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UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
FACULTAD DE HUMANIDADES
DEPARTAMENTO DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN
“Análisis del discurso y contenido de la propuesta artística
de mujeres guatemaltecas en las áreas de pintura y performance”
TESIS
LOURDES MARÍA GARAVITO JAU
Carné: 10645-07
Guatemala, abril de 2012
Campus Central
UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
FACULTAD DE HUMANIDADES
DEPARTAMENTO DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN
“Análisis del discurso y contenido de la propuesta artística
de mujeres guatemaltecas en las áreas de pintura y performance”
TESIS
Presentada al Consejo de la Facultad de Humanidades
Por:
LOURDES MARÍA GARAVITO JAU
Carné: 10645-07
Previo a conferírsele el grado académico y título profesional de:
LICENCIADA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN
Guatemala, abril de 2012
Campus Central
AUTORIDADES UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR
Rector P. Rolando Enrique Alvarado López S.J.
Vicerrectora Académica Dra. Lucrecia Méndez de Penedo
Vicerrector de Investigación y Proyección P. Carlos Cabarrús Pellecer, S.J.
Vicerrector de Integración Universitaria P. Eduardo Valdés Barría, S.J.
Vicerrector Administrativo Lic. Ariel Rivera Irías
Secretaría General Licda. Fabiola de la Luz Padilla Beltranena
AUTORIDADES DE LA FACULTAD DE HUMANIDADES
Decana M.A. hilda Caballeros de Mazariegos
Vicedecano M.A. Hosy Benjamer Orozco
Secretaria M.A. Lucrecia Elizabeth Arriaga Girón
Directora del Departamento de Psicología M.A. Georgina Mariscal de Jurado
Directora del Departamento de Ciencias de la
Comunicación M.A. Nancy Avendaño
Director del Departamento de Letras y Filosofía M.A. Eduardo Blandón
Representante de Catedráticos Licda. Cynthia Brenes
Representante ante Consejo de Facultad Dr. Marlon Urizar
ASESOR DE TESIS
Dr. Ignacio Laclériga
REVISOR DE TESIS
M.A. Magda Angélica García
AGRADECIMIENTOS
No hay necesidad de dedicar este trabajo a una persona en especial, este trabajo se lo entrego a
Guatemala como una investigación documentada durante más de un año. Es un proyecto que con
esfuerzo ha logrado destacar arte puro, arte femenino, arte guatemalteco. Es la entrega de un
proyecto que no se quedará en unas cuantas hojas.
Sí agradezco a mi papá, a mi mamá y a mis hermanas por los regaños de nunca abandonar el
proceso y darme como mejor opción el desvelo. Agradezco por demostrar esas sonrisas cuando
escucharon la noticia “ya me firmaron el acta final”.
Gracias a los compañeros de la promoción por hacer tantas burlas, comentarios y chistes de
nuestras tesis. Eso le dio un poco de vida y gracia al proceso.
Gracias al arte por sus aportes, por demostrar que hay un más allá de lo que nos deleita al ser
observado. Gracias a las artistas por prestar de su tiempo para expresar el sentir de lo que hay en
sus obras. Gracias a las profesionales que generaron opinión de los temas tratados. Gracias
Regina Galindo, Jessica Lagunas, María Adela Díaz, Lucía Morán, Paula Nicho y Yasmin Hage
por permitir ser analizadas una vez más. Gracias Carolina Pineda por su interés y colaboración
en el proyecto. Gracias Rosina Cazali por el aporte brindado para completar el análisis de las
obras incluidas.
Gracias a todas esas personas que están cerca de mí en cualquier momento y que tienen gran
parte de mi corazón. MIL GRACIAS.
Pero no puedo ni debo dejar de decir GRACIAS DIOS por las fuerzas y por desvelarse conmigo.
INDICE
RESUMEN 9
1. INTRODUCCIÓN 10
1.1. Antecedentes 10
1.2. Marco Teórico 17
1.2.1. Poder - discurso 17
1.2.2. Género e identidad femenina 18
1.2.3. Análisis 19
1.2.4. Usos del análisis 20
1.2.5. Discurso 21
a. Postulados del diálogo 21
Aproximación sincrónica 21
El caso paradigmático 22
Nada tiene un significado propio 22
Todas las relaciones son inseparables al sistema 22
Se apega al modo global del pensamiento 22
1.2.6. Relación del Análisis con el Discurso 22
a) Papel de la lengua 23
1.2.7. Discurso Social 24
a. El dialecto social 24
b. Discurso y realidad social 25
c. Funciones sociales de las ideologías 25
1.2.8. Arte y Comunicación 25
a. Arte 25
b. De la imagen al símbolo 26
c. Tema, contenido y significación 26
d. Relación de arte con comunicación 27
e. Creación artística femenina 28
f. Estereotipo 29
g. Performance 30
h. Pintura 31
1.2.9. Artistas Guatemaltecas 31
a. Regina Galindo 31
b. Jessica Lagunas 32
c. María Adela Díaz 32
d. Lucía Morán Giracca 32
e. Yasmin Hage 32
f. Paula Nicho Cumez 33
g. Discurso de las artistas 33
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA 34
2.1 Objetivos 35
2.2 Unidades de análisis 35
a.- Análisis del Discurso 35
b.- Discurso Social 37
c.- Arte y comunicación 37
2.3 Alcances y límites 38
2.4 Aporte 38
3. MÉTODO 40
3.1 Sujetos 41
3.2 Instrumentos 41
3.3 Procedimiento 43
4. RESULTADOS 45
5. DISCUSIÓN DE RESULTADOS 79
6. CONCLUSIONES 85
7. RECOMENDACIONES 91
8. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS 93
9. ANEXOS 101
9
RESUMEN
El proyecto a presentar es la realización de un análisis crítico del discurso de arte de mujeres
guatemaltecas. Su incursión son las tendencias de pintura y performance. La intención de dicha
investigación es, primero, para dar prioridad al arte de mujeres. Segundo, para documentar el
arte guatemalteco femenino. Tercero, para definir los discursos impuestos en las sociedades, así
mismo, analizar como estas mujeres corrompen la linealidad de un sistema a través de sus obras.
Para entender las diversas representaciones, la investigación se enfocó en la técnica de análisis
crítico de Van Dijk combinado a los procesos fenomenológicos de Husserl. El desarrollo de esta
tesis involucró los distintos puntos de vista, combinando la opinión de las artistas creadoras y de
las analíticas profesionales del campo.
La aplicación de ambos métodos junto a la opinión de cada sujeto, generó la intención de
destacar la simbología involucrada en cada obra. Se produjo un conjunto de significaciones que
establecen épocas, formas de vida y comportamientos heredados en la sociedad guatemalteca.
Este trabajo es la sistematización de distintas tendencias de arte femenino guatemalteco con
determinación hacia un arte nuevo, diferente, que no es únicamente apreciativo sino que su
prioridad es la trascendencia de su aporte. Se busca el interés de ver más allá de las obras y
demostrar que son temáticas de la sociedad para la sociedad.
10
1.- INTRODUCCIÓN
Algunas mujeres guatemaltecas se proponen criticar los discursos sociales a través de
manifestaciones artísticas. Ellas transmiten contenidos que rompen patrones de conducta para
que otros cambien la forma de ver la vida. Lamentablemente estos personajes sobresalen más a
nivel internacional que en su propio país. Es a través de sus obras que obtienen trascendencia y
concientización por los resultados que provocan sus mensajes.
Esas artistas emplean elementos representativos de los sistemas sociales. Por lo que resulta el
choque de ideales en respuesta a lo que transmiten. Por ello, surge la necesidad de realizar un
análisis del discurso de la propuesta artística de mujeres guatemaltecas en las áreas de pintura y
performance.
Para esta investigación se toma en cuenta las obras de seis artistas. Éstas son reconocidas por la
trayectoria e impacto que causan en las sociedades. Regina Galindo, Jessica Lagunas y María
Adela Díaz en el área de performance. Lucía Morán Giracca, Paula Nicho Cumez y Yasmin
Hage en el área de pintura. Ellas escenifican mensajes que no son simples pensamientos, formas,
ni letras plasmadas en papel. Equivalen a la reacción que estas provocan. Acogen un mundo
paralelo al común porque van más allá de la simpleza de la vida diaria.
El análisis se concentra en las obras de las artistas con relación a sus resultados. Se hace uso del
método Fenomenológico para indagar los efectos lógicos, psicológicos y trascendentales que
resulta de sus discursos.
1.1.- Antecedentes
Predominan diversas investigaciones nacionales e internacionales que tratan desde diversos
puntos de vista el tema artístico. Estos se presentan a continuación.
Monzón (2006) pone en evidencia que el rol de las mujeres está desvalorizado por la sociedad.
Revela el sexismo que se produce en la expresión, en la invisibilización de las mujeres con el
orden simbólico y la representación que los medios de comunicación hacen con la imagen de lo
femenino. Así mismo, expone un breve recuento histórico de la incursión de las mujeres
comunicadoras. Son situaciones que superan las brechas de género en los medios de
comunicación y en las formas de expresión. Da a conocer la escasa participación de las mismas
11
en decisiones que permitan enfocar la información desde otra perspectiva. El significado de la
imagen tan deformada que se tiene de la posición de las mujeres en la sociedad, se ha expuesto
en foros internacionales como iniciativas que expresan preocupación. Monzón hace también los
llamados a la acción para subsanar estos desequilibrios.
El artículo de Bartra (2008) señala las distintas formas de estudiar el arte popular. La necesidad
de vincular estos estudios a lo femenino es punto primordial en ese análisis. El contexto de lo
que se crea, la distribución, el consumo o la observación iconográfica de las obras es importante
para el autor destacarlo desde un punto de vista feminista o propiamente estético. Bartra asegura
que la relación entre arte popular y feminismo no tiene una historia particularmente armoniosa.
En ninguna parte del mundo existe un cuerpo teórico estructurado que entrelace el arte con el
género. Los únicos trabajos publicados se ubican en dos grandes grupos: en la línea dominante o
en la sexista. El autor expone que es necesario mirar detenidamente los procesos artísticos ya que
no siempre hablan sobre la distinción de género. Pero la creatividad de las mujeres muestra los
mensajes más profundizados.
Las investigaciones de Monzón y Bartra hablan de la representación femenina en el ámbito
artístico. Ambos concluyen que tales temas son escasamente difundidos y valorados. El hecho
que sean trabajos realizados por mujeres no se le otorga el reconocimiento que ameritan. Se
evoca siempre al arte creado por los hombres. Es por ello que una mujer dedicada a lo artístico y
cultural puede ser discriminada o tachada por desviar la conducta hacia la revelación de las
normas del orden social.
García (2006) estudia los conceptos de identidad femenina orientados hacia los discursos.
Expone que se concibe a la mujer como un ser débil por su género que no cobra el lugar
adecuado en la sociedad. Analiza el trabajo y los mensajes que ellas representan a través de la
música Rock & Roll. Las artistas demuestran que reconstruyen su identidad mediante su propio
criterio junto con sus valores. Se basan en defender un modo de vida para crear una forma de
pensar. Se manifiestan en su música y en su cotidianidad. Se expresan artística-musicalmente a
pesar de vivir en una sociedad tradicionalista sobre la posición que la mujer desempeña. La
investigadora recalca la importancia de analizar la objetividad o subjetividad de las autoras a
través de sus discursos. Pretende con este estudio ahondar la construcción de la identidad
femenina artística.
12
Saenz (2003) publica un artículo en España sobre trabajos de mujeres que conceptualizan la
pertenencia cultural. Estudia lo que artistas latinoamericanas utilizan para retroalimentación de
las ideologías sociales. Las realidades las evalúa mediante interpretaciones artísticas. La
investigación involucra tres ejes: el cuerpo, la violencia (política, género) y la necesidad de
comenzar a escribir la historia desde las creadoras de América Latina. La autora presenta el
cuerpo femenino en la fotografía, la pintura o la acción performance como instrumento de
denuncia en un espacio para la crítica.
Los dos últimos proyectos se relacionan con la mirada ya no de quien observa sino de quien crea.
Saenz y García enmarcan la necesidad de las mujeres por ser reconocidas con igualdad. Estas
personas luchan porque las identifiquen como sujetos sociales con igualdad de derechos para
contrarrestar el sexismo construido por la humanidad. Los autores descubren los sistemas de
comunicación para expresarse críticamente hacia la creación de conciencia sobre estereotipos de
vida y posición de género.
Cal (1999) publica un artículo en Guatemala sobre las barreras interpuestas entre la historia de la
vida cotidiana y la historia del arte. Involucra la historia de la ciencia, la historia de la literatura y
los fenómenos culturales. La hermenéutica aparece en esa estructura del debate epistemológico
contemporáneo como parte importante de la investigación. El artículo aborda la modificación
que experimentó la investigación histórica en Europa. Este hace referencia a la forma que es
divulgada la historia cultural guatemalteca a través de las publicaciones en los centros de
docencia e investigación histórica. El objetivo de este trabajo es determinar las temáticas más
desarrolladas, las problemáticas esbozadas y las preocupaciones teórico-metodológicas de los
historiadores guatemaltecos. La historia cultural en Guatemala es un itinerario que hay que
empezar a recorrer para repasar las huellas que se dejan en el desarrollo historiográfico. Tal
itinerario es un guía en el que se localiza el proceso de renovación y enriquecimiento.
Los discursos sociales dados por los dueños del poder en Guatemala manejan modelos
homogéneos. Casaús (2009) apunta a que las élites mayas y ladinas se les categorizan desde
distintas perspectivas. Los ensayos, entrevistas y monitoreos realizados con 14 intelectuales de
las élites, de ambos sexos, contribuyen a enfrentar el problema de la discriminación. En
Guatemala hay participación de movimientos sociales, étnicos de la sociedad civil, así también
de negociaciones en la sociedad política. Esta investigación aclara la producción de estrategias
13
para el cambio político institucional. Crea una nueva forma de relación entre los pueblos
indígenas con el Estado y viceversa. Produce debates para negociar la generación de un lenguaje
político incluyente. Casaús hace referencia a los espacios de expresión en carácter libre y sin
discriminación.
Cal y Casaús reflejan los estratos sociales, la discriminación de género y la división de clases.
Esos reflejos son consecuentes a los discursos de dominación. En los textos analizan que la
intención de moldear espacios es para ser adoptados por los habitantes. Las dominaciones se
contrarrestan cuando exista la aceptación de una multiculturalidad ciudadana junto a la
interrelación. Concluyen que se evita el apoderamiento social de pocos abriendo espacios de
convivencia entre los pobladores.
Giménez (2005) evalúa la visión de género integrado en la colectividad para adherirlo al arte
contemporáneo. Los sujetos involucrados en la investigación son mujeres artistas participantes
en la 51ª Bienal de Venecia. El autor toma en cuenta las obras de las participantes, exposiciones
de arte relacionadas con las mismas, entrevistas, documentos y publicaciones en medios de
comunicación. Encuentra que el arte contemporáneo realizado por mujeres hace constante
referencia al cuerpo. Las artistas aplican la expresión corporal como signo potencialmente
expresivo para destacar la relación entre objeto y sujeto. Esa actitud es en respuesta a un deseo
de constante desafío a los cánones sociales artísticos. Los significados obtienen un peso
importante que estimulan ambigüedad a los modelos de vida establecidos. Giménez concluye
que las artistas usan el cuerpo para activar conciencia de la identidad. Les permite cuestionar el
propio lenguaje como configurador de los códigos dominantes del arte o de la cultura en
general.
Gálvez (2007) realiza una investigación recreada con arte en performance. El autor toma como
referencia la observación en pinturas clásicas con motivos religiosos. Este evalúa la técnica de
las pinturas para transmitir mensajes sociales. Los sujetos involucrados son estudiantes
universitarios, artistas empleadores de la técnica performance, pintura y fotografía en Santiago
de Chile. El propósito de ésta investigación es sobrellevar un peso que incorpore el tiempo, que
tenga consigo historia y que arme de sentido la obra. Ese sentido impone una distancia temporal-
espacial con el espectador. Gálvez interpreta que la decisión de interpretar lo que observa es del
espectador. Cada quien tiene su propia percepción de lo que ocurre.
14
Gálvez y Giménez giran el sentido del arte contemporáneo hacia los mensajes sociales. Esos
mensajes son tan significativos como representativos en cada ser humano según el contexto. Estas
dos investigaciones contemplan el significado que genera una obra de arte. Los autores destacan
que una sociedad está tan sumergida en lo que ve que ya no se cuestionan o interiorizan en lo que
pueda resultar.
Palencia (2009) investiga que en Guatemala las relaciones capitalistas penetran en la sociedad.
Utiliza como sujetos a hombres, mujeres, ladinos e indígenas de la sociedad Guatemalteca, la
sociedad Zapatista, investigadores y filósofos. Palencia propone una interpretación del racismo
enmarcado dentro de las relaciones de poder. Analiza la expansión de las relaciones capitalistas
con la reconfiguración del Estado dentro de las sociedades. El cuerpo teórico que evalúa
interrelaciona las particularidades del poder. Los estereotipos que transforman la realidad son
llevados a reflexión por el autor. Es decir, su dialéctica la enlaza con las prácticas emancipadoras
del ser humano. El resultado es por la construcción histórica de la diferenciación racial. Esa
discriminación surge entre quienes se consideran superiores a los otros. Las relaciones
dominantes provocan tanto sufrimiento y muerte por el sometimiento del flujo de dominación.
La interculturalidad entre los medios de comunicación y la sociedad es un complemento
primordial en las investigaciones. Gularte (s/f) realiza varios análisis del proceso de intercambios
visuales para establecer un diálogo entre culturas. El investigador encuentra que la mayor parte
de los medios de comunicación de masas pertenecen al sector económico fuerte del país, por
tanto, representan sus intereses. Los mensajes circulan desde el grupo hegemónico que incluye
imágenes que condicionan la realidad con estereotipos. Los sujetos con quienes se trabaja son
estudiantes universitarios de carreras relacionadas a la comunicación en la Universidad Rafael
Landívar. Cuestionarios son los que se aplican para interpretar la información mediante la
metodología de hermenéutica de Thompson. Los resultados evidencian la desigualdad histórica
que se produce debido a un grupo dominante. La exclusión con racismo marca la distinción de
género en formas simbólicas.
Los autores de los dos proyectos investigativos demuestran la historia como fundadora de
patrones de conducta que estereotipan la percepción humana. Generan discursos y herencias
culturales formadas a lo largo del tiempo. Identifican al racismo en discursos dominantes lo cual
genera la visión de la multiculturalidad excluida en las sociedades.
15
López (2006) elabora un documental en el que los sujetos de análisis fueron fundadores y artistas
pertenecientes a Galería Imaginaria. Este trabaja con críticos, maestros y conocedores de arte
guatemalteco. El proyecto recolecta información de libros, documentales artísticos, estudios
descriptivos, entrevistas y visitas a galerías. Se puso en común la información dispersa,
acontecimientos, eventos, la documentación artística investigativa, así también de extensión
sobre Galería Imaginaria. Se logra obtener más información de lo que actualmente existe sobre el
arte guatemalteco. Concreta que, Guatemala presenta una escasez de material y publicaciones
con fines históricos o educativos en los planes del estudio del arte guatemalteco.
Con el arte femenino Velázquez (2005) realiza un análisis de la corriente expresionista.
Relaciona elementos de otros estándares artísticos. El autor visualiza el denominador común con
la obra de Isabel Ruiz. Integra a la artista, estudiantes y profesionales de arte. Se aplican
entrevistas, las obras de Ruiz, textos y documentos relacionados con la plástica. Los resultados
más importantes es que la artista aborda la temática, las técnicas plásticas, la expresión
individual, la adaptación del pensamiento racional e inconsciente a la realidad. Ruiz expone
dolor, amargura, ira, insatisfacción o denuncia. La filosofía de la artista está enmarcada
principalmente en temas de la existencia del ser humano. Trata con las necesidades de libertad,
democracia y justicia. Ella manifiesta el reflejo de esas necesidades en su entorno social que es
analizado, criticado o denunciado a través de la plástica. La investigación ejemplifica la
necesidad del arte por expresar los contenidos sociales. Da lugar a destacar el arte con las
propuestas que otorgan las mujeres guatemaltecas.
Velázquez con su investigación y López con su documental analizan los contenidos que se
integran en las obras de arte actuales. Son evidencias de lo poco que se menciona el arte y de lo
que sobresale. El arte actual implementa un mayor esfuerzo en el mensaje que en la formación de
la obra como tal. Los autores de las investigaciones generalizan la importancia del significado en
los contenidos.
Del arte guatemalteco Sandoval (2009) realiza un reportaje sobre artistas dedicados al
performance. Los preformistas son quienes recurren a la técnica de romper los patrones de
conducta en una sociedad. Menciona personas que causan polémica con este nuevo arte. Las
formas de expresión se dieron a conocer en los años 90´s en el país. Han revolucionado mediante
la crítica de lo social, estructural y lo dominante. Los artistas utilizan el cuerpo propio y ajeno. El
16
investigador reconoce el arte fuera de los clavos o las paredes ya que enfoca manifestaciones
reales con el impacto de la obra. Descubre que cuando se trata de arte no hay regla que valga.
Sandoval transmite que si un mensaje impacta logra su cometido. La clave siempre es el
mensaje. El performance propone además un diálogo con el espectador. Es un arte vivo que
trasciende las paredes de la galería.
Para la relación que hay entre mujer, arte y sociedad Val (2001) hace una investigación de las
complejas relaciones en el campo artístico. Los datos concretan que la imagen desnuda femenina
en el arte desempeña un impacto social. Este trabajo es realizado en España con agentes sociales,
sociólogos y artistas profesionales del campo. Los estudios son en obras que representen mujeres
desnudas, inventarios de obras, semanarios, periódicos de la época, entre otros. La conclusión es
que el arte favorece los intereses de una determinada clase social. Refleja la concepción del
mundo de esta clase. Reconoce tácitamente sus normas sociales y sus criterios de gusto.
Respecto a las artistas guatemaltecas, Monzón (2005) recolecta datos para recuperar identidad,
dar fuerza a los discursos, solicitar espacios y para vislumbrar utopías. Expone el artículo Entre
silencios y olvidos: emergen las memorias de las mujeres guatemaltecas. El indicador principal
de la investigación es reconocer a las mujeres para construir espacios de autoridad. Las
protagonistas son las actoras sociales que exponen las causas y efectos de sus participaciones.
Monzón concluye que es el momento necesario para reclamar la igualdad social en la cultura
futura.
Las tres últimas investigaciones retratan la importancia de rescatar trabajos, proyectos y obras de
mujeres artistas. Los autores detectan las capacidades intelectuales en las técnicas del arte
femenino que aplican la crítica nacional e internacional. Crean un impacto en que la mujer
misma está abriéndose espacios sociales a través de su participación artística.
Todas estas investigaciones sintetizan la participación de la mujer en el arte. Destacan sus formas
de crítica a la sociedad, a la igualdad de género, a la visión de una multiculturalidad, así también
a la formación de estructuras mediante discursos sociales. Los autores de los textos dejan
plasmada la calidad de sus resultados. La importancia es que la sociedad tiene características
formadoras o deformadoras dependiendo lo transmitido. A través del arte se empiezan a
manifestar críticas hacia los sistemas implementados. Las artistas toman en cuenta elementos
característicos que abren espacios para representar la realidad desde otra perspectiva. Es así que
17
las mujeres han iniciado la participación en áreas de expresión artística para ver al mundo de
una forma distinta a la presentada.
1.2. Marco teórico
Un punto clave en esta investigación es introspectar en temas que van vinculados al arte. Toma
en cuenta el manejo de espacios por los actores principales, elementos y mensajes que crean
discursos para una crítica o análisis de los sistemas sociales.
1.2.1. Poder – discurso
Todas las partes que componen un sistema son puntos clave de análisis para comprender el
actuar social. Por eso Foucault (1983) cree en las prácticas divisorias para el entendimiento
de los mensajes emitidos como reales.
Con tales prácticas como la implementación de poder, este autor se refiere a colocar las dos
caras de la moneda. Porque para encontrar las significaciones simbólicas se deben
confrontar los aspectos positivos y negativos de los textos. Eso permite que se tenga la
balanza que completa la interpretación de contenidos. En cuestiones de realidad humana es,
crear el espejo entre el individuo y la colectividad.
Para entender la técnica discursiva de las sociedades es importante buscar en la historia de
las mismas. Ya bien dice Foucault (1983) que no es el poder en sí, sino el sujeto. Por ello
plantea que para la inspección de discursos se debe investigar sobre las necesidades de
conceptos. Eso quiere decir, retroceder e implicar la historia para la comprensión del ahora y
luego determinar la realidad actual. Buscar también las situaciones sociales que se están
generando en el presente e interrelacionarlas con el pasado. Es decir, intercalarlas como
experiencias. Y por último lograr entender las acciones resistentes junto al aporte para
disociar las relaciones. Esto hace referencia al confrontamiento de lo débil frente a lo fuerte.
Por ejemplo: la posición creada del hombre frente a la mujer (fortaleza y debilidad).
Es así como se identifica el papel, no del individuo sino de la lucha contra la
individualización (Foucault, 1983). Esas luchas se oponen al poder, a la competitividad
negativa o egoísta y a las imposiciones hacia la gente en obstrucción a los efectos del poder.
18
1.2.2. Género e identidad femenina
Durante la historia han surgido diversos movimientos que emprenden la lucha por la
liberación de un sistema masculino. Se sufrieron señalizaciones por un supuesto quebranto
al sistema de la sociedad. Fueron grupos de mujeres las que emprendieron tales
movimientos. Implicaban temáticas políticas, culturales y filosóficas para evitar la
subordinación femenina. Es desde hace más de 50 años que destacan las manifestaciones
culturales, sociales y artísticas femeninas.
Es por ello que se toma en cuenta, en situaciones de identidad, la aplicación de significados
entre sexo y género. Ya que según Ortega (s/f) las diferencias sin excepción surgen en el
momento de la concepción para pertenecer a cada sexo. Es de eso que depende la identidad
que se vaya acreditando a cada individuo. La autora menciona a Beauvoir en su
investigación. Explica que la pensadora dejó en claro que no es suficiente caracterizar a una
mujer como tal ya que la feminidad se debe por desarrollarse en el seno de cada sociedad. Es
decir, que ella define “sexo” como proceso biológico y “género” como construcción social.
Por lo tanto, se identifica que la definición de sexo se le ha determinado con tal importancia
que se valora por catalogarse en la tradición que caracteriza los roles de la mujer. Esto
condiciona las diferencias entre ambos sexos. Por ello, se presume la debilidad como un
proceso natural y aceptable. O también como menciona Galindo (s/f) que las cuestiones
culturales integran un tipo de ingeniería social. Es decir que involucra la unión o separación
de la gente al involucrarse las pautas de comportamiento dominadas por el poder.
El hecho de ser mujer ya no solo implica lo biológico sino lo psicológico y actitudinal. Se
adoptan comportamientos que son establecidos por la parte dominante de las sociedades. Es
así como Beauvoir (1949) se basa en lo literario para explicar el existencialismo social. Cree
en que un todo y todos los seres humanos son libres, otorgando el poder de la elección. Con
eso se hace referencia a la capacidad de elegir para saber la existencia de las situaciones y el
enfrentamiento que se debe hacer a ellas.
Es importante destacar también la intención de la comprensión y el análisis de todos los
procedimientos socio-políticos y culturales. Dependerá de la intención de evaluar cada
acción para involucrarse en la participación activa en la sociedad.
19
1.2.3. Análisis
Es una acción que permite abarcar, tanto teórica como epistemológicamente, la función de
las formas de expresión en determinado contexto. La técnica que sostiene es que la
concepción de la realidad se manifiesta mediante la reflexión. (Íñiguez, 2003).
Eso determina entonces que las manifestaciones humanas se evalúan mediante símbolos
específicos que se vuelven indicadores de análisis. Todo depende del código con que se
analice el lenguaje expresado. Lo más importante es tener noción y conocimiento respecto el
tema a tratar.
En el arte se aplican técnicas con un respaldo teórico para que la obra conste de significado.
Los elementos que se implementen son los componentes más importantes en un trabajo. Las
artistas actuales crean o recrean tanto textual como técnicamente. Ellas aplican aspectos que
permiten el análisis simbólico de sus proyectos. Hay diferentes tipos de análisis. Gómez
(2000) maneja especificaciones para tratar análisis de contenido. Utiliza una clasificación
ordenada de las técnicas identificativas. Entre esas se puede incluir:
- Análisis de exploración de contenido: implementa técnicas de investigación de
posibilidades y de hipótesis. Aplica una orientación más acertada para los recursos
de observación futura.
- Análisis de verificación de contenido: realiza comparación entre realidad y lo
expuesto en las hipótesis. Fundamenta los datos recopilados en el enfoque
discursivo correcto.
- Análisis Cualitativo: involucra la verificación de conceptos implicados en las
situaciones o contextos.
- Análisis de contenido cuantitativo: sintetiza datos repetitivos en la aparición de
la información. Estructura los elementos o símbolos identificados como conjunto de
significación.
- Análisis de contenido directo: maneja la interpretación literalmente
condicionada a lo manifestado, sin introspectar ni indagar en el mensaje implicado.
- Análisis de contenido indirecto: involucra la connotación de la información.
Evalúa el nivel de repetición, a qué se le asocia y el sentido de los símbolos
implementados.
20
Ésta investigación es una mezcla de los tales análisis ya que involucra a todos pero en cuestión
de procedimiento. Es decir, recurre desde las primeras impresiones hasta el análisis y catálogo de
las significaciones.. El trabajo tiene la intención de aplicar dichas estrategias de re proyección en
los temas de arte a investigar. Se pretende realizar una conexión entre los discursos de las artistas
y los elementos que cada una aplique.
1.2.4. Usos del análisis
Son procesos que desarrollan un sentido crítico e investigativo para producir interacción con
los textos que éstos generen. (Wodak, 2003). Eso se aplica a la función de analizar, en que no
se centra en cuestiones textuales sino en objetos de investigación. Entonces un análisis crea
apropiación de la investigación con la recopilación de información. Los datos se obtienen por
hechos que contengan elementos significativos. Estos a su vez identifican la situación con un
contenido cargado de connotaciones.
a. Técnicas en el análisis
A través de la imagen se reconoce el impacto y capacidad de introspectar en cuestiones
significativas. Las imágenes causan acuerdo, desacuerdo o simplemente una crítica de
lo que se observa.
Arnheim (1998) explica que las imágenes son representaciones, signos o símbolos con
función de indicar significados. La imagen es signo cuando no refleja características
visuales. Estas se denominan entidades secretas de la acción. Es decir, pueden manejar
diversos niveles de significación para demostrar, mas no denotar, que se incorporan los
detalles de lo que se retrata. La imagen a nivel de símbolo es identificada por el
espectador. El tono y lo que producen son las ideas creadas por la conciencia. Tales ideas
manifiestan una bifurcación entre la mente y el mundo (Íñiguez, 2006).
La intención de análisis de esta investigación son los mensajes artísticos que expresan un
contenido que represente mucho más. Algunas veces se interpreta algo completamente
contrario a lo que se supone al principio. Entonces, la importancia de involucrarse con
una obra no es solo por la forma sino por su contenido mismo.
21
Íñiguez (2006) menciona a Gottlob Frege. El autor sustituye los conceptos de sujeto y
predicado por argumento y función. Con ello los análisis de los discursos llegan a un más
allá de lo que denota el espectador/receptor. Estos mensajes avocan a la decisión que una
imagen vale más que mil palabras. Implican que vale más un conocimiento o idea que
permita dudar, que emitir una infestación de palabras sin significado constructivo.
1.2.5. Discurso
Foucault (1978) fue un personaje analista de la expresión social. Este pensador descarta el
discurso como un simple fenómeno de expresión. Lo concibe como una afiliación del sujeto
con una función significante. Este analista enfoca los discursos como sistemas que objetivan
realidades.
Se refiere entonces que depende del emisor quien genera el discurso, así será la credibilidad
de las palabras. Involucra actitud, contexto, influencia e ideología. Así también se determina
que ese proceso puede construir formas de pensar más generalizadas y adiestrar actitudes en
las sociedades.
Construir un discurso implica centralizar un mensaje tratando de evitar cuestionamientos.
Por ello se puede concretar que es el formador de realidades no del todo verdaderas. Las
imposiciones de los mismos se van a utilizar para eliminar desequilibrios o
desestabilizaciones a las influencias de poder, o al poder como tal. Por ello se considera que
los cambios de emisión se dan en los sujetos más no en los textos.
Todos los discursos también se van a basar en significaciones. Ese es su núcleo estratégico.
Es por eso que al arte se convierte en cuestión impactante por sus simbologías y no por su
estética. Es así como las personas dedicadas al campo artístico genera discursos sobre los ya
impuestos.
a) Postulados del diálogo
Ricoeur (1995) explica situaciones que permiten identificar los diálogos. Tales como:
-Aproximación sincrónica: hace referencia a los cambios como situaciones parciales o
globales en un estado del sistema.
22
-El caso paradigmático: identifica los sistemas fonológicos como satisfactores de los
paradigmas, aún más que los sistemas léxicos. Es decir, la forma en que se escuche es
prioridad en la forma en que se diga, siempre acompañado de la semántica.
-Nada tiene un significado propio: en donde lo formal se opone a lo sustancial. Ya
bien menciona Saussure, en los signos existen las diferencias y no las sustancias
existenciales.
-Todas las relaciones son inseparables al sistema: en este caso no hay relación con un
sentido externo. Esa relación es entre el signo y la cosa.
-Se apega al modo global del pensamiento: quiere decir que hay más relaciones
internas en las que el lenguaje ha desaparecido. (Ricoeur, 1995).
El análisis se va a realizar en diálogos artísticos que hacen referencia a la crítica de los sistemas
sociales, igualdad de género y multiculturalidad. La relación entre el signo y la cosa estará
involucrada. El postulado que habla que todas las relaciones son inseparables al sistema,
promueve interconectar lo que se dice, lo que se hace y lo que provocan las manifestaciones
artísticas. Aplica más significación a las acciones que al lenguaje literalmente hablado.
1.2.6. Relación análisis con el discurso
La relación entre análisis y discurso sostiene que existen elementos sociales que se evalúan e
interpretan. El análisis del discurso, anteriormente mencionado, tiene sus indicios en los
años setentas y ya se reconoce como disciplina analítica. El potencial de expresión al que
este se apega no es únicamente a textos escritos o hablados. Es una introspección en las
formas de expresión.
Wodak (2003) describe el análisis del discurso como disciplina. Evalúa las relaciones de
dominación, el control social o el poder regido en un contexto. El autor busca que todo ello
se manifieste mediante el lenguaje. Habermas (1977) critica que el lenguaje mismo es un
intermedio de dominación y fuerza social. Es a través del mismo que se legitiman u
organizan las relaciones autoritarias.
El análisis del discurso está enlazado a las descripciones semánticas con las estructuras
cognoscitivas. Su necesidad está creada por los antecedentes de las teorías lingüísticas. La
23
esencia del análisis se especifica en la unidad teórica del texto. Para Van Dijk (1993) las
situaciones se envuelven en los estudios psicolingüísticos y sociolingüísticos. El autor
explica que todo depende de un proceso de producción, comprensión, almacenaje y
reproducción del discurso.
La comprensión de los significados crea la necesidad de penetrar en los distintos contextos.
De ello resultan las críticas que las artistas realizan mediante formas, colores e
implementación del cuerpo con el alma. De esa forma se construye una integración de
símbolos y elementos.
Cabrera (1999) considera que un discurso contiene significados de acuerdo a las
experiencias de cada persona. La visión de los contenidos se enfoca en los resultados que
esta desea lograr. Asegura que la historia es la que construye los textos para formar y definir
al ser humano.
a) El Papel de la lengua
La lengua es adquirida en un contexto por herencia social. Está contenida en el papel
más importante. Permite ser el canal principal para la transmisión de los modelos,
formas y construcciones de vida. Da lugar a la formación o creencia de la construcción
de los seres como un ser de sociedad (Halliday, 1998).
El lenguaje es la técnica que relaciona el hombre con la interacción. Sin embargo, es
completamente dañino modificar su función básica (comunicar realidades) para ser
transformada. Por lo regular se deforma por los intereses de dominación en la sociedad.
El discurso alterna con el análisis. Los dos conceptos encierran una gama de símbolos
en los textos hablados y escritos. Tales textos son empleados por los poderes en una
sociedad. Allí se manifiesta que tanto la práctica social como el ejercicio del poder están
ligados a comprenderse como realidades materiales. La connotación que le da cada
individuo dependerá de su diario vivir.
Las escenificaciones del arte femenino figuran símbolos del rechazo hacia lo
humanitario. Promueven la denuncia a través de sus obras para identificar otras formas
de percibir la realidad social.
24
Cualquier persona que aplique una crítica hacia los sistemas no se está desligando de los
mismos sino que emplea una contribución a la historia. Ayuda con ello a la base de
valores, normas, leyes y derechos que en cada contexto se desarrollan. (Jäger, 1993).
En el análisis de los discursos surgen sesgos que no necesariamente están basados en la
verdad. Las ideologías se hacen y dan como resultado un proceso discursivo. En los
discursos se involucra lo cotidiano, los proyectos educativos, el discurso político o el
mediático. El discurso, a su vez, condiciona la construcción del sujeto y la organización
de las sociedades. (Jäger, 1993).
El análisis de los discursos de las artistas guatemaltecas concede pequeños elementos que
demuestran sus significaciones. Regala la exquisitez de desenvolver cada signo para la
composición de significados.
1.2.7. Discurso Social
Para Ricoeur (2006) el lenguaje de una sociedad encierra la intención de sus signos. Se
notan en las acciones de un sistema social los modelos manejados jerárquicamente.
Los aspectos que se toman en cuenta para esta investigación son la representativa artística y
la proliferación de mensajes con carácter social. Sirven para detectar modelos organizados
que actúan con un significado.
a. El Dialecto social
Halliday (1998) menciona a Labov por la manera de descubrir la forma en que actúan
los individuos frente a los discursos. El autor sostiene que las personas reaccionan a las
variaciones dialécticas de acuerdo a los contextos sociales. Halliday manifiesta que la
característica que forma a una sociedad es que todo proceso es una jerarquía. Ese
proceso permite la dominación de un sistema social a través de un discurso. Las
personas son las protagonistas para los intereses simbólicos. Son los catalogados para
armar grupos homogéneos y pasivos ante la propuesta ofrecida por los dominantes. Por
ello nace una estructura de procesos a conveniencia de los dueños de esa jerarquía.
25
El arte recrea y representa los contextos con motivos de protesta o crítica. Da a conocer la
polarización de la dominación por parte de quienes la conforman. Se detectan estímulos y
proyecciones respecto a un manifiesto social.
b. Discurso y realidad social
Halliday (1998) se refiere a los discursos como constructores de la realidad social.
Cada contexto involucra métodos de codificación estructuralmente organizados. El
intercambio de significados, de relaciones y de patrones de comportamiento está
involucrado en los discursos. La credibilidad en los conceptos es lo que adoptan los
receptores.
c. Las funciones sociales de las ideologías
Marx (1888) define las ideologías como las representaciones que el hombre hace de la
realidad. El diario vivir está condicionado a la pertenencia de lo material con ciertas
reglas. El ser humano concibe una idea superficial de la vida respecto a los
ofrecimientos materialistas de los que se apropia. Ese apropiación es en base a los
conceptos que los poderes dominantes inducen en la mente de las personas. La función
que se le acredita a las ideologías es la cimentación de conceptos sociales como base
para los discursos. Saben cómo coordinar los intereses de la colectividad. Son entonces
los ganchos de enlace entre las estructuras y las prácticas sociales. (Dijk, 2005).
Las manipulaciones del sistema social son las iniciativas de las artistas para realizar discursos
críticos. A través de la búsqueda de formación dialéctica, lingüística, contextual, simbólica y
estructural detectan elementos de jerarquización desarrollados en determinado contexto social.
1.2.8. Arte y Comunicación
Una perspectiva clara de conceptos del arte es necesaria para que se abarquen
significaciones. El deseo por relacionar los procesos de comunicación con el mensaje es lo
que ambos conceptos connotan.
a. Arte
Heidegger (1996) define el arte como la esencia de la obra. Esa esencia es la
representación de la realidad. El aspecto y tono que se emplee depende lo que el artista
26
desee otorgar a los proyectos. Los creativos saben que dentro de un sistema social está la
ética en los conceptos de libertad. Por lo que no se debe confundir la libertad de expresión
con un mensaje transmitido sin un sentido crítico constructivo.
La expresión se identifica como la manifestación de sentimientos. La relación de
expresión con arte mantiene un sentido de reflexión. Posee un juicio creativo que
desarrolla un mensaje realista. El arte está desarrollado a través de la imaginación y
manifestación de aspectos sociales.
b. De la imagen al símbolo
Los símbolos, por lo regular, están conformados de otros más. Los seres humanos están
rodeados de símbolos a su vez. Por ello que se le atribuye al arte ser uno de los
integrantes e indicadores de reflexión. La participación de todos los componentes puede
ser observable o no. Esto es porque los significados se presentan de manera implícita.
Tal y como manifiesta Dorfles (1993) el arte expresa la idea de los sentimientos pero no
los explica directamente.
Esto hace referencia a que todos los componentes sociales están sumergidos en
contenidos simbólicos. Debido a la diversidad de personas que los componen, cada
individuo y cada espacio es un significado. Por lo que surgen signos visibles frente a la
parte connotativa. Es así como el arte combina la evolución de lo visual para trascender
a la concepción de la razón.
Fischer (1997) define todos esos procesos de representar el arte. Identifica que surgen
por la pura imitación. El desenvolvimiento en cierto entorno permite actuar con un
contexto. Ese contexto propone un punto de vista muy distinto al que se presenta.
Entonces la identidad en dicho contexto se convierte en un espejo o reflejo de la
sociedad.
c. Tema, contenido y significación
Fischer (1997) investiga los proyectos artísticos aplicados a la comunicación de los
discursos. El tema y el significado de una obra de arte no son lo mismo aunque se
encuentren estrechamente ligados. El tema llega a definir las características del artista.
27
Pero el significado está determinado por la manera en que las obras describen lo que
desean. Un artista, de forma intencional o no, expresa las tendencias de la época o del
entorno social en el que se desenvuelve. Por ello, la interacción en los diálogos está
relacionada por sus contenidos, formas y significados.
La temática artística comunicacional trata un qué, un porqué y un para qué. Esta busca
la interpretación de la crítica en la expresión del arte. El sentido de los conceptos
exterioriza las variaciones en su significación. En este proyecto cada artista compone y
construye con diversidad de elementos. Sus contenidos son parecidos pero la
interpretación de los discursos es distinta. Ellas priorizan los resultados finales más que
los procesos. (Gombrich, 2002).
El tipo de arte a investigar contiene una conexión entre la humanidad y el mundo. Se incluye el
contexto en el que se crea la percepción del mundo. Esa necesidad de existir se percibe como la
necesidad de en colectividad. El arte relaciona los intereses con los mensajes sociales.
d. Relación de arte con comunicación
Las artistas transmiten de acuerdo a su formación personal. Ellas manifiestan las
estructuras de los símbolos sociales. Arnheim (1998) determina la importancia de los
elementos empleados en las obras de arte. Tales elementos son desarrollados por
connotaciones psicológicas y fisiológicas. Los contextos son los desarrolladores de
ideas que las artistas aplican en sus proyectos. El arte, entonces, está unido a los
procesos comunicacionales. Esa comunicación es la que genera seguridad en la emisión
de las obras. (Dorfles, 1993).
Arnheim (1998) relaciona el contenido del mensaje con el arte. Los elementos son
representantes de los procesos de comunicación. Por ello, el autor presenta la evidencia
intelectual desarrollada en expresiones de lo social. Los componentes que se
implementan son creados específicamente para analizarse. Tal evaluación descubre en
cada proyecto una ideología incluida. El proyecto del artista está intencionado para que
el mensaje tenga un tono intenso y concreto. El objetivo final de las expresiones
artísticas es transmitir, informar y concientizar.
28
Fischer (1997) cataloga el arte un integrante de la comunicación. Este campo es una
unidad que analiza al individuo dentro de la colectividad. Es el ser humano quien
comprende la realidad, la soporta y hace más humana a través de la interacción con las
obras artísticas. Es decir, es considerado una realidad social. Así como las artistas
necesitan de la sociedad, la sociedad necesita del artista. Otorgan un sentido
completamente distinto a la comprensión de los sistemas.
e. Creación Artística Femenina
Nochlin (1988) descubre algunas propuestas para destacar el papel de la mujer como
sujeto de influencia social. La posición de la femineidad se establece en la historia
hasta la actualidad. El autor menciona personajes interesados en investigar las
identidades de los sistemas, como John Stuart Mill. El pensador sugiere que siempre se
aceptan los hechos como un todo natural. Pero es correcto evaluar la identificación del
artista con la humanidad. Se descubre con eso la dominación e injusticia aceptada como
verdadero orden. Se le denomina a ello la distorsión al intelectualismo.
Se identifica a muchas artistas mujeres que aplican la crítica a los sistemas. El
novelesco actuar social obliga la aceptación de un ser sumiso y débil en las mujeres.
Las obras de arte femeninas de los años 70, 80 y 90 son recopilados en varios países.
Los antecedentes artísticos de las mismas se ignoran por ser obras de mujeres.
Ahora existe el interés de investigar el arte hecho por mujeres. La exclusión a la que
tienen que enfrentarse por los estereotipos machistas las sitúa como seres reveladores.
Las artistas que reflejan tales realidades se destacan por habilidades de representar los
puntos de vista de la sociedad. Sobresalen las características que aplican al color, forma,
cuerpo y contenido.
Bartra (2008) certifica que el arte femenino es muy diferente en amplios aspectos al
masculino. Los proyectos realizados por mujeres recurren a una visión de la vida y el
mundo con un contenido diferente. Le dan un término socio-histórico en distinción a la
mayoría de obras. Crean nuevos contextos y contenidos.
29
La escenificación de la mayoría de mujeres artistas no se basa en el uso del color o la belleza.
Ellas difunden textos aplicados a un mensaje. Los elementos que enlazan crean una complejidad
bien estructurada en la manipulación de signos y símbolos del contexto social.
f. Estereotipo
Tal y como menciona Palanco (2009) son etiquetas utilizadas para establecer roles
sociales. Se definen como prejuicios que conllevan a conductas agresivas, hostiles y
discriminativas. Estos se detectan como inflexibles aunque se conozcan evidencias
de que no son verdaderos. Uno de los prejuicios más aplicado es la debilidad de la
mujer enfrentada a la fortaleza del hombre.
Para Núñez (2000) el rechazo y los estereotipos que marcan la diferencia de géneros son
construcciones sociales, no naturales. Es decir, la calidad humana es una cuestión incorporada
por el hombre. Es así que las respuestas de mujeres tienen noción de la desigualdad social.
Aplican la auto-representación para crear una identificación fuera del sistema patriarcal. Estas
creadoras utilizan tácticas feministas opuestas a lo ya establecido como real o único. En vez de
utilizar el sexo como una marca de género se integra la sexualización del discurso junto al peso
que se le otorga a la masculinidad.
De hecho, las estrategias de los cambios sociales están combinadas con la exclusión de la mujer.
En esas tácticas se forma la dialéctica de los discursos artísticos. Desde los años setenta se
combinan elementos modernos y anti modernos que realzan la posición femenina. Tales procesos
definen artísticamente el sujeto femenino. Manejan estrategias afiliadas al colectivismo,
experiencias comunes y las exigencias de los cambios sociales con resultados positivos. Dicha
conciencia expresa el interés de desechar barreras de trascendencia simbólica en contra de los
sistemas políticos. (Prada, 2000).
Las artistas sobresalen actualmente por los elementos implementados en performances, pintura,
fotografía, instalaciones, entre otras. Mantienen una postura indiscutiblemente contradictoria a
los sistemas sociales. Ellas son personajes que sustentan un contexto existencial aplicado al arte.
Este tipo de arte se descarta del arte comercial. La obras realizadas con simbología social no
están hechas para reciprocidad económica, más bien, son creadas como arte real. Aquel que deja
significados ante su exposición.
30
La revista Interiorgráfico (2010) genera opinión sobre las palabras de Adorno. Declara que según
dicho pensador las obras de arte tienen autonomía propia, la cual ha sido invalidada por la
industria cultural. Así mismo se propaga el individualismo egoísta. Eso hace referencia a que no
se piensa en el beneficio colectivo, más bien, se dota de autoridad a pocos para que, según
Adorno, se diferencie del montón. Tal individualidad refuerza las ideologías dominantes.
Por ello es importante mencionar en esta investigación a la Industria cultural de Adorno. Esta
especifica la minimización de los fenómenos artísticos y sociales. Es decir, que las obras de arte
se devalúan al ser involucradas en el consumismo actual.
Es por dichas razones que Godzich (1998) respalda sus textos en Adorno. El autor evoca que el
arte aplica ideologías para argumentar las manipulaciones. La labor específica del arte se
complementa en una cohesión entre existencia y sociedad liberada. Por tanto, las conflictividades
de las sociedades se instauran en el arte o en las/los artistas. Recurren a los valores que los
poderes utilizan para el funcionamiento de la sociedad.
La importancia de conocer temáticas sociales es que se pueden proliferar los discursos de
propuestas artísticas de mujeres. Existe un espacio para visualizar un mundo distinto al
únicamente presentado. Por ello, hay que colocar dos opiniones más que retocan el tema del
arte, mujer y comunicación. El arte femenino es considerado estéticamente de eficiencia social
(Prada, 2000). Un inconsciente simbólico puede ser la derivación de esa conectividad que
guardan las mujeres con su expresión corporal (Núñez, 2000). Eso quiere decir, que al pensar,
por ejemplo, en pintura no necesariamente es Picasso o Monet. Existen grandes artistas
femeninas a las que no se les reconoce su trayectoria como debieran. Es ahora cuando se puede
descubrir la pasión femenina aplicada al arte como sujeto generador de opinión y construcción
social.
Esta investigación se enfoca en dos áreas del arte: pintura y performance. Involucra seis mujeres
guatemaltecas con sus obras. Aplica un acento de crítica social, técnicas, elementos y
simbolismos con devoción a la realidad.
g. Performance
Es la aplicación del cuerpo para expresar significados envueltos en significaciones.
Implica el desplazamiento acompañado del ritmo. Evita una linealidad que aplica un
31
mecanismo de sensaciones. Su intención es a largo plazo y permanente. Es una
técnica de creación que regularmente emplea apoyo material o simplemente la
expresión del rostro y cuerpo. Aplica técnicas en que el manejo del cuerpo es el
sustento del mensaje. La decisión de utilizar tal técnica logra identidad con la
representación y el discurso social. (UNAM, 2006).
h. Pintura
El peso de una historia, de una sociedad, o de la misma humanidad se refleja en los
textos. Aplica el color, refinado con la estética y la exquisitez de la imagen. La
pintura busca un eje revelador para obtener una visión e interpretación distinta a la
simple perspectiva. Suele clasificarse como la aplicación de lo visual para crear un
mundo de satisfacción. Es manifestar un contenido que evidencia las temáticas para
implementar los sentidos. Más que ver es entender. (González, 2001)
La pintura destaca características físicas de su contenido. La significación que maneja
se adjunta al contexto. Por lo que depende de la visión del artista los elementos que
implementen para impactar y analizar.
1.2.9. ARTISTAS GUATEMALTECAS
La información sobre mujeres dedicadas al arte es poco documentada en libros. Por lo que
esta investigación recurre al internet para contextualizar e investigar la vida de las artistas.
Esto da como resultado el análisis de los discursos en sus obras.
a. Regina Galindo
Nació en 1974. Es considerada una de las artistas más jóvenes en el área de
performance. Aplica técnicas alternativas del arte para expresar su desacuerdo hacia
los sistemas sociales. Se caracteriza por el uso de su propio cuerpo. Entre sus obras
se identifican ¿Quién puede borrar las huellas? (2003). El cielo llora tanto que
debería ser mujer (1999). Recorte por la línea (2005). Galindo recibe premios tanto a
nivel nacional como internacional. Se destaca por su trayectoria y su forma de
discutir los procesos de los sistemas sociales a través del arte. (Escobedo, 2006)
32
b. Jessica Lagunas
Nació en 1971 en Nicaragua pero creció y estudió casi toda su vida en Guatemala.
Recibe premios por su participación en performance. Critica la posición de la mujer
en la sociedad. Se opone a las ideologías que crean una realidad ficticia y
transformada. Entre sus obras están Para besarte mejor, Para acariciarte mejor, Para
verte mejor, los tres son videos-performance (2003 – 2005). En ellos desgasta
maquillaje sobre uñas, labios y ojos durante una hora. Otras obras son 120 Minutos
de silencio y Retorno a la pubertad (2004). Lagunas analiza los estereotipos
implantados como belleza de la mujer (Lagunas, 2005).
c. María Adela Díaz
Nació en Guatemala en 1973. Es otra representante del performance. Ella trabaja con
textos que expresan la esencia y sublimidad de la mujer. Por ello es reconocida a
nivel internacional más que en el país. Ejemplos de sus obras son Borderline (2005)
en la que se encierra en una caja de madera dentro del mar. La situación es que las
olas la llevaran a algún lugar sin ella manipular la dirección. Otras obras son
Resistencia, Life in the Battle Field, o I am a pig. La finalidad de Díaz es involucrar
al espectador en sus obras. (Díaz, 2010)
d. Lucía Morán Giracca
Nació en 1978 en Guatemala. Es artista destacada en el área de pintura. Implementa
la libertad en sus creaciones y su espacio. Maneja la abstracción con la manipulación
de formas que revelan temáticas sociales. Entre sus obras están A corazón abierto,
Sin gravedad, De la distancia al recuerdo. A pesar que Morán ya tiene un recorrido
como artista es poco lo que se ha divulgado de sus proyectos.
e. Yasmin Hage
Nació en 1976. Es profesional de la pintura y el dibujo. Se caracteriza por interrogar
la existencia y las posiciones sociales. De sus obras sobresalen Arte y piratería.
Cuántas veces tendré que morir para ser siempre yo. Quién mira a quien o una forma
de ponerse contra la pared. Desde los años noventa Hage manifiesta gran talento en
el área artística. (Escobedo, 2006)
33
f. Paula Nicho Cumez
Es considerada la artista maya más original en Guatemala. Su especialidad es en la
pintura. Sus temas siempre están relacionados con los sueños, por lo regular, sobre
volar. Sus expresiones son en defensiva de sus tradiciones Mayas. Hace ver su
determinación como mujer Maya para la igualdad de derechos. Sus obras destacadas
son Más allá del universo. Canto a la naturaleza, Nana Luna, Mi segundo Piel, entre
otras. (Arte Maya Tz´utuhil, 2010)
g. Discursos de las Artistas
Las artistas guatemaltecas, a pesar de estar especializadas en diversas áreas del arte,
manifiestan el desgaste que provoca la sociedad. Exponen la dominación que se da
en la manipulación de la vida. También, revelan la posición de la mujer en
colectividad. Critican las maneras de gobierno y la aceptación por los ciudadanos.
Todos esos lineamientos de comportamiento que el poder hace ver como real o
correcto.
Los elementos, simbología y contextos aplicados en sus obras serán los objetivos de análisis.
Todas las artistas abarcan, desde distintos puntos de vista, una visión del mundo a través de
significados sociales. Cada una aplica sus técnicas del arte, por lo que se pretende abarcar en esta
investigación las obras de carácter femenino y que critiquen los sistemas de una sociedad.
34
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
Muchas veces, en Guatemala, al arte contemporáneo se le discrimina por romper patrones
tradicionalistas que se basan únicamente en la superficialidad de la belleza estética de las obras.
Esto se refiere, a que no se toman en cuenta los contenidos que han sido profundizados en
función de ser elementos sociales de concientización. Con ello se ven afectadas las distintas
áreas así como la libertad de expresión de quien crea. Esto provoca la generación de obstáculos
al momento que se desea involucrar los proyectos artísticos dentro de la gama del arte.
Algunas de las tendencias afectadas son las áreas de performance y pintura. La primera, muchas
veces no es considerada arte como tal o se le categoriza como una simple actuación. Con la
segunda, incluso cuando ésta ha pasado por diversidad de corrientes, en la contemporaneidad es
mucho más libre, diversa y difícil de integrarla en un registro específico. Más que su contenido y
significados, en ambas son desvalorizadas sus representaciones visuales. No se exploran ni
analizan los contenidos o las significaciones.
Se hace referencia también a la proyección artística femenina. No se tiene conocimiento respecto
a las creadoras involucradas, ni de sus trabajos. O tampoco se divulgan áreas que se han
desarrollado, que lamentablemente, han sido reconocidas y premiadas más a nivel internacional
(como performance, instalaciones, pintura, entre otras). En Guatemala se han manejado
conceptualizaciones artístico-sociales que pretenden aportar a la herencia histórico-cultural. La
inspiración artística atiende a referencias ideológicas que son concebidas como reflejo de la
sociedad. Todo depende del contexto en el que se trabaje. Sin embargo, la promoción,
recolección de información y la documentación de los trabajos femeninos actuales es muy
escaza.
Por ello, es importante ver cómo el arte y las artistas guatemaltecas revelan reprobaciones
sociales, las cuales van dirigidas a las ideologías del país. Es a través de esas manifestaciones
que personifican el ideal de crítica a los sistemas de poder. Por lo que divulga expresiones del
valor y la actividad femenina.
35
Es por ello que se toma la decisión de analizar el trabajo de seis artistas guatemaltecas que
manejen algunas áreas afectadas, performance y pintura. Esto puede llegar a completar una
sistematización de datos en los que se demuestren las capacidades de justificación de contenidos
a través de discursos artísticos.
Por ello se parte de este escenario para la siguiente pregunta de investigación:
¿Cómo se manifiesta el discurso artístico social en las obras de artistas femeninas guatemaltecas?
2.1.- Objetivos
2.1.1. Objetivo General
Analizar el discurso social de la propuesta artística de mujeres guatemaltecas en el área
de pintura y performance.
2.1.2. Objetivos Específicos
Establecer cuáles son los distintivos del arte femenino en relación al discurso artístico
social.
Indicar de qué manera se manifiestan esos elementos en la expresión y comunicación
artística, desde la visión femenina.
Establecer las similitudes y diferencias en el discurso que presenta cada una y sus
simbologías sociales.
2.2. Unidades de Análisis
- Análisis del discurso
- Discurso social
- Arte y comunicación
2.2.1. Análisis del Discurso
Definición Conceptual
“Es una perspectiva crítica sobre la realización del saber. Se centra en los problemas
sociales, en especial, en el papel del discurso en la producción y en la reproducción del
abuso de poder o de la dominación. Apoya su lucha contra la desigualdad. Combina lo
36
que suele llamarse solidaridad con los oprimidos. Es con una actitud de oposición y
disidencia contra quienes abusan de los textos y las declaraciones con el fin de establecer,
confirmar o legitimar su abuso de poder. Define y defiende su propia posición
sociopolítica.” (Wodak & Meyer, 2003)
“Ya existen ejemplos de artistas que expresan su malestar por muchos convencionalismos
sociales que rodean la vida de las mujeres en el país. Es por todo el peso de las costumbres
que impiden su desarrollo y constriñen su libertad. Por ello, en sus obras se muestran no
solo las preocupaciones sociales y políticas presentes de la época, sino una perspectiva
femenina de esa realidad. En ocasiones se observa una visión crítica de la situación de las
mujeres mediante textos representativos de cada contexto”. (Arriaga, 2008. Pg. 318).
Van Dijk (1993) cataloga el análisis crítico del discurso como la revelación de los abusos
dominantes en una sociedad. Entre ellos se clasifica la discriminación e injusticia.
Considera la Teoría crítica para solidarizarse con los espacios sociales marginados. Por
ello, se toman en cuenta los proyectos de las artistas guatemaltecas. Estas defienden a
personas o espacios excluidos. El autor menciona que la mayor influencia en la
construcción de identidad está en la aplicación de paralelismos. Los sistemas se forman
entonces por la secuencia de actos en cada contexto.
Definición Operacional
En esta investigación el análisis del discurso de las propuestas artísticas se considera a
través de la evaluación de elementos y símbolos. Estos serán los que contribuyan a
comprender la visión femenina plasmada en los indicadores que maneje. Así como la
intención detrás de un mensaje creado a través del arte. Se buscará determinar cuál es la
perspectiva social que manifiestan las artistas femeninas a través de un discurso artístico
representado en sus obras.
37
2.2.2. Discurso Social
Definición Conceptual
“Un análisis del discurso tiende a centrarse en el estudio de grupos, organizaciones e
instituciones. Desde el punto de vista teorético, esto significa que las representaciones
sociales quedan particularizadas en los modelos mentales. Con frecuencia su expresión en
los textos y en las conversaciones se realiza por medio de esos modelos mentales. Se aplica
el conocimiento cultural, el cual es compartido por todos los miembros competentes de una
sociedad o cultura. Constituye la base de todas las prácticas y discursos sociales, lo que
más tarde se puede llegar a reflejar a través del arte.” (Dijk, 2001)
Definición Operacional
Es necesario saber que la sociedad y sus sistemas, son los causantes principales de difusión
de mensajes de diversas formas. Por tanto, en esta investigación se determinará cuáles son
los contextos sociales y culturales que las artistas critican, de acuerdo a su cognición social
en la que se desenvuelven. Se establecerán los signos y significaciones que ellas utilizan
en su expresión social. También cuáles son los temas más relevantes que ellas abordan.
2.2.3. Arte y Comunicación
Definición Conceptual
Según Hauser (1998) las obras de arte son provocaciones con las que se cuestiona pero no
se explica. Cada obra se interpreta de acuerdo al contexto en que se viva. Eso significa que
se traslada el sentido de vida de quien observa al significado que se le otorgue. Por ello,
toda relación que se tenga con el arte se le realiza un proceso de comunicación. Es en ese
proceso que la obra de arte, la persona artista y quien observa provoca del mensaje un
discurso. (Hauser, 1998).
Definición Operacional
Ésta investigación pretende identificar la relación que hay entre la comunicación y la
difusión artística desde la visión femenina. Se hará mediante un análisis en dos áreas:
pintura y performances, de seis artistas guatemaltecas: Regina Galindo, Jessica Lagunas,
38
María Adela Díaz, Lucía Morán Giracca, Paula Nicho y Yasmin Hage. Con ello se
pretende establecer las similitudes y diferencias en los discursos que cada una de ellas se
apropia, y las significaciones sociales que de ellas generan.
2.3. Alcances y Límites
Se sabe que el arte existe desde hace miles de años. Hay que describir representaciones que
detallan discursos específicos en cuanto a contexto y sentido de la actualidad. Esta investigación
se realizará en el área de la ciudad de Guatemala a través del análisis del discurso de las
propuestas de seis artistas mujeres guatemaltecas. Con una duración de mayo a noviembre del
2011. Se aplicará únicamente la evaluación del discurso en las áreas de Performances: Regina
Galindo, Jessica Lagunas y María Adela Díaz. En pintura: Lucía Morán Giracca, Paula Nicho
Cumez y Yasmin Hage, enfocadas en su mayoría a funciones sociales. Se abordará la técnica,
forma y contenido que aplica cada una de ellas en sus discursos. Se realizará una comparación
para establecer similitudes y diferencias de los conceptos y signos empleados en sus obras.
Estos significantes son los principales representantes del concepto de las mismas.
Este proyecto abarca un periodo de siete meses (mayo a noviembre del 2011). El trabajo se
enfocará en manejar dos áreas del arte: performances y pintura. Para el estudio se eligieron solo
obras de mujeres guatemaltecas. A pesar que hombres expertos se desenvuelven en esas áreas se
busca tener la perspectiva desde la visión femenina. La forma en que la mujer logra acentuar su
trabajo en un aspecto competitivo de cada área.
Al elegir a las artistas guatemaltecas y su contenido de discurso se aplica específicamente a los
parámetros y el interés que éstas se basan. Es decir cuestiones de crítica social.
2.4. Aporte
Esta investigación es una documentación que registra el arte femenino guatemalteco. Pone en
evidencia algunas de las representaciones artísticas del país. Es un incentivo para involucrarse
con la historia y el futuro del arte, los textos que está generando y el valor que heredan tanto las
obras como las autoras. Prácticamente es una sistematización de la información, que detalla la
aplicación de distintos métodos para comprensión del arte de performance y pintura. Aplica la
facilidad de encontrar representantes de este campo, su recorrido, las formas de pensar y el
39
porqué de la generación de discursos. Trata al mismo tiempo de darle un plus necesario a la
credibilidad o aceptación de arte nuevo y diferente.
Se pretende posicionar la transformación a la que se avocan las representaciones artísticas. Es la
demostración que este campo también evoluciona en conceptualidad y manifestación de
contenidos. Así también establecer que los proyectos de los y las artistas creadoras se basan en
concepto/contexto tratando de puntuarlos más alto que a la apreciación visual.
Su intención es demostrar la fortaleza, creatividad y desafío comunicativo de estas artistas a
través de un análisis de discurso. Es mediante ellos que se desea demostrar que la comunicación
puede ir más allá de lo simple denotativo.
El proyecto es un determinante clave de procesos de comunicación. Beneficia a artistas hombres,
mujeres, profesionales, novatos, a los investigadores y profesionales en función de la
comunicación. Dará a conocer nuevos puntos de expresión, los espacios que permiten
contextualizar una sociedad, el contenido que puede aplicarse en la expresión a través de
discursos y la aplicación de todo un proceso comunicativo que exprese la realidad social. Siendo
este mediante representaciones reales o pinturas.
40
3. MÉTODO
La presente investigación tiene la característica de ser cualitativa. Este tipo de proyectos
destacan los aspectos humanos de las situaciones. Ayuda a entender mejor los fenómenos de
estudio ya que se basa en recopilación de información y datos sin necesidad de comprobación
numérica. Se añade a ella la descripción y observación. Se identifica su significación mediante
observaciones que al mismo tiempo recurre a la interpretación. (Gómez, 2006).
Se utiliza el muestreo intencional ya que se tiene claro, previamente, los sujetos con quienes se
va a trabajar. También es un trabajo descriptivo. Sampieri (2006) caracteriza este tipo de
investigaciones como una descripción para situaciones y/o eventos que prioricen el porqué de los
fenómenos. Permite involucrar en el estudio a personas o hechos que sean aptos para el análisis.
Para aplicar la mayor precisión con gran conocimiento que se logren predicciones o posibles
respuestas al problema.
Se va a recurrir al método Análisis crítico de Dijk que en este proyecto ayuda a percibir las
técnicas del arte. El intento que las artistas hacen por promover la justicia e igualdad social. Esto
se debe a que esa evaluación involucra lo cognitivo, político y social. Lo más importante para la
investigación es que se centra en el rol de los discursos. (Dijk, 1999). La interpretación de los
discursos establecidos en una sociedad debe aplicar un recorrido histórico. La necesidad de
buscar elementos que caractericen las manifestaciones verbales o escritas se instaura en la
opinión y percepción de las personas. Hay que conocer entonces las características que se han
establecido en las tendencias sociales.
Gran parte de la investigación se basa en aspectos lingüísticos en relación al contexto. Gracias a
esos aspectos los expertos identifican las variaciones de las estructuras jerárquicas del poder
social. Tales métodos explican que hay distintas formas de expresión en un sistema social con
que manipulan a los colectivos. Estos elementos son integrados en la investigación de los
discursos artísticos femeninos. Reflejan la mediación que existe entre arte, contexto y sociedad.
Como un pequeño respaldo se implementará un poco la parte Fenomenológica de Husserl.
Describe al fenómeno y el fenómeno es simplemente lo que se le presenta a alguien. Es decir que
con ello se pretende dirigir al contenido. Se va a priorizar la noema y noesis para analizar.
(Pellecer, 1996).
41
3.1. Sujetos
a) Regina Galindo. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de Performance.
b) Jessica Lagunas. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de Performance.
c) María Adela Díaz. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de Performance.
d) Lucía Morán. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de pintura.
e) Paula Nicho Cumez. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de pintura.
f) Yasmin Hage. Artista profesional y sujeto a evaluar. Arte de pintura.
g) Carolina Pineda. Artista multidisciplinaria.
i) Rosina Cazzali. Curadora de arte y especialista en el análisis de proyectos del campo.
3.2. Instrumentos
En esta investigación los instrumentos serán las obras de arte, las seis creadoras de las áreas de
performance y pintura (tres de cada tendencia), así también las dos especialistas que darán
opinión sobre la generación de discursos en dichos proyectos artísticos.
La evaluación estará integrada por dos obras de cada artista. Se desmenuzará su técnica y
elementos integrados junto con el mensaje que estos requieren. Esto será para crear un concepto
que haga referencia a la significación que otorgue cada autor. Se pretende entender desde el
método Fenomenológico. Para ser evaluado a través del Análisis crítico de discurso.
Se van a realizar dos cuadros de análisis. El primero será sobre la estructura, el cual servirá para
analizar la temática, técnica, los elementos contenidos en el mensaje, la simbología
implementada, el interés social, noema y noesis. (Ver anexos, cuadro#1)
Por lo tanto, el último cuadro será más que todo una referencia más profunda. Revelará las
intenciones desde el título hasta el final de cada obra. Se describirá el resumen del contenido de
cada trabajo. Luego dará a conocer el discurso que implementen para destacar la revelación
crítica de los proyectos. Se van a destacar los símbolos más utilizados junto a la intención social
42
de la evaluación. Esto llevará a relacionar el arte con la comunicación, para último, dar la
conclusión de todo ello. (Ver anexos, cuadro#2).
Con el trabajo de campo se va a realizar una comparación de lo que se denota junto a lo que ellas
desean plasmar. Para ello se recurrirá a un cuadro que explique el concepto percibido con el que
las artistas desean revelar. Así también la opinión de quienes perciben, como analíticos del arte o
especialistas.
Se realizarán entrevistas que sirvan de apoyo y respaldo en el sustento del tema. Con la
entrevista, quien investiga crea cuestionamientos que determinen datos de importancia. Por ello
se establece un diálogo o charla para recoger y proporcionar información. Es a través de la
planificación y estructuración de la misma con lo que se generan datos relativos de lo que se
proyecta a realizar. (Samporo, 1992). Entonces se puede decir que gracias a esta técnica de
investigación se genera la intención de introspectar, evaluar o generar discusiones respecto a los
sujetos de investigación. A través de las distintas finalidades, en el arte se debe manejar
preguntas abiertas por cuestiones de subjetividad de quien emite. Es así como en éste proyecto se
realizarán entrevistas intencionadas a respuestas abiertas para no manipular ni privar la libertad
de expresión. Cabe mencionar a Galindo (1998) el cual identifica la entrevista como un
instrumento que intensifica las relaciones humanas y que logra combinar procesos de análisis e
interpretación durante el momento de la comunicación.
Las entrevistas se harán, primero que todo, a las artistas para identificar el contexto y el porqué
de sus discursos. Será de preguntas y respuestas abiertas en las que se genere su opinión.
Permitirá descubrir la intención de los elementos que aplican para recrear un mensaje a través de
sus obras. Se va a evaluar su finalidad, sus contenidos como las estructuras empleadas. Con ello
se realiza una asimilación de conceptos reales e impuestos socialmente, desde la perspectiva
propia y de las mismas. (Anexo#1).
Se realizarán entrevistas también a especialistas en arte o curadores. Esto servirá como respaldo
para detectar las opiniones de aquellos que analizan los contenidos de este tipo de proyectos.
Funciona para evitar únicamente quedarse con la opinión personal y de las creadoras. Estas
estarán basadas también en preguntas abiertas que corroboren, desde el punto de vista analítico,
la intención de crear discursos a través del arte. (Anexos #2 y #3).
43
Esta investigación estará orientada a las bases Fenomenológicas, con el respaldo de la técnica de
Husserl. Según este, el arte se adjunta a las vivencias intencionadas que interiorizadas forman
parte de lo exteriorizado. Esto es, una introspección desde su creación hasta la trascendencia que
se pueda obtener en el contexto establecido. (Husserl, 1992). Para luego aplicar el Análisis
crítico del discurso de Dijk, con el cual se evalúa la sensibilidad con la que se promueve la pro
justicia e igualdad.
3.3 Procedimiento
Realizar la elección del tema: Análisis del discurso social en la propuesta artística de mujeres
guatemaltecas en las áreas de pintura y performance.
Recopilar información primordial de las artistas y de la circunstancia temática. Por ello se
identifican bibliografías que respalden el tema. Se aplican tesis, artículos de periódicos y
revistas, libros, folletos e investigaciones tanto nacionales e internacionales.
Se definen los sujetos, siendo las obras de artistas guatemaltecas del área de pintura y
performance. Para luego elaborar los instrumentos adecuados como entrevistas y cuadros
comparativos aplicados a los métodos de la investigación.
Relacionar el trabajo de las artistas con la sociedad. A partir de ello construir los objetivos del
proyecto, las variables de la investigación y establecer hasta dónde se quiere llegar. Esto llega a
formar el respaldo teórico, que para fines del mismo se consultó, comprobó y verificó la
importancia en temas culturales, artísticos y sociales.
El tratamiento que se le dará a los resultados y a los datos se demuestra mediante la comparación
de las obras de arte de cada artista. En las técnicas implicadas se evaluarán similitudes,
diferencias y conclusiones que se integran al momento de congeniar los elementos de cada
discurso. Esto toma en cuenta las opiniones de los expertos en arte y los críticos sociales. Se van
a integrar todos los informes para otorgar una relación constructiva e indicar cómo se dan los
procesos sociales desde el punto de vista del arte, desde el punto de vista social y desde el punto
de vista de lo profesional.
En el caso de la aplicación del Análisis crítico se implementarán cuadros que revelen datos para
evaluar y darle validez al estudio. Se va a manejar la información mediante cuadros informativos
44
y comparativos. Estos ayudan a dar un supuesto de la realidad presentada por las creadoras de
arte. Eso se hará con cada obra de cada artista.
Se incluye dentro del análisis la noema, la nóesis, y las comparaciones que crean un definan la
posición de las artistas con la sociedad y viceversa.
La forma noemática: que son los elementos estructurales del objeto que fueron revelados
por la conciencia
La forma Nóesis: que aparece después de analizar la estructura. Son las representaciones
simbólicas y el sentido en el que se abarca el estudio desde las bases y puntos filosóficos,
esenciales y trascendentales de las obras de arte. Trabaja en función de lo estimado como
realidad. (Pellecer, 1996).
45
4. RESULTADOS
Se realizaron entrevistas a las seis artistas creadoras de las obras analizadas. Estas comprendían
una serie de preguntas en las que se solicitó la opinión sobre cuatro temáticas: formación,
sistemas sociales, la voz femenina, contexto-contenido. Al final se presenta un cuadro de cotejo
donde se colocan las opiniones de cada artista respecto a lo más relevante de cada temática.
Se incluyó dentro de las opiniones a conocedoras expertas del área. Una de ellas artista
multidisciplinaria, Carolina Pineda. La otra curadora de arte, Rosina Cazzali.
Para tener conocimiento sobre la formación de la artista Regina Galindo, ésta considera que la
parte más importante es nacer en Guatemala. En su opinión, conforme al contexto – contenido
hace referencia que el arte se puede dar como obstáculo o como manifestación de impacto. Hace
mención al interés de abarcar contenidos en forma global, siempre y cuando se tenga la visión
desde lo local. Considera que no debe existir el rechazo a las raíces de los conflictos sociales
heredados. El arte llega a ser un medio para trasladar la historia de la sociedad como historias de
lo personal. Es el arte lo que debe generar identidad con el contenido de las piezas.
Galindo asegura que una obra de arte puede disuadir del contenido. Eso es si no tiene un
respaldo para generar un mensaje. El darle un plus al contenido es, según Galindo, la intención
de crear formas textuales.
Lo multidisciplinario de la artista recrea la libertad de cuestionar todas las características de los
sistemas sociales. Es decir, enfrenta desacuerdos en la organización de los estratos sociales. Así
como de los beneficios superiores contra lo considerado inferior.
Confirma que no es la posición de ser mujer el impedimento para crear arte. Es por ser
guatemalteca. Indica que las restricciones para sobrevivir son sumamente represivas para cada
persona. Concluye que la creatividad igualmente surge en mujeres como en hombres. La
distinción de género no es un impedimento para la artista.
46
Juegos de poder. Maracao, Brasil 2009. Por Regina Galindo. (Fotografía #1)
Regina Galindo
Limpieza social. Italia 2006. Por Regina Galindo. (Fotografía # 2)
47
Jessica Lagunas cree en que todas las experiencias son formadoras para generar contenidos.
Aparte, las experiencias en las que se ha desarrollado le ayudaron a definir su trayectoria. Pero
no se considera estática en una sola categoría. Lagunas demuestra ser multidisciplinaria. Busca la
representación de la crítica constructiva mediante el campo artístico. Decide detectar situaciones
de lo que vive, de lo que ve y de lo que siente.
En base a los contenidos relacionados con los contextos cree que está involucrado uno en el otro.
Para Jessica, va de la mano la realización de la pieza, el concepto, el mensaje y lugar de
exposición. Pero su fortaleza son los elementos implementados para transmitir las ideas. El
concepto permitirá la eficacia con que el mensaje sea recibido. El punto más importante está en
la intención.
Expresa también que la decisión del público por aceptar o rechazar el mensaje depende de esa
intención. La lectura que cada quién otorgue a los trabajos es ajeno a cada artista. Es la
herramienta para generar discursos a través del arte.
Sus críticas y desacuerdos se relacionan con la situación de la mujer en la sociedad
contemporánea. Busca despertar reacciones en contra de la desigualdad femenina respecto a su
posición o aceptación.
Afirma, al igual que Regina Galindo, que el género no es un impedimento para ejercer en el arte.
Sí se reflejan la distinción de oportunidades en diversas participaciones. Aunque muchas mujeres
han creado conciencia artística femenina, asegura Lagunas que aún falta mucho para eliminar los
estereotipos en el campo.
Jessica Lagunas
48
Para besarte mejor. 2003. Por Jessica Lagunas. (Fotografía # 3)
Para acariciarte mejor. 2003. Por Jessica Lagunas. (Fotografía # 4)
Para verte mejor. 2005. Por Jessica Lagunas. (Fotografía # 5)
Retorno a la pubertad. 2005. Por Jessica Lagunas. (Fotografía # 6)
49
María Adela Díaz considera que su formación se ha llevado a cabo dentro de la categoría del
arte contemporáneo. También cataloga a Guatemala como elemento de formación. Toma en
cuenta elementos repetitivos utilizados intencionalmente. Mediante ello caracteriza la
simultaneidad de la implementación del cuerpo de la mujer para generar expectativa. Así mismo
prefiere no ser incluida en un estilo en particular.
Para Díaz, ser artista es tener una visión en el contenido del que se apropia para la expresión
discursiva. Lidia que el arte va más allá de proponer discursos. Por ello la fortaleza entre el
contenido con el proceso creativo busca que la interpretación de la pieza sea deber del público
mas no del autor.
María Adela especifica que el contexto genera la misma importancia que el contenido porque el
arte está sumergido en diversidad de aspectos. Toda esta creación la considera como un conjunto
de discursos enfrentados entre la realidad y el público.
Esta artista se preocupa por las participaciones político - sociales. Confronta la temática de la
condición femenina en la sociedad. Asegura que se deben decir las cosas de una u otra manera.
En este caso a través del arte. Estando fuera del país existen temas que no cambian más que en
los espacios o los tiempos de expresión.
Define que el ser mujer dentro del área artística sí genera obstáculos en el desenvolvimiento de
la carrera. Determina que es por desarrollarse en un país como Guatemala. Al mismo tiempo, esa
represión ha sido para ella una manera de romper esquemas para continuar la lucha por la
igualdad.
María Adela Díaz
50
.
Para la superficie. Por María Adela Díaz. (Fotografía # 7)
La Carga. (Duración: 3 horas). Estados Unidos, 2005. Por María Adela Díaz.
(Fotografía # 8)
51
Lucía Morán Giracca considera que la formación artística se basó en involucrarse desde pequeña
en el área de la pintura, lo cual marcó su estilo característico. Cree en el crecimiento como artista
al ser apoyada por su familia. Su técnica la empezó a implementar a los 10 años por lo que se
distingue de los demás al practicar un placer y ejercicio innato. Más tarde alimenta sus
contenidos por haberse desarrollado en Guatemala. Involucra situaciones sociales a través del
color.
Para Lucía los contextos van atados a las intenciones. Aunque no tenga el papel primordial en la
obra o le sea indiferente del contenido. Éste siempre se apropia de la connotación. Es por ello
que para la creadora el arte es un poder indeterminado. Declara que este campo permite
fortalecer los discursos dimensionando los significados. Así que Lucía se considera como
traductora de la realidad para reflejar la importancia de caracteres sociales.
Su situación hacia los sistemas sociales determina la inconformidad con el desequilibrio de la
realidad. Busca continuamente la lucha para realizar cambios a través de sus creaciones.
Es así como Lucía Morán alza su voz femenina mediante el color implementado en un arte
conceptual. Considera que la práctica en el arte no es impedimento para las mujeres porque todo
depende del esfuerzo empeñado en ello.
Lucía Morán Giracca
52
Aliento compartido. Por Lucía Morán Giracca.
(Fotografía #9)
La que se hunde. Por Lucía Morán Giracca.
(Fotografía # 10)
53
Paula Nicho considera que se desarrolló en un contexto de artistas junto al apoyo de su pareja.
Generó procesos de transmisión de mensajes en una estética libre con mensajes bastante
confrontativos. Sus intenciones han demostrado la multiculturalidad a través del color.
Paula determina que el lugar dónde se vive y crece es el respaldo de la transmisión de textos a
través del arte. Busca demostrar que en cualquier parte del mundo existen problemáticas que
deben denunciarse. Ella considera que el arte habla y demuestra lo que se vive día a día.
Le entristece la discriminación a la mujer. Es la parte de los sistemas sociales que visualiza a la
mujer y a las personas indígenas en una categoría inferior. Demuestra cómo se ciegan las
realidades tomando a la población como masa igualitaria.
Paula asegura que siendo mujer no es problema manifestarse como artista. Los problemas están
en todas partes de la sociedad. Es a ello a lo que hay que cuestionar y declarar a través del arte.
Paula Nicho Cumez
54
Liberación femenina. Por Paula Nicho Cumez.
(Fotografía # 11)
Cruzando fronteras. Por Paula Nicho Cumez. (Fotografía # 12)
55
Yasmin Hage es una artista que no se considera estar sumergida en un estilo específico. Esto
hace referencia a la personalidad que cada artista generada a través de sus experiencias
personales y ajenas.
Establece la importancia del contexto. Lo caracteriza como contenido en sí. Implica que
deformar o trasladar objetos para ser convertidos en arte dependerán de la intención con que
denuncian los elementos.
Involucra el descontento por los sistemas sociales al confrontar la falta de participación
ciudadana. Enfrenta al poderío que manipula la sociedad para conveniencia de una única
realidad. Cuestiona los procesos políticos y las tensiones desestabilizadas que estos generan.
Recrea la intención de utopías que no manifiestan la realidad como tal. También toma en cuenta
al espectador, al tiempo, como al espacio para provocar reacciones a través del dibujo, la pintura
u otras disciplinas.
Identifica al arte como un recurso entornado en símbolos. Permite ser estudiado, analizado e
interpretado según se requiera. Indica que el espectador es quién da más vida a las
significaciones. Busca captar la historia social relacionándola a la conciencia que se tenga de la
realidad. Identifica prácticas de la realidad que modifican las formas de vivir. Su intención es
ampliar la visión impuesta y heredada.
Yasmin opina que el arte muchas veces está hecho por minorías. Se hace notar mediante ello la
forma en que construyen conceptos en contenidos sociales. Se descubren las intenciones por las
que la sociedad está en un desequilibrio colectivo. Es decir, la artista cree en la fuerza de sus
proyectos y el de las personas dedicadas a ello, no importando el género. Lo primordial para ella
son los contenidos.
Yasmin Hage
56
Historia de una piel. 2004. Por Yasmin Hage. (Fotografía # 13)
57
4.1. Especialistas
Carolina Pineda hace alusión al contenido de los mensajes por la referencia de los contextos
autobiográficos de las creadoras. Determina que esa fuerza de los textos que provocan dependerá
de lo involucrado que se esté en los sistemas artísticos. Hace referencia con ello a la lectura y
aceptación de las obras. Justifica también la implementación de las teorías utilizadas en
discursos pasados o ya establecidos. Valida esas teorías como un respaldo de las investigaciones
para producir o subvertir los discursos. Determina que las obras deben valorarse, no por quien
sea el o la autora, sino por lo creado. A eso incluye que aunque se revelen ciertos sesgos de
género los proyectos no deben degenerarse o discriminarse. Acierta que la crítica generada a los
sistemas sociales es el objetivo del arte contemporáneo, desestabiliza. Cuestiona si esa rama de
expresión debiese considerarse como arte, como filosofía o como política. Son tales
controversias las que determinan la relación del arte conectada a la sociedad.
En cuanto a la conciencia que genera la crítica a través del arte, Rosina Cazzali afirma que este
sí es escuchado aunque no profundizado. Destaca la falta de documentación o espacios para la
presentación de proyectos de esta índole.
En referencia al dolor provocado por las propias artistas, afirma que de por sí el cuerpo está
considerado político. Cree en que utilizarse a ellas misma es generar otra perspectiva de la
realidad. Se basa en que el impacto debe respaldar la situación, estudiarla y por último crearla. A
través de ello hay personas que llegan a identificarse con cada obra, eso depende de su interés
hacia ello. Establece que todo influye, que el arte habla e incide Así como puede influenciar
también puede confrontar. Depende de cada quien para interpretar los mensajes. Por ello
fundamenta que el arte sí genera opinión porque demuestra autonomía de las creadoras. Siempre
y cuando cada quien se apropie de lo aceptado o no por sí mismo. Es así como detecta a las
Carolina Pineda
58
mujeres en un lugar importante como agentes generadoras de opinión. Las cataloga por su
fortaleza de contrarrestar las ideas tradicionalistas. Eliminan, en su mayoría, los niveles estáticos
y convencionales de las formas de expresión artística. Propone captar la atención a los proyectos
de arte y el impacto, social como artístico, de las creaciones femeninas.
Rosina Cazzali
59
4.2. Resultado del cuadro de cotejo (ver anexo #14)
Entrevista realizada a las seis mujeres artistas destacadas por sus técnicas y elementos
implicados con su profesión. Cinco de ellas nacidas en Guatemala y una en Nicaragua. Todas
alimentadas con la cotidianeidad guatemalteca. La manifestación de sus mensajes se desenvuelve
en los patrones representativos dentro de lo que desean transmitir.
Se les sitúa dentro del mismo rango temporal debido a que cinco de ellas (excepto Paula Nicho)
nacieron en los años 70´s. Su campo laboral se desarrolla en el arte contemporáneo. Cada una
integra elementos que representan la esencia que las caracteriza.
En cuanto al área de Performance, Regina Galindo cree que el lugar de donde se proviene es un
motivador principal con que destacar las necesidades, debilidades y desbalances sociales para
plasmar los mensajes. Esto debe enmarcar el contexto de donde se es originario sin negación a la
vida alrededor de cada quién. En el arte se pueden reflejar las situaciones sociales que crean
perspectivas indicadoras. Cita que la creatividad junto a la propuesta artística no es obstáculo
para quién se le apetezca introducirse en el campo. Todo el trabajo al que se acuda depende de la
sociedad en la que se desenvuelva. Para Regina la disponibilidad guatemalteca es restrictiva
como dominante. Así que a través del arte promete la creación de mensajes que enfrenten la
represión del país.
En sus obras ella realiza la composición de elementos que implican el desacuerdo a la
sistematización del país. Como explicó anteriormente “Los de arriba viven ligeros y los de abajo
que carguen el peso del mundo y que se jodan”. Se destaca como una mujer establecida en un
punto exacto para continuar demostrando las realidades desde otro enfoque. Para ella, la posición
de “los de abajo” es para ser visto y escuchado por “los de arriba” tratando de concientizar
mediante la divulgación de tales mensajes. Ella considera que aplica la intención como personaje
guatemalteca, no solo como mujer.
Jessica Lagunas hace referencia que la formación académica y las experiencias de vida son un
complemento hacia donde se pretende dirigir. Aunque no es el todo, pero le permite tener a la
disposición libertades que más tarde generan contenidos artísticos. Se tomaron en cuenta algunas
de sus obras de performance. Realmente en esta estancia artística contemporánea su dedicación
60
es multidisciplinaria. “Creo que no me interesa representar o copiar una realidad literal. Me
interesa criticar o comentar acerca de la sociedad donde vivo, de lo que veo y de lo que siento”.
Jessica tecnifica aspectos con la aproximación estética de la crítica social. Aplica su propio
lenguaje legible para el público espectador. Ya que la convivencia de los públicos con las obras
definen la capacidad de expansión de la pieza. Los contextos los maneja con el concepto de
transmitir una intención. Para la artista implementar los contextos depende de muchas cosas
como: los temas junto con su especificidad, el espacio de exhibición (en la calle o en una
galería), las actividades que se desarrollen en base a la temática de divulgación y la interacción
del público.
Lagunas describe que la fuerza del arte se cataloga como el vehículo del contenido. El público es
quien descifra lo que se le presente como proyecto artístico. “Me interesa expresar mi opinión
sobre ciertos temas que luego puedan tener lecturas más universales”. Por ejemplo, la artista
concreta que en los sistemas sociales la debilidad se inclina hacia la mujer en sociedad y la
opresión a la misma. Es por ello que sus trabajos exponen el trabajo diario que la mujer invierte
en agradarle a la sociedad para ser aceptada.
En concordancia con Regina Galindo, declara que el género no le da valor o desvaloriza el arte.
Son las oportunidades.
María Adela Díaz manifiesta estar apartada de un estilo específico. Se considera a sí misma
perteneciente dentro de una categoría más amplia: El Arte Contemporáneo. Concreta que los
mensajes están involucrados dentro de los contenidos. Cree en la fuerza del arte y del contexto
que le acompaña. “La obra de arte es un conjunto de discursos paralelos que pretenden abrir un
diálogo con su público”. Fundamenta que las representaciones dentro de este campo tienen como
base el lugar donde la persona convive desde temprana edad. Indica la importancia equitativa
tanto en la forma como lo que diga dicha forma. Manifiesta la capacidad de recepción del
público y la manera en que estos pueden adueñarse de los textos transmitidos. Asegura (la
mayoría) que cómo sean recibidos los contenidos está fuera del alcance del artista. Demuestra la
capacidad con que el arte se entrelaza en los discursos. En proyectos artísticos se logra
involucrar, analizar y representar aspectos políticos, económicos así como cuestiones de carácter
social. Asegura que el peso de los significados generados es gracias al arte.
Esta artista implementa contenidos en consecuencia a las situaciones político- sociales, como la
problemática heredada de la visión de género. En aspectos de su discurso ha encontrado barreras
61
por sus contenidos y por ser mujer. Cree que las ideologías manejadas no pueden estar en una
misma sintonía si no se logra entender primero los puntos del porqué de su expresión. Esas
manipulaciones no logradas fortalecieron la producción de arte con un mensaje para reflexión o
para despertar ideales.
En el área de pintura, Lucía Morán Giracca especifica el concepto de creación de mensajes a
través del arte es el estilo propio dentro de cada quien. Influye mucho el país donde se
desenvuelve para manifestar los conceptos. Según Lucía, Guatemala tiene una gran
representatividad en el resultado final de las piezas. El país está contenido en situaciones sociales
que pueden ejemplificarse mediante el arte. Cree en la influencia de los contextos. “Si sos
consciente, éste sin duda va a conseguir permearse en el trabajo artístico”. La artista le dirige la
valoración necesaria al contexto aunque este no sea simbólicamente primordial. Posiciona el
poder del arte como una cuestión no medible. La caracterización y representatividad de los
mensajes a través del arte profundiza los conceptos; se crea un impacto fortalecido por la
creación artística. Lo más importante lo otorga a la sociedad. Como generadora de opinión
refleja su descontento con los desequilibrios sociales, aún más sobre la aceptación de los mismos
sin cuestionamientos.
Cree en la capacidad de implementar herramientas como el arte para alzar la voz de la población
y generar reflexiones. La profesión de Lucía no le crea incapacidades ni obstáculos al momento
de expresar realidades. Se vale de su esfuerzo, constancia, y dedicación para trascender fronteras.
Por ello en sus proyectos maneja la combinación del color con la conectividad social. Permite
alzar la voz de situaciones que actualmente se encuentran en modo oprimido o marginado.
Paula Nicho se basa en su propia libertad para la creación de sus pinturas. Cree que el apoyo que
le ha otorgado su familia es una base esencial para continuar en el campo. Asegura que lo que se
vive y en lo que se trasciende es clave para transmitir contenidos sociales. “Me pone muy triste
la discriminación a la mujer y más si somos indígenas”. Exterioriza la preocupación de la
uniformidad en la que está sumergida la sociedad. Asegura que las mismas problemáticas que
suceden en un pueblo o ciudad pueden acontecer en todas partes del mundo. Reconoce que se
sega a las personas para crear realidades que no son. Refleja la diversidad junto a la equidad de
oportunidades. Manifiesta la búsqueda de crear simbolismos creativos a través del color y la
representatividad de los pueblos indígenas. Considera que el hecho de ser mujer no impide la
62
manifestación de mensajes. Indica que el participar en arte es para todos y no cualquiera tiene un
estilo que profundice. Según sus expresiones el arte puede decir mucho más de lo que se observa
a simple vista.
En el caso de Yasmin Hage no cree en los estilos artísticos, más bien la credibilidad se la otorga
a los contenidos. Toma en cuenta la descalificación social como ciudadanía individualista.
Demuestra su descontento con la fabricación de ideologías que dominan de manera horizontal y
vertical. Proporciona un valor agregado al espectador como a su experiencia de vida, ya que de
eso depende la interpretación que éste le otorgue a la obra. Según Yasmin “El arte es un sustrato
o soporte contra el cual se revelan los sistemas ideológicos y más sencillamente los sistemas
perceptivos de las persona… El espectador es el único que puede hacer vivir la obra”. La artista
caracteriza al arte como un proceso de lectura, una interfase entre el símbolo y los conceptos.
Explica que todo es objeto de estudio por lo que la voz femenina en su trabajo maneja un
concepto hecho por minorías para ser captado universalmente.
63
4.3. Resultado del análisis de las obras
Se analizaron las obras de cada artista elegida, siendo un total de 13 proyectos de arte, basadas
en cuatro categorías: formación, contexto-contenido, sistemas sociales y la voz femenina, que
relacionaran la intención discursiva social en los contenidos de sus trabajos.
4.3.1. PERFORMANCE
2.2. Regina Galindo
2.2.1. Análisis estructural
“Juegos de poder” (fotografía # 1)
La técnica implementada en esta obra es el performance. La temática que la artista
trabaja es el sadismo y la libertad condicionada en la sociedad.
Su composición está basada en la participación de un hipnotizador junto con la artista.
Galindo se deja hipnotizar para recibir órdenes inconcientemente. Aplica la imagen del
hombre, la mujer y el espacio a la participación del público.
Utiliza símbolos que representan el poder acaparado por el hombre con la fuerza
necesaria para no ser enfrentado. Aplica también la idea de la mujer como un ser
obediente, sumiso e incapaz de defenderse. Se acompaña de personas involucradas que
solo observan sin interferir. Con ello hace la relación de la manipulación a la población.
La manera en generar la sumisión en las personas para no desequilibrar una estrategia
de vida ya formada. Demuestra la incapacidad de hacerle frente a lo que se observa y no
se está de acuerdo. Implica las injusticias sociales vistas desde un punto de fuerza
contra masa débil. Es así como estructura denuncias en contra de la manipulación.
Realza la sed de dominio de los interesados por crear utopías. Así mismo pretende dejar
en cuestión a aquellas personas que presencian los abusos y prefieren callar.
Con una acción tan simple de recrear una hipnocis que condiciona las actitudes generó
un gran significado. Trasciende más allá de obedecer órdenes. Capta la realidad sobre
las libertades condicionadas. Representa todas aquellas prácticas perversas para orpimir
64
la verdadera realidad. Cuestiona los monopolios incapaces de ser disueltos. Busca
genrear democracia y justicia.
“Limpieza social” (fotografía # 2)
También utiliza la práctica del performance. La temática que trabaja en esta obra son las
verdades atacadas y silenciadas.
En este proyecto la artista desnuda contra una pared es rociada con agua proveniente de
una manguera a presión.
Hace noción de la crítica al poder y de la pasividad con que se identifica a la sociedad.
Desea contrarrestar esa debilidad inyectada que genera esclavitud en la toma de
decisiones colectivas. Hace un llamado de reclamo por la desigualdad de derechos.
Representa la inconformidad del ejercicio del poder como la solución para encaminar a
la sociedad. Genera así la denuncia contra los sistemas negativamente establecidos.
Crea la analogía por todos aquellos a los que se les priva de decir la verdad. Confronta
la intención dominante por mantener las ideologías. Es una manera directa e indirecta de
expresar la cegera social causada por las estructuras de poder.
En sus contenidos hace uso de la fuerza y la debilidad impuesta. Busca con ello explicar
el control que opaca la liberdad de expresión al que debe atenerse la sociedad si no toma
el valor necesario para contrarrestarlo.
2.2.2 Análisis fondo
Maneja el discurso sobre el arraigo a los pensamientos tradicionales sin ser estos
enfrentados. implementa los símbolos de poder en el hombre contra la mujer, siendo el
primero la figura dominante. La intención de relacionar el arte con la comunicación,
según las obras, implementa acciones para denunciar para así generar mayor impacto.
Estos mensajes confrontan para provocar reacciones, logrando un intercambio recíproco
de información. Este tipo de arte es utilizado para impactar; aplica la denuncia indirecta
a través de la creación de pequeñas historias establecidas en ese momento pero
representativas de acontecimientos pasados o actuales.
65
2.3. Jessica Lagunas
2.3.1. Análisis estructural
“Para besarte mejor” (fotografía # 3). “Para acariciarte mejor” (fotografía #4). “Para
verte mejor” (fotografía #5). “Retorno a la pubertad” (fotografía #6)
La técnica implementada para estas cuatro obras es el video-performance. La temática
se dirige al reto a estereotipos.
En las primeras dos obras se aplica maquillaje de ojos y labios continuamente por una
hora; en la tercera utiliza la pintura de uñas para acabarse el contenido durante dos
horas. En la cuarta se depila con pinzas los vellos del pubis.
Busca representar la belleza femenina impuesta dentro de la plasticidad. Satiriza la tarea
de las mujeres por sentirse como tales. Exagera dichos rituales que buscan como
patrones estereotipos de identidad. Se refiere a la modificación de los cuerpos como
demostración de la seguridad que ivolucra pertenecer al género. Identifica la
superficialidad en la que son absorbidas las mujeres.
Con la exageración de acciones cotidianas divulga indirectamente la facilidad con que
se manipula la sociedad generando deseos convertidos en necesidades.
2.3.2. Análisis fondo
Maneja el discurso de la manifestación de las actitudes femeninas por crear un sentido
de aceptación y pertenencia a la sociedad, adaptándose a estilos impuestos. La
simbología hace conección al aspecto físico femenino modificado por productos o
actitudes a las que se someten contínuamente. La relación del arte con la comunicación
es que ésta técnica es para ser observada repetitivamente. Relaciona al público
espectador tratando de involucrarlos en las acciones. Ese mensaje se establece para
reaccionar ante visiones construídas. Rompe patrones de comportamiento al demostrar
las realidades como problema social. Su interés con el arte es hacer la conexión entre el
sentido crítico como estético. Realiza analogía de la realidad de las mujeres con la
realidad impuesta.
66
2.4. María Adela Díaz
2.4.1. Análisis estructural
“Para la superficie” (Fotografía#7)
Utilizó el performance con contenidos referentes a la opresión social. Permanece
escribiendo poesía durante una hora dentro de un tragante del parque central de la
ciudad de Guatemala. El público puede obtener los textos y llevárselos. Denuncia la
reclusión de una realidad en un espacio de contexto político.
Expone la inconformidad en la limitación de las libertades. Hace referencia al silencio
propagado para no romper estructuras dominantes. Demuestra la represión que ha tenido
la mujer en las distintas formas de expresión. Contrarresta la hegemonía mediante la
divulgación de frases que provocan discutir las acciones políticas. Evidencia la
imposibilidad de acceder o demostrar la verdad. Cofronta la mala utilización de la
información, que más tarde será traspasada como herencia cultural.
Demanda las relaciones de poder con jerarquías establecidas. Simboliza las estrategias
de manipulación, no solo sobre la mujer sino sobre la sociedad completa. Enaltece la
capacidad sobre el empoderamiento de los mensajes. para construir una colectividad
menos pasiva y más participativa.
“La carga” (fotografía #8)
Su técnica es el video- performance conceptualizando a las mujeres en la lucha social.
Presenta a una mujer cargando a su hija desnunda durante 3 horas. Recorre montañas,
caminos en subidas difíciles, espacios desolados y desérticos.
En esta obra manifiesta los abusos ignorados que recaen sobre el género femenino en
distintos contextos. Aclara la intención de las mujeres por ser reconocidas como iguales.
Incluso busca determinar la presión de lucha independientemente de las imposiciones a
las que deban enfrentarse. Contrarresta con ello la imagen de incapacidad e inutilidad
asignada al el género femenino.
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2.4.2. Análisis fondo
Conceptualiza el silencio provocado por el machismo dominante. Emplea el valor
correspondiente a todas aquellas denuncias nunca escuchadas. Destaca la posición de la
mujer vista como desigual. Confronta la manipulación de estereotipos junto a la lucha
de ideales, valores y fortalezas que estas poseen.
4.3.2. PINTURA
2.5. Lucía Morán Giracca
2.5.1. Análisis estructural
“Aliento compartido” (fotografía #9)
En su técnica de pintura caracteriza la desigualdad de género. Utiliza la imagen de un
hombre y una mujer traspasándose el aliento uno con el otro.
Demuestra la intención de las palabras divididas por la jerarquía de género. Hace
referencia al propósito de obstaculizar acciones a nivel público y privado/personal.
Identifica la desigualdad en carácteres de género respecto al poder al que se aferra el
machismo.
Su inteción es representar la justicia equilibrando la posición de superioridad del
hombre y la mujer en un mismo peso.
“La que se hunde” (fotografía #10)
Se interesa en representar la opresión femenina a través de la pintura.
Muestra a una mujer manipulada por la mano del hombre. Destaca la opacidad y la
tristeza en la imagen. Por lo que distingue la subyugación hacia las mujeres para así
mantener las posiciones de poder en diversos ámbitos. Esa es la intención, evitar incluir
nuevas perspectivas de vida para no desestabilizar las posiciones dominantes.
68
Intenciona la equidad de género a traves del color. Denuncia la lucha por generación de
oportunidades evitando los privilegios desiguales. Aplica el cambio de perspectivas para
valorizar al género femenino en la sociedad.
2.5.2. Análisis fondo
Maneja el discurso del poder heredado lo cual da como resultado la opresión a la lucha
por los derechos. Involucra los conceptos de manipulación, sobre todo de carácter
machista. Morán presenta modelos que han deformado la imagen que se tiene del
hombre y la mujer. Define las perspectivas de género junto al enfrentamiento por
mejorar la posición equitativa de ambos dentro de la sociedad.
2.6. Paula Nicho Cumez
2.6.1. Análisis Estructural
“Liberación femenina” (fotografía #11)
Utiliza la pintura aplicada en la temática de independencia femenina.
Como imagen identifica a una mujer indígena, con alas, volando con más mujeres
indígenas y aves blancas
Devela la fuerza de la mujer como sujeto independiente. Conceptualiza la impresión que
pueda causar la liberación femenina dentro de sociedades machistas. Derroca los
tradicionalismos culturales a través del juicio, valor y generación de nuevas visiones.
Representa la libertad individual para convivir en colectividad equitativamente.
Manifiesta la libre potestad en la toma de decisiones para contrarrestar influencias
dominantes.
Motiva a buscar la libertad aunque se deba enfrentar a conceptos arraigados y
tradicionalistas. Determina la pasión visionaria de descubrir la otra cara de la realidad
no presentada. Promueve la lucha en contra de los señalamientos por manifestar ideas
que permiten abrir fronteras. Destaca que se genera esa fuerza femenina por buscar y
producir oportunidades en cualquier edna, raza o religión.
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“Cruzando fronteras” (fotografía #12)
En esta pieza implementa conceptos de libertad a través de la pintura.
Presenta de nuevo a una mujer indígena volando, ahora dejando sus sandalias tiradas.
Demuestra el destino buscado para desligarse de las injusticias sociales. Identifica el
interés por encontrar la vida ideal fuera del contexto de desarrollo. Establece la fuerza,
en este caso de las mujeres, por descubrir nuevas oportunidades. Con los contenidos se
refiere a obtener experiencias distintas a las vividas. Para Paula en sus pinturas devela
que aunque se evada el pasado las raíces se apropian del alma de cada perrsona. Incluso
se le da la espalda al propio contexto y se desprenden parte de las tradiciones.
Por lo que ese apego a la tradición cega las oportunidades. Es así como la artista
implica a la mujer indígena con la suficiente motivación, capacidad y acción para
fortalecer la crediblidad de su idoneidad con igualdad de derechos. Su deseo es
representar la posición a la que el pueblo ladino e indígena están apegados.
2.6.2. Análisis fondo
El mensaje que genera es la capacidad de autorrealización sin dependencia a alguien
para cumplir metas, en especial la mujer. Explica el desencadenamiento a las actitudes
de encierro y opresión social. Debate a través de la pintura contrarrestando
tradicionalismos culturales. Acude al impacto por enfrentar esa cultura tradicionalista,
junto al arte expresado por una persona heredada de esa cultura. Demuestra la posición
en la que está sumergida la cultura indígena por la posición que le ha otorgado la visión
dominante. Así también romper esa conspiración de prisión social en el género
femenino indígena.
2.7. Yasmin Hage
2.7.1. Análisis estructural
“Historia de una piel” (fotografía #13)
Esta obra tiene representación en el dibujo. Utiliza como contenido el pesar de la
historia y de las raíces.
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Presenta la figura entrelazada de un cuerpo grande con trazos fuertes, al fondo, junto a
otra más pequeña con trazos más finos, al frente. La vista de ambas dirigidas en
distintas posiciones.
Conceptualiza la representación de las raíces sostenidas como una sombra. Utiliza la
fuerza del dibujo para evitar sumisión en diversos aspectos dentro de la sociedad. Esto
determina la intención de la mujer por cambiar sus bases históricas a las que está
sometida. Promueve las capacidades para implementar nuevas visiones. La artista
representa la independencia femenina que la cual es siempre reglamentada y suprimida
por los contextos creados a través de la historia o por el pasado que le rodea.
Implica que no necesariamente se debe vivir bajo los regímenes del pasado. Cada época
permite sumergirse en el conocimiento respecto a las circunstancias; aunque muchas
veces la historia hereda el placer del poder que ciega las realidades. Las características
surgen en un choque de ideales y visiones distintas a lo aceptado regularmente. En este
caso ejemplifica el pasado versus el presente. Cómo se entromete la lucha por
“equilibrios” sociales respecto a lo actitudinal de cada persona.
2.7.2. Análisis fondo
Discursa el aferramiento al que se aprehenden las actitudes estrictamente establecidas.
La costumbre de obediencia sumisa. Establece conceptos como el miedo al
enfrentamiento de culturas. La capacidad intelectual de personas dentro de la sociedad
para liderar masas y el de otras para contrarrestar ese dominio. Manifiesta el concepto
de una forma más real porque el mensaje se convierte en el contenido primordial de la
denuncia a través del color y la forma. En este caso critica a las culturas arraigadas a sus
raíces que siguen en el retroceso junto a la manipulación.
71
3.4.Resultado de análisis del discurso
La interpretación de los contenidos del arte es generada mediante el vínculo de elementos
compuestos por situaciones sociales. Esa capacidad artística de promulgar la crítica a las
intenciones dominantes permite construir discursos generadores de opinión y reflexión. En esta
investigación se tomó la decisión de analizar el discurso social de artistas guatemaltecas
dedicadas al área de performance y pintura. La intención fue captar el trabajo de mujeres que se
permiten dialogar y criticar los sistemas a través de sus proyectos.
Los discursos de las artistas se distinguen según su técnica, el espacio utilizado o temporalidad,
pero principalmente por la intención. La dirección a donde son sesgados los mensajes implica la
conjunción de características que proyectan mediante las obras. Tales características centralizan
la visión del arte relacionado con la sociedad.
Para este tipo de análisis se tomó en cuenta la participación del Análisis crítico de Dijk. Se
recurre al aporte de Fenomenología de Husserl que contribuye a la reducción de apariencias que
permiten replantear las visiones de la realidad y crear lo trascendental.
Para poder enfrentar conceptos superficiales ante los contenidos internos se generó la opinión de
las artistas para ser combinado con el análisis de sus obras. A los elementos a los que se les
otorgó prioridad fueron a su formación como profesionales, su intencionalidad de los contextos y
los contenidos, la propuesta hacia los sistemas sociales y su participación femenina.
3.4.1. Formación
Cinco de las seis artistas (excepto Paula Nicho Cumez) nacieron en los años 70´s por lo
que su visión se sitúa dentro de la misma temporalidad. De distintas maneras fueron
percatando las situaciones sociales. Todas tienen en común la intencionalidad de
diferenciar la realidad impuesta y la visión arraigada mediante la creación de arte.
3.4.2. Contexto y contenido
Las distintas formas de expresión artística materializan concretamente hechos de la
realidad social. Por ejemplo, en Performance Regina Galindo expresa a través de su técnica
una crítica social dura. Son conceptos que se interiorizan, se deben cuestionar y luego dar
una opinión. Es un trabajo que tiene fuerza y decisión En sus obras su cuerpo es el
72
protagonista de las acciones. Recurre a ella misma para crear la expectativa del mensaje.
En el caso de las obras analizadas, en “Juegos de poder” se deja hipnotizar para obedecer
inconscientemente lo que se le ordene. O en “Limpieza social” ella desnuda contra una
pared, se permite ser atacada con agua a presión expulsada de una manguera, similar a la
que utilizan en las protestas para calmar a la población. Estas intenciones llenas de
significado magnifican la reflexión de la debilidad impuesta ante el poder establecido
como incuestionable.
Así mismo Jessica Lagunas en sus video-performances utiliza la exageración de elementos
para criticar el papel de la mujer. Socialmente hablando, la mujer obtiene una posición en
su entorno de acuerdo a ciertos potenciales. Dichos potenciales se intensifican según
imposiciones o normativas de patrones de género. Ella trabaja la cultura de superficialidad
que se maneja para distinguir la calidad asignada respecto al género femenino.
Para Díaz Guatemala es un gran formador de perspectivas y conceptos. El desarrollo
dentro del país implica darse cuenta de muchas realidades duras o hasta crueles. La artista
reúne sucesos de injusticias sociales a las que envuelve en el enfrentamiento a temáticas
socio políticas. Sus contenidos derrocan a los laberintos que tapan la verdadera realidad.
Genera la crítica a la forma en que las herencias sociales continúan deformando a la
humanidad. Es así como María Adela estimula la investigación y demostración a través del
arte. La posición del poder al que se le sigue incubando al que se respeta sin
cuestionamientos.
Lucía Morán Giracca está envuelta en los contenidos que aplican la visión de los géneros.
Se centra en técnicas de color, formas, tonalidades y manejo de trazos. Ejemplifica las
figuras del hombre y la mujer en situaciones distintas pero que aplican el mensaje de
posiciones sociales o equidad. Con los títulos “Aliento compartido” y “La que se hunde”
emerge la intención de demostrar el contenido por medio de la crítica a la manipulación de
roles.
Paula Nicho Cumez emplea características arraigadas a lo típico de su tradición pero con
una visión completamente diferente. Se concentra en plantear la libertad en cuanto a
independencia, participación ciudadana, aceptación equitativa de género y la
multiculturalidad. Destaca características planteadas como sueños que representan
73
conceptos implícitos de situaciones sociales. Sus pinturas tienen un nivel de complicación
que genera un tiempo prolongado para su interpretación.
Yasmin Hage caracteriza en sus dibujos y pinturas la fuerza con la cual son maniobrados la
mujer, el poder, el incremento de autoridad y el uso de la misma. Con los trazos, el manejo
de luz o sombreado otorga importancia al ritmo de la pieza. Es mediante ello que acentúa
cada espacio permitiendo la concordancia entre el dibujo con cierta crítica a la vida
establecida a través de la historia.
3.4.3. Discursos sociales
El discurso social que Regina Galindo propone se dirige hacia la invisibilidad provocada
por la manipulación y la gestión del poder en la sociedad guatemalteca. Identifica la
creencia adquirida respecto a la manera no cuestionable de lo presentado. Denuncia la
debilidad con que se enfrenta a los considerados superiores o mandatarios sociales. Aplica
la denuncia indirecta de la herencia cultural respecto a la posición de la mujer frente a la
del hombre, en cuestión de obediencia y control. Representa la ceguera que genera el
sistema verticalmente establecido.
En cuanto al discurso social de Jessica Lagunas éste se concentra en relacionar el sentido
crítico con el estético hacia las actitudes femeninas. Propone temáticas para crear
reacciones sobre la desesperación por la aceptación y pertenencia a la sociedad,
adaptándose a estilos impuestos. Plantea analogías de los roles de las mujeres contrastados
con la realidad. Con ese discurso pretende romper estereotipos de la belleza externa
mediante la exageración de acciones. Tal exageración implica la subestimación que se le
da a las imposiciones sociales más que a las propias creencias. Así mismo, la
generalización de estereotipos actitudinales y conductuales a los que se evocan las visiones
obligadas e impuestas a la sociedad.
María Adela Díaz establece en su discurso social la capacidad de lucha que realiza la mujer
para ser reconocida dentro de la sociedad, a pesar de las barreras. Manifiesta el silencio
provocado por la supresión implantada. Denuncia la posición de la verdad oprimida
enfrentada por la protección y defensa de los ideales buscados. Expone esa lucha femenina
con el objetivo de romper silencios. Propone darle el valor correspondiente a las denuncias
74
nunca escuchadas, a la posición de la mujer vista en una jerarquía desigual. También
declara la manipulación de estereotipos de comportamiento junto a la lucha de ideales,
valores y fortalezas que estas poseen.
El discurso de Lucía Morán Giracca descubre el poder que emana la fuerza por la lucha de
derechos. Aporta contrarrestar la fuerza y poder que han resultado del machismo.
Contrapesa el absolutismo heredado socialmente. Caracteriza la deformación de la imagen
que se tiene del hombre y la mujer. Determina que las estructuras de los patrones culturales
forman modelos falsos con la intención o fuerza necesaria para ser adaptados. Define las
perspectivas de género con los errores que se pueden llegar a cometer por aferrarse a la
historia. Critica para mejorar la posición de los géneros en aspectos equitativos
socialmente.
Paula Nicho Cumez, en su discurso social, desenvuelve significados de la capacidad de
autorrealización e independencia. Resalta la fortaleza por romper los obstáculos e incluso
hasta dejar parte de las raíces para lograrlo. Promueve el desencadenamiento a las actitudes
de encierro y opresión, no importando raza, etnia o género. Debate a través de la pintura la
confrontación a las culturas. Así mismo, confronta la posición en que está sumergida la
cultura indígena y a las actitudes arraigadas a las que se aferra. Así también romper esa
conspiración de prisión o tensión social en el género femenino indígena.
Y por último, el discurso social de Yasmin Hage está contenido en el aferramiento
aprehendido por actitudes estrictamente establecidas. Libera conceptos de la costumbre de
obediencia o sumisión de lo incorrecto. Contrarresta al machismo así también declara la
existencia de la capacidad intelectual para confrontar los pasados. Critica las culturas
arraigadas a sus raíces sin mejorar. Pretende anular las bases malintencionadas que han
quedado arraigadas para facilitar el manejo de masas y de los patrones de comportamiento
con la función de género.
3.4.4. Noema
Un discurso social va a depender de los elementos que lo conformen. Tanto las artistas de
performance como las de pintura utilizan estructuras y elementos diferentes, dando como
75
resultado discursos similares. La aplicación de los componentes de las piezas está
integrada en la complejidad de sus significados.
El concepto de Noema se fundamenta en una percepción más objetiva, en las primeras
impresiones, sin llegar a profundizar al máximo. Evoca a la imagen física más no a su
contenido implícito.
Por ello, dentro del Performance las artistas mismas son casi siempre las protagonistas. En
ello se basa, en la expresión del arte recreando escenas y hechos que evocan a situaciones
de la realidad o de los entornos.
Para un público que no esté preparado a la emisión de mensajes de una manera alternativa,
las obras de Regina Galindo llegan a impactar e incluso a ser chocantes por el sentido en el
que ella se dirige. Aplica elementos tan sencillos como una manguera, ella desnuda o ella
hipnotizada. Como noema las obras de Regina hacen la relación a sus significados. Sin
entrometerse en él, la superficialidad como la objetividad de sus obras establece la
representación de actos planificados. Sus estructuras se basan en representar la intención
entre la fuerza y la debilidad. Así mismo la facilidad en que se presiona, domina y
condicionan las libertades sociales y de género.
Jessica Lagunas también se basa en la simplicidad de sus elementos los cuales conllevan a
grandes connotaciones. Emplea recursos como pinzas, maquillaje o partes del cuerpo de la
mujer. La objetividad para describir la noema en sus piezas es que recurre a la
representación de la mujer. La realización de actividades que han sido impuestas para la
creencia de la feminidad.
María Adela Díaz en general busca aplicar procesos distintos. Recurre a mayor
complejidad en sus elementos y más simplicidad en su significado. Pero sus connotaciones
también son caracterizadas en cuestión de impacto social. Utiliza poesía escrita por ella,
máquinas de escribir, a una niña en brazos o caminos montañosos para su desarrollo. En
cuanto a noema de Díaz la intencionalidad está enfocada en las condiciones del peso y la
lucha femenina. Así como de la expresión conjugada con la libertad de pertenencia e
involucramiento equitativo en las sociedades.
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En la pintura la implementación de los elementos se basan en el color, las formas, figuras,
iluminación, entre otras características.
Lucía Morán Giracca involucra elementos con cierta intencionalidad sesgada al arte
figurativo. Se distinguen los personajes con algunas deformaciones que comprometen la
intencionalidad final del mensaje. Contempla involucrar temáticas de género. Hace notar
en la noema de sus obras la posición de superioridad del hombre frente a la mujer.
Pretende direccionar esa visión a la equidad de género así como de oportunidades en cada
sociedad.
Paula Nicho Cumez se establece más en la técnica surrealista. Identifica sus visiones de la
realidad en los colores y en el esteticismo. Transforma la pintura en un recurso que permite
adentrarse en la suplantación de la realidad por un sueño. Sus temáticas abordan la relación
de su cultura con los distintos contextos. La noema de su trabajo manifiesta la
intencionalidad de género, en especial de las mujeres indígenas. Ejemplifica la necesidad
de volar a nuevos rumbos, la libertad y la capacidad de permanecer de pie en situaciones
difíciles o a lo que tenga que enfrentarse la mujer indígena.
Por último Yasmin Hage complementa sus elementos en el dibujo – pintura con finalidad
de demostrar la fuerza de un significado más de la obra como tal. En su noema especifica
la capacidad de distinción de género dirigida en una misma dirección. Complementa a su
objetividad la distinción en los comportamientos por las imposiciones sociales.
3.4.5. Noesis
Noema se refería a la superficialidad de la obra evocando la primera impresión. Por tanto,
noesis refleja lo trascendental. El significado como resultado de lo difundido, creando
reacciones para la creación de discursos y reflexiones.
Entre los performance y las pinturas de las obras analizadas se reconoce el enfrentamiento
a la opresión, a la libertad desproporcionada así como al sadismo reconocido e ignorado.
Buscan demostrar la situación arraigada a la tradición que domina a las personas. Debaten
para evitar el silencio en el que están sumergidas las sociedades.
77
Son denuncias al manejo monopolizado del poder, de las jerarquías y del cumplimiento de
los derechos. Crean y recrean mensajes que involucren la protesta a la representación del
género débil contra el fuerte. Por herencia cultural siempre fue la mujer la manipulable y la
que debe ser controlada en sus acciones. La debilidad que las obras representan se dirige
también a la de las poblaciones.
Buscan detonar reacciones. Develar la igualdad del posicionamiento de género tanto para
los hombres como para las mujeres. El propósito es permitir a todos los espectadores de
los proyectos el empoderamiento de la información. Para las artistas la sociedad no es solo
de unos. A través de las obras declaran una sociedad de todos y para todos.
Hacen notar la capacidad de las mujeres por luchar. Así mismo evitar los márgenes de
género. Confrontan el concepto establecido: la mujer como un ser débil. También rechazan
la opresión generada al momento de cuestionar las normas de la sociedad y como ese
cuestionamiento genera un castigo por intentar cambiar el rumbo social.
Se pretende romper el temor de mirar más allá de lo que se les presenta como la única
realidad. Por tanto también evitar decaer por los señalamientos de pertenecer a cualquier
Etnia, raza o religión.
Dichas representaciones sugieren despertar interés en las mujeres y en la población para
evitar el legado tradicionalista a la que el pueblo ladino e indígena se avoca. Determinan
desacuerdos por los seres más afectados. Aunque el hombre y la mujer convivan en una
misma sociedad cada uno está sumergido en sus propias creencias. Estas representaciones
artísticas señalan las problemáticas por la herencia del poder a las minorías.
Este tipo de arte puede considerarse conceptual por el hecho que las ideas otorgan el
significado a los elementos como a la técnica de la obra. Encaran el choque de ideales con
las visiones distintas a lo aceptado socialmente. En estos casos el poder versus la debilidad.
Luchan contra el establecimiento de patrones sociales en cuanto a la posición de género, la
dominación y la libertad de expresión.
78
Es así la puesta en común de las obras de las seis artistas. Todas discursan la crítica a los
sistemas mal equilibrados. Desde distintas perspectivas se identifica la intención de
estereotipos de género, la opresión, la dominación, la manipulación a los débiles, el poder
mal implementado, el apego al tradicionalismo, falta de oportunidades, absolutismo y
dificultad en la libertad de expresión.
Esta es una pequeña muestra de artistas que diversifican el manejo de la crítica y de
información. Distintas técnicas, discursos similares. Los objetivos de la técnica e
implementación de contenidos varían relativamente. Sus formas de expresión se direccionan
hacia el mismo camino: la lucha del arte por generar un discurso social.
79
5. DISCUSIÓN DE RESULTADOS
Las explicaciones teóricas del arte describen la creación de los mensajes en imágenes. Así
mismo, el traslado hacia la práctica está contenido en un impacto más atractivo. En esta
investigación se descubren huellas artísticas mediante la participación de las artistas creadoras.
Así también del involucramiento que se tiene con el espectador.
Tanto en el área de performance como de pintura, fue necesario determinar el mensaje mediante
un estudio profundo. Es indispensable involucrarse en los proyectos para captar la intención.
Todo se trata de connotaciones incluidas en cada detalle de los contenidos.
Se pudo determinar que el arte sí genera discursos por medio de diversas tendencias. Demuestra
que es un portador de épocas así como de situaciones que marcan sociedades. Para ello, tanto la
pintura como el performance, desencadenan las visiones sociales establecidas, ya sea como
crítica o por describir una era.
Ambas tendencias analizadas (performance y pintura) generan distintas sensaciones de lo que se
observa y lo que provoca. Son pretensiones contemporáneas que invitan al espectador a
involucrarse conceptualmente. Es decir, la apreciación se va más al significado que a la propia
estética de la obra. El impacto visual trasciende al psicológico aunque los dos aspectos sean
percibidos con intenciones distintas.
El impacto visual generado por el performance puede llegar a ser inmediato e impactante. La
acción performativa es planificada para realizarse en un instante determinado por lo que
controla los espacios con los tiempos. También puede considerarse como chocante o aceptado
dependiendo el contenido con el que se trabaje. La intención del papel artístico llega a implicar
un desacuerdo de ideales con las sociedades.
Los performances cuentan con una intención originaria y la conjugan con la crítica hacia la
misma. La creatividad con la que se manejan es la emisión de mensajes evitando el
tradicionalismo artístico. Por ello marcan esa división entre lo convencional y lo conservador.
Incluso se le califica como seductor porque puede ser una manera más atractiva para proponer un
mensaje concreto. Es impactante porque las representaciones son acciones que escandalizan y
80
reflejan las realidades en las que está sumergida la sociedad. Facilita así la captación del
significado incluso si no se planea conquistar la curiosidad de otros.
Las artistas de performance analizadas aplican un impacto visual que rompe con lo
convencional. Se colocan a ellas mismas como víctimas planificadas para representar los
contenidos. Es lo que mediatiza las intenciones de crítica social. La fuerza de sus connotaciones
está en la utilización de ellas mismas hacia el espectador. Por ejemplo, Regina Galindo no se
limita a mostrarse desnuda frente al público. Igualmente Adela Díaz utiliza a una niña desnuda
para crear conceptos que alertan las ideologías. Jessica Lagunas se modifica a ella misma para
motivar la introspección con la obra. Son todas esas características las que determinan el
enfrentamiento a las doctrinas sociales.
El impacto visual de la pintura tiende a ser más pasivo. Pero las formas, colores, la utilización de
los espacios y los tamaños esquematizan la importancia del significado. Su comprensión está
hecha para ser evaluada con más cautela por tener una apariencia estática. Aunque su contenido
se catalogó en un proceso evolutivo. La combinación de las temáticas críticas plasmadas sobre
un espacio determinado envuelve la dinamicidad de la connotación. Por ello el mensaje se basa,
más que en la belleza de la pintura, en el vínculo arte-contenido-artista.
En esta área sí se encontró más diferencia entre cada proyecto. Las obras analizadas son de
distintas corrientes. Por ejemplo, Lucía Morán implementa la desfiguración con trazos variados.
Siempre acomoda su significado crítico o enunciativo de realidades. Al contrario de Paula Nicho
quien define muy bien sus personajes aplicados a un estilo surrealista. Involucra significados
concretos dentro de imágenes que provienen del espíritu de la misma. En cuanto a Yasmin Hage
fue analizada en el área de dibujo. Ella impresiona de acuerdo a la expresión existencial de
épocas o temporalidad específica. Es el dibujo que está caracterizado como una técnica más
independiente a las corrientes.
En cuanto a la impresión psicológica es distinto lo que se ve y lo que se siente. Precisamente son
impresiones subjetivas porque cada persona interpreta significados distintos. Depende de las
experiencias o visiones de cada quien para crear percepciones de los proyectos presentados. Es
así como las artistas recurren a lenguajes similares pero realizados con intenciones distintas. Es
importante diferenciar lo que pretende la creadora y lo que percibe cada espectador. Esa
81
recepción está fuera del alcance de sus autores. Lo positivo o negativo de las críticas dependerá
del punto de partida para analizar cada detalle.
En el performance la intención psicológica desea llegar más que a la primera impresión. Se
catalogó en tres maneras: la primera impresión que es lo visual. La segunda impresión que es la
psicológica. La tercera es la impresión de interpretación. Estos son niveles determinantes para
involucrarse en este tipo de expresiones.
Los tres niveles en el performance son los impactos del arte. Por ejemplo, Regina Galindo,
Jessica Lagunas y Adela Díaz se interesan por la búsqueda de la impresión en la crítica de los
sistemas. Las obras de estas autoras otorgan un sentido de complicidad para denunciar ideales
sociales. Incluso, escandalizan y exageran acciones para amplificar su intención de ser
escuchadas. Es ese impacto de romper los convencionalismos o recrear realidades lo que
mantiene visible el significado final. El impulso de involucrar al espectador permite que se
apropien de la obra. Crear un sentido de pertenencia del arte genera mayor aceptación en el
público. Busca que queden presentes y conscientes los contenidos finales junto a la intención de
compartir lo que se siente.
La intencionalidad psicológica en la pintura es indirectamente trascendente. Se presta a ser
analizada con nuevos descubrimientos durante cada observación. Deja el mensaje estático para
que su significado trascienda en el ahora y en un después. Puede que sea la manipulación de
espacios, de colores, formas o sombras los que impacten en la primera impresión. En su nivel
más importante, el psicológico, se desliga de la excitación estética. Se priorizan las
características connotativas para la comprensión de la intención.
En el caso de las obras de Lucía Morán, Paula Nicho y Yasmin Hage las tres se desligan de la
simpleza del esteticismo. Buscan el impacto artístico mediante los contenidos y la intención que
estas generan. Las tres realizan constructiva e implícitamente sus significados. Cada una
establecida en una corriente distinta pero las tres identifican idealizaciones sociales en sus
mensajes. Involucran temáticas que confrontan los tradicionalismos formados. Como ejemplo,
Paula Nicho se desprende de la cultura arraigada en su contexto para motivar a romper los
prototipos de vida. Siempre de base toma en cuenta los sueños conectados a la profundidad de
sus sentimientos. Lucía Morán establece la distorsión de las formas con tal sentimentalismo que
crea significados excepcionales. Desligarse de la perfección le permite trascender con temáticas
82
de representaciones sociales. En su técnica se logra identificar el rompimiento de técnicas en la
pintura. Yasmin Hage mezcla la intención del ser con la búsqueda de sí mismo. Representa los
efectos socio personales que determinan las conductas en las poblaciones. Esa caracterización
psicológica introduce el involucramiento de los espectadores. Busca el interés en las reacciones
que una pintura o que un dibujo pretenda determinar.
Existe trascendencia de los mensajes entre la pintura y el performance. El público puede
interactuar en el momento de la realización del performance. Cuestión que, con el arte de la
pintura, la persona se le presenta un proyecto ya terminado. Con el primero el público participa
en el proceso, pero con el segundo participa únicamente en la proyección final. Esta observación
permite concretar que muchas veces los aspectos de la pintura pueden llegar a ser más
apreciativos que analizados. Contrario al performance que se puede interpretar durante su
realización.
Existe un mayor involucramiento del público durante un performance. Por lo que en este caso las
críticas a los sistemas se manifiestan con mayor fuerza. Eso no significa que la pintura sea una
propuesta débil en su contenido. Se mantiene la posición primordial de los sentimientos. En esta
investigación se descubre que la pintura promueve sus fortalezas por la calidad expresiva de cada
artista. La impresión viene desde dentro de las creadoras. Incluso con tendencias o corrientes
distintas dejan plasmada la finalidad. Esto se refiere a evitar ser vistas con simplicidad estética.
Es el resultado del uso de la libertad y determinación en el enfrentamiento a situaciones sociales.
Igualmente en el performance, la intención va más allá de la fusión de arte y artista. En las obras
analizadas se comprueba la capacidad de cada performance para despertar expectativas. Las tres
creadoras modelan escenarios sociales con elementos o contextos distintos. Eso sí, buscan la
creación de reacciones ante lo presentado junto a las nuevas perspectivas de ver la vida.
Cada forma de ver el arte es subjetiva. La opinión de quién investiga frente a la opinión de cada
artista puede disuadir. Se encontró en esta investigación que la significación encontrada en sus
obras es distinta en algunos casos con la analizada en los cuadros. Por ejemplo, en cuanto a los
obstáculos de expresión por cuestión de género no es impedimento. Incluso todas las artistas
siempre han sido apoyadas no importando el hecho de ser mujeres.
83
Es decir, se rompió esa presunción de que las mujeres tienen menos prioridad en el arte. Se
determinó que el enfoque de la pintura y performance, por el hecho de ser campo artístico, no es
intencionalmente discriminado. La libertad que en estas áreas se proponen permite aclarar
intenciones sociales. Incluso escandalizan realidades en una posición mucho más aceptable que
la publicada en algún medio de comunicación masiva.
Lo que sucede es que su objetivo es una señalización indirecta. No está descrita la problemática
tal cual. Se necesita de un análisis externo e interno así como contextual para retener los
mensajes.
Así mismo, se pretendía que las situaciones de vida de las mujeres artistas eran negativas por su
forma de expresar el descontento a los sistemas. En cuanto a las experiencias de cada una,
ninguna presentó algún motivo de incomodidad individual. Siempre se enfocaron hacia la
sociedad en su totalidad. La inconformidad es respecto a las intenciones del moldeo social por el
poder dominante.
Sí manifiestan la antipatía hacia la manipulación de las personas como masa. Reclaman a través
del arte el incómodo idealismo de vida. Refutan esa credibilidad incuestionable por todo el
pueblo. Incluso generan discursos socio políticos para motivar al enfrentamiento de la única idea
de la vida: continuar en el camino otorgado. La intención primordial es proporcionar las
herramientas para crear un paso propio sin causar desequilibrios sociales. Buscan la
determinación para evitar el silencio en las sociedades.
Es por ello que el arte investigado manifiesta actividades o situaciones de mujeres. Esto lo
dirigen no solo a ellas sino a la sociedad en general. Plantean mediante sus obras los
descontentos a los sistemas. Recrean realidades para disuadir la formación o cimiento social.
Esto implica que sí hay provocación y reproducción de discursos. La intención es refutar las
ideas heredadas para actuar correctamente en una sociedad. Esos mensajes sí trascienden y sí
provocan expectativas debido a que no es una simpleza comunicativa. Ya implican mensajes que
no únicamente especialistas de arte puedan entender. Sus mensajes van dirigidos a la sociedad a
la que se critica.
Es por ello que se fideliza el arte a la comunicación. La provocación de textos a través de
acciones realiza todo un proceso que involucra la búsqueda de envío y recepción de contenidos.
84
Es para que trasciendan mediante actitudes alternativas al habla, al escrito o al sentido visual.
Busca la identidad con el análisis de los mensajes transmitidos para generar opiniones
constructivas hacia lo propuesto. Evita la pasividad en la recepción de información. Es así como
el campo artístico implementa el diálogo crítico mediante comunicación diferente, llamativa e
indicadora de hechos de interés social y general.
85
6. CONCLUSIONES
Hay que tener en cuenta que el arte actual rompe con los patrones establecidos que se tenían del
arte tradicional. Por lo que la aceptación de las obras debe ser más que por la estética, por el
contenido final.
Muchas veces el arte está desvalorizado por romper los patrones de un arte “común y corriente”.
Por ello hay que tener un conocimiento previo de la obra presentada así como de la persona
artista para que se comprenda mejor el mensaje. Es difícil entender un trabajo artístico sin
conocer su contexto o las situaciones que le rodean y están detrás de la obra.
Así mismo, por mucho que se pretenda interpretar y comprender el objetivo de las piezas, es
difícil no distorsionar la idea del autor. Esto se aplica en cualquier especificidad, performance,
pintura u otras técnicas artísticas. Debido a que se involucra la subjetividad de cada receptor.
Las obras analizadas buscan contrarrestar los tradicionalismos así como la visión en cuestión de
género. Es a través de ello que denuncian descontentos sociales con los que generan contenidos
de análisis e impacto
Se dedujo que los elementos más comunes en los discursos artísticos sociales son igualdad,
equidad de género, crítica a los sistemas sociales, la discriminación, el papel de la mujer en la
sociedad, la manipulación del poder, la dominación vulgarizada y libertades condicionadas.
También la liberación femenina, el desacuerdo con la dominación en pocas personas, la falta de
empoderamiento de las decisiones y la privación de libertad de expresión.
En las obras de Regina Galindo se manifiesta la intención de reacomodar ideas, cuestionar,
confrontar a los sistemas y a todo lo que presione por el interés dominante. Busca los contenidos
sociales para documentarlos en acciones de performance. Se detectan propuestas únicas y
atrevidas. Tiene siempre un respaldo teórico que proporciona la fortaleza de sus mensajes. Son
trabajos muy distintos entre sí pero que se basan en puntos objetivos. Sus contenidos son críticas
sociales determinantes, estables, seguras en su totalidad de lo que emiten. La artista refleja a la
sociedad en un único recurso: su cuerpo. Puede incluso verse como masoquismo. Pero sus obras
son advertencias que su propio cuerpo representa el de todos.
86
Tanto en las obras de Jessica Lagunas como las de María Adela Díaz se genera el papel de la
mujer en la sociedad, la crítica a prácticas de los sistemas y las libertades condicionadas. No
demuestran simples manifestaciones ya que crean un compromiso trascendental en el actuar
social. Es la implementación de las acciones para alertar en contra de la vida creada. Generan la
imagen de la posible vida propia a la que se privatiza. Con ello, ejercen el poder permitiendo que
los espectadores se apropien de esa potestad por los derechos y por la vida propia. Aunque en la
primera impresión se detecta el papel victimizado, el análisis de ello otorga el significado real.
En cuanto a las obras de Lucía Morán y Paula Nicho manejan elementos que se refieren a las
libertades condicionadas, desarraigo a las culturas, así como situaciones de equidad de género.
Más que todo, Paula Nicho, denuncia esas normas sociales que retardan la evolución de las
personas como seres dependientes. Busca contrarrestar el apego a la discriminación por
pertenencia a las culturas. Exterioriza el peso de sentir y vivir diferente demostrándolo a través
del arte. Busca que este arte se expanda para concientizar en las situaciones sociales de ahora.
Destaca propuestas de inclusión, libertad incondicional, igualdad de estratos, razas y géneros.
Utiliza como punto de partida confrontar la propia cultura y evitar la herencia socio cultural. Su
técnica principal es proporcionar tanto la identidad personal como la social. Este es un tipo de
arte que no es de un contenido fácil de detectar por ser pintura que distorsiona la intención
primaria para tener un significado más concreto.
Así bien, Lucía Morán es un tanto pasiva en sus formas pero igualmente conceptualiza la
fortaleza en la lucha de género. Su distinción es que maneja la desfiguración para formar
significaciones de carácter defensivo a la equidad humana.
En cuanto a Yasmin Hage se detecta la presencia de las raíces y el papel de ser mujer en una
sociedad. Demuestra que siempre existe un pasado con el que se carga el resto de la vida.
Confronta la apropiación biológica con la apropiación social. La determinación de los estándares
de vida los desliga de la dependencia con la vida ajena. La fuerza de sus intenciones está
enraizada a las creencias pasadas las cuales han determinado la búsqueda de ideales actuales. Las
obras funcionan con la simpleza de su impresión pero con la complejidad de sus significados. Se
habla de significados porque la intención puede ser una, pero el sesgo que puede implementar es
diverso. Sus interpretaciones se tornan un tanto filosóficas. El contenido que respalda su
87
proyección final es bastante estudiado y sustentado. Demuestra la fuerza que puede generar los
textos que contextualizan las obras.
Todas las artistas manejan sus conceptos con sustento y bases teóricas. Sin ese estudio previo de
la información no podrían identificarse conceptos tan concretos en el arte de los proyectos
analizados. No es que todas se basen en los mismos textos, ya que cada una difunde distintas
opiniones. Cada quien determina sus bases de acuerdo a lo que desea transmitir.
Las artistas creadoras buscan declarar el poder del arte combinado a la fuerza de una mujer. Sus
manifestaciones no buscan la manipulación de masas ni de individuos. No se trata de obligar a
creer en el arte o imitar la crítica. Sí aplican contenidos para dar a conocer el empoderamiento
equitativo que cada ser debe obtener. Así mismo, revelan un liderazgo que sea reflejado en los
sentidos de cada persona. Es como se crea la idea que hay distinción de la realidad construida y
la realidad opacada. Por lo que se determina que tales expresiones artísticas son realizadas para
crear el nivel de individualidad y correspondencia hacia uno mismo. Tratan de generar opiniones
para evitar el silencio, la sumisión o el miedo que se tiene ante el poder. Con los proyectos de
las seis artistas creadoras se detecta que el poder no es motivo de sumisión. Tampoco es motivo
de manipulación. Más que influencia, es una denuncia para rescatar derechos y lo humanitario
que se ha desvanecido a través de la herencia sociocultural.
Se pudo encontrar que emplean la capacidad de poder positivamente. Si el poder siempre fuera
malo no existirían sociedades. La cuestión es involucrar el bien recíproco y la participación
colectiva. Dedican formas, colores, performances y espacios para decir que todas las personas
pueden ser líderes, siempre y cuando se capten las necesidades para ayudar mediante
propuestas-soluciones hacia la sociedad a la que se pertenece.
A pesar de corresponder a una sociedad apegada a los tradicionalismos deciden romper con las
perspectivas de la realidad que ha sido heredada y deformada. Defienden a través de la acción
del performance o del color, criterios considerados de vital importancia para ser transmitidos a la
sociedad. Realizan trabajos representantes de su identidad como mujeres desarrolladas en
Guatemala, en diversos ambientes que conllevan a visiones similares
88
Se presenta la similitud que Guatemala es una cuna de contenido la cual permite generar
mensajes con intenciones sociales. Así mismo las experiencias de vida junto al lugar de
desarrollo son elementos clave para crear enfrentamientos a través de la expresión artística.
La crítica que estas seis artistas realizan es contrarrestar la conducta que se ha llevado a cabo
generación tras generación. Luchan por descubrir las desigualdades hacia la mujer en el ámbito
social. Así también la lucha que el género femenino ha tenido que enfrentar a través de la
historia por romper barreras impuestas por el simple hecho de ser mujer.
Las seis defienden su visión a pesar de que algunas encontraron obstáculos para presentar sus
obras. Eso es lo que les provoca más fuerza en su camino, no rendirse solo por ser rechazadas en
algún espacio. La motivación es ser escuchadas para que la gente tenga un sentido más amplio de
la verdad.
El esqueleto de todas las obras es la libertad pura con la que se planifica la emisión de los
conceptos. Evocan a situaciones pasadas, las relacionan con el presente y es así como determinan
la importancia de la actualidad junto a la transición con el futuro.
La intención de las obras analizadas es crear reacciones tomando vías alternativas de crítica a los
sistemas sociales. Comparan lo considerado como real o correcto frente a todas aquellas
injusticias que deterioran la legitimidad humana.
Los proyectos no se quedan en la superficialidad de la primera impresión. Construyen estructuras
dialógicas que buscan la reflexión, comprensión y empoderamiento de la libertad de expresión.
En los discursos podría identificarse la similitud en el manejo de conceptos de crítica y
cuestionamiento social. Se detecta que Regina Galindo y Yasmin Hage conjugan en el sistema de
aplicación de métodos. Proyectan nuevas ideas sin darle continuidad a proyectos anteriores. Se
mantienen en constante renovación e investigación de distintos casos. Ambas contrarrestan las
herencias culturales. Se asimilan en la falta de confrontamiento constructivo hacia las bases
sociales injustamente establecidas. Así también crean el contrapeso hacia lo arraigado de las
culturas y patrones de comportamiento.
Las obras de Galindo y Hage buscan el empoderamiento individual hacia la toma de decisiones.
Generan la búsqueda de acabar con la ceguera con la que se desarrolla a las sociedades. Su
89
discurso artístico social aplica la manifestación de la participación social como individuos
iguales, con capacidades distintas, con posibilidades de aportar al crecimiento personal y
colectivo.
Se diferencian Jessica Lagunas y María Adela Díaz. Las obras de estas dos artistas involucran las
situaciones más apegadas al papel femenino. Concuerdan en sus perspectivas aunque no
mantengan significados igualitarios. Ambas sí detectan características femeninas que representan
tanto en crítica como para realce. Implican las intenciones de la creación de la imagen de la
mujer desde distintas perspectivas (personales o ajenas).
Lagunas sostiene la posición crítica hacia las prácticas a las que se apegan las mujeres. Al
contrario de Díaz la cual realza la categoría mujer. Es decir, pretende aumentar el valor de las
actividades que realizan las mujeres día a día para poder sobrevivir en distintas sociedades.
María Adela Díaz ha manejado la objetividad femenina con un gran impulso. La ha llevado hasta
colocarse a ella misma dentro de una caja, dejándose llevar por el mar. Esa búsqueda de nuevos
horizontes en el performance permite que los mensajes sean más escuchados. Díaz trabaja de
manera única y distinta a los performance de Jessica Lagunas y Regina Galindo. Las obras de
estas tres artistas demuestran el sentir con la objetividad crítica social.
Por otro lado, Lucía Morán y Paula Nicho caracterizan realidades culturales sociales que
permiten desprenderse de la visión única a la que se adapta la población. Liberan expresiones por
desligarse de la dependencia con la que se aferran a las conductas establecidas. Así mismo eligen
detectar la equidad e igualdad de género como individuos independientes.
En las obras unifican elementos que están envueltos en un espacio grandísimo de significado. La
construcción de significados puede ser la sociedad misma, los contextos, las expresiones, formas
de vida, construcciones sociales, manipulaciones físicas y psicológicas, entre muchas situaciones
que deterioran o desequilibran los sistemas. Pero lo más importante, es una realidad que todas las
personas conocen pero al presentarlo en arte se califica de ofensivo o simplemente se ignora.
Por ello en esta investigación se concreta que el arte conceptual pueden ser las manifestaciones
que determinan tiempos, espacios, hechos y necesidades. El arte analizado de performance y
pintura concientiza de dónde se está viviendo y lo que se está ignorando. Hay que tomar en
cuenta que las obras no son únicamente arte para ser apreciado, sino que provocan la
90
investigación e involucramiento en la pieza. Con este proyecto se demuestra que el poder se gana
la crítica por sus propias acciones.
La metodología implementada en este trabajo ayudó a desglosar lo máximo posible de las piezas
artísticas. Permite encontrar detalles que puedan ser elementos claves en la connotación del
mensaje. El análisis se respaldó con la opinión de las artistas para encontrar la intención pura de
sus obras. Por lo que este tipo de análisis metodológico puede ser aplicado en otras instancias
artísticas que necesiten encontrar la esencia, el porqué, para quién y para qué de los contenidos.
Falta empatía con el arte guatemalteco. No se conocen los nombres. O se mencionan las obras
pero no se identifica su autor. Existe arte conceptual en Guatemala muy bien trabajado. Se ha
dado a conocer mucho más a nivel internacional con reconocimientos y premiaciones. Al país le
falta el carisma de entender y aceptar nuevas tendencias de arte. Así también el apoyo a la
divulgación de las obras.
91
7. RECOMENDACIONES
Es recomendable que el arte contemporáneo no se caracterice por estilos en sí, debido a las
tipologías multidisciplinarias en las que se integran. Por ello se debe identificar más las
tendencias a las que se dirigen las creadoras.
Se debe valorizar el arte de las mujeres equitativo al de los hombres. Las artistas no se dirigen
únicamente con mensajes feministas. También conceptualizan situaciones que afectan a toda la
población, mujeres, hombres o niños.
Es importante generar opiniones constructivas de las obras de arte. Por ejemplo, se habla de la
obra de Regina Galindo pero no se conocen sus antecedentes o sustentos teóricos. O se
construyen suposiciones respecto a las representaciones de Jessica Lagunas o de Paula Nicho
Cumez. Puede que María Adela Díaz y Yasmin Hage tengan objetivos distintos pero la
construcción se basa en el proceso de la obra.
Por eso es importante que las críticas sean sustentadas en el recorrido de la creación de la pieza
junto a todo aquello que la complementa. Así mismo, reconocer que debe existir un estudio del
proyecto en sí, comprender la relación de la artista y la obra con la sociedad. Por ello hay que
tener claro que la crítica no se refiere a la descripción de las obras, debe reflejar la formación de
valores y perspectivas.
Se recomienda involucrarse más con el arte guatemalteco, con los artistas y con sus obras
conocidas y desconocidas. Si se menciona a Regina Galindo, los que sepan se acordarán por su
proyecto Quién puede borrar las huellas. Y el resto de trabajos son ignorados o desconocidos
porque no se les ha dado el valor representativo justo. Algunas veces Galindo cataloga como arte
cuestiones que son difíciles de incluir en el ámbito. Es por ello que hace falta la investigación del
porqué y para qué de su arte.
Jessica Lagunas tiene una trayectoria muy interesante en la que ha trabajado temáticas como la
guerra de los 36 años en Guatemala o demostración de la herencia en distintas generaciones.
Maneja representaciones bastante distintas pero que en ciertos aspectos se relacionan entre sí en
cuanto al manejo del contenido y significación. Es importante investigar cómo caracteriza el
papel de la mujer en la sociedad. Vale la pena la búsqueda no solo de sus performances sino del
resto de sus obras.
92
Con el tipo de arte de Lucía Morán deben desagruparse los colores, las formas y cada detalle
para comprender de lo individual a lo general. Puede ser prioridad detectar el valor al contenido
conjugado a las deformaciones estéticas que en sus obras se presentan.
Vale la pena realizar varias lecturas de cada obra de Paula Nicho. Ella maneja detalles más
cargados en sus expresiones. Es un poco más complicada la percepción primaria, pero a través de
ello se podría lograr la comprensión contextual y de contenido. Son símbolos creativos y
simples pero en la interpretación visual es a dónde se debiese dirigir la atención y conjugar la
complejidad.
Como ejemplo el arte de Yasmin Hage se debe trabajar mucho en la investigación previa a la
obra. Así también completar el estudio de cada obra con neutralidad, sin sesgo a alguna posición
de género.
Es importante creer en el talento nacional. Así también apoyar proyectos artísticos del país,
aunque estén contenidos en aspectos de crítica o denuncia. Se recomienda mostrar mayor interés
en los mensajes que involucran situaciones reales y del contexto del país. Es necesario tener un
conocimiento amplio de las obras de arte nacionales e internacionales para generar una discusión
constructiva del porqué de estas representaciones.
Para comprender la intención de las artistas contemporáneas con trabajos conceptuales es
importante que se conozca su historia de vida como su biografía laboral. Es necesario retomar el
pasado de sus proyectos, conceptos e intenciones sociales.
La trascendencia que está implementada en la obra de las artistas está dirigida a todos. Busca un
carácter humano y de justicia social. En el arte sea cual sea la tendencia hay que aprender a
escuchar, observar, opinar pero sobre todo vivir el sentido del arte, apropiarse de la obra como
tal.
93
8. REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
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101
9. ANEXOS
ENTREVISTAS
Anexo#1
1.- Entrevista a artistas:
i. Experiencias que ayudaron a definir su estilo artístico. EXPERIENCIA
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico?
CONTEXTO Y CONTENIDO
iii. La fortaleza del arte para fortalecer discursos.
iv. ¿Qué valor le da al contenido y a la recepción del mismo por parte de la sociedad?
v. ¿Qué se cuestiona más de los sistemas sociales? SISTEMAS SOCIALES
vi. Como mujer ¿encuentra facilidades u obstáculos para la expresión artística?
EXPRESIÓN FEMENINA
Anexo#2
2.- Entrevista a especialistas de arte:
i. ¿Se relacionan los contextos de las artistas con los contextos actuales?
ii. ¿Cuánta fuerza puede tener el significado de las obras?
iii. ¿Las artistas crean discursos o solo representan los ya existentes?
iv. ¿Las artistas mujeres, cree que sean más valoradas por romper estereotipos y jerarquías
de género?
v. ¿Qué tan valiosa puede ser la crítica artística hacia los sistemas sociales?
vi. ¿Esa simbiosis arte-artista puede ser el vehículo principal de la creación de los discursos
y críticas a los sistemas?
Anexo#3
3.- Entrevista a curadora:
i. ¿La crítica artística logra concientizar y ser escuchado?
102
ii. ¿En cuánto a los performances, se observa que dañan y abusan de sus propios cuerpos
para crear una significación, no será redundar en la violencia que la mujer se permite
hacer, si eso es lo que están criticando?
iii. ¿Realmente la sociedad puede identificarse con el arte que revele su realidad?
iv. ¿Afecta a las estructuras sociales este tipo de manifestaciones artísticas?
v. ¿Está considerado el arte como un generador de opinión?
vi. La mujer en su papel como formadora de opinión y fortaleza.
vii. Impacto de las mujeres artistas.
103
CUADRO #1 (anexo #4)
CUADRO #2 (anexo #5)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
Temática
Componentes
Situación
Elementos destacados
Vínculo
Simbología
Relación con los social
Interés social
Revelación
Noema
Noesis
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra
Discurso
Simbología
Relación arte-comunicación
Comparaciones
Denotación
intención Artística
Intención social
Opinión Pública
104
Entrevista a Regina Galindo (anexo #6)
Como primera petición se le solicitó a Regina Galindo su opinión respecto a las temáticas a tratar
para el análisis. Artista de las obras analizadas: “Juegos de poder” y “Limpieza social”. Sus
respuestas fueron las siguientes:
i. Experiencias que ayudaron a definir tu estilo artístico. Nacer en Guatemala.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico?
Puede ser un fuerte detonador pero al mismo tiempo un obstáculo creativo. El arte
debería de aspirar a ser universal, aunque parte de lo local, debe aspirar a ser global.
Debemos cargar con nuestro contexto porque es imposible negar las raíces de nuestros
conflictos, pero debemos luchar por traspasar nuestra historia personal. Una obra debe
despertar la empatía.
iii. ¿Qué cuestionas más de los sistemas sociales? Todo. El orden de los factores,
organizados de tal o cual manera para beneficio de los estratos superiores. Los de
arriba viven ligeros y los de abajo que carguen el peso del mundo y que se jodan.
iv. ¿Qué valor le das al contenido y el valor de cómo recibe la sociedad ese contenido?
Una obra de arte puede prescindir del contenido. Puede sustentarse solamente en sus
aportaciones formales. Ninguna obra puede sustentarse en su contenido sino posee una
cualidad formal que la sustente. El que yo le dé tanto valor al contenido, es en fondo
una cuestión de forma (y un problema psicológico no resuelto).
v. Como mujer ¿encuentras facilidades u obstáculos para la expresión artística? o
para ti ya se han ido rompiendo los estereotipos de género? No como mujer. Como
guatemalteca/co. El campo en nuestro país es muy represivo. La facilidad creativa nada
tiene que ver con tu género.
105
Entrevista a Jessica Lagunas (anexo #7)
La siguiente entrevistada fue Jessica Lagunas también incluida en el área del Performance.
Artista de las obras: “Para besarte mejor”, “Para acariciarte mejor”, “Para verte mejor”, y
“Retorno a la pubertad”. Sus respuestas fueron las siguientes:
i. Experiencias que ayudaron a definir tu estilo artístico, aparte de los estudios y la
relación con el arte en diferentes países, por qué el performance? por qué no otra
técnica? por qué definir problemáticas sociales en vez de quedarse con un paisaje o
tomar fotografías de flores? Es decir, que viste o que sentiste para definir la cuestión
de crítica combinada con el arte? Aparte de la profesión de diseño gráfico, talleres
experimentales, charlas, eventos, visitas al extranjero entre otros, definitivamente no me
considero que soy una artista que trabaja exclusivamente con el “performance” sino
más bien soy multi-disciplinaria. Creo que no me interesa representar o copiar una
realidad literal. Me interesa criticar o comentar acerca de la sociedad donde vivo, de lo
que veo y de lo que siento. El hecho de haber aprendido y desarrollado un gusto estético
a partir de ver obras de arte contemporáneo me familiarizó con ese “lenguaje”. El
poderme expresar con los medios y técnicas contemporáneas, es el tiempo y el momento
que me ha tocado vivir.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico? El
contexto es muy importante tanto para la realización de la pieza, la definición del
concepto y el mensaje, como también a la hora de exhibirla y compartirla con el público.
El contexto de la obra va muy unido con la decisión de qué técnica o medio utilizar y
cuál es el mejor medio para transmitir cada idea. La gran mayoría de trabajo tiene una
base conceptual con un mínimo de elementos para comunicar una idea de la manera más
eficaz posible. Todo depende de cuál sea la intención del artista con cada pieza, pero hay
varios aspectos que afectan el contexto de dónde se exhibe. Por ejemplo:
–El tema de la exposición y su especificidad, es muy diferente si la exposición trata el
tema de “artistas latinos” en general, que si fuera un tema “feminista” o de “mujeres”.
106
–El lugar donde se exhiba el trabajo, si es “arte público” en la calle o si se presenta en
una exposición en instituciones como museos, galerías de arte, espacios no lucrativos.
–Los posibles eventos relacionados que puedan surgir a partir del mismo evento, como
charlas con los artistas, simposios, visitas guiadas.
–La localidad de dónde se exhibe el trabajo y su alcance con el público.
iii. La fortaleza del arte para fortalecer discursos. El arte puede ser una herramienta, un
vehículo, un catalizador, para encausar una acción, reflexión, análisis, discusión y
pensamiento sobre un tema determinado. Cada artista decide qué mensaje quiere
transmitir con su arte. El público interpreta de diferentes maneras debido a las
experiencias y conocimientos que cada uno vaya adquiriendo durante su vida. Por
ejemplo hay muchos artistas trabajando hacia un activismo político. A mí me interesa
crear proyectos artísticos y con ellos expresar mi opinión sobre ciertos temas que me
atraen o que siento la necesidad de resolverlos primero a manera personal y que luego
pueden tener lecturas más universales.
iv. ¿Qué te cuestionas más de los sistemas sociales? Todo lo relacionado con la mujer en
la sociedad contemporánea: la opresión de la mujer y la falta de equidad de género; la
incapacidad de inclusión y la falta de oportunidades.
v. ¿Qué valor le das al contenido y el valor de cómo recibe la sociedad ese contenido?
El contenido de la obra es lo más importante. La mayoría de mi trabajo trata de la
condición de la mujer en la sociedad contemporánea cuestionando su obsesión con la
imagen corporal, belleza, sexualidad y el envejecer. A través de diferentes técnicas,
como instalaciones, video-performance, grabados y objetos, mi utilizo un mínimo de
elementos que en su mayoría parten de aspectos conceptuales. Sobre el recibimiento de
la obra por el público, pienso que esto no está en manos del artista. Un artista solamente
crea la obra y el público puede tener diferentes lecturas del trabajo que dependerá de
cada experiencia individual o conocimientos. Si el trabajo es bien recibido o no es pura
107
retroalimentación, idealmente lo tomamos como crítica constructiva más no de manera
personal.
Ejemplo: En los video-performance “Para verte mejor” (2005) “Para besarte mejor”
(2003) juego con los rituales de belleza femeninos y los realizo de manera exagerada
para reflejar las presiones impuestas por la sociedad actual. La cámara enfoca la parte
del cuerpo donde la acción está ocurriendo: con gestos repetitivos durante una hora me
aplico continuamente máscara en las pestañas y lápiz de labios, cuestionando así nuestra
atracción al maquillaje y su poder de seducción.
vi. Como mujer ¿encuentras facilidades u obstáculos para la expresión artística? ¿o
para ti ya se han ido rompiendo los estereotipos de género? La creación de arte como
proceso en sí no varía según el género de la persona que lo crea. Lo que varía son las
oportunidades que se tienen en cuanto a exposiciones, invitaciones a participar en
bienales, charlas, becas, premios, etc.
Actualmente, pareciera que hay una consciencia internacional. Esto viene después de
muchos años de lucha de artistas feministas protestando por una mayor inclusión en el
arte. Es decir, sí se han comenzado a romper estos estereotipos en el mundo del arte,
pero no lo suficientemente. Existe aún un número mayor de exhibiciones individuales y
representación en galerías de artistas hombres que el de artistas mujeres. Falta mucho
trabajo todavía por hacer y mucho que romper.
108
Entrevista a María Adela Díaz (anexo #8)
Y como última artista a entrevistar en el área de performance se tomó en cuenta a María Adela
Díaz. Creadora de las obras analizadas “La carga” y “Para la superficie. Sus respuestas fueron las
siguientes:
i. Experiencias que ayudaron a definir tu estilo artístico. No considero tener un estilo
artístico que determine mi obra. Utilizo el performance, instalación, video, dibujo,
objetos, etc. Mi obra entra en la categoría de Arte Contemporáneo. Existen elementos
que se repiten como la utilización del cuerpo femenino, la dualidad entre lo humano y lo
animal que son características constantes en mi obra conceptual pero no lo considero un
estilo.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico? Es
tan importante como la forma. Por lo tanto el mensaje artístico está implícito en ese
contexto. La obra de arte es un conjunto de discursos paralelos que pretenden abrir un
diálogo con su público.
Guatemala fue por algunos años mi contexto de desarrollo artístico y me interesaba
trabajar acerca de lo que me preocupaba en ese momento histórico y sus circunstancias.
Una obra de arte es más fuerte cuando se desarrolla en el entorno que le pertenece. En
mi obra “Para la superficie”, por ejemplo, el mensaje, la forma y el contexto son
cruciales para que tenga sentido y el lector sea capaz de decodificar el mensaje. Esa
obra en otro contexto no hubiera tenido sentido o el sentido hubiese sido otro. Me
interesaba en ese momento expandir un mensaje al público en general. Me interesaba
compartir un espacio físico no con el público elitista del arte si no con los guatemaltecos
que caminaban por el parque central en un día común. Era necesario que eso sucediera
para la conclusión de la esta obra.
iii. La fortaleza del arte para fortalecer discursos. El artista posee sus propios discursos
que no necesariamente son leídos por el observador de la misma manera. El arte va más
allá de fortalecer estos discursos. Para mí el arte es el medio que acarrea un peso social,
político, económico y colectivo. Para que una obra de arte tenga Fortaleza se necesita
que la forma esté en congruencia con el discurso y se complete el círculo del proceso
109
creativo.
iv. ¿Qué valor le das al contenido y a la recepción del mismo por parte de la sociedad?
El contenido de la obra tiene todo el valor que se merece para ser creada. La
construcción de una obra consiste en primera instancia de ese contenido o razón de
existir. La recepción o la lectura que le da la sociedad está fuera del control del artista.
Como artista mi deber es asegurarme que mi discurso sea congruente y que llene los
requisitos que me trazo como tal. Cada artista marca sus propios estándares. Me
interesa provocar un diálogo con el espectador y su entorno.
El contexto donde me desenvuelvo es parte primordial en mi obra. Ahora que vivo en los
Estados Unidos hay otros temas que me interesa explorar, discriminación, racismo,
acoso, etc. Son temas que han permanecido constantes en mi carrera y que seguirán
marcando mi obra.
v. ¿Qué te cuestionas más de los sistemas sociales? Mi obra se desarrolla de mis
preocupaciones y cuestionamientos políticos sociales. Específicamente acerca del tema
de género y mi condición como mujer en esta sociedad. Es inevitable hablar de mi
posición como mujer. Creo que como artista mi responsabilidad es esa, hablar de lo que
me toca hablar, de violencia de género, de abuso, de la problemática de ser mujer criada
en una sociedad patriarcal, etc.
vi. Como mujer ¿encuentras facilidades u obstáculos para la expresión artística?
Definitivamente siempre he encontrado obstáculos por el simple hecho de ser mujer y
desarrollar una carrera artística.
Ser mujer artista y profesional en un país como Guatemala no fue cosa fácil. Guatemala
fue un escenario que enriqueció mi obra en cierto momento pero al mismo tiempo un
escenario castrante para desarrollar obra femenina. Mis ideologías feministas no
concordaban con la ideología colectiva. Y de ahí viene mi cólera e ímpetu para seguir
produciendo. En general la situación global de la mujer artista se ha transformado en
los últimos 5 años. En la actualidad existen mucho más espacios que apoyan el arte de
mujeres. Se le han atribuido un gran peso e importancia a las voces femeninas. Ahora
encuentro mucho más oportunidades en presentar obra que hace 10 años. A nivel global,
110
se le está prestando más atención a la mujer, no solo a nivel artístico sino sociocultural,
lo cual beneficia a las nuevas generaciones.
111
Entrevista a Lucía Morán Giracca (anexo # 9)
Otra entrevistada fue Lucía Morán Giracca, categorizada para el área de pintura. Artista de las
obras analizadas “Aliento compartido” y “La que se hunde”. Sus respuestas fueron las
siguientes:
i. ¿Experiencias que ayudaron a definir tu estilo artístico? He pintado desde que tengo
memoria y ese ejercicio ha ido consolidando mi estilo. El papel de mi familia fue esencial
en el desarrollo de mi estilo. Desde que empecé a pintar "formalmente" cuando tenía
unos 10 años pudieron percibir un estilo muy particular y decidieron no meterme a
clases de pintura para que mi estilo pudiera evolucionar libremente sin la guía de un
profesor de pintura. Me dieron todo el material necesario para seguir experimentando.
Luego te diría que Guatemala ha tenido mucho que ver en mi estilo, cada día de mi vida
me sumerjo en los colores de Guatemala y no dejo de sorprenderme. Las situaciones
visuales que se dan aquí y que representan una complejidad social también se cuelan en
mi pintura.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico?
Aunque la intención no tenga nada que ver con el contexto, es imposible ser ajeno al él.
El contexto que se habita es parte esencial de uno. Si sos consciente éste sin duda va a
conseguir permearse en el trabajo artístico. En mi caso, el contexto es esencial aunque
no sea evidente figurativamente. Siempre hay trozos de contexto en mi obra que buscan
transmitir mensajes determinados.
iii. ¿La fortaleza del arte para fortalecer discursos? El arte tiene un poder tan profundo
que es imposible medirlo. Llega a rincones del ser humano a donde nada más ha
conseguido llegar. Si un mensaje de cualquier tipo se hace valer del arte para fortalecer
su discurso, este mensaje cobra una dimensión mucho más profunda y arraigada. Es por
eso que el trabajo de los artistas es tan importante. Somos quienes vamos traduciendo la
realidad fortaleciendo discursos; discursos de nuestra época de los que seguramente
todavía no somos conscientes y discursos personales, íntimos, que también reflejan cosas
importantes que se deben plasmar y compartir con la sociedad.
112
iv. ¿Qué te cuestionas más de los sistemas sociales? Cómo hemos permitido llegar a este
punto de caos, de desigualdad y como seguimos asumiéndolo como la única opción.
Entiendo que la evolución de las sociedades ha sido gradual pero creo que ahora
tenemos las herramientas para hacer cambios radicales y en ese sentido el arte juega un
papel importantísimo. El arte como el trabajo del colectivo de los creadores.
v. Como mujer ¿encuentras facilidades u obstáculos para la expresión artística? Creo
que encuentro facilidades pero no por ser mujer sino por los privilegios con los que he
crecido. He tenido acceso a una educación, he crecido en un ambiente propicio para el
arte y he sido respetada por las personas que me rodean (hombres y mujeres). Sé que
este no es el caso de todas las mujeres, ni mucho menos por ello siento un compromiso
como creadora privilegiada. Trabajo con todas mis fuerzas y dedicación; seguramente
sea esto lo que ayuda a que encuentre facilidades.
113
Entrevista a Paula Nicho Cumez (anexo #10)
En este mismo campo pintoresco se integró la opinión de la considerada la artista maya más
original, Paula Nicho Cumez. Sus obras analizadas fueron “Más allá del Universo” y “Liberación
femenina”. Sus respuestas fueron las siguientes:
i. ¿Experiencias que ayudaron a definir tu estilo artístico? Darme cuenta desde la
primaria que obtenía premios en dibujos, en pintura con crayón y los claroscuros. Pero
me di cuenta que se podía expresar de otra manera y fue con mi esposo, Salvador
Cumez, que a la par de él aprendí un poco más. Él me apoya la libertad con que hago
mis pinturas. Aparte tengo la herencia en la sangre porque mi abuelo de apellido
Curruchiche fue el primer pintor de Comalapa. Él nos decía que por qué en vez de tejer
nuestros güipiles por qué no utilizábamos ese arte para hacer pinturas. Entonces fue en
esos momentos en dónde me decidí seguir adelante.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje
artístico? Ayuda el lugar donde vivimos. Yo creía que habían cosas que solo en
Comalapa se veían pero me doy cuenta que es en todos lados.
iii. ¿La fortaleza del arte para fortalecer discursos? Como dije antes, con el arte uno
puede decir mucho. Por ejemplo una de mis pinturas fue usada para basarse en una
película guatemalteca “de azul al cielo” dirigida por Ana Carlos. Los mensajes del arte
ayudan a decir muchas cosas y yo por eso me dedico a la pintura. Con mis pinturas yo
creo en que podemos hablar y mostrar lo que nosotros de artistas queremos expresar,
así mismo de lo que vivimos.
iv. ¿Qué te cuestionas más de los sistemas sociales? La discriminación a la mujer y más si
somos indígenas. Ya con ser indígenas ya se toma de otra manera. Hace mucho tiempo
cuando estaba estudiando mi mamá me hizo un traje precioso con los colores típicos
maravillosos. Pero por ser tan colorido no me dejaron participar en una actividad del 15
de septiembre por no ir como los demás. Ahí uno se da cuenta que nos quieren uniformar
a todos.
114
v. Como mujer ¿encuentras facilidades u obstáculos para la expresión artística? Antes
costaba un poco pero en los 30 años que llevo pintando no tuve obstáculos siendo mujer.
115
Entrevista a Yasmin Hage (anexo # 11)
Se entrevistó también a Yasmin Hage, artista tomada en cuenta para el área de pintura.
Responsable de la obra “Historia de una piel”. Sus respuestas fueron las siguientes:
i. Experiencias de vida que ayudaron a definir su estilo artístico. No tengo estilo
artístico por lo que no puedo opinar respecto al estilo pues no creo en él.
ii. ¿Qué tan fuerte puede llegar a ser el contexto para plasmar un mensaje artístico?
El contexto es contenido. El mejor ejemplo de esto es Marcel Duchamp con su obra
firmada R. Mutt, de 1917. La obra presenta un orinadero ordinario
descontextualizado llevándolo a la galería además de firmarlo como se firma una obra.
iii. ¿Qué se cuestiona más de los sistemas sociales? Cómo se puede mantener uno
dentro sin participar en los procesos de ciudadanía. La ciudadanía se construye sola, es
decir, la política es cosa de alguien más y no de nosotros, que los políticos solamente nos
sirven. La política de un individuo expresa las tensiones que se manifiestan en los
sistemas sociales más grandes. Uno debe saber irrumpir en la realidad, no creérsela tal
cual. Entender que es fabricación de sistemas ideológicos heredados que casi siempre
sufren de cierto desfase, horizontalmente y verticalmente. Pues la realidad siempre es
más lenta que la percepción, por tanto, podemos proyectar con más rapidez de lo que
podemos cambiar. Así que uno en realidad no está viendo lo que está viendo.
iv. ¿Qué valor le da al contenido y a la recepción del mismo por parte de la sociedad?
El contenido y la forma de una obra son cuerpos habitados cuyo sentido interior cambia
en función de muchas variables, entre ellas, el espectador. Para que el proceso de
aprendizaje sea eficiente se fracciona para llevar así la atención de manera efectiva a
algún sitio/aspecto. Pero una vez la experiencia está suelta se integra a sistemas. La
existencia de un sistema de significación está afectada por el contexto siendo la historia
personal del espectador. La circunstancia del tiempo y el espacio es un ejercicio de
contarse una historia. El que puede contarse una historia mantiene un diálogo entre sí y
el mundo, sabe distinguir de la realidad lo que más bien no le interesa o le hace daño
con lo cual es capaz de filtrar, descartar aquello no que no exista, sino que aquello que
116
no le es creíble. Hay cosas que existen pero que no nos hablan. Cuando el espectador
se empeña en querer ser conocedor de arte a la fuerza solo logra desinteresar al arte. El
arte es un sustrato o soporte contra el cual se revelan los sistemas ideológicos y más
sencillamente los sistemas perceptivos de las personas. Eso es lo más interesante del
arte: es un interfase. Los espectadores deben de apropiarse del sentido de la obra, es
decir hacerla propia. El arte es un ejercicio de lectura, hay que estar atento a los
materiales. Luego hay también artificios técnicos o recursos simbólicos y conceptuales.
No estoy de acuerdo que el arte es puramente subjetivo. La pequeña historia personal se
vuelve una herramienta para uno nacer a la palabra. Poder relacionar la historia
personal a los hechos es lo que produce conciencia en una sociedad. Una forma dada no
puede ser cualquier cosa. El espectador es el único que puede hacer vivir la obra. Sin su
mirada la obra no existe. No por eso el artista se abstiene de vivir. Todos somos objeto
de estudio de alguna otra práctica y alguna otra práctica se nutre de nuestra percepción
para mejor sistematizarse.
v. Como mujer ¿encuentra facilidades u obstáculos para la expresión artística? En el
arte el mundo opera al revés: los márgenes están al centro y el centro al margen. El
mundo del arte está hecho por las minorías pero no significa que sea hecho para las
minorías únicamente. El mundo del arte nos descubre experiencias marginales o en vías
de extinción pero de una importancia vital.
117
Entrevista a Carolina Pineda, artista multidisciplinaria (anexo # 12)
1. ¿Se relacionan los contextos de las artistas con los contextos actuales? “Es una
pregunta difícil de contestar, pero en general las artistas siempre hacen referencia a su
contexto autobiográfico, ejemplo las obras Isabel Ruíz y el conflicto armado como una
forma de inserción dentro de la actualidad”.
2. ¿Cuánta fuerza puede tener el significado de las obras? “Depende del
posicionamiento de la artista dentro del sistema de arte. Es decir, si logra que su obra
sea leída y aceptada dentro de dicho sistema puede llegar a tener fuerza. Mientras que
esté al margen de él y no hay quien traduzca el significado de su obra o le de validez
como tal no adquiere la fuerza necesaria. Este tema es todavía discutible en el sentido de
quién da al final de cuentas el significado, si la artista en sí, el curador, la galería, el
fruidor. El caso de Regina Galindo, creo que el sistema de arte internacional reconoció
antes su obra que el sistema local. También un esfuerzo por la curadora de arte Rosina
Cazzali para poder traducir ese tipo de obra al observador y del grupo Coloquia debe
tomarse en cuenta”.
3. ¿Las artistas crean discursos o solo representan los ya existentes? “Usan ideas, o
teorías ya preexistentes en discursos anteriores. Es válido en el sentido de utilizarlos
como investigación para la producción de una obra y modificar. O en muchos casos
subvertir dicho discurso. Por ejemplo Maya Saravia hizo un ejercicio de subvertir la
obra de Regina Galindo: HUELLAS. Regina hace la performance de las huellas de la
violencia dejando una marca de pies, con sangre en el asfalto. Maya en cambio camina
sobre una especie de líquido oscuro imposible de dejar las huellas de los pies. Cambia
los elementos y el discurso. Depende del objetivo de la artista, puede sólo representar”.
4. ¿Las artistas mujeres, puede que sean más valoradas por romper estereotipos y
jerarquías de género? “Ese es un problema de género. Una obra debe ser valorada
como tal, independientemente de quién sea que la produzca. Aunque revele indicadores
de comportamiento de género”.
118
5. ¿Qué tan valiosa puede ser la crítica artística hacia los sistemas sociales? “El arte
contemporáneo tiene como objetivo desestabilizar un sistema. El problema actual es ese
precisamente a nivel si en realidad ¿es arte lo que se hace, o filosofía o política?”
6. ¿Esa simbiosis arte-sociedad puede ser el vehículo principal de la creación de los
discursos y críticas a los sistemas? “De hecho lo es. No puede haber arte sin sociedad
ni sociedad sin arte. Es como una constante interlocución entre ambos. En la actualidad
las ciencias sociales son grandes aliados como herramientas de la hermenéutica para la
lectura y producción de una obra contemporánea. Pienso que también engendra un
problema parecido al fotoperiodismo. En un momento se puede cuestionar en el sentido
de que se cae en una simple documentación de un tema social y ya”.
119
Entrevista a Rosina Cazzali, Curadora de Arte (anexo #13)
1. ¿La crítica artística logra concientizar y ser escuchado? “El arte sí es escuchado pero
porque en Guatemala hay muy pocos documentos o espacios que brinden la oportunidad
de presentar diversos proyectos. Y si la gente no conoce no se da cuenta que hay temas
tratados en el arte que confrontan. El tipo de arte como el performance incluso está un
poco cuestionado. Se asocia a lo alternativo”.
2. ¿En cuánto a los performances, se observa que dañan y abusan de sus propios
cuerpos para crear una significación, no será redundar en la violencia que la mujer
se permite hacer, si eso es lo que están criticando? “Ya de por sí el cuerpo es político.
Utilizarse a ellas mismas es crear un llamado de su readaptación a la realidad. Pero no
usan a nadie o a un hombre, si se llegara a criticar la mirada masculina, son ellas
mismas. Eso es lo que hace el estudio del contenido. Estudiar la situación, estudiarse a sí
mismas y crear”.
3. ¿Realmente la sociedad puede identificarse con el arte que revele su realidad? “Hay
de todo. Así como pueden haber personas que se identifiquen hay quienes ni se interesan.
En Guatemala existe un peso de la tradición y lo que las artistas hacen es reelaborar los
mensajes. Puede ser chocante, aceptado o indiferente. Depende de cada persona y su
interés por involucrarse en el campo”.
4. ¿Afecta a las estructuras sociales este tipo de manifestaciones artísticas? “Todo
influye. Pero el arte habla, no cambia. Únicamente incide. A eso nos podemos referir a
la intención de que se capte el mensaje según cada quien. Pero es imposible cambiar el
mundo. El arte solo confronta”.
5. ¿Está considerado el arte como un generador de opinión? “Se da la búsqueda de
reelaborar los discursos existentes y sí hay opiniones al respecto. Porque hay una
autonomía. Hay emancipación para representar realidades. Pero cada quien se apropia
de lo que acepta o no”.
6. ¿La mujer en su papel como formadora de opinión y fortaleza? “Las mujeres juegan
un papel importante como todo artista. Es importante readaptar las ideas
tradicionalistas de la opresión machista. Por ejemplo, Regina Galindo abarca
contenidos pero siempre está enfrentando y buscando. No se queda estacionada en una
sola temática.
120
Eso es lo que hace que el mensaje de las artistas trascienda, que no se quede estático
sino que evoluciona con diversidad de propuestas. Así es como se va aumentando su
impacto y la representatividad femenina”.
7. Impacto de las mujeres artistas. “Esa readaptación manejada se va hacia tres
representaciones: la primera, es donde proponen a la mujer como lo bello, lo estético, lo
divino y lo delicado de su posición en la sociedad. La segunda, cuando ya se manejan
conceptualizaciones del papel de la mujer, su labor del día a día, la vida de la mujer que
sufre y destaca, etcétera. Y la tercera representa la posición feminista. En ella se
adaptan en contrarrestar situaciones actuales y de los sistemas para posicionar a la
mujer en igualdad y equidad de género. Son variables con las que trabajan diversas
artistas con las que se apropian y deseen generar mensajes que queden plasmados social
y artísticamente”.
121
CUADRO DE COTEJO (anexo # 14)
CATEGORÍAS FORMACIÓN CONTEXO Y
CONTENIDO
SISTEMAS
SOCIALES
VOZ
FEMENINA
Regina Galindo Desarrollarse
dentro de
Guatemala
El arte es un
medio para
heredar la
historia. Está
formada de
contenido
respaldado con
textos formales.
Desacuerdos en
la organización
de los estratos
sociales.
La creatividad
no depende de
la distinción de
género. Todo
depende del
lugar dónde sea
generada.
Jessica Lagunas En base a
experiencias se
forman
contenidos. Pero
las intenciones se
determinan dentro
de lo
multidisciplinario.
La fortaleza de
cada pieza son
los elementos
que se
involucran.
Tales elementos
conectan la
creación del
mensaje con la
recepción del
mismo.
Entrega al
desacuerdo
sobre la
posición
heredada a la
mujer en la
sociedad
contemporánea.
Ser mujer no
impide la
creatividad. Son
las
oportunidades
en diversos
espacios y
tiempos.
María Adela
Díaz
Involucrada en el
arte
contemporáneo.
No
necesariamente
debe existir un
estilo.
El arte es la
fuerza entre el
contenido, el
espacio y el
tiempo. Los
contextos son el
respaldo
conceptual.
Desacuerdo con
actividades
políticas
sociales.
Enfrenta la
posición de
debilidad
femenina en la
sociedad.
Las
oportunidades
cuestan en
Guatemala por
la represión y
desigualdad.
Lucía Morán
Giracca
Punto importante
no tomar clases
de pintura. Vivir
en Guatemala y
empaparse del
contenido social
del país.
Los contextos
van atados a las
intenciones.
Éstos siempre
se apropian de
la connotación.
El arte es un
poder
indeterminado
para fortalecer
los discursos.
Dimensiona los
significados.
Inconformidad
con el
desequilibrio de
la realidad.
La práctica en
el arte no es
impedimento
para las
mujeres. Todo
depende del
esfuerzo para el
ejercicio en ésta
área.
122
Paula Nicho
Cumez
Crecer en un
espacio
multicultural para
generar mensajes
de esa categoría a
través del color.
El lugar donde
se crece y vive
es parte
importante en
los procesos
creativos. Así
como se pueden
generar
contenidos por
problemáticas
sociales de un
lugar, se puede
de todas partes
del mundo.
Disuade de la
discriminación
racial y de
género.
Denuncia el
trato como
masas cegadas e
igualitarias.
El problema no
es ser mujer
artistas sino que
los problemas
están frente a la
vista de todos.
Yasmin Hage Busca generar
reacciones sin
estar sumergida
en un estilo
específico.
El contexto es
contenido. El
arte impacta
según los
elementos y las
intenciones.
Desacuerdo con
la falta de
participación
ciudadana. La
generación de
utopías por el
poder
establecido.
Tanto como
mujer, como
artista y como
ciudadana la
fuerza del arte
va dirigida a
nivel global.
Rompe
esquemas que
desequilibran la
sociedad.
123
Análisis por obra (anexo #15)
Dentro del análisis de cada obra se involucraron elementos que permitieran desintegrar los
componentes que conforman las obras y darle un mejor entendimiento. Son los siguientes:
1.- Análisis estructural
a. Raíz:
i. Técnica: La manera de presentar el proyecto.
ii. Temática: el argumento que se envuelve dentro del contenido.
b. Componentes:
i. Situación: descripción de la acción
ii. Elementos destacados: detalle de formas, colores, personajes y todas las
características posibles a identificar de la obra.
c. Vínculo:
i. Simbología: propuestas significativas que identifiquen conceptos.
ii. relación con lo social: analogía de la obra con la realidad.
iii. interés social: la intención de lo que se quiere dar a conocer.
d. Revelación:
i. Noema : la percepción primaria
ii. Noesis: la conceptualización, connotación y trascendencia que pretenda
dejar el mensaje.
2.- Análisis fondo
a. Símbolos:
i. Obra: El título de los trabajos de cada artista
ii. Discurso: La comprensión del mensaje ya concreto
iii. Simbología: la característica dominante del concepto
iv. Relación arte – comunicación: la concordancia con la transmisión de
mensajes.
124
Las obras analizadas fueron:
Regina Galindo: Juegos de poder (Maracao, Brazil 2009) y Limpieza social (Italia, 2006).
Jessica Lagunas: Para besarte mejor, Para acariciarte mejor (2003), Para verte mejor y Retorno
a la pubertad (2005).
María Adela Díaz: Para la superficie y La carga(duración 3 horas. California, Estados Unidos
2005)
Lucía Morán Giracca: Aliento compartido y La que se hunde.
Paula Nicho Cumez: Cruzando fronteras (2007) y Liberación femenina.(2002).
Yasmin Hage: Historia de una piel (2004)
125
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Regina Galindo, Juegos de Poder.
(foto # 1)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica PERFORMANCE
Temática
SADISMO Y LIBERTAD
CONDICIONADA
Componentes
Situación: La artista solicita a un hipnotizador para hacerla caer en sueño hipnótico y cumplir órdenes
Elementos destacados
Un hombre, una mujer y un espacio abierto al público
Vínculo
Simbología Un hombre con poder, la mujer obediente que realiza las acciones inconcientemente, espacio de acceso al público, espectadores que solo observan.
Relación con lo social
Referencia a la sumisión y al silencio incrementado por el dominio del poder único. La obligación a la obediencia y la impotencia de enfrentar con la verdad y la justicia.
Interés social
Es una declaración que manifiesta la concentración y abuso del poder. Hace referencia al machismo, a la creencia de la sumisión o debilidad de las mujeres, a la indiferencia de quien sabe la verdad y sigue como espectador sin divulgar o denunciar. Demuestra como tantos apoyan los abusos únicamente al ser observadores pasivos, porque si no se habla, se está de acuerdo.
Revelación
Noema La representación de un acto planificado para demostrar a través de un proceso de hipnocis , la facilidad en que la presión de dominación condiciona las libertades
Noesis
Demostrar la opresión causante por el poder en la sociedad. La libertad incontrolada a la que se está sometido. El sadismo reconocido e ignorado lo cual permite darle continuidad a las prácticas perversas
126
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Regina Galindo, Limpieza Social
(foto # 2)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PERFORMANCE
Temática
REALIDAD SILENCIADA
Componentes
Situación
La artista desnuda es rociada con agua a presión mediante una manguera contra la pared.
Elementos destacados
Una manguera utilizada para calmar manifestaciones o rociar con agua a presión a los presos.; es manipulada y controlada por un hombre que posee la fuerza para smanejarla. Una mujer desnuda contra la pared .
Vínculo
Simbología
El poder trata de mantener la actitud pasiva de los subalternos a quienes se les ha hecho creer en su debilidad en impotencia. La facilidad de oprimir al obtener y manejar las armas como herramientas de amenaza y decisión.
Relación con los social
manifiesta cómo se priva la lucha por los derechos, por denunciar injusticias. Dan la imagen que el poder puede acorralar si se le enfrenta. El mando es uno solo y no en la mayoría. La manifestación por inconformidad de tratos no debe anunciarse para evitar el quebranto o debilitamiento en los sistemas establecidos.
Interés social
Pretende conmemorar la acción de aquellos que luchan por una sociedad humana y que han sido silenciados, no con mangueras precisamente. Declara la intención del poder porque las relaciones con la sociedad se mantengan en una visión unánime y cegada ante posibles respuestas fuera de las ideologías implementadas.
Revelación
Noema La representación entre la fuerza y la debilidad impuesta
Noesis El objetivo es mostrar la imagen idiotizada que se cree de la debilidad. Es una manipulación para evitar enfrentar y ser enfrentados. Por lo que mediante este performance se crea conciencia del control y la falta de libertad de expresión en la que están sumergidas las sociedades.
127
ANALISIS FONDO
“Juegos de poder” y “Limpieza social”.
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Juegos de Poder" y "limpieza
social"
Discurso La invisibilidad que provoca la sumisión y la manipulación, estableciendo creencias sobre la debilidad subalterna a la fortaleza.
Simbología El poder sobretodo del hombre como figura dominante sobre la mujer y el resto de la sociedad
Relación arte-comunicación
Da la inteción de implementar una acción para denunciar y lograr un mayor impacto. Implementa un lenguaje con acciones en vivo, comprensibles y que contínuan a través del tiempo. Se detecta el secreto de la comunicación: el mensaje trascendente a través de la historia. Confronta y provoca reacciones. Están las ideas de por medio, las transmite mediante una técnica distinta a solo el habla, utiliza el canal de la acción, un contexto, un tiempo , y crea respuestas. Por lo que se puede decir que el arte de Regina Galindo se serciora que exista una reatroalimentación inmediata o no.
Comparaciones
Denotación
Aplica elementos que representan el poder, la desintegración de un equilibrio e igualdad, utiliza su propio cuerpo para representar las problemáticas lo cual permite crear una reacción más impactante. Los mensajes son llevados a cabo a través de La hipnosis y la permisión de ser atacada con agua a presión, desnuda contra una pared.
intención Artística
Utilizar el arte, más que para apreciarlo, para impactar y denunciar. Utilizar dicha técnica del performance para recrear el problema social.
Intención social Aplica la denuncia indirecta de la intención heredada a través de la historia respecto a la posición de la mujer frente a la del hombre, en cuestión de obediencia y control.
Opinión de experta
Ella manifiesta situaciones que elabora mediante un estudio concreto. Concluye el proyecto y va en búsqueda de temática distinta. Esto ayuda a que el arte evolucione, no se instale en un mismo patrón . Se cuestiona las intenciones hasta el mensaje final. Busca en sus obras más que una técnica la intencionalidad combinado a la fuerza evolutiva de una realidad.
128
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Jessica Lagunas, Para besarte mejor. Para acariciarte mejor. Para verte mejor. Retorno a la
pubertad.
(Fotos #3, #4, #5, #6)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
VIDEO-PERFORMANCES
Temática
RETO A ESTEREOTIPOS
Componentes
Situación
En las primeras dos se aplica maquillaje de ojos y labios continuamente por una hora ; en la tercera la pintura de uñas para acabarse el contenido durante dos horas. En la cuarta se depila con pinzas los vellos del pubis.
Elementos destacados
Maquillaje rojo para uñas y labios . Maquillaje para ojos: máscara negra . El rostro de una mujer. Contexto simple y neutro. Pubis velludo de una adulto, pinzas.
Vínculo
Simbología Representación de la belleza femenina demostrada a través de los estereotipos y rituales realizados para destacar como mujer.
Relación con lo social Manifiesta el ideal considerado como belleza femenina. Esto es una pequeña referencia de cómo las mujeres modifican sus cuerpos para sentirse más seguras de su género y poder destacar tal cual.
Interés social
Demostrar la superficialidad que crea la presión social sobre el género femenino. Al mismo tiempo, cómo las mujeres creen en esos ideales siendo absorbidas y consumidas por los estereotipos de belleza.
Revelación
Noema Retoque exagerado de maquillaje sobre el rostro de una mujer, ojos, uñas y labios. Y la depilación del pubis realizado con pinzas.
Noesis
La intención es divulgar los deseos como necesidades los cuales son impuestos para manipular masas . Obviando que son imposiciones indispensables convertidas como prioriodad.
129
ANÁLISIS FONDO
“Para besarte mejor”, “Para acariciarte mejor”, “Para verte mejor”, “Retorno a la pubertad”
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Para besarte mejor", "para acariciarte mejor", "para verte mejor" y "retorno a la pubertad"
Discurso Manifestación de las actitudes femeninas por crear un sentido de aceptación y pertenencia a la sociedad, adaptándose a estilos impuestos.
Simbología Físico femenino modificado por productos y actitudes a las que se someten contínuamente .
Relación arte-comunicación
El video-performance se implementa para poder apreciar la acción a través de la pantalla . Este es para cada vez que se observa repetitivamente se encuentre el mensaje construído. Realiza el envío de las ideas de un contexto hacia otro, por un canal electrónico, relaciona al público espectador tratando de involucrarlos en las acciones, y ese mensaje se establece y permite reaccionar ante visiones construídas, permite romper barreras y patrones de comportamiento al demostrar las realidades como problema social.
Comparaciones
Denotación Demuestra cómo funciona en las sociedades el sentido de lo femenino y cómo debiese uncionar "correctamente"
intención Artística Hacer la conexión entre el sentido crítico y estético, lo cual realiza analogía de la realidad de las mujeres y la realidad impuesta.
Intención social Romper estereotipos de belleza mediante la demostración de la exageración de las acciones. Esta exageración implica la subestimación que se le da a las imposiciones sociales más que a las propias creencias.
Opinión Pública
Muchas veces en la simpleza está el poder. Dependió aquí de Jessica Lagunas la implementación de pocos elementos para crear grandes significados. Es, al igual que Regin,a un proceso evolutivo. Es arte estudiado y evaluado antes de ser presentado. Podemos incluirla en la representación de la mujer en que se tematiza la labor diaria femenina sin caer en lo feminista.
130
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
María Adela Díaz, Para la superficie. (foto # 7)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PERFORMANCE
Temática
OPRESIÓN SOCIAL
Componentes
Situación
La artista , durante una hora, dentro de un tragante del parque central de la ciudad de Guatemala. Allí dentro posee una máquina de escribir, la cual utiliza para redactar poesía. El público puede jalar el papel a la superficie y llevarse los textos.
Elementos destacados
Mujer encerrada bajo tierra, poesía que denuncia una realidad. Espectadores de los hechos. Espacio público ocupado alrededor por personajes políticos.
Vínculo
Simbología Mensajes enviados silenciosamente. Denuncia contra el poder. Limitación a la libertad. Inferioridad. Dependencia.
Relación con los social
Aplica dos visiones. La primera critica la discriminación artística que abre paso a nuevas formas de expresión como demostración de las realidades desde otras perspectivas. La segunda acusa la marginación de carácter patriarcal establecida como patrones culturales así como de la represión de los poderes hegemónicos y dominantes.
Interés social
Es una representación de cómo la mujer tiene la fuerza de trascender en la lucha contra la jerarquía de género. Así mismo, evidencia la imposibilidad del acceso a la verdad , de cómo la opresión puede ser contrarrestada quitando el miedo a develar mensajes en donde se evidencia la cultura vivida y la que se debiese compartir . La superficie hace noción a la superioridad, al empoderamiento por parte de la sociedad sobre los mensajes enviados y recibidos, sin miedo a su expresión.
Revelación
Noema Textos poéticos escritos por una mujer y enviados a la superficie para darlos a conocer a personas sin costo ni condiciones.
Noesis
La creación de un texto y un contexto mediante códigos que demandan las relaciones de poder, así como las jerarquías manipuladas por patrones culturales en los que se represeta la debilidad, no solo de la mujer, sino de la sociedad como tal. Cómo estos pueden empoderarse de los mensajes y de la capacidad para identificarse como sociedad de avance.
131
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
María Adela Díaz, La carga.
(foto # 8)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
VIDEO-PERFORMANCE
Temática
MUJERES EN LA LUCHA SOCIAL
Componentes
Situación Mujer cargando a su hija desnunda durante 3 horas. Recorre montañas y caminos en subidas difíciles.
Elementos destacados
Caminos desolados y desérticos. Dos mujeres una adulto y la otra niña. La niña desnuda acurrucada en los brazos de la adulto.
Vínculo
Simbología El peso de ser mujer y el riesgo que esto conlleva. Soledadad y lucha por los intereses. El rechazo por actitudes individualistas.
Relación con los social
Relaciona la lucha por la posición de las féminas en la sociedad. Esa carga con la que protegen su integridad y reconocimiento igualitario. La representación para contrarrestar abusos en cada contexto.
Interés social Evitar la herencia cultural sobre la capacidad improductiva e inutilizada supuesta en la mujer.
Revelación
Noema Mujer protegiendo a su cría desnuda sobre caminos desconocidos durante tres horas.
Noesis
Demostración de la capacidad de lucha, fuerza e intriga de las mujeres. Evitar la marginalidad con la visión establecida sobre las mismas de debilidad e incapacidad. Promulga el empuje para sobresalir y destacar sin que nada sea incansable. Con el esfuerzo necesario demostrar la potencialidad e igualdad de géneros en la sociedad.
132
ANÁLISIS FONDO
“La carga” y “Para la superficie”.
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Para la superficie" y
"la carga"
Discurso El silencio provocado por la supresión pero que almismo tiempo se combina con la lucha a pesar de las barreras y obstáculos impuestos.
Simbología Mujeres que luchan por romper silencios. La posición de la verdad oprimida. Protección y defensa por los ideales buscados.
Relación arte-comunicación
Díaz permite crear campos de relación por la dureza con que se maneja la formación humana en la sociedad, hablando en el sentido de posición de género. El arte del video y performances de Díaz manifiesta la capacidad con que el arte suplanta un texto escrito o hablado, ya que acude a larepresentatividad del mensaje.
Comparaciones
Denotación
Escribir poesía encerrada en una alcantarilla y enviar los mensajes a la superficie; la segunda
cargar a su hija desnuda y recorriendo caminos montañosos y desconocidos.
intención Artística
Utilizar el performance para entrometer la desgracia social y ser observada no como arte en sí, sino como denuncia crítica.
Intención social
Darle el valor correspondiente a todas aquellas denuncias nunca escuchadas, a la posición de la mujer vista en una jerarquía desigual y la manipulación de estereotipos de comportamiento junto a la lucha de ideales, valores y fortalezas que estas poseen.
Opinión Pública Las artistas de Performance trascienden más por el mensaje y por usarse a ellas mismas. Busca con estas obras autonomizar también. Hacer una representación que no sea de la mujer como objeto divino sino su papel en la sociedad.
133
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Lucía Morán Giracca, Aliento compartido.
(foto #9)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PINTURA
Temática
DESIGUALDAD DE GÉNERO
Componentes
Situación Pintura que manifiesta la imagen de un hombre y una mujer. Uno frente al otro con un detalle de color que representa el aliento compartido por ambos.
Elementos destacados
Un hombre frente a una mujer rodeados de sombras detrás de ellos. Colores opacos. Solo se muestra la parte del cuerpo de la cintura para arriba. Los centros están ubicados en los rostros. Los ejes verticales y horizontales llegan a separar a ambos. La tensión dinámica se muestra en el medio de los alientos. En cuanto a las formas pregnantes se reconocen círculos y cuadrados, el último posicionado en el área de la mujer. Las lineas curvas predominan en el area izquierda. La forma como signo plástico crea la sensación de trazos gruesos pero difuminados lo cual expresa un supuesto equilibrio entre ambos.
Vínculo
Simbología
La posición de superioridad del hombre. La mujer se muestra arropada para guardarse y recatarse frente a su destino social. El aliento compartido clarifica la similitud de intenciones y capacidades .
Relación con los social
Manifiesta la intención de cada palabra, dividida por la intención de jerarquía de género. Se complementa con la forma de participación de cada uno contra la privacioón de libertad ya sea de manera pública o privada. Pero que al fin y al cabo ese compartir aliento hace mención a la igualdad de sentimientos y formas de vida, así como las necesidades por sobrevivir en una sociedad son completamente las mismas.
Interés social
Destacar los roles de género en la sociedad por la desigualdad en la distribución del poder. Pero no únicamente poder dominante sino en la toma de decisiones y la participción activa dentro de cada contexto.
Revelación
Noema El compartir el aliento un hombre con una mujer, haciendo ver al hombre con posición de superioridad.
Noesis Develar la igualdad del posicionamiento de género tanto para los hombres como para las mujeres .
134
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Lucía Moran Giracca, La que se hunde.
(Foto # 10)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PINTURA
Temática
OPRESIÓN FEMENINA
Componentes
Situación
Mujer debajo de una mano que representa ser la de un hombre.
Elementos destacados
Se muestra el rostro de una mujer bajo la presión de la mano grande. El centro se dirige al rostro de la mujer . Siendo el centro secundario la mano que se encuentra sobre ella. Se destaca el eje horizontal que divide la fuerza de la mujer contra la de la mano. Se equilibra la obra por el peso que genera la mano, eso maneja la dinamicidad entre ambos elementos. La mirada de ella hace que se pierda más allá de los límites de la obra. Los colores manejados al fondo, azul y amarillo, llegan a representar superficie y profundidad, en la derecha e izquierda respectivamente; así mismo esa opacidad demuestra la opresión y tristeza que se maneja en el texto. La mano izquierda de la mujer hace verla tensión de pertenecer más a la luz cálida, pero la mano la concentra del lado de profundidad. La tensión dinámica se delata en la interacción que provoca la mujer con la mano. Y la forma como signo plástico da la sensación de dureza y firmeza.
Vínculo
Simbología
La opresión dominada que no permite pertenecer a esa parte armónica que puede otorgar la sociedad equitativamente. La mano representada como el poderío al que el hombre se aferra por mantener su posición.
Relación con los social
Actualmente la mujer se ha visto más activa y participativa para aportar al desarrollo de su comunidad así como de ella misma. Esto ha llegado a la opresión por parte de quienes regulan las normas establecidas , que en su mayoría se critica son los hombres.
Interés social
Perder el miedo a la participción activa y equitativa aplicando la igualdad de género. Que las mujeres y los hombres se den cuenta que ya hay voces que denuncian el monopolio del poder y la opresión aprovechando a crear la imagen de acuerdos congeniados a nuevas oportunidades .
Revelación
Noema
La acción de una mano grande que puede estar ya sea, halando, envolviendo o presionando a una mujer , dirigipendola hacia el lado al que ella pertenece.
Noesis
Se destaca la facilidad con la que una mujer o un ser considerado "débil" puede ser oprimido a sus derechos y a una vida involucrada en una sociedad por el hecho de crear nuevas espectativas o visiones de vida y cambio.
135
ANÁLISIS FONDO
“Aliento compartido” y “La que se hunde”.
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Aliento compartido" y "La que
se hunde"
Discurso El poder que emana la fuerza por la lucha de derechos contrarresta la opresión heredada socialmente.
Simbología Fuerza y poder representados por el machismo.
Relación arte-comunicación
La expresividad de los trazos de las pinturas de Lucía Morán refuerzan la intención de promulgar mensajes generadores de discursos por la emotividad a la que estos se aferran, tanto en las facciones como en la implementación de los colores y figuras.
Comparaciones
Denotación
Representación de los cuerpos masculino y femenino en igualdad y desigualdad de derechos para realizar acciones.
Intención Artística
Presentar modelos y estructuras fomentadas para ser transformadas a la visión de patrones culturales que han deformado la imagen que se tiene del hombre y la mujer.
Intención social
Definir las perspectivas de género y los errores que se pueden llegar a cometer por aferrarse a la historia, en lugar de enfrentar y mejorar la posición de ambos en aspectos equitativos socialemente.
Opinión Pública
Es un arte bastante estético, pero en el que no se han desprendido de la mirada masculina. No es confrontativo totalmente y se vuelve una propuesta equilibrada.
136
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Paula Nicho Cumez, Liberación femenina
(foto # 11)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PINTURA
Temática
INDEPENDENCIA
FEMENINA
Componentes
Situación
Una mujer indígena pintada con alas volando sobre la tierra con la vista dirigida hacia abajo. Rodeada al fondo por un cielo despejado y más mujeres indígenas volando junto a aves blancas. Sobre la tierra una familia de indígenas viendo hacia el cielo.
Elementos destacados
El peso visual se ubica en la mujer indígena con alas y volando, siendo el centro. Y el centro secundario recae sobre la familia. Los ejes verticales dividen la opacidad más densa de la pintura contra la parte clara y despejada, así también corta por la mitad el cuerpo de la mujer indígena y sus alas. quedando esta del lado oscuro. Separa al mismo tiempo a los padres de los hijos, de la familia indígena aún en la tierra. En los ejes horizontales se determina la posición de la mujer en la parte superior y la tierra en la parte inferior. Se observa dos personas en una canoa señalando hacia el cielo. La tensión dinámica se dirige primero hacia arriba y luego a los alrededores con las mujeres y las aves. La tendendia de colocación de la mujer al frente y arriba. En la parte frontal se definen mejor las formas circulares. ya en su fondo se difuminan más las formas dando la sensación de apertura. Los colores implementados son más apagados y ténues. Aplica un trazo grueso en el cielo y más fino en los acabados de las personas, haciendo destacar un sentimiento de inquietud y de tristeza. Es en el fondo donde difumina más las formas y los colores lo que permite captar un sentimiento de tranquilidad. La forma como signo plástico tiene un contraste bastante equilibrado, pero al momento de visualizar la armonía de la obra se pierde un poco en la parte superior
Vínculo
Simbología
Aparece la fortaleza de la mujer por sí sola. Destaca el machismo (ver familia que se encuentra en la tierra) al colocar el padre la manos sobre los hombros de la madre y la hija, utilizando una posición de posesión ya que deja libre al hijo. El señalamiento por la libertad obtenida u otorgada por la mujer. El pincipio de liberación que debe pasar una mujer dentro de una sociedad machista y opresora. La paz que puede generar ser libre a pesar de los obstáculos.
Relación con los social
La manipulación a la mujer y el valor de la misma por derrotar barreras que generen opresión social. El precio de esa "revelación" para derrocar los patrones culturales se determina por una lucha dificultosa y descartada por muchos juicios de valor e independencia.
Interés social
Evitar herencias conductuales y la adaptación a las mismas. Plasmar que la libertad es individual, no afectando a terceros. Incrementar la potestad en la toma de decisones por parte de las mujeres contrarrestando también el machismo y la desilusión por obtener el derecho a decidir e influir positivamente por sí mismas y por los demás.
Revelación
Noema Mujeres indígenas con alas y volando en la dirección del área despejada. Dejando atrás la tierra y el lado oscuro.
Noesis Muchas veces las personas deben dejar atrás las situaciones que hacen aferrarse a donde se encuentran actualmente. Romper el miedo de mirar más allá de lo que se les presenta como la única realidad evitando decaer por los señalamientos por pertenecer a cualquier edna, raza o religión. .
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ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Paula Nicho Cumez, Cruzando fronteras
(foto # 12)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
PINTURA
Temática
LIBERTAD
Componentes
Situación
Mujer de espaldas al espectador volando sobre piedras y agua. Deja tiradas su sandalias. Dirigida hacia un cielo claro y despejado.
Elementos destacados
El centro está determinado por la mujer indígena con alas ,que son sus brazos; no están añadidas sino que salen de su güipil y la elevan al cielo. Un centro secundario son las sandalias que va dejando tiradas al momento del vuelo. El peso se conduce hacia la izquierda aunque es el espacio más vacío, pero se manifiesta así por el lugar a donde se dirige la visión. Los colores aplicados son tonos celestes, más suaves, que emiten sensaciones tranquilas y estables. Las nubes no son círculos cerrados sino que emiten la creatividad de relacionarlas con alas y aves que parecieran ser las guías. Los ejes verticales igualmente divide a la mujer con el espacio de la derecha, aunque sí permanece mayor parte del cuerpo del lado iquierdo., parte representativa de la libertad. Los ejes horizontales mantienen a la mujer en la parte superior. La tendencia dinámica se concentra en la acción del vuelo de la mujer. El movimiento se va desplazando de derecha a izquierda con todos sus elementos , formando el equilibrio visual. La forma como signo plástico marca la expresión fuerte de la obra a pesar que la sensación transmitida sea más de calma .
Vínculo
Simbología Demostración de la forma en que se buscan perspectivas de vida distintas. Se le da la espalda a la tradición pero sin perder las raíces.
Relación con los social
Manifiesta la determinación de la mujer , tanto ladina como indígena ,en la búsqueda de nuevas oportunidades. Muchas veces esa fuerza de voluntad se caracteriza por tener que darle la vuelta a las creencias a las que se está arraigado pero sin perder esas raices características de la escencia personal.
Interés social
Tal y como se plasma en la obra, se desliga parte del ser al obtener una visión o un horizonte distinto al vivido, pero se queda el porqué y la razón de querer los cambios. La decisión por evadir un pasado no deseado requiere de la fortaleza del alma y de concretar la deterinación para actuar. Incluso si se debe romper tradicionalismos .
Revelación
Noema Mujer indígena con alas dando la espalda a un espacio con rocas y agua. Desprende en el vuelo las sandalias que utilizaba.
Noesis
El apego de la tradición a lo cultural muchas veces no genera oportunidades fuera de ese contexto.Por lo que la manifestación de desacuerdos surge en los seres más afectados. Por ello la mujer indígena tiene la motivación, capacidad y la acción para fortalecer la crediblidad de su idoneidad con la igualdad al respeto por los derechos. Por lo que la representatividad ha surgido para despertar a las mujeres y a la población para evitar el legado tradicionalista a la que el pueblo indígena y ladino se avoca.
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ANÁLISIS FONDO
“Liberación femenina” y “Cruzando fronteras”.
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Liberación femenina" y
"Cruzando fronteras"
Discurso
La capacidad de la autorealización sin dependencia a alguien para cumplir metas, en especial la mujer. Muchas veces las mujeres deben romper los obstáculos e incluso hasta dejar sus raíces para lograrlo.
Simbología Contextos montañosos con personajes indígenas, mujeres en su mayoría. Los pasados enfrentados a lo que viene. El desencadenamiento a las actitudes de encierro y opresión.
Relación arte-comunicación
La expresión del color y la forma atraviesan los mensajes representativos de la sociedad. Debate a través de la pintura y confronta culturas mediante mensajes implementando el arte.
Comparaciones
Denotación Mujeres indígenas con características de libertad y rebelación ante su cultura, así como los patrones de comportamiento.
intención Artística
Impactar respecto al enfrentamiento de una cultura tradicionalista, junto al arte expresado por una persona heredada de esa cultura, también de las mismas caracterísitcas.
Intención social
Demostrar la posición en la que se está sumergida la cultura indígena y a las actitudes arraigadas a las que se aferra. Así también romper esa conspiración de prisión y tensión social en el género femenino indígena.
Opinión Pública
Lo impactante de Paula Nicho y la generación de artistas que la acompañan es que cambiaron la tradición artística con la que se desarrollaron. Buscaron en su momento otras representaciones. Aunque se mantiene atenta a las raices, que tampoco se ha desprendido de la visión masculina. Buscó el cambio artístico con el que ha mantenido su equilibrio. Una única fuente de inspiración como son sus sueños. Aunque se mantiene estable en sus interpretaciones.
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ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Yasmin Hage, Historia de una piel.
(foto # 13)
ANÁLISIS ESTRUCTURAL
Raíz
Técnica
DIBUJO
Temática
EL PESAR DE LAS RAICES
Componentes
Situación
La forma entrelazada de una figura con trazos fuertes y de otra dirigida hacia la misma dirección, aunque la vista de ambos en posiciones distintas.
Elementos destacados
La figura gruesa como base que es mucho más grande que la de adelante. Las facciones de la figura grande son más gruesas y toscas; destaca el puño cerrado de la mano derecha . La posición de la figura de adelante es un cuerpo sobre otro cuerpo, el de atrás, con la vista del lado contrario sostenida en ella misma pero siempre su base es el cuerpo del cuerpo de atrás; los trazos de la figura de ella son más suaves y delicados e incluso en sus facciones se torna un sentido más relajado pero al mismo tiempo escondido. Por su posición. Las líneas horizontales representan una continuidad en el tiempo de atrás para adelante. La iluminación, que muestra la tensión expresiva de la obra concentra los tonos oscuros en la mujer de adelante y menos opacidad en el cuerpo del fondo que se distingue como un cuerpo femenino Por lo que los ejes centrales se dirigen al centro derecha, de la cintura hacia el rostro de ambos. Entonces, la tendencia dinámica se representa más que todo en los brazos y en los rostros de los personajes. La aplicación de los blancos y negros indican cualquier tiempo en un espacio determinado, no se concentra en la establecer una fecha u hora específica, lo cual permite la inclusión de distintas acciones a través de la historia.
Vínculo
Simbología
La figura creada de la femeneidad en diferentes contextos, espacios y tiempos. La fuerza con la que esta domina y genera sumisión en diversos aspectos dentro de una sociedad. El peso que genera un pasado.
Relación con los social
La participación de la mujer está sometida a bases masculinas para poder actuar e implementar nuevas perspectivas o visiones. La consideración de la independencia femenina es reglamentada y supimida por los contextos creados a través de la historia.
Interés social
Tratar de invertir o equilibrar los roles de la mujer, ya que así como pueden complementarse en cualquier aspecto, pueden lograr la aceptación de la igualdad de capacidades. También la fuerza de una raíz puede convertirse en la fortaleza de un presente.
Revelación
Noema
Dos cuerpos apuntados hacia una misma dirección horizontal, ambos reflejan ser cuerpos femeninos. El de la más pequeña sobre el grande y del fondo, a pesar que se encuentran en la misma línea se detectan distintas posiciones y reacciones de comportamiento. Tanto en trazos como en expresiones.
Noesis
Debido a que los pies de ambos son los que salen del cuadro central, implica que aunque se tenga un pesar a través de la historia cada uno está sumergido en sus propias manifestaciones y creencias; aunque muchas veces la historia hereda el placer del poder a las minorías. Las características surge n en un choque de ideales y visiones distintas a lo aceptado regularmente. En este caso ejemplifica la intencionalidad de cargar con el pasado pero queriendo cambiar el presente . Cómo se entromete la lucha por establecimiento social y la posición de cada uno en la misma.
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ANÁLISIS FONDO
“Historia de una piel"
ANÁLISIS FONDO
Símbolos
Obra "Historia de una piel"
Discurso
El aferramiento al que se aprehenden las actitudes estrictamente establecidas. La obediencia y sumisión de lo incorrecto.
Simbología El peso de la historia con el pasado al que se hace referencia a acciones futuras. Ya sea para cambiarlo o para reaccionar ante adversidades.
Relación arte-comunicación
Manifestar el concepto de una forma más real ya que el mensaje se convierte en el contenido primordial de la denuncia a través del color y la forma, en este caso critica a los pasados arraigados a sus raíces sin mejora , sino que sigue el retroceso junto a las normas establecidas para mantener el orden social.
Comparaciones
Denotación
Dos humanos, una mujer al fondo y la otra al frente, luchando por dirigirse en la misma dirección aunque con distinta perspectiva de ver las situaciones, siempre teniendo la mayor grandeza la del fondo, haciendo notar el pasado como una sombra..
intención Artística Determinar las posiciones humanas estrictamente estructuradas mediante el manejo de la grandeza del pasado enfrentada y luchando con el ahora.
Intención social Corromper las bases malintencionadas han quedado arraigadas para facilitar el manejo de masas y de los patrones de comportamiento con la función de género.
Opinión Pública Artistas como Yasmin, realizan la búsqueda de estructuras y las estudia. No se basa en la representación de simbología sino en la distribución del peso significativo.