguajes artísticos se apoyan en una gama de elementos materiales,
formales y técnicos sin los cuales no existirían y no se entenderían
(Ejemplos: Una bóveda no sería posible sin la piedra con la que está hecha; o
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6 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
el gótico no hubiera sido posible sin los adelantos técnicos del arbotante o
la bóveda de crucería.). Así pues, están constituidos por un conjunto de
materiales, procedimientos técnicas y elementos formales.
- Los lenguajes artísticos más destacados son los relacionados con los
medios de expresión artística más significativos:
a- Arquitectura.
b- Escultura.
c- Pintura.
b) : Definición. Materiales, procedimientos técnicos,
elementos formales.
* Definición. La arquitectura es el arte de la creación de espacios
interiores.
* Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada),
hierro, hormigón, etc.
* Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales:
1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna).
2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula).
1-Elementos sustentantes:
# Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida
sólida, situada entre vanos, o bien opuesta a vano. (En unos estilos como el
románico predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario ocurrió con el
Gótico.)
a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas
de tallar y de disponer los materiales constructivos en un muro). Tipos:
- Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...).
-Irregular (mampostería: muro hecho con piedras irregulares unidas por
argamasa; ciclópeo: muro realizado con piedras de gran tamaño).
Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone
a macizo: puertas y ventanas). Partes.
- Umbral (puerta).
- Alféizar (ventana).
- Jambas (laterales). Abocinamiento.
- Alfiz
# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Los
pilares fueron muy utilizados en el Románico y el Gótico. Tipos: cruciforme,
cruciforme con columnas adosadas, fasciculado -Gótico-
- Pilastra: es un pilar adosado a un muro.
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7 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
- Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó
mucho durante el barroco.
- También suelen tener basa y capitel como las columnas.
# Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva,
generalmente circular. Suelen constar de tres partes: basa, fuste, capitel.
En muchas culturas como la griega fue tratada como un elemento
escultórico, dando lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio.
2-Elementos sostenidos:
# Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido,
generalmente en una sola pieza.
- Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos
horizontales. Ejemplo: los entablamentos de los templos clásicos. El
entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes del
entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón.
Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la griega
#Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que
forman el arco se llaman dovelas, la que ocupa la parte central se denomina
clave y las que inician el arranque del arco se llaman salmer.
En todo arco hay que tener en cuanta: 1-Las impostas, que es la
separación entre el arco y la parte recta de un vano. Es la superficie de la
que arranca un arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la
clave hasta la línea de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco.
- Tipos:
1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte
romano, románico...)
2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en
el que se apoya (Arte islámico-periodo nazarí-, románico...)
3-Arco apuntado u ojival. Es el formado por dos segmentos de arco que
forman un ángulo. Tiene dos centros. Es el característico del arte gótico.
4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte
musulmán.
5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama
trilobulado y si posee más de tres polilobulado. Es característico del arte
musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este (Ej:
Románico).
6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte
musulmán- periodo reinos taifas.
7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida.
Consta de cuatro centros, dos interiores y dos exteriores. Muy utilizado en
el gótico.
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8 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres
centros: propio del gótico.
9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia.
Está descrito con un solo centro. El escarzano es un arco rebajado
formando un ángulo de 60º.
10-Otros.
# Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento
de un arco.
- Tipos:
1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación
de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal (Románico...)
2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos
bóvedas de medio cañón. Es típica del románico.
3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y
plementos. Existen diversos tipos según el número y la disposición de los
nervios:
- Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la
intersección de dos arcos ojivales. Es típica del gótico.
- Bóveda sexpartita.
- Bóveda de terceletes.
- Bóveda estrellada.
4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un
cuarto de esfera. Cubre generalmente el espacio de un ábside.
5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o
curvilíneo.
6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por
el cruzamiento de arcos que no pasan por el centro.
7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada
verticalmente por cuatro planos paralelos entre sí dos a dos. Se utilizó
durante el Renacimiento.
8-Otras.
- En las bóvedas podemos distinguir:
- Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la
bóveda en sentido transversal a su eje.
- Arcos formeros. Son los paralelos al eje de al eje longitudinal de la
nave, para unir y, a la vez, separar las naves contiguas.
- Arco toral. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero.
*Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La
más común es la semiesférica o de media naranja, originada por la rotación
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9 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
de un arco de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son cada uno de
los triángulos esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de
la planta a la circular de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que
sirven para pasar de una planta cuadrada a la octogonal de la cubierta sobre
la que va la cúpula), tambor (estructura cilíndrica poligonal que sustenta la
cúpula otorgándole mayor altura). En la parte superior suele tener una
abertura para dar luz: la linterna.
- Tipos:
1-Otras: Cúpula bulbosa.
*A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado:
1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal
de un edificio. En él aparecen los muros, las columnas, pilares, vanos y la
proyección de la bóvedas.
- Tipos:
- Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal
(el largo del edificio). Tipos: planta basilical. Es que tiene su origen en las
basílicas romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres naves - la
central a mayor altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. .
Dentro de las plantas basilicales destaca la planta balilical de cruz latina.,
que es la que consta de un eje longitudinal, el mayor -como la basilical- y
otro transversal más corto (transepto o crucero).
-Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1)
Cruz griega. Es la planta que consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la
que tiene forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la forma de
polígonos (Ej. Un octógono).
2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de
un edificio.
c) . Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos, elementos formales.
*Definición: Es el arte de la creación de volúmenes, es decir, la
realización de figuras en sus tres dimensiones; mediante el modelado,
tallado o el esculpido empleando diversos materiales.
* Materiales (son variados).
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10 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
- Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y
por su acabado brillante. Arte griego, romano, renacentista, etc.
- Granito. Se usa para obras de sentido monumental.
- Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes,
etc.
- Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a
retablos, sillerías de coros, pasos procesionales. Policromada o no. Se
muestra con profusión en el Renacimiento y Barroco español.
- Otros: Terracota (barro cocido).
- Oro y marfil (esculturas crisoelefantinas), etc.
* Tipología:
1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no
está pegada a nada, está aislada) y es independiente del marco
arquitectónico; además puede contemplarse desde todos los puntos de vista
a su alrededor.
2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no
liberada físicamente del plano arquitectónico) y, por tanto, solo cabe
mirarla desde un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale del
plano se distingue entre:
- Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo,
pero adheridas al plano, pues sobresalen más de la mitad respecto a éste.
- Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la
mitad, ya que sobresalen casi un 50% respecto al plano.
- Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy
poco respecto al plano del fondo.
Según la actitud de la figura representada podemos también establecer
varios tipos:
- De pie.
- Sedente. Sentada.
- Orante. De rodillas con las manos juntas
- Yacente. Tendida.
- Ecuestre. A caballo.
- De pie.
Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre:
- Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax.
- Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas.
- Cuerpo entero.
Por otro lado se puede hablar también de grupo, cuando se representa un
tema por medio de un conjunto de figuras.
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11 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
* Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una
escultura:
- Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La
escultura ya está ahí- como decía Miguel Angel-y sólo hay que quitar lo que
sobre. Al ir desbastando la piedra o la madera, el escultor va realizando
volúmenes negativos y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra,
mármol, etc. se utiliza como técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la
madera.
- Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura
mínima. Aquí el escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos e irlos
creando. Por lo general, se utiliza como materiales la arcilla, el metal y la
madera; como técnicas el modelado, la soldadura y el encolado
Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la
fundición de figuras en bronce- se utiliza la técnica del vaciado- Supone
obtener un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y varias
veces en un estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después
termine fraguando y endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido,
plásticos, etc.) Tipos:
a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para
obtener pequeñas escultura de bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un
modelo de cera que se recubre de arcilla mezclado con arena,
yeso...(materiales refractarios: materiales que resisten la acción del calor
sin modificarse o derretirse), constituyendo el molde, que reproduce en
negativo todas las formas del modelo en cera. 2) En el molde se dejan
orificios de entrada y salida. A través del orificio de entrada se vierte la
colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en el interior y
desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3) Por último,
se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la
escultura lista para pulirla y acabarla.
b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para
esculturas de gran tamaño. Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un
núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier materia refractaria.
2-Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se
reviste de la misma materia refractaria que el núcleo interior, tras lo cual el
bronce fundido se vierte por el orificio de entrada que se ha dejado en el
molde para desplazar a la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando
el metal ya se ha enfriado y se ha roto el molde, liberando la escultura, a
esta hay que vaciarle todavía el interior para que quede hueca por dentro.
*Elementos formales.
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12 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
- La composición. Es la disposición o distribución de los distintos
elementos que integran una escultura.
La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos
principios rectores:
- El reposo o carácter estático.
- La ilusión de movimiento o carácter dinámico.
1-El reposo o carácter estático.
Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época
arcaica (ss. VII y VI a.C.)
Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”,
según la cual la figura humana es sometida a un principio compositivo en la
que se presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos partes
iguales, mediante un eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la
nariz y el ombligo. Las esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas,
hieráticas, etc.
2- La ilusión de movimiento.
Se obtiene mediante dos recursos compositivos:
a) El ritmo.
Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la
distribución de los elementos compositivos.
Entre los recursos para conseguirlos están:
-La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej.
relieves egipcios o mesopotámicos.)
-Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal.
b) En forma de “S”, helicoidales, zig-zag...c) Otros: en pirámide, en circulo,
etc.
-Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes
del cuerpo humano, como los utilizados en la escultura griega (“contraposto”:
o sea, disponer en una escultura un brazo que avanza y una pierna que
retrocede, buscando el equilibrio en una figura estática.
b) La tensión
Se consigue dando forma dinámica a la escultura mediante una fuerza
interior que pugna por exteriorizarse (Ej. Miguel Ángel).
*Otros aspectos interesantes de la escultura a la hora de hacer su
estudio son:
-Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizados
(pudiendo haber intención detrás de todo esto o no)
- La luz y el color.
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13 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
1-La luz. Las diferentes partes de la escultura proyectan más o menos
luminosidad; resultan más o menos claras. Puede haber efecto de claroscuro
(unas zonas en sombra y otras iluminadas).
2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o
policromada.
- Textura. Muchas veces el escultor para diferenciar las distintas partes
del cuerpo humano (piel, ojos, cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras,
etc. no pulimenta o trata de la misma manera el material con el que trabaja
para así sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes.
d) . Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales.
* Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas
(dibujos) sobre una superficie plana (de sólo dos dimensiones).
* Materiales. En pintura hay que distinguir entre:
a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel,
tabla, lienzo, etc).
b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos
naturales o artificiales que proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón
produce el color negro.)
c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a
un color (Ejemplo: el aceite en la técnica al óleo, huevo en el temple...)
d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de
vanguardia (fines XIX/principios del. XX) se incorporaron a la pintura
materiales como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos
metálicos...
*Procedimientos técnicos:
Existe una amplia gama.
Los más destacados son:
- El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige
las siguientes condiciones: 1-Revocar el muro, es decir, que se haga un
enlucido a base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-Humedecer el
muro. 3- Aplicar los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la
ventaja, de que al convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se
convierte en una sustancia muy resistente a los agentes externos y de gran
duración (de ahí su utilización para exteriores); el inconveniente: exige
gran destreza y rapidez de ejecución al pintor, ya que el muro no se puede
dejar secar: Además tampoco admite retoques.
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14 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
- La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua
y aplicarlos sobre papel, por lo cual seca rápidamente y obliga a tener una
ejecución rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la luminosidad
de los colores. No utiliza el blanco como pigmento.
- La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se
pueden superponer los colores y retocarse después de estar terminada la
obra. Es menos luminosa que la acuarela -colores algo opacos y apagados-. Sí
utiliza como pigmento el blanco.
- El temple. Es una de las técnicas que más se usa en la pintura sobre
tabla, aunque también se emplea sobre lienzo y en menor medida se puede
aplicar igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en agua
templada (“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo,
goma arábiga, etc. Al utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y
lento de secar. Tiene la ventaja de que, a diferencia del fresco, es posible
retocarlo en frío.
- El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV.
Fue pefeccionado y difundido por los pintores flamencos. Consiste en
mezclar los colores en aceites especiales (secantes) como el de nueces y el
de linaza- semilla de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla
previamente preparados. Es el procedimiento más lento en secar de todos
los conocidos, lo que permite un trabajo sosegado, hacer interrupciones y
retoques. El mayor inconveniente que tiene es el oscurecimiento de los
aceites con el paso del tiempo.
- La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera
fundida, a la que se añade resina para darle más dureza. Hay que pintar en
caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y espátulas metálicas
- previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una
versión actualizada de esta técnica antigua.
- El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el
acrílico, que es un emulgente, o sea, permite unir el agua con el aceite, por lo
que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color.
Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de
secar. Sin embargo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, ya
que unos colores no ocultan a otros.
- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo
proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o
metal, con las que realmente se “pinta”.
Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición
horizontal, en donde se van colocando las teselas que van configurando
formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para
poder trasladarlo, así al muro que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y
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15 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
agua) preparada. Una vez fraguada ésta se desencolan los papeles se
sujeción y transporte, para proceder a la limpieza y acabado final.
- La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico
con vidrios utilizado en puertas y ventanas. (La vidriera emplomada es la que
tiene tiras de plomo para encajar en ella los vidrios).
Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un
dibujo previo en el que han diseñado los cortes de los vidrios que irán
configurando las figuras.
Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los
grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras... con
pigmentos, y se introducen de nuevo en el horno, para que la pintura penetre
en el vidrio, que se ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente
se recompone el mosaico, se unen sus bordes con plomo, se arma sobre
hierros sólidos y se lleva al ventanal.
*Elementos formales:
1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas
exteriores) y los dintornos - líneas interiores- de las cosas o figuras
representadas.
Rasgos:
- Poder limitativo, que acota y define el objeto.
- Identifica y reconoce las formas.
Tipo de trazos lineales:
- Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas.
-Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas.
2-El color.
Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del
Sol producen en la retina, al reflejar unos rayos de luz y absorber otros. (La
luz al atravesar un prisma se descompone en siete colores del espectro).
El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos
como la luz y el volumen, por tanto de la profundidad (sobretodo en la
perspectiva aérea). Los colores pueden ser:
- Oscuros o luminosos.
- Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres
naturales) o irreales (si no tienen parecido con el natural (cielo verde, agua
amarilla, etc).
En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que
aparezcan superficies tonales (degradaciones de un mismo color) o
superficies planas (utilización de colores sin distintos tonos).
- En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre:
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16 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el
rojo, el amarillo y el azul).
2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el
naranja (rojo más amarillo); verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más
azul).
3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y
un primario. Esta forma de combinación se puede seguir indefinidamente
hasta dar una gama enorme de colores.
Por otro lado hay que hacer mención de:
- Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se
intensifican mutuamente y al mezclarse en parte iguales se destruyen dando
lugar a un gris neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el
primario que no entra en su composición: el verde es el complementario del
rojo; el naranja lo es del azul y el violeta del amarillo.
Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o
espaciales que sugieren los colores y así hay que mencionar:
- Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz
y son salientes, avanzan hacia el espectador (Tb. relación con el sol, la
alegría).
- Los colores fríos o lejanos: verde, violeta y azul; Absorben luz, son
entrantes y se alejan del espectador. (Tb. relación con el agua y la
naturaleza).
Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales.
Existen asimismo teorías que asocian los colores a:
- Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde:
vegetación; amarillo: fuego y luz...) -Son asociaciones naturales.
- Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición
cultural-.
Otros términos relacionados con el color:
- Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor
- Gama. Serie de matices de un mismo color.
- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha
distribuido los colores, bien con toques ligeros y difuminados, o con
pinceladas espesas y contrastantes.
Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra
de arte está el claroscuro.
(Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el
dibujo o el color; o bien se establece un equilibrio entre ambos elementos.).
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17 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o
colores en un una obra pictórica.
Tipos:
- Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores,
figuras...)
1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos:
- Simétricos.
- Piramidales (triangulares).
- En diagonal
- En espiral. Línea serpentinata (Manierismo).
- Circular.
- Rectangular.
(Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura).
2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la
abstracta)
Ej.- Los movimientos de vanguardia -Pintura abstracta-
En otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien:
- Quietas o en reposo.
- En movimiento, mostrando tensión dinamismo.
4- La representación del volumen.
La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho),
extendiéndose sobre una superficie, sin embargo el lenguaje pictórico ha
tratado de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera
dimensión, lo profundo, creando así apariencia de volumétrica.
- Maneras de representación del volumen:
a) El modelado
Es posible conseguirlo mediante:
- La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al
ojo con más luz, mientras las más alejadas en penumbra o en sombra, con
ello se obtiene que la figura destaque en relieve sobre la superficie del
cuadro.
(Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o
difuminado suave de Leonardo).
- El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más
próximas al observador mientras se van oscureciendo en las partes más
alejadas. Con ello también se obtiene el efecto volumétrico. Además cada
color se comporta de manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos
tiene distintos valores respecto a la luz y puede presentar distinta
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18 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
intensidad. (Este último es un recurso muy utilizado por impresionistas y
postimpresionistas).
b) El escorzo.
Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición
perpendicular u oblicua respecto al plano de la obra pictórica
La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha
querido obtener en pintura, pero en otras ocasiones se ha prescindido de él
dando lugar a una pintura plana, sin profundidad.
c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite
representar sobre una superficie plana, de dos dimensiones, el espacio y los
objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños, disposición,
etc.), por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad.
- Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin
representar ficticiamente el espacio (Ej. arte rupestre, egipcio, bizantino,
románico, fauvismo, arte contemporáneo en general).
- Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales
que confluyen en un punto, denominado punto de fuga, en el fondo del
cuadro. Mediante este sistema se consigue representar las cosas más
grandes o más pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas
respecto al espectador (Fue muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del
Barroco y en los movimientos posteriores).
- Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se
debe a Leonardo da Vinci)- La perspectiva aérea es la que intenta
representar la atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del
cuadro; para ello partiendo de la perspectiva lineal, se van difuminado los
colores y los contornos de la figuras en relación a la distancia. La luz y el
aire interpuestos entre el ojo del espectador y los objetos difuminan los
contornos y, por tanto, no se aprecian con la misma nitidez objetos situados
en primer plano que los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo los colores
también se van modificando con la distancia. (Tiene su máximo exponente en
el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).
Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede
hacer una diferenciación entre:
- Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está
en el centro del cuadro. Es la más utilizada en pintura.
- Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a
vista de pájaro o militar”. Es la que se obtiene desde un punto de vista
semejante a un jinete, más elevado de lo normal. Con ella se contempla una
amplísima superficie de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca).
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19 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
- Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista
colocado cercano al suelo. Esta perspectiva se utiliza para lograr efectos de
sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre todo en el
Renacimiento -Mantegna-).
* Forma de representación. hace referencia a si la representación de las
figuras es realista o existe una idealización.
c) Percepción y análisis de una obra de arte.
A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que
tener en cuenta diversos tipos de elementos, que se pueden sintetizar en
el siguiente esquema:
1-La ubicación espacial y temporal de la obra de arte.
- El lugar en el que se efectuó la obra de arte.
- La época en la que se hizo.
- La relación de la obra de arte las características de su
momento histórico.
2-La descripción razonada de la obra (utilizando el vocabulario técnico
adecuado)
- Aspectos formales (materiales, procedimientos técnicos,
elementos formales).
- Aspectos iconográficos e iconológicos (tema, significado,
simbolismo).
3-Valoración argumentada de la obra de arte, aludiendo a:
- Estilo artístico.
- Autor - si se conoce- (características de éste).
ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS.
a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio
las imágenes artísticas
Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son:
-La mitológica clásica.
Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos
griegos y romanos. A parte de los períodos correspondientes a las
civilizaciones griega y romana, las referencia a la mitología clásica han
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20 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
estado continuamente presentes en la Historia del Arte Occidental en
múltiples obras escultóricas y pictóricas, abundando con especial
fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia y Roma), el
Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como Goya..
- Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli
(Renacimiento). Venus de Gnido (Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época
helenística, Grecia); Venus de Ticiano, de Giorgone (Renacimiento), “Venus
del Espejo” Velázquez (Barroco)...
- La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la
serie de imágenes relacionas con personajes, símbolos o historias sagradas
de dicha religión, en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento):
Cristo, la Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc., así como de santos/as y
mártires u otras representaciones sagradas de la religión cristiana. Las
imágenes más comunes son:
1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen
portando en su regazo, en su piernas o en brazos a Jesús de niño. 3) El
Pantocrator. (Cristo en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y
triunfante, envuelto en la mandorla o almendra mística portando los
Evangelios en una mano y bendiciendo con otra. Imagen muy repetida en el
arte románico 4) La Inmaculada. Se representa a la Virgen María suspendida
en el aire sobre una nube y /o la luna y con las manos juntas. Tema
frecuente del arte barroco. 5) La Anunciación. La Virgen María recibe el
anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por Dios para ser la
madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene en sus
brazos el cuerpo muerto de Jesucristo.
b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado,
contenido o sentido propio de una obra; o dicho en otra palabras los
concepto, ideas y valores de la que es portadora la obra de arte.
Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta
aspectos ideológicos, filosóficos, socioeconómicos de la época
Ejemplos en la Historia del Arte:
- Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas.
- Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica.
- Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de
Venus, símbolo de la belleza.
- Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la
persona, su modo de ver las cosas, sentimientos, deseos.
- Pintura surrealista. Imágenes extraídas del mundo de lo onírico y del
subconsciente, etc.
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21 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
ASPECTOS FORMALES
(Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales).
A) Arquitectura.
1-Materiales (piedra, ladrillo...). Aparejo (tipos, disposición).
2-Tipo de Planta.
*Longitudinal: basilical, cruz latina.
*Centralizada: cruz griega, circular, octogonal.
3-Partes del edificio. (Interior y exterior).
4-Elementos sustentantes y sostenidos.
*Elementos sustentantes (muros, pilares, columnas...).
*Elementos sostenidos (dintel -arquitectura adintelada o arquitrabada-,
arcos, bóvedas.)
B) Escultura.
1-Materiales (mármol, bronce, madera...).
2-Tipología.
*Bulto redondo.
*Relieve (alto, medio o bajo).
-Actitud (sedente, yacente...), parte del cuerpo representada (cuerpo
entero, busto,etc)
3-Composición (en diagonal, piramidal, en espiral, en zig-zag...)
(Otros aspectos: movimiento o estatismo; color; textura...)
C) Pintura.
1-Técnica pictórica (fresco, temple, óleo...). Soporte (muro, lienzo,
tabla...)
2-Dibujo.
3-Color/es. (Tipo de colores empleados)
4-Luz (Si se obtiene o no la captación de la luz).
5-Composición (yuxtapuesta, simétrica, horizontal, triangular, en
diagonal...)
8-Volumen (pintura plana o intento de crear la tercera dimensión).
6-Perspectiva:
- Tipo: Lineal o geométrica; aérea.
- Punto de vista: normal o frontal, caballera (alto), punto de vista bajo.
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22 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
(Otros: movimiento o quietud...).
EL AUTOR
a) El artista y el proceso de creación.-
Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo
neutro, ni abstracto si no que a la hora de abordar su estudio es preciso
contar con el artista, analizar sus circunstancias personales en un doble
sentido, por un lado observando las conexiones de sus obras con su
trayectoria vital o evolución personal y por otra parte su personalidad da a
su obra.
*La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la
vida personal de un artista se van a ver reflejados en su proceso creador
(Ejemplos: 1-Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser nombrado
pintor de cámara de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real);
transformación artística de Goya a raíz de sus desgarros interiores
provocados por la sordera y los desmanes que se cometieron con la Guerra
de la Independencia).
*La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del
psicoanálisis en particular se ha querido incidir en los vínculos entre la
creación artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le impulsa a
crear una obra, resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente
(sentimientos, deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte
aparecería como un medio de sublimación de los instintos, manifestación de
narcisismo...) o ciertas comportamientos patológicos, en la cual la obra de
arte se muestra como fruto de la tensión interior del artista o como medio
para evadirse o tratar de salir de ella ( Ej.Van Gogh).
b) Consideración social. Circunstancias sociales.
La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo
largo del tiempo. En períodos como La Edad Media el artista era
normalmente un ser anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo,
ajustándose normalmente a los gustos patrones e ideas de la persona de que
quien dependía. En otras ocasiones, como durante el Renacimiento, los
artistas se convierten en un grupo social muy apreciado tanto por su genio
intelectual, por sus habilidades técnicas y su capacidad creadora, así como
por su destreza para idear y llevar a la práctica auténticas obras
inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel Angel -.
Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o
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23 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
infravalorada en la época en la que vive y posteriormente con el paso del
tiempo se convierta en un elemento de admiración y veneración (Ej. Van
Gogh). Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la
sociedad de su época sino un componente más de ésta y, en consecuencia,
estará influido por las ideas, gustos, modas o tendencias de su tiempo.
(Ejemplos: El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido
a que la religión y la Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en
la vida del Hombre medieval y pretendía ante todo transmitir ideas
religiosas y morales. En el Renacimiento se recupera la temática mitológica
por la afición a la Antigüedad grecolatina, el ideal de belleza como máximo
exponente del goce estético ...)
c) El papel de clientes y mecenas.
Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan,
patrocinan o impulsan la realización de obras artísticas. Los “mecenas” (la
palabra viene de Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y protector de las
letras y la literatura) han sido personajes que se han dedicado a patrocinar
las letras y las artes. En el terreno artístico se convirtieron además en
auténticos protectores de los artistas. Todos ellos clientes y mecenas
ejercieron una influencia determinante en la promoción del Arte y de las
tendencias estéticas o estilísticas.
(Ejemplos: 1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del
“Quattrocento” florentino sin la protección de la familia Médicis; o el de la
Roma renacentista y barroca sin la intervención de los Papas (Julio II-
Basílica de San Pedro, frescos de la capilla Sixtina, etc). 2-No se
comprende tampoco el predominio aplastante de la temática religiosa en la
pintura y escultura barroca española sin conocer que el cliente principal fue
la Iglesia Católica).
Otros ejemplos son: 3-Los monarcas absolutos, como los franceses,
quienes para expresar su poderío y grandeza impulsaron la realización de
obras del porte del Palacio de Versalles, mandado a construir por Luis XIV.
4-La rica y acomodada burguesía de países como Holanda en el s. XVII, que
impone sus gustos en la temática pictórica -ausencia de representaciones
religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas, retratos, etc.
En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que
ejerció el rey Felipe IV respecto a Velázquez. El convertirse en pintor de
cámara de dicho monarca le permitió vivir sin estrecheces económicas y no
tener que vender sus cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya
con respecto a personajes como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.
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24 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
TEMA ELABORADO POR:
José Jerónimo Rodríguez Carrasco.
Profesor de Geografía e Historia.
I.E.S. Maestro Domingo Cáceres.
Badajoz