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Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y
en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria
contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al
sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición
clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica
es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es
incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y
concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de
manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de
una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también
en todas las artes.
Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo
XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania. Después a Francia, Italia,
Argentina, España, México, etc. Tuvo fundamentales aportes en los campos de
la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes
vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados
románticos de la exaltación del yo.
• La conciencia del “Yo” como entidad autónoma y fantástica
• La primacía del Genio creador de un Universo propio.
• La supremacía del sentimiento frente a la razón neoclásica.
• La fuerte tendencia nacionalista.
• La del liberalismo frente al despotismo ilustrado.
• La de la originalidad frente a la tradición clasicista.
• La de la creatividad frente a la imitación neoclásica.
• La de la obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta,
concluida y cerrada.
La música en el Romanticismo
Comenzó en Alemania, partiendo de Beethoven y siendo seguido por Weber
en 1786 y Félix Mendelssohn. Es un estilo musical imaginativo y novelesco.
Este movimiento afectó a todas las artes y se desarrolló sobre todo en Francia
y Alemania.
La estética del romanticismo se basa en el sentimiento y la emoción. En el
romanticismo se piensa que la música pinta los sentimientos de una manera
sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que
ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.
Aspectos del Romanticismo Musical
Reacción anticlásica que se manifiesta por lo siguiente:
• Se iza la bandera de la expresión: es el alma y sus movimientos el
objeto que se debe pintar y su expresión se convierte en la función
esencial de la música. Los estilos "tormenta e impulso" y "sentimental"
que se dieron a lo largo del siglo XVIII pueden ser considerados
antecedentes de este aspecto. (Haydn y Mozart jamás se esforzaron en
plasmar pasiones exteriores a su inspiración puramente musical).
• En línea con lo anterior, creyendo en la significación de la música, se
muestran al público composiciones instrumentales "con programa" que
pretenden ofrecer el relato de una acción o la descripción de la
naturaleza.
• Antiacademicismo: surge el espíritu de rebeldía contra en gusto clásico,
que se juzga como demasiado formal. El Romanticismo supone el culto
a la personalidad, al individualismo: cada compositor, guiándose por su
instinto y emoción, hace su propia música, sin preocuparse por
convención ninguna: este parece ser el único rasgo común a todos los
compositores Románticos.
Es una actitud en parte mistificadora: a través de biografías noveladas, el
público acaba por formarse una idea equivocada de la vida de los grandes
genios Románticos y esto, indudablemente, influye en la percepción de su
música.
• Vuelta al pasado: en la primera mitad de siglo comienza a sentirse un
interés por la música del pasado: pierde el concierto su carácter
experimental y se convierte en un museo que dedica cada vez m s
tiempo a las obras consagradas del pasado (se recuperan a Bach y
Palestrina).
• Interés por lo folklórico y lo primitivo: la simplicidad, la espontaneidad, la
sensibilidad del labriego sin contaminar se convirtió en un modelo a
seguir por el artista. la investigación sobre la naturaleza humana y sus
productos, no enturbiados por los procesos corrosivos de la civilización,
se convirtió en una de las ocupaciones favoritas de las clases
acomodadas. Desde 1750 se fue gestando en toda Europa occidental un
interés enorme por la poesía popular y por los productos artísticos del
folklore autóctono.
• Por lo que respecta a la profesión de músico: el compositor se
independiza: queda liberado de la obligación de escribir por encargo.
Escribe lo que quiere y lo hace oír dónde le parece. Los príncipes y
mecenas dejan de tener influencia sobre la creación artística y la
industria tampoco la tiene todavía: jamás el compositor fue ni ser tan
libre. Esto no solo resulta positivo: los derechos de autor existen desde
finales del siglo XVIII pero el creador no dispone de medios prácticos
para defenderlos. El compositor tiene que dedicarse a varias actividades
para as¡ asegurar su subsistencia: organiza conciertos, ejerce una
profesión anexa como crítico, profesor, director de orquesta, etc. o vive a
expensas de una dama rica.
El compositor ya no escribe para un auditorio compuesto por una clase
homogénea sino para un gran público indeterminado: no sabiendo ya para
quien crea el compositor encuentra en sí mismo el motor de su inspiración.
Surge una nueva demanda que los artistas tienen interés en satisfacer: una
minoría selecta burguesa o aristocrática pide obras para piano, melodías,
música de cámara. Los virtuosos aficionados proliferan. Se rodean de músicos
pero no los integran. Crean la noción de comprensión: se afianza el hábito de
explicar las obras maestras. se tiende a crear en las salas de conciertos el
ambiente de un club privado.
A partir de 1830 el ardor Romántico anima aquí y allá sublevaciones liberales y
nacionalistas. Después de Beethoven algunos compositores toman parte en la
vida política del siglo XIX:
• Berlioz y List apoyan el ideal de la revolución de julio.
• Wagner: toma parte en Dresde en los movimientos revolucionarios de
mayo de 1848, pero acabar por defender un pangermanismo que
inspirar las ideologías del nacismo.
• En fin, Verdi es el portaestandarte de Risorgimiento.
En la segunda mitad del siglo XIX ser más raro que un compositor se
señale por un verdadero compromiso político.
Contexto científico del siglo XIX: la ciencia se ha apoderado del mundo visible y
del invisible. Algunos nombres e hitos importantes son:
• Comte y el positivismo: todo fenómeno obedece a leyes científicas.
• Proudon: arremete contra los principios sagrados del individuo, de la
propiedad, etc. y aboga por una federación europea de comunas.
Etapas del Romanticismo Musical
• Romanticismo temprano 1800-1830: se produce en Alemania y sus
antecedentes son los estilos: Sturn und drang y Empfindsamerstil del
siglo XVIII. En esta ‚poca se sitúa la primera generación de compositores
románticos: Beethoven, Schubert, Weber.
• Romanticismo pleno 1830-1850: su centro es París. Es la ‚poca de la
sinfonía programática, de los grandes virtuosos y de las formas libres.
Compositores fundamentales: List, Chopin, Schumann, Mendelssohn.
• Romanticismo tardío: corriente conservadora, académica y neoclasicista:
Brahms, Bruckner, R. Strauss, Mahler.
• Nacionalismo: pioneros: Verdi, Wagner. Otros: Dvorak, Rimsky
Korsakov, Moussorrgsky, Smetana, Sibelius, etc.
• Realismo: Mascagni, Leoncavallo, Bizet, Puccinni. Desechan la temática
mitológica, fantástica e histórica del primer Romanticismo y se basan en
asuntos truculentos y descarnados de la vida cotidiana.
• Impresionismo y Expresionismo son manifestaciones tardías del
Romanticismo.
Estética Musical Romántica
Siglo XVIII: en este siglo los filósofos situaron a la música en un lugar muy
bajo en la jerarquía artística: la música se convierte en un inocente
entretenimiento cuyo único fin es agradar. Los únicos que de ella tenían un
concepto serio son los teólogos más fanáticos, que combatían su uso excesivo
porque temían su poder de seducción sensual.
• Kant, en su "Crítica de la Razón" de 1709 expone: "la música es m s
entretenimiento que cultura". "Según el criterio de la razón su valor es
inferior al de las demás artes".
En su "Antropología" de 1798 dice: siguiendo la teoría de los afectos
describe la música como el arte de comunicar los sentimientos a distancia, en
todo su derredor y a todo el que est‚ situado en su radio de acción. Situación
que no veía con entera simpatía ya que no es posible evitar recibir este
comunicado.
• Rousseaur: para est‚, el origen lingüístico de la música es una cuestión
axiomática: en el estado de felicidad original de la humanidad que él
imaginaba, cuando nació el lenguaje, discurso, poesía y música eran
una sola cosa. Desde esta perspectiva puede comprenderse que la
música instrumental fuese considerada por Kant y Rousseau un género
de 2ª categoría.
En el siglo XIX la filosofía posterior a Kant se produce un importante cambio
de conceptos a propósito de la música: En el Romanticismo, la música,
especialmente la instrumental, se sitúa en el centro de la asociación de las
artes y con ella se relacionan todas las demás que la toman como base
original.
• Hegel en su "Disertaciones sobre la est‚tica" de 1820 expone: la música
es un arte compuesto de sentimientos. Su tarea consiste en reproducir la
naturaleza subjetiva y el alma ideal de los objetos.
• Schopenhauer"el mundo como voluntad e idea" de 1812 (1ª ed) y 1844
(2ª ed.): la música tiene derecho a existir por sí misma, con total
independencia del texto, al que consideraba como un añadido extraño,
de valor secundario.
Dudaba de la validez de leer un programa en la música instrumental: en ésta
hallan expresión todas las pasiones y emociones humanas, en todas sus
gradaciones, pero en abstracto, sin ninguna concreción. Se trata de la forma
pura, sin sustancia. Mientras escuchamos música tendemos a revestirla en
nuestra imaginación, a concretarla en escenas de la vida y de la naturaleza.
Para éste autor, esto es un añadido extraño y arbitrario, y es preferible
capturarlas en su inmediatez y su pureza.
En la época Romántica se tiende a borrar las fronteras entre las artes: las
esculturas debían tomar vida en los lienzos, las pinturas debían hacerse
poemas, los poemas música. La música se sitúa siempre al final de la serie.
• Hanslick se opone a la idea anterior: abogaba por preservar la
independencia de la música y para nada quería oír hablar de su fusión
con las demás artes.
A la comprensión estética le es imprescindible una respuesta emocional: que
nace no de la reflexión consciente, sino de los oscuros abismos de la
conciencia.
Como Schopenhauer señala que la música sola es incapaz de representar o
expresar sentimientos y emociones concretos y definidos. Niega su potencial
para describir de forma inequívoca movimientos anímicos concretos.
Organología del Romanticismo
Los avances tecnológicos se aplican a la fabricación de instrumentos que
adquieren nuevas posibilidades sonoras que a su vez provoca el desarrollo de
un virtuosismo espectacular.
• El piano se ve sumamente perfeccionado (sistema de repetición de
Erard 1821, cuerdas de metal y entorchadas, macillos con fieltro m s
grueso, arpa de hierro fundido, etc. Todo ello se traduce en : un sonido
más redondo en todas las dinámicas y tesituras y una respuesta
mecánica más precisa y veloz. Esto hace del piano un instrumento
autónomo y versátil que lo convierten en el instrumento rey del
Romanticismo.
• En cuanto a las cuerdas, los arcos adquieren una forma curva, ideal
para controlar los matices din micos y un mecanismo de tornillo para
tensar las crines.
Las cuerdas son metálicas y entorchadas con lo que se consigue un sonido
más potente y brillante.
El violonchelo es dotado de pica.
• Los vientos se mejoran las aleaciones que se traducen en unas mejores
características sonoras.
Las válvulas y pistones (en los metales) y las llaves (en las maderas) posibilitan
nuevas posibilidades melódicas: extensión del registro, agilidad, etc.
La flauta es la que más innovaciones recibe: sistema Bohem, fabricación en
metal, etc.
Un nuevo instrumento, el saxofón, en todas sus tesituras, se suma a la
familia.
• La percusión se van incorporando a la orquesta. Bombo, platillos,
timbales y triángulo son habituales. Otros se incorporan
esporádicamente: xilófono, carillón, campagnólogo, etc.
Se presentan nuevos instrumentos como: el clarinete bajo, saxofón,
bombardino, tuba Wagneriana, armóniun, acordeón, armónica, melódica,
bandurria, mandolina, laúdes, etc.
Música de cámara.
- 3 cuartetos de cuerda.
- Quinteto de cuerda, quinteto con piano, etc.
LA MUSICA INSTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO: MUSICA DE CAMARA, PIANISTICA Y ORQUESTAL.
INTRODUCCIÓN GENERAL.
La Música es un Arte que ha evolucionado con el hombre a lo largo de su
historia reflejando su sentir. El estudio de la evolución de la Música desde sus
comienzos hasta nuestros dias, es necesaria para comprenderla mejor y para
que los alumnos puedan enjuiciarla y compararla con otras épocas más afines
con ellos.
El conocimiento de las distintas etapas musicales a lo largo de la historia, debe
transmitirse a base de metodologías amenas y diversas, para una mejor
comprensión.
Con ello daremos a los alumnos los medios suficientes para que puedan sacar
sus conclusiones y valorar sus gustos. De aquí que quede justificada su
presencia en el currículo de la Música en la Educación Secundaria.
Como características generales del Romanticismo diré que la
UNIVERSALIDAD como pensamiento general afectará a todos los aspectos
culturales de esta época.
El culto al YO, el triunfo del individualismo, el anhelo de Libertad total, la
variedad de Estéticas, el creciente interés por las tradiciones y los valores
nacionales, folkloricos y populares y el NEOGOTICISMO en las Artes son
aspectos que se irán fomentando en el hombre y la Sociedad Romántica y que
afectaran a toda la Sociedad del siglo XIX.
En este tema nos vamos a centrar en la música instrumental del Romanticismo
y sus características, con el piano como gran protagonista de esta etapa
musical.
Música para piano
Respecto a los instrumentos usados por los compositores Románticos para
transmitir sus ideas musicales podemos constatar lo siguiente:
• Mientras la orquesta se va enriqueciendo y ampliando paulatinamente,
disminuyen los instrumentos usados para el concierto y la música de
cámara: en esto se recurre casi exclusivamente al piano y a las cuerdas.
Con excepción de la parte correspondiente dentro de la orquesta y de las
obras de algunos compositores menores, deja de escribirse música para
instrumentos tales como el clarinete, fagot, flauta, trompa, etc., que habían
gozado de una amplia literatura en siglos anteriores.
• El Violín (Paganini) y el violonchelo desempeñan un papel muy
importante. El Romanticismo fue el primero en descubrir el violonchelo:
con Schumann y Saint-Saens se hace Romántico.
• El piano goza de tales perfeccionamiento durante esta época que se
convierte en un instrumento totalmente diferente de aquel para el que
había escrito Mozart: se hace autosuficiente y versátil, se convierte en
un instrumento universal conquistando para sí todos los tipos de
composición: mediante arreglos o versiones para piano de óperas,
sinfonías, canciones, etc., que durante el siglo XVIII habían sido
esquemáticas y limitadas. La técnica del arreglo alcanza su punto
culminante con Partitions Para Piano de List, de las nueve sinfonías de
Beethoven.
El piano, además, generó un repertorio específico en el que podemos
distinguir:
• gran cantidad de breves piezas : líricas o en forma de danzas que tienen
muchísimos nombres, evocadores de algún estado anímico o escena
Romántica.
• Obras de larga duración: conciertos, variaciones, fantasías y sonatas.
Surgen en el siglo XIX los grandes virtuosos de este instrumento: List,
Rubinstein, Bulow, Tausig. Tanto los compositores como los intérpretes de
música para piano tratan de evitar dos extremos:
• El de la sentimental música de salón.
• El despliegue técnico insustancial.
Otras dos escuelas pianísticas son:
• La representada por J.N.Hummel: de principios de siglo, caracterizada
por la claridad en la textura y la fluidez de la técnica.
• La representada por Beethoven: caracterizada por la amplitud del
espectro din mico, la plenitud del sonido y la ejecución dramática.
Música de cámara
En el Romanticismo, se cultiva como un género menor. Es heredera de una
tradición clasicista que no concuerda muy bien con la sensibilidad de algunos
de los grandes compositores Románticos: Berlioz, List, Wagner, etc., no
contribuyen en absoluto a la música de cámara. Por tanto, las mejores obras
de este género provienen de aquellos compositores más estrechamente
ligados a la tradición clásica: Schubert, Brahms y en menor grado Mendelsohn
y Schumann.
Música orquestral
Se observan dos tendencias, ambas derivadas de Beethoven:
• A partir de la 4ª, 7ª y 8ª sinfonías y hacia las grandes formas clásicas
que son ampliadas y enriquecidas.
• A partir de la 5ª, 6ª y 9ª sinfonías y hacia la música programática y las
formas no convencionales.
Autores
• Beethoven (1770-1827)
Representa el nexo entre Clasicismo (que clausura después de llevarlo a la
cima) y Romanticismo (cuyas puertas abre). Podemos considerarlo el último
Clásico y el primer Romántico.
Su obra domina casi toda la producción instrumental del siglo XIX: su
trascendencia universal ha impedido que la música del periodo que le tocó vivir
sea más conocida en la actualidad.
Su estilo se caracteriza por lo siguiente:
• escritura armónica, solo incidentalmente contrapuntística.
• No crea nuevas formas: amplía las existentes liberándolas del
formalismo clásico. La mayoría de sus obras responden a la forma
sonata: reemplaza el minuetto por un movido scherzo, amplía la
variación, etc.
• Gran maestro en el desarrollo de los temas.
• Amplía la técnica pianística.
• Amplía la orquesta al introducir nuevos instrumentos: contrafagot, flautín,
trombones, solistas y coros en la 9ª sinfonía.
Obra: se distinguen tres periodos en su obra:
• Clásico: hasta 1801 (primeros síntomas de sordera). influido por Haydn y
Mozart.
• Transición: convencido de que el clasicismo había llegado a su
culminación, comienza a mirar hacia el futuro (hasta 1815). Tercera
sinfonía, Fidelio, etc.
• Periodo de contemplación: (1816-1827) se acentúan las innovaciones:
últimos cuartetos, últimas sonatas para piano, la 9¦ sinfonía, etc.
- 32 sonatas para piano (Biblia del pianista).
- 9 sinfonías.
- 17 cuartetos de cuerda.
- Misa solemne.
- Oberturas: Coriolano, Egmont, Fidelio.
- Cinco conciertos para piano y orquesta.
- 1 concierto para violín y orquesta.
• F.Schubert
Sus principales influencias formativas provienen de Haydn, Mozart y el
primer Beethoven.
Muere a los 31 años (tifus) en plena madurez creativa.
Piano:
- 22 sonatas para piano: nunca se aparta en ellas de los esquemas
formales clásicos. En las tres últimas parece tomar conciencia de Beethoven.
Las 8 primeras parecen estar m s influidas por Haydn y Mozart. La m s
grandiosa es la última: si b.
- Numerosos dúos, Gran Dúo.
- Fantasía en Do mayor.
- 6 momentos musicales y 8 improntus: son al piano lo que sus lieders
son para la voz. Modelo para todos los compositores Románticos posteriores
en lo tocante a piezas pianísticas breves e ¡íntimas.
Música orquestal:
- 9 sinfonías: todas tienen formas regulares clásicas y ninguna de ellas
puede considerarse, razonablemente, programática. Las m s importantes: la
incompleta (si menor) y la gran sinfonía en do mayor también llamada la
grande o la Romántica. Se caracterizan por su originalidad armónica, belleza
de sus melodías y sentido del timbre orquestal.
Música de cámara:
- Quinteto la trucha.
- 15 cuartetos de cuerda (la muerte y la doncella).
- Quinteto para cuerda en do M.
- Sonata Arpegionne para violonchelo y piano.
• F.Mendelssonh
Niño prodigio, descubridor de la obra de Bach: dirige la pasión en 1829.
Piano:
Pianista virtuoso: de estilo elegante y sensible, no proclive ni a la violencia
ni a la bravura excesivas.
- 2 conciertos, 4 sonatas: frecuente escritura fugada.
- Variaciones serieuses. Andante y rondó caprichoso.
-Preludios, fugas y variaciones: prueba del interés de este autor por la música
de Bach.
- 48 piezas breves editadas en 6 libros, bajo la denominación colectiva
de Romanzas sin palabras.
Música orquestal:
- Sinfonías: no se apartan de las formas clásicas regulares. La quinta ( de
la reforma), la italiana (sur: soleado y brillante) y la escocesa (norte: gris y
sombrío).
-Concierto para violín y orquesta.
-Otras obras : la obertura el sueño de una noche de verano.
Música de cámara.
Su sensibilidad Romántica halla un campo relativamente estrecho en la
música de cámara y sus obras de este género no son tan interesantes como su
música sinfónica. Algunos ejemplos:
- 2 tríos con piano.
- 7 cuartetos de cuerda.
- 2 sonatas para violonchelo y piano.
• R.Schumann Muere loco, en un manicomio, después de haberse intentado suicidar
arrojándose al Rhin.
Una lesión en la mano derecha le obliga a apartarse de la carrera como
pianista y le hace dedicarse por entero a la composición y a la crítica.
Adopta una postura típicamente Romántica: pretendía que no solo se
considerase su música como un simple esquema sonoro, sino que evocase
fantasías poéticas extramusicales.
Su música encarna mejor que la de cualquier otro compositor las
profundidades, tensiones y contradicciones del espíritu Romántico: su música
es alternativamente ardiente, soñadora, vehemente, extravagante y erudita.
En sus escritos como crítico las diferentes facetas de su personalidad
aparecen proyectadas en tres figuras imaginarias:
- Florestán: impulsivo revolucionario (Carnaval y estudios sinfónicos).
- Eusebio: joven soñador (aria de la sonata en fa# m).
- Raro: sabio y maduro maestro (estudios canónicos para piano con
pedales, fugas, voces intermedias sutilmente contrapuntísticas de muchas de
sus obras para piano).
Piano:
- 1 concierto.
- Fantasía en do M.
- Estudios sinfónicos.
- Breves piezas agrupadas en ciclos laxamente organizados: Papillons,
Carnaval, etc.
- Álbum para la juventud (pequeñas piezas para niños).
Música orquestal:
- 4 sinfonías: sinfonía primavera, sinfonía en re m (los cuatro movimientos
de ejecutan sin solución de continuidad), sinfonía en do M, sinfonía Renana
(vagamente programática).
Música de cámara:
- Sus tres cuartetos para cuerda revelan la influencia de Beethoven.
• F.Chopin
Niño prodigio con el piano. Gran maestro del piano Romántico. Reside en
Valdemosa (Mallorca) para curar de una tuberculosis.
Sus composiciones son casi exclusivamente pianísticas. La mayoría tienen
un carácter introspectivo y tienden a sugerir una cualidad improvisatoria.
- Piezas mayores: 2 conciertos, 3 sonatas.
- Piezas menores: mazurcas y polonesas: impregnadas de los ritmos y
rasgos melódicos de la música popular Polaca (temprana manifestación
nacionalista).
- Nocturnos, impromptus y preludios: las obras más íntimas de Chopin:
descripciones breves de estados anímicos, recorren las 24 tonalidades.
- Estudios: 27. Cada uno de ellos consagrado a dominar una destreza
técnica particular. Por primera vez, además, tienen una elevada significación
musical.
• F.List
Tomando como modelo a Paganini, lleva la técnica del piano a limites
extremos. (Tomando como base de su estilo a Chopin).
- Gran parte de su música para piano est formada por transcripciones o
arreglos: con esto mucha gente tuvo la oportunidad de conocer música
importante que no hubiera podido conocer de otra manera. además amplió las
posibilidades del instrumento al transferir al piano recursos típicamente
orquestales.
- 2 conciertos para piano y orquesta.
- Composiciones en las que empleaba libremente melodías nacionales:
rapsodias Húngaras.
- 12 estudios de ejecución trascendental.
Música orquestal.
- Poemas sinfónicos: piezas sinfónicas relativamente breves en un solo
movimiento, que consta de diversas secciones más o menos contrastantes y
unos pocos temas desarrollados, variados, repetidos, etc. de acuerdo con el
diseño particular de cada obra. cada uno de ellos se inspira en un estímulo
extramusical: estatua, cuadro, poema, historia, etc.
Algunos de ellos: la batalla de los Hunos, Mazzeppa, Hamlet, Prometeo, los
preludios, etc. Es música programática: la música evoca, en un medio
diferente, ideas y estados anímicas similares.
- 2 sinfonías tan programáticas como sus poemas: sinfonía Fausto
(dedicada a Berlioz, en tres movimientos: Fausto, Margarita y Mefistófeles) y
sinfonía Dante en dos movimientos: infierno y purgatorio.
• Berlioz
En su imaginación, lo literario y lo musical corren por caminos paralelos, por
tanto, sus sinfonías son programáticas.
- Sinfonía fantástica: subtitulada "episodios de la vida de un artista"
(especie de autobiografía). Es descriptiva, es un drama musical sin palabras,
tiene un programa, aunque Berlioz esperaba que la música tuviera interés por
su solo sentido musical.
Tiene una novedad formal interesante: en todos los movimientos se regresa
al tema inicial del primer allegro (imagen obsesiva de la amada del h‚roe).
Berlioz se muestra muy hábil en el manejo de dominio de las sonoridades
orquestales con las que logra expresar las numerosas y cambiantes
atmósferas.
- Harold en Italia: 2ª sinfonía. Inspirada en Childe Harold, de Lord Byron.
- Romeo y Julieta para orquesta, coro y solistas en 7 movimientos.
- Condenación de Fausto.
• Brhams
Autor más importante de todo el segundo Romanticismo: su obra no es
conservadora, sino progresista: en él se da una síntesis entre el pensamiento
Romántico y las formas Beethovenianas, que él ser el primero en igualar en
perfección.
Música sinfónica:
- 4 sinfonías: vitales para la historia de esta forma. En ellas recoge la
herencia de Beethoven con una perfección formal y expresiva que, en el campo
sinfónico, no había conseguido ningún Romántico anterior.
- 2 conciertos para piano y orquesta.
- Concierto para violín y orquesta.
- Doble concierto para violín, violonchelo y orquesta.
- Obertura académica. Obertura Trágica.
- Variaciones sobre un tema de Haydn.
- Requiem Alemán.
Música pianística:
- 3 sonatas para piano.
- 3 sonatas para violín y piano.
- 2 sonatas para violonchelo y piano.
- 3 tríos.
La música vocal en el Romanticismo: La ópera y el Lied
El Lied
El lied supone una nueva relación de la música con lo literario. Supone una
renovación de la música vocal en el Romanticismo.
Surge en el siguiente contexto: creciente admiración por lo salvaje, por la
simplicidad, por la espontaneidad, por lo nuevo, por la sensibilidad del labriego
cuyos productos aún no han sido contaminados por los efectos corrosivos de la
civilización: poesía popular, productos musicales del folklore, etc.).
Se pensaba que la poesía popular había sido compuesta para ser cantada.
Como las melodías originales destinadas a acompañar los poemas se habían
perdido los compositores las dotaron de melodías de nueva creación. Fueron
apareciendo colecciones por toda Alemania, Austria y otros países de lengua
alemana destinadas principalmente al consumo de aficionados, con las
siguientes características:
- poemas de pocas pretensiones dispuestos en estrofas regulares,
acompañados por una música de carácter estrófico y gran sencillez.
Compositores de Lieders.
• Schubert (1797 - 1828)
Con él, el Lied fue liberado de todas las convenciones de aria de ópera y
reducido al núcleo de la forma - el poema, la melodía y la ilustración a través
del piano.
Como antecedentes significativos podemos señalar: el melodrama (palabra
hablada, monólogo emotivo, con fondo orquestal a modo de recitativo
acompagnatto) y la balada (nacida de la combinación de melodrama y
canción).
Escribió más de 600 lieders, agrupados en ciclos: la bella molinera, el canto del
cisne, el viaje de invierno, etc.
Como características podemos señalar:
- Forma: la mayoría tienen forma estrófica con repetición literal o
ligeramente variada de la música en cada estrofa.
- Textos: escogidos de numerosos poetas: Goethe, Muller, etc.
- Hermosas melodías que expresan espontáneamente todos los matices
de los sentimientos y de los estados de ánimo.
- Los recursos musicales tienden a subrayar las cualidades dramáticas
del texto de una canción: modulaciones extensas y complejas con amplios
pasajes de indefinición tonal, empleo del cromatismo dentro de una sonoridad
diatónica, oscilación entre las formas mayor y menor de la tríada, etc.
- Su música, a pesar de ser Romántica, mantiene siempre cierta seriedad
y equilibrio clásicos.
-Aunque Schubert tendía a tematizar los lados tristes y oscuros de la
vida, muchos de sus canciones son considerados canciones populares hoy en
día, como es el caso de "Am Brunnen vor dem Tore" y "Das Heideröslein".
Sucesores de Schubert en el terreno del Lieder fueron:
• Schumann (1810 - 1856)
Desarrolló la técnica del ciclo más allá de la trama linear. Ejemplos son
el Liederkreis con texto de Joseph von Eichendorff, y los ciclos con poemas
de Heinrich Heine (Der arme Peter, Myrthen, Dichterliebe, Liederkreis op. 24).
-Sus ciclos no obedecen una lógica como los de Schubert, sino que son
ordenados para crear una trama intuitiva.
-Sus lieders son plenamente Románticos.
-Los acompañamientos tienen un enorme interés.
• Brahms (1833 - 1897)
La colección de canciones populares fue la fuente principal de inspiración para
los Lieder de Johannes Brahms.
Escribió alrededor de 260 y estos proceden de todos los periodos de su vida.
Toma a Schubert como modelo para la composición de sus canciones.
Sus propias canciones también fueron fuertemente inspiradas por textos y
melodías populares, en las cuales sentía un acceso directo a un mundo de
sentimientos básicos y honestos. En la mayor parte el tono de Brhams es serio
y en sus canciones predominan la contención, cierta gravedad clásica, y un
estado anímico introspectivo y resignado.
Brahms pone cuidado en no ocultar la melodía con el uso de
acompañamientos demasiado intrincados.
Sus canciones más típicas son aquellas que se ocupan de reflexiones
acerca de la muerte: cuatro cantos serios.
• Wolf (1860 - 1903)
Introduce en el mundo del Lied la armonía y la declamación dramática de las
óperas de Richard Wagner, especialmente en sus Lieder sobre textos
de Johann Wolfgang von Goethe, Joseph von
Eichendorff, Michelangelo, Eduard Mörike y otros poetas, aunque las obras
más personales de Wolf son los dos ciclos compuestos sobre textos poéticos
de España y de Italia: el Spanisches Liederbuch (Canciones
españolas) e Italianisches Liederbuch (Canciones italianas).
• Strauss (1864 - 1949)
Ampliaba el acompañamiento con versiones orquestradas para adaptarlos al
uso en la sala de concierto.
Alguna obras son: Cäecilie, Morgen, Schlechtes Wetter, Ich trage meine Minne,
Die Nacht etc.
El ciclo "Cuatro últimas canciones" de 1948 expone las posibilidades de esa
forma de modo ejemplar, haciendo uso también de una orden de ciclo.
La ópera Romántica
Los papeles de ópera escritos en el siglo XIX no habrían encontrado en el
XVIII intérpretes satisfactorios: requieren voces más timbradas, más potentes,
con mayor extensión hacia el grave, en detrimento de la ligereza en el agudo.
En la educación de los cantantes se da una importancia capital a la posición de
la voz. En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas
establecidas en el barroco o el clasicismo.
Desaparecen los castrati. La mayoría de los primeros papeles recaen en los
tenores. Los barítonos y bajos (sometidos en otros tiempos a desempeñar
papeles de capitanes de guardia, bufones o padres) van desempeñando
papeles principales.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que
tenía alguna conexión particular con su país
Se comienza a someter a las cantantes a las exigencias del texto, con lo
que se van eliminando sus arbitrariedades.
Los cantantes comienzan a preocuparse no solo de sus cualidades vocales
sino también de su presencia escénica.
La ópera italiana
La ópera nació en Italia alrededor del año 1600, en donde continuó teniendo un
rol dominante en la historia del género hasta el día de hoy. Las obras
de compositores italianos del siglo XIX y principios del siglo XX, se encuentran
entre las más famosas jamás escritas, y hasta el presente son representadas
en los principales teatros de ópera de todo el mundo.
Cinco grandes compositores aseguran una gran vitalidad para la ópera
Italiana del siglo XIX:
• Rossini, podemos dividir su vida en dos periodos:
- hasta 1829: compone sus obras maestras a la edad de 25 años. El
barbero de Sevilla y Cenerentola.
- Después de 1829: se produce el semifracaso de su gran ópera
Romántica: Guillermo Tell, y toma la decisión de retirarse. En esta segunda
parte de su vida solo compondrá algunas obras religiosas y pequeñas piezas
irónicas para piano.
Rossini no es un Romántico. Su obra, en muchos aspectos en la antítesis de
la de Beethoven: alegría, buen humor, calidad en la inspiración melódica, frente
a la grandiosidad de éste último.
Con él la ópera italiana adquiere algunas innovaciones interesantes:
- En Elisabetta regina d´Inghilterra escribe con todas las notas los
ornamentos, pasajes y cadencias, poniendo fin al privilegio que se habían
reservado los cantantes de improvisar estos embellecimientos.
- En Guillermo Tell cambia el concepto de obertura: hasta aquí la había
considerado solo como un telón escénico musical. En ésta, la obertura adapta
la forma de un poema sinfónico que crea la atmósfera del drama, presentando
una síntesis de los temas psicológicos.
- A veces son los instrumentos los que cantan la melodía y los
personajes solo la puntúan.
• Donizetti: escribió unas 40 óperas, de las que "el elixir del amor" y "Don
Pascuale" son sus obras maestras. Trabajó con mucha rapidez y esto le
impidió crear una obra homogénea. Su música es fácil, antítesis de lo
sublime.
• Bellini: creador de melodías sublimes, se le reprocha la pobreza de la
polifonía y la orquestación. Es absurdo: una melodía tan perfecta debe
estar acompañada sólo por un murmullo. Escribió menos que el anterior,
pero con un cuidado extremo. Norma, los puritanos, la sonánbula, son
algunas de sus obras más importantes.
• Puccini: la boheme, tosca, madame Buterfly. Pocos como ‚l han sabido
reflejar los diferentes aspectos psicológicos del alma femenina, pudiendo
ser considerado, en este sentido, el creador de la ópera psicológica
moderna.
• Verdi: rompe con una tradición selectiva de la música que impone al
oyente las convenciones de una cultura musical minoritaria: la ópera de
Verdi es popular sin caer en un demagogia vulgar.
Fue un artista comprometido con el ideal revolucionario de la unidad Italiana
(Nabucco 1842). Aquí se observa un espíritu patriótico. Sin embargo, sus obras
ni son un instrumento de propaganda ni se esfuerza en que no lo sean.
Podemos distinguir en su obra tres grandes cimas:
- 1ª: Rigoletto, il trovatore, la traviatta: en las tres una heroína trágica
muere de amor lo cual le garantiza el éxito popular y la universalidad.
- 2ª: Aida: modelo de la ópera Romántica Italiana, también aquí una
heroína hace el sacrificio de su vida. Existe un desplazamiento histórico y
geográfico que facilita la expresión de sentimientos universales. Todo es claro,
sencillo, fuerte. Los recursos est n empleados con una espontaneidad que
fuerza la emoción del más escéptico.
- 3ª: Otello y Falstaff: rompe con la concepción popular de las obras
precedentes. Emprende un nuevo camino: crea los modelos de un futuro teatro
musical al ampliar y conceder a la orquesta un papel dramático, al crear una
declamación melódica original de la lengua Italiana (perfecta asociación de la
música con el lenguaje italiano).
La ópera en Alemania La ópera romántica alemana, al igual que el lied, se abrió camino en el siglo
XIX y, a medida que avanzaba el siglo, el drama musical wagneriano se
difundió por toda Europa.
• Wagner: con la tetralogía el anillo del nibelungo pretende crear un drama
musical que fuese arte total y que respondiese al principio estético de la
fusión de las artes. Él mismo no creyó mucho tiempo en ‚esto: la
capacidad de las artes para complementarse es el fundamento del teatro
musical, su fusión, por tanto, carece de sentido.
En esta misma tetralogía Wagner hace un uso sistemático del Leit-motiv. No
es una invención de Wagner: Monteverdi, Bach, Mozart, Berlioz, etc. nos
proporcionan ejemplos. Wagner aporta como novedad su uso sistemático. Def:
utilización simbólica de motivos musicales que provocan, en el momento
oportuno y por el camino del inconsciente, las asociaciones de ideas deseadas.
El arte de Wagner es esencialmente musical: es la música (a través de leit-
motivs) la que conduce el drama. Sin embargo él creyó establecer la primacía
del drama.
Habrá que esperar hasta R. Staruss (Rosenkavaliaer) para ver continuada la
herencia de Wagner.
La ópera en Francia
Durante la primera mitad del siglo XIX la ópera en Francia es asunto de
músicos extranjeros: Cherubini, Meyerbeer.
En la segunda mitad del siglo aparecen los compositores franceses:
• Berlioz: Benbenuto Cellini, la condenación de Fausto, les troyens. No
tienen éxito es su tierra y no son representadas íntegramente hasta 100
años después de la muerte del compositor, y el Inglaterra.
• Gounod: Fausto, Mireille, Romeo y Julieta. Estas fueron acogidas
triunfalmente.
• Offenbach: creador de la opereta Francesa: réplica irónica de la gran
ópera (la bella Helena, la vida parisina, los cuentos de Hoffman, etc.).
• d) Bizet: con excepción de "la Jolie fille a París" las obras maestras de
Bizet (Carmen y los pescadores de perlas) fueron acogidas con
indiferencia y hostilidad.
• Saint-Saens: del que Wagner llegó a decir que era «el más grande
compositor francés vivo, tuvo muchos problemas para estrenar su
primera ópera, Le Timbre d’argent. En 1877 finalizó su tercera ópera,
Sansón y Dalila. Saint-Saëns siguió componiendo óperas casi hasta su
muerte, aunque nunca logró repetir el gran éxito de Sanson.
• Massenet: compuso más de cuarenta óperas, abordando todos los
géneros, en un estilo característico, nada innovador pero de una gran
eficacia, suave y elegante, en el que que supo sacar partido a sus
grandes dotes teatrales y a su habilidad melodística y maestría
orquestadora. El éxito le llegó plenamente con Manon. Massenet siguió
estrenando puntualmente hasta su muerte, obras como Werther.