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UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA NACIONAL
UNIDAD 092 AJUSCO
LICENCIATURA EN PEDAGOGÍA
COMO INFLUYE LA FALTA DE CREATIVIDAD DEL DOCENTE EN EL NIÑO DE PRIMARIA
T E S I S
QUE PARA OBTENER EL TITULO DE: LICENCIADA EN PEDAGOGÍA
P R E S E N T A N :
YADIRA LUNA MENDOZA
VERÓNICA MONTSERRAT PÉREZ REYES
ASESORA: PROF. MARÍA EUGENIA TOLEDO H.
MÉXICO D.F., ABRIL 2005
Índice
Pág.
Introducción……………………………………………………………………………………………….. 2
Capitulo I. ¿Qué es un docente creativo?
1.1 ¿Qué es creatividad?.......................................................................... 5
1.2 ¿Se puede desarrollar la creatividad?................................................... 7
1.3 ¿Qué es un docente?......................................................................... 10
Capitulo II. Obstáculos y alternativas para desarrollar la creatividad
del docente……………………………………………….………………………………………………. 18
2.1 Bloqueos emocionales o psicológicos……………………………………………. 19
2.2 Bloqueos socioculturales……………………………………………………………… 22
2.3 Obstáculos en el ámbito escolar…………………………………………………… 23
2.4 Alternativas y técnicas para fomentar la creatividad en el docente…… 25
Capitulo III. Una alternativa: La influencia del arte en el desarrollo de la
creatividad del docente de primaria.
3.1 Contexto: arte y museo………………………………………………………………. 44
3.2 Consecuencias por la falta de creatividad en el arte por parte del
docente de primaria y su influencia en los alumnos…………………………….......…. 50
Capitulo IV. Una propuesta pedagógica para desarrollar la creatividad
en la docencia…………………………………………………………………………………………… 57
Conclusiones................................................................................................. 73
Bibliografía................................................................................................... 77
Anexos………………………………………………………………………………………………………. 87
2
Introducción
La concepción que diversos autores dan a la palabra creatividad se encuentra
relacionada con la generación de ideas nuevas e innovadoras, el gran número de
definiciones existentes coinciden en que la creatividad es algo novedoso y original,
es una forma nueva además de brillante para dar soluciones a un problema.
La creatividad es una habilidad que poseemos todos los seres humanos desde
siempre, forma parte de la vida cotidiana de los sujetos y es una herramienta
importante para la transformación de la vida del hombre, es decir, la creatividad
esta presente en fábricas, oficinas, hogares, en todas aquellas nuevas tecnologías
que existen debido a la gran capacidad creadora de distintitos seres humanos. La
creatividad también favorece la educación y el aprendizaje de los individuos a
través de nuevas técnicas y recursos creativos utilizados por los docentes para
impartir sus clases.
Hoy en día, es necesario tomar en cuenta que la creatividad puede ser de gran
utilidad dentro de los salones de clases, ya que puede favorecer el desempeño
laboral de los docentes y el aprendizaje de los niños al brindar clases de alta
calidad llenas de creatividad. El docente durante el ciclo escolar realiza actividades
llenas de contenidos académicos, lo cual frena su propia creatividad y sin darse
cuenta obstaculiza también la creatividad de sus alumnos. El docente no considera
que los pequeños por su edad son activos, dinámicos y ansiosos, este por medio
de regaños y represiones trata de integrar a sus alumnos al trabajo que día con día
realiza en el salón de clases.
Por lo anterior consideramos que se debe utilizar la creatividad como una
alternativa para las clases que se imparten a nivel primaria, para de esta forma
eliminar el trabajo cotidiano del docente el cual resulta aburrido para los alumnos,
3
y así lograr el interés de los niños al alcanzar una actitud de cambio y gusto por las
clases creativas e innovadoras que pueden llegar a impartir sus profesores.
Por lo tanto, decidimos realizar un trabajo que surge de la reflexión sobre cómo el
docente al no desarrollar su creatividad, puede llegar a influir negativamente tanto
en el aprendizaje del niño como en el desarrollo de su creatividad.
A fin de realizar tal reflexión, lo primero que abordaremos serán los conceptos de
creatividad y de docente, ya que es fundamental profundizar en ellos, pues son los
que estructuran todo el presente trabajo, así también sus distintas concepciones,
retomando la de algunos autores como Ullman, Mauro Rodríguez, por mencionar
algunos, en cuanto a creatividad se refiere, así como también Elsie Rockwell que
nos mostrará una concepción del docente que no se toma en cuenta, el de un
docente como persona, además se manejará la idea de Freinet sobre cómo debería
ser un docente o un buen docente, cabe mencionar que dentro del capitulo I
abordaremos tres de las características de un sujeto creativo que son: la fluidez, la
flexibilidad y la originalidad.
Posteriormente formularemos alternativas que ayuden al docente y al alumno a
superar los bloqueos psicológicos y socioculturales y los obstáculos que se
presentan en el ámbito escolar, los cuales pueden ocasionar que la enseñanza no
sea significativa en el alumno. Esto es importante porque tales bloqueos y
obstáculos impiden el despliegue de la creatividad tanto del docente como del
alumno. Algunas de estas alternativas son el realizar distintas actividades
desarrolladas durante el capitulo II y que tienen como finalidad el permitir a los
sujetos reflexionar y superar básicamente los bloqueadores u obstáculos que les
impiden el desarrollo de su creatividad.
Más adelante, retornaremos e! concepto arte y museo ya que es una alternativa
para el desarrollo de la creatividad y por tanto, un medio importante para la
4
enseñanza, pero también la importancia que tiene la creatividad para la enseñanza
y aprendizaje básicamente del arte, pues la falta de creatividad, por parte del
docente, influye en forma significativa en el alumno.
El propósito de éste trabajo es contribuir a que el docente desarrolle, de mejor
manera, su creatividad, mediante la superación de los bloqueos y obstáculos. Así,
les será posible abrir mejores posibilidades para que sus alumnos desplieguen su
creatividad, a partir de favorecer en ellos y contribuir con aprendizajes
significativos, por lo tanto para la culminación de este trabajo realizamos una
propuesta en la cual se llevara a cabo un taller que favorezca el desarrollo de la
creatividad del docente, denominado “Las paredes hablan”, el cual favorece
básicamente al desarrollo de la creatividad en la enseñanza del arte, para lo
anterior retomaremos algunas actividades del capitulo II.
5
Capítulo I
¿Qué es un docente creativo?
1.1 ¿Qué es creatividad?
En el presente apartado se pretende dar a conocer el significado de la palabra
creatividad para, de este modo, poder plasmar con nuestras propias palabras una
concepción propia de este término. A fin de cumplir con dicho objetivo hemos
recopilado diversos conceptos que diferentes autores manejan en sus obras con
respecto al concepto a estudiar.
¿Qué entendemos cuándo escuchamos la palabra creatividad? La respuesta que
nos viene a la mente, es el poder crear algo nuevo. Tal vez algo fuera de lo
común. Creatividad es innovar en nuestra forma de pensar, en la forma de
aprender y, porqué no, en la forma de enseñar.
Para fundamentar la idea anterior reflexionaremos sobre las concepciones que
algunos autores tienen sobre la de creatividad.
De acuerdo con Ulmann, “Creatividad es la capacidad humana de producir
contenidos mentales de cualquier tipo que, esencialmente, pueden considerarse
como nuevos y desconocidos para quienes lo producen”1. Dicho de otra manera
pero conservando la misma esencia que Ulmann, Barrón expresa que “Se puede
definir la creatividad de forma bastante simple, como la capacidad de aportar algo
nuevo a la existencia”2
1 Ulmann, Gisela. Creatividad. Ediciones. RINP. Madrid. 1972. p.101 2 Barron Frank. Personalidad creadora y proceso creativo. Editorial Marova. Madrid. 1976. p.22
6
Gilda Waisbourd considera que la creatividad es “…hacer algo nuevo, es
transformar los elementos, es inventar, es ser original.”3. Waisbourd al igual que
los autores anteriores coinciden con la idea o la concepción acerca de que el
término creatividad o la particularidad de éste tiene que ver con la invención de
algo nuevo, de algo innovador. De la misma manera, Michelle Shea citada por
Longoria concuerda con las definiciones anteriores, al considerar que “La
creatividad es… ver algo que todavía no existe.”4
Para Mauro Rodríguez, la palabra creatividad significa “…producir cosas nuevas y
valiosas…” 5 definición que coincide con lo que se ha planteado hasta el momento.
Compartimos con Rodríguez, que la creatividad es valiosa e importante, debido a
que ésta puede contribuir a la generación y consolidación de conocimientos en
todo sujeto. En cierta forma, la creatividad puede llegar a suavizar o flexibilizar los
procesos de enseñanza y aprendizaje tanto en el maestro como en el alumno. Esto
es así ya que al utilizar diferentes estrategias para enseñar a los educandos, el
trabajo de los docentes puede llegar a facilitarse al poder encontrar nuevas formas
para brindar conocimientos a sus alumnos y de esta manera los niños pueden
aprender los contenidos de forma atractiva y divertida.
Carlos Aguilar plantea que la creatividad es “…la habilidad para obtener nuevas
ideas que sean de utilidad y que sirvan para un fin deseado…”6. Esto significa que
creatividad, además de tener por características el crear y el ser original, también
tiene como finalidad ser útil en algún aspecto. Así mismo, la creatividad lleva
siempre consigo una intención, un objetivo que pueda contribuir o favorecer el
desarrollo y comprensión, de algo que se desea.
3 Waisburd, Gilda. Creatividad y transformación. Editorial Trillas. México. 1999. p.41 4 Longoria Ramírez, Ramón. Pensamiento creativo. Editorial CECSA. México. 2001. p.127 5 Rodríguez Estrada, Mauro. Manual de creatividad. Siglo XXI. México. 1993. p.22 6 Aguilar Gardner, Carlos. La creatividad y el proceso creativo. Editorial Edamex. México. 1980 p.13
7
De acuerdo con el diccionario, creatividad es “Neologismo creado para designar un
aspecto de la personalidad característico del artista, del descubridor, el inventor.
La creatividad corresponde a un tipo de pensamiento abierto, siempre pronto para
imaginar gran número de soluciones”7
Por lo tanto, creatividad es innovar, crear cosas nuevas, hacer uso de la
imaginación para que la educación llegue a favorecer, dentro del salón de clases,
un pensamiento abierto, a partir del cual sea posible imaginar múltiples soluciones
a un problema, así como crear cosas nuevas.
A manera de conclusión, podemos decir que creatividad es la habilidad que
poseemos todos los seres humanos. Ésta, la desarrollamos a lo largo de nuestras
vidas y consiste en innovar, crear cosas nuevas, hacer uso de la imaginación. La
creatividad es un espacio en nuestra mente que, de manera espontánea, permite
construir alternativas y soluciones novedosamente para alguna situación o
complicación que llega a suscitarse.
1.2 ¿Se puede desarrollar la creatividad?
En el primer apartado explicamos el significado que diferentes autores dan a la
palabra creatividad, de igual forma, presentamos la relación o el parecido que
existe entre todas las concepciones manejadas anteriormente. Ahora al tener un
propio concepto de creatividad apoyado en las ideas de los autores mencionados
nos hacemos la siguiente pregunta ¿Se puede desarrollar la creatividad? Para
contestar esta cuestión dedicaremos el presente apartado, el cual consistirá en
manejar algunos aspectos que retomamos de los escritores pertinentes. De este
modo esclareceremos nuestra duda.
El desarrollo de la creatividad está dado no únicamente por el coeficiente
intelectual que cada individuo posee, sino también por el contexto que lo rodea,
7 Diccionario de Psicología y Pedagogía. Ediciones Euro-México. México. 2002. p.124
8
así como por los recursos materiales y económicos con los que cada sujeto cuenta.
Es decir, “Ejercitar el pensamiento creador no es un lujo propio de unas minorías,
ni se circunscribe a los ratos de ocio. Es desarrollar una dimensión profunda de la
persona. Es pensar en el futuro.”8Según Allen, citado por De La Torre menciona
otros puntos en el desarrollo de la creatividad son los “…adiestramientos y la
práctica…”9
Un ejemplo claro de los puntos anteriores, lo tenemos en el libro de Elsie
Rockwell(10), en el cual se dice que el docente, día a día, tiene que innovar para
poder enseñar cada uno de los temas planteados en los planes y programas de
estudio, es decir, tiene que usar su creatividad para poder adaptar los contenidos
al contexto en el que se encuentra. Podemos darnos cuenta que éste es un caso
en el que la creatividad es desarrollada a través de la práctica. Entonces podemos
decir que la creatividad se puede desarrollar por medio de la práctica. Pero
también se puede utilizar el adiestramiento para encaminar al sujeto hacia dicho
fin.
De acuerdo con lo que se trató en el apartado anterior la creatividad si puede ser
desarrollada siempre y cuando se tomen en cuenta los factores que forman parte
de ésta y sean trabajados adecuadamente mediante técnicas que ayudarán al
desarrollo de dicha creatividad.
Por tanto la creatividad se puede desarrollar a través de la enseñanza. Esto es así
porque como señala Robert Crawford “Decir que el proceso de pensamiento
creador no se puede enseñar es tan tonto como decir que no se puede enseñar la
8 Jiménez Guerrero, Antonio. Enseñar a pensar. Ediciones Palabra. S.A. Madrid. 1994. p.176 9 De la Torre, Saturnino. Educar en la creatividad. Editorial Narcea. Madrid. 1987. p.111 (10 ) Rockwell, Elsie. Ser maestro estudio sobre el trabajo docente. Ediciones El Caballito. México. 1985.
9
medicina o la ingeniería”.11 Se entiende, entonces, que el desarrollo de la
creatividad puede realizarse a través de la enseñanza, de los conocimientos y de
los aprendizajes que los sujetos reciben por parte de los docentes en el tiempo en
el que permanecen en las aulas de las escuelas, además de la ayuda que reciben a
través de su entorno al realizar sus tareas u otras actividades.
Desde este punto de vista, la creatividad se desarrolla a lo largo de la vida de los
sujetos, es decir, a través de la enseñanza que reciben de todas las personas que
rodean al docente, desde su niñez hasta su desempeño laboral.
Por lo tanto, podemos decir que la creatividad se encuentra en el interior de cada
sujeto, sólo hace falta un pequeño impulso para que ésta salga a flote. De manera
metafórica, podemos decir que “La creatividad es como la electricidad, siempre
esta ahí, pero necesita conectarse y encenderse y, en ocasiones, producir la
corriente poderosa lleva tiempo”12. Además, para que salga a relucir, se requiere
de paciencia, ya que el desarrollo de la creatividad lleva tiempo y esfuerzo. Esto es
así debido a que “El desarrollo de la creatividad no ha de reducirse al dominio de
técnicas llamadas creativas, ni a la mera espontaneidad…”13. Dicho de otra forma a
fin de desarrollar la creatividad no se requiere únicamente de técnicas atractivas o
ingeniosas, el desarrollo de la creatividad implica estimular características que
forman parte de un sujeto creativo.
Una primera característica es la fluidez la cual Francisco Mechen considera como
la “…habilidad que permite emitir un rápido flujo de ideas; pensar en más cosas,
ideas, preguntas, respuestas o soluciones ante un hecho o problema
determinado”14. Entonces, la fluidez se refiere a la capacidad de generar una
11 Crawford, Robert. “Las técnicas de la creatividad” en Estrategias para la creatividad. De Gary a. Davis. Editorial Paidos. Buenos Aires. 1975. p.24 12 Menchen Bellon, Francisco. Descubrir la creatividad. Editorial Pirámide. Madrid. 1998. p.186 13 De la Torre Saturnino. Creatividad y formación. Editorial Trillas. México. 1999. p.115 14 Manchen Bellon, Francisco. Op. cit. p.77
10
cantidad considerable de ideas o respuestas novedosas a planteamientos
establecidos.
La segunda característica es la flexibilidad, la cual se refiere a contar con una
visión muy amplia o diferente de lo que se está acostumbrado, es decir, se refiere
a contar con diferentes propuestas y respuestas, las cuales nos puedan brindar
diversas alternativas para poder seleccionar la más atractiva. Según Ricardo Marín,
“…la monotonía implica una falta de imaginación que invalida lo que a primera
vista podría parecer exuberancia y energía”15
La tercera característica que se debe estimular para desarrollar la creatividad es la
originalidad, Marín considera que es “La primera nota por la que suele
caracterizarse la capacidad creadora”16. Esta implica pensar en ideas que nunca a
nadie se le han ocurrido, además de visualizar de una manera diferente, los
problemas que se puedan presentar lo cual provocará en la mente de los sujetos
la posibilidad de encontrar respuestas innovadoras a problemas y contratiempos
que se puedan llegar a presentar.
A manera de conclusión podemos decir que la creatividad si puede ser
desarrollada, pero que el despliegue de ésta depende de la estimulación de las
características mencionadas presentes en los sujetos.
1.3 ¿Qué es un docente?
Lo que pretendemos con este apartado es apoyarnos en diferentes términos
planteados por varios autores acerca de lo que significa la palabra docente,
además de las implicaciones que ésta lleva consigo. A lo largo del apartado
también manejamos las conceptualizaciones de docente tradicional y docente
15 Marin Ibáñez, Ricardo. La creatividad en la educación. Cuadernos pedagógicos. Editorial Kapelusz. Argentina. 1974. p.6 16 Idem
11
activo, las cuales pueden funcionar como una base para darnos cuenta de qué
tanto puede influenciar el docente la creatividad en el niño de primaria, mediante
el desarrollo de una enseñanza creativa por parte del docente.
Para entrar en materia es posible plantear que un docente es el encargado de
estar frente a un grupo de personas, y que tiene como finalidad enseñar saberes y
conocimientos. Se considera como un mediador entre el conocimiento y el alumno,
pero esto no significa que el maestro tenga como única función proporcionar
conocimientos a sus alumnos sino que él también está abierto a la posibilidad de
aprender.
Si recurrimos a un diccionario, la palabra docente significa “Persona que se dedica
a la enseñanza”17. Con esta definición podemos reafirmar lo que ya hemos
comentado con anterioridad. Tal definición apunta a la idea que se tiene del
significado de ejercer la docencia como un trabajo en el que las personas que lo
realizan únicamente son vistas desde un sólo ángulo, pues se consideran como
personas que llevan por oficio enseñar. Sin embargo, si sólo tomamos esta
definición la concepción de docente quedaría demasiado restringida, por tal
motivo, desde nuestra visión, queremos conocer y reconstruir un concepto que
vaya más lejos de los que hasta este momento se han planteado con respecto a la
definición de docente.
Según Elsie Rockwell “…ser maestro es, primero que nada, un trabajo, y que como
tal depende en gran medida de las condiciones dentro de las cuales se desarrolla,
de las restricciones materiales y de la estructura institucional que delimita su
ámbito propio”18
17 Diccionario Inverso Ilustrado. Reader’s Digest. México, 1992. p.219 18 Rockwell, Elsie. Op. cit. p.9
12
Entonces, ser docente no es únicamente tener y obtener conocimientos científicos
y empíricos, la profesión del docente también es considerada como un trabajo, en
el cual por desempeñar una función se recibe un sueldo a cambio de realizar una
labor sin importar si el desempeño es bueno o malo. Por lo tanto, podemos decir
que ser docente significa desempeñar una labor como transmisor de
conocimientos, la cual es remunerada económicamente día con día.
Elsie Rockwell también plantea un significado diferente para la palabra docente
“…el maestro como trabajador, es a la vez sujeto; es un ser humano que ordena
sus propios conocimientos, recursos y estrategias para hacer frente,
cotidianamente a las exigencias concretas que se le presentan en su quehacer”19.
Dicho de otro modo podemos definir la palabra docente, como el encargado de
proporcionar conocimientos a alguien más, con la intención de brindarlos como un
aprendizaje nuevo o reforzarlos a través del uso de una metodología personal.
Al aceptar esta definición tal cual sin realizar aportaciones propias o anexos
dejaríamos de lado otras de las implicaciones del ser docente, no sólo en el ámbito
educativo sino también en el contexto en el que se desarrolla como docente, en el
que también se relaciona, y en el que vive día a día nuevas experiencias.
A fin de ampliar la perspectiva del ser docente, recuperamos a Mitchell y Kerchner
quienes le dan significado a la palabra docente dependiendo de la función que
dicho sujeto desarrolle:
a) Como trabajador: en la escuela
b) Como artesano: en la selección y aplicación de estrategias de enseñanza
c) Como artista: en la creatividad personal y la autonomía que puede lograr
19 Ídem
13
d) Como profesional: en la autorreflexión y el análisis de las necesidades del
alumnado, con la responsabilidad de las decisiones curriculares20
A estas funciones agregamos una quinta, descrita por Elsie Rockwell, referida al
docente como sujeto, el cual “…es considerado como persona con razones,
intereses y reflexiones propias…”21, ya que antes de ser docente y estar frente a
un grupo, es un ser humano como cualquier otro.
Entonces, el docente es una persona que va organizando todo lo que ha aprendido
a lo largo de su carrera, lo pone en orden dentro de su cabeza haciendo uso de lo
más relevante en su profesión. Puede llegar a adoptar la forma de desarrollar y
llevar a cabo una clase, hacer uso de técnicas y estrategias que utilizó alguno de
sus maestros y con lo cual marcó su vida como estudiante, es decir, parte de ser
docente es adoptar experiencias del pasado con lo cual puede realizar
satisfactoriamente la actividad a la que día a día se enfrenta.
Es trascendental no olvidar que no debemos tomar como única alternativa que un
docente es aquel que vive dentro del aula solo para enseñar, sería mejor que al
escuchar la palabra docente se pensara en un ser humano, una persona, un sujeto
que no sólo enseña sino que también aprende de los que lo rodean, es una
persona que día a día se encuentra en constante formación y en constante lucha
para afrontar los retos que se le presentan.
Por tanto, es importante poder mantener en la mente que un docente es una
persona que, a través del tiempo, lucha por innovar y crear nuevas actividades que
puedan favorecer el aprendizaje de los alumnos hacia los contenidos que a él le
toca transmitir, con lo cual su trabajo, aumenta.
20 Imbernón, Francisco. La formación y el desarrollo profesional del profesorado. Hacia una nueva cultura profesional. Editorial Grao. España. 2002. 18-19 pp. 21 Rockwell, Elsie. Op. Cit. p.111
14
Debemos estar conscientes de que el docente es aquel que trabaja más de las
horas establecidas realizando otras actividades, como calificar exámenes, revisar
cuadernos, etc., además de las de enseñar a sus alumnos. Podemos decir,
entonces, que un docente es un ser humano que por vocación y pasión realiza
largas jornadas de trabajo dedicando gran parte de su vida a compartir nuevos
conocimientos, a aprender nuevos saberes dentro y fuera de su área de trabajo,
así como a innovar y crear nuevas técnicas y estrategias de enseñanza y
aprendizaje.
Partiendo de la idea de Freinet sobre el docente podemos decir que “Ser un buen
docente significa ante todo, saber volverse niño y ponerse al nivel del niño…”22 ya
que es muy importante antes de todo, que el docente conozca las necesidades del
niño para poder saber cómo deberá ser su forma de enseñanza y desde dónde
debe de partir.
Pero que ocurre cuando el docente no es como se describió anteriormente. Si no
es así se le considera un docente tradicional, pero ¿a qué nos referimos con esto?
A la manera en la que algunos de los docentes imparten sus clases y se comportan
frente a un grupo, es decir, un docente tradicional “…se limita a instruir, a
adiestrar…decide previamente los caminos por los que el niño debe ir y la forma
que debe de tener el edificio de sus conocimientos…”23 De la misma manera
“…apunta a consolidar y a justificar las prácticas escolares de obediencia pasiva y
de instrucción dogmática”24
Ser un docente tradicionalista, significa también ser autoritario. Este vocablo
implica establecer reglas que puedan llegar a desfavorecer el comportamiento de
22 Freinet, Elsie. ¿Cuál es el papel del maestro? ¿Cuál es el papel del niño? Editorial Laila. Barcelona 1982. p.5 23 Palacios, Jesús. La educación en el siglo XX. Editorial Laboratorio educativo. Venezuela. 1997. p.130 24 Freinet, Celestin. Los métodos naturales. 1 Aprendizaje de la lengua. Editorial Fontanella. España. 1979. p. 38
15
los alumnos ya que en lugar de ser participativos se vuelven pasivos. Es decir,
“…esta forma de impartir conocimientos puede fomentar la pasividad, propiciar la
dependencia, e inmovilizar el proceso de aprendizaje”25 en los niños.
En lugar de ser un docente tradicionalista, retomando las ideas de Freinet,
podemos decir que el docente debe de ponerse en el lugar del niño, pero también
para que el niño pueda tener un mejor aprendizaje es necesario que el docente le
de libertad de expresar sus ideas. Por lo tanto un docente tradicional que sólo
indica lo que debe hacer el alumno está bloqueando esa libertad de poder
expresarse, cuando en realidad “el papel del maestro es el de director de escena y
sólo intervendrá entre bastidores y con sordina, para consumar la obra maestra.”26
Ahora bien habría que pensar hasta dónde puede llegar esa libertad puesto que si
se diera en su totalidad, no se podría llegar a un aprendizaje general entre todos
los alumnos ya que todos aprenderían lo que quisieran y si se llegara a tener algún
error no se podría corregir. En este caso, el docente “…puede acudir en ayuda
del niño proporcionándole sus propias ideas cuando se produce algún bache que
debilita la inspiración infantil y el interés por el trabajo… también haciendo
observaciones encaminadas a darle vía libre a esa inspiración”27
Entonces, ser docente no significa que todos aquellos sujetos que se dedican a
enseñar lo hagan bajo un método tradicionalista y, por tanto, difundan una
educación basada en el dogma. Freinet considera que “…el maestro era antes un
predicador que daba lecciones de dignidad y amor filial pero que golpeaba a veces
ferozmente a sus hijos…”28. Sin embargo, continúa Freinet, “Todo esto tiene que
desaparecer. En lugar de ser un predicador o un censor, el maestro tiene que
saber promover su papel eminentemente, auxiliar, su papel de catalizador y
25 Santoyo, Rafael. Revista de perfiles educativos. N. 11. CISE-UNAM. México. 1981. p.2 26Freinet, Elsie. Op. cit. p.26 27 Ibídem. p. 33 28 Palacios, Jesús. Op. Cit. p.135
16
armonizador, de ayudante que colabora con los niños a someter los obstáculos y
conservar el entusiasmo y la iniciativa…”29
Para dejar atrás la perspectiva que se tiene acerca de que ser docente es ser
tradicional, tomaremos otra idea de Freinet, quien considera que “…el papel del
docente”30 consiste en “…ser ayudante que colabora con el niño y a someter los
obstáculos y conservar el entusiasmo y la iniciativa; tiene que saber preparar en
un medio rico y favorable, los alimentos que se ajusten mejor a las apetencias de
los alumnos; tiene que trabajar las barreras que se deben saltar y graduar los
escalones que se deben subir facilitando recursos y suprimiendo obstáculos…”31
Consideramos que la forma activa del docente, es decir, la que deja de lado la
mera transmisión de conocimientos y el dogmatismo para dar paso a una
enseñanza creativa es la más adecuada porque permite influir de manera positiva,
en el aprendizaje de los niños de primaria.
Tal influencia de un docente activo se debe a que de forma creativa y anticipada
prepara su clase, integra ideas y técnicas innovadoras para desarrollarla. De esta
manera, dejar a un lado el dogmatismo y la mera transmisión de conocimientos, es
decir, abandona toda esa serie de creencias que se tiene acerca de que el único
portador del conocimiento es el maestro y que sólo lo que él dice es la verdad y
nadie tiene porqué decir lo contrario o dar su opinión con respecto a algún tema.
También dejará de enseñar con violencia a sus alumnos al pegar con una regla en
sus manos, al lanzar el borrador hacia la cabeza de alguno de los niños e incluso
jalarlos de la cabeza, podrá dejar atrás aquel dicho de la letra con sangre entra.
29 Idem 30 Ibídem. p.134 31 Ibídem. p.135
17
Por lo tanto, de manera activa y no tradicional el maestro tendrá la libertad de
crear “…un ambiente que haga posible el proceso de aprendizaje…”32, a través de
“…la preparación de locales adaptados al nuevo trabajo, la organización metódica
de los talleres de trabajo, la fabricación de los instrumentos indispensables…”33
A manera de conclusión, podemos considerar que el significado que se da al
concepto de docente está ligado con la función que desempeña en el salón de
clases, es decir, con la forma en la cual enseña a sus alumnos los contenidos y la
manera en la cual desarrolla su clase. Por eso, para finalizar este apartado
recurrimos a la siguiente idea “…perfeccionar sin cesar individual y
cooperativamente, en colaboración con sus alumnos, la organización material y la
vida comunitaria de su escuela…dirigir, sin roña ni gruñidos inútiles a los pequeños
trabajadores en dificultades…”34 Esta es la concepción que Freinet plasma sobre el
papel del docente.
32 Idem 33 Idem 34 Idem
18
Capítulo II
Obstáculos y alternativas para desarrollar la creatividad del docente
En el presente capítulo se abordan los temas acerca de los obstáculos y las
alternativas que truncan o favorecen el desarrollo de la creatividad. Esto tiene
como base tres factores que funcionan tanto para dificultar como para auxiliar el
despliegue de la creatividad. Tales factores son los obstáculos emocionales que
pueden ser internos, es decir, los referidos a la personalidad del sujeto, además los
obstáculos socioculturales y externos que están ubicados en el ámbito escolar, en
los lugares en los que labora el individuo, además de las personas o contexto
social que lo rodea.
A partir de la idea de Manchen Bellon con respecto a que todos nacemos creativos
y que es necesario desarrollar nuestra creatividad, nos encontramos frente a
dificultades que truncan su despliegue. Waisburd Gilda menciona que “…durante
el proceso de crecimiento el desarrollo creativo va sufriendo alteraciones que
bloquean ese proceso natural e innato que todos tenemos al nacer”35. Mauro
Rodríguez complementa esta idea cuando plantea que “Para desarrollar la
creatividad de un sujeto cualquiera es de vital importancia conocer su interacción
con el medio detectando y diagnosticando los influjos tanto positivos como
negativos”36
Esto significa que no basta con nacer creativos, pues no es un factor que asegure
la posibilidad de desarrollar la creatividad posteriormente, ya que durante el
transcurso de la formación profesional, de la vida estudiantil y de la vida diaria
35 Waisburd, Gilda. Op. Cit. p.58 36 Rodríguez Estrada, Mauro. Manual de creatividad. Los procesos psíquicos y el desarrollo. Editorial Trillas. México. 2002. p.98
19
existen obstáculos que pueden llegar a impedir el desarrollo óptimo de la
creatividad.
Tales obstáculos pueden situarse en el espacio físico en el que los sujetos llevan a
cabo su labor educativa, así como en el estado anímico y emocional que en ciertos
momentos puede estar viviendo el individuo, al igual que las personas que se
encuentran a su alrededor y la forma en la que ellas estimulan o ayudan a
favorecer la creatividad del alumno o maestro, según sea el caso.
Saturnino de la Torre plantea una clasificación de los obstáculos que impiden el
desarrollo de la creatividad, los cuales son:
a) Bloqueos emocionales o psicológicos, que se refieren a “…nosotros mismos
ya sea nivel mental o emocional…”37
b) Bloqueos socioculturales, es decir, “…del propio medio sociocultural…”38, con
respecto a las personas y contexto que nos rodea.
c) Bloqueos en el ámbito escolar, es decir “…del entorno escolar…”39, se refiere
a los materiales y recursos de los que carecen las instituciones y los cuales
pueden truncar el desarrollo de la creatividad.40
2.1 Bloqueos emocionales o psicológicos.
Este tipo de bloqueo “…proviene de nosotros mismos de nuestra actitud frente a la
vida, nuestro carácter y vivencias…”41 y se manifiesta “…mediante actitudes de
ansiedad, angustia, temor e inseguridad”42. Por lo tanto, este obstáculo es creado
37 Torre de la Torre, Saturnino. Creatividad aplicada. Recursos para una formación creativa. Editorial Praxis. España. 1995. p.41 38 Idem 39 Idem 40 Idem 41 Ibídem. p.46 42 Waisbur, Gilda. Op. cit. p.58
20
por el sujeto mismo como un mecanismo de defensa, en el cual se escuda para no
ser criticado o evaluado. De la misma manera, Garaigordobil reconoce este
obstáculo como parte fundamental del bajo crecimiento de la creatividad,
llamándolo a este “Bloqueo afectivo-emocional”43
Saturnino de la Torre, Garaigordobil y López manejan puntos similares en los que
se ve reflejado este tipo de bloqueo, los cuales se exponen a continuación.
La inseguridad psicológica es el momento en el que el sujeto se
encuentra en una situación nueva y desconocida, esto es suficiente para
que el individuo se vuelva desconfiado de su entorno y de su manera de
pensar. Es decir, el sujeto al sentirse inseguro tendrá temor de él mismo o
sentirá una “Auto imagen negativa respecto a las propias capacidades
creativas”44, pues no se considerará capaz de innovar y crear cosas nuevas.
El temor a equivocarse o al ridículo se refiere a la idea que el sujeto
tiene al que dirán, es decir, a la idea del fracaso o al “… miedo a cometer
errores”45
La falta de creatividad impulsada (la falta de estimulación de la
creatividad) para llevar hasta el final la labor comenzada, se
considera como el momento en el que un sujeto inicia un proyecto sin tener
en sí mismo la suficiente motivación para continuar, es decir, existe un
desinterés o simplemente falta de atracción hacia lo que va a hacer.
Desafortunadamente, por los motivos mencionados, los proyectos no llegan
a ser concluidos.
43 Garaigordobil Landazabal, Maite. Psicología para el desarrollo de la cooperación y de la creatividad. Editorial Desclee de Brouwer. Bilbao. 1995 p.189 44 Idem 45 Idem
21
Saturnino de la Torre, Garaigordobil y Waisburd consideran que uno de los
obstáculos para desarrollar la creatividad es la postura que los sujetos toman
frente a la vida, es decir, se refiere al miedo y a todos aquellos sentimientos
mencionados anteriormente por que ellos mismos se lo provocan al encontrarse
frente a una nueva situación. Ahora bien, estos obstáculos emocionales se
encuentran dentro de lo que Silvia López define como las barreras internas,
entendidas como “…aquellos aspectos o situaciones que la persona se auto
impone”46 para poder desarrollar su creatividad.
Los siguientes son algunos aspectos que Silvia López maneja acerca de la
conceptualización de barreras internas.
Cerrarse a un solo aspecto del problema, es decir, manejar
únicamente un aspecto del conflicto a tratar.
Bloquear lo que rodea el problema, es decir, centrarse únicamente
en los límites.
Tener dificultad para establecer relaciones entre los elementos de
un problema.
No cuestionar lo conocido, que podría llevar a enfoques
inimaginables.
Renunciar a “abandonar el esfuerzo realizado”. Esto quiere decir
abandonar la forma en la que en ocasiones los individuos se
aferran a una determinada idea, aún cuando se ha comprendido y
comprobado que no es factible.
Auto imponerse límites inexistentes, es decir, cuando los sujetos
se atribuyen a ellos mismos metas, fines u objetivos que pueden
llegar a ser absurdos y difíciles de alcanzar.
46 López, Blanca Silvia. Creatividad y pensamiento crítico. Editorial Trillas. México.1998. p.47
22
Hasta el momento, podemos decir que los bloqueos emocionales pueden estar
presentes en el docente, estos pueden ser producto de malas experiencias
obtenidas en el transcurso de su vida, ya sea durante la etapa de estudiante o en
su vida laboral. Como consecuencia, se puede enfrentar a una serie de
contratiempos que pueden impedir el óptimo aprendizaje de él mismo y, por lo
tanto del alumno.
Los obstáculos mencionados anteriormente pueden ser consecuencia de la falta de
creatividad en el docente, ya que los temores a expresarse y a ser criticado por las
personas que lo rodean, así como la falta de recursos materiales y didácticos son
consecuencias creadas por el entorno y el sujeto mismo que llega a detener la
estimulación de la creatividad de los sujetos, en este caso, de los docentes.
2.2 Bloqueos socioculturales
Este tipo de bloqueo se presenta “…cuando la cultura nos condiciona una forma
determinada de ver las cosas, nos impone una concepción limitada…”47 Además de
ser un “Ambiente social que no ofrece abundante información ni oportunidades de
intercambio de la misma o de descubrimiento de otras realidades”48. En síntesis,
estos obstáculos quedan “…denunciados al hablar del dogmatismo, la
burocratización y el mimetismo social”49
Dicho de manera sencilla, la sociedad o comunidad que nos rodea siempre tendrá
una influencia, positiva o negativa, dentro del entorno escolar, es decir, como lo
menciona Torrance “…las escuelas son un reflejo de los valores del hogar y de la
comunidad…”50. Un ejemplo de lo anterior sería la influencia que los padres, tienen
47 Torre de la Torre, Saturnino. Op. cit. p.49 48 Garaigordobil Landazabal, Maite. Op. cit. p.190 49 Rodríguez Estrada, Mauro. Op. cit p.99 50 Torrance, Paul. Educación y capacidad creativa. Ediciones Marova. Madrid. 1997. p.79
23
sobre sus hijos, ya sea en la forma como aprenden o en los hábitos de estudio que
tienen.
Dicho de otra forma, la intervención que, en un momento dado, pueden tener los
padres en el apoyo que brindan a sus hijos para realizar sus tareas y la forma en
que el docente enseña podría llegar a parecer la menos indicada, como lo
menciona Saturnino de la Torre “La sociedad, por su parte presiona hacia el
conformismo y aceptación de tales pautas de normalidad”51
Es decir, el manejo de la información que los padres tengan acerca de lo que los
maestros enseñan a los alumnos es importante, pues muchas veces los padres no
conocen los temas que los niños llevan a casa de tarea. Por tanto, no les es
posible auxiliarlos en su trabajo y enseñarles alguna otra forma creativa y divertida
de aprenderlos, o simplemente se conforman con lo que el maestro enseña a sus
hijos y la forma en la que lo hace.
2.3 Obstáculos en el ámbito escolar.
Estos obstáculos, en la mayoría de las circunstancias, se encuentran bajo la
influencia de alguna autoridad dentro del contexto escolar por ejemplo, la
influencia que existe del director hacia el docente y del docente hacia el alumno.
Por ejemplo la imposición que se hace sobre el maestro para que enseñe los
contenidos temáticos de cierta manera y con determinados materiales sin dejarlo
utilizar su creatividad. Otro obstáculo se refiere a la forma en que el docente
impone de manera autoritaria a sus alumnos las formas de aprender, una de las
cuales puede ser a través de la memorización.
51 Torre de la Torre, Saturnino. Op. cit. p.51
24
Silvia López llama a este tipo de obstáculos “Barreras externas las cuales hacen
referencia a las situaciones que rodean al individuo”52 Mauro Rodríguez las
denomina, obstáculos y bloqueos de orden físico y los considera como aquellos en
los que existe “…un medio monótono, tranquilo, estático… como un medio
tempestuoso, acelerado y caótico”53. Este tipo de obstáculos se relacionan con las
pautas de conducta o las situaciones que se viven en la escuela.
Algunos de los bloqueos de orden físico son:
Grupos muy numerosos que, en ocasiones, impiden una adecuada
atención a los alumnos.
Maestros con una formación académica inflexible y tradicionalista
acostumbrados a decir la primera y última palabra.
De la misma forma que Silvia López propuso una serie de obstáculos, Saturnino de
la Torre también hace mención de algunos de ellos en, el ámbito escolar que
pueden llegar a tener consecuencias en el desarrollo de la creatividad y que
también están relacionados con los bloqueos emocionales pues afectan la parte
afectiva del sujeto. Es decir, la manera en la que el profesor enseña a los alumnos
(autoritarismo, ridiculización, castigos, etc.) repercute en la forma de ser de los
sujetos, así como de actuar, de comportarse, de sentir y de expresar su
creatividad. Los obstáculos son los siguientes:
Presiones al conformismo.
Actitud autoritaria.
Ridiculización de los intentos creativos.
Sobrevaloración de recompensas o castigos.
Excesiva preocupación por el éxito.
52 López, Blanca Silvia. Op. cit. p.48 53 Rodríguez Estrada, Mauro. Op. cit. p.98
25
Hostilidad hacia respuestas o comportamientos distintos a los del grupo.
Intolerancia con la actitud lúdica.
En este contexto, podemos decir que el desarrollo de la creatividad no es una
tarea fácil, ya que los docentes se enfrentan a los bloqueos mencionados que
frenan la mejora y el casi perfeccionamiento de la creatividad. Sin embargo es
posible acrecentar la creatividad en los sujetos, aunque esto no depende
únicamente del individuo en sí, sino también del ambiente y en el que se
desenvuelve. Por eso, “…la pobreza de estímulos origina reacciones pobres,
rutinarias perezosas y estereotipadas…”54
Para frenar los tres bloqueos mencionados es necesario desarrollar actividades y
técnicas creativas que puedan estimular, de forma fácil y sencilla, la creatividad de
los docentes. Por tal motivo retomamos las pautas propuestas por Mauro
Rodríguez para la activación de la creatividad, las cuales se describen a
continuación.
2.4 Alternativas y técnicas para fomentar la creatividad en el docente
Anteriormente se dijo que la creatividad puede ser obstaculizada por factores
emocionales, así como del ámbito escolar y sociocultural, sin embargo, no
debemos dejar atrás las alternativas propuestas por algunos autores para
favorecer la creatividad de los sujetos. Con esta finalidad es imprescindible
estimular el “…pensamiento creativo en contextos educativos se sugieren a
continuación algunas actitudes o pautas que promueven la activación de diversos
procesos implicados en el desarrollo de la creatividad”55 Se sugieren a
continuación.
54 Idem
26
“1. De orden físico: cuando alternamos periodos de intensa estimulación (viajes,
congresos, etcétera) con periodos de calma y serenidad obtenemos el clima
propicio para asimilar sedimentar y crear.
“2. De orden cognoscitivo: tener padres de un buen nivel intelectual, con altos
intereses culturales y creativos, además, de tolerantes al pluralismo de ideologías
y a las vicisitudes que conlleva la práctica del ensayo y error y por supuesto, tener
maestros con estas mismas características.
“3. De orden sociocultural: moverse y desarrollarse en una sociedad inquieta,
ambiciosa y creativa hace surgir un “círculo virtuoso” de creciente vitalidad y
estimulación”56
Es posible desarrollar la creatividad pero a fin de favorecer tales actitudes o pautas
es necesaria, algunas veces, la aplicación de una serie de técnicas y estrategias.
De acuerdo con Samuel Amegan “Las técnicas… permiten circunscribir el problema
a fin de poder resolverlo más fácilmente”57, pero también, estas técnicas, pueden
tener características que nos permiten entender un poco más a fondo cuál es su
función o simplemente en qué consisten.
Algunas de estas características las menciona Gilda Waisburd cuando se refiere a
que dichas técnicas “… permiten que el proceso de desarrollo de la creatividad sea
autodidacta, es decir, que la persona se enseñe por si misma, son significativas y
resisten al olvido, permiten la auto observación, la posibilidad de despertar al
observador interno, el constructivismo, no el que enjuicia, castiga y critica
destructivamente sino al que nos guía y nos refleja las actitudes ya sean positivas
55 Ibídem. p. 193 56 Ibídem. p. 100 57 Amegan Samuel. Para una pedagogía activa y creativa. Editorial Trillas México 1997. p.27
27
o negativas. Por otra parte, las técnicas desarrollan la percepción de los sentidos
de la persona”.58
Ahora bien, para que se puedan aplicar cada una de las técnicas que proponemos
mas adelante es necesario que el docente tenga el deseo de cambiar o mejorar su
manera de enseñar. Esto es así porque el docente tendrá que jugar varios papeles
dentro de su profesión, no sólo el pararse frente al grupo y enseñar, sino también
modificar la forma de compartir sus conocimientos.
Además del deseo de cambiar y mejorar es necesario que tales técnicas se realicen
dentro de un grupo de profesores o individualmente. Pero creemos que para
obtener mejores resultados deberá ser un proceso grupal, para que, de esta
manera, el sujeto se sienta motivado por el apoyo de sus compañeros, además de
que cada individuo tenga siempre presente su compromiso individual.
Las técnicas que proponemos, las tomamos textualmente de Gilda Waisburd,
estos ejercicios van a “…permitir que las personas reflexionen y analicen los
antecedentes de sus bloqueadores, para reconocerlos, entenderlos y superarlos”.59
Las siguientes técnicas son explicadas detalladamente con la finalidad de minimizar
cada uno de los bloqueadores antes explicados.
Algunas de las técnicas que permiten superar los bloqueadores
emocionales o psicológicos son las siguientes
Ritual de la máscara neutra-blanca
Esta técnica sirve para disminuir los bloqueadores emocionales o psicológicos, ya
58 Waisburd Gilda. Op. cit. 119-120 pp. 59 Ibídem. P. 152
28
que con la actividad a realizar se contribuirá a reducir los miedos e inseguridades
en el sujeto, los cuales le impiden poder expresarse de forma creativa. Lo que se
pretende con esta técnica es que el docente sea capaz de poder comunicar su
pensamiento de diversas formas y de manera innovadora.
Objetivos:
1. Observar cómo el gesto y la expresión de las caras nos distraen de la expresión
del cuerpo y lo que éste nos quiere comunicar.
2. Darse cuenta de que al quitar la expresión de la cara se agudiza la expresión
corporal, y se invita más al movimiento.
3. Superar los bloqueadores para mejorar la autoestima: a mayor autoestima,
mayor desarrollo creativo.
5. Conocer las máscaras que usamos.
Manera de proceder:
“Poner máscaras blancas en el centro del salón. La mitad de los participantes
observan y escriben asociaciones libres. La otra mitad trabaja.
“Puedes mirar las máscaras y elegir la que te gustaría usar.
“Escoge una, tómala con cuidado y colócala ante ti.
“Obsérvala, pon la boca abajo y, como una reverencia, inclínate y colócatela.
“Al ponerla en tu cara inicia el trabajo no verbal.
“Esconde tu cabello y aretes.
“Escucha la música y exprésate con todo el cuerpo.
“Muévete por el espacio y exprésate libremente.
“Inviertan los papeles: el que escribe trabaja con la máscara, y viceversa.
“Al quitar la máscara se hace una reverencia y se colocan de regreso en su
lugar.
“Uno por uno, los participantes pasan al centro y expresan lo que sintieron al
29
usar la máscara.
“Hacer una puesta en común en la que se exprese lo que se sintió al actuar y lo
que se sintió al observar y escribir.
“Para el ejercicio de la máscara, sugerir ropa blanca y negra.
“La máscara neutra-blanca tiene una cualidad: aunque parezca extraño, la
máscara colocada en la cara de cada participante toma una expresión distinta y
sorprende al descubrir aspectos de la persona, desconocidos por él mismo y por el
grupo.
“La máscara neutra indica un trabajo de profundización en el proceso creativo.
Permite conocer cómo son las máscaras que usamos para ocultamos, para simular
ser lo que tenemos que ser; se trata de imágenes idealizadas, y no de lo que
realmente somos.
“El descubrir qué esconde la máscara se conecta con los ejercicios de
bloqueadores que están basados en miedos e inseguridades que inhiben la
expresión, la comunicación y la creatividad.”60
Las tres sillas
Con esta técnica se pretende asociar a todas las personas presentes en la actividad
con la finalidad de crear un ambiente de confianza entre los sujetos, para que de
esta forma los docentes sean capaces de desarrollar y expresar su creatividad
frente a un grupo de personas. De igual forma se puede dejar atrás aspectos como
la envidia y el odio hacia aquellas personas que son capaces de expresar sin
ningún temor su pensamiento creativo, al igual que superar el temor propio para
expresar sus propias ideas innovadoras.
30
Su objetivo es experimentar y conocer los tres niveles del ser: el ser inferior, la
máscara y el ser superior.
Manera de proceder:
“Una silla representa la máscara, la otra representa al ser inferior y la tercera al ser
superior. Estos tres aspectos constituyen partes importantes de nuestro ser. El ser
inferior es el ser bajo, el que odia, el que teme, el que es inseguro, y busca la
venganza, es celoso competitivo, orgulloso… El ser superior es el amor, la
espiritualidad, la verdad la creatividad constructiva…
“El grupo está sentado en medio círculo, frente a las sillas, y se invita a alguna
persona a trabajar. El participante que desea hacerlo se sienta y habla de su
máscara: cómo es, qué esconde. Después, pasa a la otra silla y habla acerca de lo
que conoce de su ser inferior… y posteriormente de su ser superior…
“Este es un trabajo de profundización que requiere de gran apertura y confianza
con el grupo. Es un trabajo fuerte, pero liberador e integrador”61
Las resistencias
Esta técnica ayuda al sujeto a vencer todos aquellos obstáculos y resistencias que
obstruyen el desarrollo de la creatividad, además de favorecer que el sujeto se de
cuenta de los recursos y habilidades con los que cuenta para vencer dichos
obstáculos. El docente se percatará de todas las posibilidades, los medios, las
maneras y las provisiones que se encuentran guardadas dentro de su mente por
temor a expresarlas.
60 Ibídem. 147-148 pp. 61 Ibídem. 150-151 pp.
31
Objetivo:
1. Recuperación creativa.
2. Darse cuenta de sus recursos y resistencias.
Manera de proceder:
“Escribe: ¿cuáles son tus resistencias para crecer, tus temores. . .?
“Dobla el papel y guárdalo en alguna parte de tu cuerpo, porque vamos a hacer
un viaje.
“Haz una lista de sueños y deseos que todavía no se te han cumplido.
“Comparte con una pareja tres cosas de esa lista para comprometerte y tener
un testigo de esos deseos y sueños.
“Simbólicamente, te pido que te des la oportunidad de dejar en este salón todo
tu equipaje para hacer un viaje ligero.
“Te pido que salgas del salón y camines en silencio y sin hablar (10 minutos). Al
regresar, te aseguro que tendrás una experiencia nueva en tu vida.
“Al regresar al salón, dibuja una telaraña que represente los bloqueos, los
problemas, los hábitos, a las personas que no te permiten crecer.
“Cada persona tiene recursos secretos que no ha aprovechado para deshacer
esa telaraña.
“Regresa con tu pareja y dile en secreto cuál es tu recurso para terminar con la
telaraña. Ahora, bailen todos libremente en el grupo. Regresa con tu pareja: A
modela el cuerpo de B como si fuera de barro, para expresar cómo lo percibe
sin telaraña. B modela el cuerpo de A para manifestar cómo lo percibe sin
telaraña.
“Comparte el ejercicio con tu pareja.
Retomar la experiencia en la puesta en común con todo el grupo. Cada
participante termina diciendo una afirmación de su poder:
32
“Sí puedo. . .
“Creo en mí. . .
“Tengo el derecho. . .
“Ahora me toca. . .
“Yo soy yo. . .
“y así soy. . .”62
El abismo
Con esta técnica se pretende, a través del uso de la imaginación y el trabajo
individual, vencer el miedo que lo sujetos tienen para imaginar y visualizar en su
mente diversas imágenes y, a su vez, compartirlas de manera innovadora con todo
el grupo.
Objetivo:
Favorecer el camino para vivir el miedo y encontrar la verdad.
Manera de proceder:
“Cierra los ojos. (Música.)
“Visualiza que estás caminando por el bosque. Sigues por una vereda.
“Esta vereda va hacia arriba, a una montaña.
“Llegas hasta la cima.
“Ves el abismo, profundo y negro.
“En ese abismo están tus temores y bloqueos, que no te permiten. . .
“¿Cómo es el abismo? ¿Es real o es una ilusión?
“¿Estás solo o acompañado?
“Baja de la montaña por el sendero.
33
“Regresa al bosque.
“Respira profundamente.
“Abre los ojos y dibuja cómo es ese abismo.
“Escribe las emociones e imágenes que aparecieron.
“Comparte la experiencia con una pareja.
“Retomar la experiencia en la puesta en común”63
Yo acuso
Lo que se pretende con esta técnica es que el sujeto se de cuenta de que existen
factores como la envidia, la venganza y la competitividad que pueden llegar a
obstaculizar el desarrollo de la creatividad. Por eso, con esta técnica se pretende
disminuir el ego de los docentes, es decir, la envidia que se puede sentir hacia
otros docentes en cuanto a su forma de enseñar, de expresarse, etc. También se
pretende dejar atrás la competitividad entre docentes para ver quien es mejor en
cuanto a la creatividad que refleja, lo cual puede traer consigo un sentimiento de
venganza. Lo anterior se puede eliminar por medio de diferentes actividades
propuestas en esta técnica.
Su objetivo es descubrir y conocer qué áreas no nos satisfacen y nos hacen daño,
para poder trabajarlas y transformarlas creativamente.
El ego es el timón, es el ojo de la mente. . .
Manera de proceder:
“Te voy a pedir que reflexiones sobre tu ego: ¿Cómo es?, ¿Para qué te ha
servido?, ¿En qué ha interferido?, ¿A dónde te ha llevado?, ¿Qué te han dicho
62 Ibídem. 156-157 pp. 63 Ibídem. p. 123
34
acerca de él?
“Toma una hoja y un lápiz, y escribe: "yo acuso a mi ego por. . .".
“A continuación presentamos un ejemplo de una carta de "Yo acuso"
“¡Cuánta necesidad de afirmación, de demostrar que ahí estás y que estás bien!;
¡Cuánta mentira sin fin! Me acosas como un juez crítico, insaciable, que no se llena
y que no descansa.
“Veo que puedes destruirme en el deseo de hacer y no del ser. Observo una parte
blanda llena de energía que me ayuda a nutrirte, pero también advierto que con
facilidad te vuelves rígido y demandante.
“El amor que veo junto con el placer no se satisface si no es absorbente,
controlado, simbiótico. Cuando lucho contra esto me invade una angustia
monstruosa y siento locura.
“En la medida que te observo, te conozco y me reconcilio contigo. Aprendo a vivir
sin el otro y a través del otro, y cuando me quedo sola contigo ya no me asustas e
incluso te gozo. No me aburro y los otros, sean personas o cosas, ya no son tan
necesarios.
“Al bajar mi compulsión desenfrenada por complacerte, ya no siento temor.
“Veo que eres seductor y que puedes ser vengativo, envidioso y competitivo.
Descubrir que puedes odiar y sentir todas estas partes oscuras, me sorprende, no
me gusta; pero ahí estás y eres una parte que nutre mi ser y mí estar en el
mundo.
“Me cansas. A veces, ver tu fuerza me asusta y escapo. Pero cuando te necesito,
35
recurro a ti.
“No siempre juegas conmigo un juego limpio, porque no eres del todo sincero.
“En el fondo, tu inseguridad a veces te gana aunque pretendas otras cosas.
¡Cuánta angustia de vaciarte y quedarte solo y abandonado otra vez! A veces te
veo de distintos colores y formas: negro, rojo, anaranjado, amarillo, lleno de
energía para hacer lo que sea. Egoísta e intenso, pocas veces toco tu azul, tu
blanco, la paz que deberías tener, todo como un deber ser luchando por el ser, tal
como eres.
“El verde creativo, innovador, sé que vive de lo que realmente eres, no de lo que
simulas. Detén ya tu compulsión y la complacencia para con los demás. Eres tan
fuerte que puedes destruirme.
“Estoy cansada de luchar contigo. ¡Basta ya! Detente, descansa y observa. ¡Nunca
llenarás ese vacío original!”64
Mi garabato
Esta técnica sirve para desarrollar la creatividad del docente a través de la
estimulación de los sentidos, la expresión oral, así como la forma en que los
sujetos se comunican, al igual que la experiencia de vivir y sentir diferentes
sensaciones en diversos espacios, lo cual ayudará a todas las personas
participantes a vencer sus obstáculos psicológicos y emocionales.
64 Ibídem. 157-158 pp.
36
Objetivo:
1. Desarrollar la expresión y la comunicación.
2. Provocar descarga energética.
Manera de proceder:
“Desplázate por el espacio.
“Busca contacto visual con tus compañeros.
“Busca equilibrio corporal en diferentes posturas y extensiones del cuerpo.
“Déjate caer y juega con la sensación.
“Impúlsate y ponte de pie.
“Cierra los ojos e imagínate un garabato.
“Dibújalo en el aire.
“Prueba en el espacio, sobre la pared y los objetos.
“Toma una hoja blanca y un crayón, y traza un garabato espontáneo.
“Elabora una máscara y pontéela (con ayuda de pinzas para la ropa y cinta
adhesiva).
“Presume tu máscara.
“Observa la de los otros.
“Recuerda tu garabato y, con la máscara puesta, haz un garabato en un pliego
de papel bond (1.50 metros).
“Deja tu garabato.
“Explora los garabatos de los demás; obsérvalos.
“Regresa a tu garabato, haz un disfraz con el pliego e intégralo a tu cuerpo (con
pinzas para la ropa y cinta adhesiva).
(Música de baile.)
“Imagínate que vamos a una fiesta: baila, muévete solo y en pareja.
“Siente la incomodidad de la máscara y del disfraz.
“Cuando ya no los soportes, rómpelos en pedazos pequeños... Lanza esos
37
papeles al aire, con sonido (como si fueran confeti).
“Saca tu energía.
“Ahora, toma un trozo de cartulina y pegamento, y haz un collage con los
papeles que recojas del piso.
“Ponle un título.
“Retomar el ejercicio en la puesta en común.
“En ocasiones hay que romper con patrones que ya no funcionan y que interfieren
el proceso de crecimiento. Esto es doloroso, pero cuando se logra resulta liberador
y da la posibilidad de reestructurar tomando lo que sirve de las experiencias
pasadas para crear en el aquí y en el ahora.”65
Como nos pudimos percatar las técnicas anteriores favorecen el desarrollo de la
creatividad de los docentes, debido a que contribuyen a la superación de los
bloqueos emocionales o psicológicos. En este sentido lo que pretenden dichas
técnicas es desarrollar ciertas características que los sujetos no expresan tal vez
por temor a equivocarse y ridiculizarse frente a un grupo de personas.
Algunas de las técnicas que permiten superar los bloqueadores
socioculturales son las siguientes
Me escondo… me expongo
Esta técnica ayudará a vencer los obstáculos socioculturales de los sujetos, a
través de su fácil adaptación al ambiente o contexto en el que se encuentren,
además, contribuye a establecer una buena relación comunicativa entre los
docentes con la finalidad de facilitar el uso y la expresión de la creatividad del
sujeto frente a un grupo de personas.
65 Ibídem. 159-160 pp.
38
Objetivos:
1. Provocar lluvia de ideas.
2. Facilitar la expresión, la comunicación y la creatividad.
Manera de proceder:
“Al ritmo del tambor, caminar por el espacio. A una señal detenerse, después
correr, saltar y parar al ritmo del tambor.
“Al detenerse, hacer una “estatua”.
“Seguir con el movimiento y, al detenerse hacer una “estatua” en pareja.
“Continuar con el ritmo del tambor y, al detenerse hacer una estatua con cuatro
compañeros.
“Ahora, con todo el grupo.
“Cubrir con una gran tela al grupo y decir: “Me escondo cuando…”
“Los participantes contestan…
“Repetir varias veces el ejercicio.
“Retirar la tela y decir: “Me expongo cuando…”
“El grupo responde
“Escoger una pareja y repetir el ejercicio.
“Con telas más pequeñas un participante cubre al otro y le dice:
“Me atrevo cuando…”
“Me escondo cuando…”
“Me cierro cuando…”
“Repetir varias veces el ejercicio, invirtiendo los papeles.
39
“Por último cada participante toma una hoja de papel y con su pareja, sin
hablar, dibuja algo que represente “cuándo me escondo y me cierro, cuándo me
expongo y me abro.”66
El mural
Lo que se pretende con esta técnica es integrar al grupo para que sus integrantes
se sientan con la confianza suficiente de mostrar su capacidad creativa. Mediante
esta técnica se pretende vencer grupalmente los obstáculos socioculturales de los
sujetos.
Su objetivo es favorecer la integración y la expresión creativa colectiva.
Manera de proceder:
“Colocar pinturas, pinceles y papel en mesas, en el piso o pared.
“Formar tres equipos: uno va a representar en el mural la máscara; otro va a
representar en otro mural al ser inferior, y en el tercer mural al ser superior.
“Al terminar, cada equipo crea una representación teatral utilizando el mural
como estenografía.
“Pueden utilizar telas, cojines, música, poesía, o lo que el grupo necesite.
“Retomar las representaciones.
“Puesta en común para compartir la experiencia”67
66 Ibídem. 161-162 pp. 67 Ibídem. p.163
40
¿Cómo generas tu negatividad?
Dada la integración de un grupo es importante buscar diversas formas de
transmitir lo que pensamos, sentimos, así como lo qué queremos hacer y saber.
Esto lo podemos realizar a través de diferentes formas creativas de comunicarnos
con otros sujetos, lo cual se encuentra plasmado en la siguiente técnica para
vencer los obstáculos socioculturales.
Sus objetivos son experimentar qué sucede al no verse a la cara y buscar nuevas
formas de comunicación.
Manera de proceder:
“Camina por el espacio.
“Desplázate en cámara lenta.
“Desplázate en cámara rápida.
“En un círculo, un participante para al centro e imitamos, en cámara lenta y
rápida, sus movimientos.
“Camina, corre, salta, haz estatuas, di algo negativo de ti y de los otros.
“Camina de lado, en diagonal, hacia atrás.
“Busca una pareja, desplázate a espaldadas junto con ella.
“A continuación uno es A y el otro B.
“A habla de espaldas y dice a B cómo genera su negatividad.
“Inviertan papeles.
“Cada uno escribe lo más importante, todavía de espaldas, y dibuja un símbolo
que represente su negatividad.
“Vuélvanse lentamente, con los ojos cerrados.
“Tómense de las manos y a través de ellas comuníquense, sin hablar la
experiencia.
“Suéltense lentamente y abran los ojos.
41
“Comentar la experiencia entre si y después, en la puesta en común, con todo el
grupo”68
Algunas de las técnicas que permiten superar los bloqueadores físicos y
en el ámbito escolar son las siguientes.
Tu momento, hoy
Se debe tomar en cuenta que muchas de las veces que se quiere utilizar la
creatividad en las escuelas, éstas no cuentan con los recursos físicos necesarios
para estimular dicha creatividad. Tal situación es un bloqueador para el desarrollo
de ella, por eso, la técnica mencionada se podrá desarrollar a través de la
utilización de algunos materiales sencillos que puedan contribuir a vencer los
obstáculos físicos y a desarrollar la creatividad.
El objetivo de esta técnica es facilitar la toma de contacto a través de imágenes,
en un trabajo de proyección, de darse cuenta.
Manera de proceder:
“Sentados en un circulo, ya sea en sillas o en el piso, se ofrece a cada
participante un cuarto de cartulina y en el centro del salón se colocan revistas,
tijeras, plumones, pegamento y palitos o pinceles.
Se pide que cierren los ojos.
(MÚSICA)
“La sesión se inicia con una toma de contacto y relajación.
“El facilitador inicia con estas consignas:
“Respira profundamente.
68 Ibídem 168-169 pp.
42
“Observa tu respiración y ritmo cardiaco.
“Observa qué imágenes llegan a tu mente así como llegan déjalas ir, permite
que fluyan una a una.
“Evoca imágenes de “tu momento, hoy”.
“¿Cómo es hoy tu vida en el ámbito profesional?
“¿Qué parte de tu vida te gustaría compartir con nosotros para que te
conozcamos?
“¿Cuáles son tus ideas, tus gustos?
“Abre los ojos lentamente, estira el cuerpo y cuando estés listo toma una revista
y selecciona las imágenes que representen “tu momento, hoy” y haz un collage
de lo que quieres comunicar de ti, para compartirlo en la puesta en común con
el grupo.
“A continuación, cada participante comparte su experiencia”69
Identificación con el objeto
Por medio de la utilización de objetos se pretende que los sujetos hagan uso de su
imaginación para descubrir tanto a los objetos como a su dueño. Esto con la
finalidad de hacer uso de toda clase de cosas para poder estimular la creatividad
de los sujetos y de la misma manera contar con cualquier recurso para vencer los
obstáculos físicos.
Su objetivo es desarrollar la expresión y la imaginación por medio del objeto de
proyección.
69 Ibídem. p. 125
43
Manera de proceder:
“Sentados en círculo, el facilitador pide a cada uno de los participantes que
escojan rápidamente algún objeto que traiga consigo y que a la cuenta de tres
lo ponga en el centro del salón.
“Después cada uno de ellos toma un objeto del centro (no sabe de quién es) y
dice cómo es el propietario de ese objeto. La persona a la que pertenece el
objeto dice en qué cosas si se identificó con lo que dijo el compañero y cuáles
no. El ejercicio continúa hasta que todos hayan participado. Al final se realiza
una puesta en común”70
Consideramos que las técnicas anteriores pueden favorecer a la disminución de los
factores que llegan a truncar la creatividad del docente. De esta manera, ayudan a
que la influencia de la creatividad docente sea positiva en el aprendizaje del niño
de primaria, es decir, que en lugar de solo enseñarlo a memorizar los contenidos
educativos y a ver la escuela de forma aburrida, el alumno podrá darse cuenta de
que las clases pueden ser divertidas y que aprender los temas escolares no es
difícil y tampoco aburrido.
70 Ibídem. p.128
44
Capítulo III
Una alternativa: La influencia del arte en el desarrollo de la creatividad
del docente de primaria
En el presente capítulo decidimos tomar al arte como una de las alternativas para
contribuir a desarrollar la creatividad del docente de primaria y como
consecuencia, para que el docente ayude a desplegar la creatividad de sus
alumnos. Esto es así por que el arte es una opción, a partir de la cual el docente
puede llegar a demostrar el potencial creativo.
A lo largo del desarrollo del capítulo presentaremos, en el primer apartado, los
conceptos de arte y museo con la finalidad de que el lector pueda darse cuenta del
gran peso que la creatividad tiene en la enseñanza del arte dentro de un museo.
En el segundo apartado expondremos cómo influye en el alumno la falta de
creatividad del docente, en cuanto al aprendizaje del arte. Además de considerar el
arte como una alternativa para el desarrollo de la creatividad tanto del docente
como del alumno.
3.1 Contexto: arte y museo
Podemos llamar arte a aquel proceso creador que ocurre en nuestras mentes, el
cual mostramos o dejamos ver en diferentes expresiones como la pintura,
escultura, música, fotografía, etc. Dicho de una manera sencilla “El arte es un acto
lúdico de la imaginación creadora…”71, es decir, el arte contribuye al desarrollo de
nuestra creatividad, ya que es una forma de expresar ideas innovadoras que
surgen en nuestra mente. Podemos plasmar y dar a conocer tales ideas a los
71 Trilley, Pauline. El arte en la educación especial. Ceac. España. 1991. p.15
45
demás de diferentes formas, ya sea a través de una pintura, escultura o
composición de alguna melodía.
El arte lleva consigo el significado de producción y no sólo al hacer referencia a la
invención de los sujetos, sino también a todas aquellas emociones que puede
llegar a producir en el público. El arte “Trata de provocar una experiencia que
puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas
cualidades”72. También “Se llama comúnmente arte, en sentido propio, a toda
actividad humana cuyos resultados y proceso de desarrollo pueden ser objeto de
juicio estético”73, es decir, los sujetos pueden interpretar las expresiones artísticas
como algo bello o hermoso.
Por lo tanto el “…arte puede significar una destreza determinada o los productos
de una actividad realizada con destreza”74, dicho de otra manera, “…el arte es en
efecto la creación de la forma, pero de un tipo especial, de todas las formas que
simbolizan emociones humanas” 75
De igual forma se puede hablar de arte como una satisfacción, debido a que “El
arte es placer; el arte satisface el instinto creativo básico presente en cada uno de
nosotros…”76. Es decir, al crear nuevas cosas deleitamos nuestra mente y nuestra
vista, además de estimular nuestros sentidos, así como al hacer palpables las
imágenes que nadie puede ver ni tocar, las cuales se encuentran encerradas en la
72 http://club.telepolis.com/pastranec/interesantes/arteste.htm 73 González, Flores Martha Leticia. La importancia del arte en la escuela primaria. Guadalajara Jalisco. 1978. p.2 74 http://www.tepatoken.com/html/artes/arteconcepto.htm 75 http://www.tepatoken.com/html/artes/arteconcepto.htm 76 Trilley, Pauline. Op. cit. p.15
46
mente de todos los sujetos que se atreven a inventar cosas nuevas y a
compartirlas con otras personas.
El arte es la forma en la que los seres humanos dan a conocer sus emociones
pueden estar plasmadas en obras de arte como pinturas, esculturas,
composiciones musicales, etc. El arte es el resultado de la creatividad de los
sujetos y la manifestación de ésta, podemos decir entonces que “El arte sirve para
descubrir, identificar, describir y fijar nuestras experiencias, nuestra realidad
interior” 77
El arte, como ya lo habíamos mencionado, está estrechamente relacionado con la
creatividad, porque es una forma de expresión de la imaginación, ya sea para
pintar o esculpir una imagen o simplemente para escribir una canción o un poema.
Pero, desafortunadamente, si el sujeto no es creativo o no ha desarrollado su
creatividad, difícilmente será posible realizar alguna actividad relacionada con el
arte.
Pauline Trilley plantea que las funciones del arte son las de “…representar cosas
existentes, construir cosas que no existían, trata de cosas externas al hombre,
pero expresa su visión interior, estimula la vida interior del artista, pero también la
del receptor, al receptor le aporta satisfacción, emoción, provocación, impresión o
producción de un choque” 78.
Podemos decir que lo mismo ocurre en el salón de clases cuando un docente es
creativo, hace lo posible porque sus alumnos desarrollen su creatividad. Es decir,
cuando un docente deja que el alumno se exprese libremente, éste puede
encontrar formas innovadoras para aprender al buscar diferentes técnicas
77 http://www.tepatoken.com/html/artes/arteconcepto.htm 78 http://www.tepatoken.com/html/artes/arteconcepto.htm
47
atractivas y significativas para él. Esto significa que el docente es capaz de dar
lugar a que sus alumnos participen con nuevas ideas para poder llevar a cabo su
aprendizaje de temas diversos, además de compartir opiniones o pensamientos
novedosos entre alumnos y maestro.
Ahora bien habría que mencionar dónde podemos encontrar arte, consideramos
que en todo lugar, pero existe un arte al cual se le da un valor cultural, económico
e histórico. Este tipo de arte lo encontramos en los museos.
¿Pero qué es un museo? “…para los romanos, se refiere a un espacio de
creatividad pero también de enseñanza…”79 es decir “…el museo es un espacio que
invita tanto al pensamiento y a la reflexión como a la imaginación…”80 Un museo
es un espacio en el cual podemos mirar el presente que vivimos, el pasado y, quizá
también, el futuro que nos espera al observar cuadros, esculturas u objetos, etc.,
creados por la imaginación de otros sujetos.
Un museo es un espacio en el cual los sujetos al mirar las obras expuestas tienen
la libertad de utilizar su creatividad para definir el significado de lo que están
observando, antes de saber la concepción de la obra desde la perspectiva de su
autor.
También podemos considerar a los museos como formas o espacios educativos.
Sin embargo, un museo no es considerado como una institución que brinda
educación formal, de acuerdo a los tipos de educación un museo brinda educación
no formal.
Es decir, al acudir los sujetos a un museo no reciben diploma de certificación
alguno, por su asistencia tampoco completan un ciclo escolar ni aprueban
79 http://www.elementos.buap.mx/num52/htm/37.htm 80 http://www.elementos.buap.mx/num52/htm/37.htm
48
materias. Sin embargo al asistir a los museos los sujetos aprenden sobre cada obra
de arte sobre la forma en que fue creada así como los materiales e ideologías que
se manejaban en la época en que el artista creo la obra.
Por lo tanto, consideramos que los museos son una forma de educación, ya que
podemos decir que cumplen con la función de reforzar algunos de los
conocimientos aprendidos en la escuela, así como de ampliarlos o profundizar al
respecto.
Así lo menciona Eugenia Lazarini, cuando dice que un museo “… es un espacio en
el que se ofrece al espectador o visitante una gama infinita de conocimientos. El
individuo conoce a través de su experiencia y de la relación que establece con el
objeto museístico”.81 En este contexto el docente tiene la responsabilidad de
contribuir a que el aprendizaje que reciban los sujetos de los museos sea
significativo y, de esta, manera los conocimientos adquiridos en ellos contribuyan
en su vida educativa formal y cotidiana. Por lo tanto para que un museo pueda
contribuir en la educación de los individuos debe de cumplir con las funciones que
a continuación se presentan, de acuerdo con Lazarini:
1) “La recolección son todas las acciones encomendadas a fin de formar o
acrecentar las colecciones del museo. Estas pueden tener distintos orígenes,
como el resultado de un trabajo de campo, por comprar obras de arte, por
donación de otros museos o algún otro propietario de obras de arte, etc.
2) “La conservación tiene que ver con el permanente cuidado de las piezas y
colecciones con el fin de evitar su deterioro.
81 Lazarini Anaya, Ma. Eugenia. Procedimiento didáctico para la realización de visitas guiadas con grupos escolares. México DF, mayo 1994. UNAM. p. 4
49
3) “La investigación es una tarea propia de especialistas, la cual consiste en
indagar la mayor cantidad de datos posibles acerca de cada uno de los
objetos de las colecciones presentadas, tales como materiales de los que
están hechos y épocas a las que pertenecen.
4) “La exposición es una de las funciones más importantes que se relaciona
con exhibir a la comunidad los objetos museísticos valiéndose, de recursos y
técnicas museográficas, que permitan al público visitante apreciarlos y
valorarlos.
5) “La difusión engloba todo aquello que posibilita el conocimiento del
patrimonio cultural del museo, a fin de informar al público donde puede
encontrar un espacio recreativo, educativo y cultural.”82
Una sexta función de un museo que no menciona Lazarini y que para nosotras es
fundamental es la siguiente:
6) Educar “…es la función encargada de procesar en forma didáctica a través
de visitas guiadas, charlas, talleres de entretenimiento, etc.”83 El momento
en el que un museo se convierte en un espacio educativo es en el que
permite al público desarrollar su conocimiento en relación a los objetos que
éste exhibe. Además al facilitar la interacción con los objetos, se
experimentan vivencias nuevas que refuerzan los nuevos conocimientos,
esto a través de las visitas guiadas que se dan al público, en general, a
grupos educativos e incluso a personal de otros museos, las visitas guiadas
son reforzadas con talleres post-visitas en los cuales se realizan actividades
relacionadas con las exposiciones de los museos.
82 Ibídem. 11-12 pp. 83 http://www.monografias.com/trabajos12/creaunid/creaunid.shtml#tipolog
50
El museo, posee funciones que debe cumplir al presentar arte y que al mismo
tiempo la función mas importante para aprender sobre el arte expuesto en estos
espacios es la educación, por tanto todo museo debe desarrollar actividades
basadas en programas educativos que respondan los requerimientos del público
visitante, cualquiera que sea su grado de instrucción.
Por lo tanto, la meta fundamental de la educación en los museos es facilitar al
público la compresión de los temas y experiencias propuestas y promover el
desarrollo de una actitud positiva hacia la preservación del patrimonio cultural,
además de contribuir a que la visita sea agradable y memorable.
Considerando las seis funciones mencionadas en los museos la información se
debe de organizar de manera tal que pueda ser entendida por cualquier grupo
que visite el museo. Tomando en cuenta que esta información no debe ser solo de
carácter informativo, sino que debe ofrecer una capacitación pero desde el punto
de visto de la educación no formal ya que el museo debe romper con los métodos
tradicionales utilizados en las escuelas.
3.2 Consecuencias por la falta de creatividad del docente de primaria
en la enseñanza del arte y su influencia en los alumnos.
Para determinar las consecuencias de la falta de creatividad del docente en la
enseñanza del arte y como esto puede afectar el aprendizaje del niño de primaria
llevamos a cabo una investigación participante en la cual “…el investigador se
introduce en el mundo social de los sujetos estudiados, observa y trata de
averiguar qué significa ser miembro de ese mundo”84.
51
Dicha investigación fue desarrollada en el Museo del Palacio de Bellas Artes,
durante la impartición de los talleres post-visita y la realización de las visitas
guiadas a grupos escolares alrededor del museo. Los talleres post-visita consisten
en que los grupos escolares realicen, con una gran variedad de materiales como
pinturas, acuarelas o colores, cartón, madera, etc. un prototipo similar a alguna
obra que se presento durante la visita. Las visitas guiadas consisten en explicar la
obra del artista que se presenta, por ejemplo, los murales de Diego Rivera, Jorge
González Camarena, Manuel Rodríguez Lozano, etc.
Como parte de nuestra investigación, realizamos una serie de observaciones de
tipo participante a diferentes grupos de alumnos de primero a sexto de primaria
“…como estrategia para representar aspectos de la realidad…” 85, es decir, para
darnos cuenta si es la correcta la forma en la que el profesor enseña a sus
alumnos las obras de arte exhibidas en un museo como en el Palacio de las Bellas
Artes. Dicho de otra manera queremos saber que tan creativa puede desarrollar su
clase al hacer uso de las obras expuestas en tal museo, o si simplemente no sabe
aprovechar un espacio lleno creatividad y sigue utilizando el método tradicional
para enseñar arte a sus alumnos.
Lo que presentamos a continuación es la conjunción de las observaciones de las
cuales rescatamos las consecuencias más constantes de la falta de creatividad de
los docentes y la manera en la que ésta afecta a los alumnos. Hicimos las
observaciones realizadas con la finalidad de obtener una visión más amplia con
respecto a lo que sucede en la enseñanza del arte sin cerrarnos a un solo caso, es
decir, sin limitarnos a observar sólo lo que ocurriría en un sólo grado escolar. De
esta, manera nos fue posible obtener información diversa acerca de las
consecuencias que puede producir la falta de creatividad de un docente al
84 Witttrock, Merlin C. La investigación de la enseñanza, I. Enfoques, teorías y métodos. Editorial Paidós Educador. España. 1997. p.112 85 Ibídem. p.307
52
transmitir información a sus alumnos con respecto a la enseñanza de las obras de
arte.
Esta falta de creatividad se evidencia en que los docentes, a lo largo del recorrido
del museo realizan una mera exposición de contenidos que, posiblemente, los
alumnos ya hayan revisado o revisarán en el curso escolar. Son, principalmente,
contenidos de tipo histórico y lo único que importa es que los alumnos reciban
información que deben memorizar para pasar un examen que el docente aplica al
regresar a su escuela de procedencia. Un ejemplo de ello se presenta en la
siguiente observación, realizada a un grupo de sexto año de primaria.
El profesor inicia su recorrido dando la siguiente información “…el museo del
Palacio de Bellas Artes se mandó construir por Porfirio Díaz en 1904, y fue
terminado en 1934, la construcción fue iniciada por el Arquitecto Adamo Boari y
concluida por el Arquitecto Federico Mariscal, el material utilizado para construir el
edificio es mármol traído de diferentes estados de la República…”
Durante tal exposición se dejan de lado las diversas posibilidades que el docente
tiene para enseñar arte a sus alumnos, es decir, la gran capacidad creativa que un
docente puede tener para presentar el arte a sus estudiantes de diferentes
maneras, al igual que la forma en la que adquieren los niños un aprendizaje puede
llegar a ser agradable y divertido. Esto es, en lugar de dar únicamente los datos
históricos y que, quien hable sea, únicamente el profesor la exposición se puede
desarrollar de otra manera.
Una enseñanza como ésta se ubica en el tradicionalismo que desafortunadamente
podemos encontrar actualmente no sólo en las visitas en los museos, sino también
en los salones de clase. La enseñanza tradicionalista se caracteriza por una
transmisión de conocimientos a los alumnos, durante la cual deben de memorizar
el contenido enseñado, dejando de lado el despliegue de aprendizajes así como la
53
parte divertida inherente al aprendizaje en general y del arte en particular.
Autoritarismo y dogmatismo son otras características de la enseñanza tradicional
con lo cual los niños pierden su capacidad de aprender o gusto por el aprendizaje
del arte. En el contexto de la enseñanza profesional el profesor utiliza el museo
como un requisito para el desarrollo del programa, a la vez que como una forma
de llenar el tiempo de clase con algo.
Esto se nota en el silencio por parte de los alumnos, las expresiones de sus caras
cuando el profesor expone, la manera en la que los alumnos se comportan durante
el recorrido por el museo, además de que no dialogan entre ellos ni con el docente
con respecto a la información transmitida. La represión que el docente ejerce ante
aquel alumno que quiere participar provoca en el resto de los alumnos inseguridad
al querer hablar o expresar algo lo cual es el resultado de tener un grupo callado
que solo escucha.
A continuación se presenta un ejemplo con niños de cuarto año de primaria que
refleja el autoritarismo por parte del maestro hacia sus alumnos.
Profesor: ¡los quiero a todos formados y callados! ¡avancen en orden! ¡se sientan
en la escalera y nada de hablar! ¡José Manuel te dije que te callaras!
José Manuel: sólo le decía a mis compañeros que el piso de este lugar parece
tablero de ajedrez.
Profesor: Pues no es un tablero, no digas tonterías, otro comentario de esos José
Manuel y te mando al camión y ahí te quedas, ¿me escuchaste? voy a comenzar la
explicación, nadie me interrumpe, no quiero ninguna pregunta, a todos los quiero
muy atentos, mañana les voy a aplicar un examen.
En el ejemplo anterior está presente el autoritarismo del docente, que se nota a
partir de la llegada del grupo al Palacio ya que el docente comienza a establecer
54
normas que limitan a los alumnos en cuanto a su participación, reflexión e
imaginación.
Otra consecuencia es que el alumno no cuestiona lo que el docente le enseña, los
alumnos se quedan con lo dicho por el docente, lo cual convierte al niño en un
sujeto pasivo, es decir, no va a presentar participación y reflexión en cuanto a los
temas expuestos por los maestros. Desafortunadamente todo esto es consecuencia
de la educación tradicional, la cual consiste en la mera transmisión de
conocimientos por parte del profesor hacia el alumno, además dentro de este tipo
de educación el docente es el único que conoce acerca del tema, excluyendo así
cualquier participación del alumno en la clase.
Por ejemplo, no existen sugerencias acerca de lo que los alumnos observan en lo
expuesto en las obras de arte, no observan a fondo, no permiten que su vista y su
mente juegue con las figuras y colores de las obras, por lo tanto se convierten en
receptores pasivos, los alumnos sólo se dedican a escribir lo que dicen las cédulas
de las obra dejando de lado el disfrutar lo que ven sus ojos o lo que su mente
puede imaginar al observar la obra de arte. Esto no los alienta a ir mas allá de lo
que les dice su profesor.
Otra consecuencia es la falta de fluidez verbal por parte del docente la cual tiene
como resultado la repetición constante de palabras, es decir, no se usan
sinónimos, además de la utilización de terminologías que los alumnos no conocen.
Así se quedan con dudas sobre significados que hacen muy pobre el aprendizaje.
Por ejemplo, algunos profesores utilizan durante su exposición en el Palacio de
Bellas Artes palabras como Art-Deco y Art-Novoe y en ningún momento explican su
significado.
Podemos decir que las ideas y ejemplos anteriores son consecuencias de la falta
de originalidad por parte del docente, la cual es contagiada a sus alumnos, y ésta
55
se refleja en taller post-visita, debido a que los niños preguntan a sus maestros
como deben realizar los trabajos o de que forma deben iluminar, pintar o realizar
los recortes del material. Esto es lo contrario a las instrucciones otorgadas por las
personas que aplican el taller en un inicio, la cual consiste en decirles los siguiente
“Ahora ustedes son el artista y tienen toda la libertad para realizar su obra de arte
como mejor les parezca”.
Hasta el momento podemos decir que enseñar arte, se debe de considerar que
“…es más que producción rutinaria o memorización…”86 de contenidos, temas,
fechas y nombres importantes. Ya que la enseñanza del arte puede ser una
alternativa para desarrollar la creatividad en alumnos y maestros.
Enseñar y aprender arte tiene que ver con ser creativos, con aspectos lúdicos,
enseñar arte es aprender de forma divertida sin regaños, y dejar a los alumnos
plena libertad de opinar y hablar acerca de lo que están viendo, actuar sin sentirse
reprimidos, pero sobre todo aprender arte es aprender la historia que cada obra
nos cuenta de su época y tiempo, disfrutar y deleitar nuestros sentidos.
Por lo tanto consideramos que “Los maestros deben estar preparados para
enfrentar simultáneamente toda una variedad de posibilidades de aprendizaje”87 y
tener presente que “…es tarea del educador establecer de tal modo las relaciones
entre las distintas disciplinas que el alumno se desarrolle hasta convertirse en un
individuo creativo. Tiene que aprender a encontrarse con su entorno de manera
abierta y sin prejuicios, a sopesar las distintas vías posibles y a abordar esas vías y
accesos desde los distintos sectores de su mundo experimental”88
86 Cohen, Dorothy. Cómo aprenden los niños. Fondo de Cultura Económica. México. 1997. p.39 87 Ibídem p. 56 88 http://www.minid.net/archivos/categorias/opiniones/que_es_arte.php
56
Nos perece de suma importancia que el hecho de que el docente no sea creativo
tanto para la enseñanza del arte como para el dar una clase de cualquier materia
influye totalmente en el aprendizaje del alumno volviendo a este un sujeto pasivo
que sólo recibe conocimientos y que por consecuencia este tampoco desarrolla su
creatividad.
Por lo que nos dimos a la tarea de realizar una propuesta que consiste en la
construcción de un taller que sirva para que el docente desarrolle su creatividad la
cual se expone en el siguiente capítulo.
57
Capítulo IV
Propuesta pedagógica para desarrollar la creatividad en la docencia
Debido a la falta de creatividad en algunos docentes de nivel primaria decidimos
redactar una propuesta pedagógica para contribuir a desarrollar su creatividad,
mediante el arte, es decir, realizando actividades artísticas como la escritura, la
pintura o la música, a partir de las cuales el docente puede despertar o desarrollar
su creatividad.
Lo que proponemos es la realización de un taller el cual “…es una nueva forma
pedagógica que pretende lograr la integración de teoría y práctica.”89 De esta
forma el docente además de despertar o desarrollar su creatividad pueda también
aplicarlo con sus alumnos, adaptándolo de acuerdo a las necesidades que estos
tengan.
Lo que se pretende con el taller es que los docentes conviertan toda la información
teórica en ideas innovadoras que podrán transmitir a sus alumnos en el momento
en que estos compartan sus conocimientos de arte con los educandos.
Durante la realización de nuestro servicio social dentro del Museo del Palacio de
Bellas Artes, donde realizábamos visitas guiadas y el taller post-visita a grupos
escolares de la exposición permanente del museo que son Los murales, pudimos
observar como el problema de la falta de creatividad del docente puede influir en
el aprendizaje del alumno, ya que nos dimos cuenta que muchas veces puede
resultar aburrido la enseñanza de algo que puede gustar a los alumnos en este
caso seria la enseñanza y explicación de los murales, ya que en muchos casos
89 Betancourt, Arnobio Maya. El taller educativo ¿Qué es? Fundamentos como organizarlo y dirigirlo, como evaluarlo. Colección Aula Abierta. Editorial Magisterio. Colombia. 1996. p.13
58
algunas de las explicaciones que el docente llegaba a realizar eran tan teóricas y
aburridas que los alumnos no ponían atención.
Debido a las observaciones realizadas en dicho museo y plasmadas en el Capítulo
III, llamado “Como alternativa: la influencia de la creatividad del docente de
primaria en el arte” y en los anexos de esta tesis, decidimos proponer un taller que
ayuda al docente a llevar creativamente sus explicaciones en el museo del Palacio
de Bellas Artes.
A continuación se presenta el desarrollo del taller “Las paredes hablan”,
denominado así porque está basado en la colección permanente que son los
Murales del Palacio de Bellas Artes y, por lo tanto son obras de arte plasmadas en
una pared. Estos murales nos cuentan hechos históricos, los cuales nos dejan
aprendizajes que al docente puede servirle para desarrollar una mejor enseñanza.
Taller: Las paredes hablan
Objetivo General:
Que los docentes sean capaces de desarrollar su creatividad para enseñar arte, por
medio de la exposición permanente, de obras de arte que se encuentran en los
museos.
Objetivos Específicos:
Que los docentes sean capaces de:
1. Descubrir su potencial creativo, expresarse libre y creativamente, trabajar
individualmente y en equipo de forma innovadora.
2. Realizar experiencias y vivencias de la manera más creativa posible.
59
3. Construir creativamente actividades basadas en documentos teóricos.
4. Compartir creativamente con sus alumnos sus conocimientos aprendidos
acerca de arte.
Actividades
La realización del taller se llevará a cabo por medio de diferentes actividades las
cuales están divididas en tres bloques: actividades de organización, ejecución y
evaluación.
1) “Actividades de organización”90
Objetivo general
Presentar a los docentes participantes en el taller “Las paredes hablan” las
actividades que se realizarán antes de iniciar el taller, las cuales son: la formación
de la comisión del trabajo, la selección de materiales e instrumentos y el
reglamento de trabajo.
Objetivos específicos
- Seleccionar a un encargado del taller que actué como anfitrión y acceda a
tomar la responsabilidad de la supervisión de material y el trabajo de sus
compañeros.
- Utilizar los materiales pertinentes que favorezcan el desarrollo del taller y
contribuyan con la fluidez de la creatividad del docente.
- Respetar y aplicar el reglamento establecido para el taller “Las paredes
hablan”
90 Zafferri, Luisa Emilia y Ramón Enrique Medina. Clubes y Talleres en el nivel de Educación Básica. Ediciones Braga. Buenos Aires 1993. p.91
60
“Formación de comisiones de trabajo”91para nombrar un encargado de
taller: será el responsable de dar la bienvenida al taller, mencionar el objetivo
principal de este y dar a conocer las instrucciones de cada actividad para
nombrar a las personas de apoyo quienes se encargarán de preparar el material
didáctico, de colocarlo en cada una de las mesas, de supervisar el trabajo de los
compañeros que participan en el taller, además de facilitar alguno de los
materiales que hagan falta. Cada una de las personas de apoyo tendrá a su
cargo una de las mesas de trabajo.
“Selección de materiales e instrumentos”92 como documentos teóricos
referidos, como por ejemplo la historia del Palacio de Bellas Artes, biografías de
los muralistas, textos sobre la expresión y apreciación gráfica: puntos, líneas,
color, figuras, formas, volumen, y como material didáctico: fotocopias, tijeras,
colores, marcadores, crayolas, resistol, plastilina, recortes de revistas, pintura
acrílica, acuarelas, venda de yeso, cartoncillo, agua, pinceles.
Reglamento de trabajo para los participantes del taller
1. El taller estará constituido por 12 participantes.
2. El número de personas se dividirá en cuatro partes iguales, con la finalidad de
colocar a cada una estas en las cuatro mesas existentes.
3. El encargado o anfitrión del taller tendrá la responsabilidad de explicar
detalladamente cada una de las actividades a los participantes, así como de
coordinar a su personal de apoyo, asignando una mesa a cada uno.
4. Las personas de apoyo tendrán la responsabilidad de coordinar su mesa
correspondiente, así como de brindar todos los materiales necesarios.
5. Los participantes deberán comprometerse a participar a lo largo de todas las
actividades desarrolladas en el taller.
91 Ibídem. p.93 92 Ibídem. p.91
61
2) “Actividades de ejecución”93
Objetivo general
Dar a conocer la importancia de participar en el taller “Las paredes hablan”, así
como aplicar diferentes técnicas que favorezcan la actitud de los docentes para
ayudar a desarrollar su creatividad en la enseñanza del arte.
Objetivos específicos
- Aplicar las técnicas denominadas las tres sillas e identificación con el objeto,
con la finalidad de socializar a los integrantes del taller.
- Que el docente reconozca que existen formas creativas para enseñar los
murales y la Historia del Palacio de Bellas Artes.
- Que el docente explote su creatividad e imaginación a lo largo de la
aplicación del taller.
- Que el docente logre vencer obstáculos como la timidez y el miedo al
fracaso y pueda expresar su creatividad frente a sus compañeros.
El anfitrión dará la bienvenida al taller a todos los participantes, mencionará la
finalidad del taller, así como también la importancia y resultado que este
reflejará en la enseñanza del docente hacia sus alumnos acerca de los murales
de Bellas Artes.
Socializar a los integrantes del taller, con la finalidad de que estos se sientan en
confianza con sus compañeros y logren adaptarse al espacio y al contexto en el
que se encuentran. Para cumplir con esto, se hará uso de algunas de las
estrategias mencionadas en el Capitulo II, las cuales son “Las tres sillas” e
“Identificación con el objeto”. El anfitrión deberá explicar adecuadamente la
técnica y deberá mencionar ¿Qué se hará? y ¿De qué forma se llevará a cabo?
62
El anfitrión mencionara el objetivo de la técnica al final de la realización de
ésta, para que los docente puedan expresar lo que sintieron y en que les pudo
haber favorecido dicha técnica. Primero se desarrollará la técnica denominada
“Las tres sillas” (ver capítulo II, página 29) que se trabajara con todo el grupo.
Posteriormente se comentara con el grupo que les pareció la técnica y se
evaluará. Una vez concluida la técnica anterior continuaremos aplicando la de
“Identificación del objeto” (ver capítulo II, página 42) y al termino de ésta se
comentara y evaluará.
Una vez lograda la sociabilización del grupo, el anfitrión deberá dividir a los
participantes en cuatro partes iguales, mostrando a cada uno ellos su lugar
correspondiente.
Se repartirá a cada docente una fotocopia del material teórico de la historia del
Palacio de Bellas Artes (ver anexo 1, Pág. 89) para que sea leído
minuciosamente y extraigan las ideas principales.
El anfitrión deberá indicar a cada equipo que existen cuatro formas creativas de
contar a sus alumnos la historia del Palacio de Bellas Artes, la primera es a
través de: un cuento, la segunda con un collage, un dibujo y una maqueta con
sopas y aserrín. El producto a elaborar se asignara al azar, un participante cada
mesa deberá tomar un papelito en el cual se encuentra escrita tal producto. La
actividad tendrá una duración de 30 minutos, ya que el artículo que se les
brindara es muy pequeño y su lectura puede ser de 5 minutos, dejando el resto
para la realización del producto.
Cada equipo contará a todos sus compañeros la historia del Palacio de Bellas
Artes, de acuerdo con el producto que le toco elaborar.
93 Idem
63
Se entregará el material teórico, sin imágenes de los murales (ver anexo 1, Pág.
98) cada uno de los grupos para que lo lean. Cada grupo contará con artículos
que contienen diferente información con el propósito de abrir posibilidades
diversas de explicar creativamente cada mural, los murales a trabajar son: “El
hombre controlador del universo” de Diego Rivera, “El nacimiento de nuestra
nacionalidad” de Rufino Tamayo, “El ángel de la paz o Alegoría del viento” de
Roberto Montenegro y “La liberación” Jorge González Camarena.
Una vez leído el artículo, el personal de apoyo repartirá a cada una de sus
mesas el material para que los docentes creen su propio mini mural de acuerdo
con lo que leyeron. El material es el siguiente: una manta de 20x20 cm, un
catoncillo del mismo tamaño, una brocha pequeña, un pincel, pinturas acrílicas y
acuarelas, una pequeña tina de agua para enjuagar los pinceles, un trapo
pequeño para secarlos y pegamento para pegar la manta al cartoncillo y
pequeños trozos de venda de yeso, con la finalidad de que también plasmen en
su mini mura las técnicas utilizadas por los muralistas.
Una vez terminada la actividad se reunirá a todos los participantes que
coincidan con el mismo muralista, cada uno explicara su mini mural, a partir de
las ideas más creativas que puedan surgir de su mente.
Una vez explicados los mini murales, se presentaran las fotografías originales de
cada uno de los murales para que con la imagen real puedan llegar a enseñarla
creativamente a sus alumnos. A esta actividad se le puede dar un tiempo
aproximado de una hora en lo que secan sus mini murales.
Se dará a cada equipo un documento de media cuartilla ene le cual se cuenta la
vida de cada uno de los muralistas (ver anexo 1 Pág. 91). Todo el equipo debe
volverse una sola persona, es decir, organizaran una presentación oral con la
biografía de uno de los artistas, y cada uno hablará sobre algún punto que le
64
haya parecido importante sobre la vida del artista, y la presentarán de forma
creativa por ejemplo: mediante títeres, guiñol, escenificación, poema, programa
de TV o de radio, etc. Esta actividad puede realizarse en 40 minutos, es decir 5
para leer el articulo, 10 para la presentación y 30 para presentarla.
El objetivo de dicha actividad es trabajar en equipo, no sentirse en ningún
momento incomodo por dejar que todas las personas presentes en esa habitación
se den cuenta de que tan creativos pueden ser y desplegar la espontaneidad de
cada sujeto ante el grupo.
El anfitrión realizará una serie de preguntas que los participantes contestarán de
acuerdo a sus posibilidades. Lo que se pretende es realizar una lluvia de ideas
para poder construir respuestas sobre los conceptos que se mencionan en las
siguientes interrogantes:
¿Qué es una línea?
¿Cuáles son los elementos por los que está constituido?
¿Las líneas darán forma a diferentes objetos? ¿A cuáles?
¿Qué son los puntos?
En conjunto los elementos (líneas y puntos) ¿Formarán algo? ¿Qué será?
¿Qué son los colores?
¿Los colores se pueden clasificar?
¿Los colores se pueden mezclar para dar originen a otros?
¿Existe alguna clasificación de los colores?
¿Los colores, los puntos y las líneas, se encontraran presentes en un
mutual?
¿Los colores, los puntos y las líneas darán forma, volumen y crearán
figuras?
65
Al término de la sesión de preguntas se llevará a cabo la presentación de todas
las posibles respuestas correctas a cada pregunta.
Al tener claro cada uno de los conceptos analizados en las preguntas anteriores,
el anfitrión pedirá al personal de apoyo reparta las hojas a cada uno de los
participantes y un lápiz o carbón. Esto con la finalidad de que dibujen algo en lo
que tengan que utilizar dichos conceptos.
Por último se pedirá a cada uno de los equipos que creen un guión para enseñar
a sus alumnos la expresión y apreciación grafica de los murales. Habrá un
representante de cada equipo que expresara o expondrá de forma creativa los
elementos trabajados en alguno de los murales. Esta actividad puede durar 40
minutos aproximadamente, 10 minutos para la lluvia de ideas, 10 para el común
acuerdo de conceptos, 10 para elaborar el guión y 10 para presentarlo.
La última actividad del taller consiste en hacer una visita guiada por los murales
del Palacio de Bellas Artes, simulando que los docentes son alumnos de
primaria, toda la información se adaptara a este nivel. La exposición se realizara
de forma creativa e innovadora, en donde no solo participa el expositor sino
también los visitantes*.
3) Actividades de evaluación
Objetivo general
Identificar, conocer y señalar los cambios presentes en la creatividad del docente
al concluir las actividades.
66
Objetivos específicos
- Identificar las características personales de cada uno de los docentes y
observar los cambios obtenidos en estas.
- Distinguir los cambios emocionales que presente el docente a lo largo del
taller.
- Observar la seguridad e inseguridad que presente el docente al finalizar el
taller.
- Conocer si el docente es capaz de adaptarse a las situaciones que se
presenten a lo largo del taller.
- Observar el grado de independencia en la realización de las actividades del
docente a lo largo del taller.
- Observar la capacidad del docente para superar fracasos y dificultades.
- Observar la capacidad del docente para desarrollar su trabajo, la
responsabilidad que ante este presente, así como identificar los estímulos
que requiere para realizar las actividades, además de notar la falta de
atención hacia estas.
- Observar y conocer la actitud positiva y negativa que cada uno de los
docentes presente ante el taller.
Partiendo de la idea de Lespada, la evaluación es “el proceso de delinear, obtener
y suministrar información útil para juzgar alternativas de decisión”.94
94 Lespada Juan Carlos. Aprender haciendo. Los talleres en la escuela. Editorial HVMANITAS. Argentina 1989. p.132 *Somos concientes de la falta de tiempo que los docentes tiene para poder asistir a un taller que puede favorecer el desarrollo de la creatividad, es por eso que nuestra propuesta puede ser realizada en un día, dependiendo de los tiempos que se den para cada actividad.
67
Con esta idea lo que se pretende es ir revisando cada una de las actividades que
se aplicaran durante el taller, con la finalidad de verificar que tanto ayudaron al
desarrollo de la creatividad del docente.
Cabe mencionar que esta evaluación no se asignará una calificación específica, se
evaluara de acuerdo a un control de los resultados y comentarios de los resultados
y comentarios de los maestros con los que se desarrolló el taller.
Lo que se calificará es lo siguiente:
Características personales
Estabilidad personal
Seguridad en sí mismo
Adaptación a situaciones nuevas
Autogestión
Resistencia a la frustración
Propósitos
Actitud frente el trabajo
Responsabilidad
Actividades grupales
Actitud ante el taller
Estas características fueron tomadas de Lespada aunque cabe mencionar que
algunas fueron modificadas. A fin de realizar tal evaluación se presenta un cuadro
de control en el que cada característica se valorará en un rango de 0 a 3 que
significa:
0: permanece igual
1: manifiesta un leve cambio positivo
2: cambios positivos significativos
3: cambios negativos
68
Y que este será el numero asignado al termino de la actividad sin que sea una
calificación tal y como ocurre en el salón de clases.
A continuación se presenta el cuadro en el que se anotará cada una de las
características antes mencionadas y la evaluación que tiene el docente. Lista que
consta de 80 características a evaluar a cada uno de los docentes.
Características personales Impulsivo Apático Alegre Divertido Triste Introvertido Extravertido Temeroso Inseguro Tímido Conciliador Cooperador Honesto Irritable Agresivo Egoísta Hipersensible Discutidor: negativo Discutidor: positivo Molesto Tiene crisis de nervios Intolerante Muy conversador y poco accionador Muy conversador y muy activo Conversador y pasivo Conversador y activo Grita Insulta con facilidad Es mentiroso Estabilidad emocional Excitable No reacciona Seguridad en sí mismo Muy seguro Indeciso Manifiesta problemas severos de autoestima
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Adaptación a situaciones nuevas Se adapta siempre rápidamente Evidencia resistencia a los cambios No se adapta Autogestión Es capaz de resolver problemas solo Requiere de ayuda Es muy dependiente e indeciso Le cuesta respetar los limites No respeta los limites Resistencia a la frustración Siempre supera sus fracasos y dificultades Se frustra y no supera sus dificultades Trata de ganar siempre y destacarse Acepta perder Utiliza el humor o la razón para superarlas Propósitos Manifiestos y seguros Limitados Sin manifestar sus propósitos. Desorientado Vacilante en su manifestación Actitud frente al trabajo Trabaja muy bien Requiere estímulo para trabajar Trabaja concentrado No se concentra en su trabajo Muy rápido Lento Responsabilidad Asume responsabilidad por sí mismo Asume responsabilidad pos otros Muy responsable Irresponsable Cuida materiales e instalaciones No se responsabiliza por su cuidado Actividades grupales Trabaja solo Trabaja siempre con un mismo compañero Trabaja en grupo
Va de grupo en grupo sin integrarse Se aísla Actitud ante el taller Ansiosa Positiva Muy motivada Algo indiferente Apático Le cuesta comenzar las tareas
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Se adapta bien a las tareas Mejora su estado de animo con el taller Demuestra interés Utiliza todo el espacio del taller Trabaja en un solo lugar Es excepcionalmente vital y activo
Cambios observados en los docentes al finalizar el taller “Las paredes
hablan”
Al término de las actividades realizamos una pequeña evaluación en la cual
tomamos en cuenta algunas de las características personales que mostraron los
docentes al realizar las actividades, de lo cual, podemos decir que si existió un
cambio notorio en algunos participantes.
Al inicio del taller algunos de los docentes se encontraban muy nerviosos, por lo
que comentaron algunas ideas que coincidían con las de otros participantes, estas
son:
- La forma de enseñar no había cambiado en años, por lo que sería difícil
llevar a cabo las actividades que realizarían.
- No es posible que logremos aprender en poco tiempo otra manera diferente
de enseñar arte de forma creativa.
- Si enseñamos arte de esta forma tal vez lleguemos a perder el respeto que
nuestros alumnos tienen hacia nosotros.
- Podemos perder el control del grupo
- Tal vez los niños no aprendan
- No podemos ser flexibles ante los niños
Cabe mencionar que al principio del taller un docente comento que nosotras por la
edad que tenemos y la poca experiencia dentro de la docencia, como era posible
que les enseñáramos algo de lo que ellos llevan años practicando, a lo que
71
respondimos que sólo les estábamos ofreciendo una opción para mejorar el
aprendizaje de los alumnos y que nos permitiera mostrárselas, ya que de ellos
dependería el aplicarlo o no y el cambiar su forma de enseñar o no.
A pesar de que algunos docentes llegaron al taller con la idea de continuar siendo
profesores tradicionales para enseñar arte, esta idea cambio al finalizar el taller, lo
reflejaron en el momento en que realizaron sus actividades en las cuales
mostraron desempeño y esfuerzo, lo cual no quiere decir, que lo hicieran por
sentirse forzados o presionados, al contrario en sus rostros se notaba alegría y
gusto por participar.
Los docentes que se mostraron temerosos al inicio del taller, lograron adaptarse y
obtener confianza en si mismos, liberándose de su inseguridad y su miedo a
fracasar ante sus compañeros.
A pesar de las diferencias que los docentes tenían con respecto a su forma de
enseñar arte, en todo momento cada uno de ellos mostró gran responsabilidad al
realizar cada una de sus actividades, además de brindar confianza y respeto a sus
compañeros.
Ser creativos durante unas horas no resulto difícil para algunos docentes,
aprender arte de forma creativa lo consideraron como un momento divertido e
incluso relajante, que disfrutaran aun más cuando lo lleven a la práctica con sus
alumnos.
Los docentes que participaron en el taller lograron vencer algunos obstáculos que
impiden el desarrollo de su creatividad, la mayoría estuvo de acuerdo que el mayor
obstáculo es el miedo al fracaso seguido del miedo al cambio.
Por lo tanto podemos decir que el taller “Las paredes hablan” favoreció a los
participantes para poder vencer ciertos obstáculos que truncan el desarrollo de la
72
creatividad, también logro cambiar las ideologías de los participantes con respecto
a continuar enseñando arte de forma tradicional, ahora los docentes se proponen
ser, innovadores, flexibles, originales y creativos para favorecer el proceso de
enseñanza-aprendizaje con respecto al arte.
73
Conclusiones
Al finalizar este trabajo hemos llegado a la conclusión de que la creatividad es una
herramienta que puede ser útil para los docentes, al desarrollar sus actividades
educativas en el salón de clases con los niños de primaria, ya que los profesores
pueden utilizarla y lograr un mejor aprendizaje en el niño.
La creatividad es una herramienta que el docente debe tomar en cuenta para
progresar y triunfar en su actividad laboral, ya que este debe de producir
constantemente ideas innovadoras para dar sus clases y no reproducir día a día,
año con año las mismas actividades que pueden llegar a obstaculizar su
creatividad y perjudicar el aprendizaje de sus alumnos.
Creemos que los docentes logran desarrollar la creatividad en sí mismos y en sus
alumnos a través de estrategias innovadoras y creativas que pueden ser aplicadas
en la educación primaria, las cuales ayudarán a vencer barreras como el temor al
fracaso, al ridículo y a la inseguridad. De esta forma la influencia de la creatividad
docente llega a ser positiva en el aprendizaje de sus alumnos, es decir, los
maestros no solo enseñarán a memorizar los contenidos educativos, sino que
mostrarán a sus alumnos su potencial creativo al dar sus clases divertidas y
sencillas, dejando atrás las clases aburridas y difíciles.
Pensamos que la creatividad del docente favorece la enseñanza y aprendizaje del
niño de primaria, por lo cual el profesor debe de tomar en cuenta, para sus
actividades educativas, diversas acciones que despierten su propia personalidad
creativa. Por lo tanto el docente puede utilizar una gran cantidad de recursos
materiales que pueden servir como apoyo para favorecer su creatividad y la de sus
alumnos.
74
La creatividad no forma parte únicamente de personas superdotadas sino que es
una cualidad encontrada normalmente en todos los sujetos. Aunque todos
poseemos la capacidad de ser creativos, la creatividad es un atributo que en
algunas personas se expresa con mayor amplitud y en otras de manera muy
sencilla, a pesar de que la creatividad es una característica de todos los individuos,
sólo unos han sabido desarrollarla y otros la han dejado a un lado.
Por lo tanto creemos que todos los sujetos poseemos creatividad y que es
importante estimularla para que salga a flote. Sabemos que la creatividad es
innovar, buscar, indagar, inventar, jugar, crear y, más que eso, tener la
oportunidad de mirar, desde puntos de vista diferentes, hacia diversas puertas que
nos otorguen gran variedad de respuestas.
Alcances y limitaciones de la investigación
Al finalizar el trabajo, logramos darnos cuenta de lo siguiente:
Alcances
La creatividad es una característica que forma parte de los seres humanos,
consiste en la habilidad que poseemos todos los sujetos para generar ideas
nuevas e innovadoras, la creatividad hoy, es una pieza clave en la vida de los
individuos para vivir, crecer y triunfar.
La creatividad no es una característica que poseen ciertas personas
privilegiadas cómo artistas y genios, sino qué es propia de todos los sujetos. La
creatividad es una herramienta a la que todos podemos tener acceso, la cuál
podrá crecer y desarrollarse si la trabajamos día con día.
75
Por medio de diversas técnicas que pueden ser aplicadas durante las clases o
talleres se puede explotar la creatividad que cada individuo lleva consigo, es
necesario desarrollar la creatividad a través de la estimulación de ciertas
características como la flexibilidad, la fluidez y la originalidad, además de
trabajar en la disminución de obstáculos psicológicos, físicos y sociales que
truncan la creatividad de las personas.
Algunos docentes crean ambientes diferentes en los cuales los niños son
capaces de realizar actividades creativas al sentirse en un ambiente libre de
expresión alejados, de toda aquella represión que algunos docentes suelen
utilizar para enseñar y más que eso para controlar. Por lo tanto, es necesario
manejar a la creatividad cómo una alternativa para el trabajo de primaria y de
esta forma lograr el interés de los niños para qué asistan con gusto a clases, se
diviertan durante su estancia en ésta y logren un mayor aprendizaje.
El docente puede cambiar su forma de pensar con respecto a la manera en que
imparte sus clases, puede alejarse de la monotonía y el tradicionalismo para
transformarse en un docente creativo e innovador, lo cuál será favorable para el
desarrollo de sus clases y el aprendizaje de sus alumnos.
La existencia de diferentes formas para detener el desarrollo de la creatividad
en docentes y alumnos, puede ser rebasado por el trabajo diario formado por
una actitud de cambio en dónde se puede dejar atrás las barreras que detiene
la innovación.
Limitaciones
A pesar de que la creatividad forma parte de todos los sujetos, sólo algunos son
capaces de poder desarrollarla.
76
De forma creativa algunos docentes intentan que los alumnos se integren a un
trabajo innovador, pero la falta de materiales e interés de los alumnos truncan
la creatividad personal y del grupo con que trabaja.
Nos encontramos frente a docentes responsables con gran vocación y
convicción por el trabajo que realizan en la educación, a pesar de estas
características descartamos la creatividad de la clases que imparten, a pesar de
ser profesores que aman lo que hacen continúan transmitiendo año con año y
de igual forma los mismos contenidos.
La falta de diálogo entre grupo y docentes truncan la creatividad de los que se
encuentran inmersos en algún lugar, ya que al no comunicar nuevas
experiencias, ideas o reflexiones, no es posible crear algo, no es posible aportar
alguna cosa e idea a alguien más, lo anterior es consecuencia del miedo que
presentan los docentes al qué dirán, a la inseguridad y a la falta de confianza en
sí mismos y en los que lo rodean.
Para algunas personas ser un sujeto creativo no es sencillo, debido a las criticas
propias hacia su persona y las diversas formas que utiliza para llevar a cabo sus
actividades.
Existen maestros que aún continúan con el poder del dominio, cómo docentes
tradicionalistas y conformistas que sólo realizan su trabajo con la finalidad de
recibir un sueldo, sin importar la respuesta que presenten los alumnos con
respecto a los contenidos aprendidos ó sí la forma en que enseñan los docentes
es correcta.
La falta de sencillez y tolerancia para aprender a desarrollar la creatividad
también es un factor que impide que un sujeto sea capaz de aprender y realizar
creativamente actividades para el mismo y para las personas que lo rodean.
77
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87
88
Anexo 1
Material teórico que puede apoyar el taller “Las paredes hablan”
89
Historia del edificio del Palacio de Bellas Artes
Durante el porfiriato en México surgió entre la alta sociedad una tendencia por
imitar los estilos europeos, tanto en costumbres de la vida cotidiana como en
modelos arquitectónicos. Esto dio como resultado que, a principios de este siglo,
se ideara el proyecto para la construcción del nuevo Teatro Nacional. Así, se
demolió el que ya existía y el 1 de octubre de 1904, frente a la Alameda Central,
se comenzó la construcción de los cimientos del que se convertiría en el Palacio de
Bellas Artes.
El proyecto fue realizado por el arquitecto italiano Adamo Boari, quien diseñó un
edificio que incorporaba los avances tecnológicos de los mejores teatros de la
época. El edificio se caracterizaba por organizar las salas en torno a un gran hall,
rematado por una triple cúpula situada entre el vestíbulo y la sala de espectáculos.
Esta sala tendría forma de embudo, para lograr así los mejores efectos acústicos y
visuales. Su cupo sería de 1791 personas distribuidas entre palcos aislados,
generales, lunetas y galerías. También contaría con un palco presidencial, situado
exactamente a media sala, con dos elevadores privados y un gabinete de aseo.
Originalmente la construcción del edificio duraría cuatro años, pero se fue
alargando a causa de los hundimientos del terreno y del movimiento armado de
1910. Hacia 1915 era poco lo que se hacía; Boari deja el país en 1916 y a lo largo
de los siguientes tres lustros se hicieron algunos trabajos de poca envergadura,
hasta que se reinician las obras en 1932, bajo la dirección del arquitecto mexicano
Federico Mariscal.
Entre todas estas impresionantes obras de arte se encuentran los no menos
famosos murales realizados por Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro
Siqueiros, Rufino Tamayo y Jorge González Camarena, pensados por sus autores
90
para el espacio en que se encuentran. Además, están otros murales de Roberto
Montenegro y Manuel Rodríguez Lozano.
Después de inaugurarse el Palacio, se alojaron en el edificio el teatro y sus
dependencias anexas, el Museo Nacional de Artes Plásticas, la Sala de Exposiciones
Temporales, el Museo del Libro, la biblioteca y el restaurante. En 1946, año de
creación del INBA, el Palacio de Bellas Artes pasó a ser sede de esta institución.
Información obtenida de:
http://www.cnca.gob.mx/cnca/buena/inba/bartes/obartes.html
91
Biografías de los muralistas
Diego Rivera (1886-1957), pintor mexicano que realizó murales con
temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este
siglo. Nació en Guanajuato y se formó en la Academia de Bellas Artes de
San Carlos, en la ciudad de México. Entre 1907 y 1921 estudió pintura en
Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las
innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de
Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921
regresó a México, donde desempeñó un papel determinante en el
renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado
por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos sobre la historia y los
problemas sociales de su país en los techos y paredes de edificios
públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase
trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance. Entre 1923 y
1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de Educación en la
ciudad de México, pero su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para
la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el
desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza.
Diego Rivera pintó murales en el palacio de Cortés, en Cuernavaca
(1930), y en la Secretaría de Salubridad. En 1929 se casó con Frida
Kahlo, considerada una representante insigne de la pintura introspectiva
mexicana del siglo XX. Fue uno de los fundadores del Partido Comunista
Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados Unidos; su
obra allí incluye un mural (1932-1933) para el Instituto de Bellas Artes de
Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado para el
nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York y
destruido poco después de su realización porque contenía, al parecer, un
92
retrato del líder soviético Lenin. Un año después, Rivera lo reprodujo para
el palacio de Bellas Artes de México.
En 1935 concluyó uno de sus proyectos más ambiciosos: los frescos para
la escalera monumental del palacio nacional de la ciudad de México, con
su propia interpretación de la historia de su país, desde los tiempos
precolombinos hasta la actualidad. En la década de 1940 pintó dos
grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología (1944) y otro
gran mural para el hotel del Prado, Sueño de la alameda (1947), de tema
histórico-crítico. Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras
naturales, como las del estadio de la ciudad universitaria de México o el
del teatro de los Insurgentes, ambas en el exterior.
José Clemente Orozco (1883-1949), pintor muralista mexicano,
contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al
fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas
desde los tiempos del renacimiento.
Orozco nació en Zapotlán, Jalisco, el 22 de noviembre de 1883. A los 7
años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios
superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de
Bellas Artes. Conoció el taller del grabador José Guadalupe Posada, que
lo impresionó y cuya influencia marcaría toda su obra. En 1922 se unió a
Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y
escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el
patrocinio del gobierno mexicano. Una de sus primeras y más destacadas
obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional
Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana.
Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos. Allí realizó un grupo de
93
murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el
Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego
Prometeo. Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College
(1932-1934) escenifican la historia de América con la serie La llegada de
Quetzalcóatl, El retorno de Quetzalcóatl y Modern industrial man. De
regreso a su país realizó grandes murales en el Palacio de Bellas Artes
(1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México,
además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de
Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio
Cabañas. En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por
las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus
murales. En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando
sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más
al expresionismo. Orozco murió en México DF. el 7 de septiembre de
1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que
por primera vez se dio en México a un pintor.
David Alfaro Siqueiros (1896-1974), pintor mexicano, uno de los más
famosos muralistas de su país junto a Diego Rivera y José Clemente
Orozco. Siqueiros nació en Chihuahua y se formó en la Escuela de Bellas
Artes de México y en la escuela de Santa Anita de esta ciudad. Participó
en el renacimiento de la pintura al fresco efectuada bajo el patrocinio
gubernamental de las decoraciones murales en edificios públicos (véase
Muralismo).
Vivió en París, Barcelona y Estados Unidos. Regresó a México y organizó
el sindicato de pintores, escultores y grabadores revolucionarios. Miembro
del Partido Comunista Mexicano, fundó su periódico El Machete y se
dedicó al activismo político, representando en sus frescos temas de
dinámica revolucionaria para alentar a las clases sociales más
94
desfavorecidas. Sus pinturas representan una síntesis muy particular de
los estilos futurista, expresionista y abstracto, con colores fuertes e
intensos. En 1962, el gobierno mexicano sentenció a Siqueiros a ocho
años de prisión por organizar disturbios estudiantiles de extrema
izquierda dos años antes; el artista fue indultado en 1964. Sus obras más
monumentales son: Marcha de la Humanidad (1971), realizada después
de su salida de la cárcel, que decora las paredes del Hotel de México, y
que ocupa una superficie de 4.600 m2 de paneles articulados, y Del
porfirismo a la revolución, de 4.500 m2, en el Museo de Historia Nacional
de la ciudad de México. Recibió el Premio Nacional de Arte de México y el
Premio Lenin de la Paz.
Manuel Rodríguez Lozano (1896-1971), pintor mexicano, clasicista,
que buscó las raíces de su expresión en la vida del pueblo.
Nació en la ciudad de México en 1895 donde tuvo una formación
autodidacta. A los diecinueve años viajó a Europa y permaneció en París
ocho años, en contacto con las vanguardias europeas. De regreso a
México en 1921, empezó a trabajar como profesor de dibujo. En 1940 fue
nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas, y fundó la revista
Artes Plásticas. En 1941 fue encarcelado por motivos políticos y durante
el encierro escribió el libro Pensamiento y Pintura, que publicaría en
1960. Murió en 1971, en la misma ciudad que le vio nacer.
El ultranacionalista Rodríguez Lozano centra la temática de su obra en el
drama, la angustia y la desolación, aunque rechaza por efímeras la
política, la anécdota y lo pintoresco. Dentro de la corriente nacionalista
mantuvo una actitud crítica frente al muralismo mexicano. Fue un
excelente dibujante, de composiciones sencillas, pocas figuras y paleta
reducida. Entre 1922 y 1929 se aparta del clasicismo que le caracterizaba
95
para ganar en libertad y su expresión se hace dura y fuerte. En 1933
realiza una serie de tableros sobre La muerte (Colegio F.S. Iturbe,
México) de gran pureza. A los desnudos poéticos de finales de la década
de 1930, siguen una serie de figuras y paisajes desolados, el color casi
desaparece y el drama se acentúa (Compartiendo la tragedia, 1941). En
sus últimas obras utilizó preferentemente la combinación del negro para
el fondo y el gris para las figuras (La esperanza, La madre tierra). Como
muralista realizó desde 1940 alguna intervención en la ciudad de México
(La piedad, Penitenciaría, 1942). También cultivó con gran originalidad el
retrato (Francisco Iturbe, 1940; Autorretrato, 1942).
Rufino Tamayo (1899-1991), nacido en Oaxaca, pintor mexicano cuyo
estilo combina temas populares autóctonos con las formas artísticas de la
vanguardia europea como el cubismo. Su obra evolucionó de una pintura
de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias
posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la
temática social. Tamayo también recuperó la pintura de caballete, que
combinó con la pintura mural de carácter social, como La revolución
(1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo cual marchó a vivir a
Nueva York. En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería de
Arte Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las figuras
fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y
compleja composición inspirada en el cubismo francés. Sus obras gozaron
de un reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias
decoraciones murales como Homenaje a la raza (1952), en París, o
México hoy (1953, Palacio de Bellas Artes, México). Le siguieron otros
murales como América (1956, Banco del Suroeste, en Houston), el de
mayor envergadura que ejecutó, y para el nuevo edificio de la UNESCO
en París realizó Prometeo (1958) y, posteriormente, Eclipse total (1977).
96
En 1943 Tamayo realizó su primera obra completamente abstracta, La
naturaleza y el artista (Smith College Collection, Northampton,
Massachusetts). Muchas de sus obras siguientes en la década de 1950
desarrollaron esta tendencia hacia la abstracción unida a un estilo
sumamente emocional y violento. Tamayo fue un gran conocedor del arte
prehispánico y en 1974 donó su espléndida colección de piezas de ese
periodo a su ciudad natal. En la capital mexicana se encuentra el museo
que lleva su nombre y que fue inaugurado en 1981. Se trata de uno de
los centros de arte contemporáneo más modernos del mundo en el que
se exhiben obras de más de 150 artistas internacionales. La donación del
museo y de casi la totalidad de su acervo artístico al pueblo de México
representó una de las mayores satisfacciones para el pintor y artista
gráfico. Además de sus obras monumentales, la permanencia de Tamayo
radica en la belleza de los retratos que pintó de su esposa Olga y en la
sensualidad que despiertan sus inolvidables cuadros de sandías.
Roberto Montenegro (1885-1968), pintor mexicano, una de las
grandes figuras del movimiento muralista en su país.
Nació en Guadalajara, Jalisco, y comenzó sus clases de pintura en el taller
de Félix Bernardelli. Más tarde, ya en la ciudad de México, ingresó en la
Academia de San Carlos, donde fue alumno de Julio Rúelas y Antonio
Fabrés, entre otros. En 1906 obtuvo una beca para perfeccionar sus
estudios en la École de Beaux-Arts de París, donde conoció a Picasso,
Juan Gris y Jean Cocteau y colaboró en publicaciones como Le Témoin y
Mundial. En 1910 partió hacia Madrid, y durante su estancia en la capital
de España trabajó para la revista Blanco y Negro. Con el estallido de la I
Guerra Mundial se vio obligado a trasladarse a la isla de Mallorca. Allí
conoció a Anglada Camarasa y realizará su primer mural para el casino de
Palma de Mallorca. En 1920 regresó a su país, y un año después, el
97
recién nombrado secretario de Educación, José Vasconcelos, le encargó el
fresco del convento de San Pedro y San Pablo. A partir de entonces se
convirtió en un férreo defensor y admirador del arte popular mexicano,
tema sobre el que publicó varios libros y organizó muestras. También se
interesó por el diseño de escenografías teatrales y destacó como un
consumado retratista. Murió a bordo del tren en el que viajaba de México
a Pátzcuaro.
Jorge González Camarena (1908-1980), muralista, pintor y escultor
mexicano que formó parte de la generación de artistas que buscaron
reafirmar las bases nacionales del arte. Iniciador de la corriente de
integración plástica, su obra se adscribe al realismo social de la escuela
mexicana.
Nació en Guadalajara, Jalisco, y en 1918 se trasladó con su familia a la
ciudad de México. En 1922 ingresó en la Escuela Nacional de Artes
Plásticas de San Carlos y al finalizar sus estudios inició su actividad
artística en el campo de la publicidad. En colaboración con el Doctor Atl,
en 1925 ilustró la obra Las iglesias de México. Entre su extensa
producción como muralista se incluye el fresco Historia de México (1955),
en la biblioteca del Tecnológico de Monterrey, el mural Liberación (1959),
en el Palacio de Bellas Artes, el tablero La conquista (1960), para el
Museo Nacional de Historia, el mural Las razas (1964), para el Museo
Nacional de Antropología, y el gran acrílico de 300 m2 para la Universidad
de Concepción, Chile, titulado Integración de América Latina (1965). En
1970 le fue concedido el Premio Nacional de Artes.
Información obtenida de: Antología de muralismo elaborada por servicios educativos del Museo del Palacio
de Bellas artes.
98
Alegoría del viento "El ángel de la paz" 1928
Roberto Montenegro
Esta figura se muestra como un ángel, impulsado por dos pequeños eolos que
soplan con fuerza desde los extremos inferiores del mural, trazando un
cruzamiento de ejes diagonales que triangulan la composición y el espacio
pictórico.
El ángel que asciende marca una simetría axial en la composición y genera un
espacio pictórico de riguroso orden geométrico, en el que se pueden ver dos
triángulos: uno invertido donde se encuentra la figura del ángel y otro en cuya
base descansa la parte inferior y tiene sus vértices en los diosecillos de los vientos.
Se trata de una composición sólidamente estructurada, con ejes o líneas de fuerza
configurados por la horizontalidad de las alas y brazos del ángel, por la verticalidad
de los pliegues de su túnica y por diagonales cruzadas que señalan el curso de los
99
vientos exhalados por las pequeñas deidades.
El ángel del mural del Palacio de Bellas Artes presenta un carácter andrógino,
extraño, estático pese a la supuesta ascensión que le da impulso de los vientos;
ángel de alas bellísimas, superpuestas en tres secciones, que forman un bloque de
contrapeso con la esbelta figura vertical, concebido con una economía de líneas y
una sobriedad tal que pertenece por derecho propio, a los pocos ejemplos del Art
decó en la pintura mexicana.
100
La piedad en el desierto, 1942
Manuel Rodríguez Lozano
Rodríguez Lozano explicó que La piedad en el desierto es producto de una etapa
de profunda reflexión espiritual, movido por "una inmensa piedad para [con] los
desvalidos".
La obra es una gran composición solucionada a base de dos figuras monumentales
en un espacio contrito. Una madre -metáfora de la humanidad entera- recibe entre
sus manos y piernas, el cuerpo inerte de su hijo fallecido. El drama universal de la
injusticia contenida, se plasma entre los azules y grises áureos de solitaria agonía.
El tema está vinculado con el del patetismo cristiano de los ex votos y retablos
101
mexicanos, fuentes reconocibles en la obra de Rodríguez Lozano.
La pintura es una alegoría de corte metafísico.
Realizado hacía 1942, esta obra refleja la otra cara del muralismo, que evade la
visión de lo pintoresco o dogmático y que en cambio, abunda en alusiones
metafísicas de corte neoclásico. La piedad en el desierto resalta un mural que
reúne el drama particular y la vida de un pintor.
102
Nacimiento de nuestra nacionalidad
Rufino Tamayo 1952
La parte central mayor que las laterales, está dividida en dos secciones
horizontales: en la de arriba el centauro está conformado por un aerodinámico e
hiperactivo conquistador blanco montado en un furioso caballo que semeja una
poderosa máquina de destrucción. Abajo, una madre indígena, de rostro en
escorzo color café, alumbra una criatura café y blanca, colores todavía separados
en su cuerpo en porcentajes iguales.
El tríptico contiene en su tramo izquierdo la columna griega, que ha llegado con el
hombre blanco. Tamayo le da el valor de signo de la cultura europea implantada
103
sobre un montón de ruinas de construcciones aborígenes. En el lado opuesto un
templo pétreo de poderosa arquitectura sigue en pie iluminado por la enceguece
dora luz de un eclipse. Bajo esta luz repta una serpiente, representación de
Quetzalcóatll, divinidad creadora y fecundante de la cultura y las artes. A
contraluz, un fantasmal árbol. Deshojado extiende sus secas ramas como espadas
medallas de una lucha perdida.
104
El hombre controlador del universo 1934
Diego Rivera
Al centro se ve una figura masculina que corresponde a un obrero que controla a
través de una maquinaria el macrocosmos, el microcosmos representados en las
enormes aspas de una equis; controla la vida misma, según se ve en un tubo de
cristal, y aún más, el hombre está en posesión de \a bomba atómica, según la
imaginó el artista, en una esfera de cristal sostenida por una mano, en cuyo
interior hay delicados aparatos científicos; la energía molecular también está bajo
control del hombre. Aristóteles pierde rigidez y deja de amenazar con un rayo,
carece de manos y de su cuello cuelga una cruz que simboliza al tomismo, a la
religión cristiana. Otra novedad la constituye la presencia de Charles Darwin, el
autor de la teoría de la evolución de las especies, el célebre sabio inglés aparece
con una escala métrica con la que mide el alcance de los grandes cambios
operados en las especies animales hasta llegar al hombre; como el único parlante
es el perico, Diego Rivera no se olvidó de incluirlo.
105
Abajo de la enorme escultura decapitada que simboliza al fascismo, reunió un
grupo de magníficos retratos de los líderes del comunismo, retratos sólo
comparables al de Lenin, el cual es soberbio pese al idealismo con el cual Rivera lo
vio. El grupo inicia con la imagen enérgica de León Trotsky, quien sostiene,
auxiliado por sus camaradas, un banderín rojo en el que está inscrito en varios
idiomas el lema Proletarios de todos los países uníos en la Cuarta Internacional. A
continuación pintó el retrato de un personaje sin identificar, le siguen Federico
Engels y Carlos Marx portando los manuscritos de El capital.
106
Katharsis 1934-1935
José Clemente Orozco
Orozco utilizó imágenes de máquinas con el propósito de "advertir sus peligros
más que sus virtudes". La iconografía ofrece un espectáculo de masa, las mujeres
ocupan un lugar prominente y el horizonte que la masa forma está limitado por el
fuego.
La presencia dé las mujeres como La Chata ofrece la forma grotesca que
caracteriza tanto a esta figura como a la cabeza de la rubia bizca que está al lado,
separada de la anterior mujer por las diagonales firmes de las bayonetas. De la
tercera figura femenina a la derecha (del espectador) sólo se ve el perfil I que
tiene los párpados pintados de azul y se apoya sobre una caja fuerte abierta.
Aunque se trate de mujeres de placer, son horribles. La rubia no ríe de igual
107
manera a como ríen las otras (aunque sí distienden la boca enseñando los dientes
en expresión demencial).
La mano profusamente ensortijada de "La Chata" se posa sobre piezas mecánicas:
no lleva más atuendo que un collar corriente de varias vueltas y las imprescindibles
medias que terminan arriba de las rodillas.
El fuego es uno de los cuatro elementos básicos: creador, purificador y destructor.
108
Liberación,"La humanidad se libera de la miseria", 1963
Jorge González Camarena
El mural nos ofrece múltiples posibilidades de lectura visual, aunque hay consenso
en que se trataba de una interpretación de la esclavitud (física y moral) del
hombre y la mujer, seres que son capaces de liberarse por medio del
conocimiento, de la verdad.
González Camarena no propone una liberación como resultado de la violencia
revolucionaria, sino una liberación más bien espiritual, a través de la exaltación de
los valores culturales, del destierro de la ignorancia y del rompimiento de las
ataduras ideológicas de cualquier signo. Estos motivos quedan plasmados en los
distintos personajes que conforman las tres escenas del mural: A la izquierda se
muestra la miseria física y espiritual (una crítica a las políticas agrarias de los
109
regímenes posrevolucionarios), al centro aparece el proceso de liberación, y a la
derecha, está la luz de la libertad, la libertad espiritual.
Información obtenida de:
Antología de muralismo elaborada por servicios educativos del Museo del Palacio de Bellas artes.
110
Anexo 2
111
La siguiente observación fue realizada a un grupo de niños de sexto
año de primaria, donde el grupo tuvo el apoyo de dos profesores
para la realización de la visita.
- ¿Saben en donde están?, pregunta el profesor a sus alumnos
- Sí, en el Palacio de Bellas Artes, responden
- ¿y ustedes saben quién fue la persona que lo mando construir?, los
interroga la profesora que los acompañaba.
- ¡no!, responden los alumnos al mismo tiempo
- Niños, ¿recuerdan quién era el presidente durante la Revolución
Mexicana?, pregunta el maestro
- ¡Sí!, ¡Porfir io Díaz!, responden los niños animosamente
- Muy bien, entonces más o menos por que fechas se construyo el
Palacio de Bellas Artes, interroga el profesor
En tanto sus alumnos no responden, la profesora les da una clave y
les pide que recuerden en que año se l levo a cabo la Revolución
Mexicana.
- En 1910, responden los alumnos
Profesor: en 1910 verdad, pero ahora usemos las matemáticas, el
Palacio de Bellas Artes terminó de construirse 24 años después y la
construcción duró 34 años, entonces quiero que me digan en que año
inició la construcción y en cuál terminó.
112
- Inicio en 1904 y terminó en 1934, responden los alumnos al tiempo
que preguntaron ¿Por qué tardaron tanto tiempo en construirlo?
- ¿Qué le paso a México, con la Revolución?, pregunta el maestro
- Murió mucha gente, respondió un pequeño con un volumen de voz
elevado
- Sí, y que mas paso, dijo el profesor ansioso por recibir más
respuestas
- Se dieron muchas peleas y nos quedamos sin dinero, respondieron
algunos niños al mismo tiempo
- Muy bien, entonces si nos quedamos sin dinero que paso con la
construcción del Palacio, pregunto el maestro a todos los niños
- Dejo de construirse, porque nuestro país no tenía dinero para
comprar material y pagarle a los albañiles, respondió una pequeña
con una sonrisa en la boca
- Sí, esa es la razón, respondió el maestro, segundos después
comento, también de que una persona muy importante en la
construcción del palacio se retiro de nuestro país, hay una persona
que diseña los planos de las construcciones de los edificios, dijo el
profesor y pregunto a los alumnos ¿como se les l lama a esas
personas?
- Se l laman arquitectos, respondieron los alumnos
113
- Así es la construcción del palacio la realizaron dos arquitectos, el
primero fue Adamo Boari que l lego desde un país que tiene forma de
bota, contestó el docente y pregunto a los niños, ¿saben cuál es?
- Sí, se l lama Ital ia, respondieron la mayoría de los alumnos
- Exacto, y el segundo arquitecto, se l lama Federico Mariscal, y el era
mexicano, dijo el maestro
- Ya se dieron cuenta que el palacio esta l leno de colores, cuestiono
la profesora a sus alumnos.
- Sí, además las piedras con las que construyeron el palacio tienen
como conchitas en su interior respondieron los alumnos, al mismo
tiempo que miraban hacia las paredes del palacio para rectif icar sus
respuestas
- Es verdad, esas piedras se l laman mármol, y fueron traídas de
diferentes estados de la República, y los diferentes colores
representan un estado de nuestro país, respondió el docente
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