museo del prado. una ventana al barroco
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1Prof. Félix González Chicote
El Museo del Prado: una
ventana al Barroco. l
Prof. Félix González Chicote 4
Caravaggio (1571-1610) Modelo de naturalismo barroco.
Los modelos de sus personajes, religiosos o mitológicos eran personas
de la calle.
Escenarios modestos y oscuros, hogares, tabernas, etc…
Ambientación de los temas en la época del pintor con la intención de
facilitar al pueblo captar el mensaje.
- Intensa luz focal.
Iluminación tenebrista - Fondos oscuros.
- Transición luces y sombras violenta.
↓
Dramatismo.
5Prof. Félix González Chicote
La composición es de tipo
cúbico, el fondo negro no se
describe, la luz tenebrista se
enriquece con la manera de
iluminar en la sombra como el
talón de la pierna genuflexa y,
sobre todo, el rostro y oreja de
David.
El color se orquesta
severamente, blancos, grises y
ocres en contrapunto con el verde
de Goliat.
David vencedor de Goliat, 1602
El trabajo, como siempre sin dibujo
previo, se completa luego con toques
de pincel sobrepuestos en los cabellos,
según muestra la radiografía.
El realismo impera en tipos, objetos,
actitudes, luces, incluido el anecdótico
detalle de las uñas sucias.
La habilidad narrativa del pintor en
coherencia con el texto bíblico
(Samuel, 17, 40-51), en que una
imagen escasamente violenta, la de
atar los cabellos de la cabeza cortada
para llevarla al pueblo de Israel, es
capaz de resumir y culminar las
acciones precedentes, la herida con la
piedra en la frente del filisteo, su caída
de bruces muerto en tierra y la carrera
de David que, sobre él, toma su
espada y lo decapita.
8Prof. Félix González Chicote
Rubens
Orígenes y base de su pintura: grandes maestros italianos y realismo
flamenco.
Composiciones abiertas, con predominio de los esquemas en diagonal.
Escenas de gran vitalidad y dinamismo.
Figuras opulentas y vigorosas.
Primacía del color, con pincelada de factura suelta.
Luz ambiental que difumina las formas y envuelve las escenas.
9Prof. Félix González Chicote
Prof. Félix González Chicote 10
La adoración de los magos, 1609. Oleo sobre lienzo.
Sobreiluminación de la Virgen y el Niño.
Influencia veneciana:
- Escenario arquitectónico.
- Riqueza cromática.
11Prof. Félix González Chicote
Las tres Gracias,
12Prof. Félix González Chicote
Las tres Gracias, 1635.
Se trata de un tema mitológico.
Las tres Gracias eran hijas de
Zeus y del ninfa Eurymona y se
llamaban Eufrósine, Talía y
Aglaya. Eran las encargadas de
repartir la alegría y la belleza por
el mundo y trabajaban al servicio
de Afrodita.
Se representa bailando juntas en
círculo y aparecen desnudas
porque la belleza no necesita de
artificios externos.
Isabel Brandt,
1ª esposa
Hélene
Fourment, 2ª
esposa.
Estuvo a punto
de quemar el
cuadro, le
parecía
pecaminoso.
Paisaje idílico que sirve de marco
de las figuras humanas, quedan
resaltadas en primer plano.
13Prof. Félix González Chicote
Las tres Gracias, de Rubens
Aparecen mujeres rubias de
anatomías generosas y de pieles
sonrosadas (canon de belleza de
la época).
Desnudo en círculo.
Sensación de
movimiento
Rubens representa un
belleza más sensual y
menos clásica.
14Prof. Félix González Chicote
Paris, hijo de
Príamo, rey de
Troya
Mercurio
Atenea con
sus armas
Venus
acompaña de
Cupido
Hera, mujer
de Zeus.
Éride la diosa de la
discordia.
El juicio de Paris, de Rubens
15Prof. Félix González Chicote
El juicio de Paris, de Rubens
Paris, hijo de
Príamo, rey de
Troya
Mercurio
Atenea.
Ofrece la
sabiduría.
Venus. Le
ofrece el amor
de la mujer
más bella.
Hera. Le
ofrece todo el
poder.
La hermosa mujer por la que Afrodita hizo crecer el amor en el pecho de Paris,
era Helena, la esposa del rey de Esparta, Menelao; en ocasión del paso de Paris
por las tierras de este rey, y después de haber estado una noche en su palacio,
Paris raptó a la bella Helena y se la llevó a Troya provocando la Guerra de
Troya.
El duque de Lerma,
de Rubens
16Prof. Félix González Chicote
Abandono de estatismo.
Incorporación del escorzo.
Profundidad.
Luz veneciana.
Composición dinámica.
Prof. Félix González Chicote 17
José de Ribera Il
Spagnoletto 1591-1652Francisco de Zurbarán
(1589-1664)
Diego de Velázquez (1599-
1660).Bartolomé Esteban
Murillo (1617-1682).
Influencia de la pintura
italiana => Tenebrismo
de Caravaggio en Ribera y
Velázquez.
Características.
Gran naturalismo y realismo => Con modelos reales.
Sencillez y equilibrio en las composiciones => Escorzos sin movimiento
violento.
Dibujo cede terrero a la utilización más natural del
color.
Preocupación del
artista por la
profundidad.
Dominio de la
perspectiva aérea.
Luz como elemento que organiza los
ambientes .
Crea atmósferas realistas.
RELIGIOSO.RETRATO INDIVIDUAL
RETRATO COLECTIVO
BODEGÓN
COSTUMBRISTA
MITOLÓGICO PAISAJE
José de Ribera Il Spagnoletto 1591-1652
SAN ANDRÉS (1630).
Óleo sobre lienzo.
Modelos a mendigos.
Cuerpos castigados por vejez
o hambre.
Extremo realismo.
Intensos claroscuros.
Formación y producción
italiana (Spagnoletto).
Influencia de Caravaggio
(tenebrismo).
Primeras obras => carácter
tenebrista.
Segunda etapa => pincelada
menos densa, con más luz.
San Andrés,1630
Cruz en aspa de su martirio.
Anzuelo en su mano derecha, oficio
de pescador.
Piel rugosa.
Realismo.
Cuerpo
envejecido.
Prof. Félix González Chicote 27
Martirio de San Felipe, 1639.
Mujeres
indiferentes al
martirio.
Estudio
anatómico.
Grupo de
gente atenta
al martirio.Rostro con expresión
serena indiferente al
martirio.
-Naturalismo.
- Estudio de la luz
Renuncia al
tenebrismo.
Composición sencilla.
Poco interés al paisaje (árbol y
piedra).
Abandono etapa anterior
tenebrista
Culto al color (veneciana).
El patriarca Jacob ve en sueños
una escalera dirigida al cielo por la
que suben y bajan los ángeles.
El sueño de Jacob, 1639
Francisco de Zurbarán (1589-1664)
Aprendizaje en Sevilla.
Encargos monacales (especialidad) en Badajoz.
Recomendación de Velázquez => Madrid, 1634.
Evolución:
Estética => Formas blandas, delicadas y coloristas.
Temas más amables => influencia de Velázquez y de Murillo.
Dodegón o naturaleza muerta (1634). .
Interés por el naturalismo tenebrista, lo cotidiano y humilde.
Pocos elementos, yuxtapuestos y alineados en paralelo al plano de la
representación.
Dibujo preciso y resaltados con intensa iluminación sobre fondo oscuro.
Contrastes entre los bodegones austeros españoles y los flamencos.
Mensaje religioso: humildad y presencia de Dios en las cosas sencillas.
Estudio expresión de lospersonajes.Composiciones sencillas. Reproducción texturas de lastelas. Gama de los blancos y marrones.
Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco, 1639..
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San Hugo en el refectorio de los cartujos,1655.
San Hugo y
su paje
San
Bruno
Los rostros demacrados de los cartujos reflejan los síntomas del
largo ayuno y emblema de la dura vida en la cartuja.
Naturaleza
muertaAmbiente cerrado.
Falta profundidad.
Figuras en fila.
Equilibrio composición
Atención rostros y manos.
Poder expresivo,
Calidades telas y objetos.
Prof. Félix González Chicote 34
San Hugo en el refectorio de los cartujos,1655. Tema: Milagro vivido por San
Bruno y otros seis monjes,
fundadores de la orden de los
cartujos. Estos se mantenían
gracias al obispo de Grenoble,
San Hugo, que un domingo les
envió carne para comer, lo que
provocó entre ellos la discusión
sobre la conveniencia o no de
romper su abstinencia de este
tipo de alimento.
En medio de la discusión quedaron en un milagroso sueño durante
cuarenta y cinco días, hasta que San Hugo los visita (momento del
cuadro) y pudo contemplar cómo se despertaban y la carne de los platos
se convertía en ceniza, lo que significaba que Dios aprobada su
abstienencia.
Prof. Félix González Chicote 35
Defensa de Cádiz contra los ingleses.La escena representa la defensa que las fuerzas españolas
hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la
flota conjunta anglo-holandesa bajo el mando de Edward
Cecil
Gobernador de Cádiz
Fernando Girón
impartiendo órdenes
Desembarco de tropas
frente al fuerte del
Puntal en Cádiz.
36Prof. Félix González Chicote
Velázquez (1599-1660)
Rubens
REALISMO.
Características
Sentido del equilibrio (detallismo en sus composiciones)
Evolución color:
Aclarando
Forma lisa y uniforme.
Técnica nerviosa y
suelta, casi impresionista.
Captación del espacio => perspectiva aérea
(ambiente real).
La adoración de los
magos, 1619.
Retrato de la propia familia del
pintor.
La Virgen sería su esposa.
Jesús, su hija recién nacida.
Los magos, su suegro Pacheco, él
mismo y su hermano o tal vez un
criado.
Ausencia de idealización.
Tenebrismo, luz focal, contrastes.
Pacheco => Corte (Conde-Duque de Olivares).
Madrid en 1623.
Nombrado pintor de cámara.
Influencia del Conde Duque de Olivares.
Contacto con las colecciones reales =>
Escuela Veneciana (Tiziano).
Conoció a Rubens => luz y color.
CARACTERÍSTICAS.
Tonos más claros y luminosos.
Alejamiento del tenebrismo inicial.
Pincelada más suelta.
Volúmenes menos duros.
FELIPE IV (1624).
Elementos clásicos del retrato cortesano.
Dominio espacial.
Estancia indefinida. Felipe IV,1624.
Memorial: símbolo
de gobierno.
Empuñadura
de la espada,
defensor del
país.
Distanciamiento y rigidez.
Ceremonial de Corte.
Temática mitológica (novedad).
Influencia colorista de Rubens y pintura veneciana del siglo XVI.
Conserva naturalismo de su etapa sevillana.
Guiño al clasicismo => Desnudo del dios.
Las borrachos o el triunfo de Baco, 1628-29.
Viaja a Italia (Rubens) => completa
formación.
Estilo más maduro.
CARÁCTERÍSTICAS.
Composiciones más dinámicas.
Mayor naturalidad en los gestos.
Abandono tenebrismo.
Cambios en su paleta.
Conquista profundidad espacial.
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La fragua de Vulcano, 1630.
Prof. Félix González Chicote 49
La fragua de Vulcano, 1630.
Apolo,
rodeado de
una aureola
luminosa y
ceñido con
una corona
de laurel,
anuncia a
Vulcano, dios del fuego, el adulterio de su esposa
Venus con Marte, dios de la guerra.
Estudio de la anatomía y de la luz en la parte
superior del cuerpo de los personajes.
Escena cotidiana.
Cíclopes del mito, simples
herreros.
Colores terrosos.
Perspectiva aérea.
Contrastes de luz y
sombras con abandono del
tenebrismo.
PAISAJES VILLA MÉDICIS (1630).
Mediodía y la Tarde.
Pincelada suelta.
Pintura al aire libre
Impresionismo.
Nueva etapa => pintor plenamente
formado.
CRISTO CRUCIFICADO (1639).
Elimina referencia espacial del
fondo.
Acentúa sensación de soledad,
silencio y reposo.
Serenidad, belleza y perfección
formal.
No recurre ni exageraciones, ni
patetismos.
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La rendición de Breda o las lanzas, 1635. El cuadro representa un momento de la guerra que enfrentó a la Monarquía
hispánica con los Países Bajos, que intentan independizarse. En la lucha, los
holandeses habían tomado la ciudad de Breda, que fue recuperada.
Prof. Félix González Chicote 55
La rendición de Breda o las lanzas,1635.
En el centro el cuadro recoge el momento en que Justino de
Nassau, por parte de los Países Bajos, entrega las llaves de la
ciudad de Breda a Ambrosio de Spínola. Vencedor y vencido en el
centro, en el mismo plano, recibiendo la mayor iluminación.
Cuando el vencido quiere arrodillarse, Spínola se lo impide,
mostrando así su respeto, Calderón de la Barca en su obra El
Sitio de Breda,
pone el boca del
general Spínola el
proverbio: “El
valor del vencido
es la gloria del
vencedor”
Prof. Félix González Chicote 56
La rendición de Breda o las lanzas.
Destinado al Salón de
Reinos del Palacio del Buen
Retiro.
Paleta más clara, olvido del
claroscuro.
Domina la perspectiva
aérea (tonalidades azules al
fondo).
Prima la mancha de color
sobre el dibujo.
Gama cromática fría,
verdes, azulados y grises.
Importancia del paisaje. Algunos personajes miran al
espectador, como en “Los borrachos” y
en “Las Meninas”. Escena típicamente
barroca.
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El príncipe Baltasar Carlos
Los múltiples retratos de la familia
real y de miembros de la corte que
realizó Velázquez le convierten en
uno de los retratistas europeos más
importantes del siglo XVII. Este
retrato del príncipe a la edad de seis
años estuvo expuesto en la sala del
trono del Palacio del Buen Retiro.
La postura del joven es una alusión
al futuro del joven.
Retrato de Felipe IV
En el retrato de Felipe IV
Velázquez refleja la figura
del monarca en una edad
avanza. El pintor pretende
reflejar la figura digna y
augusta del rey y, a la vez,
un cierto sentimiento de
resignación.
Príncipe Baltasar
Carlos, 1635. Caballo:
a) Escorzo.
b) Posición en corveta (patas
levantadas) → capacidad de
mando de reyes y herederos.
Perspectiva de abajo hacia
arriba (el cuadro estaba
destinado a ponerse sobre una
puerta).
Paisaje.
Colores fríos.
Primacía del color.
Minuciosidad telas y
armadura.
Fondo de paisaje =>
plateado, azules y verdes.
Pinceladas largas, rápidas y
compactas.
Actitud autoritaria del
retrato.
Retrato ecuestre del
Conde dique de
Olivares, 1638.
Desnudo gran realismo.
Aire melancólico, cansado y abatido.
Alegoría de la decadencia política y militar de
España.
Marte, 1640.
Bufones u “hombres de
placer”, como se lo
denominaba entonces, lejos
del naturalismo barroco, evita
resaltar sus defectos y los
dota de una gran humanidad.
El niño de
Vallecas, 1636.
Prof. Félix González Chicote 63
El bufón don Sebastián de Morra
Velázquez pintó una serie de
retratos de bufones, tullidos y
enanos que había en la corte para
el entretenimiento de la realeza.
Estos personajes le brindaban al
artista la posibilidad de lucir sus
grandes habilidades como
retratista, al margen de los retratos
oficiales de compromiso.
Irrealidad espacial,
Espacio conseguido mediante luces y
sombras.
Pablillos de
Valladolid, 1636-37.
Prof. Félix González Chicote 66
Las Meninas o familia de Felipe IV, 1656.
Estamos ante un “cuadro acertijo” ¿Retrato colectivo de la infanta y
acompañantes? ¿Autorretrato? ¿Intento de pintar al rey contra su
voluntad?
Prof. Félix González Chicote 67
Las Meninas o familia de Felipe IV, 1656.
Infanta
MargaritaMª Agustina
Sarmiento
Isabel de
VelascoMaribárbola
Nicolás
Pertusato
Guardadamas
Marcela de
UlloaJosé NietoVelázquez
Felipe IV y
Mariana de
Austria
Prof. Félix González Chicote 68
Las Meninas o
familia de Felipe
IV, de Velázquez.
Composición.
Consigue la profundidad
gracias a la utilización de
distintos planos y las
líneas de perspectiva. La
figura del aposentador,
José Nieto, es el punto de
fuga.
Prof. Félix González Chicote 69
Las Meninas o familia de Felipe IV.
-Casi todos los personajes miran
hacia los reyes.
- El espectador se sitúa en el
lugar que teóricamente ocupa
pareja real.
- El término “menina” era
utilizado en la corte española
para referirse a las doncellas de
honor.
Prof. Félix González Chicote 70
Las Meninas o familia de Felipe IV.
. Además de la perspectiva,
Velázquez utiliza otro método
muy depurado para dar
sensación de profundidad al
cuadro y para sumergir los
contornos de las figuras según se
alejan de la posición del
espectador (perspectiva aérea).
Esta técnica se aprecia
claramente si nos fijamos en los
rostros de los retratados.
Primer plano.
Segundo
plano.
Plano
intermedio
Último plano
Velázquez rinde su particular
homenaje al acto creativo de la
pintura, reivindicando su
naturaleza intelectual previa a la
labor estrictamente artesana. De
hecho, se autorretrata en actitud
de observar y reflexionar.
La cruz de Santiago de su
indumentaria fue añadida
después, tras ser admitido en
dicha orden, para lo cual el tuvo
que conseguir bula papal, ya que
los caballeros de Santiago se
oponían al ingreso de alguien
que se había envilecido con el
trabajo manual al haber pintado
obras a cambio de dinero.
Las hilanderas o la fábula de Aracne, 1657
Prof. Félix González Chicote 73
Las hilanderas o la fábula de Aracne, 1657
El cuadro recoge el tema mitológico de la Metamorfosis de Ovidio : la fábula de
Aracne y Atenea. La joven Aracne retó a la diosa Atenea tejer el tapiz más
hermoso. Aracne ideó un bello tapiz, pero en él se representaba un tema que
molestó a la diosa “el rapto de Europa” ya que ponía de manifiesto los trucos
que usaba el padre de Atenea (Zeus) para seducir a mortales y diosas. Atenea,
enfadada, decidió convertir a Aracne en araña y de esta manera la condenaba a
tejer eternamente.
Prof. Félix González Chicote 74
Las hilanderas o la fábula de Aracne.
Aracne de
espaldas,
trabajando.
CUADRO DENTRO DEL CUADRO: ESCENA COTIDIANA DE
UN TALLER DEL SIGLO XVII. LO TRIVIAL.
Atenea disfraza de
anciana (aunque se
delata porque deja
ver una pierna de
mujer joven)
intenta disuadir a
Aracne.
Al fondo el tapiz
realizado por Aracne
Prof. Félix González Chicote 75
Las hilanderas o la fábula de Aracne, de Velázquez.
CUADRO DENTRO DEL CUADRO: ESCENA MITOLÓGICA. LO
ESENCIAL.
Atenea con su
coraza y casco
hace un gesto
amenazador.Tres muchachas miran
el tapiz, una de ellas
mira a la hilanderas.
El violoncelo simboliza
la música que era
considerada el
remedio contra las
picaduras de arañas.
Autorretrato.
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Bartolomé Esteban Murillo
(1617-1682).
F. XVII en Sevilla.
Generación final de artistas barrocos.
Embellece la realidad.
Triunfo del sentimentalismo incluso
en temas de miseria y pobreza.
Temática religiosa => Carácter
familiar y tierno.
Temas costumbristas.
Características técnicas:
Preocupación por el colorido.
Evoluciona pincelada más
difuminadas y vaporosas.
Menos interés por la composición
que Zurbarán y Velázquez.
Sagrada familia del pajarito (1650).
Escena doméstica.
Ternura: mirada del Virgen.
Nada sobrenatural.
Protagonismo de San José
como padre ideal.
Naturalismo:
a) Ambiente humilde.
b) Tenebrismo no violento.
c) Colores terrosos.
d) Dibujo preciso.
Prof. Félix González Chicote 80
Inmaculada Concepción de los Venerables, 1678.
La virgen, representada como
una joven morena, aparece en
el centro, flotando entre una
mar de nubes doradas,
rodeadas por ángeles. Los
ángeles se disponen de tal
manera que marcan un
movimiento ascendente.
La Virgen viste con túnica
blanca, símbolo de pureza, y
con el manto azul, que la
identifica como reina de los
cielos. Estos colores para las
vestiduras de la Virgen fueron
impuestos por la
Contrarreforma, antes era
túnica jacinto y manto azul.
Prof. Félix González Chicote 81
Inmaculada Concepción de los Venerables, 1678.
Representación juvenil de la Virgen.
Prototipo formal y espiritual.
Tema iconográfico repetido.
Estilo:
Ablanda los contornos.
Difumina la figura.
Importancia color y luz.
Ropajes movidos por el viento.