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COMUNIDAD DE MADRID Presidenta Esperanza Aguirre Gil de Biedma Consejero de Cultura y Deportes Santiago Fisas Ayxelà Viceconsejera de Cultura y Deportes Isabel Martínez-Cubells Yraola Director General de Promoción Cultural Javier Casal Novoa Coordinadora de la Consejería Isabel González González Secretaria General Técnica Cristina Torre-Marín Subdirectora General de Programación e Iniciativas Culturales Cristina Santolaria Subdirector General de Actuaciones Administrativas y Fomento Cultural José Martínez Director de Festivales José Manuel Gorospe Red de Teatros Ruperto Merino (coordinador) Simona Martínez Paqui Solera Jefe de prensa Pilar Martín de Miguel Equipo de prensa Aida Álvarez Mónica Sánchez Milagros Gosálvez Reyes Cuevas Jefe de Publicidad Alberto Agudo

Equipo de publicidad Emilio Bení tez Patricia Calvo Paulino Díez Ana Ripoll Fotografía Andrés de Gabriel Sofía Menéndez Protocolo Nicolás Díaz Chico FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA 2005 Dirección artística y asesoría de Danza Ana Cabo Adjunta a dirección Mar López Producción y dirección técnica José María Ojeda Imagen Ediciones L’Eixample Salvador Saura Ramón Torrente Equipo técnico Neil Doherty Douglas McNicoll Juan Seuba Coordinación logística Esperanza Carqués Asistentes a compañía y guías Alexandra Hensel Luis Beltrán Gamazo

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Con ya veinte años de historia, el Festival Internacional Madrid en Danza presenta una programación guiada por los objetivos de promocionar la creación coreográfica de actualidad, a la vez que combinar distintos estilos y formatos de danza. Todo ello con la idea de acercar al público las tendencias creativas del momento y dar a conocer las nuevas obras de artistas y compañías.

La vigésima edición del Festival Internacional Madrid en Danza presenta a lo largo de veinte días un total de 72 funciones de danza repartidas por la geografía de nuestra Comunidad. Programa catorce compañías en Madrid ciudad, y trece en municipios, con un total de diecisiete espectáculos, además de tres nuevos ciclos que contienen nueve montajes y ocho largometrajes.

Contamos también con una fuerte presencia de la música en directo. Así , en el ciclo Doble de Danza del Real Coliseo Carlos III las tres compañías, Esquivel, María Pagés y los valencianos Amores Grup de Percussió / Cia. Patas Arriba mostrarán desde la danza y música barroca de la época de Cervantes hasta la percusión de raíces étnicas. El Klara Quartet acompañará la obra del sueco Örjan Andersson para el Ballet de la Ópera de Goteborg; y el tango contemporáneo de Rea Danza tiene la música original y en directo de Ariel Hernández. La compañía holandesa de Itzik Galili cuenta con la música del grupo Percossa, partitura para máquinas de escribir y percusión. No hemos olvidado un especial apartado para el ballet de formación más académica con el elenco de primeros bailarines y solistas de la Ópera de Viena o el Ballet Biarritz.

La presencia de coreógrafas de trayectoria tan consolidada como Teresa Nieto, Premio Nacional de Danza 2004, Carmen Werner con una coproducción japonesa, la catalana Àngels Margarit o Robyn Orlin dan una especial dimensión a este festival. Orlin se sumerge en una mirada irónica al mundo de la ópera apoyándose en la voz y la presencia de cuatro cantantes lí ricos sudafricanos.

En esta edición hemos diseñado actividades y acciones paralelas, especialmente alrededor del audiovisual y el cine en el ciclo La Cámara Coreográfica y en el ciclo Cultivos. Este último se ha realizado en colaboración con la Fundación General de la Universidad de Alcalá de Henares y su Aula de Danza “Estrella Casero” para mostrar las propuestas de algunos de los jóvenes coreógrafos establecidos en nuestra región.

Sirva esta breve introducción para resaltar los criterios de calidad, actualidad y diversidad que desde la Consejería de Cultura y Deportes queremos, una vez más, tener como referente primordial a la hora de dirigir y gestionar este querido y esperado Festival que entra en una esplendorosa juventud.

SANTIAGO FISAS AYXELÀ Consejero de Cultura y Deportes

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En esta nueva edición del Festival Internacional Madrid en Danza hemos querido diseñar tres líneas de contenido para la programación de mayor formato que transcurrirá en el Teatro Albéniz y en el Teatro de Madrid.

La primera dedicada al nuevo flamenco escénico creado por mujeres: María Pagés y Rafaela Carrasco, dos andaluzas que han adoptado Madrid como lugar de trabajo, son sus representantes en esta edición. Además, dos compañías de dos Teatros de Ópera conforman la segunda, presentando trabajos que implican nuevas lecturas coreográficas, distantes de las obras de repertorio balletí stico, pero basadas en la tradición de estas agrupaciones y su altí sima formación académica. El Ballet de la Ópera de Viena presenta con un elenco de primeros bailarines y solistas gran parte de la creación de Renato Zanella, y el Ballet de Göteborg un triple programa de Nicolo Fonte, Javier de Frutos y Örjan Andersson.

La tercera la dedicamos a la danza contemporánea, con dos creadores que son a su vez inventores de universos estéticos: Itzik Galili y Blanca Li. Ambos poseen la capacidad de comunicar y sugerir diversas lecturas desde sus coreografías. El primero lanza en Me una mirada irónica sobre el papel del creador y la segunda, nos introduce en los vericuetos de la comunicación.

Especial ilusión nos hace poder presentar a la sudafricana Robyn Orlin con su compañía. Artista comprometida y controvertida se maneja en códigos escénicos diversos y en temáticas de crí tica social sin dejar de lanzar una mirada histriónica sobre la realidad que nos cuenta.

De manera transversal este festival hace un recorrido por lo que ha sido su origen y posterior desarrollo. Nacido como una programación dedicada fundamentalmente a la danza contemporánea madrileña, creció hasta ser un festival internacional extendido por diversos municipios de la región. Sin pretender una mirada estrictamente histórica, sí hemos querido contar con la presencia de artistas que comenzaron con el festival y otros creadores madrileños que encabezan ahora nuevas propuestas: Teresa Nieto, Carmen Werner o Àngels Margarit pertenecerían a esa primera generación, y Chevi Muraday, Dani Pannullo, Nicolas Rambaud, Fernando Martín, Daniel Abreu, Michelle Man o Cristina Blanco a las siguientes.

Los ciclos Doble de Danza en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, La Cámara Coreográfica en el Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes y en el Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas y Cultivos de Danza en la Universidad de Alcalá de Henares, que dedicamos a la investigación y experimentación coreográfica, extienden a otros espacios y a otros ámbitos socioculturales la actividad de este Festival Internacional Madrid en Danza.

ANA CABO Directora del Festival Internacional Madrid en Danza

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Índice

Introducción pág. 9

Programación pág. 11

Documentación pág. 23

Compañía María Pagés pág. 25

Danzarines pág. 31

Compañía Rafaela Carrasco pág. 35

Dani Pannullo Dancetheatre Co. pág. 39

Compañía Megaló-Teatro Móvil pág. 45

Larumbe Danza pág. 49

Robyn Orlin – City Theatre and Dance Group pág. 55

Àngels Margarit / Cia. Mudances pág. 59

Compañía Fuebalbar pág. 63

Ballet de la Ópera de Göteborg pág. 69

Compañía Rea Danza pág. 75

Ballet de la Ópera de Viena pág. 79

Ballet Biarritz pág. 89

Losdedae pág. 93

Provisional Danza pág. 99

Compañía Blanca Li pág. 103

Galili Dance pág. 111

Teresa Nieto en Compañía pág. 115

Ciclo de cine “La Cámara Coreográfica” pág. 119

Ciclo “Cultivos de Danza” pág. 123

- Iratxe Arana / Oscar Dasí / Losquequedan /

Félix Fernández / Miguel Ángel Melgares / Iñaki Imaz pág. 125

- Michelle Man pág. 127

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- Daniel Abreu pág. 129

- Cristina Blanco pág. 131

Ciclo “Doble de Danza” pág. 133

- Compañía Esquivel (Danza & Música) pág. 135

- Compañía María Pagés pág. 147

- Amores Grup de Percussió y Cia. Patas Arriba pág. 153

Programación por espacios escénicos pág. 163

Programación por orden cronológico pág. 175

Direcciones y precios pág. 189

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Introducción

- XX Edición - Del 4 al 24 de abril - 26 espectáculos (además de 8 largometrajes y 1 exposición) - 72 funciones: 42 en Madrid capital y 30 en municipios de la Comunidad (además de 11 sesiones cinematográficas) - 23 compañías - 10 países representados:

- 14 compañías españolas: 1 de Cataluña, 11 de la Comunidad de Madrid, 1 de la Comunidad Valenciana y 1 de Andalucía, Cataluña, Comunidad Valenciana, Galicia y País Vasco

- 8 compañías extranjeras: 1 de Argentina, 1 de Austria, 1 de Bélgica, 2 de Francia, 1 de Países Bajos 1 de Sudáfrica, 1 de Suecia

- 1 compañía España (Comunidad de Madrid) y Japón

- 9 espacios en Madrid capital: Centro Cultural Paco Rabal–Palomeras Bajas, Centro de Nuevos Creadores, Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes, Cí rculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas), Sala Cuarta Pared, Teatro Albéniz, Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso), Teatro de Madrid y Teatro Pradillo - 22 espacios en 20 municipios de la Comunidad de Madrid: Alcalá de Henares (Escuela de Arquitectura [Salón de Actos] y Teatro Lope de Vega); Alcobendas (Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas); Alcorcón (Teatro Municipal Buero Vallejo); Colmenarejo (Teatro Municipal); Collado Villalba (Casa de Cultura); Coslada (Centro Cultural La Jaramilla); Fuenlabrada (Centro Cultural Tomás y Valiente [Teatro]); Getafe (Teatro Auditorio Federico García Lorca); Las Rozas de Madrid (Centro Cultural [Sala Federico García Lorca]); Leganés (Centro Cívico Rigoberta Menchú); Majadahonda (Casa de Cultura Carmen Conde); Móstoles (Centro Cultural Villa de Móstoles [Teatro de Móstoles] y Teatro del Bosque); Parla (Teatro Jaime Salom); Pinto (Teatro Municipal Francisco Rabal); Pozuelo de Alarcón (Mira Teatro); San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo de Carlos III); San Martín de Valdeiglesias (Teatro Cine Municipal); San Sebastián de los Reyes (Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach); Torrejón de Ardoz (Teatro Municipal José María Rodero); y Villanueva de la Cañada (Centro Cívico El Castillo) - 18 estrenos: 3 absolutos, 8 en España, 5 en la Comunidad de Madrid y 2 en Madrid capital

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PROGRAMACIÓN

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COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- INAUGURACIÓN XX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) Coreografía: MARÍA PAGÉ S Intérpretes: María Pagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado, Cristina Tomé, Guadalupe Torres, José Barrios, Emilio Herrera, Noé Barroso, José Antonio Jurado y Joaquín Mulero (baile); Ana Ramón e Ismael de La Rosa, con la colaboración especial de Tsiri Le Loka (cante); José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz (guitarra); y Chema Uriarte (percusión) Estreno en Madrid capital País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio) MADRID – Teatro Albéniz – del 6 al 10 de abril – del 6 al 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas

DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES Comisario: ALEJANDRO CASTELLOTE País: España (Comunidad de Madrid) MADRID – Teatro Albéniz – del 6 al 23 de abril – los días de espectáculo, en horario de funciones (continuará, fuera de festival, hasta el día 29)

COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) Coreografía: RAFAELA CARRASCO Intérpretes: Olga Ramos, Concha Jareño, Daniel Doña, Manuel Liñán, Marco Flores y Rafaela Carrasco (baile); Fernando de la Rúa y Jesús Torres (guitarra); José Luis López (violonchelo); Sudhi Rajagopal (tablas); Pablo Suárez (piano); y Manuel Gago y Miguel ‘’Picuo’’ (cante) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) MADRID – Teatro de Madrid – 8, 9 y 10 de abril – días 8 y 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas VILLANUEVA DE LA CAÑADA – Centro Cívico El Castillo – 15 de abril – 20.30 horas LAS ROZAS DE MADRID – Centro Cultural (Sala Federico García Lorca) – 16 de abril 20.00 horas SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES – Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach – 17 de abril – 20.00 horas POZUELO DE ALARCÓN – Mira Teatro – 23 de abril – 20.00 horas PARLA – Teatro Jaime Salom – 24 de abril – 20.00 horas

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DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. ORDEN DE APARICIÓN (danza urbana-hip hop) Dirección: DANI PANNULLO Intérpretes: Laura Biesna, Carlos Beltrán, Daniel Ruiz, Elías Aguirre, Fernando Baiona, Ismeni Espejel, Itsaso Álvarez, Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado y Sergio Romero País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MÓSTOLES – Centro Cultural Villa de Móstoles (Teatro de Móstoles) – 8 de abril 21.00 horas GETAFE – Teatro Auditorio Federico García Lorca – 9 de abril – 20.00 horas SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS – Teatro Cine Municipal – 15 de abril – 20.00 horas MAJADAHONDA – Casa de Cultura Carmen Conde – 16 de abril – 20.30 horas

COMPAÑÍA MEGALÓ–TEATRO MÓVIL MIEDO (danza contemporánea para público familiar) Coreografía: NICOLAS RAMBAUD Dramaturgia y dirección: CORAL TRONCOSO Música orginal: SCOTT A. SINGER Intérpretes: Leire Amonarriz, Carlos Barandalla , Nicolas Rambaud , Scott A. Singer y Coral Troncoso Estreno en España País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Teatro Pradillo – 9 y 10 de abril – día 9: 17.00 horas; y día 10: 12.30 horas

LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Coreografía: DANIELA MERLO Y JUAN DE TORRES Intérpretes: Juan de Torres, Daniela Merlo, Ingrid López, Mª Cruz Planchuela y Salvador Masclans Estreno en Madrid capital País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) COLMENAREJO – Teatro Municipal – 9 de abril – 20.00 horas ALCORCÓN – Teatro Municipal Buero Vallejo – 15 de abril – 21.00 horas COSLADA – Centro Cultural La Jaramilla – 16 de abril – 20.00 horas MADRID – Centro de Nuevos Creadores – 20, 21 y 22 de abril – 20.00 horas COLLADO VILLALBA – Casa de Cultura – 23 de abril – 19.00 horas TORREJÓN DE ARDOZ – Teatro Municipal José María Rodero – 24 de abril – 20.00 horas

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ROBYN ORLIN - CITY THEATRE AND DANCE GROUP WHEN I TAKE OFF MY SKIN AND TOUCH THE SKY WITH MY NOSE, ONLY THEN CAN I SEE LITTLE VOICES

AMUSE THEMSELVES… (danza contemporánea) Coreografía: ROBYN ORLIN Intérpretes: Toni Morkel, Ann Masina, Mandlenkosi Mkhize, Thamsanqa Mqaba, Thamsanqa Khaba y Melissa Madden Gray Estreno en España País: Sudáfrica Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 9 y 10 de abril – día 9: 21.30 horas; y día 10: 20.00 horas ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES SOLO POR PLACER (danza contemporánea) Creación e interpretación: ÁNGELS MARGARIT Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Cataluña) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Sala Cuarta Pared – 12, 13 y 14 de abril – 21.00 horas COMPAÑÍA FUEPALBAR MORDRE À TRAVERS (MORDEDURA TAJANTE) (danza contemporánea) Coreografía: FERNANDO MARTÍN Intérpretes: Sarah Piccinelli, Barthélemy Manias y Fernando Martín Estreno en España País: Bélgica Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Teatro Pradillo – 13, 14 y 15 de abril – 20.30 horas BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG QUARTET # 10 / LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON (ballet contemporáneo) Coreografías: ÖRJAN ANDERSSON / NICOLO FONTE / JAVIER DE FRUTOS Intérpretes: Uta Güttler, Owe Jonzon, Annethe Kevin Almse, Patrick Migas y Daniel Yaregal (solistas); Angelina Allen, Israel Aloni, Kristoffer Arfvidson, Travis Birch, Rayco Cano Cortes, Anthony Crome, Karin Duell, Malgorzata Dzierzon, Isabel Fortes, Tyler Gledhill, Andrzej Glosniak, Sören du Hoffman, Maria Jennerholm, Irene Joyce, Maud Liardon, Tim Liljequist, Annika Lindquist, Fernando Melo, Monica Milocco, Lilibet Nilsson, Inês Nobre, Maria Nyström, Dan Offerlind, Juan Carlos Requena,

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Isabelle Rune, Cecilia Selander Moss, Charlotta Stenström, Josefin Swedberg, Heather Telford, Anandi Vinken, Dorota Wilczewska, David Wilde y Thomas Zamolo (bailarines); Dieter Schöning, Wiveka Rydén Mårtensson, Johanna Fridolfsson y Lena Bergström (músicos, componenetes del Klara Quartet); y Bernard Matracki (pianista) Estreno en España País: Suecia Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (con dos intermedios) MADRID – Teatro de Madrid – 14, 15 y 16 de abril – 20.30 horas REA DANZA BUENOS AIRES… EL CIELO (tango contemporáneo) Coreografía: DIEGO ARIAS Intérpretes: Andrea Gras, Vanessa López Alvares, Ximena Carnevale, Clara Gallardo, Jupa Arias, Diego Arias, Ramiro Soru, Juan Arias, Federico Melgarejo y Luciano Carnevale (intérpretes); Ariel Hernández, Juan Bacca Fernández, Lorenzo Treviño y Miguel Pérez (Músicos de Che Camerata); y Chico Fargas (músico invitado) Estreno absoluto País: Argentina Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio) MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 15 de abril – 20.00 horas MADRID – Cí rculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas) – 16 y 17 de abril – 19.00 horas BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA (elenco de primeros bailarines y solistas) SLINGERLAND PAS DE DEUX / SENSI / BEETHOVEN OPUS 73 / BOLERO / ALLES WALZER (ballet neoclásico) Coreografías: WILLIAM FORSYTHE / RENATO ZANELLA Intérpretes: Eva Petters, Jürgen Wagner, Kathryn Czerny, Shoko Nakamura, Wolfgang Grascher, Michela Centin, Dagmar Kronberger, Karina Sarkissova, Mikel Jáuregui, Kirill Kourlaev, Eno Peci, Mihail Sosnovschi, Rudolf Wätcher, Marie-Claire D’Lyse, Beatrice Denes, Barbara De Zotti, Alba Sempere, Patricia Tichy, Marek Ackermann y Gabor Oberegger Estreno en España País: Austria Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (con intermedio) MADRID – Teatro Albéniz – 15, 16 y 17 de abril – días 15 y 16: 20.30 horas; y día 17: 19.00 horas

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BALLET BIARRITZ CRÉ ATION (ballet neoclásico) Coreografía y dirección: THIERRY MALANDAIN Intérpretes: Véronique Aniorte, Camille Aublé, Giuseppe Chiavaro, Analiza Cioffi, Fréderik Deberdt, Gaël Dominger, Roberto Forleo, Cédric Godefroid, Mikel Izurzun del Castillo, Silvia Magalhaes, Miguel Pla Boluda, Magali Praud, Christophe Roméro, Rosa Royo y Nathalie Verspecht País: Francia Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 15 de abril – 21.00 horas ALCOBENDAS – Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas – 16 de abril – 20.00 horas LOSDEDAE RECORRIDO… RECORRER (danza contemporánea) Coreografía: CHEVI MURADAY Intérpretes: Sara Mogarra, Paloma Saiz, Iker Arrue, Sara Sampelayo y Chevi Muraday Estreno absoluto de la pieza Recorrido… Recorrer País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (con intermedio) PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 16 de abril – 20.00 horas LEGANÉ S – Centro Cívico Rigoberta Menchú – 23 de abril – 19.30 horas PROVISIONAL DANZA THE END (HIROSHIMA) (danza contemporánea) Coreografía: CARMEN WERNER Intérpretes: Enmanuel Eggermont, Hirotsugu, Óscar Lozano, Janet Novas, Vicky P. Miranda, Ricardo Santana, Masumi Yanase y Carmen Werner Estreno en España Países: España (Comunidad de Madrid) y Japón Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Sala Cuarta Pared – 19, 20 y 21 de abril – 21.00 horas COMPAÑÍA BLANCA LI ALARME (danza contemporánea) Coreografía: BLANCA LI

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Intérpretes: Stéphane Andrieu, Géraldine Fournier, Marjorie Hannoteaux, Emmanuelle Huybrechts, Blanca Li, Cyril Lot, Yana Maltseva-Le Gac, Bruno Péré y Raphaël Rodríguez Estreno en España País: Francia Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio) MADRID – Teatro Albéniz – 21, 22 y 23 de abril – 20.30 horas MÓSTOLES – Teatro del Bosque – 24 de abril – 18.00 horas GALILI DANCE ME (danza contemporánea) Coreografía: ITZIK GALILI Intérpretes: Nicole van Gent, Kim de Jong, Masahiro Yanagimoto, Jesús de Vega Gómez, Natalia Rodina, Helena Volkov, Laura Lohi, Jussi Noussiainen, Stephen Shropshire y Philipp Stummer País: Países Bajos Estreno en España Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) MADRID – Teatro de Madrid – 22, 23 y 24 de abril – días 22 y 23: 20.30 horas; y día 24: 19.00 horas TERESA NIETO EN COMPAÑÍA CONSUELO (danza contemporánea) Coreografía y dirección: TERESA NIETO Intérpretes: Jesús Caramés, Claudia Faci y Teresa Nieto País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 22, 23 y 24 de abril días 22 y 23: 21.30 horas; y día 24: 20.00 horas COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco) Coreografía y dirección: MARÍA PAGÉ S Intérpretes: María Pagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado, Cristina Tomé, José Barrios, Emilio Herrera, Noé Barroso y José Antonio Jurado (baile); Ana Ramón (cante); José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz (guitarra); y Chema Uriarte (percusión) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) FUENLABRADA – Centro Cultural Tomás y Valiente (Teatro) – 23 de abril – 20.00 horas

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CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA

ESCUELA DE SIRENAS, de GEORGE SYDNEY (EE.UU., 1949) MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 5 de abril – 17.30 y 22.00 horas LOS TARANTOS, de F. ROVIRA (España, 1963) MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 5 de abril – 19.30 horas BILLY ELLIOT, de STEPHEN DALDRY (Francia / Gran Bretaña, 2000) MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 8 de abril – 19.30 horas NIJINSKY, de HERBERT ROSE (Gran Bretaña, 1980) MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 12 de abril – 17.30 y 22.00 horas THE COMPANY, de ROBERT ALTMAN (EE.UU., 2003) MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 12 de abril – 19.30 horas MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 22 de abril – 19.30 horas SEVILLANAS, de CARLOS SAURA (España, 1992) MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 29 de abril – 19.30 horas BAILANDO EN LA OSCURIDAD, de LARS VON TRIER (Dinamarca y Suecia, 2000) MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 6 de mayo – 19.30 horas EL OTRO LADO DE LA CAMA, de EMILIO MARTÍNEZ LÁZARO (España, 2002) MADRID – Centro Cultural Paco Rabal- Palomeras Bajas – 13 de mayo – 19.30 horas

CICLO CULTIVOS DE DANZA 2005 EN LA UNIVERSIDAD DE ALCALÁ DE HENARES

IRATXE ARANA / ÓSCAR DASÍ / LOSQUEQUEDAN / FÉ LIX FERNÁNDEZ / MIGUEL ÁNGEL MELGARES / IÑAKI IMAZ CONEXIONES (videocreación) Vídeocreadores: IRATXE ARANA / ÓSCAR DASÍ / LOSQUEQUEDAN / FÉ LIX FERNÁNDEZ / MIGUEL

ÁNGEL MELGARES / IÑAKI IMAZ País: España (Andalucía, Cataluña, Comunidad Valenciana, Galicia y País Vasco) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) ALCALÁ DE HENARES – Escuela de Arquitectura (Salón de Actos) – 5 de abril – 18.30 horas

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MICHELLE MAN CUATRO POR CUATRO (danza contemporánea) Coreografía: MICHELLE MAN Intérpretes: Ana Lluva González, Michelle Man, Iris Muñoz y Billie Perez Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 5 de abril – 19.30 horas DANIEL ABREU SE ME ESCAPA ENTRE LOS DEDOS (danza contemporánea) Coreografía e interpretación: DANIEL ABREU Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 40 minutos (sin intermedio) ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 7 de abril – 18.30 horas CRISTINA BLANCO CUADRADO-FLECHA-PERSONA QUE CORRE (danza contemporánea-performance) Coreografía, idea e interpretación: CRISTINA BLANCO País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 7 de abril – 19.30 horas

CICLO DOBLE DE DANZA EN EL REAL COLISEO DE CARLOS III DE SAN LORENZO DE EL ESCORIAL

COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) LA DANZA BARROCA Y LA CORTE. IV CENTENARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DE EL QUIJOTE (danza y música barroca) País: España (Comunidad de Madrid) 8, 9 y 10 de abril

día 8: 18.00 horas – Encuentro barroco día 9: 20.00 horas – QUIJOTESCOS (danza y música barroca) Coreografía y adaptación coreográfica: Mª JOSÉ RUIZ

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Intérpretes: César Casares, Jaime Puente, Jorge Vicedo, Javier del Real, Gudrun Schwabl, Rosario Torres, Susana Román y Yolanda Barrero (bailarines); David Sanz y Javier Laorden (actores); y Pablo Gastaminza, Silvia Mondino, David Echeverria, Garchot Ortiz, Juan Jaime Ruiz, Pepa Megina, Miguel Ángel Moreno, Carles Cristóbal, Giuseppe Frau, Juan M. Nieto, Laura Puerto y Bill Cooley (músicos) Estreno absoluto Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (con intermedio) 10 de abril: 12.30 horas – LOS REYES BAILONES (danza y música barroca para público familiar) Dirección coreográfica: CÉ SAR CASARES Intérpretes: Marisili Calvo, Helena Dueñas, Gudrun Schawbl, Diana Campóo, César Casares y Jaime Puente Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- FLAMENCO PARA TODOS (flamenco) País: España (Comunidad de Madrid) 15, 16 y 17 de abril

día 15: 18.00 horas – Encuentro flamenco día 16: 20.00 horas – EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco) Coreografía y dirección: MARÍA PAGÉ S Intérpretes: María Pagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado, Cristina Tomé, José Barrios, Emilio Herrera, Noé Barroso y José Antonio Jurado (baile); Ana Ramón (cante); José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz (guitarra); y Chema Uriarte (percusión) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) día 17: 12.30 horas – Las ideas de María sobre EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco para público familiar) Coreografía y dirección: MARÍA PAGÉ S Intérpretes: María Pagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado, Cristina Tomé, José Barrios, Emilio Herrera, Noé Barroso y José Antonio Jurado (baile); Ana Ramón (cante); José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz (guitarra); y Chema Uriarte (percusión) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)

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AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA RITMO Y DANZA CONTEMPORÁNEA (danza contemporánea y percusión) País: España (Comunidad Valenciana) 22, 23 y 24 de abril

día 22: 18.00 horas – Encuentro rí tmico día 23: 20.00 horas – TINAJAS (danza contemporánea y percusión) Coreografía: ASUN NOALES Y ARANCHA SAGARDOY Idea original: AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Intérpretes: Pau Ballester, Àngel Garcia y Jesús Salvador “Chapi” (Amores Grup de Percussió); y Sazed ul Alam, Asun Noales y Arancha Sagardoy (Cia. Patas Arriba) Duración aproximada: 1 hora y 5 minutos (sin intermedio) día 24: 12.30 horas – PERCUDANZA (danza contemporánea y percusión para público familiar) Coreografía: ASUN NOALES Y ARANCHA SAGARDOY Idea original: AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Intérpretes: Pau Ballester, Àngel Garcia y Jesús Salvador “Chapi” (Amores Grup de Percussió); y Asun Noales y Arancha Sagardoy (Cia. Patas Arriba) Estreno en la Comunidad de Madrid Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)

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DOCUMENTACIÓN

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COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S

Canciones, antes de una guerra

Coreografía: MARÍA PAGÉ S

MADRID – Teatro Albéniz – del 6 al 10 de abril – del 6 al 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas

PROGRAMA * Boquerones del alba Letra y música: Guzmán Merino y J. Ruiz de Azagra Intérprete: Angelillo * Tatuaje Letra y música: León, Valerio y Quiroga Intérprete: Concha Piquer * Blues Dingue Letra, música e intérprete: Henri Salvador * Guitarra dímelo tú Letra, música e intérprete: Atahualpa Yupanqui Arreglos: Jose A. Carrillo * Soleá de la cueva Letra: Miguel Hernández Arreglos: Jose A. Carrillo y María Pagés * Alegría Letra: Antonio Machado Musica: Jose A. Carrillo * Taranto para mujeres Música: Jose A. Carrillo * Nanas de la cebolla Letra y música: Miguel Hernández y Alberto Cortéz Intérprete: Joan Manuel Serrat

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* Soñar Letra: Antonio Machado Música: Luis Morais y Amando Cabral Arreglos: Carrillo y Sánchez * When the saints marching in Letra y música: popular Intérprete: Louis Armstrong * Traveller’s Lament Letra: Tsidii Le Loka Música: Françoise Breant * Imagine Letra y música: John Lennon Arreglos: Lebaniegos y Sánchez Canciones, antes de una guerra, está dedicado a Manuel Vázquez Montalbán. (flamenco) Estreno en Madrid capital País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía María Pagés Dirección José María Sánchez Intérpretes María Pagés

María Morales Sonia Fernández Mar Jurado Cristina Tomé Guadalupe Torres José Barrios Emilio Herrera Noé Barroso José Antonio Jurado Joaquín Mulero

Cante Ana Ramón Ismael de La Rosa

Guitarra José A. Carrillo “Fyty” Isaac Muñoz

Percusión Chema Uriarte

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Con la colaboración especial Tsidii Le Loka Coreografía Alegrías José Barrios Realización del telón de fondo Christian Olivares Técnico de sonido KiKe Cabañas Empresa de sonido Kermes Sonido Regiduría Sofía Pérez Dirección técnica Dominique You Escenografía You – Olivares – Sánchez Diseño de vestuario Miguel Crespí Iluminación José María Sánchez

Dominique You Concepto y guión María Pagés

José Mª Sánchez Compañía María Pagés: Dirección María Pagés Dirección técnica y de producción Dominique You Oficina Ana Martínez Coordinación de ensayos María Morales

José Barrios Emilio Herrera

SOBRE EL ESPECTÁCULO En el bazar de las ideas hemos encontrado unas viejas canciones. Las hemos escuchado y hemos decidido bailarlas. Los tonos de esos sonidos son evocativos, pacíficos y divertidos, como se divierten los niños; el sentido de esas palabras-versos, tan simples, tan solidarios, nos ha provocado la reflexión que origina este experimento coreográfico. En particular, dedico Nanas de la cebolla a mi hijo Pancho y a todos los adolescentes que empiezan a alejarse del maravilloso mundo de la infancia, ya en la frontera de la comprometida jurisdicción de los adultos, para que nunca olviden que la fantasía, los sueños, la sonrisa y la tolerancia son las herramientas más apropiadas en ese taller, donde los adultos tenemos que trabajar para la construcción del equilibrio social más justo para todos.

MARÍA PAGÉ S SOBRE LA COMPAÑÍA

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Fundada en 1990 por María Pagés, desde el momento de su creación y hasta 1999 la compañía ha presentado espectáculos como Sol y sombra (1990), Tango (1992), De la luna al viento (1994) y La tirana (1998). En 1998 la Compañía María Pagés firmó un acuerdo con el Ayuntamiento de Torrelodones con el que se propusieron unificar, en un plan de actividades, las necesidades culturales de Torrelodones referidas a la danza, marcándose los siguientes objetivos: por una parte, el Ayuntamiento de Torrelodones pretendía sensibilizar y acercar al mundo de la danza a sus ciudadanos y enriquecer, de esta forma, su ya activa vida cultural. Y por otra, la Compañía María Pagés tenía como objetivos principales estabilizarse y consolidarse, así como desarrollar una actividad creativa en las mejores condiciones. Desde 1999 la Comunidad de Madrid pone en marcha el proyecto de Compañías Residentes, aportando al Ayuntamiento financiación para llevar a cabo este programa, convirtiéndose la Compañía María Pagés n Compañía Residente en Torrelodones. De este modo se inicia un proyecto pionero en el mundo de la danza, cuyo desarrollo satisfactorio ha sido modelo a seguir, abriendo un camino a otras Compañías Residentes. Ya como compañía asentada en este municipio madrileño presentan Flamenco Republic (2001), El perro andaluz. Burlerías (2001) y, su última producción, Canciones, antes de una guerra (2004). Entre las actividades que han desarrollado en 2004 se pueden destacar: la apertura al público de los ensayos y, en los ensayos generales, el acercamiento e información sobre la próxima creación, intentando implicar, sobre todo, a los niños y jóvenes; la realización de Working Process, orientados a las personas más interesadas en el proceso técnico de creación; la preparación de conferencias, así como colaboraciones con las otras Compañías Residentes (creación, clases magistrales e intercambio de proyectos); y asesoramiento y la colaboración con las Escuelas de Danza y Música de Torrelodones. MARÍA PAGÉS María Pagés es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del Arte Flamenco. Utilizando las acentuaciones flamencas clásicas, sus obras confrontan al Flamenco con otras artes, ampliando su horizonte y abriendo un nuevo camino para el futuro de la danza flamenca. Como reconocimiento a este trabajo, en el año 2002, se le concede el Premio Nacional de Danza, en la modalidad de Creación, y, en 1996, el Premio Nacional de Coreografía ADE (Asociación de Directores de Escena), por su obra El perro andaluz. Burlerías.

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Nace en Sevilla y empieza a bailar a los cuatro años, contando entre sus principales maestros con Manolo Marín, Adelita Domingo, Matilde Coral, María Magdalena y Manolo Valdivia. Comienza su carrera profesional con la compañía de Antonio Gades, interviniendo en Carmen y Bodas de sangre. Ha sido primera bailarina de la Compañía de Mario Maya y del Ballet de Rafael Aguilar. En 1990 funda la Compañía María Pagés y debuta en Sevilla con el espectáculo Sol y sombra. En 1992 la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla encarga a la compañía la coreografía Tango y, en 1994, esta formación presenta, otra vez en la Bienal, De la luna al viento, con dirección de José María Sánchez, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, espectáculo que confronta la música clásica y el Flamenco, obra que volvió a representar, en 1998, por encargo del Festival de Granada, en los Jardines del Generalife. Con motivo del X Aniversario del Teatro de la Maestranza de Sevilla, De la luna al viento fue elegido el Mejor Espectáculo de Flamenco representado en este teatro durante toda la década. Desde 1995 María Pagés ha actuado con Riverdance. The Show, como coreógrafa y artista invitada, en los teatros más importantes del mundo destacando, entre otros: el Radio City Music Hall de Nueva York, Auditorium de Chicago, Pantages Theatre de Los Angeles, Wang Center de Boston, Hummingbird Theatre de Toronto, Entertainment Center de Sydney, The Point de Dublín, y Labatt's Apolo en Londres. En 1996 crea para la Compañía Andaluza de Danza El perro andaluz. Burlerías, que estrenará con su propia compañía en 2001. En 1998 la Compañía María Pagés estrena en el Teatro de la Maestranza de Sevilla La tirana. Esta obra se ha representado en Madrid dentro del marco del Festival de Otoño, en el Festival Internacional de la Guitarra de Córdoba, en el Festival de Perpignan y en el Festival de Colonia. En años posteriores la compañía ha girado con esta obra por Alemania, Estados Unidos, Japón, Francia, China e Italia. En febrero de 2001 se estrena en Nueva York Flamenco Republic, obra que también representó en el Festival de Jerez, en el Teatro de la Maestranza y en el Festival de Cante las Minas. Además, actúa en el Teatro Real de Madrid en la I Gala de la Danza Española y del Flamenco. María Pagés creó una nueva coreografía para el Ballet Nacional, Ilusiones FM, con guión y dirección de José María Sánchez, que se estrenó el 20 de diciembre de 2002 en el Teatro de la Zarzuela.

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La Compañía María Pagés ha realizado giras internacionales por Estados Unidos, Canadá, México, Europa (Italia, Francia, Alemania, Grecia, Finlandia) y Asia (Israel, China y Japón) con obras como La tirana, Flamenco Republic y El perro andaluz. Burlerías. Durante el 2004, María Pagés ha realizado temporada en el The Joyce Theater de Nueva York, además de giras por Asia (Japón, China y Taiwan), Europa (Sadlers Wells Theater de Londres, Teatro Olímpico de Roma, Ópera Cómica de Berlín y Ópera de Hannover) y una amplia gira por España. Además, ha presentado su primer disco titulado Flamenco Republic Tour y ha producido el DVD del espectáculo La tirana. Canciones, antes de una guerra, su última producción, estrenada en el Teatro de La Maestranza de Sevilla el 28 de septiembre de 2004, ha sido calificado como el Mejor Espectáculo de la Bienal de Flamenco de 2004, obteniendo cuatro Giraldillos: Mejor Coreografía, Mejor Dirección, Mejor Compañía (Cuerpo de Baile) y Giraldillo de la Crí tica. De sus colaboraciones cinematográficas destaca su participación en Carmen, El amor brujo y Flamenco, de Carlos Saura, así como en La bella Otero y Hemingway, fiesta y muerte, de José María Sánchez.

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DANZARINES

Autor: ELÍAS LLAMAZARESA Comisario: ALEJANDRO CASTELLOTE

MADRID – Teatro Albéniz – del 6 al 23 de abril – los días de espectáculo en horario

de funciones (continuará fuera de Festival hasta el día 29 de abril)

SOBRE LA EXPOSICIÓN Probablemente la danza, unida a una también rudimentaria música, fue la primera expresión cultural del hombre. Todos nos figuramos a los homo sapiens, reconocidos como los primeros artistas, danzando para expresar su alegría por una buena caza, o su tristeza por la muerte de un ser querido. Seguro que danzaban para expresar y vivir con emoción sus sentimientos a través de la danza y, probablemente, no sería su principal interés el transmitirlos a otros homo sapiens-espectadores. Hoy los danzarines lo tienen más difícil, pues tienen que transmitir a unos hombres-espectadores los sentimientos diseñados por un hombre-coreógrafo y no los que ellos sienten en esos momentos. En conseguir que los hombres-espectadores se emocionen está el éxito, y lo consiguen porque también viven con emoción los sentimientos de su danza. La conjunción de la música y el movimiento de sus cuerpos producen la maravilla, nos dan emoción y belleza. Hace unos meses me entró la inquietud de intentar reflejar en imágenes fijas esta expresión cultural que tanto me atraía. Partí de dos decisiones: la primera fue que las fotografías serían en color, no quería perder la belleza del color de sus cuerpos y de sus ropas, e incluso la emoción que transmiten los colores. La segunda, se refería a la intención de fotografiar el movimiento, pues no veo posible captar la belleza de la danza sin captar el movimiento. El trabajo ha sido fácil, pues ha habido momentos que mi dedo apretaba el disparador de la cámara en armonía con la música y los movimientos, yo no tenía nada que hacer. La segunda parte de este trabajo nace como contraposición a la parte anterior: los danzarines parecen ángeles bailando, pero su perfección se basa en un trabajo muy duro de ensayos que se refleja en sus pies. Me propongo, inicialmente, retratar las deformaciones, sus callos, sus juanetes… y así empiezo el trabajo.

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En mis trabajos no busco mandar un mensaje, busco la belleza, tan despreciada en el arte de hoy, que, acaso haya muerto. En esta segunda parte me quise saltar esta norma y fracasé rotundamente. Los danzarines de la Compañía Nacional de Danza ponían unas posturas tan bonitas que me decía “no, no es esto lo que quiero fotografiar”, pero mi dedo apretaba el disparador de la máquina, y así una y otra vez, hasta que me di por vencido y les dije a los danzarines que me pusieran posturas bonitas y que importaba muy poco si salían las deformaciones. Ahora con el trabajo finalizado me alegro mucho de mi fracaso y no volveré más ha salirme de mis planteamientos de búsqueda de la belleza, no podré evitarlo.

ELÍAS LLAMAZARES La exposición Danzarines es una colección de fotografías realizadas por Elías Llamazares en diversas ediciones del Festival de Otoño y Madrid en Danza. El planteamiento de la muestra está dividida en dos secciones: la que corresponde a una mirada plástica sobre las coreografías y un grupo de diez retratos de los pies de bailarines de la Compañía Nacional de Danza. La primera sección explora la representación de las emociones que en cada espectáculo generan la coreografía y la música. Las fotografías resultantes se sirven del color y el movimiento como elementos seminales de la composición. Llamazares traduce la tensión estética de las coreografías en imágenes, donde pierde importancia la información documental, y prima una impronta estética de corte pictorialista. Precisamente, las obras se imprimen sobre papel de acuarela para subrayar los ecos existentes entre los colores de las fotografías –difuminados por el movimiento- y los que dan personalidad a las pinturas al agua o al pastel. El trabajo no despliega, por tanto, un conjunto de momentos decisivos de la coreografía, sino instantes en los que la suma del azar y la luz se sincroniza con el movimiento, para evocar el tempo estético de la danza. En cierto modo, puede decirse que son interpretaciones del fotógrafo/espectador generadas a partir de las evocaciones del espectáculo. La segunda sección, aborda un planteamiento formal totalmente diferente. Elías Llamazares incluye diez fotografías en blanco y negro que son diez primeros planos de los pies de profesionales de la danza. Son una suerte de retratos que quieren funcionar como metonimias visuales de cada artista. Los pies son una de las partes más importantes de la danza e ilustran el esfuerzo llevado a cabo durante años para adecuar los puntos de apoyo a las necesidades estéticas

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que impone esa disciplina artí stica. Como se ha dicho muchas veces, en ellos reside la responsabilidad de representar la sensación de futilidad que inspira el movimiento de los cuerpos en la danza y, asimismo, tienen la facultad de potenciar la estilización de las extremidades inferiores. Ambos son cometidos que exigen un constante y doloroso proceso de adaptación y perfeccionamiento que se refleja en las deformaciones físicas que los años de trabajo les van incorporando. Dos propuestas formales diferenciadas que, en cierto modo, son también dos aproximaciones al mundo de la danza. Lo que habitualmente vemos –el espectáculo- está tratado a través de imágenes que el espectador no es capaz de ver: el movimiento y su rastro de color; lo que no vemos –los pies de los bailarines- está ante nosotros con la precisión realista tradicionalmente asociada a la fotografía. Después de todo, las fotografías son, muchas veces, el instrumento para hacer visible lo invisible y en eso también reside a menudo su capacidad para fascinarnos.

ALEJANDRO CASTELLOTE (Exposición fotográfica enmarcada dentro de la Red de Exposiciones Itinerantes de la Comunidad de Madrid, Red itiner).

ELÍAS LLAMAZARES Nace en Villafeliz de la Sobarriba (León) y reside en Madrid desde su infancia. La actividad fotográfica de este Ingeniero de Minas se inicia en enero de 1997, momento a partir del cual realiza diferentes cursos: Iniciación a la Fotografía (1997), Profesional de Fotografía (1997-1998), Fotografía Publicitaria (1998-1999) y Creativa (1999-2000), asistiendo, además a los talleres de fotografía de Javier Vallhonrat (2000), Alberto Schommer (2000), Luis Malibrán (2004), Luis de las Alas (2004) y Jaime de Laiguana (2004), así como al Curso Máster de Fotografía (2001-2002) Ha participado en las exposiciones colectivas de la Casa de la Cultura de Pozuelo (1997), Casa de la Cultura de Majadahonda (1997, 2000 y 2001), VII Salón de Fotografía “Caja España”, en León (1997), Centro Cultural Galileo del Ayuntamiento de Madrid (1999), Sala de Exposiciones de la Diputación de Cuenca (2000) y Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid (2000), entre otras. A tí tulo individual ha expuesto la “Serie Mediterráneo” en la Galería EFTI de Madrid (2002), serie con la que también se presentó en la Casa de la Cultura de El Campello, Alicante (2002), en la Galería Artesfera de Benidorm (2002), en la Casa de la Cultura de Hoyo de Manzanares (2003), en la Galería Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Alicante (2004), entre otras salas.

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Además, la Consejería de Cultura y Deportes, a través de la Dirección General de Archivos, Museos y Bibliotecas, ha producido la “Serie Danzarines”, muestra que, además de presentarse en el Festival Internacional Madrid en Danza, está itinerando por 14 municipios durante 2005, enmarcado dentro de las actividades de la Red Itiner de la Comunidad de Madrid. En mayo de 2005 presentará la “Serie Armonía” en el Centro Cultural y de Exposiciones de Caja España (León). Ha publicado sus imágenes en la revista SuperFoto, la revista Arte y Naturaleza, así como en el libro 40 años de ópera en Madrid, de la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid.

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COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO

Una mirada del flamenco

Coreografía y dirección: RAFAELA CARRASCO

MADRID – Teatro de Madrid – 8, 9 y 10 de abril – días 8 y 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas

VILLANUEVA DE LA CAÑADA – Centro Cívico El Castillo – 15 de abril – 20.30 horas LAS ROZAS DE MADRID – Centro Cultural (Sala Federico García Lorca) – 16 de abril –

20.00 horas SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES – Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach –

17 de abril – 20.00 horas POZUELO DE ALARCÓN – Mira Teatro – 23 de abril – 20.00 horas

PARLA – Teatro Jaime Salom – 24 de abril – 20.00 horas

PROGRAMA * Encuentros (bulería) Coreografía: Rafaela Carrasco * Sólo un solo (malagueña) Coreografía: Rafaela Carrasco * Falduca (farruca) Coreografía: Rafaela Carrasco * Entre dos (tarantos) Coreografía: Rafaela Carrasco * De antaño (martinete) Coreografía: Rafaela Carrasco * Soledad acompañada (soleá) Coreografía: Rafaela Carrasco Colaboración coreográfica: Manuel Liñán, Daniel Doña y Marco Flores (flamenco) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Rafaela Carrasco Intérpretes Olga Ramos

Concha Jareño Daniel Doña Manuel Liñán Marco Flores Rafaela Carrasco

Guitarra Fernando de la Rúa Jesús Torres Violonchelo José Luis López Tablas Sudhi Rajagopal Piano Pablo Suárez Cante Manuel Gago

Miguel ‘’Picuo’’ Composición musical Jesús Torres

Pablo Suárez José Luis López Fernando de la Rúa

Vestuario Pepa Carrasco Iluminación Gloria Montesinos (A.a.i.) Sonido Jorge Díaz ‘’Roy’’ Fotografía Jesús Vallinas Distribución Chácena Producción ejecutiva Alejandro Salade Dirección Rafaela Carrasco

SOBRE EL ESPECTÁCULO Una mirada del flamenco, mi mirada, mi visión, la libertad de poder contar mi propio concepto, mi manera de expresarlo. En este espectáculo no existe la necesidad de ceñirse a un argumento para contar lo que queremos, porque sólo pretendemos mostrar distintas y, a veces, arriesgadas propuestas coreográficas y musicales que nacen y se basan en palos tradicionales del flamenco.

RAFAELA CARRASCO

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SOBRE LA COMPAÑÍA En marzo de 2003, Rafaela Carrasco crea su propia compañía, con la que coreografía y dirige el espectáculo La música del cuerpo, cuyo estreno tiene lugar en el Festival de Jerez (Cádiz). A continuación, participa en el Festival Internacional Madrid en Danza y realiza una gira por diversas ciudades de la Comunidad de Madrid. A partir de junio de ese mismo año, la compañía inicia una serie de participaciones en festivales internacionales con el objetivo de darse a conocer internacionalmente. En diciembre de 2004 la formación comienza a preparar su nueva producción, Una mirada del flamenco, que se estrena en marzo del año siguiente en el Festival de Flamenco de Jerez y con la que participa en Madrid en Danza. RAFAELA CARRASCO Comienza a bailar a los seis años, y se licencia en Baile Clásico Español en la Academia de Flamenco de Matilde Coral. Recibe clases de Baile Clásico de José Palacios, Rosa Naranjo y José Moreno; de Danza Española y Estilizada, de la mano de Ana Mª Bueno, Merche Esmeralda y Goyo Montero; de Danza Regional, con Pedro Azorín y Juanjo Linares; de Flamenco, con La Toná, Manolo Marín, Manolete, “el Güito”, Milagros Menjíbar, Rafael “el Negro” y “el Mimbre”; y de Danza Contemporánea, con Teresa Nieto. En 1991 entra en la Compañía de Flamenco de Mario Maya, donde permanece cuatro años, primero como cuerpo de baile, después como solista y, finalmente, como primera bailarina. De 1994 a 1996 forma parte de la Compañía Andaluza de Danza (C.A.D.) en calidad de solista y repetidora. Ha trabajado en dos ocasiones en los tablaos flamencos Los gallos, de Sevilla, y el Café de Chinitas, de Madrid. En 1996 entra en la compañía de Belén Maya, en calidad de coreógrafa, solista y repetidora. También trabaja, como artista invitada, en la Compañía de Javier Barón, en su espectáculo El pájaro negro. Participa como coreógrafa y solista en el espectáculo Pensando flamenco, de Adrián Gala, y en el Teatro Bellas Artes de Madrid actúa como bailarina invitada en el espectáculo Hasta aquí hemos llegado, de la compañía Cumbre Flamenca. En febrero de 2000 actúa en el Teatro de La Maestranza de Sevilla, en el espectáculo Nuevas generaciones, presentado y amadrinado por Cristina Hoyos.

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En ese mismo año, coreografía y participa como artista invitada en el espectáculo Amargo, junto a Rafael Amargo. Participa como primera bailaora de la compañía de Ricardo Franco, con el espectáculo De sol a luna, en febrero del año siguiente. Estrena en la compañía Pura pasión, donde comparte cartel con Cristóbal Reyes y escenario con Lola Greco. En mayo de ese mismo año actúa en las galas de Flamenco viene del sur, en el Teatro Central de Sevilla, donde comparte cartel con Juan Ramírez. En 2002 actúa en el Festival Flamenco de Jerez junto a Manuel Reyes; en la Bienal de Sevilla, en el espectáculo Orestes en Lisboa, bajo la dirección del maestro Francisco Suárez. Además, participa en la XIV Gala del Día Internacional de la Danza, donde interpreta el poema de Miguel Hernández Desde que el alba quiso ser alba, dirigida por Francisco Suárez, y participa en la XI edición del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco. En este último, obtiene los siguientes premios: primer premio Mejor Coreografía, premio a la Mejor Composición Musical (José Luis López) y premio al Bailarín Sobresaliente (Daniel Doña). En marzo de 2004, Rafaela Carrasco estrena, junto a la bailaora Belén Maya, el espectáculo Fuera de los límites. En junio del mismo año, es convocada por el Centro Andaluz de Danza, para hacerse cargo de la dirección coreográfica del espectáculo Los caminos de Lorca, estrenada en el Palacio de Carlos V de Granada, con la que también participa en la Bienal de Flamenco de Sevilla. Desde 1996 compagina su labor artí stica con la docente, impartiendo clases en el conservatorio de Amor de Dios y realizando cursillos por España y el extranjero.

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DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO.

Orden de aparición

Dirección: DANI PANNULLO

MÓSTOLES – Centro Cultural Villa de Móstoles (Teatro de Móstoles) 8 de abril – 21.00 horas

GETAFE – Teatro Auditorio Federico García Lorca – 9 de abril – 20.00 horas SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS – Teatro Cine Municipal – 15 de abril – 20.00 horas MAJADAHONDA – Casa de Cultura Carmen Conde – 16 de abril – 20.30 horas

PROGRAMA * Home Intérpretes: toda la compañía Música: Goran Kaifes * Raider Intérprete: Fernando Baiona Música: B. Bartok * Dúo Intérpretes: Carlos Beltrán Melo y Daniel Ruiz Música: La Mala Rodríguez * Danny Boy Intérprete: Michiyasu Furutani Música: Johnny Cash * Bedda at home Intérprete: Laura Biesna Música: Jill Scott * Nudos Intérprete: Carlos Beltrán Melo Música: Mahler / Caine

* Sólo uno Intérprete: Itsasto Álvarez Música: M. Herbert

* Raider 2 Intérprete: Fernando Baiona Música: B. Bartok

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* Blues & Butoh Intérprete: Michiyasi Furutani Música: Koko Taylor * Batuque Intérprete: Daniel Ruiz Música: Escola da luz * The key (La llave) Intérpretes: Elías Aguirre e Itsaso Álvarez Música: Terry Callier * La playa Intérprete: Sergio Romero Música: Frank T * Krishna, el Dios azul Intérpretes: Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado e Ismeni Espejel Música: Bollywood Funk * Raider 3 Intérprete: Fernando Baiona Música: B. Bartok * Girls!! Intérpretes: Laura Biesna, Ismeni Espejel e Itsaso Álvarez Música: Quincy Jones * Little piece… Intérpretes: Laura Biesna Pozo, Carlos Beltrán y Sergio Romero Música: Dimitri from Paris * BB Intérpretes: Carlos Beltrán, Daniel Ruiz, Elías Aguirre, Fernando Baiona, Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado y Sergio Romero Música: Amp Fiddler * Final Intérpretes: toda la compañía (danza urbana-hip hop) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Dani Pannullo Dancetheatre Co. Intérpretes Laura Biesna

Carlos Beltrán Daniel Ruiz Elías Aguirre Fernando Baiona Ismeni Espejel Itsaso Álvarez Michiyasu Furutani Miguel Ángel Bolado Sergio Romero

Colaboración Humana Cultura y Comunicación Nike Danzas del Mundo

Vestuario David Delfín Nike

Iluminación Maxi Gilbert Sonido Toni Rox Diseño gráfico Zeta Logos Nike

David Delfín Dirección Dani Pannullo SOBRE EL ESPECTÁCULO Dani Pannullo Dancetheatre Co. estrenó en el Teatro Lliure de Barcelona el montaje Orden de aparición, en el año 2003, como un recorrido de su obra desde el año 1998. Poeta del eclecticismo, Dani Pannullo vuelve a demostrar que es posible fusionar tendencias y escuelas (aunque él mismo prefiera hablar de "difusión" más que de fusión) a priori tan alejadas como el break-dance, la Danza Contemporánea, el butoh japonés, el cabaret o el circo, apoyándose, para eso, en sonidos tan estéticamente dispares como el hip-hop, la música abstracta, la clásica o los ritmos populares de India o Brasil. Orden de aparición aporta una serie de pequeñas “piezas de la danza de hoy”, tal y como las califica su creador. Partiendo de la rabia y el desenfado de las manifestaciones de la calle, abarca su propia visión de la danza contemporánea, hasta desembocar en los movimientos de la danza del vacío, el butoh japonés.

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Pannullo nunca olvida que el teatro es también “puesta en escena”, por lo que el espectador no sólo verá virtuosismo y originalidad en esta representación, sino que apreciará el cuerpo mismo en movimiento, que habla más allá de las palabras. Esta representación supone también el reencuentro de Pannullo con uno de sus colaboradores más cercanos: el diseñador, actor y bailarín David Delfín, con quien vuelve a trabajar después de tres años. En definitiva, se trata de un espectáculo de vanguardia, basado en una propuesta innovadora única en su género. Una sofisticada creación coreográfica basada en elementos de las danzas de la calle como el hip hop, el break dance y el funky en elaborada fusión con otras disciplinas como la gimnasia deportiva, la acrobacia y el performance.

CLAUDIA MORGANA SOBRE LA COMPAÑÍA La compañía surgió en 1999, cuando Dani Pannullo sintió la necesidad de trasladar a la escena su universo estético y vital, presidido por un eclecticismo que ya triunfaba en otros países y que él introdujo por vez primera en España. Dani Pannullo Dancetheatre Co. se fue nutriendo, desde el principio, de bailarines procedentes de las más variadas disciplinas: breakers como Carlos, Michi o Manolo; bailarinas de contemporáneo, como Calíope Paniagua; representantes de butoh japonés, como Toyo Matsubara y Furutani Michiyasu, e incluso gente proveniente del mundo de la gimnasia rí tmica. El trabajo coreográfico se hace en común, aunque Pannullo hace las veces de escultor, modelando “desde el alma” cada uno de los movimientos. La utilización de la música se hace sin ningún tipo de prejuicio: jazz, hip-hop, música abstracta, electroacústica, músicas populares...

Communion (1999), primer espectáculo de la compañía, sentó los cimientos estéticos de la formación. A partir de ahí , surgieron Jukkuri (2000) -tras un viaje de estudio y observación de Dani Pannullo a Japón-, que se estrenó en el Instituto Francés de Madrid en el marco del Festival Urban mix, y Orden de aparición (2003), una selección de las coreografías más importantes de Pannullo desde el año 1997 hasta 2003, que se estrenó en el Circuit de Barcelona. Sus últimos estrenos han sido Oro negro (2004) y Tiranah (2005). Oro negro es un musical que reúne a los cantantes negros de hip hop más importantes de nuestro país: Frank-T, Dnoé, Arianna Puello y Guateque All Stars. Cuenta con

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música en directo y más de 30 personas en escena. Se encuentra a cierta distancia de los cánones del musical tradicional y está poblado de los ambientes urbanos que tanto influyen en el mundo artí stico de Pannullo. Oro negro se estrenó en mayo de 2004 en el Cí rculo de Bellas Artes de Madrid. Tiranah (enero de 2005) ha sido la última creación de la compañía, de corte más intimista, y con la que vuelve a revisitar el género del cabaret. Fue estrenada dentro del Festival 3D en el Centro de Nuevos Creadores de Madrid. DANI PANNULLO Este coreógrafo, que hoy prefiere verse más bien como un maestro de escena, nació en la Patagonia (Argentina) y, de muy joven, se trasladó a Buenos Aires con su familia para estudiar. Curioso y con tremendas ganas de conocer el mundo y lo que pasaba en él, comenzó a viajar por Latinoamérica, para observar las culturas y vivirlas de cerca. Formado en Danza y Teatro en Buenos Aires, estudió con Misael López, un joven coreógrafo y bailarín de Anna Maria Steckelann, y con Mauricio Wainrot, pilares fundamentales de la Danza Contemporánea en Argentina. A mediados de los años ochenta, viaja a España y crea, en pocos meses, el grupo Productos Lola. Se trata de una rara mezcla entre cabaret y danza-teatro, muy popular en esos días y semilla de muchos personajes que luego han trascendido, como David Delfín (en moda) o la actriz Mariola Fuentes. Hoy en día, Panullo sigue experimentando en torno a los distintos lenguajes y tendencias de la danza, en un estilo que él denomina “piezas de la danza de hoy”. Panullo se inspira en la poesía urbana que nace de las vivencias del individuo en las grandes ciudades, de los sentimientos de éste y de sus contradicciones. Podríamos definirle como alguien “atento a los movimientos estéticos” que convierte las emociones en danza. Y ésta, a su vez, se transmite a través de músicas que van poblando la escena. Más que de fusión, él prefiere hablar de “difusión”, de todo aquéllo que le fascina. Un ejemplo es la danza butoh, de la que fue alumno en Tokio, en clases que impartía la viuda del gran creador Hijikata (el padre de este movimiento). Además, danzas tan actuales como el break-dance son fundamentales en los espectáculos de su compañía. De hecho, la suya es la primera propuesta seria en cuanto a la intención de incluir este último tipo de movimiento, bailarines y su correspondiente lenguaje en los teatros de España. Entre sus gustos se encuentran los universos de Philippe Decouflé, Kazuo Onho, Sacha Waltz, Zholdak, Artaud, las danzas populares, el cabaret, las calles de cualquier ciudad… Y entre sus sonidos favoritos, la música clásica, el hip-hop, el free jazz y, en general, las músicas del mundo.

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COMPAÑÍA MEGALÓ-TEATRO MÓVIL

Miedo

Coreografía: NICOLAS RAMBAUD Dramaturgia y dirección: CORAL TRONCOSO

Música original: SCOTT A. SINGER

MADRID – Teatro Pradillo – 9 y 10 de abril – día 9: 17.00 horas; y día 10: 12.30 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Nicolas Rambaud Intérpretes Leire Amonarriz

Carlos Barandalla Nicolas Rambaud Scott A. Singer Coral Troncoso

Dramaturgia Coral Troncoso Música original Scott A. Singer Escenografía, vestuario y diseño gráfico Emilio Valenzuela Producción musical Miguel Gil Realización de escenografía y vestuario Teatrek

Taller de Costura Buena Vista Iluminación Rafa Echeverz

Emilio Valenzuela Vídeo Juan Valenzuela Dirección Coral Troncoso (danza contemporánea para público familiar) Estreno en España País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO

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El miedo es un sentimiento inherente al ser humano y, como tal, no es en sí mismo positivo ni negativo. No puede ser juzgado desde una perspectiva ética. Lo que sí debemos cuestionarnos son los actos que este sentimiento nos puede llevar a realizar. Algunos de los comportamientos y acciones más reprobables de nuestra sociedad son producidos, en mayor o menor medida, por algún tipo de miedo. La reflexión, pues, sería: ¿ qué nos da miedo? El miedo siempre va asociado a lo desconocido. Aquello que ignoramos o no podemos explicar nos asusta y, como consecuencia, lo rechazamos o lo agredimos: otras personas, otras culturas, otra manera de pensar, disfrutar, sentir o valorar la vida. Pero, ¿ por qué se produce el miedo en lugar de la curiosidad? ¿ Por qué lo que no conocemos nos produce temor y rechazo en lugar de provocarnos interés y afán de conocimiento? Para contestar a estas preguntas, quizá deberíamos plantearnos si nuestro código de conducta y nuestros cimientos éticos no están demasiado cerrados y poco cuestionados. Conocer algo nuevo nos enriquece, porque nos obliga a reflexionar y a abrir nuestra mente y nuestro mundo a cosas nuevas. Todo esto requiere, por supuesto, un esfuerzo para profundizar y no quedarnos sólo con la anécdota, y, también, para superar ese miedo inicial tan comprensible y tan humano. Este espectáculo habla de ese miedo. De ese temor que paraliza y violenta, del modo de conjurarlo, de reconocerlo en nosotros mismos y en los demás, para, finalmente, conseguir, si no vencerlo, sí , al menos, aprender a convivir con él.

CORAL TRONCOSO

SOBRE LA COMPAÑÍA Megaló-Teatro Móvil es, ante todo, un encuentro entre dos creadores, Nicolas Rambaud y Coral Troncoso, que, proviniendo de dos mundos aparentemente distintos, tienen muchas cosas en común. Por un lado, el coreógrafo y bailarín Nicolas Rambaud, formado en el mundo de la danza, ve en el teatro un modo de enriquecer sus creaciones a través de las posibilidades que le ofrece, a nivel interpretativo en la creación de personajes, la utilización de la palabra, y de códigos puramente teatrales para elaborar una dramaturgia. Coral Troncoso, a su vez, con una formación teatral, encuentra en el mundo de la danza un enorme abanico de matices expresivos, a los que no conseguía acceder simplemente con el lenguaje que el teatro ofrece.

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Así , cada uno, a través de su mundo y con incursiones en el del otro, llega a una búsqueda común: un espacio abierto en el que todas las posibilidades que ofrece el teatro y la danza estén al servicio de la creación. Sin ningún tipo de limitaciones ni enfrentamientos, sin imposiciones, para llegar a conseguir un lenguaje expresivo en el que ambos mundos se fundan de manera absolutamente natural. Cosas para llorar en seco, último espectáculo de la compañía, representado en el Teatro Pradillo durante el festival Danza en Diciembre, supuso un claro ejemplo de que esa fusión es posible, logrando un lenguaje fluido que bebe de ambas fuentes sin rompimientos ni fisuras. SCOTT A. SINGER Scott A. Singer trabaja actualmente en calidad de actor y acordeonista en escena en la compañía de teatro circense Desvariarte, en la formación musical Desvariétés y en el dúo de teatro infantil Pequeñaque. Algunos de sus últimos trabajos incluyen la composición original y dirección musical para Uróc Teatro de Qué es la vida: versos de ayer cantados hoy, de Antonio Muñoz de Mesa y La fiesta de los comediantes, dirigido por Olga Margallo. La primera fue galardonada con el Premio Max al Mejor Espectáculo de Teatro Infantil 2004. También ha intervenido como actor-compositor en Don Juan Tenorio, bajo la dirección de Mauricio Scaparro, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico; y en Rey negro, bajo la dirección de Eduardo Vasco, para el Centro Dramático Nacional. Además, en Casa con dos puertas mala es de guardar, de Calderón, dirigido por Javier Veiga, y en la obra infantil El vendedor de cuentos, de Teatro Impar, ganadora del Premio Teatralia 1999 al Mejor Espectáculo para Niños de la Comunidad de Madrid. Además de sus actividades teatrales, Singer cuenta en su currículum con una licenciatura en Filología francesa por la Universidad Complutense de Madrid, en 1998.

NICOLAS RAMBAUD Nicolas Rambaud se formó en el Conservatorio Nacional Superior de Música y de Danza de París (Francia) y se diplomó en la Escuela Superior del Centro Nacional de Danza Contemporánea L’Esquisse de Angers (Francia). Empezó a trabajar en España en 1999 con la compañía Provisional Danza – Carmen Werner. Trabajó con diversas compañías y coreógrafos españoles y en el proyecto de sensibilización al público joven Trasdanza. Actualmente, es codirector de Megaló–Teatro Móvil junto con Coral Troncoso e imparte clases en varios centros de danza en Madrid, como los Estudios de Danza Carmen Senra y La Gitana Cortés Company. Ha recibido diversos galardones, como el Premio Especial del Jurado del Primer Maratón de Danza de Madrid, el tercer premio del II Certamen de Danza Moderna de Burgos-Nueva York y el tercer premio y el del Público del XVI Certamen Coreográfico de Madrid.

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CORAL TRONCOSO Coral Troncoso se licenció en la Real Escuela Superior de Arte Dramático antes de empezar su carrera como intérprete y directora de teatro. Creó y dirigió el segundo Taller Coreográfico de la RESAD con Te invito a morir. Su gran interés por el movimiento y la danza contemporánea la llevó a tomar clases con Carmen Werner, Ana Buitrago y Nicolas Rambaud. Después de crear varios montajes en solitario, como A golpe de alfiler o Insomnius, se encargó de la dirección dramática de la compañía Provisional Danza. Hoy codirige, junto con Nicolas Rambaud, la compañía Megaló–Teatro Móvil.

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LARUMBE DANZA

Más o menos un día (20 años no son nada)

Coreografía: DANIELA MERLO y JUAN DE TORRES

COLMENAREJO – Teatro Municipal – 9 de abril – 20.00 horas ALCORCÓN – Teatro Municipal Buero Vallejo – 15 de abril – 21.00 horas

COSLADA – Centro Cultural La Jaramilla – 16 de abril – 20.00 horas MADRID – Centro de Nuevos Creadores – 20, 21 y 22 de abril – 20.00 horas

COLLADO VILLALBA – Casa de Cultura – 23 de abril – 19.00 horas TORREJÓN DE ARDOZ – Teatro Municipal José María Rodero – 24 de abril – 20.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Daniela Merlo

Juan de Torres Coreógrafo invitado Cesc Gelabert Intérpretes Juan de Torres Daniela Merlo Ingrid López

Mª Cruz Planchuelo Salvador Masclans

Música original Borja Ramos Otras músicas Lucio Battisti Elvis Costelo Maestra repetidora Amparo Orozco Asesoría de voz María Esther Beltrán Escenografía Kike Blanco Diseño de vestuario Lydia Azzopardi Realización de trajes Lola Canales Diseño y realización de audiovisuales Jorge Barriuso Diseño y realización gráfica Alma Digital Diseño Kike Blanco Realización Joan Manrique

Joaquín “Tatin” Revenga Iluminación Gustavo González Maquinista David Rosa Comunicación Manuel Piquer Administración Javier López Regiduría Julia Bofarull

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Producción Juan de Torres Codirección Daniela Merlo Dirección Juan de Torres (danza contemporánea) Estreno en Madrid capital País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO Las personas, lo queramos o no, estamos constantemente buscando un tipo de relación, ya sea verbal o física, real o fantástica, platónica o carnal, esporádica o estable, heterosexual u homosexual... Más o menos un día (20 años no son nada) es un espectáculo en el que los tres coreógrafos parten de un tema tan universal como son las relaciones de pareja. É stas rigen de manera inexorable la vida de las personas. Hemos querido vagabundear por diferentes aspectos de estas relaciones. Examinamos el miedo y el rechazo a compartir un pedazo de la vida y de la propia libertad. Encontramos situaciones donde el mutuo acuerdo permite que la pareja encuentre su cauce. Miramos cómo se destruyen o reconstruyen las relaciones en función de los sinsabores que alcanzan a estos eternos protagonistas. Conscientes de que nos enfrentábamos a una temática compleja por la multiplicidad de matices que contiene, quisimos profundizar en ella desde el aspecto autobiográfico y la perspectiva del paso del tiempo, juez implacable, añadiendo el humor y la complicidad como elementos aliados en la reconstrucción de las relaciones. El espectáculo empieza con el dúo coreografiado por Cesc Gelabert. Cuenta también con el poderoso escenográfico ideado y realizado por La Viuda, música original de Borja Ramos y figurines de Lydia Azzopardi. Su estreno absoluto fue el 14 de noviembre de 2004 en el Centro Cultural La Jaramilla, de Coslada. Además, estuvo presente en el programa de la I Feria de las Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid, organizada por Artemad, el pasado mes de enero de 2005, en la sala Valle-Inclán de la RESAD.

DANIELA MERLO y JUAN DE TORRES

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SOBRE LA COMPAÑÍA Larumbe Danza reside oficialmente en Coslada desde 2002, año en que se convierte en Compañía Residente de la localidad madrileña. Desde 1999, la Comunidad de Madrid pone en marcha el proyecto de Compañías Residentes, aportando al Ayuntamiento financiación para llevar a cabo proyectos como el de esta compañía De este modo, en 2002, se crea el Centro de Creación Coreográfica de Coslada que nace, crece y se desarrolla al calor de un objetivo cultural que persigue una formación continua de todos los elementos implicados en el hecho dancístico. Para ello, Larumbe Danza no se limita a ser una compañía de autor, sino que colabora en sus creaciones con coreógrafos invitados, tales como Teresa Nieto, (Premio Nacional de Danza), para Mujeres; Sol Picó (Premio Max de las Artes Escénicas), para LomasyMasol; o Cesc Gelabert (Premio Nacional de Danza y Max de las Artes Escénicas), para Más o menos un día (20 años no son nada). Asimismo, dentro de este proyecto, la propia compañía viene desarrollando desde su creación campañas escolares (en colegios e institutos), ensayos a puertas abiertas, ciclos de cine-danza y conferencias, en las que intervienen personajes relevantes del mundo de la cultura. La trayectoria de esta compañía viene avalada por el apoyo regular de la Comunidad de Madrid –Consejería de Cultura y Deportes–, el Ministerio de Educación y Cultura, la Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid, la SGAE (Fundación Autor), el Departamento de Cultura del Ministerio de Asuntos Exteriores y el Ayuntamiento de Coslada. Sus producciones abarcan desde el musical para adultos, hasta creaciones para público infantil y las más audaces coreografías, con música en vivo, de Soler, Stockhausen, Prieto, García Abril, Patricia Kraus o Fagocity.

CESC GELABERT Nacido en Barcelona, en la actualidad es uno de los coreógrafos y bailarines más relevantes de la danza contemporánea española. Cesc Gelabert es un artista polifacético y comprometido con su tiempo, que ha contribuido a crear una cultura de la danza en nuestro país. No se adhiere a ningún movimiento concreto y propone un estilo propio, una danza personal, fruto de una larga trayectoria profesional y de una gran pasión. Sus coreografías parten de símbolos y referentes históricos y se caracterizan por un lenguaje claro y comprensible, donde cada gesto nace de una sentida intención.

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En 1972, Gelabert realiza su primera creación coreográfica, tras varios años de estudios de danza y arquitectura. En 1973, realiza el primer solo y, en 1977, su primer trabajo con un grupo de bailarines. Entre 1978 y 1980, pasa a ser integrante activo de la comunidad dancística de Nueva York. En 1980 inicia su colaboración con Lydia Azzopardi. Unos años más tarde, en 1983, el Gobierno catalán le otorga el Premi Nacional de Dansa de Catalunya. Ya en 1986, la producción del espectáculo Desfigurat marca el inicio de una consolidada colaboración entre Gelabert y Azzopardi, creando, por entonces, su propia compañía de danza. En 1987, recibe el Premi Ciutat de Barcelona, y en 1992 y 2003, recibe becas del Deutsches Akademischer Austauschdienst (DAAD), con sede en Berlín. En 1994, en reconocimiento a su aportación artí stica, es galardonado por el Gobierno Español con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En 1996 recibe el Premio Nacional de Danza, galardón otorgado por el Ministerio de Educación y Cultura; en 1997, el Premi Nacional de Dansa de Catalunya, otorgado a Gelabert-Azzopardi Cia de Dansa, por la Generalitat de Catalunya; y, en 1998, recibe la Medalla FAD-Foment de les Arts Decoratives, en Barcelona. Entre otros reconocimientos, cuenta con un Premio Max de las Artes Escénicas, por Zumzum-Ka, como Mejor Espectáculo de Danza y Coreografía. Además, Gelabert ha coreografiado, interpretado y colaborado en espectáculos de ópera, vídeo, teatro, cine y cabaret; y ha creado un solo, In a Landscape, para Mikhail Baryshnikov. DANIELA MERLO Bailarina, coreógrafa y codirectora de la compañía Larumbe Danza. Nacida en Italia, se forma en el Ballet Clásico y Folclore en la Scuola di Balletto Classico Cosi-Stefanescu y en la Scala de Milán. Posteriormente, recibe formación de Danza Contemporánea, Ballet, Música, Improvisación, Coreografía y Teatro en Mudra, con Maurice Béjart, y en L É́ cole Professionalle du Ballet Contemporain de Bruselas. Además, se ha formado en Canto, con Giacomo del Piero y María Esther Beltrán, y en Arte Dramático, con Antonio Llopis. Su labor como bailarina se inició en 1983, en el Teatro San Carlos de Lisboa. Entre sus actividades profesionales, destacan sus labores como coreógrafa y bailarina en la compañía Larumbe Danza de Madrid, desde el año 2001. Previamente, es codirectora y maestra de dicha compañía (desde 1996). Entre 1990 y 1995 es la bailarina principal y asistente coreográfica de la Compañía Karmen Larumbe. Y, previamente, fue bailarina principal en el Centro Coreográfico de Alcalá de Henares y el L É́ cole Professionalle du Ballet Contemporain de Bruselas.

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Ha realizado diversas coreografías a lo largo de su carrera profesional, entre las que destacan Mujeres, LomasyMasol y Más o menos un día (20 años no son nada). Destaca también por ser ideadora y coordinadora de programas didacticos, en colaboración con el Ayuntamiento de Coslada. Además, ha sido profesora de L’ É cole de Formation Professional del Ballet Contemporáneo de Bruselas y de la propia compañía Larumbe Danza. También, conferenciante para la Universidad Carlos III, de Leganés, y la Universidad DAMS, de Roma. Participa en numerosas galas y destaca su colaboración como asistente de coreografia en producciones operísticas junto a directores de escena tales como Hugo de Ana, Henning Brockhaus o Sergio Renan. Entre sus colaboraciones publicitarias y de televisión se encuentran algunas para marcas como Mercedes Benz, Cartier, Iberia, NH Hoteles o Visa. JUAN DE TORRES Director, coreógrafo y bailarín de la compañía Larumbe Danza, Juan de Torres se forma en Danza Clásica, Contemporánea, Improvisación y Música en L É́ cole de Formation Professionelle du Ballet Contemporain de Bruselas. Seguidamente, es becado en compañías como la Nikolais-Louis Fundation, de Nueva Cork, o el New York City Ballet. A lo largo de su carrera profesional, ha recibido diversos tí tulos de reconocimiento, como la Medalla de Oro del Prix Français de la Danse. Entre 1983 y 1989, Juan de Torres desarrolla su carrera como bailarín principal en el Ballet Contemporain de Bruselas. Después, como coreógrafo en la Compagnie Forum des Arts de Luxemburgo y, más tarde, como co-director y bailarín de la Compañía Karmen Larumbe Danza de Madrid, donde entra a formar parte en 1994. Desde 1996 es director y coreógrafo de dicha compañía. Entre sus coreografías, se encuentran algunas como: Primavera, primavera (1983), representada en el Tetaron de Bruselas; Donna Donne (1987), en el Gran Teatro de Luxemburgo; Boleros (1992), en el Teatro Principal de Zamora; In Nomine Aeterni (1996), en el Teatro de Madrid, durante el programa de los Veranos de la Villa; La cabeza del dragón (1999), en el Teatro Emperador de León, y LomasyMasol (2003), en Coslada; y Más o menos un día (20 años no son nada), (2004). En cuanto a su actividad operística, destacan sus trabajos como coreógrafo en Oedipus Rex (2005) y Marie Victoire (2004), para la Ópera de Roma; La traviata y Lucia di Lammermoor (2003), en la Macerata Ópera de Italia; Lady Macbeth (2002), con dirección musical de M. Rostropovich, representada en el Auditorio Santa Cecilia de Roma; y Rigoletto (2001), en el Teatro Regio de Parma, Italia.

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También destacan sus labores como profesor, conferenciante y coordinador de la Gala del Día Internacional de la Danza (en 2002 y 2003) y de la de Danza Contemporánea, en el Teatro Real de Madrid, organizado por el Ayuntamiento. Además, es miembro de la junta directiva de la Asociación Cultural por la Danza. Ha desarrollado coreografías publicitarias para numerosas marcas como Cartier, NH Hoteles, Mercedes Benz, Iberia, American Express o Lucky Strike.

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ROBYN ORLIN – CITY THEATRE AND DANCE GROUP

When I take off my skin and touch the sky with my nose, only then can I see little voices amuse themselves...

(Cuando me quito la piel y toco el cielo con la nariz, sólo entonces puedo percibir las voces que se entretienen...)

Coreografía: ROBYN ORLIN

MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 9 y 10 de abril día 9: 21.30 horas; y día 10: 20.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Robyn Orlin Intérpretes Toni Morkel

Ann Masina Mandlenkosi Mkhize Thamsanqa Mqaba Thamsanqa Khaba Melissa Madden Gray

Asistente de Robyn Orlin Marc Wagenbach Ensayo de voz Juan Burgers Vestuario Birgit Neppl Escenografía Maciej Fiszer Iluminación Robyn Orlin

Michael Maxwell Sonido Alain Mahé

Thierry Guiot Regiduría Thabo Pule Dirección técnica Michael Maxwell Dirección de gira Marc Wagenbach Administración y difusión Damien Valette e YSARCA Coordinación Maureen Veilly La música de este espectáculo, contiene extractos de: Madama Butterfly, Il Tabarro y La Bohème, de Puccini; O sole mio, de Di Capua; Carmen, de Bizet; L'Elisir d'Amore, de Donizetti; Le nozze di Figaro, de Mozart; Barbiere di Siviglia, de Rossini; Orfeo ed Euridice, de Gluck; Andea Chenier, de Goirdano; y Senzenima, canción tradicional zulú.

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Una coproducción del City Theater and Dance Group, el Théâtre de la Ville de Paris (Francia), Le Cargo - Scène Nationale de Grenoble (Francia), y el Grand Théâtre de la Ville de Luxemburgo (Luxemburgo). Con el apoyo del gobierno australiano, a través del Australian Council, y del gobierno sudafricano, a través de el National Art Council of South Africa. (danza contemporánea) Estreno en España País: Sudáfrica Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)

SOBRE LA COREOGRAFÍA Una irónica y cómica visión de cómo África hace que cobre sentido la ópera y el arte del “primer mundo”, creando imágenes gracias a objetos simples, y dando la vuelta al sentido de sus célebres arias. Se pregunta sobre el sentido de la ópera vista por una africana (aunque ésta sea de raza blanca). Otra forma de desembalar Europa apuntalando sus valores. Pero, también, una forma nueva de comprender África o un desempaque de Europa; o una forma de entender África. El teatro está desnudo, sin atrezo, sin accesorios. Una figura silenciosa, que luce un elegante traje de noche -que en su primera vida fue un viejo jersey de una tienda de segunda mano del centro de Johannesburgo- aparece de la oscuridad llevando una pequeña vela posada sobre una tabla a modo de patíbulo, sobre su cabeza. La figura camina hacia el público, mientras balancea esta tabla, con una barra de pan blanco bajo su brazo. Se detiene en su camino, deja caer la tabla delante de ella y sitúa la barra de pan sobre su cabeza mientras canta el famoso solo tenor O Sole Mio. En esta pieza, When I take off my skin..., cantantes de ópera sudafricanos interpretan varios extractos muy conocidos de la ópera del “primer mundo”, como simple atrezo que ofrecerá un significado diferente a estas tan bien conocidas piezas.

ROBYN ORLIN SOBRE LA COMPAÑÍA La controvertida y provocativa coreógrafa Robyn Orlin ha ido apoyando y empujando continuamente el arte del performance y de la danza, a lo largo de los 20 años en los que ha trabajado en ello. Quizá por ello, aún habiendo sido marginada -de alguna forma- por la comunidad de danza clásica de Sudáfrica,

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actualmente, el City Theater de Orlin y su Dance Group están recibiendo ayudas del Consejo Nacional de las Artes. Con ellas, compañía facilita el desarrollo práctico y artí stico de los jóvenes bailarines, dándoles empuje a través de talleres en los que exploran y animan sus habilidades representativas, así como también facilitan nuevas oportunidades para llevar al mercado su trabajo. ROBYN ORLIN Nacida en Johannesburgo (Sudáfrica) en 1955, Robyn Orlin estudia en la Escuela de Danza Contemporánea de Londres (1979 y 1980) y sigue sus estudios en el Instituto de Arte de Chicago (1990 a 1995), donde obtuvo el diploma de profesora. Actualmente, cuando no se encuentra de gira, vive entre Berlín y Johannesburgo, lugar imprescindible para Orlin pues, más allá de tener allí sus raíces, es su fuente de inspiración y creación, lo que le ha valido el apodo de “la irritación permanente” por presentar, a través de sus obras, la realidad difícil y compleja de su país. En sus espectáculos, Orlin integra diversas expresiones artí sticas (texto, vídeo, artes plásticas, etc.) para explorar una cierta teatralidad reflejada en su vocabulario coreográfico. Entre sus creaciones destacan: If you can change the world, change your curtains (1990); The Polka dot lives on! (1995), para el Dance Theater de Soweto; Naked on a goat (1996); Orpheus… I mean Euridice… I mean the natural history of a chorus girl (1998), con el que ha obtenido el premio FNB Vita; Daddy, I’ve seen this piece six times before and I still don’t know why they’re hurting each other (1999); F… (Untitled) (2000); We must eat our suckers with the wrapper on (2001), una obra sobre los estragos del sida en África del Sur, cuyo tí tulo podría traducirse como Debemos comernos los bombones con papel y todo; This is not untitled (2001); Ski Fi Jenny (2002); y Babby Sitting Kaspar (2002). Crea coreografías tanto para televisión como para cine, teatro, danza y ópera; también es productora, bailarina y profesora. Ha desarrollado colaboraciones artísticas, con William Kentridge (1997) y Sophie Loucachevsky y Jonas Gongwa (1998). Su trabajo ha sido reconocido, tanto en Sudáfrica como en el extranjero, a través de ayudas, becas y premios, entre los que destacan: tercer premio en los Encuentros Coreográficos de África (1999); premio Jan Fabre, a la obra más revolucionaria, en los Encuentros Coreográficos Internacionales de Seine-Saint-Denis (2000); y premio Lawrence Olivier, del teatro británico (2003).

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ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES

Solo por placer

Creación e interpretación: ÀNGELS MARGARIT

MADRID – Sala Cuarta Pared – 12, 13 y 14 de abril – 21.00 horas

PROGRAMA * Pensamiento plácido nº 1, Geografies y Solo por placer Solo por placer es un trabajo pensado para un espacio pequeño, donde la proximidad del público que rodea el escenario invita a compartir un espacio más íntimo. La pieza parte del Pensamiento plácido nº 1, de Georges Perec, y se articula en dos partes más: Geografies y Solo por placer, que se suceden sin interrupción y, al mismo tiempo, se referencian y se interrogan. (danza contemporánea) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Cataluña) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Creación e interpretación Àngels Margarit Violonchelo Manuel Martínez del Fresno Composición musical original Joan Saura Música dibujada Àngels Margarit Otras músicas Johann Sebastian Bach

Sor María Keyrouz Eliott Sharp-Eric Mingus

Colaboración artí stica María Muñoz Asistente ensayos Vera Bilbija Vestuario Ariadna Papió Iluminación Maria Domènech Vídeo-escenografía Dionís Escorsa Técnico de sonido Marc Ases Técnico de iluminación Conrado Parodi

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Equipo de gestión Marta Font Monserrat Llabrés David Márquez Ángeles Albarrán

Producción Àngels Margarit / Cia. Mudances Gato Pintja Con la colaboración del Teatre Lliure (Barcelona), el Ayuntamiento de Viladecans (Barcelona) y el Atrium-Viladecans. SOBRE EL ESPECTÁCULO Solo por placer es un trabajo que nos habla del trazo y el espacio, buscando correspondencias entre aquello que se ve, lo que se escucha y lo que se palpa. Solo por placer plantea la tensión existente entre el placer de bailar y el dolor de crear. El placer del trazo, de la energía, de la rotundidad del cuerpo que expresa el pensamiento y la emoción en el instante que sucede y el dolor de la distancia, de la escritura, de la reflexión: Pequeño pensamiento plácido nº 1 Cualquier propietario de un gato dirá con razón que los gatos viven en las casas mucho mejor que los hombres. Incluso en los espacios más horriblemente cuadrados, saben encontrar los rincones propicios. (Georges Perec. Especies despacios, Ed. Montesinos. Barcelona, 2003) El espectáculo empezó a gestarse en diciembre de 2004. Los ensayos y la producción llegaron a principios de 2005 y se estrena los días 7, 8, 9 y 10 de abril en el Teatre Lliure (Barcelona).

ÀNGELS MARGARIT SOBRE LA COMPAÑÍA Además de los pequeños solos integrados en los espectáculos de formato medio de la compañía Mudances, Àngels Margarit ha creado tres solos emblemáticos a lo largo de la trayectoria de la compañía: -Solo para habitación de hotel (1989-2004). Danza-instalación que utiliza una habitación de hotel, con el que la compañía se ha presentado en diversos festivales internacionales.

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-Corol•la (1992). Pieza central de la trilogía inspirada en los vegetales, en la que presentaba un lenguaje enérgico y de trazo sensual donde el cí rculo, la curva y la espiral eran las formas esenciales. -Peces mentideres (2000). Este trabajo rompe con la continuidad y la fluidez más abstracta y evocadora de los trabajos anteriores, para sumergirse en el fragmento, el rol, la identidad y la cotidianeidad. Se trata de una obra más teatral que desde el inicio busca borrar y confundir las fronteras entre el artista y la persona, el cuerpo que vive y el cuerpo que baila. Solo por placer será el primer solo de Àngels Margarit desde que, en 2001, creara Peces mentideres. Sumergida en los últimos y atípicos proyectos de la Compañía Mudances, Àngels Margarit, pretende, con este solo, la búsqueda formal y el contenido para la actual fase de creación de la compañía. Establece así , un laboratorio corporal que quedará a la visión del público. ANGELS MARGARIT Nace en Terrassa, en 1960. Desde hace 28 años se dedica a la danza en las diferentes vertientes de bailarina, pedagoga, coreógrafa y programadora. En 1985, y tras seis años con el grupo Heura, uno de los pioneros de la Danza Contemporánea española, crea la Compañía Mudances. Sus espectáculos han sido coproducidos y presentados en festivales y programaciones de Europa, Canadá, Estados Unidos, Sudamérica, Japón y Australia. Ha recibido, entre otros, el Grand Prix du Concours Chorégraphique de Bagnolet (1988) por el espectáculo Kolbebasar; el Premi Nacional D’Interpretació i Dansa (1991), por Atzavara; el Premi Ciutat de Barcelona D’Arts Escèniques (1993), por Corol•a; y el Premi Nacional de Dansa de Catalunya (1986) por Mudances y (1999) por Tèrbola. Margarit ha sido finalista de los Premios ADE (Asociación de Directores de Escena de España) de Creación Coreogràfica, en 1991 y 1993. En el campo de la improvisación, colabora con Andreu Corchero, María Muñoz, Rosa Muñoz, Alexis Eupierre, Mònica Valenciano y con los músicos Joan Saura y Steve Noble, entre otros. En lo referente a la vídeo-danza, ha creado piezas en colaboración con Johanne Charlebois, Núria Font y Walter Verdin. Como pedagoga, ha impartido cursos, talleres y repertorios en España, Francia, Italia, Alemania, Finlandia,

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Canadá, Colombia y Venezuela. Àngels Margarit dirige, desde 2003, Tensdansa, el Festival Internacional de Danza de Terrassa (Barcelona).

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COMPAÑÍA FUEPALBAR

Mordre à travers (Mordedura tajante)

Coreografía: FERNANDO MARTÍN

MADRID – Teatro Pradillo – 13, 14 y 15 de abril – 20.30 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Fernando Martín Intérpretes Sarah Piccinelli

Barthélemy Manias Fernando Martín

Asistente a la coreografía Peter Maschke Música original Charo Calvo

George De Decker Consejero a la dramaturgia Antoine Pickels Repetidora Stella Spitaleri Escenografía Peter Maschke Vestuario Bert Menzel Iluminación Jean-Jacques Deneumoustier Técnico de luces Raphael Noël Difusión Eric Gobin Administración Michel Colin Una producción de Cie Fuepalbar / 3 Ax asbl, en coproducción con el Teatro de la Balsamine (Bruselas). Con la ayuda del Ministerio de Cultura de la CF de BélgicaB (Valonia – Bruselas) – Departamento de Danza -. Con el apoyo de la SACD (programa “1.500 heures pour danseur”), de la Raffinerie / Centro Coreográfico de la CF de Bélgica (Valonia – Bruselas), del CGRI (Comisariado General para las Relaciones Internacionales) de la CF de Bélgica (Valonia Bruselas), del Loft, de la Embajada de España en Bélgica y de Virgin Express. (danza contemporánea) Estreno en España País: Bélgica Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)

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SOBRE LA COREOGRAFÍA ¿ Qué pretendo decir, transmitir, cuando creo una obra? ¿ Qué estructura de trabajo y línea dramatúrgica elegir para llegar a la composición coreográfica propiamente dicha? Estas son las dos preguntas y reflexiones principales que me guían en el proceso de creación coreográfica. Con la composición de un trío, me acerco a una situación más “ideal” para componer con más complejidad y riesgo… Tiempo, espacio y ritmo son conceptos que ganan, entonces, todo su sentido y permiten crear módulos y frases coreográficas dinámicas. Aquí, la impresión de grupo empieza a ser una realidad. Al mismo tiempo, podría comparar esta situación con la imagen elemental de la mesa a la que le falta la cuarta pata para ser verdaderamente estable. Una inestabilidad interesante, no obstante, ya que permite crear una situación no cerrada o inacabada… Pero, a mi juicio, es realmente más allá del trío cuando el término "coreografía" posee todo su significado. Una de las facetas que me apetece mucho explorar en este nuevo espectáculo es la cómica. En otras obras, este aspecto ha surgido con naturalidad durante el trabajo de creación, sin haberlo realmente provocado, forzado o censurado. Siempre he considerado una proeza y un gran mérito por parte de un artista llegar a provocar en el espectador un verdadero momento de risa (al hablar de lo cómico, hay que hablar también de su contrario, lo trágico, como de una pareja inseparable). Para mí se trata, hoy en día, de preguntarse sobre lo que provoca el efecto cómico en un espectáculo y, en particular, en la danza. Este tratamiento de lo cómico no es la única finalidad de este nuevo proyecto, si bien se abordará en la segunda etapa del trabajo como uno de los agentes “transformadores” de las bases coreográficas y dramatúrgicas. Me gustaría que los cuestionamientos y reflexiones que acabo de desvelar se reflejaran en esta nueva obra y que el espectador pudiera verlos y oí rlos, y que pudiera percibir asimismo cómo se puede pasar así de la “nada” al “algo”, de la idea al espectáculo, a lo largo de transformaciones sucesivas…

FERNANDO MARTÍN A partir de la realidad (de la calle, de los ensayos, del teatro), Fernando Martín y su equipo se adentran en el proceso de la creación coreográfica, la metamorfosis que ésta implica y las adaptaciones que reclama. La representación acoge un primer tiempo, de plena pureza, para una búsqueda de movimientos y de construcción, cuyos caminos se han esbozado con ayuda de las respuestas adivinatorias proporcionadas por el I Ching, famoso libro chino de las mutaciones.

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Además, un segundo tiempo, más lúdico, donde el material de la primera fase se vuelve a definir, a enmarcar a través de una cierta teatralidad: “Cuando la forma se transforma para alcanzar la ilusión; y cuando el cuerpo toca algo distinto a la carne para respirar de otra manera…” Por definición, la metamorfosis implica movimiento: el hecho que permite pasar de una forma a otra. Este movimiento –lo que sucede entre las formas– constituye el verdadero tema de este díptico, si bien existen matices entre la metamorfosis “evolutiva” de la primera parte y la de la segunda, vinculada a la ilusión y la mentira de la escena.

COMPAÑÍA FUEPALBAR SOBRE EL ESPECTÁCULO Cuando Fernando Martín me presentó el proyecto, le rondaban dos ideas: trabajar con los oráculos del I Ching y jugar con la mentira, junto con un deseo de teatralidad. Ambas ideas, si bien en principio muy alejadas entre sí , tenían ese punto común de estar relacionadas con la metamorfosis: por una parte, la que se produce con el tiempo y, por otra, la que se produce con la máscara. Dicha circunstancia me parecía interesante, porque coincidía con un don fundamental de la danza que, en su movimiento perpetuo, es metamorfosis permanente: el paso de una forma a otra, a partir de una misma matriz, el cuerpo del bailarín. Al haber trabajado como dramaturgo (y dramaturgo activo) en las dos obras anteriores de Fernando y haber conocido ya una evolución entre ambas, me parecía, además, que esta idea de mutación ofrecía una libertad que, en mi opinión, se puede permitir ahora un coreógrafo que ha “resuelto” los problemas primeros que se plantean cuando se abordan en serio las cuestiones coreográficas. Aunque evolutivas y flexibles, las dramaturgias de Mismorigen y Ten-Sueño eran dramaturgias estructuradas que permitían concentrarse en el eje coreográfico en sentido estricto, sin dejar demasiado espacio para la duda. La dramaturgia del presente proyecto pretende incorporar la duda e incluso hacer de ella uno de los materiales fundamentales de la obra. La idea me parecía además pertinente en relación con la personalidad de Fernando, de carácter bastante dubitativo y suficientemente consciente de ello como para, justamente, parapetarse ante sus dudas. Estos parapetos, como se explica a continuación, toman forma en los bailarines, en la escenografía, la música y la dramaturgia, que actúan como balizas para su trabajo de coreógrafo, que puede entonces impregnarse de su libertad y su generosidad características.

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Incorporar la duda, sin paralizar el proceso, y conferir al espectáculo una dimensión de ensayo en el sentido literario del término (el de una interrogación de la forma libre, cuya finalidad no se puede prejuzgar en un principio, ni pretender agotar el tema) sin que se haga didáctica ni egocentrista son, a mi juicio, las dos apuestas de este trabajo dramatúrgico. Las herramientas elegidas deberían ayudar. El I Ching es una mina en términos de inspiración y sus latitudes interpretativas son tan amplias que constituye un apoyo flexible que no considero limitador. La cuestión de la ilusión teatral puede producir imágenes espectaculares, al tiempo que dista tanto de los problemas habituales de la danza contemporánea que puede resultar una interesante fuente de desfases.

ANTOINE PICKELS FERNANDO MARTÍN Fernando Martín se sintió atraído por la danza y la música desde que era muy joven. Después de sus primeros pasos en la danza española y varias formas de danza libre, inicia su formación académica en España para luego continuarla en la escuela Mudra de Maurice Béjart, en Bruselas. Siempre curioso e interesado por la composición y la teatralidad en la danza, y provisto de una rica experiencia dentro de diferentes compañías, decide emprender un camino nuevo para liberar y desarrollar su propio sentido creativo a través de su compañía Fuepalbar. Las piezas realizadas en colaboración con Mónica Martí Te forras (1996) y Bubulebetó (1997), y luego el solo ¿ Pero qué dice, Tolgaz? (1997) le sirven para encontrar sus señas de identidad, en la mezcla de lo lúdico y cierta espiritualidad canalizada a través del cuerpo, en el acercamiento a las danzas consideradas "populares" o tradicionales y su confrontación con la danza barroca y una especie de fragmentación contemporánea, y en la voluntad de superar la fase del "estudio de estilo" para sumergir al espectador en un vago onirismo. Con Mismorigen (1999), espectáculo realizado con su hermano Julián, enfrenta el Flamenco con la Danza Contemporánea a través del tema de las relaciones fraternas. Surge un rico diálogo entre modernidad y tradición, una de las principales líneas creativas de Fernando. Mismorigen se presenta en público por primera vez en octubre de 1999 dentro del festival Danse en Vol; luego en Entrevues 2000, y, además, en el festival Madrid en Danza, en C’est comme ça (del Centro Nacional de Danza de Châteauvallon) y en el festival Les TransCulturelles. En 2001, la asociación Asspropro organiza una amplia gira por la comunidad francófona de Bélgica y, después, el espectáculo se traslada a Stuttgart. Durante la temporada 2002-2003, Mismorigen se incorpora al programa del festival Presqu’Iles de Danse 2002, en París, y de ahí al Théâtre

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Varia de Bruselas y al festival î les de Danses en Francia. Por esta obra, Fernando Martín recibió el premio a la Mejor Creación Coreográfica (1999), concedido por la S.A.C.D (Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos) de Bélgica. En junio de 2002, Fernando Martín vuelve al Théâtre de la Balsamine con Ten-sueño, un espectáculo de amor que se inspira en el libro fundador de la imaginería del Renacimiento (Hypnerotomachia Poliphili, de Francesco Colonna, publicado en Venecia en 1499) y sigue los meandros de diversos tratados amorosos como Les Fragments, de Roland Barthes. Ten-sueño se repuso en el Théâtre Varia de Bruselas en noviembre y diciembre de 2004. Después de Mismorigen y Ten-sueño, la compañía Fuepalbar presenta su última producción, Mordre à Travers (Mordedura tajante), dentro de la octava edición del festival de danza Balsa Marni, en junio de 2004. Con esta nueva obra, Fernando Martín explora el proceso de la creación coreográfica, las metamorfosis que entraña y las adaptaciones que impone. Mordre à Travers es un díptico que enfrenta el material de su primera etapa, esbozado con la ayuda de las adivinaciones del I Ching, un famoso libro chino de transformaciones, con una forma de mentira introducida por la teatralidad de la segunda etapa. Actualmente, la compañía tiene en marcha un nuevo proyecto para la temporada 2005-2006: Drink your wine in my glass (Bebe tu vino en mi copa).

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BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG

Quartet # 10 / Left Unsaid / J. Edna and Mother Tolson (Cuarteto nº 10 / Sin decir / J. Edna y Madre Tolson)

Coreografías: ÖRJAN ANDERSSON / NICOLO FONTE / JAVIER DE FRUTOS

MADRID – Teatro de Madrid –14, 15 y 16 de de abril – 20.30 horas

PROGRAMA I. Quartet # 10 (Cuarteto nº 10) Coreografía y vestuario: Örjan Andersson Música: Cuarteto nº 10, de D. Shostakovich Escenografía y diseño de iluminación: Jens Sethzman Se abre el telón y aparecen tres bailarinas. Después, el cuarto elemento entra en escena: un hombre. Quartet #10 es el segundo ballet en la trilogía de Shostakovich dirigida por Andersson. Cada ballet de la trilogía posee su propio color dominante. En este caso, se ha optado por el color naranja. Además, es la única pieza escrita en tonalidad mayor. Duración aproximada: 25 minutos II. Left Unsaid (Sin decir) Coreografía y escenografía: Nicolo Fonte Música: J. S. Bach Vestuario: Kathy Skoggins Diseño de iluminación: Todd Elmer Originalmente, esta pieza fue interpretada por el Ballet Aspen/Santa Fe. Desde octubre de 2004, es recreado por el Ballet de la Ópera de Göteborg. En esta coreografía, Fonte destaca la expresividad de la música de Bach mediante un solo de violín en un contexto muy sencillo. El componente dramático de la pieza es un resultado natural de comunicación con los bailarines, algo que, llegando al final del proceso podría incluso “quedar sin ser dicho”, y de ahí el tí tulo: Left Unsaid. Duración aproximada: 26 minutos

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III. J. Edna and Mother Tolson (J. Edna y Madre Tolson) Coreografía: Javier de Frutos Música: Sing-Sing, de J. Edgar Hoover, Elvis Everywhere, de Paul Robson, y Told Me, de Michael Daugerthy Vestuario y escenografía: Jean-Mars Puissant Diseño de iluminación: Anna Wemmert Clausen El estreno mundial de esta coreografía, tuvo lugar en septiembre de 2004, en la Ópera de Göteborg. Con sus rápidos movimientos y estilo juguetón, J. Edna and Mother Tolson tiene un acercamiento cómico a cuestiones muy serias como la persecución y la vigilancia. La música, los textos y el vestuario evocan a la América de los años 50, sin embargo, las cuestiones que se plantean son de rabiosa actualidad. Duración aproximada: 30 minutos (ballet contemporáneo) Estreno en España País: Suecia Duración aproximada del espectáculo: 2 horas y 10 minutos (con dos intermedios) FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes: Solistas Uta Güttler

Owe Jonzon Annethe Kevin Almse Patrick Migas Daniel Yaregal

Bailarines Angelina Allen Israel Aloni Kristoffer Arfvidson Travis Birch Rayco Cano Cortes Anthony Crome Karin Duell Malgorzata Dzierzon Isabel Fortes Tyler Gledhill Andrzej Glosniak Sören du Hoffman Maria Jennerholm

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Irene Joyce Maud Liardon Tim Liljequist Annika Lindquist Fernando Melo Monica Milocco Lilibet Nilsson Inês Nobre Maria Nyström Dan Offerlind Juan Carlos Requena Isabelle Rune Cecilia Selander Moss Charlotta Stenström Josefin Swedberg Heather Telford Anandi Vinken Dorota Wilczewska David Wilde Thomas Zamolo

Klara Quartet: Violín I Dieter Schöning, Violín II Wiveka Rydén Mårtensson Viola Johanna Fridolfsson Violonchelo Lena Bergström Pianista Bernard Matracki Maestro de ballet Birte Lundwall Sastra Ann-Christin Hamberg Peluquería y maquillaje Pernilla Swedberg Naprapath Henrik Miltén Conductores Berndt Stenholm

Peter Strand Técnico de escena Hassan Isaksson Técnico de iluminación Kent Hellberg

David Stokholm Marketing Lena Jaksch Asistencia de administración Ingrid Thiele

Åsa Wigren Coordinación de proyectos y gira Eva Lindberg Coordinación técnica en escena Morgan Skönvall Dirección técnica de escena y sonido Arve Sandberg

Harri Heikkinen

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Administración y difusión en España YSARCA Asistencia de dirección Liselott Berg Dirección del ballet Kevin Irving SOBRE LA COMPAÑÍA El Ballet de la Ópera de Goteborg está formado por cuarenta bailarines, de dieciséis nacionalidades. En sus giras, nacionales e internacionales, presenta una mezcla de clásicos contemporáneos y obras nuevas de los jóvenes coreógrafos más brillantes y prometedores de la actualidad. Sus sólidas raíces en la tradición clásica les sirven de base para ocupar uno de los principales puestos en la danza contemporánea del siglo XXI. El Ballet de la Ópera de Göteborg reúne la forma artí stica y atlética de la danza, con ideas que encuentran eco en el público: la danza como comunicación y la danza como expresión. Se autodefinen como trabajadores serios, con una sincera creencia en el valor de la concepción artí stica de la vida y el espectáculo. El propio Ballet de la Ópera de Goteborg, explica su aproximación a la danza, como el “dar con el punto de encuentro entre la verdad y la belleza, lo visceral y lo cerebral. Poesía y prosa. Tal vez, forzar las viejas normas para crear otras nuevas”. ÖRJAN ANDERSSON Nacido en 1964, Andersson pertenece a una nueva corriente coreográfica, procedente de Suiza, y forma parte de la generación que sucede a Mats Ek. Estudia en la Ballet Academy de Estocolmo y, contratado como bailarín en el Östgöta Ballet en Norrköping, trabaja con coreógrafos como Birgit Cullberg, Mats Ek y Per Jonsson. Andersson viaja de Suecia a Tel Aviv (Israel) para incorporarse a la Bathseva Dance Company, donde baila en coreografías de Ohad Natharin, Angelin Preljocaj, Jiří Kylián, Herve Robbe y Mark Morris. En ese periodo, además, compone su primera coreografía, Nemo saltat sobrius (1992). Desde 1995, Örjan Andersson trabaja como coreógrafo fuera de Estocolmo, creando coreografías para el Cullberg Ballet, el Royal Ballet de Estocolmo, el Nederlands Dans Theater I y la Compañía Nacional de Danza de Madrid, entre otros. En 1996, forma su propia compañía, en Estocolmo, la Andersson Dance Company, con la que crea muchas coreografías y actúa en Suecia, Alemania, Italia y Corea del Sur.

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En la primavera de 2003, el Nederlands Dans Theater I le pide que vuelva para crear una nueva obra para orquesta sinfónica (la versión para sinfoneta del Cuarteto número 10, de Shostakovich). Ese mismo año también colabora con la Compañía Nacional de Danza de Madrid. A comienzos de 2004, se realiza el estreno mundial de una nueva obra de la Andersson Dance Company, en la House of Dance de Estocolmo: el quinteto Worms. Durante la primavera crea otra obra para el Royal Ballet, usando el Cuarteto nº 11, de Shostakovich. Para esta temporada creará una nueva obra para la Compañía Nacional de Danza y continuará trabajando con la Andersson Dance Company. NICOLO FONTE Nace en Nueva York y estudia en el Joffrey Ballet, el San Francisco Ballet, el New York City Ballet y la State University de Nueva York, graduándose, en el Purchase Collage de esta universidad, en la especialidad de Danza. En 1988, Fonte empieza su trayectoria de bailarín en Les Grands Ballets Canadiens, en Montreal, donde es solista en obras de coreógrafos como Georges Balanchine, Anthony Tudor, James Kudleka y Nacho Duato. Posteriormente, de 1994 a 2000, trabaja con la Compañía Nacional de Danza, en Madrid, apareciendo como solista en muchos de los montajes y estrenos mundiales de la formación. Además, coreografía para ella varias obras como el ballet En los segundos ocultos, con el que se dio a conocer, y que formó parte del programa de Destino, la danza ofrecido en la Ópera de Göteborg durante la primavera de 2003. Fonte ha creado y dirigido ballets para otras compañías, como el Pacific Northwest Ballet, el Royal Ballet de Flandes, el Ballet Mainz, el Nüremberg Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, el Aspen/Santa Fe Ballet, el North Carolina Dance Theatre, Les Ballets Jazz de Montreal, el Tulsa Ballet y el Australian Ballet. Además, el Royal Ballet de Flandes, el Stuttgart Ballet y Det Konglige Teater de Copenhague le han invitado repetidamente para realizar nuevas coreografías. La temporada pasada, Fonte crea Follia, en la Ópera de Göteborg, dirigiendo otras tres piezas breves para la compañía. JAVIER DE FRUTOS Ganador de los premios Time Out y Critics Circle National Dance en 2004. Nace en 1963 en Caracas, Venezuela, donde empieza sus estudios de Danza. Continúa su formación en la School of Contemporary Dance, de Londres, y el Merce Cunningham Dance Studio, de Nueva York.

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En 1989 se incorpora a la compañía Laura Dean Dancers and Musicians y, en 1992, es seleccionado como coreógrafo titular en el Movement Research, de Nueva York. Dos años más tarde, vuelve a Londres, donde forma la Javier de Frutos Dance Company, con la que recorre todo el mundo, y, en 2000, recibe una beca de dos años del Arts Council de Inglaterra. De Frutos ha sido nominado, entre otros, para el Premio International Theatre Institute, el Premio Paul Hamlyn (1995) y el Premio South Bank Show (1996). Hoy, numerosas compañías de danza interpretan sus obras, entre otras: el grupo Rotterdam Dance, el Ballet Shindowski, la Rambert Dance Company, el Royal New Zeeland Ballet y Candoco.

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COMPAÑÍA REA DANZA

Buenos aires… El cielo

Coreografía: DIEGO ARIAS

MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 15 de abril – 20.00 horas MADRID – Cí rculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas) – 16 y 17 de abril –

19.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA DEL ESPECTÁCULO Coreografía Diego Arias Intérpretes Andrea Grassi

Vanessa López Alvares Ximena Carnevale Clara Gallardo Jupa Arias Diego Arias Ramiro Soru

Figuración Juan Arias Federico Melgarejo Luciano Carnevale

Che Camerata: Bandoneón, dirección y arreglos Ariel Hernández Contrabajo Juan Bacca Fernández Violín Lorenzo Treviño Piano Miguel Pérez Músico invitado Chico Fargas (percusión flamenca) Idea Jupa Arias

Diego Arias Música original Ariel Hernández Escenografía Juan Arias Vestuario Norma García Iluminación Antonio Arrabal Sonido Miguel Molina

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA DE LA COMPAÑÍA Coreografía Diego Arias Asistente de coreografía Ximena Carnevale Maestra de Contemporáneo Vanessa López Maestras de Clásico Ximena Carnevale

Andea Grassi Preparación fí sica Miguel Lupiañez Acrobacia Jupa Arias Escenografía Juan Arias Sastra permanente Norma García Técnica Federico Melgarejo

Miguel Molina Luciano Carnevale

Gráfica Jupa Arias Fotos Carlos Lanchas Vídeo Ambosdos Asesoría legal María Orozco Fernández Asesoría fiscal A. F. Asesoria S.L. Emiliano Prieto Distribución y asesoría Normando Torres Gerente en gira Juan Arias Asistente de dirección Jupa Arias Dirección Diego Arias (tango contemporáneo) Estreno absoluto País: Argentina Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO La compañía Rea Danza ofrece una obra que nos situará en la ciudad de Buenos Aires y su bullicio, donde la única ley es el tango; todo es un dos por cuatro, como alguien dijo por allá, dos cuerpos enamorados y cuatro piernas peleadas, ruido de tacones y destellos de charol, encuentros y desencuentros de un fuelle rezongón; desde la ciudad, todo huele a tango… Rea utiliza el tango y su música como instrumento mediador del discurso; recorreremos en un viaje imaginario, los distintos estados de esta mundialmente conocida música. En Buenos Aires, en un barrio, durante un día, durante un año, a lo largo de una vida. La obra se divide en cuatro momentos del día (mañana –mediodía – noche - tarde), en cuatro momentos del año (primavera – verano –otoño - invierno), en cuatro lugares del barrio (la vereda -el conventillo -la milonga –la

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calle) que se comparten, donde se entrecruzan historias y personajes a lo largo de una línea de tiempo, en la que surge y crece aquella cultura del tango... El alma de Buenos Aires, su color, su sonido, la esencia del barrio y su gente.

DIEGO ARIAS SOBRE LA COMPAÑÍA Rea Danza fue creada el 17 de marzo de 1991, por su actual director Diego Arias, con el objetivo de mostrar, de manera diferente, las expresiones de su tierra, intentando contribuir así con su continuidad en el tiempo. La compañía comenzó haciendo incursiones en lo tradicional y realizando exhaustivas investigaciones para conocer con exactitud coreografías, vestuarios y costumbres del folclore argentino, y respetar así sus orígenes. Manteniendo a lo largo de su trayectoria estas raíces, su carácter está definido por un nuevo estilo de danza a partir de la fusión de los conocimientos adquiridos, con técnicas como la danza clásica, contemporánea, acrobacia, etc. En su país la compañía ha participado en once certámenes nacionales en los que han conseguido multitud de premios. En 1993, Rea realiza la temporada de verano junto a Imperio Argentina, Mario Clavel y Jorge Valdez. En la temporada de verano de 1995 trabajan junto a Julio Bocca, Eleonora Cassano y Lito Vitale en la obra Kuarahy. Entre 1996 y 1998 realizan distintos espectáculos junto a Alberto Merlo. El mismo año producen Latidos, en el Teatro Alvear y Astral de Buenos Aires, teniendo como artistas invitados a Cuty y Roberto Carabajal, espectáculo con el que realizan una gira por el interior del país. En 1999 fueron convocados por el ballet del Mercosur, que dirige Maximiliano Guerra, para su gira agosto/septiembre 2000. Durante 2000 estrenan Undertango, auspiciados por la Secretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Ya en nuestro país, entre 1994/95/96 realizan tres giras por distintas capitales de España extendiéndose a Francia y Portugal, acompañando a artistas de la talla de Imperio Argentina y Amalia Rodrigues, entre otros. En 2001 actúan en el Centro Cultural Malena de Málaga; Música Mil de Cazorla; XIV Festival del Tango, Alcantarilla; Feria Internacional, Benalmádena-Pueblo; y en el Teatro Alameda de Málaga, junto a la orquesta Arcos de Buenos Aires, en el II Encuentro Internacional de Coreografía (Málaga).

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En 2002 deciden instalar su sede en Málaga y relanzan a la compañía con una actuación en el Festival de Otoño de Madrid. A la formación se une con su experiencia como asesor y distribuidor N. Torres, quien llevará el calendario de la nueva Rea Danza. Gracias a su labor artística y a su gran capacidad creativa y productiva, este grupo de jóvenes profesionales junto a su director, Diego Arias, consolidan en la actualidad una de las expresiones mas auténticas de la danza. DIEGO ARIAS Cursó el profesorado de Folclore y Danza Nativas. Estudió Danza Clásica y Técnicas Modernas con Rubén Chayan, Gabriela Puccy y Mario Galizzy, entre otros. Ha bailado en el Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro Argentino de La Plata, Centro Cultural de la Villa de Madrid, Sala Multiusos de Zaragoza, etc. Ha trabajado como coreógrafo para Imperio Argentina, Amalia Rodrigues, Julio Iglesias, Mariano Mores; y compartido escenarios con Maximiliano Guerra, Lito Vitale, Eleonora Cassano o Julio Bocca. Es maestro en la Universidad Nacional de Buenos Aires. En 1991crea la compañía Rea Danza, trabajando con el objetivo de mostrar, de manera diferente, las expresiones de su tierra, a través de expresiones contemporáneas, y poder contribuir así a su continuidad en el tiempo. Comenzó haciendo incursiones en lo tradicional, realizando exhaustivas investigaciones a fin de conocer con exactitud coreografías, vestuarios y costumbres del folclore. Manteniendo a lo largo de su trayectoria estas raíces, su carácter está definido por un nuevo estilo de danza, a partir de la fusión de los conocimientos adquiridos, con técnicas como la danza clásica, contemporánea, acrobacia y jazz. Ha obtenido 40 premios nacionales como coreógrafo, director e intérprete.

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BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA (elenco de primeros bailarines y solistas)

Slingerland pas de deux / Sensi / Beethoven Opus 73 / Bolero / Alles Walzer

Coreografías: WILLIAM FORSYTHE / RENATO ZANELLA

MADRID – Teatro Albéniz – 15, 16 y 17 de abril – días 15 y 16: 20.30 horas; y día 17: 19.00 horas

PROGRAMA I. *Slingerland pas de deux Coreografía: William Forsythe Intérpretes: Shoko Nakamura y Eno Peci Música: Gavin Bryars Diseño de luces y vestuario: William Forsythe Duración aproximada: 7 minutos Esta coreografía fue puesta en escena por primera vez por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena el 6 de abril de 2003, en la ciudad austriaca. Se trata de un extracto del ballet de cuatro actos de William Forsythe, creado para el Ballet de Frankfurt entre 1989 y 1990. Este pas de deux, basado en el estilo tradicional del siglo XIX -principalmente en la obra de Marius Petipa-, resume el espí ritu del modernismo.

DEPARTAMENTO DE DRAMATURGIA DE LA ÓPERA DE VIENA

*Sensi Coreografía: Renato Zanella Intérpretes: Dagmar Kronberg, Michela Centin, Marie-Claire D’Lyse, Beatrice Denes, Barbara De Zotti, Patricia Tichy, Gabor Oberegger, Marek Ackermann y Mihail Sosnovschi Música: Giya Kantcheli Diseño de luces y vestuario: Renato Zanella Duración aproximada: 11 minutos

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Fue representada por primera vez por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena, el 22 de junio de 2003, en Bonn. Esta coreografía de Renato Zanella, con música del compositor georgiano Giya Kantcheli, trata sobre los sentimientos del ser humano, sobre ese “sexto sentido”, cualidad propia del sexo femenino. Según el coreógrafo, las mujeres poseen un aura especial y son capaces de tener sentimientos no experimentados por el sexo masculino. En esta pieza para seis bailarinas y tres bailarines, Renato Zanella, más que contarnos una historia, crea climas y ambientes.

DEPARTAMENTO DE DRAMATURGIA DE LA ÓPERA DE VIENA * Beethoven Opus 73 – 2º movimiento Coreografía: Renato Zanella Intérpretes: Shoko Nakamura y Wolfgang Grascher Música: Ludwig van Beethoven (Piano concerto Nº 5, op. 73, 23º movimiento) Vestuario: Johan Engels Duración aproximada: 8 minutos Fue estrenada por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena, el 11 de marzo de 2000, en Viena. A partir de su nombramiento como director del Ballet de la Ópera Estatal de Viena, uno de los objetivos principales de Renato Zanella fue crear coreografías sobre música vienesa. Después de trabajar con obras de Wolfgang Amadeus Mozart y Johann Strauss, escogió una partitura de Ludwig van Beethoven, el Concierto para piano Nº 5, opus 73, como un homenaje a la danza neoclásica.

DEPARTAMENTO DE DRAMATURGIA DE LA ÓPERA DE VIENA * Bolero Coreografía: Renato Zanella Intérpretes: Karina Sarkissova, Mikel Jáuregui, Kirill Kourlaev, Eno Peci y Mihail Sosnovschi Música: Maurice Ravel Vestuario: Magdalena Gut Duración aproximada: 15 minutos Fue estrenada por el Ballet de la Ópera de Viena el 9 de noviembre de 1998, en Viena.

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El bolero, de Maurice Ravel, una de las partituras más importantes del siglo XX, ha inspirado a innumerables coreógrafos. La música fue encargada por Ida Rubinstein para su compañía de ballet y fue puesta en escena, con coreografía de Bronislava Nijinska, en la Ópera de París en 1928. En la versión de Renato Zanella, la atmósfera in crescendo de la partitura está expresada en la yuxtaposición de los sexos, con una alta carga de tensión ambiental. La bailarina, rodeada por cuatro solistas masculinos, parece aislada y concentrada en sí misma, representando un juego de seducción. Iluminada únicamente por una luz, envía señales secretas a través de la oscuridad, cuya sensualidad puede ser percibida mediante de la reacción de los cuatro bailarines que la rodean.

DEPARTAMENTO DE DRAMATURGIA DE LA ÓPERA DE VIENA II. * Alles Walzer Coreografía: Renato Zanella Intérpretes: Eva Petters, Jürgen Wagner, Kathrin Czerny, Kirill Kourlaev, Dagmar Kronberger, Eno Peci, Michela Centin, Marie Claire D’Lyse, Beatrice Denes, Barbara De Zotti, Karina Sakissova, Alba Sempere, Patricia Tichy, Marek Ackermann, Mikel Jáuregui, Gabor Oberegger, Mihail Sosnovschi y Rudolf Wätcher Música: Johann Strauss II, Joseph Strauss y Gustav Mahler Vestuario: Jordi Roig Duración aproximada: 38 minutos Alles Walzer fue estrenada por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena el 18 de marzo de 1997, en Viena. Vals: movimientos giratorios que nos elevan a otros estadios. Nos excitan la imaginación, prestándole alas para volar, las mismas alas que han prestado a los vieneses, a los austriacos desde hace siglos y que, aún hoy, siguen haciéndolo. Los coreógrafos también entramos en la magia de estos movimientos del vals, e incluso todos aquéllos que se sienten totalmente dedicados al “aquí y ahora” son seducidos por el vals, que les inspira para experimentar con una nueva creatividad.

RENATO ZANELLA

(ballet neoclásico) Estreno en España País: Austria Duración aproximada del espectáculo: 1 hora y 40 minutos (con intermedio)

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Intérpretes Eva Petters

Jürgen Wagner Kathryn Czerny Shoko Nakamura Wolfgang Grascher Michela Centin Dagmar Kronberger Karina Sarkissova Mikel Jáuregui Kirill Kourlaev Eno Peci Mihail Sosnovschi Rudolf Wätcher Marie-Claire D’Lyse Beatrice Denes Barbara De Zotti Alba Sempere Patricia Tichy Marek Ackermann Gabor Oberegger

Maestro de ballet Christian Tichy Pianista Jiři Novak Preparación de los decorados y vestuarios ART FOR ART Theaterservice GmbH Jefe técnico de la gira Reinhard Seifert Jefe de luces Rudolf Fischer Técnico de sonido Rudolf Rabona Regiduría Richard Weinberg Dirección técnica Peter Kozak Adjunta a la dirección del ballet y coordinación de giras Traude Klöckl Dirección musical Seiji Ozawa Dirección gerente Thomas W. Platzer Dirección del ballet y coreógrafo principal Renato Zanella Dirección de la Ópera Estatal de Viena Ioan Holender

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SOBRE LA COMPAÑÍA

El Ballet de la Ópera de Viena es una de las compañías de danza más antiguas del mundo. Su creación data del siglo XVII. En un principio fue creado para exclusivo disfrute de la corte vienesa, pero, dado su inusitado éxito, comenzó a representarse en escenarios públicos a principios del XVIII.

A partir de 1740 fue Franz Hilverding quien determinó el curso que tomaría la danza en Viena. Consiguió liberar el ballet de las limitaciones impuestas por la ópera, concepto que se llamaría “ballet en acción”. Siguiendo la línea de su maestro, Gasparo Angiolini, crearía Don Juan, con música de Christoph Gluck, la primera gran coreografía en este nuevo género de las artes escénicas. En 1771, la Emperatriz María Teresa de Habsburgo decidió crear la Academia Estatal de Danza, en la que han trabajado los maestros más importantes del mundo. Fue también en Viena donde Marie Taglioni y Fanny Elssler alcanzaron los éxitos más brillantes de la historia de la danza. El ballet con grandes escenografías se puso de moda a partir de 1850, pero estas grandes obras no sólo necesitaban grandes compañías, sino también grandes escenarios. Fue en 1869 cuando se inauguró la Real Casa de la Ópera, hoy denominada Ópera Estatal de Viena. Durante los años siguientes Paul Taglioni marcó las pautas de las coreografías vienesas. A partir de principios de 1890, bajo la dirección de Josef Hassreiter, la compañía comenzó a crecer de forma constante y se hicieron cada vez más frecuentes las representaciones de ballet en la Casa de la Ópera. En 1897 Gustav Mahler se convirtió en el director de la Ópera de Viena, pero no tuvo una especial estima por la labor de Hassreiter ni por el ballet, y la época brillante de la compañía comenzó a desvanecerse paulatinamente. Al final de la Primera Guerra Mundial, la compañía tuvo que afrontar drásticas medidas de tipo económico. Durante este período, pasaron por ella diferentes maestros de ballet, pero sin dejar huella ni un estilo definido. En 1942 llegó a Viena Erika Hanka, quien logró dotar a la compañía de una personalidad propia, aunando con éxito el estilo clásico con la estética de esa época. En los años 60 se montaron obras de coreógrafos de renombre mundial, como Léonide Massine, George Balanchine o Ninette de Valois. Los grandes acontecimientos de la década fueron las puestas en escena de las versiones de Rudolf Nureyev El lago de los cisnes (1964) y Don Quijote (1966). Entre 1976 y 1990 se hizo cargo de la dirección del ballet Gerhard Brunner, quien incorporó al repertorio de la compañía obras emblemáticas del neoclasicismo y coreografías seleccionadas de la era Diaghilev, además de creaciones de Hans van Manen, John Neumeier y Jiří Kylián.

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Desde 1991 hasta 1993, Elena Tschernischova dirigió la compañía, y desde 1993 hasta 1995, Anne Woolliams ocupó su puesto. Durante este período, se invitó a nuevos creadores, entre ellos a Renato Zanella, quien puso en escena Voyage y Empty Place, estrenando La chambre, coreografía creada especialmente para la compañía. A partir de 1995, Renato Zanella dirige el Ballet de la Ópera Estatal de Viena. Proveniente del Stuttgart Ballet, en su primera temporada como director, Zanella estrenó un espectáculo dedicado íntegramente a Igor Stravinsky, compuesto por los ballets Symphony, Movements y Sacre; incorporando obras de George Balanchine y Kenneth MacMillan y otras de su propia creación, tales como Black Angels y Mata Hari (obra de larga duración). En las siguientes temporadas, ha puesto en escena El lago de los cisnes (R. Nureyev), Elements (R. Zanella) y los reestrenos de ballets de G. Balanchine y H. van Manen, así como también Alles Walzer (R. Zanella) (temporada 1996/97); Raymonda (R. Nureyev), Puppenfee (J. Hassreiter), Laus Deo y Wolfgang Amadé (R. Zanella) (temporada 1997/98); Theme and Variations (G. Balanchine), Bits and Pieces (H. van Manen) y la versión de Bolero (R. Zanella), así como La Bayadera (V. Malakhov) (temporada 1998/99); una nueva versión de La Cenicienta, la única música para ballet creada por Johann Strauss; Beethoven Opus 73 (R. Zanella); y dos obras de Hans van Manen (temporada 1999/2000); las nuevas producciones de Cascanueces (R. Zanella) y Verdi Ballet: A Masked Ball (V. Malakhov) (temporada 2000/01); y en 2002/03, la compañía presentó una nueva producción de Spartacus (R. Zanella) y obras de Jiří Kylián, William Forsythe y Patrick Delcroix. En la presente temporada ha puesto en escena As you like it (J. Neumeier), Diaghilev Evening, además de nuevos trabajos de Renato Zanella. Bajo su dirección –este verano cumplirá diez años como director– la compañía ha entrado en una nueva etapa de gran actividad creativa.

WILLIAM FORSYTHE William Forsythe nació en Nueva York en 1949. Estudió Danza en la Universidad de Jacksonville y en la escuela del Joffrey Ballet. En 1973 se incorporó al Ballet de Stuttgart (Alemania), primero como bailarín y luego como coreógrafo. Allí realizó su primera obra, Ulricht, un dueto sobre música de Gustav Mahler. Durante siete años, Forsythe realizó más de veinte ballets para el Stuttgart Ballet y otras compañías importantes como el Ballet de Basilea, Ballet de Munich, Deutsch Opera Ballet de Berlín, Joffrey Ballet y Nederlands Dans Theater. Una de sus primeras obras, Flore Subsimplici, formó parte de la temporada del Ballet de Stuttgart en el London Coliseum en 1978. Uno de sus trabajos más conocidos de este periodo es Side 2-Love Songs, que más tarde se filmó para la televisión.

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Forsythe fue nombrado director del Ballet de Frankfurt en 1984, un año después de crear su primera obra completa para la compañía, Gänge. Con su nueva compañía, se propuso crear obras originales que se alejaran del ballet convencional y atrajeran a nuevos públicos. Desde entonces, ha desarrollado una estética personal que no niega la técnica tradicional, pero la construye y deconstruye, y amplía y desafía el vocabulario. Entre las principales obras de Forsythe durante los últimos diecisiete años se encuentran: Artifact (1984), Impressing the Czar (1988), Limb’s Theorem (1991), The Loss of Small Detail (1991), A LI E/NA(C)TION (1992), Eidos: Telos (1995), Endless House (1999) y Cammer/Cammer (2000). Forsythe sigue montando obras para compañías de todo el mundo, y sus trabajos forman parte del repertorio del New York City Ballet, San Francico Ballet, The National Ballet of Canada, The Royal Ballet, Covent Garden y Royal Swedish Ballet, entre otros. Estas obras suelen centrarse en la danza, mientras que, con su propio grupo de Frankfurt, suele emplear entornos teatrales y movimientos más complejos. Ballett Frankfurt actúa en la Oper And Schauspiel de Frankfurt y realiza giras internacionales. Durante sus veinte años como director del Ballett Frankfurt, Forsythe ha dado una nueva orientación al ballet, sacándolo del enclaustramiento histórico en el repertorio clásico y otorgándole una nueva viabilidad como forma artística dinámica del siglo XXI. Tras la clausura del Ballett Frankfurt, al acabar la temporada 2003-2004, Forsythe ha creado una nueva compañía privada en enero de 2005. La Forsythe Company seguirá produciendo obras como una extensión lógica del Ballett Frankfurt y recurrirá a gran parte de su equipo, técnicos y bailarines. Sin embargo, al tener una dimensión institucional mucho menor, la Forsythe Company podrá ampliar su influencia artística mediante la realización de numerosos proyectos nuevos, poco convencionales, como instalaciones-performances, proyectos interactivos en espacios públicos, obras multimedia, así como producciones de cine y vídeo. Entre otros premios Forsythe ha recibido el Isadora Duncan, en San Francisco (1987); el de la Crí tica alemana (1988); la mención de Caballero de las Artes de la República francesa (1991), el premio Lawrence Olivier, en 1992 y 1999; Gran Premio Internacional de Danza en Estocolmo (1996), premio del New York Times al Mejor Ballet (1998), Comandante de las Artes y las Letras (1999), Gran Premio Multimedia de Japón (2000), premio Lavan 2001 y Rolex Mento (2002), entre otros muchos reconocimientos internacionales.

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RENATO ZANELLA Renato Zanella nació en 1961, en Verona (Italia), donde comenzó su formación en Danza Clásica. Terminó su preparación artística en el Centre de Danse Internacional Rosella Hightower, en Cannes (Francia). En 1982 ingresó en el Ballet de Heinz Spoerli, en Basilea (Suiza). En 1985 pasó a formar parte del Stuttgart Ballet y, en 1993, fue nombrado por su directora, Marcia Haydée, coreógrafo en residencia de la compañía. En septiembre de 1995, fue nombrado director del ballet y coreógrafo principal de la Ópera Estatal de Viena. Desde el año 2001 es también director artístico de la Escuela de Ballet de la Ópera Estatal de Viena. Su primera coreografía data de 1991, para el Stuttgart Ballet: Stati d’Animo (con música de Igor Stravinsky). Su debut como coreógrafo en la Ópera de Viena fue en 1993 y su primera coreografía para el Ballet de la Ópera Estatal de Viena fue La Chambre (con música de Kevin Volans), en 1994. Desde entonces ha creado más de 60 tí tulos, entre los se pueden mencionar: Stravinsky Evening, formado por Symphony, Movement and Sacre (1996), Alles Walzer (música de Johann Strauss II, Joseph Strauss y Gustav Mahler, 1997), Wolfgang Amadé (música de Wolfgang A. Mozart y Antonio Salieri, 1998), Bolero (música de Maurice Ravel, 1998), Beethoven Opus 73 (música de Ludwig van Beethoven, 2000), Sensi (música de Giya Kantcheli, 2003) y sus versiones de La Cenicienta (música de Johann Strauss II, 1999), Cascanueces (música de Piotr I. Tchaikovsky, 2000), Spartacus (música de Aram Khachaturian, 2002), Graduation Ball (música de Johann Strauss II, 2003), Petroushka (música de Igor Stravinsky, 2005) y Renard (música de Igor Stravinsky, 2005). Como coreógrafo invitado creó obras para los Ballets de Monte Carlo, Introdans y el Ballet de la Deutsche Oper Berlin. Entre las compañías que incluyen coreografías suyas en su repertorio podemos mencionar: State Ballet Estambul, Royal Swedish Ballet, Hungarian Nacional Ballet, Ballet du Rhin, Introdans, el Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles, el Municipal Theatre de Krefeld/Mönchengladbach, el Croatian Nacional Ballet, la Compañía Nacional de Bailado Lisbon, Teatro Nuevo Torino y el State Ballet Berlin. Asimismo, creó coreografías para la ORF/TV de Austria, para los Conciertos de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena y los Viena Opera Balls. También realizó Off ballet special para una compañía de personas discapacitadas, que comenzó en 2000.

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Ha recibido numerosos premios, entre los que cabe mencionar los de Mejor Coreógrafo Italiano en el Extranjero (1995) y Mejor Director Artí stico (2001), -otorgados por la revista Danza & Danza-; el Premio Internazionale Gino Tani (2000); el Jacob Prandtauer Prize (2001). Además, ese mismo año tuvo el honor de recibir la Distinción Especial de Austria a las Artes y las Ciencias y la Medalla de Oro de la Orden de Saint Fortunat (2004). En 2000 se publicó el libro Zanella.zwischenbilanz, en Viena. Desde 2004, es director del Wörtherseefestspiele Klagenfurt.

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BALLET BIARRITZ

Création

Coreografía: THIERRY MALANDAIN

PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 15 de abril – 21.00 horas ALCOBENDAS – Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas – 16 de abril – 20.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía y dirección Thierry Malandain Intérpretes Véronique Aniorte Camille Aublé Giuseppe Chiavaro Analiza Cioffi Fréderik Deberdt Gaël Dominger Roberto Forleo Cédric Godefroid Mikel Izurzun del Castillo Silvia Magalhaes Miguel Pla Boluda Magali Praud Christophe Roméro Rosa Royo Nathalie Verspecht Música Ludwig Van Beethoven Diseño de iluminación Jean-Claude Asquié Diseño de escenografía y vestuario Jorge Gallardo Maestro de ballet Richard Coudray Regiduría general Oswald Roose Regidor de iluminación Frédéric Béars Técnico de iluminación Frédéric Eujol Técnico de escenario Chloé Bréneur Construcción de la escenografía Michel Pocholu Realización del vestuario Véronique Murat Sastra Karine Prins Una coproducción del Teatro Arriaga de Bilbao, el Grand Théâtre de Reims y el Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz.

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(ballet neoclásico) País: Francia Duración aproximada del espectáculo: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA Al principio, el hombre nació bailarín. Solo, giraba sobre sí mismo y tendía sus brazos hacia el vacío; entonces, Adán recibió a Eva como compañera. Más tarde, debido al deseo de componer nuevas figuras, invitaron a Caín y a Abel a unirse a ellos. Fue la ocasión de bailar la cortadanza. Con la revelación de otras coreografías, la humanidad fue multiplicándose poco a poco. La danza se hizo Barroca, Romántica y Clásica. Hasta el día en el que la tentación de una danza más liberada sopló en los velos de una bailarina serpenteante y, Adán y Eva, aún deseosos de adquirir nuevos conocimientos, mordieron la manzana que se les presentaba. Antes de ese momento, sólo habían oído hablar de elevación; Eva, incluso, había llegado alzarse sobre las puntas de sus pies. Después de ese momento, la palabra caída pasó a formar parte de su vocabulario y, también, se empezó a hablar del peso del cuerpo, del trabajo de la tierra y de todo tipo de conceptos que daban a su danza una nueva conciencia. Eran libres, felices, pero, en ocasiones, la nostalgia les invadía. Tras haber trabajado durante mucho tiempo en La Creación, de Haydn, y, después, en la Messa di Gloria, de Rossini, decidí utilizar Las criaturas de Prometeo, de Beethoven. Una música compuesta para un ballet coreografiado en 1801 por Salvatore Vigano. De carácter alegórico, trata sobre el mito griego de Prometeo, que se puede asociar al mito de la creación bíblica. Como quería inspirarme en el Génesis, no conservé el tí tulo original de la partitura y lo cambié por Création sin escrúpulos, puesto que en 1813, Vigano hizo una nueva versión del ballet y añadió numerosos extractos de La Creación, de Haydn.

THIERRY MALANDAIN

SOBRE EL ESPECTÁCULO Una de las dos partituras que Beethoven escribió para ballet, Las criaturas de Prometeo, es la base musical de la última producción que presenta el Ballet Biarritz. Con el titulo Création, el director y coreógrafo de la compañía, Thierry Malandain, ofrece un espectáculo en el que, partiendo de la idea de que el primer hombre habría nacido para bailar, se mezclan la historia de la danza y la

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del Génesis. Muestra la historia en movimiento de Adán y Eva o de Caín y Abel, pasando del ballet barroco al romántico sin olvidar el periodo clásico o un guiño a Isadora Duncan. Además, su tí tulo se refiere tanto al mito bíblico como al término empleado para designar a todo nuevo espectáculo: del mito, se han cogido la tentación, la caída y la muerte de Abel; y de la historia de la danza, su evolución, con especial atención en los trajes llevados por las bailarinas. SOBRE LA COMPAÑÍA En Francia existen diecinueve centros coreográficos nacionales cuya vocación radica en sacar adelante prácticas culturales relacionadas con el arte de la Danza. Inaugurado en septiembre del año 1998, el Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz es el ejemplo más reciente. Bajo la batuta del coreógrafo Thierry Malandain desde su creación, nace impulsado conjuntamente por la ciudad de Biarritz y el Ministerio de Cultura y de Comunicación, DRAC Aquitania; y, gracias a ello, goza del apoyo del Consejo General de los Pirineos Atlánticos, del Consejo General de Aquitania y de la Diputación Foral de Guipúzcoa, Donostia Cultura y Gobierno Vasco, en el marco de sus actuaciones transfronterizas. Desde su creación, en la antigua estación de tren Gare du Midi, la finalidad del Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz enfoca un programa de desarrollo centrado en unos objetivos que lo convierten en un polo esencial de la vida cultural en Aquitania. La creación de obras coreográficas de Thierry Malandain es una de las prioridades del Ballet Biarritz. É stas se han llevado a cabo en cooperación con otras instituciones culturales, como la Orquesta de Bayona Costa Vasca (1999 y 2000), la Scène Nationale de Saint-Quentin, en Yvelines, (2000), Scène Nationale de Bayona (2000), el Ballet Florida (2000), el Festival Madrid en Danza (2001), el Teatro Arriaga, de Bilbao, (2003); además de contar con los colaboradores permanentes del Centro Coreográfico Nacional: la Esplanade Opéra de Saint-Etienne y el Grand Théâtre de Reims. El Centro Coreográfico Nacional muestra regularmente sus producciones en Biarritz y en la región de Aquitania, a la vez que refuerza su presencia en los escenarios tanto franceses como extranjeros. Desde su creación, ha visitado países como Oriente Medio, Gran Bretaña, España, Suiza, China, Singapur, Estados Unidos, Rusia, Turquía, Finlandia, Líbano, Portugal e Italia. En el marco de su actividad transfronteriza, ofrece representaciones con cierta frecuencia en Navarra, Euskadi y Aragón.

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THIERRY MALANDAIN Tras haber recibido las enseñanzas de Monique Le Dily, René Bon, Daniel Franck y Raymond Franchetti, Thierry Malandain fue desarrollando su carrera de intérprete en la Ópera de París (Violette Verdy), en el Ballet del Rhin (Jean Sarelli) y en el Ballet Teatro Francés de Nancy (Jean-Albert Cartier-Hélène Tralline). Ganador de premios en concursos coreográficos (Premio Volnine, en 1984, y Premio del Concurso Internacional de Nyon, en 1984 y 1985), finaliza su carrera como bailarín en 1986 para fundar la compañía Temps Présent. Durante los doce años que estuvo al frente de la compañía su trabajo se vio recompensado con numerosos galardones, entre los cuales cabe destacar el premio de la Fundación de la Vocación, el de la Fundación de Francia, el de la Fundación Oulmont y el premio Nuevo Talento, de la SACD. En 1998, año de la creación del Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz, el Ministerio de Cultura le nombra director del mismo. Thierry Malandain es autor de unas sesenta coreografías, algunas de las cuales forman parte del repertorio de otras compañías: Ballet Florida, Aspen Santa Fe Ballet, Singapore Dance Theatre, Ballet Contemporáneo de Caracas, Ópera de El Cairo, Ballet Real de Flandes, Ballet Real de Valonia, Ballet de Génova, Ballet de San Carlo de Nápoles, Ballet Nacional de Burdeos, Ballet del Rhin, Ballet del Norte, Ballet Nacional de Nancy, Ballet de Nantes, Ballet de Niza, Euro Ballet de Luxemburgo, Ballet de Stadteater de Karlsruhe, Ballet Nacional Tunecino, Ballet del Capitolio de Toulouse, Europa Danse, Joven Ballet de Génova, Escuela del Ballet Real de Flandes, CNSM de Lyon, CNSM de París, Joven Ballet de Québec y Joven Ballet Internacional de Cannes. Entre sus incursiones en el mundo del teatro lí rico son también importantes las colaboraciones con Robert Fortune (Cendrillon, Orphée aux Enfers, Candide), Meter Busse (Capriccio), Alberto Fassini (Aïda), Jean-Louis Pichon (Richard Coeur de Lion, Herodiacle), y Frédéric Pineau (La Poule Noire). Nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, Thierry Malandain asume la dirección artí stica del Festival Internacional de Danza de Biarritz “Le Temps d’Aimer desde septiembre de 2000. En 2004 es nominado para los premios Benois de la Danza, en el Teatro Bolchoï , de Moscú, y nombrado Coreógrafo del Año por la revista alemana Ballet Tanz Internacional.

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LOSDEDAE

Recorrido… Recorrer

Coreografía y dirección: CHEVI MURADAY

PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 16 de abril – 20.00 horas LEGANÉ S – Centro Cívico Rigoberta Menchú – 23 de abril – 19.30 horas

PROGRAMA I. Coreografías al minuto Coreografía: Chevi Muraday Intérpretes: Sara Mogarra, Paloma Saiz, Iker Arrue y Chevi Muraday Música: varios autores y Diego Álvarez Vestuario: Losdedae y Total Iluminación: David Pérez Duración aproximada: 30 minutos II. Recorrido… Recorrer Coreografía: Chevi Muraday Intérpretes: Sara Mogarra, Paloma Saiz, Iker Arrue, Sara Sampelayo y Chevi Muraday Música: varios autores Escenografía: Lucas Barranco Mezclas de música: Miguel Mendoza Vestuario: Nuria Barrio Iluminación: David Pérez Duración aproximada: 1 hora (danza contemporánea) Estreno absoluto de la pieza Recorrido… Recorrer País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (con intermedio)

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Chevi Muraday Intérpretes Sara Mogarra

Paloma Saiz Iker Arrue Sara Sampelayo Chevi Muraday

Repetidora Amparo Orozco Técnico de luces David Pérez Maquinistas Luis Sesa

Jose Rubini Fotografía Jesús Vallinas Gerencia en gira Mariana Llanos Producción ejecutiva Belén Castres Dirección de producción y distribución Gachi Pisano Dirección artística Chevi Muraday SOBRE LAS COREOGRAFÍAS Coreografías al minuto pertenece a un programa interno de la compañía llamado Acércate. Esta iniciativa se impulsa por la necesidad de dar a conocer la danza a un público que no ha tenido la oportunidad de entablar ningún contacto con ella anteriormente. Aceptando el compromiso de crear nuevo público, nos lanzamos a buscar y jugar con lenguajes cotidianos, mirando a nuestro alrededor e intentando plasmar, de una forma directa y amena, nuestra propia visión de lo que más nos llamaba la atención en ese momento. Así , se crearon cinco piezas cortas con una duración de diez minutos. El objetivo es conseguir un espectáculo dinámico, donde el público pueda pasar de un estado a otro con velocidad y mucha energía, donde puedan sentirse, de alguna forma, identificados con algunas de las piezas, ya que todas están relacionadas con el momento en el que vivimos. Estas coreografías han sido estrenadas en espacios no convencionales, donde el público no es el habitual que asiste a los festivales de danza. Una particularidad dentro de este programa es el enfoque de ironía y humor, que está muy latente. Los tí tulos que dan nombre a estas pequeñas obras son De tripas corazón, Bianco, Cambio de roll, Sin antídoto, y Por la pata abajo, con música original de Diego Álvarez “el Negro”.

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Recorrido… Recorrer: una línea que se pierde en lo más lejos, sale de mi espalda y a mis pies. Un punto que determina el momento en el que estoy. Deshacerme de toda carga acumulada para que el siguiente paso sea más firme y preciso. Correr, no parar. Caminos cruzados y puntos de luz suspendidos. El tiempo que tardo en darme cuenta. Cinco que se encuentran. Cantos rodados que me hacen ir más lento. Un nuevo obstáculo. Barreras, que me hacen cambiar de rumbo. Miro y veo pasar una antigua meta, aminoro la marcha y me da que pensar. Estar, continuar, no dejar de respirar. Mandato continuo. Miro adelante, lejos por primera vez y un vacío se abre. Estas son frases con las que he trabajado durante el proceso de creación y que explican el contenido y sentido de la nueva producción.

CHEVI MURADAY SOBRE EL ESPECTÁCULO Recorrido… Recorrer es el trabajo coreográfico número dieciséis que Chevi Muraday realiza con su compañía Losdedae. El tí tulo general de la idea de esta coreografía sería Camino recorrido… camino por recorrer, ya que está basada en la idea de los cambios que se producen en la vida y en el trabajo después de haber recorrido parte de la vida, y de cómo influyen en los caminos futuros. Trata también de cómo hay que posicionarse para encarar todos los nuevos desafíos, habiendo aprendido con la experiencia de la vida y de la necesidad de perder el miedo al cambio, aún sabiendo que se puede salir de esta encrucijada perdiendo algunas cosas por el camino. Aborda también lo difícil que es tomar la decisión del cambio, ya que todo el pasado está estructurado, y todo lo nuevo afecta también al entorno. Es la primera vez que Muraday realiza con Losdedae una obra integral, es decir, de 60 o 65 minutos. La primera parte estará compuesta por el trabajo Coreografías al minuto, estrenado en el Festival 3D de la Sala Mirador, en Madrid, el pasado 20 de enero. Muraday empezó a ensayar esta pieza en un momento en el que había decidido recuperar una de las caracterí sticas que tenían sus trabajos en el comienzo de su trayectoria como coreógrafo: el humor y la ironía. En sus inicios como coreógrafo (De 9 a 3, 1998), cuando empezó a destacar como creador, el humor conformaba una clave distintiva de sus creaciones. Ahora lo ha recuperado para Recorrido… Recorrer, pero con el toque de ironía que aportan los años vividos y la experiencia acumulada.

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Muraday vuelve al trabajo de quinteto (tres bailarinas y dos bailarines), acompañado por sus colaboradores de siempre: Iker Arrue, Sara Mogarra, Paloma Sainz Aja y una nueva incorporación: Sara Sampelayo. También le acompañan sus habituales Miguel Mendoza, en las mezclas musicales; Nuria Barro, en el vestuario; David Pérez, en el diseño de luces y Lucas Barranco, en la realización de la escenografía.

LOSDEDAE SOBRE LA COMPAÑÍA Dieciséis son ya los tí tulos de coreografías estrenados por esta joven compañía, desde que en 1997 fuera creada por Chevi Muraday: Espacio para dos, De 9 a 3 y Pisar agua es (1998); De tripas corazón, Light off, Diferencias y Vergine (1999); El cemento crió hierba, Shime y Me caso, no me caso, (2000); Días durmiendo en el olvido y El que espera (2001); Quiero tenerte cerquita (2002); Boceto en negro (2003); Morfología de la soledad (2004) y Recorrido… Recorrer (2005). CHEVI MURADAY En 1985 comienza sus estudios en la Escuela de Carmen Senra, continuando su formación con Alvin Ailey, Martha Graham, Steps y Peri Dance en Nueva York. En 1989 entra como bailarín en la compañía de Carmen Senra, trabajando con los coreógrafos Carl Paris, Airton Tenorio, Elena Córdoba, Dagmar Dornelles y Alain Gruttadauria. Trabaja en la ópera contemporánea El viajero indiscreto (en el Teatro de la Zarzuela), con música de Luis de Pablo, dirigida por Simón Suárez, escrita por Vicente Molina Foix y coreografiada por Carmen Senra. En 1992 presenta en el VII Certamen Coreográfico de Madrid su primera pieza como coreógrafo: Por el campo entre las flores te busqué y no te encontraba, por la que el jurado le otorga una beca como bailarín sobresaliente en Trasition/Laban Center de Londres, como reconocimiento a su talento. Después de un año y medio de estudios en las escuelas de Laban Center, The Place y Dance Work’s, y trabajos en Londres como bailarín en Transition Dance Company y Jane Turner Company, ingresa en la Compañía Nower Tanz, en Düsseldorf (Alemania). Allí trabaja en las coreografías R.C.A. y Eclipse, ambas de Vanda Golonka, durante los años 1993 y 1994.

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En el año 1993 imparte clases de Danza Contemporánea en Nower Tanz. A continuación trabaja en S.O.A.P. –Dance Theatre Frankfurt– con coreografía de Ruy Horta, estrenando Object Constant. Realiza una gira de un año de duración por EE.UU. y Sudamérica con Jusaba Dance Group (Miami). Desde 1997 dirige, con su propia compañía Losdedae, coreografías como De tripas corazón, Light Off, De 9 a 3, El cemento crió hierba y los espectáculos Diferencias, Vergine, Shime, El que espera, Quiero tenerte cerquita y Boceto en negro. Con ellos ha participado en diversas muestras y festivales. Con El cemento crió hierba obtuvo un premio en el Certamen Coreográfico de Maspalomas (islas Canarias). Ha participado dos años en la Gala de Estrellas, clausura del Festival Madrid en Danza: en 1999, compartiendo cartel con estrellas de la talla de Maximiliano Guerra, Ana Laguna y Lola Greco; y, al año siguiente, en colaboración con Antonio Canales, José Antonio, Emio Greco y José Carlos Martínez. Recientemente, ha sido invitado como bailarín y maestro de danza en el festival de danza In Frontiera Sulle Punte, de Trieste (Italia). Ha llevado el mundo de la danza al cine, realizando la coreografía para el largometraje I love you, baby, de David Menkes y Alfonso Albacete (2001) y participando como coreógrafo en la película Imagining Argentina, dirigida por Christopher Hampton y protagonizada por Antonio Banderas y Emma Thompson. Entre junio y agosto de 2004 realizó la coreografía para la última película de Ramón Salazar, 20 centímetros. En abril de 2003 estrena en el Teatro Albéniz de Madrid su papel de Fray Lorenzo en la versión flamenca de Romeo y Julieta como bailarín invitado de la compañía Nuevo Ballet Español. En 2004 estrena Incide (como coreógrafo invitado), su primer trabajo para la Compañía Nacional de Danza 2, dirigida por Nacho Duato, Ha participado como coreógrafo y bailarín en la obra de teatro Haberos quedado en casa capullos, de Rodrigo García, dirigida por Cristina Rota, y estrenada en la Sala Mirador el 2 de diciembre de 2004, obra que está actualmente en gira. El pasado 20 de enero de 2005, estrenó en el Festival 3D de Madrid su último trabajo coreográfico, Coreografías al minuto. Su faceta docente comienza en 1997 como profesor de Danza Contemporánea en la Escuela Nacional de Rí tmica. Desde ese año es profesor residente en la Escuela de Danza Contemporánea de Carmen Senra. Desde 1999 imparte

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clases de danza en la Escuela de Teatro de Cristina Rota. Ha sido profesor invitado por la Universidad de Granada (entre 1999 y 2000), por A Xenda de Vigo (del año 2000 al 2002) y por la Asociación de Profesionales de la Danza (cursos periódicos en San Sebastián y Las Palmas de Gran Canaria). También ha impartido clases de posgrado para la carrera de Danza Contemporánea en la Universidad de Estambul (Turquía, 2003).

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PROVISIONAL DANZA

The End (Hiroshima)

Coreografía: CARMEN WERNER

MADRID – Sala Cuarta Pared – 19, 20 y 21 de abril – 21.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Carmen Werner Intérpretes Enmanuel Eggermont

Hirotsugu Óscar Lozano Janet Novas Vicky P. Miranda Ricardo Santana Masumi Yanase Carmen Werner

Música A. Scarlati

K. Penderecky E. Neubautem Maite Martín Systems Layers

Asesor cinematográfico Diego Ortiz Diseño de luz Gloria Montesinos Vídeo Diego Ortiz Fotografía Javier Castedo Distribución Luis Montañez Administración Etsuko Ueki

Mami Onose Dirección de producción Seiji Takaya Gestión Alejandro Morata Dirección artística Carmen Werner Una producción de la compañía Provisional Danza, con la colaboración del Ministerio de Cultura-INAEM y la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid.

Organizada, desde Japón, por la Office DAM LTD y The Fundación for Child Well-bein, con la colaboración de la Embajada de España y de Japan-ULE Year of People to People Exchange.

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(danza contemporánea) Estreno en España Países: España (Comunidad de Madrid) y Japón Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA 7 de agosto de 1945, Hiroshima. Me pregunto si el verdadero horror fue para los que murieron, sin tener nada que ver en esa guerra, o para los que quedaron, sin nada, ni siquiera una explicación. The End (Hiroshima), es un homenaje a los supervivientes de cualquier guerra. Sólo somos gente que quiere olvidar.

CARMEN WERNER

SOBRE LA COMPAÑÍA El objetivo de Provisional Danza es el de desentrañar nuestras realidades -conscientes e inconscientes- involucrando, en un ambiente expresivo, a intérpretes y público, creando tensión y expectación y, sobre todo, interés dentro de una cierta agitación sensorial y a través del máximo rigor técnico y estético. La compañía, que ha ido madurando su propio estilo, ha sido concertada con el INAEM y con la Comunidad de Madrid. También ha recibido ayudas del Centro de Difusión para la Música Contemporánea del Reina Sofía y del Ministerio de Asuntos Exteriores - Cooperación Cultural. Desde entonces crea más de 50 programas. Entre los más recientes están: Coraje, escena 13 (1996), Rincón de lobos (1997), Irreverente quietud (1998), Dime que me quieres (coreografía de calle) (1999), El tiempo de un instante (ópera-danza) (2000), Lo que los perros dejarán (2000), Fine Romance (2001), Nadie (2001), Legión de ángeles (2001), Hazme daño que me encanta (coreografía de calle), Hildebrand, Fermina, Bexiños, Malnacío, L’hombre (2002/03), A muerte y Piel (2004). Provisional Danza ha presentado sus coreografías en diecinueve países, además de España: Alemania, Argentina, Armenia, Brasil, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Chile, Dinamarca, Escocia, Francia, Grecia, Holanda, Italia, Inglaterra, Japón, Portugal, Rusia, Túnez, Turquía y Venezuela.

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CARMEN WERNER Carmen Werner, madrileña, es licenciada en Educación Física. Estudia Danza Clásica y Contemporánea en Madrid, Barcelona y Londres. En 2000 recibe el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en el apartado de Danza. Es galardonada con el tercer Premio Internacional de Danza Onassis 2001 y el premio Mención del XIII Festival de Cinema de Girona 2001 por el vídeo en formato cine La noche, marejada de un cuerpo. Desde que crea su compañía, en 1987, realiza trabajos de sala (de pequeño y gran formato, incluida una ópera-danza), trabajos de calle, vídeo-danzas, un cortometraje, colaboraciones para otras compañías y encargos especiales para distintos festivales. Provisional Danza realiza una gira por diecinueve países, desde Corea del Sur hasta Túnez o Colombia. En octubre de 2003 estrena en el Teatro Aoyama de Tokio una creación encargada por el teatro sobre Camille Claudel, L’Hombre. A raíz de esta colaboración, Werner estrena una pieza de gran formato en Tokio en 2005. También imparte clases y talleres coreográficos, pudiendo reseñar, entre otros: taller coreográfico para los alumnos de la Universidad de Bogotá; formación de bailarines en colaboración con la Comunidad de Madrid; taller coreográfico para actores y bailarines subvencionado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; clases de Danza Contemporánea para el Colegio del Cuerpo, dirigido por Álvaro Restrepo y Marie-France Delieuvin en Cartagena de Indias (Colombia); clases de Danza Contemporánea para los alumnos del primer curso del CNDC-L’Esquisse-Angers (Francia); taller de Danza Contemporánea para el Centro Coreográfico Nacional de Grenoble (Francia) - Compañía Jean-Claude Gallotta, Grupo É mile Dubois; taller coreográfico dentro del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Corea (Seúl); taller de Danza Contemporánea para el Centro Coreográfico de Valencia; clase de danza, nivel avanzado, en el Aoyama Theatre Tokio; además de clases magistrales y talleres en los distintos países donde la compañía ha estado presente.

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COMPAÑÍA BLANCA LI

Alarme (Un mosaico de ocho piezas independientes)

Coreografía y dirección: BLANCA LI

MADRID – Teatro Albéniz – 21, 22 y 23 de abril – 20.30 horas MÓSTOLES – Teatro del Bosque – 24 de abril – 18.00 horas

PROGRAMA * Alarme Coreografía: Blanca Li Intérpretes: toda la compañía Música: François Eudes Chanfrault Vestuario: Françoise Yapo En nuestro universo actual, a pesar del desarrollo de la comunicación, los seres humanos estamos más y más controlados y aislados por razones geográficas, polí ticas, étnicas, sociales o económicas. Una imagen simbólica de la transformación que todos necesitamos, para que nuestro planeta no se vuelva un mundo hostil y amenazante. * Doble paso Coreografía: Blanca Li Intérpretes: Géraldine Fournier y Blanca Li Música: Tao Gutiérrez y Wolfgang Amadeus Mozart (Aria de la Reina de la noche) Vestuario: Laurent Mercier La vida profesional de muchas mujeres modernas transcurre bajo un lema esencial: no perder nunca el tipo, bajo ningún pretexto. Una fantasía sobre lo que nos obliga a hacer la mirada exterior. * Electrón Coreografía: Blanca Li Intérpretes: Cyril Lot, Bruno Péré y Raphaël Rodríguez Música: Tao Gutiérrez Vestuario: Françoise Yapo

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De noche, bajo la luz urbana y en las sombras, circula la energía que nutre los cuerpos, los renueva. Un poema de la ciudad nocturna, de sus impulsos y de sus fuerzas subterráneas. * Pochette Surprise (Piñata) Coreografía: Blanca Li Intérprete: toda la compañía Vestuario: Françoise Yapo Porque no debemos olvidar que hemos sido niños, y que aún somos capaces de jugar… * Made in China (Hecho en China) Coreografía: Blanca Li Intérpretes: Stéphanie Andrieu y Géraldine Fournier Vestuario: Françoise Yapo La tecnología no necesita ser sofisticada para emocionar y sorprender. * Promenade (Paseo) Coreografía: Blanca Li Intérpretes: Marjorie Hannoteaux, Emmanuelle Huybrechts, Cyril Lot y Raphaël Rodríguez Música: François Eudes Chanfrault y Tao Gutiérrez Vestuario: Mr. Pearl Imágenes: Michael O’Brien Un paseo por el universo de la seducción, donde nacen los recuerdos inolvidables de la pasión. La contradicción entre el poder de la naturaleza y de la razón. * A Minuit (A medianoche) Coreografía: Blanca Li Intérpretes: Stéphanie Andrieu, Géraldine Fournier, Marjorie Hannoteaux, Emmanuelle Huybrechts y Yana Maltseva. Música: Goldfrapp (Oompa-Radar) y Matthew Herbert (Simple Minds) Vestuario: Laurent Mercier En el momento en el que la medianoche ya es un recuerdo lejano, y el alba aún queda en un futuro incierto, un viaje a los fondos del alma femenina. La búsqueda del absoluto, del instinto vital, del desgarro sensual.

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* Game Over (Fin del juego) Coreografía: Blanca Li Intérpretes: toda la compañía Música: François Eudes Chanfrault Vestuario: René Zamudio La representación luminosa de la música descompone los cuerpos y nos lleva al interior de las entrañas de la máquina. Una coproducción de la Compañía Blanca Li, del Studio technologique de la MAC Créteil, del Centre Culturel Le Tobogán, de la Biennale de la Danse de Lyon y del Théâtre de Châtillon. Con el apoyo de la DRAC Ile de France, Ministère de la Culture et de la Communication y del Mecenazgo de la Caisse des Dépôts et consignations. Compañía en residencia en la Opéra de Massy. (danza contemporánea) Estreno en España País: Francia Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio) FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía y dirección artí stica Blanca Li Asistente Ana Guffanti Intérpretes Stéphane Andrieu

Géraldine Fournier Marjorie Hannoteaux

Emmanuelle Huybrechts Blanca Li Cyril Lot Yana Maltseva-Le Gac Bruno Péré Raphaël Rodriguez

Creación de vídeo Charles Carcopino Fotos Michael O’Brien Vestuario Laurent Mercier Mr. Pearl

Françoise Yapo Iluminación Jacques Châtelet Asistente de iluminación Sylvie Debare

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Músicas originales Tao Gutierrez François-Eudes Chanfrault

Dirección técnica Antoine Garry Regiduría general Hervé Sorignet Escenario Ricardo Bobet Luces Sylvie Debare Vestuario Françoise Yapo Producción y administración Etienne Li Asistente de producción Daphné Bakker Asistente de vídeo Denitsa Ilsheva SOBRE LA COREOGRAFÍA Este encargo ha sido perfecto para mí. Desde hace mucho tiempo quería trabajar sobre un conjunto de piezas cortas, para prescindir de la obligación que tenemos últimamente los coreógrafos de crear unas piezas únicas en cada espectáculo. En la historia de la danza ha habido siempre piezas cortas. Admiro por ejemplo mucho a Martha Graham o George Balanchine, que firmaron obras maestras de diez minutos. He querido dar forma a muchas ideas que estaban en mi cabeza desde hace tiempo. Y además he encontrado mucho placer trabajando en formatos cortos.

BLANCA LI

SOBRE EL ESPECTÁCULO Una sucesión de viñetas, de instantes de la vida, un collage de emociones. La vida… como una película. Blanca Li se ha adueñado, esta vez, de un formato de piezas cortas, componiendo un mosaico de pequeñas historias, de cortometrajes coreográficos. La coreógrafa se inspiró en pequeños instantes, imágenes, objetos, músicas, pedazos de actualidad, todos esos encuentros espontáneos que forman el tejido de su vida cotidiana. De alguna de estas ideas nacieron las piezas con tí tulos como Doble paso, Alarme, Pochette Surprise… La duración de las piezas, así como su formato (solos, dúos, tríos, coreografías de grupo…) reflejan la levedad y la brevedad de estos flashes de inspiración. Son

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instantes efímeros escritos con humor, poesía y energía, que corresponden a la necesidad de dar libre albedrío a la inspiración vagabunda de la coreógrafa fuera de una duración impuesta. Son respuestas a cuestiones sencillas, como: ¿ qué hacer con zapatos de tacón de aguja?, o ¿ cómo se gana la vida en el metro un artista neoyorquino? En lo que se refiere al sonido, la coreógrafa no ha perdido nada de su fantasía: en una de las piezas se utilizan cantidad de pequeños instrumentos de plástico que se regalan a los niños en las piñatas para sus fiestas de cumpleaños. Un sonido cutre, un ruido nada refinado, algo que a Blanca Li le gusta. Pero, como ella dice, “gran parte del interés de esta pieza es que sea interpretada por adultos”. A pesar de ser desbocado, sin lazo evidente entre los temas desarrollados, el espectáculo puede provocar, en su globalidad, un cierto deseo de retornar a la infancia, a un mundo donde se transpira emoción, sin control aparente. No es habitual en Blanca abordar el mundo de una forma tan positiva. “Tengo ganas de disfrutar de la vida”. Al principio, Alarme fue un tema relacionado con el pánico, la sensación de urgencia de cambiar este mundo en peligro, pero ha evolucionado. “Quiero acordarme de las cosas bellas”. En concreto, Blanca ha llamado a su núcleo de relaciones artísticas, para la fotografía, el vestuario, la música, aportando cada uno algo significativo, personal y puntual al espectáculo. “Estas contribuciones están en el escenario, junto con los ocho intérpretes”. Este espectáculo se estrenó en Francia, en la Biennale de Lyon, en septiembre de 2004.

COMPAÑÍA BLANCA LI SOBRE LA COMPAÑÍA El repertorio de la compañía comprende, hasta hoy, siete espectáculos, desde Nana et Lila, presentado en el Festival de Aviñón de 1993, hasta Alarme, estrenado en la Bienal de Lyon en 2004. La compañía Blanca Li esta subvencionada por el Ministerio de Cultura francés, y, desde 2002, es compañía residente de la Ópera de Massy.

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BLANCA LI Blanca Li es coreógrafa, directora, bailarina y realizadora. Su trabajo parte de un amplio abanico de formas de expresión corporal, desde el flamenco hasta el hip hop, pasando por el ballet clásico y barroco, para constituir una trayectoria muy personal. Nacida en Granada, a los doce años entró a formar parte del equipo nacional de gimnasia y a los diecisiete entró en la escuela de Martha Graham en Nueva York, donde estudió durante cinco años, al tiempo que asistía a las escuelas de Alvin Ailey, Paul Sanasardo y el Clark Center. De vuelta a España, creó en Madrid su primera compañía, seleccionada para el programa de la Exposición Universal de Sevilla. En 1992, Blanca Li se estableció en Francia. En 1998, inauguró en París el Centre Chorégraphique Blanca Li, formado por varios estudios para el trabajo de la compañía y para otros profesionales del teatro y la danza. En 1998 escribió y realizó su primer cortometraje, Angoisse, que obtuvo cuatro premios en los festivales de Brest, Grenoble y Créteil. En Niort estrenó Le Songe du Minotaure, un ballet inspirado en la antigua Grecia, que formó parte, sobre todo, de los programas de la Bienal de Lyon y la Maison des Arts de Créteil. Dirigió y coreografió una ópera titulada Un tango pour Monsieur Lautrec en su estreno mundial en la Ópera de Nancy. En 1999 inauguró el Festival Suresnes Cité Danse con un espectáculo de hip hop, Macadam, Macadam, que se convirtió en punto de referencia del género. En septiembre de 1999, la Ópera de París le encargó la coreografía de Indes Galantes en la Ópera Garnier, dirigida por William Christie. La ópera-ballet de Rameau, reestrenada al año siguiente, entró a formar parte del repertorio del teatro. Con motivo de la entrada en el año 2000 y la apertura del Lieu Unique en Nantes, Blanca Li respondió a la invitación del CRDC y presentó Univers Unique, una partitura para trapecistas, acordeón y bailarinas. Compuso el espectáculo en solitario Zap! Zap! Zap!, estrenado en Niort y presentado después en el Théâtre National de Chaillot y la Kitchen de Nueva York, dentro del festival France Moves. Entre 1999 y 2003, la coreógrafa ha estado asociada al Moulin du Roc de Niort. La Ópera de Nancy le encargó la dirección de dos óperas de Manuel de Falla, La vida breve y El amor brujo. En julio de 2000, la bailarina Monique Loudières le encargó el solo Silhouette, para la sección Vif du Sujet en el Festival de Aviñón. En 2001 realizó su primer largometraje, Le Défi, una comedia musical hip hop. A finales de año compuso Shéhérazade para la compañía de la Ópera de París, con vestuario de Christian Lacroix. Contratada para ser, durante una temporada, directora y coreógrafa del Ballet de Berlin en la Komische Oper, volvió a presentar Le Songe du Minotaure, adaptada a 24 bailarines. Borderline se estrenó en Berlín en junio de 2002.

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Tras regresar a Francia, la coreógrafa presentó este espectáculo en Francia y Europa. En marzo de 2003, Blanca Li presentó en la Ópera de la Bastilla su coreografía Guillaume Tell, dirigida por Francesca Zambello. Al Andalus se estrenó en la Ópera de Massy y luego se presentó en la Alhambra en junio de 2004, dentro del Festival Internacional de Granada. En febrero de 2004, Blanca Li creó una coreografía para Don Giovanni en la Metropolitan Opera de Nueva York, bajo la dirección de Marthe Keller. En mayo de 2004, Le Défi fue seleccionado por el Festival Internacional de Cine de Tribeca (Nueva York). Alarme, la última creación de Blanca Li, se estrenó en la Bienal de Lyon y en la actualidad está incorporada a las giras, en alternancia con una nueva versión de Al Andalus. En mayo de 2004, Blanca Li fue nombrada Caballero de la Orden Nacional del Mérito en Francia y, en diciembre, recibió el prestigioso premio Manuel de Falla, como reconocimiento a su contribución a la coreografía contemporánea y su trayectoria profesional.

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GALILI DANCE

Me

Coreografía: ITZIK GALILI

MADRID – Teatro de Madrid – 22, 23 y 24 de abril días 22 y 23: 20.30 horas; y día 24: 19.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Itzik Galili Intérpretes Nicole van Gent (Países Bajos)

Kim de Jong (Canadá) Masahiro Yanagimoto (Japón) Jesús de Vega Gómez (España) Natalia Rodina (Rusia) Helena Volkov (Israel) Laura Lohi (Finlandia) Jussi Noussiainen (Finlandia) Stephen Shropshire (Estados Unidos) Philipp Stummer (Austria)

Concepto y diseño de luces Itzik Galili Guión y dramaturgia Anne Middelboe Christensen Composición musical Percossa (Niels van Hoorn, René Spierings

y Janwillem van der Poll) Música en directo Percossa Escenografía Janco van Barneveld Vestuario Natasja Lansen Film Wobbe F. Koning Publicidad Eefke Voeten Gerencia Brigitte De Goeij Producción Monique van den Heuvel Manager de la compañía Martine van der Mark Dirección artística Itzik Galili (danza contemporánea) Estreno en España País: Países Bajos Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)

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SOBRE LA COREOGRAFÍA De vuelta hacia allí , o allí dentro, o allí fuera. Va hacia los límites de las extensiones del cuerpo, al extremo de las extremidades, incluso cuando pierdas el rumbo y empieces a moverte en cí rculos. Busca siempre la blandura de la articulación. Nunca lo fuerces. Sólo deja los movimientos fluir. Me busca un lenguaje para la danza. Me traza imágenes-palabras que puedan reflejar movimientos musculares. Me sugiere diferentes formas de ver danza. Me insiste en nuestro pacto con la existencia y las ilusiones. Me expone la necesidad de ser recordado. Me confirma que lo que vemos no es necesariamente lo que pensamos que vemos. En octubre de 2003 Galili y el bailarín Jussi Nousiainen desarrollaron, usando como base la improvisación y la manipulación provocadora, un texto/solo que trataba de la búsqueda de confianza en uno mismo. Este material coreográfico se tradujo en Peeled (Galili Dance) e Hikarizzato (Ballet de Stuttgart), ambos estrenados a principios de 2004. Con Me, Galili avanzó en su búsqueda. El bailarín Jussi Nousiainen es la fuente de inspiración para ello y la figura clave en el vocabulario del movimiento. Me presenta una fusión única de lenguaje, danza, música en directo y vídeo. Explora la existencia, las ilusiones y la necesidad de ser recordado. Quizás.

ITZIK GALILI y EEFKE VOETEN SOBRE LA COMPAÑÍA Galili Dance nace en 1997, cuando el Ministerio de Cultura holandés nombra a Galili director artístico de la Fundación de Danza del Norte de los Países Bajos. Con base en Groningen, la compañía recorre el país y el ámbito de la danza internacional, y actúa en Alemania, Austria, Suiza, España, Italia, Francia, Japón y Rusia.

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Galili tiene un aliento y una amplitud de visión creativa que integra la danza con el cine, el teatro y la composición musical original. Su obra tiene la capacidad de "atraer a un público más amplio… Aborda el movimiento y los distintos temas con integridad, susurrando a la mente" (Michelle Mann, Dance Europe). El movimiento de Galili es fieramente físico y el "grado de fuerza, osadía e intensidad que despliegan sus bailarines pone literalmente a los que asisten al espectáculo al borde de sus asientos" (Neue Zürcher Zeitung). Sin embargo, Galili posee un sorprendente talento para utilizar las capacidades fí sicas de los bailarines sin perder sus cualidades sensuales ni emocionales. Logra crear mundos en los que "la agresión física y la infinita ternura van de la mano" (Eddie Vetter, The Telegraph).

ITZIK GALILI Itzik Galili nació en Tel Aviv. Su único contacto con la danza se redujo a su forma popular tradicional. Su interés fue creciendo, pero cuando se unió a la Bat Dor Company y, más tarde, a la Batsheva Dance Company, Itzik Galili no podía imaginar que se estaba embarcando en una carrera que le llevaría lejos de Israel y alrededor del mundo. Había entrado en el cí rculo del arte profesional, que más tarde le describiría como un “maestro arquitecto del espacio y el ritmo temporal de los cuerpos” (Michelle Mann, Dance Europe). Autodidacta, Itzik Galili coreografió su primera pieza, Double Time (1990) porque sentía la curiosidad de averiguar si podía dar forma a su propio trabajo. Unos meses después, sus esfuerzos se vieron coronados con el premio a la Originalidad en la Gvanim International Choreographers Competition, por su creación The Old Cartoon. Galili dio el salto al ámbito internacional en 1992, cuando The Butterfly Effect obtuvo el premio del Público de la International Competition for Coreographers en los Países Bajos. En 1994, tras sólo cuatro años de experiencia coreográfica, Galili recibió el Phillip Morris Art Price por su contribución a la cultura holandesa. Esos tres logros sólo eran el principio de una carrera coreográfica que, finalmente, incluiría la creación de unas cuarenta obras originales, entre las cuales destacan Between L... (1995), See Under X (1997), Below Paradise (1997), Until with/out Enough (1998) y Drunken Garden (1999). Las piezas de Galili han sido representadas por compañías de danza de todo el mundo, incluyendo el Dutch National Ballet, Nederlands Dans Theater, el Gulbenkian Ballet, el Ballet du Grand Théatre de Genève, la Batsheva Dance Company y los Grand Ballets Canadiens. Itzik Galili recibió el premio bianual a la Coreografía Holandesa 2001/2002 por su importante y larga contribución al ámbito de la danza holandesa. Con este galardón, se unía a la lista de anteriores galardonados, entre los que se encuentra Hans van Manen, Jiří Kylían, Toer van Schayk, Rudi van Dantzig, Krisztina de Châtel y Ed Hube.

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TERESA NIETO EN COMPAÑÍA

Consuelo

Coreografía y dirección: TERESA NIETO

MADRID – Teatro de la Abadía (Sala José Luis Alonso) – 22, 23 y 24 de abril – días 22 y 23: 21.30 horas; y día 24: 20.00 horas

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Teresa Nieto Intérpretes Jesús Caramés

Claudia Faci Teresa Nieto

Música F. Schubert J. Brahms Jacques Brel Nicolò Paganini

Realización de vestuario Estrella Baltasar Diseño de iluminación Gloria Montesinos (A.a.i.) Diseño de sonido Albert Puig Diseño gráfico Gara-Koan Fotografía Mafo Plata Vídeo Diego Ortiz Producción Teresa Nieto en Compañía Producción ejecutiva José Luis Fidalgo Ayudante de dirección Claudia Faci Dirección Teresa Nieto (danza contemporánea) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA Consuelo nace de la necesidad de enfrentarme con mis miedos y contradicciones respecto del amor y la pasión, enfrentados, al paso del tiempo, al miedo a envejecer, a las carencias, a la desesperanza, a las dudas acerca de nuestra capacidad para amar y ser amados.

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Los años me han vuelto más escéptica, pero no por ello más cauta; más descreída, pero nunca resignada. Por eso necesito mostrar, para así intentar asumir, lo difícil que puede llegar a ser pactar con el paso del tiempo, con la pérdida de tantas cosas irrecuperables, sin estar por ello dispuesta a renunciar a ellas. Consuelo viene a hablarnos de la pasión, del poder de la pasión, esa pasión, veneno y antídoto a la vez, que nos posee, nos arrebata, nos hace sentirnos vivos, jóvenes, poderosos. Esa pasión capaz de traspasarlo todo: el espacio, el tiempo e, incluso, a las personas a las que enreda en su locura. “En algún lugar entre el sexo y el miedo está la pasión”. (Jeanette Winterson) La pasión de una mujer madura capaz de encarnar a la mujer joven que fue en el pasado y traerla al presente, a su lado, para ofrecer esa juventud al hombre que la amó y al que ella sigue amando, más allá de los confines del espacio. “La memoria de la juventud, la memoria encarnada…” El hilo conductor de la obra es la superposición-desdoblamiento de dos mujeres que son una, de una mujer que son dos: la que es y la que fue, la que es y la que desearía ser, la que es y la que no se resignará nunca a no volver a ser. “Volverá, la traeré, la haré regresar…”

TERESA NIETO TERESA NIETO Nace en Tánger, donde compagina sus estudios de Danza Española, Danza Clásica, Solfeo, Piano y Teatro. En 1979 se traslada a Madrid donde descubre el lenguaje contemporáneo de la mano de Teresa Trujillo, Carl Paris y Christine Tanguay, mientras continúa sus estudios de Danza Clásica (Edith Mariño, Víctor Ullate, Carmen Roche, Luc Bouy...). Desde entonces y hasta ahora su experiencia profesional se reparte entre su trabajo como maestra, coreógrafa y bailarina. Cabe resaltar, entre 1986 y 1990, su participación como bailarina en la Compañía Bocanada, de María José Ribot y Blanca Calvo; además de colaborar con otros coreógrafos como Carl Paris, Margaret Jova, Denise Perdikidis o Iñaki Azpillaga.

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En 1990 Teresa Nieto presenta su primer trabajo como Teresa Nieto en Compañía, Danza breve, con el que consigue el tercer premio en el Certamen Coreográfico de Madrid. A partir de entonces ha continuado su trabajo con piezas como: Dos veces breve, Calle del Cordón, Mano a mano y Patio de luces, Tórtola, La mirada, El último café, Isla, Fa-dos y Tánger. En su trabajo de creación coreográfica para otras compañías realiza, en 1994, La ausencia, para la Compañía Flamenca de Antonio Canales; en 1996, Picasso flamenco, para la Compañía Escena Flamenca; Catedral secreta, para el Ballet Nacional de Paraguay; en 1997, La diosa en nosotras, para la Compañía Flamenca de Belén Maya. Además, en 1998 participa en la creación de Estado hormonal, premio ADE 1998 al Mejor Montaje Coreográfico. En 2000 monta para la compañía infantil Aracaladanza la pieza que abre el espectáculo Maletas. Dos años más tarde, realiza la coreografía ¿ Dudo?, para la Compañía Larumbe Danza, y Mareas, en colaboración con Florencio Campo, para el Ballet Nacional de España, dirigido por Elvira Andrés. En 2003, colabora con el Centro Coreográfico del Caribe (Santo Domingo) creando la pieza Consuelo, estrenada en el marco del Festival Internacional Madrid en Danza. En 1996, interviene en Arrieritos somos, espectáculo de creación conjunta con varios bailarines y coreógrafos, del que surge la compañía Arrieritos. En 1997 presenta Ande yo caliente... y, en 1999, Todos los gatos son pardos. Con la pieza titulada No me quiero dormir ganan el segundo premio del Primer Certamen de Coreografía del Festival Flamenco de Jerez y Teresa Nieto recibe la Mención Especial del Jurado a la Mejor Bailarina del Certamen. En 2000, dentro del marco Espacios Insólitos de Madrid en Danza, presentan Despacio y solitos. Un año más tarde estrenan Diario de un abrigo y, en 2002, Arrieritos es invitada a participar dentro de la propuesta A pedir de boca, con la pieza Operación salmorejo. En 2003 estrenan Entablao. Durante todos estos años ha compaginado su labor como coreógrafa con la labor docente, ejerciendo como profesora de Danza Contemporánea en el Centro de Danza Víctor Ullate y siendo maestra de la Compañía Flamenca de Antonio Canales, además de impartir cursos en: el Estudio Carmen Senra, Estudio Carmen Roche, Centro Provisional Danza, la Real Escuela Profesional de Danza de Madrid, el Centro Karen Taft, la Sala Galán (Santiago de Compostela), la Universidad Popular de Fuenlabrada; el Espacio Madrid, Estudio María de Ávila (Zaragoza), el Institut del Teatre (Barcelona), el Taller de Danza Contemporánea en León (Nicaragua), la Escuela Atrezzo (Vigo), el Taller de Danza Contemporánea en Managua (Nicaragua); el Taller de Danza Contemporánea del Instituto Municipal de Arte (IMA) de Asunción (Paraguay), el Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Aída Gómez y de Elvira Andrés; el Estudio de Dance Factory, el Estudio Duque, el Centro Coreográfico de León, el Teatro de la Danza de Madrid, la Compañía de Teatro Adrián Daumas y el Conservatorio de Murcia.

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Teresa Nieto también coreografió e interpretó el vídeo-clip del grupo Mecano, Hijo de la Luna; ha participado como bailarina en las óperas Aída, de Verdi, para el Teatro Campoamor (Oviedo); y El cristal de agua fría, con dirección escénica de Guillermo Heras. Además, realiza la coreografía de la ópera Salomé y, en 1996, participa como actriz protagonista en la obra de teatro La función delta, de Rosa Montero. En 1999 interviene en la lectura dramatizada organizada por la SGAE de la obra La mirada, de Yolanda Pallín, y, paralelamente, realiza el trabajo coreográfico y de movimiento de actores para la obra Romeo y Julieta, dirigida por Paco Suárez. Además, crea la coreografía de la obra Historia de un caballo, de L. Tolstoi, dirigida por Salvador Collado, y colabora de nuevo con Paco Suárez en el espectáculo flamenco Orestes en Lisboa. Su última coreografía ha sido Noche de guerra en el Museo del Prado, de Rafael Alberti, dirigida por Ricard Salvat. En 2003 recibió el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2002 en la modalidad de Danza. Teresa Nieto es Premio Nacional de Danza 2004.

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CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA

CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES – 5 y 12 de abril 17.30, 19.30 y 22.00 horas

CENTRO CULTURAL PACO RABAL-PALOMERAS BAJAS – 8, 22 y 29 de abril; y 6 y 13 de mayo -19.30 horas

El ciclo de cine “La Cámara Coreográfica” supone la novedad de la introducción del cine en el Festival Internacional Madrid en Danza, con una selección de ocho largometrajes que se exhibirán en dos salas de la capital: el Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes y el Centro Cultural Paco Rabal–Palomeras Bajas. Son tí tulos en los que, o bien la coreografía o bien los protagonistas y su relación con la danza, son los ejes principales del argumento. Desde el punto de vista formal y estético, filmar danza significa realizar un doble ejercicio coreográfico: el del creador de los movimientos y el de la recreación de estos movimientos por la propia cámara, permitiendo así ángulos de visión distintos a los de un espacio escénico. Coreografiar para la cámara es un ejercicio complementario y distinto al de su realización para la escena. En las películas programadas en este ciclo se añade, además, el atractivo de sus potentes y dramáticos guiones. El objetivo de este ciclo es aproximar a un público, probablemente más cercano a la cultura cinematográfica que a la danza, el Festival como hecho escénico y reconocer la importancia de la industria cinematográfica en la difusión y el uso de la cultura coreográfica. Este ciclo ha sido posible gracias a la colaboración de la Asesoría de Cine de la Consejería de Cultura y Deportes.

CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES 5 DE ABRIL 17.30 y 22.00 horas Escuela de sirenas (1944) Dirección: George Sydney Intérpretes: Esther Williams y Red Skelton País: Estados Unidos

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Escuela de sirenas es un emblemático musical que contó con la colaboración del prestigioso compositor Xavier Cugat. Destacan los diversos números de danza acuática, que convierten la película en un original documento coreográfico.

19.30 horas Los tarantos (1963) Dirección: Francisco Rovira Beleta Intérpretes: Sara Lezana, Daniel Martín y Carmen Amaya País: España Adaptación cinematográfica del clásico de Romeo y Julieta, recreado en el ambiente y el mundo gitano. A través de la música y el baile se muestra el amor y el desgarro de la obra original. É sta fue la última interpretación de Carmen Amaya ante la cámara.

12 DE ABRIL 17.30 y 22.00 horas Nijinsky (1980) Dirección: Herbert Rose Intérpretes: George de la Peña, Alan Bates y Leslie Browne País: Reino Unido Impecable recreación de la vida del legendario bailarín ruso Nijinsky, a través del ballet dirigido por Diaghilev. Recoge, además, composiciones de Debussy, Stravinsky, Schuman, etc. 19.30 horas The Company (2003) Dirección: Robert Altman Intérpretes: Neve Campbell y Malcom McDowell País: Estados Unidos Una joven bailarina con talento lucha por formar parte de una compañía importante de la ciudad de Chicago. Llegará un momento en que tenga que tomar una decisión entre el amor y la vida que desarrolla dentro de la compañía y el mundo de la danza.

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CENTRO CULTURAL PACO RABAL- PALOMERAS BAJAS 8 DE ABRIL 19.30 horas Billy Elliot (2001) Dirección: Stephen Daldry Intérpretes: Julie Walters, Jaime Bell y Jaime Draven País: Reino Unido Tony quiere que su hijo Billy aprenda boxeo. Billy tiene un gran juego de piernas, pero le falta la pegada. En el gimnasio, se fija en las clases de danza y se apunta sin que su padre lo sepa. Cuando este último se entera se lo prohíbe, pero la profesora acabará dándole clases gratuitas para que pueda acceder a las pruebas de la Royal Ballet School. 22 DE ABRIL 19.30 horas The Company (2003) Dirección: Robert Altman Intérpretes: Neve Campbell y Malcom McDowell País: Estados Unidos Una joven bailarina con talento lucha por formar parte de una compañía importante de la ciudad de Chicago. Llegará un momento en que tenga que tomar una decisión entre el amor y la vida que desarrolla dentro de la compañía y el mundo de la danza. 29 DE ABRIL 19.30 horas Sevillanas (1992) Dirección: Carlos Saura Intérpretes: Rocío Jurado, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar y Camarón de la Isla País: España

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Carlos Saura ofrece su visión personal del baile típicamente español: las sevillanas. Los múltiples personajes, cantantes, músicos y bailarines que aparecen en esta cinta hacen de ella una película que va más allá del documental musical. 6 DE MAYO 19.30 horas Bailando en la oscuridad (2000) Dirección: Lars Von Trier Intérpretes: Björk, Catherine Deneuve y David Morse Países: Dinamarca y Suecia Selma es una inmigrante checa y madre soltera que trabaja en una fábrica situada en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Su única salvación es la música, especialmente, las canciones y los números de baile basados en los musicales de Hollywood. 13 DE MAYO 19.30 horas El otro lado de la cama (2002) Dirección: Emilio Martínez Lázaro Intérpretes: Ernesto Alterio, Paz Vega, María Esteve y Guillermo Toledo País: España Sonia y Javier son novios y viven juntos. Pedro y Paula también son novios pero no viven juntos. Javier aguanta la presión de Paula para que sólo sea amigo de Sonia y, a su vez, no sabe cómo decir a Pedro que se ha liado con su novia, Paula. Una divertida historia contada a través de la mejor música pop española y acompañada de impecables coreografías.

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CICLO CULTIVOS DE DANZA ALCALÁ DE HENARES

IRATXE ARANA / ÓSCAR DASÍ / LOSQUEQUEDAN / FÉ LIX FERNÁNDEZ / MIGUEL ÁNGEL MELGARES / IÑAKI IMAZ

Conexiones Escuela de Arquitectura (Salón de Actos) – 5 de abril – 18.30 horas

MICHELLE MAN Cuatro por cuatro

Teatro Lope de Vega – 5 de abril – 19.30 horas

DANIEL ABREU Se me escapa entre los dedos

Teatro Lope de Vega – 7 de abril – 18.30 horas

CRISTINA BLANCO Cuadrado-flecha-persona que corre

Teatro Lope de Vega – 7 de abril – 19.30 horas

El ciclo “Cultivos de Danza” está dedicado a la investigación y la experimentación coreográfica de nuevos creadores. En los últimos dos años, la actividad del Aula de Danza “Estrella Casero” de la Universidad de Alcalá * ha estado centrada en el apoyo a artistas jóvenes para que desarrollaran sus propios procesos de creación. El Festival Internacional Madrid en Danza, junto con la Fundación General Universidad de Alcalá-Áula de Danza, quiere ayudar a que los periodos que los artistas dedican a la investigación y a la búsqueda de sus propios lenguajes, sean lo más fructí feros posible. “Cultivos de Danza” nace como un ciclo de algunos de los procesos de creación desarrollados en el Aula de Danza “Estrella Casero” de la Universidad de Alcalá para dar a conocer los caminos abiertos por algunos de los jóvenes coreógrafos establecidos en nuestra región. Para el Festival es muy sugerente e importante iniciar caminos de interacción con las universidades de nuestra Comunidad. * Desde septiembre de 2003 el Aula de Danza “Estrella Casero” de la Universidad de Alcalá desarrolla el programa “Artistas en Residencia”, conjuntamente con La Casa Encendida (Obra Social Caja Madrid).

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IRATXE ARANA / OSCAR DASÍ / LOSQUEQUEDAN / FÉ LIX FERNÁNDEZ / MIGUEL ÁNGEL MELGARES / IÑAKI IMAZ

Conexiones Uhandrea / Phantasmata / Soledades / Ensayo nº 1: sobre la

Creación / +bata / Dantza 1, Dantza 2, Dantza 3

ALCALÁ DE HENARES – Escuela de Arquitectura (Salón de Actos) 5 de abril – 18.30 horas

FICHA ARTÍSTICA Vídeocreadores Iratxe Arana

Óscar Dasí Losquequedan Félix Fernández Miguel Ángel Melgares Iñaki Imaz

(programa de videocreación de danza) País: España (Andalucía, Cataluña, Comunidad Valenciana, Galicia y País Vasco) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) SOBRE CONEXIONES Desde la década de los setenta la danza ha mantenido una relación muy estrecha con los medios de reproducción visual. Este diálogo ha producido multitud de obras híbridas, en las que la danza se nutría de las posibilidades narrativas y formales del cine y el vídeo. En los últimos tiempos ha sido el vídeo el que ha devuelto la mirada a la danza, siendo cada vez más fácil encontrar en la videocreación referencias y guiños a la cultura dancística. Conexiones mostrará algunas obras recientes en las que el diálogo vídeo-danza es muy claro y en las que se hacen evidentes los encuentros y coincidencias de los trabajos de artistas de ambas disciplinas.

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MICHELLE MAN

Cuatro por cuatro

Coreografía: MICHELLE MAN

ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 5 de abril – 19.30 horas FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Michelle Man Intérpretes Ana Lluva González Michelle Man Iris Muñoz Billie Perez Percusión Olaia Montoya Música Zuriñe F. Guerenabarrena Vestuario Karin Arnold Iluminación Elena Pérez Fotografía Trucho Binda Nash Dirección Michelle Man Agradecimientos a Alfonso García de la Torre. Con la colaboración de las Asociación Cultural “Por la Danza” y la Asociación de Profesionales por la Danza. (danza contemporánea) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA Desde su silla el público delimita el espacio de la acción. Cuatro bailarinas vistas desde cuatro perspectivas. El cuerpo vibra con su frecuencia fundamental y se deja seducir por los paisajes sonoros e iluminados. La obra invita al espectador a compartir momentos íntimos, instantes alejados y a curiosear sobre la dimensión arquitectónica de unos cuerpos en su diálogo coreográfico con el espacio y la exploración de su propia fí sica.

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Cuatro por cuatro nace de la fascinación por el movimiento, su proyección en el entorno inmediato y su reverberación más lejana. La obra engloba la idea de que el movimiento es redondo, como el propio cuerpo, y envolvente, como los paisajes sonoros que le acompañan.

MICHELLE MAN SOBRE LA COMPAÑÍA Michelle Man and Friends nació en Madrid en 1996. Se formó a raíz de la complicidad de unas bailarinas y las inquietudes creativas de su coreógrafa. Su primer espectáculo fue resultado de una investigación sobre la mujer china a lo largo de la historia, un viaje hacía las raíces euroasiáticas de la coreógrafa. Colaboran habitualmente con la compañía el compositor Alfonso García de la Torre Rey, las diseñadoras Natalia Lumbreras, Karin Arnold y Laura Ciarlantini y Neopercusión dirigido por Juanjo Guillem. Su nueva producción Tussore, basada en los Preludios de Debussy, se estrenará a finales de abril.

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DANIEL ABREU

Se me escapa entre los dedos

Coreografía e interpretación: DANIEL ABREU

ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega - 7 de abril – 18.30 horas FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía e interpretación Daniel Abreu Fotografía Javier Castedo (danza contemporánea) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 40 minutos (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA Creo que si se pudiera dar nombre a todo sobrarían las historias, ¿ no?... Esta es mi manera de contarlas. Este trabajo nace de la nostalgia por las cosas que se sabe que nunca sucederán.

DANIEL ABREU DANIEL ABREU Daniel Abreu nace en 1976. Comienza su formación a finales de 1994 recibiendo clases de Ballet Clásico (Miguel Navarro, Rosalina Ripio, Menia Martínez, Emilio Altez, Magdalena Avellaneda, Julia Estévez, Silvia Mira,…), Baile Español, Jazz y diversos estilos de Danza Contemporánea (Dania Salazar, Helena Berthelius, Pedro Berdäyes, Mónica Runde, Carmen Werner, Juan de Torres, Gloria García,…). Además, ha recibido clases de Voz y de Interpretación por parte de Ana Vallés, Coral Troncoso y Roberto Torres. Entre 1995 y 1997 trabajó en la Compañía Dania Salazar Danza (Tenerife). Posteriormente (1997-1998) crea y dirige, junto a Virginia Sanz, el proyecto Contradanza, en el que interpretan diversas piezas cortas como Vértigo o Trazos

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prolongados en mil ecos. Desde 1998 hasta 2000 trabajó bajo la dirección de Helena Berthelius en la Compañía de Danza Berthelius. También ha trabajado con Gloria García y Larumbe Danza, Provisional Danza o Lanónima Imperial. En la actualidad trabaja en la Compañía Matarile Teatro. Entre sus creaciones en solitario destacan Espera (2003), creada e interpretada por él. Además, crea, junto a Sonia Rodríguez 15 minutos, y junto a Mónica García Y eso que no me dejaban ver Dallas, pieza ganadora de un premio de Coreografía en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2004). También ha creado y dirigido el trío A corazón abierto, así como coreografiado e interpretado la pieza Se me escapa entre los dedos. Ha trabajado como asistente de coreografía en Macbeth, en el Teatro Real, y como asistente de dirección en el dúo Pie izquierdo. Actualmente imparte clases en el plan de formación de la escuela Carmen Senra en Madrid y en la Escuela de Carmen Roche, SCAENA.

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CRISTINA BLANCO

Cuadrado-flecha-persona que corre

Coreografía, idea e interpretación: CRISTINA BLANCO

ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega - 7 de abril – 19.30 horas FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía, idea e interpretación Cristina Blanco (danza contemporánea-performance) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA Una pared de cualquier lugar con sus señales reglamentarias, pictogramas, dibujos esquemáticos de “salida”, “bajada de escaleras”, “pulsador de alarma”… Son dibujos de flechas, cí rculos y rayas fluorescentes y son los cuadros que más hemos visto en nuestra vida. ¿ Quién los ha diseñado?, ¿ quién decide que son válidos y casi universalmente entendibles?... La idea de Cuadrado-flecha-persona que corre surge como un juego: reinterpretar esas señales y objetos que estamos acostumbrados a ver, transformarlos en otros, sacarlos de contexto y reinventar su significado una y otra vez, convirtiendo así un lugar cotidiano (la pared) en otro inventado y peculiar. El espacio se transforma en microespacios en los que se suceden historias, a veces absurdas y otras trágicas, con el objetivo de cambiar constantemente la percepción del espectador… la pared que parecía normal deja de serlo y nos descubre un mundo codificado y oculto tras sus señales y objetos, puertas, enchufes… Este recorrido por el espacio se convierte en excusa para desestructurar la información que hay en él, manipulando los códigos de lenguaje que utilizamos cotidianamente para tratar de crear uno nuevo y diferente, siendo esta búsqueda de un nuevo lenguaje el objetivo del trabajo. Los textos utilizados en la pieza son el de un extintor y una etiqueta de ropa, y el material de trabajo parte de mi cuerpo y los símbolos que van apareciendo a lo

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largo del recorrido. É stos son tratados como jeroglí ficos a resolver tanto por el espectador como por el ejecutante, casi simultáneamente, ya que el juego que propone la pieza está basado en la ambigüedad: por un lado, controlar y manipular el espacio; por el otro, jugar a ser manipulado por él hasta quedar atrapado en el código que, a lo largo de la pieza, se va construyendo.

CRISTINA BLANCO CRISTINA BLANCO Entre 1998 y 2002 se licenció en Interpretación Gestual por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Además ha completado su formación con estudios de Interpretación con Javier Yagüe, en la Cuarta Pared (1997-1998); Mimo y Pantomima, con Ana Vázquez de Castro (1999-2001); Clown, con Carlo Colombaioni (2001); Canto, con Yolanda Rivero (2002); así como Danza Contemporánea, con Elena Córdoba, Víctor Orive y Margarita Perakakis; Flamenco, con Concha Casatejada (1995-1997) y Soledad Gallardo en 2003; y Claqué, con Luca Yexi. Ha trabajado en Kafka Kabaret (Escena Contemporánea, 2003), Proyecto Aldo Pastur (2004), La casa de Bernarda Alba; Menú del día (Teatro Cervantes, Toledo, 2003) y en las performances Lavar, con la Compañía Acciones Imaginarias; Puentes, de la Compañía Pepa; y Dejar de ser, de Marcos Palomero. Entre sus producciones propias destacan Cuadrado-flecha-persona que corre y Desiertos de arena y gente.

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CICLO DOBLE DE DANZA

REAL COLISEO DE CARLOS III – SAN LORENZO DE EL ESCORIAL

COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) La Danza Barroca y la Corte.

IV Centenario de la primera edición de El Quijote 8, 9 y 10 de abril

día 8: 18.00 horas; día 9: 20.00 horas; y día 10: 12.30 horas

COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S Flamenco para todos

15, 16 y 17 de abril día 15: 18.00 horas; día 16: 20.00 horas; y día 17: 12.30 horas

AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA Ritmo y Danza Contemporánea

22, 23 y 24 de abril día 22: 18.00 horas; día 23: 20.00 horas; y día 24: 12.30 horas

El Festival Internacional Madrid en Danza cumple veinte años. Más de cuatrocientas compañías nacionales e internacionales han participado en este encuentro anual con el arte coreográfico en la Comunidad de Madrid. “Doble de Danza” se ha diseñado específicamente para el Real Coliseo de Carlos III y supone una experiencia en la que tres compañías de diferente naturaleza desarrollarán, a lo largo de tres fines de semana, un programa que, sobre todo, pretende la interacción con el público.

Cada compañía interpretará un programa doble: los sábados dirigido a un público adulto y los domingos a un público familiar; y estará precedido por encuentros en los que las compañías y el público intercambiarán opiniones y experiencias. Serán las propias compañías las que expliquen quiénes son, qué hacen y cómo lo hacen.

“Doble de Danza” propone, además, seis espectáculos en los que la música en directo a cargo de distintas formaciones (barroca, flamenca y rí tmica) completarán el concepto artístico de espectáculo.

El objetivo de este proyecto es acercar el proceso creativo y técnico de una compañía de danza al público, que tendrá la oportunidad de conocer y valorar el entramado de este arte escénico.

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“Doble de Danza” nace con la intención de extenderse en futuras ediciones a otros teatros y municipios de nuestra Comunidad y ha sido posible gracias a la colaboración del Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial.

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COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA)

La Danza Barroca y la Corte. IV Centenario de la primera edición de El Quijote

Encuentro barroco – 8 de abril – 18.00 horas Quijotescos – 9 de abril – 20.00 horas

Los reyes bailones – 10 de abril – 12.30 horas (público familiar)

Coreografía y adaptación coreográfica: Mª JOSÉ RUIZ

Quijotescos

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía y adaptación coreográfica María José Ruiz Bailarines: Maestro de danza, Bernardo y pastor César Casares Criado y Basilio Jaime Puente Duque y Camilo Jorge Vicedo Eclesiástico y Camacho Javier del Real Altisidora y Petronila Gudrun Schwabl Duquesa y gitana Rosario Torres Criada y Quiteria Susana Román Doña Rodríguez, Cabeza Encantada, Bruja y pastora Yolanda Barrero

Actores: Don Quijote David Sanz Sancho Javier Laorden

Primer violín Pablo Gastaminza Segundo violín Silvia Mondino Viola David Echeverria Violonchelo Garchot Ortiz Violone Juan Jaime Ruiz Oboe y flautas Pepa Megina Flauta travesera y flautas Miguel Ángel Moreno Fagot Carles Cristóbal

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Clarín Giuseppe Frau Guitarra barroca Juan M. Nieto Clavecín Laura Puerto Psalterio, laúd árabe y percusión Bill Cooley Transcripción y adaptación musical Juan M. Nieto Cruz Música incidental Pablo Gastaminza Vídeo-arte (escenografía virtual) Mario Sánchez Casal

David Ilundain Maquinaria escénica Miguel Ángel Coso

Juan Sanz Diseño de vestuario Lola Trives Diseño y realización de máscaras Stefano Perocco di Meduna Realización de vestuario Encarna Ortega

Lola Canales Sastrería González

Joseph Ahumada Sombrerería Lola Trives Zapatería Menkes

Sansha Antonio Hidalgo

Utilería Esther del Pino Diseño de iluminación José Manuel Cerdeiriña "Ciru" (A.A.I.) Diseño gráfico y maquetación Jesús Vallinas Asistencia a la producción Nathalie Gérard Asistencia a la dirección artí stica César Casares Asistencia a la dirección de escena Juliette Meignan Asistencia al diseño de vestuario Elena de Paz Producción y management Dancerias, S.L. Dirección musical Pablo Gastaminza Dirección artística María José Ruiz Dirección de escena Carlo Boso

(danza y música barroca) Estreno absoluto País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (con intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO Me ha despertado gran interés la propuesta de María José Ruiz y César Casares para participar como director escénico en la realización de Quijotescos, porque significa para mí la ocasión de aplicar las enseñanzas recibidas de maestros

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como Giorgio Strehler, Roland Petit y Maurice Bèjart, con los cuales he tenido el honor de colaborar en el pasado. Quijotescos se compone, en su primera parte, de varios episodios de la vida de Don Quijote (El palacio de los Duques, la estancia en casa de D. Antonio Moreno); mientras que el ballet-pantomina que compone la segunda parte, está basado en Las bodas de Camacho el Rico, libremente inspirado en el libreto de Meléndez Valdés. L a realización del espectáculo ha tenido en cuenta el rigor histórico que ha caracterizado la obra de Strehler, la fuerza expresiva de Roland Petit, la modernidad de Bèjart, y, bien entendido, la gran lección teatral que representa la Commedia dell’Arte tan cercana al universo quijotesco. Con María José Ruiz, César Casares, Pablo Gastaminza, Juan Nieto, Mario Sánchez, Ciru, Lola Trives y los demás colaboradores se ha intentado dar vida a un florilegio de los estilos coreográfico, musical, pantomímico y recitativo para el deleite y disfrute del público.

CARLO BOSO

Los reyes bailones PROGRAMA * Baja Coreografía: anónimo (siglos XV- XVI) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XV) * Contrapasso Coreografía: anónimo (siglos XV-XVI. Recopilación: Fabritio Caroso) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XVI) * Caza de amor Coreografía: Mª José Ruiz Música: Tielman Susato (1551) * Españoleta Coreografía: Fabricio Caroso (1581) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz

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Música: anónimo (siglo XVII) * Pavana de España Coreografía: Fabricio Caroso (1581) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XVI) * Branles Coreografía: anónimo (Recopilación: Thoinot Arbeau) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XVI) * Volta Coreografía: Mª José Ruiz Música: Michael Praetorius (1612) * Morisca Coreografía: Mª José Ruiz Música: Tielman Susato (1551) * Villanella Coreografía: Fabricio Caroso (1581) Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XVI) * Bizarria de amor Coreografía: Cesar Negri Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: anónimo (siglo XVII) * Chacona de Arlequín Coreografía: Le Rousseau Reconstrucción coreográfica: Mª José Ruiz Música: Giovanni Battista Lully (1675) * Jácaras Coreografía: Mª José Ruiz Música: Lucas Ruiz de Ribayaz (siglo XVII) (danza y música barroca para público familiar) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)

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FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Dirección coreográfica César Casares Intérpretes: Doña Historia Oficial Marisili Calvo La otra Helena Dueñas Infanta, reina, etc. Gudrun Schawbl Reina, infanta, etc. Diana Campóo Rey, príncipe, etc. César Casares Príncipe, rey, etc. Jaime Puente

Coreografías anónimas Thoinot Arbeau Fabricio Caroso Cesar Negri Juan Antonio Jaque Le Rousseau María José Ruiz

Texto Helena Dueñas Documentación y reconstrucción coreográfica María José Ruiz Diseño de iluminación José Manuel Cerdeiriña “Ciru” (A.A.I.) Diseño gráfico Jesús Vallinas Vestuario Joseph Ahumada

Oliva Ferreras Sombrerería Lola Trives Zapatería Menkes

Sansha Asesoría de confección de vestuario Emilia Mayordomo Producción y management Dancerias, S.L. Asistente de producción Nathalie Gérard Dirección de escena Helena Dueñas

SOBRE EL ESPECTÁCULO Tras siete años creando espectáculos para mayores con la compañía de danza, veinte años como autora de coreografías para obras de teatro clásico, óperas barrocas y zarzuelas junto con directores teatrales, y más de veinte años de investigación coreológica plasmada en artículos, ponencias para congresos y entradas de enciclopedias, acariciaba la idea de proponer a los niños y jóvenes

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una nueva aproximación a la vida cotidiana y divertida de aquellos que estaban destinados a ser reyes, reinas, infantas, etc.

En pocas palabras, intentaba mostrar, a través de la danza y el teatro, aquello que, generalmente, queda vedado porque no forma parte de los planes de estudio oficiales ni de los temas apropiados para reuniones académicas. Los episodios más divertidos, aquellos que me hacían contener la carcajada en la siempre seria sala para investigadores, quedaban en el fichero de “sueños para otra ocasión”, hasta que la necesidad vital y visceral se hizo demasiado patente.

A través de estos momentos coreográficos, delante de vetustos manuscritos e impresos impregnados con el aroma de los siglos, los personajes protagonistas de la historia tomaban vida –y muy divertida, por cierto– en mi imaginación de artista. Como por arte de encantamiento y para hacerlos salir al escenario habían aparecido en el horizonte hacía algunos años Helena Dueñas y César Casares.

En sus manos quedó el material cientí fico: Helena se encargó de darle forma de obra de teatro y de dirigirla. César quedó a cargo de la dirección coreográfica... y la magia del teatro se encarga del resto en cada función, debidamente arropada por los bailarines y actores que nos transportan al mundo mágico de los sueños que hace muchos, muchos años, eran una realidad cotidiana para los príncipes y princesas españoles.

MARÍA JOSÉ RUIZ SOBRE LA COMPAÑÍA La Compañía Esquivel (Danza & Música), inscrita en el movimiento vanguardista de recuperación de las artes escénicas anteriores al siglo XIX, se funda en 1995 con el objeto de difundir la Danza Histórica, también denominada Antigua o Temprana. Está compuesta por bailarines profesionales especialistas en este tipo de danza procedentes del ámbito de la Danza Española, investigadores, coreógrafos y músicos especialistas en Música Antigua, y su repertorio abarca desde el siglo XV al XVIII en Italia, Francia, Borgoña, Inglaterra y España, prestando especial atención al repertorio español de los siglos XVI al XVIII. Esquivel (Danza & Música) basa su trabajo en la experimentación a partir de los lenguajes coreográficos originales y su incorporación al concepto contemporáneo de espectáculo. Para la correcta contextualización del repertorio, los miembros de la compañía investigan sobre indumentaria, usos, costumbres y normas sociales, tratando, no

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sólo de mostrar la danza, sino también, de reconstruir un periodo de nuestra historia, de nuestra cultura y una forma de vida. La compañía tiene por objeto dar vida y rescatar las obras de arte que componen una importante parte del repertorio coreográfico español, hasta ahora desconocido. Su instrumento de trabajo es la reconstrucción coreográfica y musical, según las fuentes originales de la época. Con sus distintos espectáculos, Esquivel ha ofrecido conciertos en los principales marcos históricos españoles y festivales de Música Antigua. Desde su fundación, la compañía ha producido siete espectáculos, afianzándose y convirtiéndose en la primera compañía estable de Danza Histórica en España. Sus últimos trabajos han sido: Madrileña bonita, estrenado en el Teatro Real de Madrid, el 30 de septiembre de 2004, con dirección escénica de Jesús Peñas y dirección musical de Pascual Osa; y Fiesta en la corte de Ysabel de Castilla, estrenado en Córdoba. Esquivel (Danza & Música) ha trabajado con músicos especialistas en interpretación con instrumentos originales, como Cristoph Coin, José Miguel Moreno, Rolf Lislevand o John Tyson, entre otros; con directores teatrales como Gerardo Malla (El pícaro), Miguel Narros (Fiesta barroca), Gustavo Tambascio (El burgués gentilhombre), Adriano Iurissevich (El viejo celoso), Ángel Alonso (Amadeus) o Carlo Boso (Don Quijote); y con directores de cine como José Luis García Berlanga (Don Juan) y José Luis García Díaz (Lázaro de Tormes). CÉSAR CASARES Completó sus estudios de Danza en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid, perfeccionándose en Ballet Clásico con Pedro de la Cruz, Alain Debrus, Haydée Caicho y Carmen Bellido; en Flamenco con Paco Fernández, Alejandro Granados y Manuel Reyes; en Danza Estilizada con Francisco Pozo y Paco Romero; en Danza Tradicional con Pedro Azorín, Javier García y Juanjo Linares; y formándose en Danza Histórica con María José Ruiz, Barbara Sparti, Françoise Dennieau, Cecilia Gracio y Bruna Gondoni. Como coreógrafo gana el tercer Premio en el VI Certamen Internacional de Coreografía de Danza Española y Flamenco por la coreografía A Cayetana de... en 1997. Esta coreografía ha sido exhibida dentro del festival Circuito dell Mitto, con dirección artí stica de Franco Zefirelli. En 1998 recibe la Mención de Honor del jurado a la investigación folclórica por la coreografía Tochos y cañablas en el VII Certamen Internacional de Coreografía de Danza Española y Flamenco. Es miembro de Esquivel (Danza & Música) desde su fundación y ha participado en todos sus espectáculos como bailarín solista. En 1998 asume el cargo de repetidor y ayudante de dirección.

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Sus últimos trabajos han sido la coreografía de Madrileña bonita, con dirección escénica de Jesús Peñas y dirección musical de Pascual Osa; y El burgués gentilhombre, para el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro; y, en sus vertientes de bailarín solista y coreógrafo, ha trabajado en la ópera barroca Los elementos, para el Encuentro Internacional de Música Antigua de Solsona. También ha trabajado con los solistas de la Compañía Nacional do Bailado de Portugal en El libro de motes y la escuela de danzar, con dirección escénica de Gustavo Tambascio; con la Compañía Miguel Ángel España Ballet, en el Noga Theater de Tel-Aviv y Jerusalem Theater, representando Rapsodia española y El amor brujo, en colaboración con la Israel Chamber Orchestra; con la Compañía de Joaquín Ruiz ha estrenado la producción La plaza; y con la Compañía Ibérica de Danza ha realizado los espectáculos É rase una vez.., La memoria del olvido, Subiendo al Sur, De tierras mojadas y Encuentros: un lustro con Ibérica de Danza. PABLO GASTAMINZA Comienza sus estudios musicales en Valladolid, estudiando posteriormente con Andrew Sparrow y con Thuan do Mihn, en los conservatorios de San Lorenzo de El Escorial y Salamanca. Paralelamente, es becado por la Universidad de Salamanca para estudiar Música Antigua con Wim ten Have y realiza cursos de Violín y Música de Cámara con intérpretes como Barry Sargent, Ingart Schaller y el Cuarteto Silvestri. Complementa su formación con estudios de Canto, realizando cursos de repertorio antiguo con Charles Brett, Harry Van der Kamp y Xenia Meyer. Durante 1999 es principal de violas de la Orquesta Barroca Europea, actuando con directores como Tom Koopman, Lars Ulrich Mortensen, Roy Goodman, y Música Antiqua Köln. Como camerista o solista de violín, viola o viola de amore, ha actuado en numerosos festivales y salas de conciertos. Ha trabajado por toda Europa y Sudamérica y colaborado con diversas agrupaciones, tanto orquestales como de cámara, entre las que cabe destacar; Academia Anthica de Holanda, Lacrimae Consort de Francia, Zarabanda, Orquesta de RTVE, Real Filarmonía de Galicia, Capilla Real de Madrid, Orquesta Barroca Catalana, Orquesta de la Comunidad de Madrid, La Cetra de Barcelona y Capela Compostelana. En 1996 asume la dirección musical de la Compañía Esquivel, trabajando especialmente sobre los aspectos musicales relacionados con la Danza Española de los siglos XVII y XVIII, tanto con instrumentistas como con los bailarines de la compañía, en estrecha colaboración con María José Ruiz.

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En la actualidad realiza una amplia actividad camerística formando el Ensemble Clásico de Madrid con David Mason, entre otros proyectos. Complementa su actividad artí stica con la pedagógica, impartiendo diversos cursos de Violín Barroco y Música de Cámara. HELENA DUEÑAS Debuta en el terreno profesional con la Compañía Akelarre. En 1976 crea la Compañía de Teatro Ardatz, donde durante cinco años ejerce labores de directora, actriz y, en ocasiones, de autora. En 1997 asume la dirección de escena del montaje A Cayetana, de..., con el que obtiene el tercer premio de Coreografía del VII Certamen Internacional de Danza Española y Flamenco del Teatro Albéniz. La Compañía de la Escuela Teatral de Cartagena estrena su primera obra, Los clavos, en 1981. Con la Compañía Ardatz estrena Y al amanecer..., Cuarteto para hombres solos, La obra escondida, El espíritu de Colombina y Barababu. Posee una vasta experiencia como actriz de Teatro Musical, habiendo trabajado en el Teatro Arriaga de Bilbao (Don Pasquale, La Traviata, Carmen, etc.), Teatro de la Zarzuela (El empresario, Luisa Fernanda, La corte de faraón), Teatro de Madrid (Los sobrinos del capitán Grant, La rosa del azafrán…), así como en el Teatro Campoamor de Oviedo y en el Palacio de Festivales de Santander. Ha trabajado con directores de escena como Miguel Narros, Luis Iturri, Alfredo Arias, Emilio Sagi o Gustavo Tambascio, entre otros. Como actriz dramática, ha trabajado con la Compañía de Teatro Salitre (El viaje de Kant a América, La partida de caza, Bandidos), Geroa (Las amazonas del caballo), Teatro Lara (La familia interrumpida) y Teatro Arriaga (Rómulo el Grande). En el terreno cinematográfico, ha participado en películas como Pecata Minuta. Sus últimos trabajos han sido el papel de la Srta. Flora en La tienda de la esquina, la Sra. Ford en Las alegres comadres de Windsor, y el doble papel de Dorimene/Ana de Austria en El burgués gentilhombre. CARLOS BOSO Como director de escena ha estado al frente de más de 300 espectáculos. Recibió clases de Giorgio Strehler y de Marcello Moretti, y fue escogido como actor para la compañía del Piccolo Teatro de Milán, con la que participó en una

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cuarentena de obras dirigidas por Strehler, Astri, Madrazzi, Adouardo de Philippo, Solieri y Dario Fo. Como director de escena, ha trabajado en numerosos montajes para el TAG Teatro de Venecia y para las más emblemáticas compañías teatrales de Europa y América, así como con Roland Petit en Coppelia (Ballets de Marseille) y con Maurice Bèjart. Actualmente imparte talleres de Commedia dell’Arte por todo el mundo y dirige compañías y festivales de teatro, entre los que cabe destacar el de Notre Dame, Carcassonne, Avignon y el Carnaval de Venecia. Carlos Boso es el alma mater del proyecto Europa in Maschera, que, bajo el patrocinio de la Unión Europea, se realiza en diversos marcos históricos europeos, con el objeto de difundir uno de los tesoros teatrales más importantes de occidente: la Commedia dell’Arte. Uno de sus actuales proyectos es la dirección de la Academie Internacional des Spectacles de Montreuil sous Bois (Francia). MARÍA JOSÉ RUIZ Ha sido premio Internacional Mundo Teatre (1998) por su participación como coreógrafa de Danza Histórica en la recreación parateatral de la Batalla Medieval de Consuegra. Estudia Danza Española en la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid bajo la tutela de Mariemma, especializándose paralelamente en Danza Tradicional, y perfeccionando sus estudios con Victoria Eugenia, Paco Fernández, María Magdalena, Pedro Azorín y José Granero. Asimismo estudia Música y Piano con Luisa Aguayo. Formada en Danza Barroca Francesa desde 1986, dentro del entorno de Ris et Danceries, ha tenido como maestros a Beatrice Massin, Irene Ginger, Ana Yepes y Françoise Dennieau. Barbara Sparti y Andrea Francalanci han sido sus formadores en Danza Renacentista italiana, y Carles Mas en Danza Renacentista Francesa, entre otros. Sus últimos trabajos han sido la asesoría coreológica para Madrileña bonita, estrenada en el Teatro Real de Madrid, y las entradas de Danza de la Enciclopedia Cervantina. En 1986 comienza su investigación sobre Danza Barroca Española, y en 1988 es becada por el British Council of the Arts para efectuar trabajos de reconstrucción en Londres. A partir de este momento compagina y complementa las actividades de investigación, coreografía y pedagogía con una sólida

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formación teórica. Como bailarina ha trabajado en España, Inglaterra, Israel, Italia y Rusia. Fundadora y directora de la Compañía Esquivel (Danza & Música) ha estrenado desde 1995 diez espectáculos (Cierta y galana, Música y Danza del Siglo de Oro español, Divertimentos, Música y Danza de la corte de Felipe II y sus sucesores, Pintura en movimiento, Austria Felice, Majos y petimetres, Corral del príncipe, Los reyes bailones y Fiesta en la corte de Ysabel de Castilla). Ha trabajado con músicos como Cristoph Coin, Eduardo López Banzo, John Tyson, José Miguel Moreno, Tomás Marco o Rolf Lislevand, con directores de escena como Miguel Narros, Carlo Boso, Gerardo Malla, Gustavo Tambascio, Adriano Iurissevich, Juanjo Granda, Angel Alonso, José Luis Alonso de Santos, y con directores de cine como José Luis García Berlanga (Don Juan) y Jose Luis García Díez (Lázaro de Tormes). Ha escrito numerosos artículos sobre su trabajo de investigación y difusión de la Danza Histórica en España, Inglaterra, Italia y Venezuela.

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COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S

Flamenco para todos

Encuentro flamenco – 15 de abril – 18.00 horas El bazar de las ideas – 16 de abril – 20.00 horas

Las ideas de María sobre El bazar de las ideas – 17 de abril – 12.30 horas (público familiar)

Coreografía y dirección: MARÍA PAGÉ S

El bazar de las ideas SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 16 de abril– 20.00 horas FUENLABRADA – Centro Cultural Tomás y Valiente (Teatro) – 23 abril – 20.00 horas FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía María Pagés Intérpretes María Pagés

María Morales Sonia Fernández Mar Jurado Cristina Tomé José Barrios Emilio Herrera Noé Barroso José Antonio Jurado

Cante Ana Ramón Guitarra José A. Carrillo “Fyty”

Isaac Muñoz Percusión Chema Uriarte Sonido Kike Cabañas Regiduría Sofía Pérez Dirección técnica y de luces Dominique You Compañía María Pagés: Dirección María Pagés Dirección técnica y producción Dominque You

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Coordinación de ensayos María Morales José Barrios

Emilio Herrera Oficina Ana Martínez (flamenco) País: España (Comunidad de Madrid) Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO ¡Hay tantas ideas inspiradoras que están siempre volando! Y, de vez en cuando, como si reclamaran que se les hiciera un poco más de caso, se te presentan y se te proponen. Probablemente, son esas ideas que nunca consideraste que fueran “la idea” para hacer una creación dedicada a ellas, pero creo que merecen ser recopiladas y, por fin, ser el centro de atención y las protagonistas de una creación, aunque sea corta. Así me decidí a agruparlas en este El bazar de las ideas.

MARÍA PAGÉ S

Las ideas de María sobre El bazar de las ideas En este caso, la Compañía María Pagés presenta el espectáculo El bazar de las ideas para un público familiar, acercando y explicando a las audiencias el trabajo de esta sevillana con residencia en Madrid, creadora de flamenco.

SOBRE LA COMPAÑÍA Fundada en 1990 por María Pagés, desde el momento de su creación y hasta 1999 la compañía ha presentado espectáculos como Sol y sombra (1990), Tango (1992), De la luna al viento (1994) y La tirana (1998). En 1998 la Compañía María Pagés firmó un acuerdo con el Ayuntamiento de Torrelodones con el que se propusieron unificar, en un plan de actividades las necesidades culturales de Torrelodones referidas a la danza, marcándose los siguientes objetivos: por una parte, el Ayuntamiento de Torrelodones pretendía sensibilizar y acercar al mundo de la danza a sus ciudadanos y enriquecer, de esta forma, su ya activa vida cultural. Y por otra, la Compañía María Pagés tenía como objetivos principales estabilizarse y consolidarse, así como desarrollar una actividad creativa en las mejores condiciones.

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Desde 1999 la Comunidad de Madrid pone en marcha el proyecto de Compañías Residentes, aportando al Ayuntamiento financiación para llevar a cabo este proyecto, convirtiéndose la Compañía María Pagés, desde ese momento, en Compañía Residente en Torrelodones. De este modo se inicia un proyecto pionero en el mundo de la danza, cuyo desarrollo satisfactorio ha sido modelo a seguir, abriendo un camino a otras Compañías Residentes. Ya como compañía asentada en este municipio madrileño presentan Flamenco Republic (2001), El perro andaluz. Burlerías (2001) y, su última producción, Canciones, antes de una guerra (2004). Entre las actividades que han desarrollado en 2004 se pueden destacar: la apertura al público de los ensayos y, en los ensayos generales, el acercamiento e información sobre la próxima creación, intentando implicar, sobre todo, a los niños y jóvenes; la realización de Working Process, orientados a las personas más interesadas en el proceso técnico de creación; la preparación de conferencias, así como colaboraciones con las otras Compañías Residentes (creación, clases magistrales e intercambio de proyectos); y asesoramiento y la colaboración con las Escuelas de Danza y Música de Torrelodones. SOBRE LA COMPAÑÍA Fundada en 1990 por María Pagés, desde el momento de su creación y hasta 1999 la compañía ha presentado espectáculos como Sol y sombra (1990), Tango (1992), De la luna al viento (1994) y La tirana (1998). En 1998 la Compañía María Pagés firmó un acuerdo con el Ayuntamiento de Torrelodones con el que se propusieron unificar, en un plan de actividades, las necesidades culturales de Torrelodones referidas a la danza, marcándose los siguientes objetivos: por una parte, el Ayuntamiento de Torrelodones pretendía sensibilizar y acercar al mundo de la danza a sus ciudadanos y enriquecer, de esta forma, su ya activa vida cultural. Y por otra, la Compañía María Pagés tenía como objetivos principales estabilizarse y consolidarse, así como desarrollar una actividad creativa en las mejores condiciones. Desde 1999 la Comunidad de Madrid pone en marcha el proyecto de Compañías Residentes, aportando al Ayuntamiento financiación para llevar a cabo este programa, convirtiéndose la Compañía María Pagés n Compañía Residente en Torrelodones. De este modo se inicia un proyecto pionero en el mundo de la danza, cuyo desarrollo satisfactorio ha sido modelo a seguir, abriendo un camino a otras Compañías Residentes. Ya como compañía asentada en este municipio madrileño presentan Flamenco Republic (2001), El perro andaluz. Burlerías (2001) y, su última producción, Canciones, antes de una guerra (2004).

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Entre las actividades que han desarrollado en 2004 se pueden destacar: la apertura al público de los ensayos y, en los ensayos generales, el acercamiento e información sobre la próxima creación, intentando implicar, sobre todo, a los niños y jóvenes; la realización de Working Process, orientados a las personas más interesadas en el proceso técnico de creación; la preparación de conferencias, así como colaboraciones con las otras Compañías Residentes (creación, clases magistrales e intercambio de proyectos); y asesoramiento y la colaboración con las Escuelas de Danza y Música de Torrelodones. MARÍA PAGÉS María Pagés es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del Arte Flamenco. Utilizando las acentuaciones flamencas clásicas, sus obras confrontan al Flamenco con otras artes, ampliando su horizonte y abriendo un nuevo camino para el futuro de la danza flamenca. Como reconocimiento a este trabajo, en el año 2002, se le concede el Premio Nacional de Danza, en la modalidad de Creación, y, en 1996, el Premio Nacional de Coreografía ADE (Asociación de Directores de Escena), por su obra El perro andaluz. Burlerías. Nace en Sevilla y empieza a bailar a los cuatro años, contando entre sus principales maestros con Manolo Marín, Adelita Domingo, Matilde Coral, María Magdalena y Manolo Valdivia. Comienza su carrera profesional con la compañía de Antonio Gades, interviniendo en Carmen y Bodas de sangre. Ha sido primera bailarina de la Compañía de Mario Maya y del Ballet de Rafael Aguilar. En 1990 funda la Compañía María Pagés y debuta en Sevilla con el espectáculo Sol y sombra. En 1992 la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla encarga a la compañía la coreografía Tango y, en 1994, esta formación presenta, otra vez en la Bienal, De la luna al viento, con dirección de José María Sánchez, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, espectáculo que confronta la música clásica y el Flamenco, obra que volvió a representar, en 1998, por encargo del Festival de Granada, en los Jardines del Generalife. Con motivo del X Aniversario del Teatro de la Maestranza de Sevilla, De la luna al viento fue elegido el Mejor Espectáculo de Flamenco representado en este teatro durante toda la década. Desde 1995 María Pagés ha actuado con Riverdance. The Show, como coreógrafa y artista invitada, en los teatros más importantes del mundo destacando, entre otros: el Radio City Music Hall de Nueva York, Auditorium de Chicago, Pantages Theatre de Los Angeles, Wang Center de Boston, Hummingbird Theatre de Toronto, Entertainment Center de Sydney, The Point de Dublín, y Labatt's Apolo en Londres.

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En 1996 crea para la Compañía Andaluza de Danza El perro andaluz. Burlerías, que estrenará con su propia compañía en 2001. En 1998 la Compañía María Pagés estrena en el Teatro de la Maestranza de Sevilla La tirana. Esta obra se ha representado en Madrid dentro del marco del Festival de Otoño, en el Festival Internacional de la Guitarra de Córdoba, en el Festival de Perpignan y en el Festival de Colonia. En años posteriores la compañía ha girado con esta obra por Alemania, Estados Unidos, Japón, Francia, China e Italia. En febrero de 2001 se estrena en Nueva York Flamenco Republic, obra que también representó en el Festival de Jerez, en el Teatro de la Maestranza y en el Festival de Cante las Minas. Además, actúa en el Teatro Real de Madrid en la I Gala de la Danza Española y del Flamenco. María Pagés creó una nueva coreografía para el Ballet Nacional, Ilusiones FM, con guión y dirección de José María Sánchez, que se estrenó el 20 de diciembre de 2002 en el Teatro de la Zarzuela. La Compañía María Pagés ha realizado giras internacionales por Estados Unidos, Canadá, México, Europa (Italia, Francia, Alemania, Grecia, Finlandia) y Asia (Israel, China y Japón) con obras como La tirana, Flamenco Republic y El perro andaluz. Burlerías. Durante el 2004, María Pagés ha realizado temporada en el The Joyce Theater de Nueva York, además de giras por Asia (Japón, China y Taiwan), Europa (Sadlers Wells Theater de Londres, Teatro Olímpico de Roma, Ópera Cómica de Berlín y Ópera de Hannover) y una amplia gira por España. Además, ha presentado su primer disco titulado Flamenco Republic Tour y ha producido el DVD del espectáculo La tirana. Canciones, antes de una guerra, su última producción, estrenada en el Teatro de La Maestranza de Sevilla el 28 de septiembre de 2004, ha sido calificado como el Mejor Espectáculo de la Bienal de Flamenco de 2004, obteniendo cuatro Giraldillos: Mejor Coreografía, Mejor Dirección, Mejor Compañía (Cuerpo de Baile) y Giraldillo de la Crí tica. De sus colaboraciones cinematográficas destaca su participación en Carmen, El amor brujo y Flamenco, de Carlos Saura, así como en La bella Otero y Hemingway, fiesta y muerte, de José María Sánchez.

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AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA

Ritmo y Danza Contemporánea

Encuentro rí tmico – 22 de abril – 18.00 horas Tinajas – 23 de abril – 20.00 horas

Percudanza – 24 de abril – 12.30 horas (público familiar)

Coreografía: ASUN NOALES y ARANCHA SAGARDOY

Tinajas FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Asun Noales

Arancha Sagardoy Intérpretes: Amores Grup de Percussió Pau Ballester

Àngel Garcia Jesús Salvador “Chapi”

Sitar, tabla y berimbau Sazed ul Alam (Bangladesh) Cia. Patas Arriba Asun Noales

Arancha Sagardoy Idea original Amores Grup de Percussió Música original Jesús Salvador “Chapi” (obra encargo de

l’Institut Valencià de la Música) Diseño del espectáculo Amores Grup de Percussió

Cia. Patas Arriba Diseño de escenografía Salva Bolta Diseño de iluminación y realización técnica Camilo Gutiérrez Diseño de vestuario Maribel Peydró

Maribel Monleón Realización del telón Jesús Acebedo Sonorización Audio-Net Professional Ingeniero de sonido Benja Sanchis Regiduría-maquinista Ángel de Juan

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Diseño gráfico Salva Bolta Fotografía Germán Antón

Maque Falgás Vídeo y CD Rom Opus No Media Gestión administrativa MªJosé Cardona (Turiarte S.L.) Distribución y prensa Ana Sala (Assam Distribución y

Comunicación en AAEE) Producción ejecutiva Mariví Martín Dirección Amores Grup de Percussió

Cia. Patas Arriba Una coproducción del Institut Valencià de la Música, el Centre Coreogràfic de la Comunitat Valenciana-Teatres de la Generalitat Valenciana y Amores Grup de Percussió. Con la colaboración del Ayuntamiento de Elche y el Ayuntamiento de Torrente y con la participación de NP Drums & Accessories y Rivera Editors Musicals. Amores es grupo residente del Palau de la Música de Valencia. (danza contemporánea y percusión) País: España (Comunidad Valenciana) Duración aproximada: 1 hora y 5 minutos (sin intermedio) SOBRE LA COREOGRAFÍA “Soy una mujer atrapada en su burka. Mis movimientos son estáticos y pequeños porque esta prisión no da más de sí . Soledad, misterio, sumisión. Soy un bulto que se mueve. No hay feminidad, ni cara, ni piernas, ni personalidad, ni individualidad... Soy igual a todas las demás. Poco a poco, todo mi cuerpo pide respirar, escapar como un gusano de su envoltorio”. La coreografía de Tinajas se ha creado en un desarrollo paralelo y estrechamente ligado a la interpretación musical y se basa en un lenguaje del movimiento que busca expresar fuerza, carácter, presencia y sensualidad. Desde la primera imagen (una mujer sin rostro que se libera de sus ropas opresivas), se aprecia la aportación del protagonismo femenino a la narratividad del espectáculo. La mujer mediterránea, la mujer sensual, la mujer que representa y expresa los rituales y tradiciones culturales, para llegar a la mujer contemporánea, la luchadora, la que muestra su piel y su cuerpo, la que mira su entorno y se implica.

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La percusión tiene una fuerza increíble. La coreografía contrasta, frente al caos del sonido, por el control del movimiento. Buscamos un lenguaje limpio, creado sobre movimientos amplios, gestos orgánicos y reminiscencias de las danzas tradicionales. De ahí la importancia del vientre o de las manos (elementos fundamentales en la danza hindú, en determinadas danzas del norte de África, incluso en el flamenco), y la lectura de una progresiva liberación. Nos hemos inspirado en la mujer espiritual, desde las talibanes que conocemos por las noticias de la televisión, hasta las budistas que practican técnicas de meditación; la mujer femenina, la que establece un código de intimidad consigo misma; la mujer luchadora, que se enfrenta al caos; la mujer sensual, que establece la comunicación con los otros con su sola presencia...

ASUN NOALES y ARANCHA SAGARDOY SOBRE EL ESPECTÁCULO Los instrumentos de percusión, la danza y el pulso de la sangre son los protagonistas de Tinajas, un espectáculo para los sentidos que rinde homenaje a la mujer y su importante papel en nuestra cultura mediterránea y en los anales de la historia. Amores Grup de Percussió y Cia. Patas Arriba, junto con la colaboración de Sazed Ul Alam, han creado este espectáculo intercultural en el que se funden una coreografía sensual con un universo sonoro fuera de serie. Más de cincuenta instrumentos plasman musicalmente un viaje del Mediterráneo a la India, pasando por África, en constante interacción con los movimientos rí tmicos y libres de la danza. El sonido del barro de macetas y jarrones y el vigor del baile crean una ceremonia evocadora de sonidos e imágenes de los que procedemos, que en Tinajas se plasman con una visión contemporánea. Un espectáculo de fusión en el que la belleza surge por el reconocimiento de sus raíces.

AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ y CIA. PATAS ARRIBA

SOBRE LA MÚSICA Tinajas es un pequeño paseo por las culturas que a mí más me han marcado y en las que me siento identificado, a gusto, feliz. Si mis principios musicales fueron clásicos (en el Conservatorio) y después pasé a formar parte del mundo del rock and roll, también participé de la estética folclórica de Valencia para viajar a Canarias a formar parte de la Orquesta Sinfónica de Las Palmas.

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Más tarde me introduje en los terrenos de la vanguardia con el grupo Amores y al final descubrí la música improvisada. Mi vida cambió. La música improvisada, aquella que se crea en el momento, es para mí la música más auténtica y visceral que existe, por eso el espectáculo Tinajas comporta una cierta dosis de improvisación. Cuando uno se pone cada día a trabajar, a buscar, a intentar avanzar en su trabajo, inevitablemente le surgen melodías, recuerdos. Y aunque la investigación te obliga a mirar hacia el futuro, por más que insistas no puedes evitar lo que la tradición ha dejado tras de ti. Y así , en un intento de buscar una música universal, nace una historia, la de Tinajas, que pasa por recordar las macetas que mi madre hacía sonar cada mañana al arreglarlas; las melodías moras y flamencas que le gustaban a mi padre y que para mí eran caducas y viejas; el sonido del mar, los grillos, las cigarras que sonaban al calor del verano, el voltear de campanas en los días de fiesta, los fuegos artificiales... todo esto está en Tinajas.

JESÚ S SALVADOR “CHAPI” SAZED UL ALAM Nacido en Alamein, Chittagong (Bangladesh-India), proviene de una familia de artistas, músicos y periodistas. Es el menor de quince hermanos. Su temprana carrera musical comienza a los quince años con su propio grupo The souls, en Bangladesh, un conocido grupo que todavía hoy, con otros músicos, sigue siendo famoso en el país. Paralelamente terminó su formación en Bellas Artes. Viaja a Europa a perfeccionarse como guitarrista y profundiza en el estudio de la música clásica india, especializándose en el sitar bajo la guía de Roshan Jamal, conocido sitarista de Bombay. Posteriormente será discípulo de instrumentistas como Bimlendu Bukherjee, padre de uno de los más importantes sitaristas, Budhadittya Mukherjee. Entre 1989 y 1990 estudió Música India en la Universidad de Música Khairagar de India. También estudió Música Occidental en Vra Folkehogskola, en Dinamarca. Durante veinte años ha residido en Escandinavia, concretamente en Malmö (Suecia), en cuya universidad ha sido profesor de Música Clásica India. Ha grabado música fusión e india. Entre los discos que ha editado destacan Raga Marwa, Raga Prem y Raga Basana, compilación de ragas tradicionales de India. En los últimos años ha compuesto música para diversos documentales televisivos y obras de teatro. Asimismo, ha tocado con músicos y grupos de diferentes países (Amores, Omar Sosa, Sharmini Tharmaratnam, Medicine Man, Nacho Cano) y organizado actuaciones en muchos festivales musicales, incluido

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el Festival de Roskilde, en Dinamarca. Ha presentado sus conciertos en países como Canadá, Suecia, Noruega, Dinamarca, Alemania, Francia, España, Italia, Inglaterra, República Checa, Islas Mauricio, Japón e India. Y ha actuado para el boxeador Muhammed Ali, en Estados Unidos, y para el Rey y la Reina de Suecia. Actualmente reside en Elche donde interpreta, compone y da clases de todos los instrumentos que domina como sitar, tabla, berimbau, ektara, santoor, armónica, teclados, guitarra acústica, sintetizadores y percusión.

Percudanza FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA Coreografía Asun Noales

Arancha Sagardoy Idea original, guión y presentación Amores Grup de Percussió Intérpretes: Amores Grup de Percussió Pau Ballester

Angel García Jesús Salvador “Chapi”

Cia. Patas Arriba Asun Noales Arancha Sagardoy

Vestuario Amores Grup de Percussió

Cia. Patas Arriba Iluminación Camilo Gutiérrez Sonido Benja Sanchos Dirección Amores Grup de Percussió Cia. Patas Arriba (danza contemporánea y percusión para público familiar) Estreno en la Comunidad de Madrid País: España (Comunidad Valenciana) Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio) SOBRE EL ESPECTÁCULO

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Percusión y danza han estado presentes en la historia de la Humanidad y las civilizaciones desde antaño. Ambas eran utilizadas en casi todos los sucesos importantes de la vida: ofrendas de sacrificios, rituales mágicos y culturales, esponsales y fiestas relacionadas con los nacimientos, en los funerales y la caza, en guerras, en la enfermedad, la siembra y la recolección. Se utilizaban instrumentos de percusión para organizar y reforzar los movimientos de baile y estos instrumentos fueron indispensables desde los orígenes de la danza hasta la actualidad. En Percudanza la percusión y la danza se interrelacionan como instrumentos de comunicación del pulso de la vida. Ambas, con sus posibilidades infinitas de expresión, nos muestran el ritmo de la creación de la naturaleza y los diversos matices de las relaciones humanas. En el programa que presentan la Cia. Patas Arriba y Amores Grup de Percussió, diferentes estilos de música, de sonoridades y de instrumentos conformarán las bases para que el cuerpo humano dialogue a través del movimiento. Así , a través de las obras Trio per Uni, de N.Kivkovic; Akadinda, de E. Sejourné; Zen-In y To Cage; de Amores; Ventall, Blanco sobre negro y Tinajas, de J. S. “Chapi”, y de las coreografías de la Cia. Patas Arriba compuestas para las piezas, el público apreciará la riqueza de la percusión como medio de expresión musical y la coordinación corporal y creatividad en el movimiento de las bailarinas a partir de la interiorización del ritmo.

AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ y CIA. PATAS ARRIBA AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Amor, trabajo e inteligencia inspiran con precisión y una fuerte expresividad el pulso de este trío de percusionistas: Angel García, Pau Ballester y Jesús Salvador, “Chapi”, de gran prestigio internacional. Continuadores de la filosofía del compositor norteamericano John Cage y creadores de la suya propia, desde su creación en 1989, Amores ha desarrollado un papel decisivo en la evolución de la música de percusión en España, estrenando gran parte de la obra escrita para percusión de los más importantes compositores de vanguardia, además de composiciones de creación propia. Desde una solidez técnica impecable ha conjugado arte, espí ritu e imaginación, adentrándose en todo tipo de disciplinas, consiguiendo siempre gran comunicación con todo tipo de públicos.

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Buscadores de lo que no poseen y creadores del hallazgo musical, Amores ha colaborado con importantes solistas de renombre internacional y ha actuado en numerosas ciudades europeas, asiáticas y americanas dentro de los más importantes festivales de música. El trío es grupo residente del Palau de la Música de Valencia donde ofrece anualmente un ciclo de conciertos y estrenos. En 2000 consiguió el Premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana por su composición original para el ballet Fénix, de la compañía de danza Vicente Sáez, y creó la música del espectáculo multimedia El latido del tiempo, para la inauguración del Museo de las Ciencias Príncipe Felipe de Valencia. En 2002 Amores creó su propia fusión de la herencia melismática árabe y la cultura mediterránea con la contemporaneidad en el espectáculo de música y danza Tinajas, donde se encontró con el virtuoso del sitar, Sazed Ul Alam. Con Tinajas, Jesús Salvador “Chapi”, miembro del grupo, ha conseguido de nuevo el Premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana a la Mejor Composición Musical en 2002. En 2003, paralelamente a la gira estatal de Tinajas, participaron, entre otros proyectos, en la ópera Lisístrata, versión de Carles Santos del texto de Aristófanes, estrenada en junio en la Ciudad de las Artes Escénicas de Sagunto, dentro de la II Bienal de las Artes de Valencia, y en julio en el Festival de Teatro Clásico de Mérida. En 2004 Amores estrenó Tinajas en Puerto Rico y Bélgica. En octubre de 2004 han celebrado su quince aniversario en el mundo de la música contemporánea, con un concierto conmemorativo que ha reunido a algunos de sus más destacados colaboradores, en el Palau de la Música de Valencia. Actualmente preparan su próximo espectáculo, Drum Cuts, inspirado en el concepto de Teatro Instrumental de Mauricio Kagel, que se estrenará en el XXVI Festival de Música Contemporánea de Alicante.

CIA. PATAS ARRIBA

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Compañía fundada en 2000 (Valencia), por Asun Noales y Arancha Sagardoy, se inicia recibiendo una Residencia en el Centro Coreográfico de la Comunidad Valenciana. En 2001 se estrenan presentando la pieza En sueños, de Asun Noales, en el I Festival de Dansa a Elx y en el XV Certamen Coreográfico de Madrid, quedando finalista y recibiendo el premio al Bailarín Sobresaliente. Asun y Arancha son seleccionadas por la Fundación Autor para el curso de coreógrafos y compositores celebrado en el Cí rculo de Bellas Artes de Madrid.

En 2002 vuelven a participar en el II Festival de Dansa a Elx con un extracto de su último trabajo llamado Tinajas, que se estrena como espectáculo en abril de 2002 dentro del Festival Dansa València, con música en directo de Amores Grup de Percussió. En julio de 2002 consiguen el tercer premio del I Certamen Coreográfico Internacional de Burgos por su pieza En-sueños.

En octubre de 2002 participaron como bailarinas en el espectáculo de música medieval y danza, Lamento de Tristano, dirigido y producido por el grupo musical Capella de Ministrers, con coreografía de Toni Aparisi, estrenado en el Teatro Talía de Valencia.

Actualmente siguen la gira nacional de Tinajas, tras pasar por Hamburgo, el II Certamen Coreográfico Burgos-Nueva York, el Festival Internacional de Danza Contemporánea Masdanza, de Maspalomas-Gran Canaria, el Festival Cita con la Danza, dentro del FIB de Benicàssim; el Festival Escenarios de Verano de Castilla y León, el Festival Sagunt a Escena y la Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo. En octubre 2003 estrenaron Mixto en el Gran Teatro de Elche, que presentaron en el Festival Madrid en Danza 2004, y en abril estrenaron en el Festival Dansa Valencia 2004 su nueva creación: Sacra, dícese, nominada a los premios de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana 2005 como Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Bailarín, Mejor Bailarina, Mejor Dirección Coreográfica, Mejor Escenografía, Mejor Vestuario y Mejor Iluminación. ARANCHA SAGARDOY Titulada en Danza Clásica y Contemporánea, estudia Clásico con Víctor Ullate, Carmina Ocaña, María de Ávila, Barbara Kasprovich... y Danza Contemporánea en el Instituto del Teatro de Barcelona. Su carrera profesional se ha desarrollado en compañías como Transit, Ananda Dansa, Lais Dansa, Vicente Sáez, y ha trabajado con coreógrafos como Santiago Sempere, Ramon Oller... Actualmente codirige la Cia. Patas Arriba en la que ha coreografiado piezas como Tinajas o Tres cuentos de dos y con la que ha interpretado obras como En-sueños, Tiempos centrífugo, Dícese-Sacra, etc.

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Como coreógrafa ha recibido el primer premio en el Concurso Internacional de Montpellier con su pieza El bosque. ASUN NOALES Comienza sus estudios en la Escuela de Danza Pilar Sánchez de Elche. Es titulada en Danza Clásica (1982-1988) y Baile Clásico Español (1988-1994) por el Conservatorio Óscar Esplá (Alicante). Decide trasladarse a Barcelona para continuar sus estudios en el Instituto del Teatro, titulándose en Danza Contemporánea (1994-1997), completando su formación en cursillos y talleres impartidos por Mikhail Baryshnikov, Alix Riga, María Muñoz, Pep Ramis, Àngels Margarit, Bárbara Kasprovich, Karemia Moreno, Jeremy Nelson, David Hernández, Matilde Monnier, Eugenio Balukin, José Ferran, Ramón Oller, Margarita Urbino, Víctor Ullate y Karine Saporta. Trabaja en compañías como el Ballet Joven de Alicante, dirigido por Pilar Sánchez, Cía. Pepe Espadero (Alicante), Cia. Roberto G. Alonso (Barcelona), Ballet Contemporáneo Barcelona, Cia. Avelina Argüelles (Barcelona), Cia. Selene Lux Dance dirigida por Janette Moreno y Pepe Hevia, Cia. Mudances dirigida por Àngels Margarit y Compañía de Santiago Sempere (Francia), además de trabajar en obras independientes con coreógrafos como Luc Bouy, Gigi Cacciuleanu y Antonio Canales, entre otros. Su necesidad de crear la lleva a formar el grupo Jacaranda (1997) junto a Gustavo Ramírez Sansano, dirigiendo el espectáculo Dansem, y será en 2000 cuando forme la Cia. Patas Arriba junto a Arancha Sagardoy. Junto a Gustavo Ramírez crea Entre (2003) para la Compañía Belga Passerelles, y Tiempos centrífugos, con el que obtuvieron el III Premio del Certamen Internacional 8 Masdanza. Otras de sus creaciones han sido {re}generación (espectáculo de calle) creado para la inauguración del Festival de Elche (2003) con música en directo de Amores Grup de Percussió y, junto a Arancha Sagardoy, Percudanza, espectáculo para niños. En 2004 ha sido nominada a los premios de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana como Mejor Intérprete en Congelado en el tiempo, coreografía de Ramón Oller.

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PROGRAMACIÓN POR ESPACIOS ESCÉ NICOS

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MADRID

CENTRO CULTURAL PACO RABAL–PALOMERAS BAJAS BILLY ELLIOT (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 8 de abril – 19.30 horas REA DANZA (tango contemporáneo) BUENOS AIRES… EL CIELO 15 de abril – 20.00 horas THE COMPANY (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 22 de abril – 19.30 horas SEVILLANAS (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 29 de abril – 19.30 horas BAILANDO EN LA OSCURIDAD (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 6 de mayo – 19.30 horas EL OTRO LADO DE LA CAMA (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 13 de mayo – 19.30 horas

CENTRO DE NUEVOS CREADORES LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 20, 21 y 22 de abril – 20.00 horas

CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES ESCUELA DE SIRENAS (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 5 de abril – 17.30 y 22.00 horas LOS TARANTOS (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 5 de abril – 19.30 horas NIJINSKY (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 12 de abril – 17.30 y 22.00 horas

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THE COMPANY (CICLO DE CINE LA CÁMARA COREOGRÁFICA) (largometraje) 12 de abril – 19.30 horas

CÍRCULO DE BELLAS ARTES (TEATRO FERNANDO DE ROJAS) REA DANZA (tango contemporáneo) BUENOS AIRES… EL CIELO 16 y 17 de abril – 19.00 horas

SALA CUARTA PARED ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES (danza contemporánea) SOLO POR PLACER 12, 13 y 14 de abril – 21.00 horas PROVISIONAL DANZA (danza contemporánea) THE END (HIROSHIMA) 19, 20 y 21 de abril – 21.00 horas TEATRO ALBÉ NIZ COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- (flamenco) CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA Del 6 al 10 de abril – del 6 al 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Del 6 al 23 de abril – los días de espectáculo, en horario de funciones (continuará, fuera de festival, hasta el día 29) BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA -elenco de primeros bailarines y solistas- (ballet neoclásico) SLINGERLAND PAS DE DEUX / SENSI / BEETHOVEN OPUS 73 / BOLERO/ ALLES WALZER 15, 16 y 17 de abril – días 15 y 16: 20.30 horas; y día 17: 19.00 horas COMPAÑÍA BLANCA LI (danza contemporánea) ALARME 21, 22 y 23 de abril – 20.30 horas

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TEATRO DE LA ABADÍA (SALA JOSÉ LUIS ALONSO) ROBYN ORLIN - CITY THEATRE AND DANCE GROUP (danza contemporánea) WHEN I TAKE OFF MY SKIN AND TOUCH THE SKY WITH MY NOSE, ONLY THEN CAN I SEE LITTLE VOICES

AMUSE THEMSELVES... 9 y 10 de abril – día 9: 21.30 horas; y día 10: 20.00 horas TERESA NIETO EN COMPAÑÍA (danza contemporánea) CONSUELO 22, 23 y 24 de abril – días 22 y 23: 21.30 horas; y día 24: 20.00 horas

TEATRO DE MADRID COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 8, 9 y 10 de abril – días 8 y 9: 20.30 horas; y día 10: 19.00 horas BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG (ballet contemporáneo) QUARTET # 10 / LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON 14, 15 y 16 de abril – 20.30 horas GALILI DANCE (danza contemporánea) ME 22, 23 y 24 de abril – días 22 y 23: 20.30 horas; y día 24: 19.00 horas TEATRO PRADILLO COMPAÑÍA MEGALÓ–TEATRO MÓVIL (danza contemporánea para público familiar) MIEDO 9 y 10 de abril – día 9: 17.00 horas; y día 10: 12.30 horas COMPAÑÍA FUEPALBAR (danza contemporánea) MORDRE À TRAVERS 13, 14 y 15 de abril – 20.30 horas

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MUNICIPIOS

ALCALÁ DE HENARES

ESCUELA DE ARQUITECTURA (SALÓN DE ACTOS) IRATXE ARANA / ÓSCAR DASÍ / LOSQUEQUEDAN / FÉ LIX FERNÁNDEZ / MIGUEL ÁNGEL MELGARES / IÑAKI IMAZ (Ciclo Cultivos de Danza) (videocreación) CONEXIONES 5 de abril – 18.30 horas

TEATRO LOPE DE VEGA MICHELLE MAN (Ciclo Cultivos de Danza) (danza contemporánea) CUATRO POR CUATRO 5 de abril – 19.30 horas DANIEL ABREU (Ciclo Cultivos de Danza) (danza contemporánea) SE ME ESCAPA ENTRE LOS DEDOS 7 de abril – 18.30 horas CRISTINA BLANCO (Ciclo Cultivos de Danza)(danza contemporánea-performance) CUADRADO-FLECHA-PERSONA QUE CORRE 7 de abril – 19.30 horas

ALCOBENDAS

TEATRO AUDITORIO CIUDAD DE ALCOBENDAS BALLET BIARRITZ (ballet neoclásico) CRÉ ATION 16 de abril – 20.00 horas

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ALCORCÓN

TEATRO MUNICIPAL BUERO VALLEJO LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 15 de abril – 21.00 horas

COLMENAREJO

TEATRO MUNICIPAL LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 9 de abril – 20.00 horas

COLLADO VILLALBA

CASA DE CULTURA LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 23 de abril – 19.00 horas

COSLADA

CENTRO CULTURAL LA JARAMILLA LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 16 de abril – 20.00 horas

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FUENLABRADA

CENTRO CULTURAL TOMÁS Y VALIENTE (TEATRO) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- (flamenco) El bazar de las ideas 23 de abril – 20.00 horas

GETAFE

TEATRO AUDITORIO FEDERICO GARCÍA LORCA DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. (danza urbana-hip hop) ORDEN DE APARICIÓN 9 de abril – 20.00 horas

LAS ROZAS DE MADRID

CENTRO CULTURAL (SALA FEDERICO GARCÍA LORCA) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 16 de abril – 20.00 horas

LEGANÉ S

CENTRO CÍVICO RIGOBERTA MENCHÚ LOSDEDAE (danza contemporánea) RECORRIDO… RECORRER 23 de abril – 19.30 horas

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MAJADAHONDA

CASA DE CULTURA CARMEN CONDE DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. (danza urbana-hip hop) ORDEN DE APARICIÓN 16 de abril – 20.30 horas

MÓSTOLES

CENTRO CULTURAL VILLA DE MÓSTOLES (TEATRO DE MÓSTOLES) DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. (danza urbana-hip hop) ORDEN DE APARICIÓN 8 de abril – 21.00 horas

TEATRO DEL BOSQUE COMPAÑÍA BLANCA LI (danza contemporánea) ALARME 24 de abril – 18.00 horas

PARLA TEATRO JAIME SALOM COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 24 de abril – 20.00 horas

PINTO

TEATRO MUNICIPAL FRANCISCO RABAL

BALLET BIARRITZ (ballet neoclásico) Création 15 de abril – 21.00 horas

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LOSDEDAE (danza contemporánea) RECORRIDO… RECORRER 16 de abril – 20.00 horas

POZUELO DE ALARCÓN

MIRA TEATRO COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 23 de abril – 20.00 horas

SAN LORENZO DE EL ESCORIAL

REAL COLISEO DE CARLOS III COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) (Ciclo Doble de Danza) (danza y música barroca) LA DANZA BARROCA Y LA CORTE. IV CENTENARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DE EL QUIJOTE 8, 9 y 10 de abril

día 8: 18.00 horas - Encuentro barroco día 9: 20.00 horas - QUIJOTESCOS (danza y música barroca) día 10: 12.30 horas - LOS REYES BAILONES (danza y música barroca para público familiar) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S -Compañía Residente en Torrelodones- (Ciclo Doble de Danza) (flamenco) FLAMENCO PARA TODOS 15, 16 y 17 de abril

día 15: 18.00 horas – Encuentro flamenco día 16: 20.00 horas – EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco) día 17: 12.30 horas – Las ideas de María sobre EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco para público familiar) AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA (Ciclo Doble de Danza) (danza contemporánea y percusión) RITMO Y DANZA CONTEMPORÁNEA 22, 23 y 24 de abril

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día 22: 18.00 horas – Encuentro rí tmico con el público día 23: 20.00 horas – TINAJAS (danza contemporánea y percusión) día 24: 12.30 horas – PERCUDANZA (danza contemporánea y percusión para público familiar)

SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS

TEATRO CINE MUNICIPAL DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. (danza urbana-hip hop) ORDEN DE APARICIÓN 15 de abril – 20.00 horas

SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES

TEATRO AUDITORIO MUNICIPAL ADOLFO MARSILLACH COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 17 de abril – 20.00 horas

TORREJÓN DE ARDOZ TEATRO MUNICIPAL JOSÉ MARÍA RODERO LARUMBE DANZA -Compañía Residente en Coslada- (danza contemporánea) MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) 24 de abril – 20.00 horas

VILLANUEVA DE LA CAÑADA

CENTRO CÍVICO EL CASTILLO COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO (flamenco) UNA MIRADA DEL FLAMENCO 15 de abril – 20.30 horas

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PROGRAMACIÓN POR ORDEN CRONOLÓGICO

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5 DE ABRIL ESCUELA DE SIRENAS (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: GEORGE SYDNEY MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 17.30 horas CONEXIONES (Ciclo Cultivos de Danza) (videocreación) Vídeocreadores: IRATXE ARANA, ÓSCAR DASÍ, LOSQUEQUEDAN, FÉ LIX FERNÁNDEZ, MIGUEL

ÁNGEL MELGARES e IÑAKI IMAZ ALCALÁ DE HENARES – Escuela de Arquitectura (Salón de Actos) – 18.30 horas CUATRO POR CUATRO (Ciclo Cultivos de Danza) (danza contemporánea) Coreografía: MICHELLE MAN ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 19.30 horas LOS TARANTOS (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: F. ROVIRA MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 19.30 horas ESCUELA DE SIRENAS (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: GEORGE SYDNEY MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 22.00 horas

6 DE ABRIL CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función

7 DE ABRIL SE ME ESCAPA ENTRE LOS DEDOS (Ciclo Cultivos de Danza) (danza contemporánea) Coreografía e interpretación: DANIEL ABREU ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 18.30 horas

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CUADRADO-FLECHA-PERSONA QUE CORRE (Ciclo Cultivos de Danza) (danza contemporánea-performance) Coreografía e interpretación: CRISTINA BLANCO ALCALÁ DE HENARES – Teatro Lope de Vega – 19.30 horas CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función

8 DE ABRIL LA DANZA BARROCA Y LA CORTE. IV CENTENARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DE EL QUIJOTE (Ciclo Doble de Danza) (danza y música barroca) Encuentro barroco COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 18.00 horas BILLY ELLIOT (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: STEPHEN DALDRY MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 19.30 horas CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas ORDEN DE APARICIÓN (danza urbana-hip hop) Compañía: DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. MÓSTOLES – Centro Cultural Villa de Móstoles (Teatro de Móstoles) – 21.00 horas

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9 DE ABRIL Miedo (danza contemporánea para público familiar) COMPAÑÍA MEGALÓ–TEATRO MÓVIL MADRID – Teatro Pradillo – 17.00 horas LA DANZA BARROCA Y LA CORTE. IV CENTENARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DE EL QUIJOTE (Ciclo Doble de Danza) Quijotescos (danza y música barroca) COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 20.00 horas MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA COLMENAREJO – Teatro Municipal – 20.00 horas ORDEN DE APARICIÓN (danza urbana-hip hop) Compañía: DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. GETAFE – Teatro Auditorio Federico García Lorca – 20.00 horas

CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función

UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas

WHEN I TAKE OFF MY SKIN AND TOUCH THE SKY WITH MY NOSE, ONLY THEN CAN I SEE LITTLE VOICES

AMUSE THEMSELVES… (danza contemporánea) Compañía: ROBYN ORLIN – CITY THEATRE AND DANCE GROUP MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 21.30 horas

10 DE ABRIL LA DANZA BARROCA Y LA CORTE. IV CENTENARIO DE LA PRIMERA EDICIÓN DE EL QUIJOTE (Ciclo Doble de Danza) Los reyes bailones (danza y música barroca para público familiar) COMPAÑÍA ESQUIVEL (DANZA & MÚ SICA) SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 12.30 horas

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MIEDO (danza contemporánea para público familiar) COMPAÑÍA MEGALÓ–TEATRO MÓVIL MADRID – Teatro Pradillo – 12.30 horas CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S MADRID – Teatro Albéniz – 19.00 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO MADRID – Teatro de Madrid – 19.00 horas WHEN I TAKE OFF MY SKIN AND TOUCH THE SKY WITH MY NOSE, ONLY THEN CAN I SEE LITTLE VOICES

AMUSE THEMSELVES… (danza contemporánea) Compañía: ROBYN ORLIN – CITY THEATRE AND DANCE GROUP MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 20.00 horas

12 DE ABRIL NIJINSKY (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: HERBERT ROSE MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 17.30 horas THE COMPANY (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: ROBERT ALTMAN MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 19.30 horas SOLO POR PLACER (danza contemporánea) Compañía: ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas NIJINSKY (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: HERBERT ROSE MADRID – Cine Estudio del Cí rculo de Bellas Artes – 22.00 horas

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13 DE ABRIL MORDRE À TRAVERS (danza contemporánea) COMPAÑÍA FUEPALBAR MADRID – Teatro Pradillo – 20.30 horas SOLO POR PLACER (danza contemporánea) Compañía: ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas

14 DE ABRIL

MORDRE À TRAVERS (danza contemporánea) COMPAÑÍA FUEPALBAR MADRID – Teatro Pradillo – 20.30 horas QUARTET # 10 / LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON (ballet contemporáneo) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas SOLO POR PLACER (danza contemporánea) Compañía: ÀNGELS MARGARIT / CIA. MUDANCES MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas

15 DE ABRIL FLAMENCO PARA TODOS (Ciclo Doble de Danza) (flamenco) Encuentro flamenco COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 18.00 horas ORDEN DE APARICIÓN (danza urbana-hip hop) Compañía: DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS – Teatro Cine Municipal – 20.00 horas BUENOS AIRES… EL CIELO (tango contemporáneo) Compañía: REA DANZA MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 20.00 horas

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MORDRE À TRAVERS (danza contemporánea) COMPAÑÍA FUEPALBAR MADRID – Teatro Pradillo – 20.30 horas UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO VILLANUEVA DE LA CAÑADA – Centro Cívico El Castillo – 20.30 horas QUARTET # 10 / LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON (ballet contemporáneo) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas SLINGERLAND PAS DE DEUX / SENSI / BEETHOVEN OPUS 73 / BOLERO/ ALLES WALZER (ballet neoclásico) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función CRÉ ATION (ballet neoclásico) Compañía: BALLET BIARRITZ PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 21.00 horas MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA ALCORCÓN – Teatro Municipal Buero Vallejo – 21.00 horas

16 DE ABRIL BUENOS AIRES… EL CIELO (tango contemporáneo) Compañía: REA DANZA MADRID – Cí rculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas) – 19.00 horas CRÉ ATION (ballet neoclásico) Compañía: BALLET BIARRITZ ALCOBENDAS – Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas – 20.00 horas FLAMENCO PARA TODOS (Ciclo Doble de Danza) El bazar de las ideas (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 20.00 horas

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UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO LAS ROZAS DE MADRID – Centro Cultural (Sala Federico García Lorca) 20.00 horas MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA COSLADA – Teatro La Jaramilla – 20.00 horas RECORRIDO… RECORRER (danza contemporánea) Compañía: LOSDEDAE PINTO – Teatro Municipal Francisco Rabal – 20.00 horas ORDEN DE APARICIÓN (danza urbana-hip hop) Compañía: DANI PANNULLO DANCETHEATRE CO. MAJADAHONDA – Casa de Cultura Carmen Conde – 20.30 horas QUARTET # 10 / LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON (ballet contemporáneo) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE GÖTEBORG MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas SLINGERLAND PAS DE DEUX / SENSI / BEETHOVEN OPUS 73 / BOLERO/ ALLES WALZER (ballet neoclásico) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función

17 DE ABRIL FLAMENCO PARA TODOS (Ciclo Doble de Danza) Las ideas de María sobre El bazar de las ideas (flamenco para público familiar) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 12.30 horas BUENOS AIRES… EL CIELO (tango contemporáneo) Compañía: REA DANZA MADRID – Cí rculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas) – 19.00 horas

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SLINGERLAND PAS DE DEUX / SENSI / BEETHOVEN OPUS 73 / BOLERO/ ALLES WALZER (ballet neoclásico) Compañía: BALLET DE LA ÓPERA DE VIENA MADRID – Teatro Albéniz – 19.00 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES – Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach – 20.00 horas

19 DE ABRIL

THE END (HIROSHIMA) (danza contemporánea) Compañía: PROVISIONAL DANZA MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas

20 DE ABRIL MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA MADRID – Centro de Nuevos Creadores – 20.00 horas THE END (HIROSHIMA) (danza contemporánea) Compañía: PROVISIONAL DANZA MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas

21 DE ABRIL MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA MADRID – Centro de Nuevos Creadores – 20.00 horas

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ALARME (danza contemporánea) COMPAÑÍA BLANCA LI MADRID – Teatro Albéniz –20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función THE END (HIROSHIMA) (danza contemporánea) Compañía: PROVISIONAL DANZA MADRID – Sala Cuarta Pared – 21.00 horas

22 DE ABRIL RITMO Y DANZA CONTEMPORÁNEA (Ciclo Doble de Danza) (danza contemporánea y percusión) Encuentro rí tmico Compañías: AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 18.00 horas THE COMPANY (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: ROBERT ALTMAN MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 19.30 horas MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA MADRID – Centro de Nuevos Creadores – 20.00 horas ALARME (danza contemporánea) COMPAÑÍA BLANCA LI MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función ME (danza contemporánea) Compañía: GALILI DANCE MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas CONSUELO (danza contemporánea) Compañía: TERESA NIETO EN COMPAÑÍA MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 21.30 horas

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23 DE ABRIL MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA COLLADO VILLALBA – Casa de Cultura – 19.00 horas RECORRIDO… RECORRER (danza contemporánea) Compañía: LOSDEDAE LEGANÉ S – Centro Cívico Rigoberta Menchú – 19.30 horas EL BAZAR DE LAS IDEAS (flamenco) COMPAÑÍA MARÍA PAGÉ S FUENLABRADA – Centro Cultural Tomás y Valiente (Teatro) – 20.00 horas RITMO Y DANZA CONTEMPORÁNEA (Ciclo Doble de Danza) Tinajas (danza contemporánea y percusión) Compañías: AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 20.00 horas UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO POZUELO DE ALARCÓN – Mira Teatro – 20.00 horas ALARME (danza contemporánea) COMPAÑÍA BLANCA LI MADRID – Teatro Albéniz – 20.30 horas DANZARINES (exposición fotográfica) Autor: ELÍAS LLAMAZARES MADRID – Teatro Albéniz – en horario de función ME (danza contemporánea) Compañía: GALILI DANCE MADRID – Teatro de Madrid – 20.30 horas CONSUELO (danza contemporánea) Compañía: TERESA NIETO EN COMPAÑÍA MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 21.30 horas

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24 DE ABRIL RITMO Y DANZA CONTEMPORÁNEA (Ciclo Doble de Danza) Percudanza (danza contemporánea y percusión para público familiar) Compañías: AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ Y CIA. PATAS ARRIBA SAN LORENZO DE EL ESCORIAL – Real Coliseo de Carlos III – 12.30 horas ALARME (danza contemporánea) COMPAÑÍA BLANCA LI MÓSTOLES – Teatro del Bosque – 18.00 horas ME (danza contemporánea) Compañía: GALILI DANCE MADRID – Teatro de Madrid – 19.00 horas CONSUELO (danza contemporánea) Compañía: TERESA NIETO EN COMPAÑÍA MADRID – Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso) – 20.00 horas MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA) (danza contemporánea) Compañía: LARUMBE DANZA TORREJÓN DE ARDOZ – Teatro Municipal José María Rodero – 20.00 horas UNA MIRADA DEL FLAMENCO (flamenco) COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO PARLA – Teatro Jaime Salom – 20.00 horas

29 DE ABRIL (fuera de la programación oficial del festival, continúa el ciclo de cine)

SEVILLANAS (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: CARLOS SAURA MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 19.30 horas

6 DE MAYO (fuera de la programación oficial del festival, continúa el ciclo de cine)

BAILANDO EN LA OSCURIDAD (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: LARS VON TRIER

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MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 19.30 horas

13 DE MAYO (fuera de la programación oficial del festival, continúa el ciclo de cine)

EL OTRO LADO DE LA CAMA (Ciclo de cine La Cámara Coreográfica) (largometraje) Dirección: EMILIO MARTÍNEZ LÁZARO MADRID – Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas – 19.30 horas

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DIRECCIONES Y PRECIOS

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MADRID CENTRO CULTURAL PACO RABAL–PALOMERAS BAJAS C/ Felipe de Diego, 11 Tel.: 91 507 97 40 www.madrid.org/clas_artes/intropal.htlm Cercanías Renfe: C 1, C 2 y C 7 (Asamblea de Madrid–Entrevías) Autobuses: 57 (desde Atocha); y 144 (desde Entrevías Asamblea) Precio: 8 €; grupos 5 €; Ciclo de cine 2 € CENTRO DE NUEVOS CREADORES C/ Doctor Fourquet, 31 Tel.: 91 539 85 59 Metros: Atocha y Lavapiés Autobuses: 27, 34, 36, 47 y 119 Reserva telefónica de entradas: 91 539 57 67 Precio: general 12 €; estudiantes 6 €; grupos a partir de 20 personas 8 € CÍRCULO DE BELLAS ARTES (Teatro Fernando de Rojas y Cine Estudio) C/ Marqués de Casa Riera, 2 Tel.: 91 360 54 08 www.circulobellasartes.com Metro Banco de España Autobuses: 5, 9, 15, 20, 51, 52, 53 y 150 Venta de entradas: Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: - Teatro Fernando de Rojas - 10 y 15 € - Cine Estudio - entrada libre hasta completar aforo SALA CUARTA PARED C/ Ercilla, 17 Tel.: 91 517 23 17 www.cuartapared.es Metro Embajadores; y Cercanías Renfe C 5 Autobuses: 27, 36, 60, 148 y Circular Venta de entradas: teatroentradas.com - 902 488 488; El Corte Inglés - 902 400 222; y FNAC Callao - 91 595 61 90 Precio: 10 €

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TEATRO ALBÉ NIZ C/ Paz, 11 Tel.: 91 531 83 11 www.madrid.org Metro Sol Autobuses: 3, 5, 15, 20, 50, 51, 52, 53 y 150 Venta de entradas: teatroentradas.com - 902 488 488 Precio: - Compañía María Pagés: butaca de patio 25 €; entresuelo 20 y 15 € - Ballet de la Ópera de Viena: butaca de patio 35 €; entresuelo 25 y 18 € - Compañía Blanca Li: butaca de patio 22 €; entresuelo 14 y 8 € Descuentos: 25% Carnet Joven, Carnet Mayores, Asociación Profesionales de la Danza y Conservatorios; 50% grupos a partir de 20 personas TEATRO DE LA ABADÍA (Sala José Luis Alonso) C/ Fernández de los Ríos, 42 Tel.: 91 448 16 27 www.teatroabadia.com Metro Quevedo Autobuses: 2, 16 y 61 Venta de entradas: Tel entradas Caja de Cataluña 902 10 12 12 y www.caixacat.es Precio: 19 € (para descuentos y convenios consultar con el teatro) TEATRO DE MADRID Avenida de la Ilustración, s/n Tel.: 91 730 17 50 www.teatrodemadrid.com Metros: Barrio del Pilar y Herrera Oria Autobuses: 49, 83, 128, 132 y 147 Venta de entradas: teatroentradas.com - 902 488 488 Precio: de 10 a 22 € Descuentos: Carnet Joven, mayores de 65, Tarjeta Amiga y grupos a partir de 20 personas TEATRO PRADILLO C/ Pradillo, 12 Tel.: 91 416 90 11 www.teatropradillo.com Metro Concha Espina (salida Plaza de Cataluña) Autobuses: 16, 29 y 52 Venta de entradas: teatroentradas.com - 902 488 488 Precio: 12 €

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MUNICIPIOS

ALCALÁ DE HENARES ESCUELA DE ARQUITECTURA (Salón de Actos) C/ Santa Ú rsula, 8 Entrada libre TEATRO LOPE DE VEGA C/ Trinidad, s/n Entrada libre Cercanías Renfe: C-1, C-2 y C-7

ALCOBENDAS TEATRO AUDITORIO CIUDAD DE ALCOBENDAS C/ Blas de Otero, 4 Tel.: 91 659 76 00 Autobuses: 151 y 153 (desde Plaza de Castilla) Venta de entradas: Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: 12 y 16 €

ALCORCÓN TEATRO MUNICIPAL BUERO VALLEJO Avenida de Pablo Iglesias, s/n Tel.: 91 664 84 62 / 85 02 Metrosur Alcorcón Central; y Cercanías Renfe C 5 Autobuses: 512 y 516 (desde Príncipe Pío) Venta de entradas: Tel entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: butaca de patio 9’30 €; anfiteatro 7,75 €, paraíso 6’20 € Descuentos: 50 % mayores de 65 y menores de 25 años, Carnet Joven, voluntarios culturales de Alcorcón, alumnos escuelas municipales y Universidad Juan Carlos I

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COLMENAREJO TEATRO MUNICIPAL C/ Inmaculada, 1 Tel.: 91 858 96 51 / 91 858 90 72 (Ayuntamiento) Autobús 631 (desde intercambiador de Moncloa) Precio: 3 €; mayores de 65 años 2 €

COLLADO VILLALBA CASA DE CULTURA C/ Real, 68 70 Tel.: 91 851 29 88 / 28 98 Cercanías Renfe (estación Villalba de Guadarrama): C 8, C 8a, C 8b y C 10 Autobús desde el intercambiador de Moncloa Precio: 6 €; Carnet Joven, Carnet Amigos de la Cultura, mayores de 65 años y menores de 14 años 4 €

COSLADA CENTRO CULTURAL LA JARAMILLA Avenida de la Constitución, 47 Tel.: 91 627 83 15 / 18 Cercanías Renfe C 1, C 2 y C 7a Precio: 6 € Descuentos: 50% para mayores de 65 y menores de 25 años

FUENLABRADA CENTRO CULTURAL TOMÁS Y VALIENTE (TEATRO) C/ Leganés, s/n Tel.: 91 492 11 28 / 91 608 48 48 Autobus 491 (desde Aluche) Cercanías Renfe C-5 (estación La Serna) Venta de entrada: Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: 12€

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GETAFE TEATRO AUDITORIO FEDERICO GARCÍA LORCA C/ Ramón y Cajal, 22 Tel.: 91 601 89 74 Metrosur Getafe Centro; y Cercanías Renfe C 4 (Getafe Centro) Precio: 3 €

LAS ROZAS DE MADRID CENTRO CULTURAL (Sala Federico García Lorca) C/ Principado de Asturias, 28 Tel.: 91 637 64 96 Autobuses: 621 y 622 (desde intercambiador de Moncloa) Venta de entradas: Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: 7 €

LEGANÉ S CENTRO CÍVICO RIGOBERTA MENCHÚ Avda. de Juan Carlos I, 100 Tel.: 91 248 96 10 Metrosur Julián Besteiro; y Cercanías Renfe C-5 (Zarzaquemada) Autobuses: 481, 484 y 485 (desde Oporto); y 483, 491 y 492 (desde Metro Aluche) Precio: 4’5 €; jubilados 2 €

MAJADAHONDA CASA DE CULTURA CARMEN CONDE Plaza de Colón, s/n Tel.: 91 634 91 19 Cercanías Renfe: C 7a y C 10

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Autobuses: 561 (desde Aluche); y 652, 653 y 655 (desde intercambiador de Moncloa) Precio: planta baja 10 €; planta alta 8 €

MÓSTOLES CENTRO CULTURAL VILLA DE MÓSTOLES (Teatro de Móstoles) Plaza de la Cultura, s/n Tel.: 91 664 76 24 Metrosur: Móstoles Central y Pradillo; y Cercanías Renfe C-5 Autobuses: 522 y 523 (desde Príncipe Pío) Venta anticipada en taquilla y Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: 5 € TEATRO DEL BOSQUE C/ Sevilla, 16 Tel.: 91 664 50 64 Cercanías Renfe C-5 Venta anticipada en taquilla y Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Precio: 9 € patio de butacas; 7 € anfiteatro

PARLA TEATRO JAIME SALOM C/ San Antón, s/n Tel.: 91 605 41 42 / 91 624 03 00 (Ayuntamiento) Cercanías Renfe C-5 Precio: 2’50 €

PINTO TEATRO MUNICIPAL FRANCISCO RABAL C/ Sagrada Familia, 3 Tel.: 91 248 38 01 Cercanías Renfe C 3 Precio: 6 €; pensionistas 3 €

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POZUELO DE ALARCÓN MIRA TEATRO Camino de las Huertas, 42 Tel.: 91 762 83 00 Autobuses: 656 y 656a (desde intercambiador de Moncloa); y Cercanías Renfe: C-7, C-7a y C-10 Venta de entradas: El Corte Inglés - 902 400 222, www.elcorteingles.es y en los centros comerciales Precio: 15 €

SAN LORENZO DE EL ESCORIAL REAL COLISEO DE CARLOS III C/ Floridablanca, 20 Tel.: 91 890 44 11 www.madrid.org Cercanías Renfe C 8a Autobús desde intercambiador de Moncloa Venta de entradas: teatroentradas.com 902 488 488 Precio: de 4 a 7’50 €

SAN MARTÍN DE VALDEIGLESIAS TEATRO CINE MUNICIPAL C/ Fuente, 4 Tel.: 91 861 24 20 Autobús Cevesa (desde Príncipe Pío) Precio: adultos 5 €; jóvenes y tercera edad 3 €

SAN SEBASTIÁN DE LOS REYES TEATRO AUDITORIO MUNICIPAL ADOLFO MARSILLACH Avda. Baunatal, 18

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Tel.: 91 658 89 90 Autobuses: 152a y 154c (fines de semana) (desde Plaza de Castilla) Venta de entradas: Tel-entradas Caja Cataluña - 902 10 12 12, www.telentrada.com, en taquilla venta anticipada de miércoles a viernes de 18:00 a 19:00 y el mismo día de la función desde dos horas antes (si quedan localidades) Precio: 12 € Descuentos: 50% para Carnet Amigos del Teatro; y 25% para mayores de 65 años y menores de 25 años

TORREJÓN DE ARDOZ TEATRO MUNICIPAL JOSÉ MARÍA RODERO C/ Londres, 3 Tel.: 91 677 22 34 / 35 y 91 677 23 10 Autobus 224 (desde intercambiador de Avenida de América) Venta de entradas: Tel-entradas Caja de Cataluña - 902 10 12 12 Horario taquilla: de jueves a domingo de 18 a 20 horas Reserva telefónica: 91 677 22 35 (de jueves a domingo de 16 a 18 horas; y sábados y domingos también de 12 a 14 horas) Cercanías Renfe: C-1, C-2 y C-7a Precio: por confirmar

VILLANUEVA DE LA CAÑADA CENTRO CÍVICO EL CASTILLO C/ Valle de Esteribar, s/n (Urbanización Villafranca del Castillo) Tel.: 91 815 22 50 Autobuses: 626 y 627 (desde Intercambiador de Moncloa); y 581 (desde Méndez Álvaro) Precio: 6 € Descuentos: 50 % para jubilados, pensionistas y Carnet Joven