universidad tÉcnica particular de lojadspace.utpl.edu.ec/bitstream/20.500.11962/22194/1/segarra...
TRANSCRIPT
UNIVERSIDAD TÉCNICA PARTICULAR DE LOJA
La Universidad Católica de Loja
ÁREA TÉCNICA
TITULO DE LICENCIADO EN ARTE Y DISEÑO
Elementos precolombinos aplicados a ilustración grafica Doncella Jama
TRABAJO DE TITULACIÓN
AUTOR: Segarra Castillo, Marjhori Tatiana
DIRECTOR: Bermeo León, Carlos Byron
LOJA-ECUADOR
2018
Esta versión digital, ha sido acreditada bajo la licencia Creative Commons 4.0, CC BY-NY-SA: Reconocimiento-No comercial-Compartir igual; la cual permite copiar, distribuir y comunicar públicamente la obra, mientras se reconozca la autoría original, no se utilice con fines comerciales y se permiten obras derivadas, siempre que mantenga la misma licencia al ser divulgada. http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/deed.es
2018
ii
APROBACIÓN DEL DIRECTOR DEL TRABAJO DE TITULACIÓN
Mtro.
Carlos Byron Bermeo León.
DOCENTE DE LA TITULACIÓN
De mi consideración:
El trabajo de titulación: “Elementos precolombinos aplicados a la ilustración gráfica
“Doncella Jama” realizado por la profesional en formación: Marjhori Tatiana Segarra Castillo;
cumple con los requisitos establecidos en las normas generales para la graduación en la
Universidad Técnica Particular de Loja, tanto en el aspecto de forma como de contenido, por la
cual me permito autorizar su presentación para los fines pendientes.
Loja, marzo 2018
f) …………………………….
iii
DECLARACIÓN DE AUTORÍA Y CESIÓN DE DERECHOS
Yo, Marjhori Tatiana Segarra Castillo declaro ser la autora (a) del presente trabajo de fin de
titulación: Elementos precolombinos aplicados a ilustración gráfica “Doncella Jama”, de la
Titulación de Arte y Diseño, siendo Mtro. Carlos Byron Bermeo León director del presente
trabajo; y eximamos expresamente a la Universidad Técnica Particular de Loja y a sus
representantes legales de posibles reclamos o acciones legales. Además, certificamos que las
ideas, conceptos, procedimientos y resultados vertidos en el presente trabajo investigativo, son
de nuestra exclusiva responsabilidad.
Adicionalmente, declaramos conocer y aceptar la disposición del Art. 88 de Estatuto Orgánico de
la Universidad Técnica Particular de Loja que en su parte pertinente dice: “Forman parte del
patrimonio de la Universidad la propiedad intelectual de investigaciones, trabajos científicos o
técnicos y tesis de grado que se realicen a través, o con apoyo financiero, académico o
institucional (operativo) de la Universidad”
f………………………………….
Autor: Segarra Castillo Marjhori Tatiana
Cedula: 1104220874
iv
DEDICATORIA
A toda mi familia, principalmente, a mis padres y mis hermanos, quienes han sido un pilar
fundamental en mi formación profesional. Gracias por brindarme la confianza, los consejos, las
oportunidades y los recursos para lograrlo. Gracias por estar siempre en esos momentos difíciles
brindándome su amor, paciencia y compresión.
A mis amigos, con quienes compartimos todos estos años.
v
AGRADECIMIENTO
Agradezco a Dios por la fortaleza para concluir todo lo que me he propuesto.
A toda mi familia que me apoyó incondicionalmente para concluir esta etapa de mi vida. Mi
gratitud a mis padres por su apoyo y sacrificio absoluto.
A mi tutor Mtro. Carlos Bermeo por su paciencia, comprensión y entera disposición al guiar este
trabajo.
vi
ÍNDICE DE CONTENIDOS
CARÁTULA ............................................................................................................................ i
APROBACIÓN DEL DIRECTOR DEL TRABAJO DE FIN DE TITULACIÓN .......................... ii
DECLARACIÓN DE AUTORÍA Y CESIÓN DE DERECHOS.................................................. iii
DEDICATORIA ......................................................................................................................iv
AGRADECIMIENTO .............................................................................................................. v
ÍNDICE DE CONTENIDOS ....................................................................................................vi
ÍNDICE DE IMÁGENES ........................................................................................................ vii
RESUMEN ............................................................................................................................. 1
ABSTRACT ........................................................................................................................... 2
INTRODUCCIÓN ................................................................................................................... 3
CAPÍTULO I: ILUSTRACIÓN ................................................................................................. 5
1.1. Ilustración ................................................................................................................ 6
1.2. Reseña histórica ...................................................................................................... 9
1.3. El Cartel ................................................................................................................. 17
1.4. Tipos de ilustración ................................................................................................ 23
1.4.1. Ilustración conceptual ..................................................................................... 24
1.4.2. Ilustración publicitaria ..................................................................................... 25
1.4.3. Ilustración científica ........................................................................................ 26
1.5. Técnicas de ilustración .......................................................................................... 27
1.5.1. Técnicas plásticas. ......................................................................................... 27
1.6. Estilización femenina como medio ilustrativo ......................................................... 30
1.7. Alberto Vargas: chicas pin up estilización de la figura ............................................ 33
CAPÍTULO II: CULTURA JAMA COAQUE .......................................................................... 36
Elementos Referentes Cultura Jama Coaque ........................................................ 37
Análisis de 5 figuras cerámicas de la Cultura Jama Coaque .................................. 44
Análisis figurilla 1 ................................................................................................... 46
Análisis figurilla 2 ................................................................................................... 47
Análisis figurilla 3 ................................................................................................... 48
Análisis figurilla 4 ................................................................................................... 49
Análisis figurilla 5 ................................................................................................... 50
Apropiación de forma y figura Jama Coaque ......................................................... 51
CAPÍTULO III: PROPUESTA ARTÍSTICA............................................................................ 57
3.1. Bocetos ..................................................................................................................... 59
vii
3.2. Pruebas composición artística ................................................................................... 74
3.3. El personaje: Doncella Jama ..................................................................................... 79
3.4. Presentación Doncella Jama ..................................................................................... 83
CONCLUSIONES ................................................................................................................ 99
RECOMENDACIÓN .......................................................................................................... 100
BIBLIOGRAFÍA: ................................................................................................................. 101
ÍNDICE DE IMÁGENES
Figura1. Escenas de caza colectiva .................................................................................... 10
Figura 2. Libro de los muertos ............................................................................................. 11
Figura 3. Libro de Kells (El folio 27º contiene los cuatro símbolos evangélicos.) ................. 12
Figura 4. Los cuatro jinetes del apocalipsis, perteneciente a la serie de grabados
Apocalipsis (1498) ............................................................................................................... 13
Figura 5. Encre L Marquet, 1892 ......................................................................................... 15
Figura 6. Cartel publicitario coca cola ................................................................................. 16
Figura 7. Moulin Rouge, Paris, Cancan, 1890 ..................................................................... 18
Figura 8. Litografía color 1891- Cartel para el Moulin Rouge de París. ............................... 19
Figura 9. Cartel litográfico con la actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista de
Gismonda. ........................................................................................................................... 20
Figura 10. Bajo Fuego Naval, 1928 ..................................................................................... 21
Figura 11 : 1940 Spanish advertisement meaning "refresh" ................................................ 22
Figura 12: Fuco Ueda ......................................................................................................... 25
Figura 13: Publicidad de Fanta ........................................................................................... 26
Figura 14: Ilustración científica ........................................................................................... 26
Figura 15: Mérida película Valiente de Disney – lápices de colores. ................................... 28
Figura 16: Juri Ueda............................................................................................................ 29
Figura 17: Eugenia Loli - Collage ........................................................................................ 30
Figura 18. Arturo Elena ....................................................................................................... 32
Figura 19. Mark Ryden ........................................................................................................ 33
Figura 20: Alberto Vargas ................................................................................................... 34
Figura 21: Ubicación mapa del Ecuador de la cultura Jama Coaque .................................. 38
Figura 22: sello Jama Coaque ............................................................................................ 41
Figura 23: Chaman Jama Coaque, antropo-zoomorfo ......................................................... 42
Figura 24: Cerámica Jama Coaque .................................................................................... 43
Figura 25: Cerámica Jama Coaque .................................................................................... 44
Figura 26 : Gurrero representación Cerámica Jama Coaque .............................................. 46
Figura 27: Novia representación-Cerámica Jama Coaque .................................................. 47
Figura 28: Inmutable representación- Cerámica Jama Coaque .......................................... 48
Figura 29: Pictogramas representación-Cerámica Jama Coaque ....................................... 49
Figura 30: Ataviado I, representación- Cerámica Jama Coaque ......................................... 50
Figura 31: Las meninas de Velásquez – las meninas de Picasso ....................................... 52
Figura 32: Ricardo Alcívar .................................................................................................. 54
Figura 33: Música y espíritu Jama Coaque ......................................................................... 55
Figura 34: Boceto inicial ...................................................................................................... 60
Figura 35: Boceto inicial ...................................................................................................... 60
viii
Figura 36: boceto Inicial ...................................................................................................... 61
Figura 37: Boceto ............................................................................................................... 62
Figura 38: Boceto ............................................................................................................... 62
Figura 39: Boceto ............................................................................................................... 63
Figura 40: Boceto ............................................................................................................... 63
Figura 41: Experimentación técnicas artísticas ................................................................... 64
Figura 42: Experimentación técnicas artísticas ................................................................... 65
Figura 43: Experimentación técnicas artísticas ................................................................... 65
Figura 44: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” ..... 66
Figura 45: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” ..... 67
Figura 46: Experimentación técnicas artísticas ................................................................... 68
Figura 47: Experimentación ................................................................................................ 68
Figura 48: Experimentación tecnicas artisticas ................................................................... 69
Figura 49: Experimentación tecnicas artisticas ................................................................... 70
Figura 50: Experimentación tecnicas artisticas ; Sacerdotisa precolombina. ....................... 71
Figura 51: Escultura antropomorfa Tumaco-Tolita .............................................................. 72
Figura 52: Experimentación tecnicas artisticas y compositiva ............................................. 73
Figura 53: Experimentación y composicion ......................................................................... 73
Figura 54: Prueba compositiva ........................................................................................... 74
Figura 55: Sello y rollo Jama Coaque ................................................................................. 75
Figura 56: Prueba compositiva ........................................................................................... 76
Figura 57: Prueba compositiva ........................................................................................... 77
Figura 58: Pruebas compositivas ........................................................................................ 78
Figura 59: Boceto ............................................................................................................... 79
Figura 60: Boceto estudio de rostro .................................................................................... 80
Figura 61: Boceto estudio de rostro .................................................................................... 81
Figura 62: Boceto final ........................................................................................................ 82
Figura 63: Boceto Final ....................................................................................................... 82
Figura 64: “Doncella Jama Ataviada” .................................................................................. 85
Figura 65 : “Doncella Jama vanidosa”“ ............................................................................... 86
Figura 66 : “Doncella Jama sensual” ................................................................................... 87
Figura 67 : “Doncella Jama artista” ..................................................................................... 88
Figura 68 : “Doncella Jama formal” ..................................................................................... 89
Figura 69: “Doncella Jama artista” ...................................................................................... 90
Figura 70 : “Doncella Jama sensual” ................................................................................... 91
Figura 71 : “Doncella Jama ataviada” ................................................................................. 92
Figura 72: “Doncella Jama vanidosa” .................................................................................. 93
Figura 73: Digital “Doncella Jama ataviada” ........................................................................ 94
Figura 74: Digital “Doncella Jama sensual” ......................................................................... 95
Figura 75: Digital “Doncella Jama artista” ........................................................................... 96
Figura 76: Digital “Doncella Jama formal” ........................................................................... 97
Figura 77: Digital “Doncella Jama vanidosa” ....................................................................... 98
1
RESUMEN
El presente proyecto plantea el estudio y desarrollo de la ilustración gráfica basada en los
elementos de figura y forma abstraídos de las piezas de la cultura cerámica Jama Coaque,
aplicadas en la construcción de personajes ilustrados, tomando como referencia la
composición artística en la estilización de la figura femenina.
Así mismo, busca evidenciar los procesos creativos de experimentación, mediante el uso de
diferentes técnicas mixtas, con la finalidad de presentar una producción de ilustraciones con
base en los recursos que se han tomado de una parte de la historia del Ecuador.
PALABRAS CLAVES: Ilustración, Jama Coaque, Estilización femenina, Técnicas artísticas.
2
ABSTRACT
The present project proposes the study and development of the graphic illustration based on
the elements of figure and form abstracted from the pieces of the Jama Coaque ceramic
culture, applied in the construction of illustrated characters, taking as reference the artistic
composition in the stylization of the female figure.
Likewise, it seeks to demonstrate the creative processes of experimentation, through the use
of different mixed techniques, in order to present a production of illustrations based on the
resources that have been taken from a part of the history of Ecuador.
KEY WORDS: Illustration, Jama Coaque, Female stylization, Artistic techniques.
3
INTRODUCCIÓN
El presente proyecto se enfoca en la utilización de elementos precolombinos con el fin de
construir una serie de ilustraciones denominadas “Doncella Jama”, la que, mediante la
apropiación y la abstracción de figuras precolombinas de la cerámica Jama Coaque, se
aplicarán como medio compositivo en la producción gráfica de ilustraciones con base en la
figura femenina estilizada.
Esta serie de ilustraciones llamada “Doncella Jama” recorre todo un proceso que parte de una
muestra previa de trabajo artístico realizado en el transcurro de estos años de aprendizaje
académico y del interés personal hacia la riqueza cultural de la historia precolombina de
Ecuador.
El referir la ilustración y llevarla como un medio de expresión visual, ha permitido generar una
serie de propuestas que pueden describir la riqueza de los recursos existentes en los
elementos culturales. Es por eso que este estudio se propone presentar ilustraciones que, con
base en el contexto y en la estilización de la figura femenina, cautiven al espectador.
Ecuador es un país multicultural y variado, esto permite tener un sinnúmero de recursos de
los cuales se pueden tomar varios temas para la producción de un proyecto, en este caso en
particular se toma como referencia el hecho cultural artístico cerámico. Señalando así también
una breve descripción de algunas piezas artísticas que se han trabajado en el estudio y el uso
de recursos culturales ancestrales del Ecuador como parte de sus obras, de las cuales,
muchas están siendo expuestas y comercializadas.
El desarrollo del proyecto trae, en contexto, una trayectoria que dio inicio con el estudio y la
elaboración de bosquejos; fruto de la investigación, prácticas y combinación de medios
técnicos en la estilización de la figura femenina, la cual que se ha tomado como medio medular
en la construcción y realización de bocetos, propuestas etc. De aquí nace la idea de proponer
rostros estilizados de forma caricaturizada con la consecuente estilización de la figura,
añadiendo referentes ilustrativos en los que ésta propuesta se asienta. Algunos de los artistas
que han inspirado este trabajo son Arturo Elena, Mark Ryden y Alberto Vargas.
En los recursos de construcción técnica de la propuesta de ilustración, la investigación ha
pasado por el estudio de diferentes materiales y la aplicación de figuras geométricas con las
que se ha realizado el rostro y cabello, usándolos como representación estilizada, además de
4
otras técnicas artísticas como: lápices de colores, collage, combinadas entre sí, material
reciclable y soportes de texturas y color.
Ya en el estudio y apropiación de las formas de los elementos decorativos de la cerámica
escultórica de la cultura Jama Coaque, la propuesta combina elementos entre lo histórico y
tradicional que, en conjunto con un estilo contemporáneo, pretende presentar una gráfica con
un tinte personal sobre los elementos culturales entorno a la propuesta de ilustración doncella
Jama.
La presentación de las ilustraciones “Doncella Jama” lleva el tinte de un formato tipo cartel,
donde se quiere representar, a través de este recurso, una manera personal de ver la cultura
Jama Coaque y de poder llevar estos recursos a la expresión de evidenciar, y presentarlos
complementando aspectos decorativos en la composición estilizada de la figura femenina,
esperando sea un disfrute para el espectador.
5
CAPÍTULO I
ILUSTRACIÓN
6
La presente investigación sobre la ilustración pretende hacer un breve recorrido en el tema,
desde el contexto histórico, tomando como referencia algunos hechos importantes que se
quieren destacar, sobre el cual se inicia la construcción de los argumentos que acompañan la
propuesta. Es importante que se den primicias que, en la historia, cuenten su aparición como
su evolución, así los diferentes apartados resumen las principales referencias que, en efecto,
han de permitir dar un hilo conductor dentro de estos contextos.
Uno de los principales momentos es determinar las definiciones que se pretende sostener en
el proceso, por ello se da inicio con las enunciaciones que acompañan el tema de la ilustración
desde lo conceptual. Se definirá a la ilustración como el recurso y técnica detallada necesaria
para establecer una producción gráfica. Con este primer acercamiento se pretende entender
la ilustración como un factor importante como recurso de comunicación. Sabemos que, para
la comunicación, es básico saber hablar y escribir, pero contamos con otro recurso de gran
importancia como es un lenguaje a través de las imágenes. Refiriendo esto desde la
antigüedad, las imágenes han sido un medio importante que ha narrado los diferentes
acontecimientos que la historia nos cuenta. Podríamos decir entonces que estas han sido, a
través del tiempo, un lenguaje universal, que sin necesidad de palabras ha podido trasmitir
ideas y hechos. Es decir, la ilustración como imagen crea una relación directa en torno a las
características del recurso propio como medio de registro.
La construcción para estos pasos radica en dejar claramente definido el término ilustración.
Para esto, los conceptos que se pretenden construir deben responder a una serie de
preguntas: ¿qué es ilustración? ¿qué dice la historia de la ilustración? ¿para qué se ilustra?
Se hará entonces mención sobre épocas en las que la ilustración se destacó como un recurso
importante para la enseñanza y la comunicación, cómo esta evolucionó como recurso gráfico,
cómo se evidenció esto con el uso del cartelismo y su estado en el arte actual. Queda entonces
entrar en la definición de la ilustración.
1.1. Ilustración
La ilustración es un tema difícil de definir ya que cuenta con varios conceptos, tanto filosóficos
como artísticos. Abordando, en este primer instante, las referencias artísticas para la
producción de esta investigación, el término dice que en la aplicación como técnica se puede
ver aplicada a planos, imágenes, carteles, etc., es decir que, para ciertos usos, se ha resumido
como un factor orientado hacía el recurso utilitario, lo que en muchos de los casos ha apartado
a la ilustración de su concepto.
7
Siliezar (2003) define a la ilustración como el componente gráfico que completa o realza un
texto. Añade que las ilustraciones pueden ser mapas, planos, diagramas o elementos
decorativos los cuales generalmente representan escenas, personajes u objetos que tiene
relación directa, indirecta o simbólica. Vemos entonces que el uso que aquí se evidencia ha
sido referenciado únicamente a suplir una necesidad dentro de la composición gráfica.
Sin embargo, al tratar de definir los recursos sobre los que se quiere proponer el término
ilustración, se debe mencionar que esta anterior definición no abarca en su totalidad lo que se
trata de enunciar en el tema planteado. Es necesario entonces entrar en la construcción de
argumentos desde diversos puntos de vista, ideas y pensamientos, en continuidad a esto, el
siguiente paso aborda una alusión desde otra perspectiva.
Al hacer referencia al artículo Visual Gr, señala que la ilustración es un lenguaje en sí mismo,
un idioma gráfico y plástico independiente del texto. Debido a que el ilustrador comenzó a ver
al dibujo como una expresión propia de narración, y no como un simple acompañamiento del
relato, proyectando el enfoque de la imagen, dotando de simbolismo a los colores,
sensibilizando el uso del espacio… (Tello, 2012, pág. 13) Podemos referir que el ilustrar ya
no sólo es un medio narrativo que únicamente se aplica en libros literarios o medios
publicitarios, sino más bien, que es una propuesta gráfica contemporánea como un recurso
expresivo del medio en el que se desenvuelve.
Estos diferentes puntos de vista acoplados en este contexto, pueden variar dependiendo del
uso o la interpretación que le demos a éste, sea en un argumento creativo o utilitario, ese es
el caso de esta exploración que se despliega en un contexto creativo. El abordar ideas que
sean llevadas a emitir mensajes a través de la ilustración debe sostener un concepto que
mantenga el medio histórico de la misma, esto evidentemente en cualquier campo de relación.
Así, por ejemplo, cuando referimos el tema juvenil estos recursos deben ayudar a persuadir
al receptor, a evidenciar cómo los elementos compositivos deben ser los encargados de
trasmitir el mensaje visual que justifique la propuesta de imágenes.
Eso expone John Vernon-Lord (1997), ilustrador y catedrático británico:
La ilustración es un arte instructivo: ensancha y enriquece nuestro conocimiento visual y la
percepción de las cosas. A menudo interpreta y complementa un texto o clarifica visualmente
las cosas que no se dejan expresar con palabras. Las ilustraciones pueden explicar el
significado mediante esquemas o diagramas o exponer conceptos imposibles de comprender
mediante una manera convencional. Pueden reconstruir el pasado, reflejar el presente,
8
imaginar el futuro o mostrar situaciones imposibles en un mundo real o irreal. Las ilustraciones
pueden ayudar, persuadir y avisar de un peligro; pueden desperezar consciencias, pueden
recrear la belleza o enfatizar la fealdad de las cosas; pueden divertir, deleitar y conmover a la
gente. La ilustración es, en general, una forma de arte visual representativo o figurativo, pero
su carácter o especial naturaleza –esas engañosas cualidades mágicas que le han sido
concedidas en el proceso de dibujarla o pintarla– pueden hacer que vaya más allá del sujeto
o contenido descrito. (p. 168).
Resumiendo, se puede entender cómo la relación se da como un medio de conocimiento que
permite esclarecer la forma de construir información. La imagen ilustrativa es un recurso visual
porque la mente puede recibir el mensaje de manera rápida y ordenada, ayuda a interpretar
mejor las ideas que no se pueden captar textualmente, crea interés por el mensaje y, por lo
tanto, hace que la comunicación sea más llevadera.
Esto implica que, para llevar a la ilustración hacía la comunicación, es importante conectar los
argumentos con base en referencias como la semiología y la iconografía, las cuales han sido
aplicadas en demostrar lo transcendental del uso de la gráfica ilustrativa. Hay que considerar
el valor de la ilustración porque forma parte de la vida cotidiana, ya que es la responsable de
la comunicación y el orden de vida de la humanidad; es la encargada de trasmitir situaciones,
sentimientos, pensamientos u opiniones.
Al entrar en el entorno se puede observar cómo la ilustración ha sido un factor fundamental
en la comunicación, guarda procesos e ideas que ayudan a mantener el equilibrio,
manteniendo el correcto orden que se ha formado en el transcurso del tiempo. Es, por tanto,
parte de nuestro diario vivir desde épocas remotas. Por ello, al remontar estos preceptos
haciendo uso de los recursos que en la historia se pueden encontrar, cada registro cuenta
como un hecho importante que se debe sostener como precedente, así entonces se pretende
ir al contexto y primeros registros del tema. La ilustración aparece en el tiempo como punto
clave para registrar hechos históricos, es así que se cuenta con una serie de evidencias que
enmarcan diferentes temas, por lo que se debe hacer uso de una línea de tiempo de cómo
han surgido estos avances.
Los datos y múltiples registros gráficos son el medio de partida, pero a su vez son de gran
magnitud y nos señalan varios puntos importantes como la búsqueda de argumentos que
puedan reforzar la información de algunos textos en los que se evidencia la aparición de la
misma, esto nos lleva a tratar de comprender de qué manera se construyen los elementos
para generar la argumentación, se trata entonces de ordenar aquellos que describen a la
9
ilustración como la forma que construye y propone el abastecimiento de la gráfica de forma
significativa.
Los hechos que en la historia se han contado por medio de la ilustración, los recursos de la
gráfica que han podido ser documentados y la serie de los múltiples eventos que ocurrieron
en el tiempo, nos dan una lectura principalmente de formas, estilo, historias y registros que
sin estos recursos no hubiera sido posible conocer. Así, por ejemplo, desde las cuevas de
Altamira que registran un hecho de ese tiempo, hasta las propuestas con recursos en el
cartelismo, por citar uno de aquellos, el del Tío Sam, que determinó un sinnúmero de hechos
desde su aparición en 1852. En sí ahora se puede dar una mirada al pasado y se puede
evidenciar que, en los registros de la ilustración, se muestran los muchos estilos y formas de
pensar en el desarrollo de la manera de plasmar los hechos que ha vivido la humanidad.
Los elementos que se enuncian en esta primera exploración acerca de cómo ha evolucionado
la ilustración, han llevado a fundamentar las características formales en las que la gráfica
ilustrativa ha pasado de ser una imagen ritual de las cavernas a ser un conjunto de gráficas
como la escritura, en las que se dejan grabadas las experiencias vividas en el pasado, además
de formar un recurso fundamental de enseñanza y abarcar información en la que los seres
humanos han dejado pensamientos y oportunidades que se evidencian con el transcurso del
tiempo, gracias a la recopilación de información. Es así que podemos orientar los hechos que
formulan los inicios y los orígenes de los avances de la ilustración.
1.2. Reseña histórica
Para Meggs (1991) los orígenes de la ilustración se remontan a la Prehistoria ya que el ser
humano buscaba formas de expresar visualmente ideas y conceptos, almacenar
conocimientos de forma gráfica y ordenada y aclarar la información. En las cavernas hay un
claro ejemplo de que nuestros antepasados tenían una necesidad de comunicarse, ya que
elaboraban imágenes de animales con fines utilitarios y rituales. A pesar de ser ilustraciones
figurativas sencillas comunican el poder que ejercían sobre los animales. Los elementos
figurativos usados en este tipo de imagen han demostrado el avance del hombre en este
período y en el desarrollo de sus hechos, y es claro que la imagen es el principal recurso del
cual se han valido para trasmitir lo sucedido. Es por eso que, a partir de este punto en el
tiempo, la gráfica se encuentra en un punto esencial en el diario vivir. La importancia de la
imagen como medio de registro la ha llevado a convertirse, para algunas culturas, en un
enlace con sus difuntos y deidades, así como también a formar parte de su escritura.
10
Figura1. Escenas de caza colectiva Fuente: http://www.gibralfaro.uma.es/historia/pag_1823.htm(2012) Elaboración: http://www.gibralfaro.uma.es
Sobre los diferentes usos en el registro de la imagen, muchas culturas tienen gran cantidad
de recursos que han complementado al acercarse, por ejemplo, a la cultura egipcia. Los
egipcios combinaban el dibujo con palabras para comunicar lo que deseaban, creando
manuscritos ilustrados como el legendario Libro de los muertos, este contenía escritura
egipcia y una rica descripción gráfica, los artistas que ilustraban (escribas) tenían como tarea
crear figuras que describieran los acontecimientos que ocurren después de que cualquier
hombre muere, las ilustraciones aparecían formando un friso en la parte superior del texto,
texto que solo letrados podían leer.(Meggs,1991)pág. 32. La ilustración grafica de la cultura
egipcia evidencia en uno de sus registros al contenido narrativo como su principal función, ya
que cuenta una historia a través de imágenes figurativas estilizadas que llevan al espectador
a reconocer la forma de vida de esta cultura, es en este punto que la ilustración ya conforma
parte principal del concepto que interesa enunciar, en la que forma parte fundamental de la
comunicación y de la enseñanza.
11
Figura 2. Libro de los muertos Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_los_muertos#Creaci.C3.B3n_de_un_Libro_de_los_muertos (2012) Elaboración: https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_los_muertos#Creaci.
Estos manuscritos, además de ser un medio de registro que evidencia el estado instructivo de
las culturas, en la que la gráfica ilustrativa mantiene registro de estas, conservaban en sí una
serie de elementos muy necesarios para su producción: eran elaborados de papiro, pergamino
o papel. Además, tenían uso en algunas culturas antiguas que también formaron parte de la
Edad Media, se cita como ejemplo los manuscritos iluminados. En estos documentos se
evidencia cómo el texto era complementado mediante una decoración gráfica, esto se cree
que era utilizado para reforzar visualmente el contenido, estos manuscritos eran desarrollados
a mano por amanuenses. Los más conocidos son el de Kells (manuscrito celta del siglo IX) y
el de Durrow (manuscrito celta del siglo VII), cuyo contenido era orientado hacia los registros
religiosos, el autor de los mismos era el artista que se encargaba de realizar el registro de
miniaturas, se dedicaba especialmente a los capitulares desde las iniciales y decoraba los
bordes, con oro y plata, estás contenían una gráfica ornamentada con diseños
bidimensionales. Las imágenes ilustradas, enseñaban el evangelio, ya que el pueblo vivía en
completo analfabetismo a excepción de algunas clases privilegiadas. (Meggs, 1991). Es así
que podemos exponer que el objetivo de la gráfica ilustrativa tanto en los manuscritos egipcios
como los iluminados son el de reforzar el texto, educar a quien no sabía leer, ya sea para
demostrar poder, autoridad o con fines religiosos.
Entonces, se podría sugerir que los eventos transcurridos en el periodo histórico descrito han
llevado al ser humano a conocer un uso didáctico de enseñanza usando como medio la gráfica
ilustrativa, cuya aplicación ha variado y evolucionado. Es así que queda en evidencia que el
progreso ilustrativo se ha convertido en un medio importante para la práctica educativa y
comunicativa.
12
Figura 3. Libro de Kells (El folio 27º contiene los cuatro símbolos evangélicos.) Fuente: http://arte.laguia2000.com/pintura/libro-de-kells(2013) Elaboración: http://arte.laguia2000.com
El proceso ilustrativo de los manuscritos cambia en el transcurso histórico, ya que este, se
podría decir, llega a combinarse con la aparición de nuevas técnicas que permiten una visión
diferente. Tenemos entonces la aparición del libro tipográfico impreso, esto con la inclusión
de elementos como la xilografía y la imprenta, no obstante, se puede mencionar que los
medios utilizados permitirían una mayor cantidad de ejemplares por las varias necesidades.
Sin embargo, no se puede separar la importancia del manejo de las técnicas manuales que
acompañan estos nuevos avances.
Ya con la aparición de la xilografía (técnica de impresión con plancha de madera), estas
variantes como medio para la impresión en la reproducción de imágenes permitió realizar
algunas de las primeras impresiones ilustradas que fueron hechas en gran número. Tenemos
por ejemplo aquellas que se orientaron a los juegos de naipes, los cuales incluían imágenes
alusivas a temas jerárquicos, entre otros. Otro caso que se presenta en la reproducción es la
de libros ilustrados. Uno de los artistas que se dedicó a la ilustración en este tipo de técnica
fue Durero, quien cultivó la xilografía y el grabado en hueco. Una de sus principales obras fue
Apocalipsis, en la que demostró una riqueza gráfica, plasmando sus habilidades con el dibujo.
Una vez llegado a este esplendor, la xilografía comienza a decaer, decadencia que durará
más de dos siglos. (Checa, 2017)
13
Luego, ya en 1430, aparecieron los primeros libros impresos bajo este procedimiento,
realizados en Holanda y Alemania. Se trataban de vidas de santos, el arte del bien morir,
astronomía, etc. El género que más provecho obtuvo fue la “Biblia de los pobres”, empleada
en la predicación y que, por estar dirigida a las masas analfabetas, otorgaba gran
protagonismo a las ilustraciones. (Meggs, 1991).
Figura 4. Los cuatro jinetes del apocalipsis, perteneciente a la serie de grabados Apocalipsis (1498) Fuente: https://scielo.conicyt.cl/scielo.php? script=sci_arttext&pid=S0718-22012013000100011 (2013) Elaboración: Durero.
Complementando esta información, otro sistema de impresión que tuvo un gran aporte en este
tipo de producción, es la del alemán Johannes Gutenberg, quien contribuyó de forma decisiva
a la aceptación del libro impreso como sustituto del libro manuscrito. Su proceso se trataba
de una impresión a base de tipos móviles intercambiables y reutilizables, trazándose una línea
divisoria que habrá de ser definitiva entre la cultura manuscrita y la cultura impresa. (Satué,
2010). Así se pueden evidenciar los avances técnicos, cuyo propósito es el facilitar el estilo
de vida.
Gracias a la creación de estos medios técnicos, los libros eran más accesibles al pueblo, por
lo que crece el interés de las personas por aprender, por lo tanto, tenían gran demanda de
producción, lo que los llevó a mejorar sus trabajos ilustrativos. Podríamos decir que, en este
punto, la ilustración era de uso exclusivo para ilustrar libros, se la había usado como un medio
visual importante de instrucción. Los cambios realizados en el transcurso del tiempo son
14
variables, el uso de la ilustración se hacía con fines científicos, religiosos, políticos y literarios,
pero no es hasta la Revolución Industrial que la ilustración es considerada como un medio de
comunicación efectivo, es decir como un medio más comercial. Es por eso que hay que
detallar que la aplicación realizada en el siguiente periodo cambia con los avances técnicos y
la variedad de usos que ha ejercido.
Así que podemos mencionar que, a partir de la Revolución Industrial, al igual que el proceso
de transformación económica, social y tecnológica, la parte ilustrativa también tuvo cambios:
la práctica de la propaganda política introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como nuevo
elemento gráfico. Esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas despóticas
de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización. De esta manera, la caricatura
suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original, sea este de orden político,
social o religioso. (Satue,2010).
Se pone entonces de manifiesto el desarrollo que ha dispuesto e incrementado el interés por
el aplicar la ilustración como medio de comunicación, además de un medio educativo, en un
ambiente en el que llega a influenciar al público de una manera más directa, mismo que luego
se direcciona como diseño gráfico. Se pude declarar que, a partir de esta serie de eventos
eclécticos transcurridos en la historia, la ilustración sufre cambios diversos en los que su
aplicación se altera, convirtiéndose en parte esencial del desarrollo gráfico.
En todo proceso los recursos van evolucionando, esto gracias a los avances técnicos
generados, como la invención de la litografía por mencionar uno, que fue clave en la
reproducción de imágenes en mayor número. La ilustración se distribuyó de manera rápida y
su aplicación fue variada en cuanto a su direccionamiento tanto en libros y carteles.
Podemos referir que, al aplicar un tipo de ilustraciones, estas ya no sólo cumplen con un
propósito, que puede ser el de instruir, sino más bien conjuga el enunciar, informar, dar a
conocer las ideas del hombre en la que es aplicada en papel y que, gracias a los
descubrimientos técnicos, su difusión es más asequible. Estos avances fueron claves para
que varios artistas de la época pudieran mostrar su trabajo ilustrativo haciendo uso de la
inclusión del cartel.
Es así que, terminando el siglo XIX, se pueden encontrar algunos artistas que se han de
considerar como los más importantes exponentes del cartelismo, como son Jules Cheret,
Toulouse- Lautrec y Eugène Grasset, expertos en la práctica del cartel. Estos eran elaborados
con una técnica denominada cromolitografía, en donde predominaba el uso de elementos
15
figurativos en la aplicación del color por cuanto el contenido u orientación era propagandístico,
convirtiéndolo así en un medio dominante de comunicación en gran parte de Europa y Norte
América. Además, hay que enunciar también uno de los estilos más representativos de la
época como es el Art nouveau cuyas características se destacan por el uso de elementos de
la naturaleza para dar movimiento a sus obras, creando un componente fuerte de
protagonismo, por ejemplo, los carteles litográficos de Alphonse Mucha, cuya obra contenía
una gran calidad plástica. (Luna, 2006)
Figura 5. Encre L Marquet, 1892 Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Grasset(2017) Elaboración: Eugene Grasset
Vemos así que la aplicación ilustrativa se desarrolla refiriendo un entorno artístico, debido a
la plástica generada en la época, sin dejar de cumplir con un nuevo objetivo, que es el de
trasmitir mensajes a través de la imagen, de manera que, mediante el uso del cartel estas
puedan ser trasmitidas de manera continua en diferentes espacios, es decir que todo aquel
que pase por la calle lo puede ver. La calidad plástica usada en la elaboración ilustrativa,
denota un conjunto de técnicas que dan un valor artístico según sean los tratados
conceptuales o artísticos implícitos que se quieran proponer. Estas múltiples ideas en el pasar
del tiempo se han fusionado con eventos transcurridos en distintos períodos. Ilustrar se
convierte entonces en un fenómeno de revelación ante el pensamiento humano y lo que se
quiere decir con la manera de construir una propuesta gráfica.
16
Se podría pensar en sugerir que el siglo XX fue una época de muchos cambios: la aparición
del término “diseño gráfico”, nuevas tendencias artísticas, tecnológicas y la creación de
escuelas de diseño, le dan un gran cambio al uso de la ilustración. La aparición de nuevas
técnicas y materiales artísticos que se fueron adaptando a una propuesta que presenta un
tinte más comercial, es entonces usado como medio publicitario; el desarrollo del cartel se
extiende a etiquetas adhesivas, postales, estampillas, folletos de publicidad, los carteles
tienen contenido de heraldos públicos con reseñas e ilustraciones de apologías políticas y en
la moda como portadas de revista. (Luna, 2006)
Los hechos sucedidos en el transcurso del tiempo han llevado a entender a la ilustración como
un recurso de consumo humano, debido a que la imagen es una fuente que trasmite el
mensaje de forma impactante. Se puede citar varios ejemplos de este proceso, en la siguiente
imagen se puede apreciar esas connotaciones a las que se quiere referir sobre el cambio en
el que la ilustración se representa de manera comercial.
Figura 6. Cartel publicitario coca cola Fuente: http://www.taringa.net/posts/imagenes/17053291/Publicidades-antiguas-de-Coca-Cola.html(2014) Elaboración: http://www.taringa.net
Los continuos avances con la inclusión de herramientas tecnológicas en el paso de un siglo a
otro, representan momentos importantes en las variaciones que se vendrían en la parte
ilustrativa, la aparición de nuevas tecnologías revolucionaría los medios publicitarios como es
el caso del ámbito digital, un medio que hasta nuestros días ha ido mejorando, dejando de
lado las antiguas técnicas de la ilustración tradicional.
Esto lleva a construir el criterio de que, en efecto, la esencia de la característica principal de
la ilustración no se pierde sino más bien se mantiene en su inmediato y fuerte impacto visual
que, a lo largo del tiempo, ha evolucionado tanto gráficamente como técnicamente,
17
convirtiéndose en un recurso importante. El contenido visual en la historia fue de gran valor,
empezó debido a la necesidad de comunicarse y se mantiene, independientemente de los
varios soportes, técnicas o herramientas tecnológicas.
Los hechos dan cuenta que, a pesar de ser poco valorado el proceso de registro ilustrado, ha
sido uno de los de más ayuda, que han guardado la historia en imágenes y que nos permitieron
conocer los diferentes hechos del hombre a través de la historia. Más adelante, con el
perfeccionamiento de las técnicas, la imagen se convirtió en un medio de representación
simbólica, servía como medio de enseñanza, poder, protesta, investigación, inteligencia y con
fines religiosos. La imagen ilustrativa ha formado parte de la humanidad convirtiéndose en
parte esencial en nuestros días. Vemos en el pasar del tiempo como una cercanía de la gráfica
tuvo gran referencia al entrar en el cartelismo y las seguidas intervenciones que, a futuro,
fueron evidenciadas con este recurso.
Cabe señalar que, en el transcurso de la historia ilustrativa uno de los elementos gráficos de
publicación que se mantiene hasta la actualidad tanto en un gran espacio artístico como
comercial es el cartel, medio que ha sostenido su riqueza plástica y digital a través del tiempo
y es, en sí, uno de los medios que más proyección y espacio tiene dentro del entorno social y
comercial.
1.3. El Cartel
La ilustración ha sido un constante recurso de comunicación gráfica que se ha usado en el
transcurso del tiempo, que con gran eficiencia nos narra un trascender del hombre en el
tiempo. Es importante adentrarse en el cartelismo, que fue uno de los elementos visuales a
destacar en un período histórico importante. En este momento es importante abordar los
temas relacionados a sus inicios y características, el enunciar el tema del cartel y su evolución,
resulta muy extenso, es por eso que, en un breve contexto histórico, se iniciará destacando
las características importantes, así también sus propósitos y los recursos artísticos principales
que se tienen sobre este tipo de arte gráfico.
En primera instancia hay que considerar que casi a finales del siglo XIX, los carteles, como
hoy los conocemos, hacen su aparición; el cartel fue creado con un propósito fundamental, la
publicidad y la propaganda, pero debido a la gran calidad plástica y técnica con las que se
elaboraban, éstas eran consideradas arte. Sobre esto Lara (1996) señala que, “el cartel se
convierte en algunos momentos en un símbolo, en una seña de identidad que define un grupo,
ha demostrado a lo largo de un siglo de existencia ser una forma de expresión viva que en
18
algún momento ha conseguido alcanzar la categoría de arte” (p.133). La calidad pictórica de
la época era exquisita, tanto que las calles eran consideradas verdaderas galerías de arte.
En la constante búsqueda, la infinidad de referencias que se puede sugerir como expositores
del cartelismo se encuentran un sinnúmero de variantes del mismo. Por ello se considera una
selección que fue escogida según la época, en las cuales se puede denotar su excelente
composición y calidad plástica debido a su maestría en la propagación del mismo.
Se conoce así también que algunos pintores entraron en la mecánica de exponer en diferentes
galerías. Por ejemplo, Jules Cheret conocido como el maestro del cartel, “Cheret revolucionó
el cartelismo dándole más importancia a la ilustración que hasta ese momento estaba
empleada al texto” (Luna, 2006, p.17). Su trabajo se caracterizaba por lo frívolo y pintoresco;
además de la sencillez del dibujo, su composición se basaba en la presencia de mujeres que
ocupan el primer plano, lo que establece un estereotipo femenino y una imagen más mundana,
llamando al espectador y trasmitiendo mensajes e ideas de forma directa, creando un vínculo
con el público cuyo principal tema compositivo era crear carteles de teatro. La siguiente
imagen resalta estás características mencionadas llamando al espectador a asistir a dicho
evento.
Figura 7. Moulin Rouge, Paris, Cancan, 1890 Fuente: http://xn--diseocarteles-lkb.com/jules-cheret/graficos/page/2 (2013) Elaboración: Jules Chéret:
19
Otro de los cartelistas populares de la época fue Toulouse Lautrec, considerado el creador del
cartel moderno ya que introdujo aspectos que influyeron en la publicidad posterior. Sus
carteles se basaban en figuras simbólicas y simplificadas, modelos dinámicos podían formar
imágenes que expresan detalles y conceptos de la época, el impacto cromático que consigue
con el uso de colores vivos y planos, además de las direcciones fotográficas que marcan sus
trabajos y los hacen característicos (Luna, 2006). Su trabajo evidenciado en los carteles
trabaja la imagen mediante el estudio de transmitir el momento, dándole al observador el
mensaje.
Figura 8. Litografía color 1891- Cartel para el Moulin Rouge de París. Fuente: http://www.eltallerdejazmin.com (2012) Elaboración: Henri de Toulouse-Lautrec
Estas producciones de cartelismo comparten ciertos elementos y visiones, pero también cada
autor es reconocible de manera independiente con tal solo mirar sus trabajos. Los carteles de
estos dos artistas evidencian un estilo que buscaba darle más importancia a la ilustración
dejando al texto como un medio explicativo, su trabajo se basaba en la figuración humana y
la composición de estas en la construcción del mensaje, el cual se complementaba con
colores brillantes y una tipografía sencilla, los carteles de estos dos exponentes instauraron
un modelo para todos los carteles modernos, que fueron seguidos en diferentes estilos a
posterior en el recurso de la utilización de este medio.
20
A diferencia del estilo de Lautrec y Cheret, los exponentes del Art Nouveau elaboraron
carteles con grandes cambios: “elaboraban figuras estilizadas y extravagantes, usando líneas
de formas estiradas que fluyen distinguidamente” (Luna, 2006, pág. 17). Dentro de esta
corriente, uno de los artistas que se destaca en cuanto a un estilo diferente es Alphonse
Mucha, sus carteles en base a la técnica de la litografía muestran una revolución en el medio
artístico, provocando mucha admiración del público, su estilo se volvió una nueva forma de
expresión y un elemento publicitario clave en su época.
Figura 9. Cartel litográfico con la actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista de Gismonda. Fuente: https://arte.laguia2000.com/pintura/gismonda-de-alfons-mucha(2016) Elaboración: Alphonse Mucha
El estilo de Mucha y el Art Nouveau se mantuvo un poco más de tiempo en el siglo XX, pero
debido a eventos ocurridos en esta época el cartelismo sufrió un cambio radical. Según Luna
21
(2006), “los comienzos de la Primera Guerra Mundial dieron paso a que el cartel pase a ser
un instrumento de propaganda y reclutamiento militar” (p.18). Por lo tanto, el arte del cartel se
vio afectado, los elementos a destacar debían ser orientados hacía el texto y el mensaje.
El cartelismo pasó de ser una actividad propia de pintores a ser obra de diseñadores gráficos,
de manera que el cartel dejaba de considerarse un producto artístico para convertirse en un
medio técnico comunicativo, no obstante, este estilo no tendría una continuidad a largo plazo.
Ya en las primeras décadas del siglo XX la estética de los diferentes estilos artísticos dominó.
Las vanguardias influyeron enormemente al cartelismo con sus composiciones, las cuales son
incluidas en los carteles de esa época, creando un nuevo cambio en el arte y diseño. Por
ejemplo, “el período constructivista en Rusia que incluye carteles promocionando películas en
blanco y negro con imágenes flotantes y titulares que operan en planos ilógicos, fragmentos
de fotografía son combinados con pesados gráficos que explotan en la página” (Chwast, 2005)
Existía un predominio de la tridimensionalidad y las líneas inclinadas, también poseían
motivos abstractos, utilizaban formas geométricas y lineales, los elementos ilustrativos de este
tipo de estilos son más impactantes que los de los primeros cartelistas.
Figura 10. Bajo Fuego Naval, 1928 Fuente: https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-xx/raices (2010) Elaboración: Georgy y Vladimir Stenberg
22
El cartelismo pasa por un serie de cambios radicales, estos hacen que la utilización de los
recursos gráficos evolucionen, debido a la aparición de nuevas tecnologías como la fotografía
y la impresora offset; hay que destacar que el arte del cartel tradicional prácticamente
desaparece debido al desplazamiento que se da por la inclusión de nuevas herramientas que
cambian todo el proceso y mecánica que anteriormente se venía aplicando, con lo que se
reduce el tiempo y se facilitan los procesos de elaboración.
Aparecen recursos que se van sumando, así por ejemplo el marketing toma provecho de este
elemento para la persuasión social. (Gubern, 1997) Menciona que el cartel sería un producto
de los ingenieros de las emociones, favorecido por las nuevas técnicas de reproducción
fotomecánica de imágenes, que ampliaban sus posibilidades expresivas, el cartel se convirtió
en un instrumento de marketing, para propiciar conductas consumistas o hábitos de
comportamiento por parte del público, hace referencia al cartel como una ayuda para la
comunicación de masas sobre las audiencias, usado con el propósito publicitario y político,
por ejemplo, los carteles de Coca-Cola que tuvieron un gran éxito. Coca-Cola tiene y ha tenido
un estudio de imagen en la que se transporta a los diferentes tipos de cultura e identidad que
cada uno de estos representa animando al observador a familiarizarse con este tipo de bebida.
Figura 11 : 1940 Spanish advertisement meaning "refresh" Fuente: http://cocacoladvertising.blogspot.com/2011/03/international-advertising.html(2011) Elaboración: http://cocacoladvertising.blogspot.
23
Muchos fueron los constantes cambios que se produjeron durante el siglo XX y, en efecto,
dichos cambios, tuvieron una implicación en el cartel. Se puede observar cómo aparece un
espacio donde la moda impera en todos los aspectos del diseño. Así también, el comunismo
y el fenómeno hippie, evidencian su influencia, dado que, entre varios factores, generan un
medio de lenguaje que llega directamente al público. Se convierte entonces el cartel en un
elemento cotidiano, un medio de lenguaje masivo que resultaría, posteriormente, en un medio
competitivo frente a la aparición de medios de difusión como la televisión y el cine.
A pesar de los cambios realizados en el transcurso del tiempo y con los medios digitales de
por medio, el cartel, sigue siendo un medio visual importante, ya que trasmite un mensaje
directo y eficaz. Para Bermúdez (2012), “el cartel a lo largo del tiempo nos ha servido como
escenario de transformación social y cultural de nuestro entorno, a pesar de la exposición de
los medios digitales, el cartel sigue iluminando las calles y paredes”. De ahí que la importancia
del cartel es el contacto directo con el público.
Los factores políticos y comerciales también se sumaron a la influencia en el cartel. Los
elementos compositivos y técnicos que se usaron fueron parte esencial, ya que lograron que
el contenido fuera transmitido como mensajes fuertes. El contenido del cartel ha variado con
el tiempo, el tipo de ilustración que éste posee contiene una gran calidad plástica que, al
fusionarla con la tipografía, crea una imagen visual que llama la atención del espectador,
siendo así un recurso gráfico ilustrativo importante.
El cartel toma una serie de líneas y estilos que denotan una corriente, esto por las diferentes
tendencias que se han plasmado en él. Es evidente que la gráfica ha sido utilizada para un
sin fin de propósitos, razón por la cual, dependiendo del contenido y propósitos, se pueden
distinguir algunas directrices al entrar en el tema de la clasificación. Es importante,
brevemente, mencionar que el contenido que se pretende abordar es una referencia que
acompañará la orientación del tema, ya que no se abordará el contenido desde su referencia
histórica.
1.4. Tipos de ilustración
Las maneras de orientar la construcción de la ilustración mediante ideas y referirlas con
imágenes en el transcurso del tiempo, han sido expuestas de forma creativa e impactante al
momento de enunciar un mensaje. Se puede observar en algunos casos, el uso como soporte
al cartel, el cual, junto con varias técnicas de impresión, muestran diferentes estilos o
referencias que se vienen produciendo.
24
Ante este factor, los tipos de ilustración terminan dependiendo de la necesidad del emisor, ya
que éstas, están destinadas en la mayor parte a informar. Algunos autores clasifican a la
ilustración para que esta sea captada de mejor forma. Al contar con un sin fin de gráficas con
diferente contenido, puede ser complejo tratar de clasificarla bajo cierto grupo. Por ello, al
referirse al hecho de construcción conceptual, también se busca engranar el recurso creativo
y compositivo.
1.4.1. Ilustración conceptual
Este tipo de ilustración específica la libertad de proponer una imagen narrando un mensaje
que clarifique la idea del autor, convirtiéndose en una ilustración de tipo expresivo. Los
ilustradores no se sienten presionados por crear algo que cumplan con ciertas
especificaciones. Es un recurso más libre, pues permite que el ilustrador pueda tomar
elementos que a este le parezcan necesarios, impregnando su propio estilo.
Para Sanmiguel (2013), la ilustración conceptual toma entonces una idea personal en la que
el ilustrador maneja el tema orientando sus procesos a darle una lectura que englobe cada
recurso al planteamiento íntegro, desde el uso del color, texto e imágenes (p.13). Este tipo de
ilustración no está obligada a seguir los datos que se le presenta en un texto,
independientemente, que sea del tipo literario o informativo, no enfoca su orientación a cumplir
un factor de aceptación ni tampoco la realidad latente, sino un trabajo estudiado y planificado
en base a procesos.
Ese es el caso de Fuco Ueda, ilustradora japonesa, ella basa sus temas en un arte conceptual
que acusa a la sociedad por su decadencia. Su trabajo ilustrativo muestra de forma impactante
el contenido, aunque lo sensibiliza con la composición y el color, ya que usa mujeres jóvenes
y elementos surrealistas debidamente ubicados y colores en tonos pasteles que suavizan el
impacto visual.
25
Figura 12: Fuco Ueda Fuente: https://i.pinimg.com/originals/57/7d/73/577d73efab71ed28bd819f9a40bbc256.jpg(2013) Elaboración: Fuco Ueda
1.4.2. Ilustración publicitaria
La ilustración publicitaria está encargada de trasmitir un mensaje directo y claro de forma
creativa. Está destinada a acompañar y dar forma a una marca comercial o anunciar algún
evento, tiene la función de llamar la atención sobre el producto, al anunciar su presencia y
enfatizar sus especialidades. A este tipo de ilustración la encontramos en etiquetas de
envases, packaging, carteles y productos varios. El ilustrador tiene la principal tarea de
interpretar el planteamiento y traducir las ideas del director de arte en imágenes, dentro de un
estilo determinado.
Es así que podemos ejemplificar a una de las marcas de bebidas: Fanta, cuya publicidad se
basa en usar elementos juveniles junto con colores llamativos y gráfica moderna, como forma
de atraer a un público determinado.
26
Figura 13: Publicidad de Fanta Fuente: https://lasblogenpunto.blogspot.com/2008/11/la-nueva-imagen-de-fanta-world-explosin.html(2008) Elaboración: https://lasblogenpunto.blogspot.com
1.4.3. Ilustración científica
La ilustración científica fue, durante muchos años, el soporte que nos permitía visualizar lo
que la teoría y la experiencia describían únicamente con palabras. El objetivo de este tipo de
ilustración es mostrar información detallada y precisa, un dibujo con el propósito de reafirmar
visualmente los textos de investigación de varias disciplinas como: Astronomía, Arqueología,
Medicina, Odontología, Botánica, Zoología, Microbiología, entre otras.
Figura 14: Ilustración científica Fuente: https://anediseno.wordpress.com/2012/08/22/generos-de-ilustracion/ (2012) Elaboración: https://anediseno.wordpress.com
La ilustración como recurso gráfico busca llamar la atención del espectador creando una
riqueza de ideas para un público determinado; cuenta con gran variedad de tipos, funciones
27
y técnicas, estas que, en muchas de los casos, brindan a las propuestas mayor riqueza y valor
cuando su uso se realiza de manera ejemplar.
1.5. Técnicas de ilustración
Sobre las técnicas y su aplicación, los registros que se han observado en cuanto a estas, no
permitían la reproducción en grandes cantidades. No fue sino hasta la inclusión de nuevas
herramientas técnicas que hicieron posible una reproducción masiva, como la xilografía. Estas
variantes técnicas hicieron denotar la importancia de la reproducción en grandes cantidades,
puesto que, ante un medio manual, la aparición de medios impresos y la era digital, era
necesario adaptarse al uso de las mismas.
Actualmente, esto no ha determinado que aquellas técnicas anteriores al uso tecnológico no
sean utilizadas. Hoy en día, existen varias técnicas tradicionales que los ilustradores
contemporáneos usan en su trabajo, combinándolas con técnicas digitales, logrando así
propuestas que mantienen latente, en algunos casos, los procesos de registro. Se debe
considerar que, en este mismo proceso, existe una cierta clasificación al momento de enunciar
el medio por el cual fueron producidas. A continuación, se enuncian algunas de las técnicas
que se mantienen latentes como medios artísticos.
1.5.1. Técnicas plásticas.
Todo ilustrador necesita dominar el dibujo, que es la base de cualquier ilustración.
Normalmente, se realiza a lápiz y de forma manual. En la antigüedad las ilustraciones eran
hechas totalmente a mano, haciendo uso de material primitivo como la piedra, la madera, el
papiro o tintas naturales sacadas de plantas; sin embargo, en la actualidad, se suele trabajar
directamente con el ordenador. Cada tipo de ilustración requiere un estilo de dibujo diferente.
Las técnicas artísticas tradicionales se usan debido a la riqueza plástica que los materiales le
permiten plasmar al ilustrador. El ilustrador plasma sus ideas a través de estas técnicas; los
inicios se dan por medio de bocetaje, hasta llegar al final utilizando una técnica propia y, en el
caso de ser digital, se realiza la digitalización con las herramientas necesarias para la posterior
edición.
Debido a la destreza técnica que tienen algunos ilustradores en el manejo de estos materiales,
las preferencias se dan por: la textura, color, las transparencias que estas dejan al hacer un
trazo; buscando siempre el realce que el material puede aportar. Se debe considerar,
igualmente, que estos métodos tienen un tiempo extenso, largo y muy detallado. Por enunciar
28
algunas de estas técnicas, a continuación, se hablará de las que se utilizan dadas estas
características mencionadas.
• Lápices de color
Los lápices de color son una de las técnicas favoritas de los ilustradores debido a su fácil
manejo. Están hechos a base de cera o aceite, conteniendo proporciones variables de
pigmentos, aditivos y aglutinantes. En este tipo de material se puede conseguir una gama
infinita de colores, que se pueden encontrar de forma enumerada, además de pertenecer a
diferentes marcas de fábrica. Debido a su diseño cilíndrico y ligero, el lápiz de color es de fácil
manejo para crear gran detalle. Se utiliza para pequeños formatos, en los que se trabaja en
capas para conseguir el color deseado. En internet se puede encontrar una gran variedad de
gráficas y estilos realizadas con este material.
Figura 15: Mérida película Valiente de Disney – lápices de colores. Fuente: http://artefeed.com/fantasticos-dibujos-a-lapiz-de-dino-tomic/ (2015) Elaboración: Dino Tomic
• Acuarelas
La acuarela es una técnica usada desde la antigüedad. Es un tipo de pintura en la que los
pigmentos finalmente molidos se aglutinan con goma arábiga, al diluirlos con agua dan
transparencias en las que el color se trabaja por capas de tonos claros, conservando el blanco
del papel, a tonos oscuros. Es una de las técnicas más utilizadas por los ilustradores ya que
dejan tonalidades, transparencia y colores brillantes diferentes a otras técnicas. Las acuarelas
son de fácil uso porque no necesitan muchos utensilios, además de ser compatibles con otras
técnicas.
29
Figura 16: Juri Ueda Fuente: http://luciolicinio.blogspot.com/2013/07/juri-ueda.html (2013) Elaboración: Juri Ueda
• Collage
Es una técnica en la que se pega pequeños trozos de papel o cualquier otro tipo de material
sobre cualquier superficie plana. Debido a sus variados tipos de color, forma, tamaño y textura
van creando un interesante y atractivo conjunto visual. Algunos ilustradores consideran que
es una de las técnicas en las que se trabaja rápido y fácil. Esta mecánica permite conseguir
interesantes efectos que se complementan en lo decorativo y que, fácilmente, complementan
la creatividad en la propuesta.
30
Figura 17: Eugenia Loli - Collage Fuente: https://www.makamo.es/eugenia-loli-collage-surrealismo/ (2014) Elaboración: Eugenia Loli
Estas técnicas varían dependiendo del manejo que a cada uno se le facilite y aporte a su
concepto. Además de crear combinaciones entre sí, llevando al ilustrador a imaginar una gran
cantidad de propuestas, siendo parte de esas propuestas, la estilización de la figura en la que
se hablará a continuación.
1.6. Estilización femenina como medio ilustrativo.
Se habla mucho, en la actualidad, sobre entender los recursos que son necesarios para
proponer un estilo propio en las producciones personales, por ello uno de estos recursos es
el de tener un medio de generar una propuesta en la que se quiere estilizar la figura del cuerpo
humano, en este caso particular, es tomar a la mujer como un medio de estudio para construir
un recurso de composición gráfica. Al buscar estilizar una figura femenina, es importante
denotar que cada propuesta se enuncia según el artista.
Lo anterior se da desde épocas muy antiguas. Por ejemplo, en las figuras escultóricas de la
Prehistoria, cuyas características eran destacar sus atributos sexuales por cuanto eran
considerados un símbolo de fertilidad. Con el paso del tiempo, la forma de ver a la mujer ha
evolucionado hasta convertirla en deidad, debido al rol que cumplía en la sociedad –el cual
era dar vida–, y así demostrar la importancia de este género.
31
La figura femenina en el arte está también asociada al comportamiento moral, tanto como
representación de lo malo, del vicio, del pecado, como de imagen de la santidad (Pascual,
2007). El artista plasmaba las creencias e ideologías de las personas sobre la feminidad. La
mujer ha sido vista desde la antigüedad como un símbolo de belleza y sensualidad, en
diversas obras de arte en diferentes estilos artísticos.
Dejando atrás el clasicismo, la aparición de nuevas tendencias y técnicas artísticas ha ido
transformando y estilizando la figura, creando una nueva manera de visualizar a la mujer. En
la época contemporánea, la feminidad ha seguido en apogeo, pero al contrario de los artistas
de siglos pasados, que usaban el realismo de la figura femenina para sus trabajos, el arte
moderno ha suprimido estas características, creando así la estilización de la figura.
En la época contemporánea, la estilización es un medio gráfico muy utilizado. Varios
ilustradores y artistas ocupan esta característica en su trabajo para crear su línea personal y
plasmar su estilo en el medio artístico. La estilización femenina como recurso gráfico en la
ilustración gana mayor influencia en varios medios, es así que se puede encontrar en obras
como: cuentos, moda, productos publicitarios, etc., debido a que estos medios recurren a una
transformación constante, búsqueda de evolucionar y crean un nuevo estilo que lleva cada
vez más la corriente hacía lo personalizado.
En el medio que hoy nos desenvolvemos la estilización puede variar, eso nos define (Vega,
2011), no sólo a través de la estilización sino también en aquellas que presentan un tipo de
distorsión o exageración de las formas y objetos de la realidad. Su característica es que
representan las formas de manera diferente: alargadas o reducidas, aumentadas en
volúmenes o plasmadas. La distorsión es intencional y con ello lo que se pretende es descubrir
la esencia de lo representado. En tanto que en la apreciación de la figura e imagen intervienen
aspectos subjetivos que distorsionan el saber mirar.
El objetivo de la estilización es el de dar rasgos característicos a un trabajo creativo. Es así
que podemos ver que, en la ilustración de moda, la estilización, es un recurso muy usado para
establecer sus proporciones en razón de la propuesta de estilización de sus figuras, esto lleva
también el aplicar un canon diferente al que se utiliza tradicionalmente, con el que se obtienen
diferentes tipos de características.
Los diferentes cánones a usarse en el medio ilustrativo contemporáneo pueden variar. Así
tenemos, por ejemplo, al español, Arturo Elena, en cuyas ilustraciones estiliza a la mujer de
forma alargada, creando esbeltez. Las proporciones que usa este ilustrador son mayores las
32
del canon normal, cuyas medidas son las de 7 a 8 cabezas. En la figura (Imagen 18), se
observa que su tamaño es de 12 cabezas. En el medio de la moda es común ver este tipo de
ilustraciones ya que este tipo de proporciones generan belleza a la gráfica.
Figura 18. Arturo Elena Fuente: http://arturoelena.blogspot.com/(2011) Elaboración: Arturo Elena
Entre los ejemplos considerados debe nombrarse a Mark Ryden, ilustrador estadounidense,
cuyo trabajo se diferencia del de Elena, en que se produce una versión a la inversa:
encogiendo el cuerpo. Al medir con el canon normal obtenemos un total de 4 cabezas,
acortando así la figura humana y saliéndose de lo común, creando un toque de inocencia y
delicadeza al dibujo.
33
Figura 19. Mark Ryden Fuente: http://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/1424-las-inquietantes-ninas-de-mark-ryden.html(2016) Elaboración: Mark Ryden
Al observar los ejemplos, es claro que la estilización brinda un toque personal a la ilustración,
ya sea alargándolas, ensanchándolas o encogiéndolas. Se las puede diferenciar creando
ideas nuevas en la que se pueden apoyar.
Al hablar de estilización femenina, podemos mencionar, adicionalmente, un referente sobre el
cual se pretende construir un argumento en lo técnico y estético para la posterior aplicación,
se trata de Alberto Vargas, cuyo estilo característico es el Pin Up sobre el cual brevemente se
mencionará su trabajo.
1.7. Alberto Vargas: chicas pin up estilización de la figura
Alberto Vargas es un ilustrador peruano reconocido, del siglo XX. Era un autodidacto y tenía
un talento natural para el retrato y el dibujo, el cual lo llevó al éxito merecido en los Estados
Unidos. Ganó fama por sus ilustraciones, su principal fuente de inspiración siempre fueron las
mujeres norteamericanas.
Su trabajo ilustrativo consta en la muestra de mujeres bellas y estilizadas de proporciones
idealizadas: grandes pechos, amplias caderas, piernas largas, desnudas, semidesnudas o
34
vestidas elegantemente. En la figura resalta lo sensual y lo erótico, sus rostros con abundante
maquillaje de tez suave y labios carnosos las vuelven seductoras. Con el apoyo de técnicas
artísticas, como la acuarela y aerógrafo, se pueden observar la belleza de las hermosas
actrices de la época. Las ilustraciones de Vargas poseen colores vivos y pasteles que
representa la delicadeza y sensualidad de la mujer.
Sus ilustraciones fueron adaptadas para adornar aviones de la Segunda Guerra Mundial. El
objetivo era alegrar a los soldados durante la guerra. Es así que podemos darnos cuenta de
la importancia de la figura femenina en un concepto machista y político. La mujer siempre ha
sido un medio de marketing, porque acapara las miradas tanto de hombres y mujeres.
Alberto Vargas estiliza la figura de la mujer con el fin de que estas tenga las proporciones
perfectas, realizando adaptaciones propias de la época, buscando evocar la feminidad y
sensualidad de las modelos que son parte de sus obras.
Figura 20: Alberto Vargas Fuente: https://www.etsy.com/es/listing/179013458/67-60-tempranos-raros-vintage-vargas?ref=related-1(2017) Elaboración: Alberto Vargas
Entrando entonces en un medio de dirección, a la estilización se la puede definir como el
concepto decorativo de figuras y objetos, incluyendo la descomposición de la línea, forma y
35
relaciones de espacio y color, en el que el estilizar reduce la percepción visual. Para efectos
de la producción de esta investigación se referencia bajo los distintos grados y efectos que
resaltan los rasgos esenciales de la figura femenina, ya que estas forman parte del proceso
creativo de la propuesta ilustrativa.
La ilustración ha sido y será un medio en el cual se ven archivados eventos transcurridos en
el tiempo. Nos deja huella de lo que nuestros antecesores pensaban o vivían, la técnica y los
medios pueden variar, pero la imagen ilustrativa será unos de los elementos gráficos más
usados, ya que forma parte de nuestro pensamiento humano como protesta o enseñanza.
Se entiende que la ilustración ha formado parte esencial de la expresión de épocas pasadas
y actuales, así como sus recursos gráficos. En este capítulo se mencionó cómo se produce la
estilización de la mujer, la que, en los dos últimos siglos, se ha tomado como un recurso
grafico visual para llamar la atención del espectador, usando sus propios estilos, ya sea figuras
deformes, o mujeres esbeltas y realistas.
Todo lo mencionado en este apartado tiene el propósito de argumentar desde qué punto de
vista se pretende direccionar el contenido. Se menciona el contexto histórico, definición,
técnicas y estilización femenina como parte de la ilustración, los cuales se convierten en temas
importantes para poder llevar a cabo su aplicación.
Es necesario manifestar que el conocimiento que abarca lo aquí expuesto refiere un interés
en aplicar las técnicas adecuadas en estilo, a la vez sean el nicho por el cual se puedan
construir nuevas referencias y tendencias, que lleven nuevos enfoques de cómo entender la
ilustración y la proyección de experimentar constantemente en este campo, que es tan amplio,
en lo técnico y conceptual.
36
CAPÍTULO II
CULTURA JAMA COAQUE
37
Los entornos históricos han contado a través de diferentes épocas las características propias
de cada manifestación cultural. Existen una serie de elementos que pueden funcionar como
referentes, este es el caso de varios puntos de partida procedentes de la cultura ecuatoriana,
éstos se deben elegir considerando aquellos a los cuales se les atribuye un mayor interés
dentro de una prospectiva personal, ya que no se puede medir qué cultura pesa más al
momento de construir argumentos, o quizás entrar en el plano de la valoración de todas las
culturas ecuatorianas. Para ello, fue necesario recurrir a elementos como: figura, formas y
elementos simbólicos. Una vez apoyados en los datos históricos, que gracias a expediciones
y hallazgos arqueológicos se han puesto en evidencia, procede indagar las habilidades de las
culturas precolombinas. En relación con este interés se toma como referencia a la cultura
Jama Coaque, considerada una de las culturas más importantes del período precolombino
ecuatoriano, específicamente, por sus piezas de cerámica, en las cuales se pueden evidenciar
las destrezas que poseían, acompañadas de toda una simbología que describe la esencia de
esta cultura.
Al analizar a esta cultura, como proceso de investigación, se ha considerado necesario realizar
un esquema de identificación histórico y formal que recurra en la evidencia de las principales
características de valor, así como su ubicación, cronología, población y características del
trabajo artístico y técnico que estos realizaban en sus cerámicas. Además de la necesidad de
elaborar un registro personal de la descripción de algunas de las piezas de cerámica para
establecer parámetros de apropiación en la utilización de la estructura formal. Se desarrolla
entonces un breve recorrido por los aspectos que proporcionan especificidad entorno a la
investigación de la cultura Jama Coaque.
Elementos de referencia de la Cultura Jama Coaque
Gracias a las excavaciones arqueológicas y las múltiples investigaciones es que, hoy en día,
podemos resolver varias dudas sobre las distintas culturas precolombinas, y con base en esto,
lo que concierne como entorno dentro de la cultura Jama Coque de la cual se recopilan datos
relevantes en el siguiente apartado.
La cultura Jama Coaque fue descubierta en los años 60, en la zona arqueológica hoy conocida
como San Isidro, esta se encontraba ubicada en la región litoral del Ecuador, al norte de la
provincia de Manabí, entre Bahía de Caráquez y el Cabo de San Francisco, rodeada de
terrenos montañosos con densa vegetación (Guamán, 2015). Es importante recalcar el
terreno en el que ésta se encontraba, al respecto los arqueólogos Juan Salvat y Eduardo
Crespo (1988) mencionan:
38
Que para llegar a su ubicación se determina que es dificultoso su arribo por
el ondulado terreno y no se cuenta con una buena vialidad, sólo es apta la
navegación que para su llegada se encuentra a pocos kilómetros. Contiene
una influencia en la vegetación y en el paisaje. La costa entre el cabo de
San Francisco y Atacames es montañosa y está surcada por una serie de
pequeños riachuelos. La tierra fértil se presta para los cultivos tropicales y
para la ganadería (p. 240).
Figura 21: Ubicación mapa del Ecuador de la cultura Jama Coaque Fuente: http://historiaprecolombinaecuatoriana.blogspot.com/2012/06/cultura-jama-coaque.html(2012) Elaboración: http://historiaprecolombinaecuatoriana.blogspot.com
En cuanto a su estadía en estas tierras no se conoce exactamente la fecha en la que estos la
habitaron, pero se han planteado dos etapas: Jama Coaque I, periodo desarrollo regional (500
a.C.-500 d.C.), y Jama-Coaque II, periodo de integración (500 d.C.- 1.534 d.C.). En la primera
etapa, los señoríos de esta fase tuvieron estrechas relaciones con Bahía y La Tolita, aunque
mantuvieron un estilo artístico bien definido, que refleja su fuerza cultural (Guamán, 2015).
Ciertos vestigios dan muestra de la organización que esta cultura poseía. Estas ventajas están
dadas por las condiciones climáticas y su ubicación. No obstante, estas mismas condiciones
llegan a ser un detonante de la perdida de muchos de estos registros de cómo eran social y
culturalmente.
39
Debido a los años transcurridos no hay evidencia directa sobre sus viviendas. Según los
arqueólogos Salvat y Crespo (1988), éstas eran de madera, que transcurrido el tiempo han
sido destruidas ya sea por el clima o por el trabajo de la selva, las únicas muestras de cómo
fueron sus viviendas son las maquetas de casas y templos realizadas en arcilla. (p. 239).
En cuanto sus costumbres y organización social no están bien definidas. A juzgar por los
figurines, tanto hombre como mujer, desempeñaban un papel importante. Estos eran dirigidos
por líderes en los cuales recaía el poder político-social y a la vez eran los encargados de los
cultos religiosos, ceremoniales y otros aspectos de índole religioso (Reyes, 1984).
Gracias a la cerámica encontrada en excavaciones y a los análisis realizados por arqueólogos
se elaboran hipótesis de cómo estos vivían en este período. Además de concluir que las
culturas precolombinas tuvieron contacto con varias culturas mesoamericanas, por algunas
similitudes existentes en objetos. Así lo indica Guamán Oswaldo (2015):
Al igual que sus vecinos del norte y del sur, Jama-Coaque tuvo contactos
con el área de Mesoamérica y sin duda compartió conceptos ideológicos
parecidos. La similitud en la manera de representar ciertas deidades, los
atuendos ceremoniales, las posiciones y actitudes de las estatuillas sugieren
vínculos entre ambas regiones en todo lo largo del período precolombino.
(…) El arte cerámico de Jama-Coaque sigue las pautas de la tradición
Chorrera, pero pronto desarrolla su individualidad con rasgos como el uso
excesivo del molde, un cierto barroquismo en la decoración plástica y
pictórica, y una iconografía antropomorfa marcadamente elitista” (p.85)
La cultura Jama Coaque muestra en su cerámica algunos elementos similares a la cultura
Chorrera, por lo tanto, el autor menciona que esta es heredera directa. La cultura Jama
Coaque, sin embargo, se despoja de algunas de estas referencias propias de la tradición
Chorrera, creando sus propios métodos de producción de piezas haciendo uso del molde.
Estos estudios dejan ver las técnicas cerámicas que en la cultura Jama Coaque tuvieron y en
las cuales dejaron precedentes para ser considerados grandes alfareros, mención dada por
el manejo de herramientas y técnicas refinadas con tanta sofisticación en la elaboración del
detalle de las piezas. De igual forma, cuentan con una gran variedad de figuras cerámicas,
que demuestran las habilidades artísticas que éstos tenían y los progresos con los que
trabajaron la cerámica.
40
Cerámica Jama Coaque
La cerámica Jama Coaque es una de los elementos más representativos de esta cultura
debido a la complejidad y estética que estas tienen dada la época que fueron elaboradas. Las
piezas son variadas, entre estas están: compoteras, representaciones de casas o templos,
vasijas, trípodes, pipas y torteras. Pero las piezas que más destacan son: sellos planos,
cilindros de cerámica y las figurillas. Sobre estas últimas se pretende despertar la necesidad
de verlas representadas en una propuesta. En referencia a lo anterior, Gutiérrez A., (2011)
comenta:
Los o las ceramistas y artistas de estas culturas plasmaron sobre la arcilla
buena parte de su pensamiento, su cosmovisión, su modo de vida y
costumbres, de tal manera que, hoy día, es absolutamente factible la
identificación o reconocimiento de distintos estamentos sociales,
indumentarias o adornos, actividades o enfermedades, divinidades y figuras
mitológicas, entre otras representaciones del mundo circundante, objetos
que posibilitan la re contextualización de los patrones culturales, que
complementa los exiguos datos que las investigaciones sistemáticas han
aportado hasta el momento, sobre el modo de vida y el pensamiento
simbólico en esta cultura.
Podemos notar la importancia de los restos cerámicos encontrados porque cuentan gran parte
de la historia cultural: detalles de cómo se daban sus recursos, de cómo sobrevivían y se
organizaban; dejando piezas y muestras que hablan sobre el paso histórico como civilización.
En lo concerniente a los elementos iconográficos presentes en la cerámica Jama Coaque,
ésta posee una gran cantidad de elementos, especialmente, en la de sus sellos planos y rollos
que para algunos autores es un medio de escritura, mientras que para otros representa un
medio de decoración con un valor simbólico, pues estos eran usados para pintar sus cuerpos
y para la decoración de sus vasijas, y probablemente se cree que eran también aplicadas a
textiles.
Los sellos son piezas de cerámica (barro cocido), en forma cilíndrica y plana, de diferentes
tamaños que fluctúan entre 16cm. de alto y 4 cm. de ancho hasta 2cm. de alto y 1cm. de
ancho; con dibujos en relieve y la superficie completamente lisa. (Franco, 2010) Desde una
descripción formal se puede apreciar que estos elementos poseen figuras abstractas con una
serie de patrones, estos sellos, rollos, placas han sido considerados dentro de muchos
41
estudios, sobre todo los que han sido direccionados hacía la producción en el arte y en el
diseño.
Figura 22: sello Jama Coaque Fuente: http://amuki.blogspot.com/2009/03/cultura-jama-coaque.html(2009) Elaboración: http://amuki.blogspot.com
Figurillas Jama Coaque
Otro tipo de cerámica de esta cultura son las figurillas. Admirables por su estética única
considerando la época en la que éstas fueron elaboradas, existe una gran variedad de piezas
de distintos tamaños. Sus dimensiones varían entre 10 y 35 cm de altura. Las
representaciones antropomorfas, zoomorfas y fitomorfas, se caracterizan por el refinado
naturalismo con el cual han sido realizadas, representan personajes ricamente ataviados
como sacerdotes y jefes, guerreros, músicos, artesanos, mujeres y otros personajes. Las
representaciones de animales, más raras, suelen incluir felinos (ICOM, 2010).
Hay que destacar también las figurillas de hibridaciones antropo-zoomorfas, que es la
combinación de hombre animal. Estas representaciones han sido las que más han llamado la
atención de esta cultura debido a la estética escultórica que poseen y que ha generado
diferentes propuestas gráficas sobre su interpretación, al momento de ser plasmadas como
producción.
42
Figura 23: Chaman Jama Coaque, antropo-zoomorfo Fuente: https://www.tripadvisor.es/LocationPhotoDirectLink-g294308-d2215642-i121527102-Casa_del_Alabado-Quito_Pichincha_Province.html(2018) Elaboración: https://www.tripadvisor.es
La elaboración de estas figurillas generalmente era mediante molde, lo que se supone una
gran demanda de parte de la población y cierto grado de especialización del ceramista. Según
el estudio de Gutiérrez (2013):
Estas eran realizadas por partes, cada una de ellas se ensamblaría
posteriormente para formar una figura completa, por ejemplo, los aretes,
algunos tocados, los cuencos y bastones se han confeccionado con moldes
por separado. Entre las tradiciones cerámicas costeñas, solamente los
artesanos Jama-Coaque utilizaron moldes para producir tanto la figura como
los objetos que la adornan (p. 539).
Esta técnica, usada por los artesanos de esta cultura, se llama pastillaje, y es utilizada,
frecuentemente, por algunos escultores en la actualidad.
43
Figura 24: Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
En Jama-Coaque hay una distribución mucho más uniforme de las figurillas masculinas y
femeninas. Cada uno de los sexos presenta poses representadas que los distinguen, por
ejemplo, sus partes sexuales. Aunque, también, se lo puede ver en su ropa. De esta manera,
las figurillas Jama-Coaque nos presentan guerreros, músicos y danzantes (Guamán, 2015).
Algunas de las características principales de estas figurillas recaen en resaltar los elementos
de relieve que forman parte de su composición, y que, en conjunto a la forma y figura humana,
se complementan en piezas que eran adosadas a las vasijas y trípodes. Los elementos
escultóricos de estas figurillas antropomorfas muestran una riqueza de aplicaciones plásticas
e intensa policromía denotando su elaboración muy compleja.
44
Figura 25: Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
El uso compositivo de las piezas de esta cultura es la representación humana y su relación
con los enseres o herramientas, en los cuales es notoria la importancia del tratamiento de la
figurilla, característica distintiva de la fabricación de cerámicas. Los objetos de esta cultura
son un gran material visual, nos muestran la vida cotidiana de la población de esa época,
convirtiéndose en uno de los muchos argumentos por los cuales ha sido considerada como
una de las principales culturas cerámicas del período precolombino.
Análisis de 5 figuras cerámicas de la Cultura Jama Coaque
En este apartado se analizarán 5 figuras cerámicas de la Cultura Jama Coaque. El
procedimiento que se utilizará para este análisis es de tipo formal, es decir, determinar
mediante la descripción de los elementos compositivos las formas básicas que los componen.
Esto se da porque no se entrará en detalle o simbolismos implícitos u ocultos tras el aparente
naturalismo de una obra. La descripción será formal, la cual analizará la obra dentro del campo
estilístico formal, apelando a la información elemental que pueden ofrecernos los sentidos. Se
adentra el estudio en poder definir cómo cada elemento tiene su significación y variable, pero
es evidente que, al estudiar aspectos gráficos compositivos y formales de los objetos de
alguna cultura, como una herramienta para la interpretación de contenidos, es más complejo,
45
sin embargo, es necesario establecer pautas convenientes para trabajar con símbolos o
piezas arqueológicas que pueden ser usadas en el recurso compositivo ya sea en el diseño o
en lo artístico.
La selección de estas piezas parte de la admiración hacía la riqueza iconográfica que
contienen bajo la composición de elementos simbólicos, decoración y atuendos,
específicamente, por lo fascinantes de las piezas cerámicas de los personajes que se
transforman en un ser fantástico. Son piezas que se dividen, según sus rasgos, en masculinas
y femeninas. Sus características físicas nos transportan a un mundo lleno de fantasía en la
que estamos rodeados de una cultura llena de reyes y princesas, debido al uso exagerado de
joyas y tocados que forman parte importante de esta cultura; estas piezas cuentan con un
gran material visual que, al descomponerlas, pueden formar parte de grandes ideas.
La descripción formal del material de análisis tendrá relación con el libro del cual fueron
tomadas las imágenes, mismas que son parte del museo o colección de procedencia, y que,
en conjunto, se pretende generar una descripción de la pieza organizada mediante tablas y
celdas.
46
Análisis figurilla 1
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado
Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 71 x 34 cm
Posición: Frontal
Figura 26 : Gurrero representación Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Figurilla antropomorfa de contextura robusta, sexo masculino, composición simétrica. La
posición de su cuerpo no es totalmente erguida; muestra un poco de movimiento en sus
brazos; rostro bien definido; ojos en forma de grano de café, una boca entre abierta y una
nariz arremangada. Es una figura decorada con representación de joyas de gran tamaño, su
color terracota y estado aceptable, aunque muestre algunos quebrantados. Su estructura es
muy resistente.
Esta escultura presenta un estatus social en ella el guerrero se muestra como un personaje
importante de la cultura, ya que en su cabeza lleva una corona de gran tamaño que,
probablemente, representa superioridad.
47
Análisis figurilla 2
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 27,1 cm x 20,5 cm
Posición: Frontal
Figura 27: Novia representación-Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”- Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa de contextura robusta; sexo femenino y composición simétrica,
presentar una posición sentada erguida de su cuerpo. La figurilla presenta el busto aventajado;
el rostro bien definido; los ojos en forma de “D”, la boca entre abierta, la nariz arremangada y
el ombligo prominente. Es una figura decorada con la representación de joyas de gran tamaño.
Posee un color terracota, ocre y verde. Se puede definir su estado como en “perfectas
condiciones”. Su estructura es muy resistente.
Representa la jerarquía del matrimonio y, al igual que en nuestros días, la novia es el centro
de atención del evento. Una mujer joven que exhibe sus atributos femeninos.
48
Análisis figurilla 3
Análisis Formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Alabado Quito
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 27,1 cm x 20,5 cm
Posición: Frontal
Figura 28: Inmutable representación- Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo masculino; su composición es
simétrica. La posición de su cuerpo es totalmente erguida; muestra un poco de movimiento
en sus brazos sosteniendo un cetro. Tiene rostro bien definido; ojos en forma de “D” y una
nariz respingada. La figura está decorada con la representación de joyas de gran tamaño. Su
color es terracota, azul y amarillo. El estado aceptable y su estructura es muy resistente.
Su postura, el cetro y sus joyas de gran tamaño representan el poder, se evidencia a un
personaje importante dentro de esta cultura.
49
Análisis figurilla 4
Análisis formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Banco
Central
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 47.5cm x 29.3cm
Posición: Frontal
Figura 29: Pictogramas representación-Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo femenino y su composición es
simétrica; la posición de su cuerpo es de pie erguida, con sus palmas hacia afuera; busto
prominente, rostro bien definido; ojos en forma de “D”, una boca entre abierta, una nariz
arremangada y brazos con pictogramas esgrafiados. Su color es terracota, amarillo y verde.
El estado es aceptable. Su estructura es resistente.
50
Análisis figurilla 5
Análisis formal
Clasificación de la pieza: Figurilla
Material: Cerámica, arcilla
Ubicación original: Litoral ecuatoriano.
Ubicación actual: Museo Banco
Central del Ecuador- Guayaquil
Año: Se desconoce
Época: Desarrollo Regional
Cultura: Jama Coaque
Dimensiones: 20.5 cm x 35 cm
Posición: Frontal
Figura 30: Ataviado I, representación- Cerámica Jama Coaque Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” - Biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Esta figurilla antropomorfa es de contextura robusta, sexo femenino y de composición
simétrica; a posición de su cuerpo es de pie erguida; esta adosada a vasija y posee un rostro
bien definido; ojos en forma de “D”, una boca entre abierta y una nariz arremangada. La figura
está llena de elementos decorativos. Su color es terracota, amarillo y verde. El estado es
aceptable. Su estructura es resistente.
Dentro del conjunto de análisis, se han identificado posiciones corporales de los personajes
representados, tanto de mujeres como de hombres. Las figuras analizadas son de tipo
antropomorfo con atuendos vistosos y poseen una simetría en toda la figura. Sus rostros son
de contextura gruesa con ojos grandes en forma de grano de café o de “D”, una boca
entreabierta de variados tamaños. En su elaboración destaca la pulcritud, pulido y
composición. Las figuras geométricas que dominan estas composiciones escultóricas son el
círculo y el cuadrado presentes en los arreglos de joyas y tatuajes de las figurillas, por ejemplo,
51
la corona semicircular de la imagen 26 y 28 la relación de radiación de la forma y la simetría
son la que resaltan la pieza.
Estas piezas representan personajes muy ataviados, lo que puede sugerir que la cultura Jama
Coaque se preocupaban por la apariencia personal. Sus grandes coronas, collares y aretes
de las figuras es un claro ejemplo de la importancia que estos tenían.
En su largo período la cultura Jama Coaque muestra los progresos que han tenido, revelando
así sus habilidades con la cerámica, superando a sus ancestros en técnica y estética,
haciendo uso del molde con tanta sofisticación y el detalle de su trabajo, creando piezas
únicas para la época en las que fueron elaboradas. Esto gracias a las representaciones
cerámicas encontradas y que esta cultura fabricó. Es por ello que, hoy en día, tenemos un
registro gráfico visual que refleja ciertos elementos de la vida de esta cultura.
Siendo una de las culturas más apreciables de la costa ecuatoriana, la cultura Jama Coaque
aún aguarda por aquellos que busquen entrañar en sus raíces con el fin de transmitir tal
riqueza propia que se encuentra inmersa en sus piezas debido a la iconografía que estas
poseen. Hoy en día, a través del arte y el diseño, se posee una serie de herramientas que
potencian los mecanismos necesarios para socializar culturalmente la historia que Ecuador
tiene a fin llevar estas apropiaciones de las piezas escultórica hacia un medio que mantenga
latente la identidad de las culturas originarias, que las propuestas evoquen originalidad a
través de la ilustración y así llenar campos que han sido ocupados lentamente por la influencia
de corrientes externas que se han colocado como moda actual.
Apropiación de forma y figura Jama Coaque
Para poder definir este tema, debemos tener en claro ¿qué es apropiación? En el diccionario
esta palabra se refiere a la acción y resultado de tomar para sí alguna cosa haciéndose dueño
de ella, se podría decir que es robar algo. Pero en nuestro medio artístico el significado
cambia, se la define como una reutilización, como una estrategia de creación, como la
combinación de lo antiguo con lo nuevo para así crear imágenes con base en las prácticas
contemporáneas.
En el medio artístico se da a conocer como apropiacionismo un movimiento que se originó en
el siglo XX con el nacimiento de las vanguardias, los cubistas, dadaístas, surrealistas, el pop
art, utilizan este medio para re-contextualizar trabajos anteriores, se hace por lo general de
52
obras icónicas, ya que el público tiene más familiaridad con ese tipo de piezas, a este tipo de
movimiento no se lo considera un plagio porque ofrece una proyección diferente y creativa.
Figura 31: Las meninas de Velásquez – las meninas de Picasso Fuente: http://fahrenheitmagazine.com/arte/apropiacionismo-el-arte-de-apropiarse-la-idea-de-otro/(2016) Elaboración: http://fahrenheitmagazine.com
Una práctica frecuente en la creación artística es la búsqueda de modelos en el pasado, y a
partir de eso crear una imagen que choque con el presente, de tal manera que se crea una
mutación brusca en los elementos gráficos apropiados, para luego situarlos en oposición
categórica con las costumbres del momento y por ese medio provocar en el espectador una
nostalgia gráfica.
La apropiación de elementos precolombinos se presenta en gran parte de nuestra sociedad.
Para los creativos es una forma de dar a conocer parte de nuestro patrimonio, dado que las
culturas precolombinas poseen rasgos gráficos únicos y son fuente de inspiración para la
creación de ideas innovadoras. Tomando como punto de partida a la re-contextualización o
reinterpretación de la forma y figura se pueden dar similitudes al relacionarlos con otro tipo de
culturas.
Al mencionar la cultura Jama Coaque, esta presenta una simbología e iconografía muy rica
en cuanto a los procesos necesarios para ejercer una apropiación. Los detalles evidenciados
en las figuras mantienen una infinidad de variantes, es por eso que, en su uso, actualmente,
se tiene ya gran cantidad de producción tanto en el diseño como en el arte.
En el Ecuador es una fuente de inspiración para muchos. La forma y figura de la cultura Jama
Coaque está basada en geometría como el círculo, la línea, los cuadrados, y las espirales,
asimismo, se fundamenta en la figura orgánica como la humana, la flora y la fauna. Este tipo
53
de elementos facilita el trabajo de los creativos, apropiándose de estas formas y creando una
infinidad de variaciones.
En los sellos y rollos de cerámica se han encontrado gran parte de los registros más usados,
estos presentan complicadas figuras y formas, mismos que datan, cuidadosamente, de trazos
lineales que forman campos positivos y negativos, los cuales permiten la abstracción y
posterior reproducción indefinida.
Los recursos geométricos, estilizaciones fitomorfas, estilizaciones antropomorfas y
estilizaciones de la fauna, son aquellas representaciones que por el tipo de trazo atraen a
diseñadores y artistas. Gran parte de la comunidad artística hace a estos trazos –los
elementos iconográficos– como propios, convirtiéndolos en parte de nuestra sociedad. Entre
algunos ejemplos, es preciso mencionar, el caso de Ricardo Alcívar, Cristian Quezada, y
algunos otros, quienes toman como base elementos precolombinos para crear sus trabajos
artísticos.
Ricardo Alcívar al rescate de Jama Coaque
Este artista ecuatoriano, manabita, ha encontrado un refugio en el arte precolombino. Su
objetivo es investigar el pasado y su dedicación es rescatar las culturas ancestrales, de
manera especial la cultura Jama Coaque. Su principal material de trabajo es la madera en
relieve y en bulto. Hace uso de los elementos simbólicos en su trabajo artístico, por ejemplo,
su iconografía encontrada en sellos y rollos. Elabora esculturas en madera en la que
engrandece aún más el trabajo artístico que esta cultura realizaba.
54
Figura 32: Ricardo Alcívar Fuente: http://www.vistazo.com/seccion/cultura/al-rescate-de-la-cultura-jama-coaque Elaboración: Ricardo Alcívar
Su obra conserva vestigios de una cultura en la que es notorio la inspiración ancestral. Su
trabajo contemporáneo ha sido realzado por el arte precolombino, el cual ha sido su principal
fuente de inspiración y en el que es notoria el uso de elementos gráficos abstraídos de rollos
y cilindros para poder ser ubicada en una idea creativa contemporánea.
Cristian Quezada fusión
Su trabajo ilustrativo se basa en una combinación de diferentes culturas y estilos. Su objetivo
principal se trata del rescate y aporte a nuestra cultura mediante la fusión de matices étnicos
y urbanos en la que abarca diversos estilos gráficos, su proceso técnico está basado en el
campo de edición digital.
En su trabajo ilustrativo integra, de una manera artística y evidente, a los elementos culturales
con lo urbano. Su composición y cromática le dan un toque contemporáneo, presentando en
sus producciones efectos muy creativos. Se hace uso de los elementos precolombinos como
una reinterpretación personal, agregándole su impronta como recurso creativo para generar
un estilo personal, dándoles un manejo adecuado en su composición incluyendo los colores
que brindan un toque juvenil. Es notorio evidenciar la presencia de la interpretación y
composición de estos elementos en su arte gráfico, por ejemplo, en la siguiente imagen,
55
muestra a un hombre con grandes tocados e instrumentos musicales propios de las culturas
ancestrales, así como elementos simbólicos como parte decorativa, que busca en los colores
generar un contraste que permita resaltar estos aspectos, buscando influir en el espectador
guiar la mirada.
Figura 33: Música y espíritu Jama Coaque Fuente: dspace.ucuenca.edu.ec/bitstream/123456789/4509/1/tesis.pdf (2012) Elaboración: Cristian Quezada
Es así que podemos resumir que la fascinación de algunos artistas por apropiarse y aplicar
elementos precolombinos a su trabajo artístico. Podríamos decir que lo anterior, ha elevado
al arte y al diseño a crear una mayor relación de identidad con los recursos culturales propios
de las culturas ecuatorianas.
Por su riquísima expresión artística, esta cultura conforma lo más sobresaliente de la estética
y el arte en el período del desarrollo regional, valorando su alto avance técnico y estético. Se
ha demostrado que la cultura Jama Coaque es una de las culturas precolombinas
ecuatorianas que desarrolló el conocimiento y técnicas en la que queda evidenciado a través
56
de sus representaciones cerámicas –como los rollos, sellos y figurillas– en la que detallan su
forma de vida.
Se podría sugerir que esta cultura cuenta con una excelente calidad plástica, así como en la
resolución técnica, es por eso que el tema ha sido abordado desde la referencia de estas
figuras cerámicas buscando generar argumentos creativos en la obtención de características
relacionadas con su arte compositivo, que se deriva en lo decorativo y extravagante.
Podemos definir a la cultura Jama Coaque como un foco importante del arte del antiguo de
Ecuador. Es por eso que algunos artistas y diseñadores consideran a la cultura jama Coaque
como la fuente de elementos compositivos para sus propuestas, medios suficientes para
tomar referir esta cultura como inspiración.
Una vez descritas las características de esta cultura se toma como modelo la belleza y
feminidad que reflejan ciertas figuras, en sus formas, en sus joyas y su extravagancia, en la
que se valora también su simbología, representada en sus figuras geométricas.
Posteriormente, se pretende hacer uso de estos recursos en una proyección de ilustración.
57
CAPÍTULO III
PROPUESTA ARTÍSTICA
58
Definidos los elementos contextuales sobre la construcción de las bases y argumentos
emprendidos desde el punto de vista teórico, se decide en este apartado de la investigación
abordar la planificación y desarrollo en el cómo se ha llevado a cabo el proceso de ilustración.
Los diferentes avances del proyecto, los principales momentos que han sido planteados para
fortalecer los objetivos establecidos, todos estos con la importancia que recae en la
construcción de los personajes para presentar la propuesta creativa.
Será importante mencionar de forma extensa el énfasis al proceso de experimentación con
diferentes técnicas artísticas, el uso de los elementos de las culturas prehispánicas, procesos
compositivos, junto a los diferentes estudios que nos han permitido consolidar el presente
estilo y técnicas implementadas.
Las aplicaciones de los elementos de esta obra se basaron en la experimentación realizada
en el transcurso de la carrera de arte y diseño, iniciando con las interrogantes, ¿cómo es la
figura femenina? ¿Cómo ha sido empleada en el medio pictórico?, que razones han sido
atrayentes? Desde los inicios en la carrera universitaria el entorno del trabajo hacía la figura
femenina han sido abordados desde la sensualidad y delicadeza, además de propuestas que
llevan cierto interés por los elementos geométricos encontrados en la iconografía y símbolos
de las culturas prehispánicas, es así como el uso de material reciclable ha permitido encontrar
una composición interesante para elaborar de ilustraciones.
Estudios precedentes mantenían la idea de realizar una figura estilizada que se
complementará con figuras geométricas, entrando en lo gestual, entendiendo esto como la
composición múltiple de formas circulares, cuadradas etc. Estos conocimientos previos, junto
con el interés por el pasado y los elementos simbólicos de las culturas prehispánicas, han
abordo una idea contemporánea en el que se pretende retomar el factor de referencia cultural
al presentar una muestra que lleve un sello personal sobre la interpretación de esta identidad.
Cabe destacar que esta obra se basa en una propuesta de figuras netamente femeninas ya
que se intenta reflejar la ternura, belleza y sutileza femenina que son parte del concepto de
espíritu que le intenta plasmar a la producción como un recurso netamente personal.
Tratando además de buscar el esteticismo y la sensualidad sin llegar al erotismo. La temática
nace a partir del interés por las culturas precolombinas, debido a los elementos simbólicos
que estas poseen.
59
El Ecuador es un país que cuenta con una riqueza prehispánica, la cual ha sido explotada en
varias formas ya sea en el diseño o en el arte, es por eso, que los esfuerzos van dirigidos
hacía una de las culturas cuya iconografía y simbología son las más aplicadas en el campo
de la ilustración y la gráfica, hablamos entonces de “Jama Coaque”. El interés personal es la
base de inspiración atrayente en esta cultura precolombina, elementos que impresionan de
su alfarería, vasijas, cantaros vasos, etc., pero sobre todo las representaciones de templos y
figuras zoomorfas y estatuillas humanas que usan joyas y adornos corporales como: orejeras,
narigueras, manillas, fabricadas en oro y otros metales, que conjugan el interés por la
apariencia y la buena presencia.
3.1. Bocetos
En todo proyecto artístico es necesaria la realización de estudios previos, a estos se los
conoce con el nombre de bocetos, en estos reposan, a manera de registros, las diferentes
prácticas compositivas sobre una temática específica, las cuales pueden estar organizadas
en forma de cuaderno de trabajo, de estudio, bitácora, etc., aquí se detallan estudios que
permiten enlazar y ordenar ideas de lo que se quiere proponer, para efectos de esta se usan
los bocetos, que se enlistan en las diferentes composiciones y prácticas realizadas durante el
proceso creativo, constan por ejemplo del registro que fusiona las ideas para la construcción
de los procesos de la propuesta final. Para el desarrollo de los mismos se hizo uso de
materiales como; papel, cartulinas, acuarela, lápiz, rapidógrafos y lápices de color, buscando
el dominio técnico.
Dando inicio con las prácticas, podemos hacer alusión a la importancia que se dio al estudio
de la figura y rostro femenino, con el fin en cierto modo, de representar a la mujer y construir
una muestra que logre captar la atención del público.
En los primeros bocetos se contempló a los rostros femeninos como recurso compositivo,
basándonos en la estilización experimentando al punto de conseguir un estilo particular y
personal, en esta práctica se buscaba destacar sus ojos grandes y peinados llenos de un
aspecto caricaturesco simplificando sus formas. En cierto modo estas gráficas tomaron un
lineamiento hacía la realización de la ilustración en la parte de los tocados y rasgos faciales.
60
Boceto elaborado a lápiz sobre papel; en el que se contempla un rostro caricaturesco, destaca su peinado geométrico semicircular.
Figura 34: Boceto inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto elaborado con rapidógrafo sobre papel; cuyo rostro contiene un aspecto infantil, en la que lleva un tocado y tatuajes marcados en su rostro, de técnica lineal en la que simplifica las formas.
Figura 35: Boceto inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
61
Boceto a lápiz sobre papel; contiene una estilización alargada en su
rostro, con grandes ojos en la que inyecta inocencia en el dibujo,
resalta un tocado aplicado sobre su cabeza.
Figura 36: boceto Inicial Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Parte de los estudios recaen en la atracción por los elementos geométricos, han sido también
una búsqueda constante de los múltiples estudios sobre la producción de ilustraciones, así es
el caso que se adquirió varias muestras de cómo se llegó a construir éstos, evidenciados en
una serie de imágenes que van describiendo la continua búsqueda de la construcción de este
tipo de figuras, las cuales se irán mencionando más adelante.
62
Boceto a rapidógrafo sobre cartulina; contiene elementos circulares
fusionados con formas irregulares, en radiación.
Figura 37: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto mixto acuarela y rapidógrafo sobre cartulina; elementos
semicirculares y geométricos fusionados con formas irregulares en
radiación, fondo degradado en acuarela en colores pastel.
Figura 38: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
63
En el pasar de las múltiples prácticas relacionadas con elementos geométricos sobre el rostro
femenino, se persigue dar el protagonismo al combinarlos técnicamente, los resultados
obtenidos crean ilusiones muy atractivas, en estos primeros acercamientos también es
importante denotar que, en lo que refiere al peso visual de la imagen, el tema del cabello llega
a ser determinante al combinar una serie de variaciones geométricas al aplicar relaciones de
negativo y positivo.
Boceto en lápices de color y rapidógrafo sobre cartulina; esta imagen
muestra un rostro estilizado alargado, cuyo peinado posee elementos
lineales que provocan ilusión óptica.
Figura 39: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Boceto en esferográfico blanco sobre cartulina linotex; contiene dos figuras
femeninas de perfil, elementos semicirculares que en un punto se unen,
creando una agradable ilusión óptica.
Figura 40: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
64
Esta experimentación ha permitido descubrir el manejo compositivo y técnico en la evolución
de la propuesta. Esto llevó a otro alcance en el cual se experimentó con diferentes materiales
artísticos, los cuales son tan extensos que es necesario indagar y recorrer entre ellos para
complementar la propuesta, como para mencionar algunos materiales de estas prácticas
tenemos: lápices de color, acrílico, tinta china, rapidógrafos y material reciclable como:
cartulina, botones, madera o recortes de CD, etc., en los resultados obtenidos se puede hacer
evidente las múltiples lecturas que con ayuda de los materiales se logra conseguir, los
siguientes experimentos corresponden a la inclusión del manejo de materiales.
Lápices de color, marcadores, y rapidógrafo sobre cartulina
ingres; imagen de tipo caricaturesco en la que se relaciona
elementos geométricos y figura femenina.
Figura 41: Experimentación técnicas artísticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
65
Collage y lápices de color sobre cartulina; rostro femenino
rodeado de figuras, en la que sugiere ser el cabello e ideas
saliendo de su cabeza, con un contraste de color, cuya mirada
resalta de la figura.
Figura 42: Experimentación técnicas artísticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Lápices de color y collage; muestra uso de recursos poco
convencionales como retazos de sacapuntas, aplicados a rostro
femenino estilizado, estos retazos sustituyen al cabello.
Figura 43: Experimentación técnicas artísticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
66
Llegado el momento dentro del proceso de experimentación, el siguiente paso es la
producción, a partir de los resultados obtenidos, y así generar una colección de imágenes; en
la siguiente muestra se pone de manifiesto el dibujo femenino que, en conjunto con los
elementos geométricos, muestra la resultante de la aplicación de estos recursos; esta muestra
se denominó “Representación de la personalidad con figuras geométricas” en la cual aparecen
rostros de mujeres con elementos que complementan parte de su entorno, convirtiendo la
muestra en un espacio hacía el arte contemporáneo, cuya composición se inscribe dentro de
las características de la simetría; así mismo se plasman rostros sin expresión con una
estilización deforme y grandes ojos, lo que se debe resaltar de este trabajo son la formas que
se encuentran sobre sus cabezas, en las que resaltan la línea, el cuadrado, el círculo, el
triángulo y el color, en esta muestra se aplicaron diferentes materiales reciclables
conjuntamente con técnicas artísticas. Cada forma, línea y color dice algo de lo que en
realidad se quiere interpretar, que es la fluidez y la dificultad que muchas veces giran en torno
a sentimientos y dudas.
Lápices de color, collage sobre cartulina y mdf; los recursos
usados en este trabajo son poco convencionales una combinación
de técnicas, un collage muy elaborado con recortes de cartulina
de variados colores y botones de diferentes modelos se fusionan
para crear un entorno alegre y lleno de vida.
Figura 44: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
67
Lápices de color, collage sobre cartulina y mdf; aquí se puede apreciar recortes de cd aplicados al collage, crea una ilusión óptica de estar atrapada.
Figura 45: Obra artística “Representación de la personalidad con figuras geométricas” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Sin embargo, al incluir elementos culturales, estos traen consigo un punto que mantiene el
hecho creativo y artístico desde cómo abordar esta temática. Utilizar adicionalmente los
recursos simbólicos presentes que son propios de la cultura Jama Coaque, da inicio una
nueva arista, cabe mencionar que cambia la intención del concepto, mas no así los recursos
creativos y técnicos usados en las anteriores propuestas.
A partir de aquí se puede evidenciar que los elementos precolombinos fusionados con la figura
femenina serán el eje en la composición, rodeada así mismo de las formas de la mujer con
características alargadas y de contextura delgada, acompañada de joyería, obteniendo una
mezcla de técnicas variadas.
68
Lápices de color sobre cartulina; en esta imagen muestra a una
fémina con apliques decorativos en algunas partes de su cuerpo, de expresión seria en la que hace referencia a una princesa, su mirada resalta a la imagen, provocando ternura.
Figura 46: Experimentación técnicas artísticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Tinta y acrílico sobre papel; el trabajo que muestra
esta imagen es el de combinar dos colores como
son el negro que delinea la forma, y el dorado que
resalta los elementos decorativos, presenta a una
mujer estilizada ataviada en la que predomina la
elegancia.
Figura 47: Experimentación Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
69
Al continuar con las pruebas, uno de los resultados efectivos en cuanto al avance satisfactorio
en la elaboración de las ilustraciones, y que aumentó el interés por prácticas con diferente
material, fue incluir técnicas mixtas, así tenemos por ejemplo la tinta y lápices de color, en las
siguientes imágenes se busca generar un impacto visual diferenciado, poniendo a prueba el
uso del negro y el dorado buscando generar un contraste con varios materiales, junto con esto
el delineado es utilizado para resaltar los elementos precolombinos de contornos y figuras
(figura 48), al contrario de los lápices de colores donde la técnica de contraste debe ser muy
meticulosa al momento de darle color, sin embargo en su aplicación los colores no llegan a
una fusión necesaria para poder cumplir con los requisitos de las pruebas de color
(figura 49).
Tinta y acrílico sobre cartulina; muestra el
combinado de dos colores como son: el negro y el
dorado, en el que da a notar como estos colores se
fusionan, resaltando asi la figura femenina.
Figura 48: Experimentación tecnicas artisticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
70
Lápices de color sobre cartulina; el uso de esta técnica
permite realizar detalles más meticulosos, los tonos pastel
no permiten que la figura sobresalga del fondo. Contiene
elementos geométricos que decoran a la imagen y la
figura femenina que parece flotar al igual que la tela.
Figura 49: Experimentación tecnicas artisticas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Otra tentativa es el uso de medios digitales en combinación con medios artísticos, las
combinaciones de estas técnicas dan un efecto interesante, las variantes en la aplicación de
elementos decorativos de las culturas precolombinas permite tener una apreciación técnica y
modificar, de cualquier manera, posible, la composición usando variantes en los accesorios,
tatuajes o decoración.
71
Técnicas tradicionales (lápices de color) y digitales; los lápices
de color sobre canson crean una textura resaltando en cierto
modo a la figura femenina, el movimiento corporal le da
dinamismo al trabajo compositivo, las facciones estilizan al
rostro, los ojos grandes muestran una mirada penetrante que
invita a observar. Tiene colores brillantes, el delineado le da
más intensidad a la figura, estos colores al unirse con la figura
femenina le dan un toque de elegancia.
Figura 50: Experimentación tecnicas artisticas ; Sacerdotisa precolombina. Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Las varias producciones han permitido construir un acercamiento a lo que se intenta llegar
en la construcción de la propuesta de ilustración, las pruebas han sido satisfactoriamente
analizadas en la aplicación del uso de variadas técnicas, de estos resultados obtenidos es
importante mencionar que los recursos, en un inicio, fueron basados en varias referencias
culturales, uno de estas que han formado parte del proceso creativo haciendo uso de las
culturas prehispánicas ha sido la cultura La Tolita, cuyas figuras humanas destacan de forma
realista diferentes etapas de la vida cotidiana y sobre todo el trabajo específico y técnico en
la elaboración de máscaras brazaletes, anillos, colgantes, piezas que usaban como materia
prima el oro, plata y platino.
72
Figura 51: Escultura antropomorfa Tumaco-Tolita Fuente: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino” biblioteca UTPL Elaboración: Libro “El arte secreto del Ecuador precolombino”
Cada paso ha contado en el acercamiento de la propuesta en su proceso de estilizar la figura
femenina alargando sus proporciones, en la que se toma como referencia algunos elementos
decorativos y simbólicos de la cultura Tolita(Figura 51), en el transcurso de estas pruebas se
aplicaron diferentes técnicas artísticas dando prioridad a los lápices de color, esto por cuanto
al aplicarlos se puede observar en la figura un resultado que permite señalar su intensidad en
la utilización del color sobre el rostro dándole un toque especial a la ilustración; en la parte de
la cabellera se utilizó el collage favoreciendo notablemente al dibujo (figura 52); además de
una práctica en negativo (figura 53), existieron dificultades en el uso del material, sin embargo
los resultados se pudieron corregir con la práctica.
73
Lápices de color y collage sobre cartulina: el uso de
elementos de la naturaleza como son las ramas
sobrepuestas en su cabeza que forman parte de su
cabellera, hace notar que los recursos pictóricos
pueden variar.
Figura 52: Experimentación tecnicas artisticas y compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Lapicero blanco y lápices de color sobre cartulina;
las diferentes tonalidades resaltan a la figura, su
composición de rigidez, su estilización y sus
elementos decorativos muestra a una mujer
elegante y vanidosa.
Figura 53: Experimentación y composición Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
74
En contexto las prácticas enunciadas anteriormente son un proceso de bocetaje que sirven
como recurso de construcción para elaboración de las ilustraciones finales, es así que
podemos definir que la destreza que aporta al proyecto son los lápices de color y el collage,
es notorio el largo recorrido que se ha seguido para llegar a concretar la técnica y la unificación
del proceso creativo para consolidar las ideas al plasmar una representación propia y original,
justificado desde el uso del gráfico hasta los rotuladores junto con los diversos materiales
reciclados.
3.2. Pruebas composición artística
Para el desarrollo de estas composiciones artísticas, el énfasis de los factores estudiados
sobre la figura femenina se desprenderá en torno a las referencias de los elementos
compositivos de la cultura Jama Coaque.
En la siguiente composición (figura 54) se toma como base la figurilla, en la que se extrae
elementos decorativos como su velo, manillas y collares, se realizó un boceto aplicando estos
elementos a la imagen de la mujer, de modo que se vea ataviada y elegante apropiándose de
estos recursos, estos fueron ubicados de modo que se relacionen entre sí, los elementos
geométricos como los círculos y cuadrados que son los que dominan la figurilla forman parte
del decorado de su traje, podemos notar una similitud en la estructura.
Tinta, acrílico dorado sobre cartulina; esta imagen muestra, una comparación referencial de la pieza
cerámica, en la que se ve plasmada la estilización alargada de la figura, dando dinamismo al dibujo.
Figura 54: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
75
Otra prueba compositiva similar a la antepuesta, en la que también se extraen las formas de
joyas como su tocado, aretes, collar y elementos geometricos, es la variante del proceso
creativo que se complementa con recursos gráficos de algunos sellos y cilindros relacionados
con la cultura Jama Coaque, estas formas tomaron parte del decorado en los fondos.
Figura 55: Sello y rollo Jama Coaque Fuente: http://abakmatematicamaya.blogspot.com/2012/03/bak-matematica-maya-2012-jama-coaque.html Elaboracion: http://abakmatematicamaya.blogspot.com
El factor simbólico de rollos y sellos pertenecientes a esta cultura entran como recursos
gráficos buscando evidenciarlos como medios decorativos, así como también agregar
referencias hacía la identidad de la propuesta de trabajo ilustrativo.
76
Elaborada en lapices de color, acrilico, aserrín sobre
cartulina; En esta imagen crea una relación con elementos
abstraidos de algunos sellos y rollos cuya interpretación se
asemeja a las figurillas antes estudiadas
Figura 56: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
A partir de este momento la figura femenina cambia sus proporciones, ya que en los bocetos
anteriores se presentan las formas más alargadas y delgadas, en esta nueva composición se
relacionan con las figurillas estudiadas, acercándonos un poco hacia las piezas de referencia,
cuyas características son de rasgos robustos y gruesos. Así se denota como la estilización
femenina cambia sus proporciones, creando una relación entre la figurilla y la imagen.
77
Acuarela, rapidógrafos y acrílico dorado sobre cartulina, la técnica que se muestra es una combinación de tramas en tinta, con acuarela, su composición es céntrica en la que se muestra elementos decorativos que realzan la figura femenina.
Acuarela, rapidógrafo y acrílico dorado sobre cartulina; la técnica en acuarela crea una suavidad en el dibujo conjuntamente con el delineado, los elementos que contiene se asemejan a la figura que se encuentra la derecha (imagen abajo) como sus ojos sus joyas su torso desnudo y una elegancia que expresa a través de su posición corporal.
Comparación referencial de la pieza cerámica, en la que vemos diferentes tipos de composición corporal, y técnicas artísticas variadas, elementos decorativos Basadas en la pieza
Figura 57: Prueba compositiva Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
La siguiente obra se mueve en torno a la figurilla de la que se extrae elementos faciales y
corporales como se muestra en la representación, su contorno facial y grandes ojos han sido
referencia para la elaboración de esta propuesta, así como la idea de la figura femenina con
rasgos corpulentos, aunque manteniendo la delicadeza y sensualidad realizadas en los
anteriores procesos.
78
Elaborado a lápiz sobre papel; figura femenina muestra
relación compositiva con la figura de abajo.
Elaborado a lápiz sobre papel; figura femenina muestra
relación compositiva con la figura abajo, cuya pose
corporal muestra dinamismo en la imagen.
Comparación referencial de la pieza cerámica, en la que vemos diferentes tipos de composición corporal, y técnicas artísticas variadas, elementos decorativos Basadas en la pieza.
Figura 58: Pruebas compositivas Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
79
Las proporciones encontradas en este proceso ilustrativo, nos muestran a los ilustradores
Elena y Ryden (estilización femenina), las estilizaciones femeninas que se ven en sus trabajos
hicieron referenciar la propuesta constructiva, este estudio previo ha llevado a aplicarla en las
siguientes figurillas la referencia de 4 cabezas.
Figurilla Jama Coaque; En esta imagen señala las
proporciones del canon cuya medición se basa en cabezas.
Elaborado a lápiz sobre papel; esta imagen muestra las
proporciones aplicadas al estudio ilustrativo.
Figura 59: Boceto Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Aquí se proyecta utilizar y establecer el parámetro necesario para implementarlo en un
personaje femenino, así también incluir características de vestimenta que varían con
diferentes atuendos, los cuales se combinaron en el transcurso de la experimentación.
Con todo el proceso alcanzado, el objetivo puntual se acerca más al de poder presentar un
personaje en el que se conjuguen todas estas características de estudio y de experimentación
buscando impulsar la gráfica de los recursos culturales precolombinos del Ecuador.
3.3. El personaje: Doncella Jama
Este personaje ha pasado por una serie de estudios en conjunto con los procesos creativos,
intentando presentar la relación de los rasgos característicos de los personajes Jama Coaque
estudiados con la ilustración del personaje, Doncella Jama.
1
2
3
4
1
2
3
4
80
Doncella Jama muestra a un personaje con un aire juvenil, en el que se ve reflejada la
sensualidad de la mujer cuyos movimientos corporales le dan un toque de elegancia, su
mirada seductora nos invita a que nos adentremos en su mundo, en el cual se ve reflejada
por sus grandes tocados y vistosa joyería que nos transporta hacia al pasado en el que aún
gobernaban reyes y princesas.
En la simbología Jama Coaque describe sus referencias que los ataviados, mientras más
complejos, más hermosos. Cuando estos son llevados al tema de la ilustración al personaje
se le aplica elementos de joyería y recursos decorativos que dan un toque estético a los
personajes.
Se hicieron varios bocetos, el rostro abordó múltiples ideas, mismas que durante el proceso
de experimentación, mantuvieron una línea en cuyas características se buscaba resaltarlo con
la aplicación de grandes ojos, contrastados por bocas y narices pequeñas, con elegantes y
extravagantes peinados.
Boceto realizado en lápices de color sobre cartulina; muestra un estudio realizado a la estilizacion del rostro en la que se aplica elementos decorativos como su gran tocado y tatuajes.
Figura 60: Boceto estudio de rostro Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
81
Los resultados bajo el registro del boceto permitieron encontrar un tipo facial acorde con los
elementos obtenidos del análisis de las figurillas, en las que sus rostros son grotescos y
anchos, propios de la cultura Jama Coaque, como podemos notar en la imágenes (figura 61)
los ojos resaltan del resto de su cara tanto en el boceto como en la figurilla, la estilización
realizada en estos se basa en la referencia de la estatuilla, se hizo uso de este recurso ya que
se considera estos rasgos como recurso figurativo y que conjuntamente con una nariz y boca
pequeña, con una sutileza de expresión, van creando una ilusión de inocencia, se ha tomado
como referencia estos rasgos ya que permiten identificar el trabajo ilustrativo, así también el
crear un nuevo estilo.
Rapidógrafo sobre papel ;En este boceto se observa algunas similitudes con respecto a la pieza cerámica.
Figura 61: Boceto estudio de rostro Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Se determinó que en el estudio del cuerpo era necesario trabajar con una contextura más
robusta y ensanchada, así mismo el cuerpo femenino de este personaje posee unas curvas
bien definidas y pronunciadas, busto grande, piernas y caderas anchas, con variados
movimientos corporales, los cuales le dan un toque de sensualidad a la ilustración del
personaje, se construye con estos argumentos la Doncella Jama, manteniendo las delicadas
curvas de la mujer encontrando un punto elevado de la ilustración para representar
sensualidad, belleza, delicadeza, ternura, deseo, etc. Es así que, el recurrir como referencia
a la imagen de la mujer, produce en los ilustradores o artistas un sinfín de sentimientos que
forman parte del proceso creativo para acercarse más a la definición de un propio estilo.
82
Lápiz sobre papel; boceto de dibujo lineal, dibujo femenino en el que se muestra una figura ensanchada.
Figura 62: Boceto final Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
Lápiz sobre papel; muestra a una mujer muy ataviada en la que resalta un gran tocado, y sinuosas curvas.
Figura 63: Boceto Final Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
83
Esta protagonista cuenta con diferentes atuendos, que le dan presencia y galanura, en la que
se muestran diferentes facetas de su vida, que se vieron reflejadas en las figurillas estudiadas,
en cuya vestimenta resaltan faldas y vestidos largos, taparrabos y torsos desnudos en algunos
casos, en las que al plasmarlas en la ilustración creamos un estilo moderno y juvenil,
manteniendo, en cierto modo, la similitud de figurilla e ilustración.
A este personaje se le aplicó elementos decorativos encontrados en el análisis formal del
estudio, podemos puntualizar, en este punto, como uno de los ejes complementarios en el
proceso ilustrativo, ya que en la manera de plasmarlos nos permite demostrar el alcance como
han sido estudiados al referir la cultura Jama Coaque, utilizando así mismo los grandes
tocados, simbología, joyas, vestuario. Se delimitaron estos elementos precolombinos según
el proceso de composición y de acuerdo a la aplicación para la ilustración. La aplicación de
figuras está dada desde los círculos como uno de los elementos geométricos más usado por
esta cultura, seguidamente de formas regulares e irregulares presentes en las figurillas que
aparecen como decorativos. El decorado de estas ilustraciones refuerza al personaje, remite
simbólicamente lujo y la ostentación de esta cultura, marcan el poder y la jerarquía que ellos
establecían.
El registrar e identificar algunas de las figurillas ha permitido crear ilustración basados en
algunos de sus elementos iconográficos obtenidos de la investigación, El proceso de
integración y adaptación permitió enriquecer conocimientos y absorber valores visuales de la
escultura Jama Coaque.
3.4. Presentación Doncella Jama
La Doncella jama describe a un personaje femenino que nos transporta en el tiempo, muestra
a un personaje ataviado de joyas y grandes tocados, como una princesa o diosa, cargada de
joyas elaboradas de oro y piedras preciosas, con las que se engalana; ataviada con diferentes
atuendos mostrando así su estatus social representando el poder, fuerza y dominio que
establecía sobre su pueblo; que de cierto modo la cultura Jama Coaque resalta en sus
figurillas. Esta mujer de aspecto juvenil y curvas pronunciadas y pequeños movimientos
corporales representa: sensualidad, vanidad, belleza, su aspecto mostrado en su rostro y sus
desproporcionados ojos trasmiten ese toque de ternura que atrae al mirarla; los colores y los
fondos complementan al personaje formando parte esencial de estas ilustraciones, del
decorado aumentando la vanidad de estos personajes. La luna la protege y el sol la baña y
resguarda a la misma creando calidez y acogida.
84
Todos estamos relacionados con un pasado que marca nuestro presente, esto se plasma en
Doncella Jama en la que presenta graficas contemporáneas fusionadas con elementos
culturales Jama Coaque. El originar este tipo de ilustraciones permitió convertir un tipo de
cultura, en la que al combinarlos con arte contemporáneo crea una expresión gráfica cultural
llamativa. Una fusión entre lo ancestral y lo actual. Estas ilustraciones realizadas reflejan la
perfección y la belleza femenina, la carencia de alegría en sus rostros, rasgo que se observa
en las figuras de las culturas estudiadas, todo ello representa, en cierta medida, rasgos
propios del carácter y espíritu personal. Se basa en la interpretación contemporánea en la que
tomamos de referencia modelos femeninos en los que logramos transferir esa memoria
histórica con identidad cultural. Cuya estética surge de un antiguo régimen de sensibilidad
caracterizado por la percepción y las emociones, una elegancia ancestral con un gesto irónico,
en la que con estas imágenes retomamos la imaginación de pueblos ancestrales y la
reconocemos como parte fundamental de nuestro pasado y la traemos al presente,
apropiándonos de sus signos y símbolos, creando una expresión gráfica en la que fortalece
la identidad cultural permitiendo conocer los rasgos de la esta cultura.
Una vez culminado el proceso de ilustración de la Doncella Jama, se presenta la muestra
gráfica que lleva consigo una serie de combinaciones que parten de la experimentación del
material, la estilización de la figura femenina, la relación con la cultura complementadas en
una propuesta de cartel donde la implementación del recurso digital juega como complemento
en darle una frescura en los procesos de la ilustración.
85
Figura 64: “Doncella Jama ataviada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
86
Figura 65 : “Doncella Jama vanidosa”“ Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
87
Figura 66 : “Doncella Jama engalanada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
88
Figura 67 : “Doncella Jama artista” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
89
Figura 68 : “Doncella Jama distinguida ” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
90
Experimentación con diferente material, aplicando elementos de la naturaleza, tipo collage.
Figura 69: “Doncella Jama artista” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
91
Figura 70 : “Doncella Jama engalanada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
92
Figura 71 : “Doncella Jama ataviada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
93
Figura 72: “Doncella Jama vanidosa” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
94
Pruebas digitales
Figura 73: Digital “Doncella Jama ataviada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
95
Figura 74: Digital “Doncella Jama engalanada” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
96
Figura 75: Digital “Doncella Jama artista” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
97
Figura 76: Digital “Doncella Jama distinguida” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
98
Figura 77: Digital “Doncella Jama vanidosa” Fuente: Marjhori Segarra Elaboración: Marjhori Segarra
99
CONCLUSIONES
Luego de terminado el presente proyecto se concluye lo siguiente:
Para llegar a esta propuesta se aplicó, en primer lugar, la experimentación mediante técnicas
artísticas la cual permitió encontrar los recursos materiales y métodos creativos que
permitieron a su vez definir el estilo pictórico de este trabajo ilustrativo. Mediante las técnicas
de lápices de color, acrílico, rapidógrafo y collage nos permitió diversificar el uso de la forma
y el color en la obra.
Se logró aplicar elementos y características de la cultura Jama Coaque y plasmarlas en
ilustraciones en las cuales se combinó técnicas de collage para lograr un resultado más
contemporáneo, utilizando los rasgos femeninos, sensualidad adornos y joyas.
Se tomó como ejemplo a la “Doncella Jama” debido a que define el objeto de este trabajo,
tomando la figura femenina junto con la sensualidad, erotismo, delicadeza y ternura
mostrando al público el valor y la belleza de la cultura de nuestros antepasados, de un modo
moderno y estilizado; utilizando un medio compositivo geométrico se pudo obtener de la
combinación de lo ancestral con lo contemporáneo, mediante ilustraciones específicamente
femeninas.
En el presente trabajo se enfatiza la belleza de la mujer resaltando las formas femeninas, la
sensualidad y delicadeza. a la vez que, realizar un aporte a los ya demostrados por grandes
artistas de la importancia del sexo femenino como tema de arte y cultura.
Que la muestra presentada pueda influir en las personas para que se interesen en estudiar,
ampliar y reproducir esta temática sobre todo porque tiene como fondo el conocer parte de
nuestra historia y su influencia cultural y artística.
100
RECOMENDACIÓN
Realizar más trabajos con temáticas como el presente trabajo, ya que permite encontrar
mediante la investigación de la historia ancestral un sin número de referencias creativas y
conceptuales.
Hacer uso de elementos ancestrales para contextualizarlo al punto de llevarlo hacía una obra
contemporánea, ya que la riqueza simbólica e icónica forman parte de nuestra cultura antigua,
estos mismos que enriquecen la producción gráfica de cualquier trabajo y propuesta.
101
BIBLIOGRAFÍA:
Bermudez. (2012). El cartel: la estampa del mundo que fluye. Revista Internacional de
investigacion, innoacion y desarrollo del diseño. Obtenido de
https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4566763
Checa, F. (2017). Durero, Alberto. Museo Nacional del Prado. Obtenido de
https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/durero-
alberto/b2921ab6-0c44-4331-848b-25252ba740fe
Chwast, S. (2005). Historia del Cartel. Historia del diseño grafico, tendencias
protagonistas y contextos. Obtenido de
https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-xx/raices
Duran, T. (2005). Ilustracion, comunicacion y aprendizaje. Sociedad lectora y educacion,
239-253. Obtenido de http://www.revistaeducacion.mec.es/re2005/re2005_18.pdf
Franco, V. (2010). Huellas del pasado. Arte y Literatura Ecuatoriana. Obtenido de
http://aylecuatoriana.blogspot.com/2010/10/huellas-del-pasado.html
Guaman, O. (2015). Origenes e historia del arte precolombino del Ecuador. Machala:
UTMACH. Obtenido de
http://repositorio.utmachala.edu.ec/bitstream/48000/6805/1/78%20ORIGENES%2
0E%20HISTORIA%20DEL%20ARTE%20%C2%B4RECOLOMBINA.pdf
Gubern, R. (1997). Medios iconicos de masas. Madrid: Ed. historia 16. Obtenido de
http://escuela2punto0.educarex.es/Humanidades/Historia/la_obra_de_arte/rep-
prod/cartel-2.htm
Gutierrez, A. (2013). Universo invisible: una aproximación al conocimiento de la cultura
Jamma Coaque . 540- 550.
J. VERNON-LORD: «Algunos aspectos que el ilustrador debe tener en cuenta en el proceso
de creación de libros ilustrados para niños», en Ponencias del IV Sinposi Internacional
Catalònia d’Il·lustració. Barcelona, Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura p.168
Recuperado 2018 http://www.revistaeducacion.mec.es/re2005/re2005_18.pdf
Lara, P. (1996). Los carteles su historia y su lenguaje. Questiones publicitarias: revista
internacional de comunicación y publicidad. Obtenido de
http://www.questionespublicitarias.es/article/view/v5-lara.
Luna, P. (2006). El cine con problemas de cartel. Universidad abierta interamericana.
Obtenido de http://imgbiblio.vaneduc.edu.ar/fulltext/files/TC068159.pdf
Meggs, P. (1991). Historia del diseño grafico . Mexico: Trillas .
Pascual, M. (2007). una aproximacion a la imagen de la mujer en el arte Español. Oggia
,Revista electronica de estudios hispanicos , 75-89. Obtenido de
https://www.google.com/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=2&cad=rja&u
102
act=8&ved=0ahUKEwji4NGthq3VAhXH6CYKHejIBX0QFggoMAE&url=http%3A%2
F%2Fwww.mav.org.es%2Fdocumentos%2Fnuevos%2520ensayos%2520junio%2
5202011%2Fpascual_jesus%2520felix_imagen_mujer_arte_es
Reyes, O. (1984). Breve historia del Ecuador. Quito.
SALVAT Juan, C. E., & Crespo, E. (1988). historia del Ecuador. Barcelona: SALVAT
editores. Obtenido de
http://repositorio.uisrael.edu.ec/bitstream/47000/554/1/UISRAEL-EC-DIS-378.242-
5.pdf
Sanmiguel, D. (2013). Todo sobre la tecnica de la ilustracion . España : Parramon .
Satué, E. (2010). El diseño grafico. Madrid: Alianza Forma.
Stothert, K., & Cruz, I. (2007). El arte en los centros del poder . En D. Klein, & C. Ivan, El
arte secreto del Ecuador precolombino (págs. 107-117). Milan: Milán : 5
Continentes Ediciones.
Tello, J. (2012). El Lenguaje de la Imagen. Comunicacion Visual Grafica 1, 22.
Recuperado el 2017, de
https://visualgrafica.files.wordpress.com/2012/03/moduloimagen-2012.pdf
Vega, I. (2011). La imagen figurativa . 1-7.