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Trabajo Práctico 4
15-6851-7439
Los
Trabajo Práctico 4 Titulo: Creatividad e influencia social
Ornella Giuggioloni
Rossina Casalino Gimenez
1°
Taller de Reflexión Artística 1
Clase 6
Leonel Fernandez Valdez
XX
Fernando Luis Rolando
Varias
1er 2014
XX
El Pop-art
El arte pop o pop-art, nace a mediados de 1950 y principios de 1960 , en
Estados Unidos e Inglaterra, concretamente New York y Londres. Su origen
está en el pueblo y sus intereses, de los cuales los participes del pop-art
encuentran sus inspiraciones. Es un arte ciudadano, originario de las grandes
ciudades que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener
una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de
consumo.
La inspiración proviene del mundo de la comunicación de masas; carteles,
anuncios publicitarios, objetos de la vida cotidiana, etiquetas o embalajes de
productos de consumo habitual por la sociedad. Estos son elementos utilizados
constantemente en el arte pop y eso constituye la característica principal de
este movimiento. El arte pop es en definitiva, la manifestación plástica de una
cultura caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el
consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como
productos en serie.
Lo emergente de este movimiento es el comportamiento capitalista de la
sociedad , su consumo masivo , la tecnología del momento y el estado de
ánimo post-segunda guerra mundial de la sociedad.
Artistas y sus obras:
Andy Warhol (1928-1987) :
Portfolio " Myths" Mickey Mouse:
Roy Lichtenstein(1923-1997):
Oh Alright:
La Psicodelia
La psicodelia nace a finales de los años 60 siendo un "estilo" del movimiento
Hippie. El movimiento Hippie se caracterizó por la anarquía no violenta, por la
preocupación por el medio ambiente y por un rechazo general al materialismo.
El origen, fue una reacción a las profundas alteraciones que había producido la
segunda guerra mundial, en la sociedad y en la cultura. Además, la Guerra de
Vietnam, única que EEUU ha perdido, fue un impulso importante para el
descontento generalizado.
El estilo de la Psicodelia se basaba es una rebelión a la lógica de lo normal ,
una rebelión hacia lo que se consideraba "correcto" .El corazón de la psicodelia
era la experiencia que se vivía al estar bajo los efectos del LSD ( acido
lisérgico).Esta droga era alucinógena y en esa época consumir esto significaba
una apertura de percepción y conocimiento. En otras palabras fue una
revolución ,una experiencia multitudinaria, hinchada de misticismo, orientalismo
y no-violencia y que daría finalmente la ecuación básica del Flower
Power: iluminación interior = liberación de los instintos agresivos = amor
recíproco = amor universal paz en el mundo.
El emergente del movimiento Hippie y el estilo psicodélico fue la guerra de
Vietnam , el comportamiento tomado hacia aquel acontecimiento y las
preocupaciones y reclamos de la juventud.
.Artistas :
Janis Joplin(1943-1970):
Pink Floyd:
The Beatles:
El Kitsch
La palabra kitsch se origina del término alemán yiddish "etwas verkitschen".
Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo
existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para
referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de mal gusto.
Aunque su etimología es incierta, está ampliamente difundido que la palabra se
originó en los mercados de arte de Munich entre los años 1860 y 1870. El
término era usado para describir los dibujos y bocetos baratos o fácilmente
comercializables.
Otra palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen, que significaba
'barrer mugre de la calle'. El kitsch apelaba a un gusto vulgar de la nueva y
adinerada burguesía de Munich que pensaba, como muchos nuevos ricos que
podían alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional de las élites
culturales copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales.
Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala
manufactura, significando más la identificación del consumidor con un nuevo
status social y menos con una respuesta estética genuina. Lo kitsch era
considerado estéticamente empobrecido y moralmente dudoso. El sacrificio de
una vida estética convertida en pantomima, usualmente, aunque no siempre,
con el interés de señalar un status social.
El emergente del Kitsch fue el status social.
Obras Kitsch:
El Arte Conceptual
A mediados de la década de 1960, se inició en el arte un amplio movimiento,
que se propagó durante casi una década. Este movimiento es conocido
como Arte Conceptual, Arte de la Idea o de la Información.
El Arte Conceptual aceptaba como obra todo tipo de objeto, ya que renunciaba
a ese artículo de lujo único y permanente que había sido la obra de arte hasta
ese momento. Surgió, entonces, un arte con acento en las ideas, que vivían sin
importar la forma que esas ideas fueron a adoptar. Como consecuencia, el
espectador requería, para enfrentarse a las obras, un nuevo modo de atención
y de participación mental.
Ese movimiento representó las propuestas introducidas por Marcel Duchamp,
quien estaba más interesado por las ideas que por el producto final. A partir de
ese momento, el arte no volvió a ser el mismo, ya que se podía existir fuera de
los medios convencionales –como la pintura y la escultura- y por encima de las
consideraciones del buen gusto.
El Arte Conceptual fue, en esencia, un arte de estructura intelectual, según la
forma que eligiera el artista.
El emergente del arte conceptual fue la identidad propia de los artistas.
Artistas y sus obras:
Joseph Kosuth(1945-a la actualidad)
"Una y tres sillas"(1965)
Piero Monzoni(1933-1963)
Merda d´artista(1961)
Parte 2.
Factory:
La Factory fue un espacio permisivo, una impostura circense con clara intencionalidad comercial y una
vitrina en forma de loft donde Warhol expuso su enorme afición por el coleccionismo de personas. Tuvo,
además, un perfecto encaje con ese ambiente neoyorquino que en los primeros sesenta llamaba
contracultura a un vanguardismo de dandis y celebridades en drogas y vaqueros.
Warhol, por su propia condición de artista multidisciplinar y social en busca de gloria y fama,
concibió en los primeros sesenta un espacio interactivo, o mejor dicho una fábrica, donde el
objetivo esencial era hacer grandes cosas con pocas cosas, falsos estudios hollywoodenses
con paredes cubiertas de papel de plata, panachés de cine, música y arte; revueltos de
católicos y judíos, mezclas de chicas de buena sociedad de Cambridge o Boston y bohemios
pobres del downtown neoyorquino; e incluso armónicas sopas en las que cabían gays, travestis
y heterodoxos sexuales a la búsqueda de fiesta y compañía nocturna. Todo aquello, instalado
inicialmente en un loft de la calle 47 Este, no solo potenció la fama del Warhol como pintor,
dibujante, grafista, cineasta, fotógrafo, productor musical, empresario y estrella mediática, sino
también su condición de abanderado de la vanguardia ante unos medios culturales
enormemente sorprendidos y curiosos por lo que se estaba cociendo en una Factory de
puertas abiertas a todo tipo de personajes.
Así, en aquella línea dadá que estaba en el antecedente del pop art, la Factory sirvió de base
para ese inicial cine medio verité de Warhol en el que se negaban las convenciones de la
narración fílmica, a través de estructuras minimalistas, perspectivas invariables y montajes
alejados de cualquier requerimiento sobre el tiempo y la imágen. Pero también, como válvula
expresiva y trampolín de la corte de Warhol, el cine de la Factory fue igualmente un instrumento
para regalar mucho más de quince minutos de fama a personajes como Joe Dallessandro, Ultra
Violet, International Velvet, Edie Sedgwick, Ondine, Paul Morrisey, Jonas Mekas y muchos
otros más que, sin ese melting pot urbano ideado y creado por Warhol, no hubieran pasado a
las páginas de la historia de la modernidad.
Warhol primero creó una experiencia multidisciplinar que respondía al nombre de Exploding
Plastic Inevitable y después, ya con el aura de una Velvet Underground que oponía su poesía y
su rock urbano de sexo y drogas a los últimos resquicios hippies del flower power, también dotó
a la Factory de una música de vanguardia que vestía aún más su fama de líder de la
modernidad, además de completar el círculo comercial de una industria sabiamente dirigida a la
socialización cultural.
Finalmente, la Factory fue sobre todo el taller creativo donde Warhol inventó bellas imágenes
tan impostoras como su propia impostura. Aunque lo más importante era el éxito a través de la
producción de la imagen inapropiada tanto para el lugar correcto, como para una gente correcta
que recibía su certificado vanguardista con una simple visita o con la admiración de una obra
producida en ese espacio donde ejercía un faraón que necesitaba de la inspiración de su corte
y, por supuesto, de la validación social.
Se transformo en una auténtica revolución cultural con indiscutibles efectos sobre la
concepción y la historia del arte hasta nuestros días. Y eso es, precisamente, lo que quedó de
una Factory que, tras el atentado sufrido por Warhol en 1968, nunca más volvió a ser el mismo
espacio abierto y permisivo de creación, diversión, negocio y escaparate de tipologías que
había sido.
Performance:
La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier
momento y puede tener cualquier duración. El trabajo lo constituyen las acciones de un
individuo o un grupo.
Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo,
espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público.
El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el
elemento constitutivo de la obra artística.
Happening:
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte
que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los
"espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una
liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común
confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la
improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
Bibliografía:
http://servicios.elcorreo.com/guggenheim/andywarhol/factory.html
Parte 3
Foto Kitsch:
La foto intenta simbolizar el consumismo del maquillaje y como la transformación del mismo en
el tiempo puede llevar a la persona a utilizarlo con el objetivo de crear una imagen
transgresora que termina siendo de mal gusto.
Foto Conceptual:
La obra se llama "Vida Inerte" , el concepto es el uso de la moda en la actualidad.
En estos tiempos la moda no solo se limita a "humanos" sino que también a objetos inertes. La
sociedad no solo quiere crear una imagen atrayente en si misma sino que también la traslada a
los objetos y de
esta manera trata de humanizarla, tratando de que el objeto adquiera una característica que no
tiene.
