Salvador Dalí Domenech1904 - 1989 (Figueres, España)

Nació el 11 de mayo de 1904 a las 8:45 de la mañana en el pueblo de Figueres, Girona, como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y Felipa Doménech. Nació tres años después de la muerte de su hermano primogénito causada por una meningitis cuando sólo contaba siete años. El nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto, de quien el pintor parece el gemelo. El niño enfermo es el título de su primer autorretrato, realizado a la edad de diez años. Poco después comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien aprendió el uso del claroscuro.

Fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) en 1921, de la cual fue expulsado, acusado de subversión anarquista; fue arrestado y pasó un corto período en la cárcel, en Girona (1923). Tras ser readmitido, fue definitivamente expulsado en 1926 por su excentricidad. Se cuenta que cuando en un examen le pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí respondió al tribunal: "Me es imposible hablar de ese sujeto delante de los tres profesores, porque yo sé mucho más sobre de Rafael que todos ustedes reunidos."

Al año siguiente conoció a Picasso en París, y diez años más tarde, en Londres, Stefan Zweig le presentó a Sigmund Freud. Conoció a Luis Buñuel y García Lorca en Madrid en 1923. Con Buñuel realizó la escenificación de "El perro andaluz" y colaboró, en una segunda etapa, en L´age d´or. Durante sus años en París, adquirió las características del surrealismo en 1930 Sus obras en este periodo se inspiran en las teorías de Freud.

Coincidiendo con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Salvador Dalí y Gala se establecieron durante unos años en los Estados Unidos, donde su pintura de estilo realista y onírico tuvo mucho éxito. Escribió Vida secreta de Salvador Dalí y también trabajó para el cine, el teatro, la ópera y el ballet. De los años cuarenta datan obras importantes como Autorretrato blando con beicon frito, La cesta de pan, Leda atómica y La Madonna de Portlligat. Convertido en uno de los img pintores más famosos del momento, en 1948 volvió a vivir a Europa y

realizó largas estancias en su casa y taller de Portlligat.

La religión, la historia y la ciencia ocuparon, cada vez más, la temática de buena parte de sus obras durante los años cincuenta y sesenta; muchas de ellas eran de gran formato. Durante estos años pintó obras muy conocidas, como Cristo de San Juan de la Cruz, Galatea de las esferas, Corpus Hipercubicus, El descubrimiento de América por Cristóbal Colón y La última cena.

Durante los años setenta Salvador Dalí creó e inauguró el Teatro-Museo Dalí en Figueres, donde está expuesta una gran colección de su obra, desde los inicios y sus creaciones dentro del surrealismo hasta las obras de los últimos años de su vida.

Después de vivir durante muchos años en Portlligat, cuando murió su esposa Gala se trasladó unos años al Castillo de Púbol y pasó la última época de su vida en la Torre Galatea de Figueres, cerca del Teatro-Museo Dalí, donde quiso ser enterrado.

El 23 de enero de 1984, muere en el hospital de Figueras, a los 84 años de edad. Su cadáver es embalsamado y enterrado en una tumba bajo la cúpula geodésica que domina su museo en Figueras.

Edvard Munich

(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió

algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar almas. Por ello, los temás más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso).

Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.

Camille PissarroEl pintor francés, Camille Pissarro es uno de los fundadores del Impresionismo. Era el mayor del grupo y el único que participó en las ocho exposiciones que celebraron.

Nació el 10 de julio de 1830 en Santo Tomás (Islas Vírgenes), era hijo de un próspero comerciante judío. A los 12 años viajó a París para realizar sus estudios y

el ambiente de la ciudad despertó en él su interés por el arte. De regreso a Santo Tomás, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo que trabajó en el comercio paterno mientras realizaba bocetos inspirados en la Isla.

En 1852 fue a Caracas como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl y allí pintó paisajes y escenas de costumbres. En 1855 se trasladó a París, estudió en la Escuela de Bellas Artes, en la Academia Suiza y más tarde, con el paisajista francés Camille Corot. Conoció a Monet, Cézanne y Guillaumin y frecuentó el Café Guerbois, donde se reunían un gran número de artistas y escritores para discutir ideas.

Viajó a Londres y allí coincidió con Monet, juntos hicieron estudios de edificios envueltos en nieblas. A su regreso a Francia se unió a Manet, Monet, Renoir, Sisley y Guillaumin y decidieron formar un grupo. Así nació el impresionismo.

Hasta esa época, sus obras se asocian a la Escuela de Barbizon. Influido por Corot y Courbet, pintó con una gama sobria de verdes y grises. Pero, poco a poco, su paleta irá adquiriendo luminosidad.

Durante la Guerra Franco-prusiana (1870-1871), marchó a Inglaterra. A su vuelta, su casa había sido saqueada y parte de sus pinturas estaban destruidas. Atraído por los paisajes, decidió alquilar una casa en Pontoise,

Entre sus temas, destacan los relacionados con la vida natural y rural. En sus escenas representa casas, árboles, campos, montones de heno y campesinos trabajando.

Más tarde, influenciado por Seurat y Signac, experimentó el puntillismo, que consiste en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color yuxtapuestas. Las críticas recibidas lo llevaron a abandonar esta técnica y a retomar el impresionismo.

Cuando su enfermedad ocular empeoró tuvo que abandonar la pintura al aire libre y centrarse en escenas urbanas. Se trasladó a Ruán y pintó excelentes vistas de la ciudad y de su puerto, y después pasó a París, donde murió en 1903.

Tarsila Do Amaral

(Capivari, 1886-São Paulo, 1973) Pintora brasileña. En 1916 comenzó sus estudios de arte en Sâo Paulo y en 1920 los continuó en París, donde estudió con los pintores cubistas franceses André Lhote, Fernand Léger y Albert Gleizes. Celebró su primera exposición individual en París en 1926, y en ella se pudo ver la que sería su obra más emblemática, La Negra (1923).

Su relación con el escritor brasileño Oswald Andrade, con quien vivió durante unos años, contribuyó al intercambio de ideas entre artistas brasileños de vanguardia y escritores y artistas franceses. Sus telas reflejan una gran diversidad de influencias. Por lo general, representan paisajes de su país con una vegetación y fauna de vívidos colores, de formas geométricas y planas con influencias cubistas. Al igual que otros artistas brasileños de su época, estaba interesada en los orígenes africanos de su cultura y solía incorporar a su obra elementos afrobrasileños.

A finales de la década de 1920 comenzó a pintar una serie de paisajes brasileños de corte onírico influidos por el surrealismo francés. Tras un viaje a Moscú en 1931, incorporó aspectos del realismo socialista, estilo artístico oficial aprobado por el gobierno soviético en el que se representaba a obreros y campesinos en posturas monumentales y heroicas. Sin embargo, pronto retornó a sus temas iniciales, y pintó cuadros surrealistas de figuras alargadas en los que plasmó las brillantes tonalidades rosas y anaranjadas de la tierra brasileña.

RAMÓN VERGARA GREZ

Pintor chileno. Nació en Mejillones, Antofagasta el año 1923. Falleció en Santiago de Chile el 2 de mayo de 2012. Estudió en Antofagasta y más tarde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile en Santiago. En 1964 visitó los principales centros de educación artística de Estados Unidos, invitado por el Departamento de Estado. En 1965 participó en la VIII Bienal de Sao Paulo, donde fue seleccionado entre los 17 mejores pintores latinoamericanos para la Exposición “Seventeen Painters of Latín América”, que recorrió las principales ciudades de Estados Unidos.

En 1972 fue nombrado Miembro de Número en la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile y fue secretario de la misma en 1974 y 1976. Alejado de la tradición pictórica que lo rodeaba, comenzó a sentir interés por un arte de mayor reflexión intelectual, de estudio de las formas y del orden del universo que se manifestó en

creaciones de gran fuerza testimonial y simbólica de sus raíces. La trayectoria pictórica de Vergara Grez ha estado marcada por el oficio y la perseverancia. Desde sus inicios figurativos, en naturalezas muertas, paisajes y retratos, planteó el arte como problema, como un absoluto plástico despojado del instinto al reducirlo a formas geométricas para llegar a un juego de equilibrios y conceptos. En sus obras persigue la idea de creación y educación artística que interprete a la sociedad moderna sobre la base de la interdisciplina académica artística y científica. Plantea además, una búsqueda de la propia identidad en el pasado

precolombino, inscrito en una cultura cósmica universal, que es geométrica, estructural, rítmica, simbólica y metafísica. En sus cuadros al óleo y obras murales, utiliza un lenguaje de códigos geométricos personales con un fuerte colorido.

Alberto Orrego Luco(Valparaíso, 1854 - Santiago, 1931) Pintor chileno de estilo muy personal que supo mantenerse al margen de las tendencias imperantes en su época. Encontró en los paisajes naturales el tema predilecto para desarrollar su pintura, aunque al mismo tiempo influyó en la renovación de la disciplina en su país y se convirtió en una referencia obligada para posteriores paisajistas chilenos.

Perteneciente a una ilustre familia chilena, Alberto Orrego cultivó su vocación artística desde muy joven, de forma que con tan sólo 18 años recibió la Mención de Honor de la Exposición del Mercado Central de Santiago, donde expuso algunas de sus primeras pinturas. En 1873 se trasladó a Francia con la pretensión de iniciar estudios de medicina, pero, cautivado por el ambiente artístico parisino, decidió dedicarse por entero a la pintura.

En la capital francesa fue alumno de Alexandre Cabanel y acudió a la prestigiosa Academia Julien. Participó habitualmente en los concursos del Salón Oficial, obteniendo en 1877 una meritoria Segunda Medalla con la obra San Francisco, e incluso llegó a exhibir

junto a algunos de los pintores impresionistas, pese a su diferente estilo.

A principios de la década de 1880 se trasladó a Italia, fijando su residencia en Venecia. La larga estancia en la ciudad de los canales, prolongada hasta 1890

debido a la obtención del cargo de cónsul chileno, influyó notablamente en su manera de pintar y en su vida personal, ya que allí conoció y contrajo matrimonio con una italiana, Carlina Rossi.

Su carrera diplomática le llevó posteriormente hasta Sevilla (1892), para regresar nuevamente a tierras italianas como cónsul de su país en Génova, hasta 1914, y en Roma, durante los cruciales años de la Primera Guerra Mundial. Pese a desarrollar la mayor parte de su trayectoria vital y artística en Europa, visitó con frecuencia Chile, participó en exposiciones y recibió algunos premios. A raíz del fallecimiento de su esposa vivió alejado de toda actividad pública en Santiago, donde residía desde 1919.

La principal aportación artística de Orrego Luco radicó en el tratamiento de los paisajes rurales y las marinas, que constituyeron una fuente de inspiración a lo largo de su vida; pintó especialmente estampas provenientes de su tierra natal chilena y del paisaje veneciano. Calificado a veces de expresionista debido a lo personal e íntimo de su estilo, Orrego representó la tendencia que, una vez superada la etapa del impresionismo, retomó el gusto por el dibujo y el equilibrio formal, así como una utilización más convencional del color que se traduce en cuadros serenos, elegantes, que sobre todo intentan captar los sutiles efectos cromáticos que los cambios de luz crean en el paisaje.

Buenos ejemplos de ello son Atardecer en Venecia y Puesta del sol en el mar, obras en las que también se manifiesta la profunda huella que sobre él ejerció la escuela veneciana. Un concienzudo estudio del color, que alcanza su máxima cota en la gama de los grises, crea en ocasiones una atmósfera artificial y una sensación de intemporalidad que será nota distintiva en posteriores maestros chilenos (Roser Bru o Isaías Cabezón). Nocturno veneciano y Laguna del Parque Cousiño son, además de las ya citadas, otras de sus obras más representativas.

Helsby Hazell, Alfredo (1862-1933).

Pintor chileno nacido en Valparaíso el 22 de julio de 1862 y muerto en Santiago el 24 de julio de 1933. Está considerado el paisajista de las tierras sureñas de Chile y uno de los más notables maestros de la pintura chilena del siglo XIX por su radicalización de la percepción visual y el acomodo de los medios plásticos a la sintonía dinámica de la naturaleza.

Alfredo Helsby fue hijo de inmigrantes ingleses, siendo su padre el famoso fotógrafo, retratista e introductor y difusor del daguerrotipo y la fotografía en Chile, William G. Helsby. Estudió pintura en Santiago bajo la dirección de Alfredo Valenzuela Puelma, a quien consideró su maestro por introducirle en el dibujo y la composición y cuya enseñanza le acercó a los postulados académicos aunque nunca se incorporó a la principal institución artística nacional. No tuvo, pues, que recorrer un largo sendero académico para advertir que la pintura exigía superar fórmulas gastadas y que era necesario generar un nuevo y más abierto vocabulario pictórico. Le bastó para ello con la oportunidad de conocer, en el colegio Mackay de Valparaíso, al pintor británico Thomas Somerscales quien le inculcó la idea de la importancia de pintar del natural, un precepto que el joven Helsby cumplió saliendo a pintar al aire libre junto a su amigo y gran artista Juan Francisco González. De esta época de formación data su obra Quinta Normal en la que ya anuncia la libertad de tratamiento dada a los diversos objetos que integran el escenario físico mediante la aplicación de distintas técnicas y variaciones plásticas.

Bien pertrechado de los consejos y la práctica pictórica obtenida al lado de maestros del prestigio de los citados Valenzuela, Somerscales y González, en 1906 Alfredo Helsby viajó un año a Europa para perfeccionar sus conocimientos gracias a una beca del gobierno chileno. En 1907 expuso en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses de París, en la Royal Academy de Londres y en la Old Sudley Water Colour Society de la capital inglesa, constituyendo la estancia en el viejo continente una experiencia vital en su

conocimiento de las tendencias artísticas del momento, así como un reencuentro con sus raíces británicas.

Alfredo Helsby comenzó con un período paisajista patente en obras como Orilla del Aconcagua, al que prosiguió la temática urbana por el influjo de su amigo Juan Francisco González (Paisaje de Limache). En las casi 800 obras de su autoría destaca la revelación de los grandiosos panoramas naturales de las montañas, campos y valles australes de Chile, a través de una cierta técnica impresionista de profusión de colores al servicio de delicados planos como en Tarde en Providencia, Arco iris en los canales de Chiloé y Cordillera. Para Helsby el paisaje natural poseía una fuerza mágica inherente a los espectáculos efímeros cuyas distintas expresiones trataba de plasmar en sus telas. Sin hacer suyo el mensaje impresionista, su singularidad se encuentra en la apertura que realizó al mundo de la luz, su distanciamiento de la temática condicionante y de la representación rigurosa, así como la mayor flexibilidad en las técnicas. Otras muestras de su labor son el Paseo Atkinson, donde una niña corre tras un aro, el retrato del pintor Fernando Álvarez de Sotomayor, Iglesia de la Divina Providencia, Rincón de Londres viejo, Desde el Corcovado y Silencio Andino.

En el medio artístico chileno resultaron inéditos tanto el recurso utilizado por Helsby del punto de vista aéreo como el empleo de lienzos de enormes dimensiones. Realizó numerosas exposiciones en Santiago y en otras ciudades del país y del resto de mundo, desde Argentina a Estados Unidos -donde estuvo en 1914 y 1920- en cuyos museos y colecciones privadas se encuentran las obras de quien, además, obtuvo premios y distinciones (primera medalla en la Exposición Internacional de Santiago en 1900; segunda medalla en la Exposición Internacional del Centenario en 1910) a lo largo de una carrera vivida voluntariamente al margen de movimientos y grupos y, quizás por ello, carente de discípulos.

En síntesis, puede afirmarse que la obra de Alfredo Helsby no fue tanto una renovación inmediata de los medios expresivos de la pintura sino un cuestionamiento e invitación a replantear conceptos, temas y técnicas a fin de depurar el arte plástico.

Antoni Gaudí(Reus, España, 1852 - Barcelona, 1926) Arquitecto español. La obra de Antoni Gaudí se inscribe dentro del movimiento modernista, aunque lo supera ampliamente por la originalidad de sus concepciones y su capacidad para romper moldes y crear nuevas soluciones.

Nacido en el seno de una familia de caldereros, se trasladó a Barcelona para estudiar arquitectura, disciplina en la que se graduó en 1878. Inicialmente colaboró en algunos despachos de renombrados arquitectos de la época (con José Fonseré proyectó la cascada, las rejas metálicas y las puertas del parque de la Ciudadela de Barcelona), antes de abordar en solitario el proyecto de la Cooperativa Mataronense, un ambicioso complejo del que sólo se llevaron a cabo la fábrica y un quiosco de servicios.

En 1883 fue nombrado arquitecto del templo expiatorio de la Sagrada Familia, la obra que ocupó toda su vida y que se considera su principal realización artística, a pesar de que quedó inconclusa y sin un proyecto bien definido. En los primeros años, se ocupó de la construcción de la cripta (1883-1891) y el ábside (1891-1893) y compaginó su trabajo en el templo con diversos encargos civiles, como la villa denominada El Capricho, en Comillas, o la casa Vicens, en Gracia, para Manuel Vicens.

Por entonces entró en contacto con el conde de Güell, con quien mantuvo una relación casi de mecenazgo renacentista. Güell le encargó en primer lugar algunos pabellones para su finca de Pedralbes y el palacio de la calle Nou de la Rambla (1886-1891), donde Gaudí introdujo nuevos elementos constructivos como el arco parabólico. Luego se ocupó del colegio de las teresianas de la calle de Ganduxer y del palacio episcopal de Astorga, que no terminó a consecuencia de la muerte de su mentor, el obispo Juan Bautista Grau Vallespinós.

Bastan estas obras de la primera época para individualizar algunas de las constantes de la arquitectura gaudiniana, desde su peculiar recreación del gótico hasta su predilección por las formas curvas y dinámicas, la aplicación a la arquitectura de técnicas de decoración artesanas (vidrieras, hierro forjado, muebles diseñados por él mismo) y su singular empleo de los mosaicos de fragmentos de cerámica de vivos colores.

En 1891 abordó la fachada del Nacimiento de la Sagrada Familia, de cuyas cuatro torres sólo se había construido una a la muerte del arquitecto, la que dio la pauta para el bosque de torres en que debía convertirse el templo. Poco después de 1892, los Fernández y Andrés le encargaron una casa en León, conocida como Casa de los Botines, y por las mismas fechas realizó un proyecto de misión para Tánger que no se llevó a cabo. En lo sucesivo, sus principales encargos fueron inmuebles de pisos, como la casa Calvet, la casa Batlló y la casa Milà, más conocida como La Pedrera y culminación en cierto modo del

genio de Gaudí por la singular concepción de su fachada ondulada de piedra y hierro forjado y por el conjunto de chimeneas helicoidales de la azotea.

Su mentor, Eusebio Güell, le confió dos encargos de gran envergadura: una colonia obrera en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se completó la iglesia, sorprendentemente integrada en el paisaje, y una ciudad-jardín, que también quedó inconclusa y es en la actualidad un parque público (el parque Güell), que integra los distintos pabellones realizados por el arquitecto, así como un espacio columnado (que según el proyecto original debía destinarse al mercado) y la plaza, con un original banco corrido de azulejería.

En el año 1926, cuando murió atropellado por un tranvía, Gaudí era un arquitecto reconocido por sus coetáneos dentro y fuera de las fronteras españolas, pero su singular genio innovador y creativo no fue aceptado universalmente hasta bastantes décadas más tarde. En la actualidad, su figura es internacionalmente reconocida y su obra se cuenta entre las más admiradas de la arquitectura de todos los tiempos.

¿QUÉ ES EL ARTE NOVEAU?

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.

Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.Artes graficas: art Nouveau

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:

Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial

Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

Pablo Picasso

(Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que

cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.

Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período

azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la

vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

MAURICIO RUGENDAS

Johann Moritz Rugendas, conocido en Chile como Juan Mauricio Rugendas, pintor y dibujante. Nació en Augsburgo, Alemania, el 29 de marzo de 1802 y murió en Weilheim, Alemania, el 19 de mayo de 1858.

Debido a problemas religiosos, su familia, originaria de Cataluña, España, había emigrado a la ciudad Augsburgo en Alemania, donde sus miembros formaron parte de una tradición artística de artesanos de relojería, pintores, calígrafos y editores de libros de arte.

Desde pequeño, Rugendas demostró habilidad y talento artístico. Su padre, Juan Lorenzo II Rugendas, entonces director de la Escuela de Arte y Dibujo de Augsburgo, lo inició en las técnicas del grabado y la litografía. Estudió más tarde con Albrecht Adam, pintor de batallas y amigo de su padre. En 1817, ingresó en la Academia de Münich, donde fue alumno de Lorenzo Quaglio. La última etapa de su formación artística tuvo lugar en Roma, Italia, donde permaneció por un año y que le sirvió para tomar contacto con las vanguardias artísticas europeas. Fue amigo de los pintores Gross y Delacroix.

Entre los años 1821 y 1825 siguiendo el derrotero de muchos artistas viajeros de la época, tomó parte como dibujante de una expedición al Brasil organizada por el Barón Langsdorff, Cónsul General de Rusia en ese país. A su regreso, publicó en Francia el álbum Voyage Pittoresque dans le Brésil con 100 litografías originales. Su trabajo fue muy elogiado por la comunidad científica de París. En esa ciudad conoció al sabio Alexander von Humbolt, gran americanista con quién mantuvo una amistad de por vida y quien se refiriera al dibujante como "el padre del arte de representar la fisonomía de la naturaleza".

Luego de una estadía de cuatro años en México, fue expulsado de ese país por motivos políticos y partió rumbo a Chile.

En Julio de 1834 llegó a Valparaíso y consiguió los permisos correspondientes de parte del Presidente de Chile, José Joaquín Prieto para visitar el territorio de la

República, con el objeto de levantar planos topográficos de aquellos lugares que tuviera por convenientes. De esta época datan esporádicos viajes que efectuó a Argentina, Perú y Bolivia.

Durante su estadía en Chile, fue autor de numerosas pinturas costumbristas entre ellas, la Llegada del Presidente Prieto a la Pampilla para la Fiesta Nacional de 1837, una auténtica crónica histórica. El artista donó este cuadro para la reconstrucción del país después del terremoto de 1835. También colaboró con Claudio Gay en la ilustración de las costumbres y paisajes del país,

para los atlas de la Historia Física y Política de Chile. En 1839 instaló un taller en Valparaíso.

En 1845, efectuó su último viaje a Chile para luego dirigirse a Argentina, Uruguay y Brasil donde permaneció hasta 1847, año de su regreso definitivo a Europa.

El 4 de marzo de 1854, el Rey Federico Guillermo IV le concedió la Orden del Águila Roja de Tercera Categoría.

Aunque nunca quiso desprenderse de los originales de los dibujos que ilustraron diversas publicaciones, porque pensaba editarlos en un gran álbum costumbrista, nunca contó con los medios o ayuda oficial y finalmente se vio obligado a venderlos antes de morir, al Rey Luis I de Baviera. A este hecho se debe que más de tres mil de sus obras pertenecen a colecciones alemanas.

PEDRO LIRANació en Santiago el 17 de mayo de 1846, en el seno de una familia acomodada. Realizó sus estudios en el Instituto Nacional, revelando desde temprano su interés por las artes, en particular por la pintura y la poesía. A los 16 años se inscribió en la Academia de Pintura dirigida por Alejandro Cicarelli. Asimimo, estudió Leyes, y con disciplina y dedicación se dedicó en forma paralela a sus estudios de pintura.

Tras recibirse de abogado (1869) en la Universidad de Chile, se dedicó por completo a esta y también a la poesía. En la Gran Muestra de Artes e Industrias de 1872, expuso junto a los consagrados y a los jóvenes pintores de su generación. En 1873 viajó a Francia para ampliar sus conocimientos, en compañía de su esposa Elena Orrego Luco, y de su cuñado y amigo, el pintor Alberto Orrego Luco.

En París trabó contacto con los representantes del llamado arte académico. Al período de su larga estadía de más de una década en la ciudad luz corresponden sus grandes lienzos de perfeccionada técnica y clara orientación temática. En algunas de sus primeras obras realizadas en Europa, Lira se volcó a lo histórico o mitológico, con poco sello personal.

Maestro y organizador

De regreso en 1884, Lira se vinculó a un conjunto de artistas que intentaban abrir mayores espacios para las bellas artes en nuestro país. Junto a Luis Dávila y Manuel Rengifo, creó la primera exposición exclusivamente nacional y fundó la Unión Artística, organismo destinado a conseguir la construcción de un palacio para los Salones Permanentes de Pintura en la Quinta Normal de Agricultura.

Además, fue designado miembro de la Comisión de Bellas Artes. A ello se sumó su nombramiento en 1892 como director de la Escuela de Bellas Artes, cargo que

desempeñó hasta 1907 y desde el cual influenció a toda una generación de nóveles pintores.

Artista incansable y crítico

Lira evolucionó en su pintura hacia un realismo dotado de mayor naturalidad y de un toque de romántico refinamiento. Aunque siguió realizando cuadros de grandes formatos como La Fundación de Santiago (1889), se

observa ya una composición más suelta y equilibrada. Además de dedicarse a temas costumbristas, bodegones y paisajes, destacan sus retratos, hitos insuperados en la pintura chilena, como El Retrato de Pablo Burchard y La mujer del Manto.

Fue un trabajador infatigable: sus obras son más de 500, aunque algunos sugieren que fueron cerca de 800. Además, como crítico, publicó en 1902 su Diccionario Biográfico de Pintores, pero más que este se destaca al Lira crítico de arte en sus columnas publicadas en diarios y revistas.

El maestro Pedro Lira falleció el 20 de abril de 1912.