taller de audiovisuales - wordpress.com · cámara al hombro: tanto la panorámica como el...
TRANSCRIPT
TALLER DE AUDIOVISUALES
Doce
nte
: E
dgar
San
tam
arí
a A
riza
ASPECTOS BÁSICOS SOBRE LENGUAJE AUDIOVISUAL
3.1 Tipos de obras audiovisuales
En cuanto a su duración:
Largometrajes: producciones de más de 60’ de duración.
Mediometrajes: producciones entre los 30’ y los 60’ de duración.
Cortometrajes: producciones entre unos segundos y 30’ de duración.
En cuanto a su intencionalidad:
Documental: se pretende captar la realidad tal y como es y someterla
a análisis.
Ficción: al contrario que en el documental, las obras de ficción no
buscan captar la realidad sino recrearla y manipularla con el fin de
narrar hechos que pueden o no haber ocurrido. Es el género más
comercial.
Creación: el objetivo de este tipo de películas es el arte en sí, sin las
limitaciones de los géneros, las convenciones narrativas y los
estándares comerciales.
TIPOS DE PLANOS
Plano de detalle (PD): es un plano muy cercano en el que la cámara nos muestra un
objeto, un detalle de un objeto o un detalle de una persona o animal. Sirve para recalcar
la presencia de algo para que no pase desapercibida por el espectador ya que es
importante para la trama.
Primer plano (PP): es un plano que enmarca el rostro del personaje y parte de sus
hombros. Sirve para mostrar las emociones del personaje y sus reacciones ante lo que
está sucediendo. Nos acerca al personaje.
Plano medio (PM): es un plano que encuadra al personaje por encima de la cintura. Nos
lo muestra cercano pero nos da más pistas sobre su persona (cómo viste). También
permite la inclusión de más elementos en el cuadro (una segunda persona, por ejemplo).
Es un plano ideal para mostrar conversaciones.
Plano americano (PA): es un plano que encuadra al actor desde la cabeza hasta las
rodillas y se llama así porque se utilizó mucho en los westerns ya que servía para
encuadrar al pistolero hasta la altura de su pistola. Pueden aparecer más detalles en el
entorno, si bien el interés está en la acción que desarrolla el actor más que en él mismo.
Plano general (PG): es un plano en el que el personaje aparece de personaje de cuerpo
entero y rodeado por su entorno. Pude o no haber más personajes. Puede ser un plano
general corto o largo, según la amplitud que lo encuadra. Un plano general largo es
adecuado para mostrar una escena de batalla o un paisaje majestuoso. En ocasiones
puede ser utilizado para destacar la soledad de un personaje, situando su figura vista a lo
lejos y caminando por un desierto.
MOVIMIENTO DE CÁMARA
Movimientos de cámara: el movimiento de cámara siempre debe
llevarnos de un punto de interés a otro, mover la cámara porque sí carece
de sentido y confunde al espectador.
Panorámica: la cámara efectúa un movimiento de rotación, es decir, gira
sobre su propio eje horizontal. Tienen una función descriptiva.
Travelling: la cámara efectúa un movimiento de traslación, es decir,
cambia su situación sobre el suelo. Sirve para seguir el movimiento de un
objeto de interés (una persona, un vehículo…) a su misma velocidad.
Cámara al hombro: tanto la panorámica como el travelling se pueden
realizar cámara al hombro, lo que confiere frescura a la narración. Existen
variantes de estos movimientos como el travelling subjetivo en el que el
cámara camina o corre y simula que lo que vemos es lo mismo que ve el
personaje.
Zoom: se puede simular un travelling mediante el zoom de la cámara. Sin
embargo, este recurso da como resultado un efecto muy poco realista. La
perspectiva no cambia, simplemente conseguimos hacer más grande una
porción de la imagen. Es uso del zoom debe limitarse al mínimo y a ser
posible no utilizarlo.
ANGULACIÓN
Existen diferentes tipos de angulación y todos ellos responden a diferentes necesidades expresivas y funcionales.
Eje perpendicular (Normal): es la más convencional y utilizada. La cámara se sitúa perpendicularmente a la acción que pretende captar. Está situada a la misma altura que los personajes. Es la angulación más realista.
Picado: la cámara se sitúa a una altura superior a la de los personajes y los graba desde arriba. Suele dar una sensación vértigo o inferioridad del personaje que aparece.
Contrapicado: la cámara se sitúa a una altura inferior a la de los personajes y los filma desde abajo. Se suele emplear para dar una apariencia de superioridad.
Angulación aberrante: no se utiliza demasiado salvo cuando se pretende provocar sensaciones muy concretas (extremas o desconcertantes). La cámara se ladea lateralmente además de por encima o debajo de la perpendicularidad produciendo un punto de vista que sugiera inestabilidad, ruptura, desequilibrio…
EL EQUIPO DE TRABAJO
Equipo técnico
Guionista
Es el encargado de escribir la historia.
Músico
Su trabajo comienza una vez que la película está montada, ya que ha de
componer la música para que coincida con exactitud con los momentos
acordados en cada secuencia.
Equipo de producción
Productor: es el propietario de la película, el empresario, el que asume el
riesgo económico. Pone el dinero o busca la financiación. El beneficio de la
película es para el productor.
Jefe de localizaciones: es el encargado de llevar a cabo la contratación con
los dueños de las localizaciones. Es el encargado de organizar la comida, de
los desplazamientos, etc
EL EQUIPO DE TRABAJO
Equipo de dirección
Director: es el responsable de la calidad de la película desde el punto de vista
artístico y narrativo, así como de decidir el tono de la película (tipo de
interpretación de los actores, ritmo, colores, fotografía, puesta en escena,
etc.). Suele intervenir en la elección final de los actores y en las correcciones
del guión. Diseña la planificación de la película.
Ayudante de dirección: su trabajo es organizar el set de rodaje. Tiene que
controlarlo todo y ser consciente de todas las necesidades en cada momento.
Es quien elige en qué orden se van a rodar los planos.
Script: encargado de llevar los partes de rodaje y de mantener la continuidad
de movimiento, posición, mirada y escenográfico en cuanto al atrezo,
maquillaje, vestuario e iluminación.
EL EQUIPO DE TRABAJO
Equipo de cámara
Director de fotografía: trabaja ínfimamente relacionado con los equipos de
maquillaje, vestuario y arte. Posiciona los focos, mide la luz, etc. En
postproducción trabaja dirigiendo el trabajo del etalonador.
(Etalonaje se entiende el proceso de ajuste de color para cada toma
montada a partir de la primera copia para evitar saltos de continuidad de luz)
Operador de cámara: es la persona que maneja la cámara y por tanto
responsable de los encuadres.
Eléctricos: son los que físicamente colocan y enchufan los aparatos de
iluminación.
Equipo de sonido
Técnico de sonido: responsable de la grabación del sonido directo. Tiene
que conseguir el sonido más limpio posible.
Pertiguista: sostiene el micrófono cuando se rueda.
EL EQUIPO DE TRABAJO
Equipo de dirección artística Director artístico: responsable de la estética física de la película.
Figurinista: establece la forma de vestir de los personajes.
Maquillador
Peluquero
Equipo de efectos especiales Jefe de efectos especiales: diseña los efectos necesarios desde efecto de
lluvia a grandes exposiciones, así como maquillaje de deformaciones, sangre,
etc.
Equipo de postproducción Montador
Equipo artístico
Actores
Especialistas
Dobladores: suelen ser de voz o de desnudos.
5 FASES DE PRODUCCIÓN DE UN CORTOMETRAJE
5.1 Escritura del guión
A partir de una idea, se escribe el guión literario. El metraje ideal para un
cortometraje es de 15 minutos o menos. La idea no deberá ser excesivamente
compleja, ni pretenciosa. Es mejor contar bien una historia. Por ello que es
importante esta idea de partida: un buen guión, una historia sencilla, y no de más
de 20 minutos.
5.2 Preproducción
Recursos disponibles
Una vez decidida la idea a contar, hay que ver con qué medios se cuenta
(económicos, técnicos y humanos). Por el lado económico, es cierto que se pueden
hacer cortos prácticamente gratis.
Elección del equipo técnico y artístico
Ya aprobado el presupuesto, se escoge al equipo técnico y artístico. Se pueden
hacer pruebas a actores, en caso de ser necesario.
Es primordial la buena elección del Director de fotografía, ya que será la mano
derecha del director, junto con el Ayudante de dirección. También conviene tener a
una persona eficaz como Jefe de producción, capaz de solucionar cualquier
problema con la mayor rapidez y soltura.
El guión técnico y story board
A partir del guión literario, se escribe un guión técnico (esta tarea la realiza el
director) donde se desmenuzará cada plano del corto indicando su tipo de
plano (PG, PM, PP, D) Al mismo tiempo se puede elaborar un Story Board, con
una viñeta para cada plano. Esta tarea, aunque es minuciosa, ayudará
enormemente a la hora de rodar, ahorrando mucho tiempo. Cada plano tendrá
su propia viñeta, y vendrá indicado si hay algún movimiento de cámara
(panorámica, travelling...)
5 FASES DE PRODUCCIÓN DE UN CORTOMETRAJE
5.3 Producción
El rodaje
Todo debe estar listo para rodar. Se seguirá el orden establecido por el
ayudante de dirección en el plan de rodaje, según las localizaciones, campos
de luz, disponibilidad de los actores, etc. Normalmente se tiende a rodar
muchas horas seguidas para ahorrar recursos. Un corto, de unos 15 minutos
tarda en rodarse unos tres días. A veces más y otras menos, todo depende de
la complejidad del proyecto, número de localizaciones, si hay efectos
especiales o no...
5.4 Postproducción
El montaje
La historia ya está registrada en tomas sueltas, ya que el rodaje no se realiza
normalmente respetando el orden del guión. Por tanto, ahora hay que ordenar
las tomas dentro de la historia que se quiere contar. También habrá que
sincronizar el sonido, seleccionar la música y los sonidos, etc.
5 FASES DE PRODUCCIÓN DE UN CORTOMETRAJE
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
6.1 Características de un guionista
Ser observador
Tomar notas de todo
Inventar e imaginar
Adaptar anécdotas, historias, leyendas, rumores...
Leer todo lo que caiga en sus manos
Escribir con corrección
6.2 Pasos a seguir en la elaboración de un guión
La Idea: es una frase sencilla que resume la película. En la idea debe
aparecer un personaje, un tema y una acción. Debemos responder a la
pregunta: ¿de qué trata la historia?, ¿qué queremos contar?, en una sola
frase.
La Sinopsis: es un resumen descriptivo de personajes y situaciones. En
cortometrajes, ocupa entre medio folio y un folio.
Escaleta de secuencias: una secuencia es el intervalo de la película con
continuidad de espacio y tiempo. Una escaleta se compone de todas las
secuencias que van a formar la película. Nos permite tener el esqueleto de
nuestra película a la vista.
*En un cortometraje, contaremos entre 6 y 10 secuencias.
Escaleta de secuencias:
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
Guión literario: se trata del guión acabado. Las normas de escritura
formal para el guión acabado son:
Diálogos centrados con el nombre del personaje en mayúscula.
Descripciones justificadas de derecha a izquierda, ocupando todo el
ancho de la página.
Cada secuencia se encabeza igual que la escaleta.
La primera vez que aparece un personaje en una descripción se
suele poner su nombre en mayúsculas (aunque muchos guionistas
ponen los nombres siempre en mayúsculas).
No existen en el guión "planos", ni la palabra "cámara", ni
descripciones técnicas de ningún tipo.
Se puede cambiar de una secuencia a otra con las fórmulas: CORTA
A, FUNDE A, ENCADENA A o simplemente no se pone nada.
Solo existe el verbo presente en un guión.
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
La estructura es la columna vertebral del guión. Existen varios tipos de
estructura pero nos vamos a centrar en la estructura clásica.
Desde la tragedia griega, pasando por Shakespeare, hasta hoy, la
estructura dramática clásica está basada en tres actos: planteamiento,
desarrollo y desenlace.
La estructura clásica se basa en una historia construida entorno a un
protagonista activo que lucha contra fuerzas externas de antagonismo
para lograr conseguir su deseo en una realidad que responde a las
variables de causa y efecto y cuya resolución se basa en un final
cerrado.
Generalmente una historia se estructura en:
Estructura
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
Acto I: Planteamiento. Los primeros minutos de una historia pueden
ser cruciales, pueden enganchar al espectador o hacerle sentirse
incómodo y aburrido. El planteamiento nos tiene que dar pistas sobre
nuestro protagonista, presentarlo, presentar nuestro tema y la
dirección en la que ira la historia. Tras las presentaciones, tiene que
desarrollarse lo que va a ser la acción de la película.
Detonante: Como hemos dicho, no existe drama si no se rompe el
ritual establecido, es decir, sí no ocurre algo inesperado y fuera de lo
común: una explosión, una noticia, una carta, una llamada telefónica,
un personaje nuevo... Es lo que podríamos llamar el primer empujón.
1er. punto de giro: Es la única manera de mantener el interés. Es un
cambio de valor entre secuencias pero a mayor escala. Lo que se
pretende es: hacer girar la acción en otra dirección, suscitar la
cuestión principal, elevar el riesgo que corre el protagonista.
Estructura
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
Acto II: Desarrollo. Es el más largo y pantanoso para el guionista. En el 2º acto es
especialmente importante que una secuencia conduzca a la siguiente en una relación
causa-efecto o acción-reacción. También es aquí donde aparecen todas las barreras que
impedirán que la historia termine, de momento. Son impedimentos, dificultades, en
resumen, “vueltas que da la vida” y que impiden que el protagonista o los protagonistas
culminen sus deseos. Otro mecanismo a tener en cuenta es la anticipación: anticipar cosas
que se van a desvelar después. Es decir, puesto que el guionista está en poder del
conocimiento de la historia al completo, es bueno que en algunos momentos se hagan
guiños al espectador que le lleven a deducir, aunque sea a posteriori, qué va a ocurrir en la
historia. Anticipar se podría tomar también como relacionar cosas y temas.
2º punto de giro: al final del segundo acto aproximadamente ocurre un nuevo
acontecimiento que cambia la historia de manera significativa. En el 2º punto de giro: todo
gira en una nueva dirección, suscita la cuestión central, eleva el riesgo de lo que está en
juego, marca una cuenta atrás (diferencia con el primer punto de giro).
Acto III: Clímax y resolución. Se atan todos los cabos sueltos, se contesta a la pregunta
que habíamos planteado, se acaba la tensión, el personaje logra su objetivo o desiste.
Características de un buen final:
Único. El protagonista resuelve la historia.
Es sorprendente. Coherente y lógico con el resto de la historia.
“Feliz”.
Estructura
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
Uno de los elementos claves para disfrutar de la película es la emoción que suscita y,
¿por qué suscita emoción una película? Porque la audiencia ha conectado
emocionalmente con el personaje o personajes protagonistas. Sienten por y con los
personajes. Por eso sus emociones siempre tienen que parecer reales.
El guionista debe conocer bien a sus personajes, debe saber su edad, sexo, estilo de
vida, forma de hablar, familia, personalidad, etc.
La verdadera naturaleza de nuestro personaje se revela en las decisiones que toma
cuando está bajo presión; cuanto mayor es la presión, más real se muestra la verdadera
naturaleza del personaje.
El personaje debe enfrentarse a conflictos, que pueden ser:
Internos: mente, cuerpo, emociones...
Personales: familia, amor, amigos...
Extrapersonales: individuos/sociedad, ambiente, instituciones sociales, lo paranormal...
Tipos de personajes:
Protagonista: es el personaje que lleva el peso de la acción, sobre el que recae la
simpatía del espectador y con el que se debe empatizar. Resuelve la película
Antagonista: todo protagonista tiene su antagonista, que puede ser un personaje, un
fenómeno de la naturaleza o un conjunto de personas.
Secundarios: acompañan la acción del protagonista, le apoyan.
Anecdóticos: aparecen y desaparecen según las necesidades de la acción.
6.3.1 Los personajes
6 INTRODUCCIÓN AL GUIÓN
6.3.2 El diálogo
Algunas normas de diálogo:
Se debe decir lo máximo en las menos palabras posibles. Debe tener
un propósito. No debe repetir nada ya dicho.
El mejor consejo para escribir diálogos en cine es NO los escribas.
Pregúntate, ¿cómo puedo escribir esto de manera puramente visual?
El diálogo a veces no requiere frases completas con artículo, verbo,
adjetivo, pronombre etc. Requiere frescura.
Los silencios son tan importantes como el diálogo.
El modo de pensar del personaje se debe reflejar en sus actos, como
dijimos, pero también en sus diálogos.
Resultan interesantes (siempre que proceda) las frases suspense...
que dejan al espectador colgado deseando saber qué se va a decir.
7 INTRODUCCIÓN AL MONTAJE
Reglas de montaje:
La regla de la gradación a escala: a un plano general largo (un paisaje) no le puede
seguir un primerísimo plano (por poner un ejemplo) de un rostro. Deben intercalarse
planos de escala intermedia entre ambos porque sino el salto es demasiado grande:
¿dónde estaba ese personaje en el paisaje anterior? ¿hemos cambiado de lugar?... El no
respetar esta regla crea confusión y descoloca al espectador.
La regla de los 90º: si en el montaje colocamos consecutivamente dos planos de la
misma escala (dos planos medios de un mismo personaje por ejemplo) estos deberán
tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al menos 90º. De lo contrario, al ser
planos tan parecidos parecerá que ha habido un corte o al menos un efecto extraño y
desagradable para el espectador.
La regla del salto de eje: dos planos consecutivos deberán ser siempre tomados desde
el mismo lado del eje de la acción. Por ejemplo, en una conversación y durante un plano-
contraplano (primero se ve a uno de los personajes de frente y al otro de espaldas y,
luego, al contrario) la cámara deberá estar siempre en el mismo lado de forma que el
personaje A esté siempre a la derecha y el B a la izquierda y viceversa. No respetar esta
regla supone sumir al espectador en el más completo caos respecto a las coordenadas
espaciales pudiendo llegar a creer que hay una tercera persona, que un personaje mira al
lado contrario al hablar, etc.
7 INTRODUCCIÓN AL MONTAJE
7 INTRODUCCIÓN AL MONTAJE
Transiciones básicas entre plano y plano:
Dejando a parte la multitud de cortinillas y efectos digitales que los modernos
programas de edición digital nos permiten, las transiciones fundamentales
entre plano y plano son:
Al corte: un plano sigue a otro directa y limpiamente. Sugiere una continuidad
espacio-temporal en la acción por lo tanto hay que cuidar el raccord para no
dar lugar a los "temidos" gazapos. Si cambiamos de lugar y momento de la
acción mediante un corte, el plano siguiente debe ser lo suficientemente
diferente como para que el espectador no piense que continúa viendo la
misma escena.
Fundido: un plano va desvaneciéndose dejando la pantalla, generalmente, en
negro (aunque es posible fundir a cualquier color).
Fundido encadenado: un plano va desvaneciéndose y deja lugar al siguiente
que va apareciendo en pantalla.