La fotografia

1. La fotografía 2. Conclusión

INTRODUCCIÓN

Fotografía. (De foto- y -grafía). f. Arte de fijar y reproducir por medio de reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, lasimágenes recogidas en el fondo de una cámara oscura. || 2. Estampa obtenida por medio de este arte. || 3. Taller en que se ejerce este arte. || 4.Representación o descripción que por su exactitud se asemeja a la fotografía.

La fotografía es la técnica de grabar imágenes fijas sobre una superficie de material sensible a la luz basándose en el principio de la cámara oscura, en la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumenta su nitidez. Para almacenar esta imagen las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean también sensores digitales CCD y CMOS.

La palabra procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseρar" "escribir"), junto significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más difícil aún indicar con exactitud quien sea el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatorio, pero grosso modo podemos decir que la fotografía debe gran parte de su desarrollo a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar un tanto la técnica.

Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.

La fotografía puede ser clasificada bajo la más amplia denominación de tratamiento de imágenes y, debido a esto, ha fascinado tanto a científicos como a artistas desde sus inicios. Los científicos, sobre todo, han aprovechado su capacidad para plasmar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios, tales como los estudios sobre locomoción humana y animal de Eadweard Muybridge (1887). Los artistas también han sido seducidos por estos aspectos pero han tratado siempre de ir más allá de la mera representación foto-mecánica de la realidad.

LA FOTOGRAFÍAFotografía, procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante.

Desde que la televisión irrumpió en nuestras casas para quedarse, fue compitiendo y ganando espacios a otros medios de comunicación como la radio, las revistas y los diarios. En otros tiempos éstos eran los únicos intermediarios entre los lectores y el mundo y la información sobre el hecho más banal o el lugar

más exótico era devorado con apetito. Pero actualmente se viaja en cuotas por el mundo y la televisión en directo desde el espacio es cosa de todos los días: de allí que haya ido mellando poco a poco el poder, la efectividad y los contenidos de los diarios y revistas, por lo que estos han debido adaptarse a los nuevos tiempos, cambiando estilos y objetivos.

La fotografía periodística también debe competir con la televisión, tanto en sus contenidos como en los aspectos tecnológicos. Es una competenciaintensa pero al mismo tiempo liberadora. La pintura, al aparecer la fotografía, arrojó el lastre que suponía ser el único vehículo de representación de la realidad, lo que le permitió renovar su lenguaje hasta límites insospechados. Los diarios de hoy traen noticias de ayer, que las más de las veces ya vimos en el noticiero vespertino de la TV. En consecuencia el lector está más interesado en la manera en que la información es tratada que en la noticia misma. Tanto para el texto como para las imágenes interesa sobre todo el análisis y el punto de vista. La fotografía periodística en los diarios, entonces, puede despojarse de la necesidad de reflejar toda la cotidianeidad que ya se vió por televisión.

Las fotos deben ofrecer al lector una visión original, distinta de la que ofrece la televisión. Tienen que sorprender y sintetizar: los fotógrafos tienen que mirar los bordes de los acontecimientos y detrás de la escena. Tiene que producir imágenes que sorprendan, que emocionen, que hagan descubrir aspectos ocultos de la realidad, que no se olviden fácilmente. El chorro de imágenes televisivas cotidianas son el "fast food" de la información, una vez digeridas pasan rápidamente al olvido. Por el contrario, cuando la fotografía periodística se potencia con algún aspecto informativo, emotivo o estético permanece en la memoria.

La fotografía es una poderosísima herramienta de expresión y el fotógrafo, además de documentar el evento frente al que se encuentra, puede y debe utilizarla como tal. No basta con registrar el hecho de manera supuestamente objetiva: detrás de esa aparente asepsia se esconde las más de las veces la desidia. Las fotografías periodísticas son muchas veces el producto de las circunstancias, cuando el evento es tan extraordinario que su mero registrogarantiza su grandeza. Pero las imágenes que lo grande es correr el telón de la obviedad sólo pueden ser el producto de un gran esfuerzo: además deldominio del lenguaje fotográfico en el manejo de la composición y de la luz, se requiere un ojo atento y perceptivo, un conocimiento de la realidad, un punto de vista; en fin, las capacidad y las ganas de decir algo sobre lo que se fotografía.

Como es obvio, no se puede pretender que los fotógrafos cubran todas y cada una de las jugadas desde todos los ángulos como para que nada se les escape, de allí la necesidad de recurrir a la televisión, que registra con varias cámaras desde distintas posiciones la totalidad de un partido. No es esta la primera vez en que se utiliza una imagen de la TV cuando no se posee una fotografía de un hecho que se quiere mostrar. Y no será ciertamente la última: esta es una tendencia que irá acentuándose con el desarrollo tecnológico. Porque lo que el futuro nos depara, sin duda, es un replanteo de la práctica misma de la fotografía periodística.

La primera discusión que surgió con la llegada de la fotografía digital (computadoras, scanners, cámaras sin película) fue acerca de la manipulación de la imagen fotográfica y de sus contenidos. Esta fue una discusión necesaria, pero ya está casi saldada: luego de los primeros intentos de alteración de fotografías por medio de estas nuevas técnicas los anticuerpos del sistema (dentro y fuera del periodismo) funcionaron y hoy es una práctica desterrada de los medios, aunque nadie está a salvo de una mala praxis, tanto en el uso de las fotos como en los textos.

Sin embargo, el desarrollo de nuevas tecnologías tanto en la generación de las imágenes como en su almacenamiento y transmisión presagian cambios más profundos. En una primera etapa, el reportero gráfico cibernético llegará a la cancha de fútbol con su cámara de video de alta definición de tamaño similar a las cámaras fotográficas tradicionales: un fotograma de dicha cámara tiene la misma definición que un negativo de 35 mm. Se ubicará en los lugares que estime son los mejores según su experiencia y talento y en lugar de tomar fotos fijas hará tomas cortas de video, por ejemplo registrando una jugada completa de gol, desde el inicio de la misma hasta el festejo. De regreso a la redacción, mirará el resultado de su trabajo en una computadoray seleccionará la imagen perfecta para ilustrar la nota.

En una segunda etapa, seguramente transmitirá en directo su trabajo a la redacción y el editor fotográfico ira seleccionando las imágenes a medida que éstas llegan. Más aún, el editor, que estará en comunicación permanente con el fotógrafo (en realidad camarógrafo gráfico) podrá sugerirle acentuar tal o cual aspecto de la cobertura según las necesidades cambiantes de la redacción. Por primera vez, el manejo del "instante decisivo" pasará de las manos del camarógrafo al editor. Se habrá terminado una manera de trabajar que dependía no solo de los reflejos del fotógrafo sino también del azar.

El movimiento de alianzas entre grupos de comunicación que se verifica globalmente (Disney/ABC, Time/Warner, Grupo Murdoch) pretende, entre otras cosas, potenciar lo que cada polo creativo produce. De allí que, en una tercera etapa, es posible que el editor fotográfico de un diario seleccione las fotografías que necesita para el sección deportes directamente de la transmisión de alta definición del canal de televisión del grupo, liberando al fotógrafo de tener que documentar los aspectos más técnicos del juego. Además, cuando se haga realidad el periódico electrónico distribuido, por ejemplo, a través de Internet, al apretar el ratón sobre una fotografía que aparece en pantalla se podrá activar la secuencia de video que muestre la jugada en su totalidad.

Estas especulaciones se refieren, por supuesto, a determinados eventos, particularmente todos aquellos temas en los que la acción prime y haya muchos elementos de difícil control como manifestaciones políticas, deportes, espectáculos, etc. El camarógrafo gráfico cubrirá cierta información, y el reportero gráfico seguirá utilizando la cámara tradicional (digital, con capacidad de transmisión, pero de imágenes fijas) para otro tipo de producciones: el reportaje, la fotografía documental, el retrato, la moda, etc.

En unos y otros casos seguirá siendo necesario su talento y su capacidad para contarnos como ve el mundo.

Dentro de la Periodística o teoría del periodismo y, por supuesto, en la praxis profesional, la primera plana constituye un área especial dedicada fundamentalmente a publicar las versiones de los principales acontecimientos. Aun cuando no todo lo que aparece en ella tiene que ser de suma importancia, allí se insertan los mensajes noticiosos que los editores consideran de mayor valor. A juicio de autores como Carlos Delgado Dugarte, si un lector sólo pudiera observar y analizar la primera plana, ella bastaría para hacer un diagnóstico bastante representativo de la personalidad del periódico y del tipo de público al que intenta interesar.

Lo cierto es que hace ya más de un siglo el célebre editor Alfred Hamsworth (Lord Northcliffe) hablaba en un sentido metafórico del "escaparate" al referirse a la primera plana de un periódico. E indicaba que era necesario mantenerla atractiva para poder vender la "mercancía", es decir, la noticia. Dentro de ese "escaparate" o "vitrina" las fotos juegan un rol importante al punto de que para el experto Mario García constituyen los elementos de primera plana que más llaman la atención de los lectores, por encima, incluso, de los titulares. No obstante, la trascendencia de la primera plana y, dentro de ella de la fotografía -por lo general ésta es una expresión elocuente de la línea del periódico-, pocas investigaciones la han estudiado minuciosamente.

La fotografía periodística no es un mensaje aislado. Al contrario, está enmarcado dentro de un entorno estructurado por la leyenda, un titular y/o untexto escrito que, junto con ella, conforman una unidad. Lo anterior no quiere decir que la fotografía no pueda ser examinada a partir de sus propiosrecursos, mas para que su estudio dentro del periodismo sea más completo -y no una abstracción- es necesario contextualizarla. En otras palabras, analizar de consuno a la imagen con el componente verbal o lingüístico que la rodea e incluso tomar en consideración otros elementos como, por ejemplo, su ubicación en la página y la política editorial e informativa de la publicación en la que se inserta.

Sobre la base de lo anteriormente expuesto, realizamos un análisis morfológico y de contenido de la fotografía principal de primera plana en los cuatro diarios más importantes del área metropolitana -como se sabe, uno de ellos, El Diario de Caracas, desapareció posteriormente- de Caracas. Análisis que si bien se centra en la imagen también considera., por lo dicho en las líneas precedentes, el contexto verbal que la rodea.

Para el análisis de contenido utilizamos, junto a conceptos de la Periodística, ideas y categorías de disciplinas como la Proxémica, y la Kinésica, que están en la base de la Semiótica, a la cual también se recurrió. Ello debido al carácter interdisciplinario del periodismo.

Por otra parte, tampoco debe extrañar esa inclusión de categorías de fundamentación semiótica en el análisis de contenido. Como indica Lorenzo Vilches, la conjugación del análisis de contenido con conceptos semióticos no puede sino favorecer los estudios y la comprensión de los medios de comunicación en sus aspectos sociológicos y simbólicos:

Las incomprensiones y las actitudes corporativistas entre la semiótica y la sociología ya no tienen razón de ser para muchos investigadores. La colaboración de ambas disciplinas y la incorporación de otras ciencias al estudio de los fenómenos de comunicación de masas no hace más que comenzar en algunos ambientes internacionales...

Ahora bien, el análisis de contenido por categorías es importante porque demuestra las tendencias generales de las características de una muestradeterminada; en nuestro caso, de un conjunto de fotos principales de primera plana. No obstante, como apunta el propio Vilches, la imagen no funciona en forma aislada, sino que forma parte de una unidad discursiva superior a una cadena de proposiciones visuales aisladas. De allí que junto al análisis morfológico y de contenido por categorías hemos incluido un análisis cualitativo de tres fotos que consideramos paradigmáticas de las tendencias del periodismo contemporáneo: información, opinión e interpretación.

Importancia de la fotografía periodística

Tal y como se ha dicho, y de acuerdo con el criterio de autores como Domenec Font (1) toda imagen es, en principio, polisémica, es decir, implica una gama de significados y su lectura puede ser múltiple.

En el caso de la fotografía de prensa, el título y la leyenda que acompañan a la imagen son los que la sitúan en un contexto determinado y le dan una significación que puede coincidir o no con la intención original del reportero gráfico.

En ocasiones, según el criterio de José María Casasús (2), la connotación de la imagen puede producirse incluso conforme a la sección en que se publique, o a las características y especialidad a que se dedique la publicación.

Pero, insistimos, dentro del entorno periodístico lo que más determina el carácter que se quiere dar a una fotografía es el título y/o la leyenda. En este sentido, un diagramador de Paris Match dice que cuando es posible leer una foto de diferentes maneras, entonces son estos recursos lo que entran a trabajar (3).

Los ejemplos de la importancia cómo los mismos determinan, en última instancia, el significado que desea transmitir el emisor del mensaje foto periodístico, son abundantes.

Por lo demás, en cualquier mensaje foto periodístico el entorno lingüístico debe tener relación con la imagen gráfica. Como indica José Manuel de Pablos (8), "Toda foto de prensa ha de ser coherente con el texto que acompaña y debe estar siempre en su `lugar informativo’".

Información y opinión están indisolublemente unidas en la imagen fotográfica. No obstante, en ocasiones el emisor busca informar antes que opinar o viceversa. En el primer caso, en teoría, la imagen debe ser lo más documental posible y, en consecuencia, la opinión presente en ella habrá de ser implícita.

Tal vez el mejor ejemplo de este tipo de foto lo constituyen las "instantáneas". En ellas, es cierto, están presentes los inevitables ingredientes subjetivos –encuadre, iluminación, angulación, etc.-, pero no han sido empleados con el fin deliberado de producir una connotación determinada. De hecho, la premura con

la cual es hecho este tipo de fotografía muchas veces impide el uso a conciencia de estos recursos.

Lo que importa es la primicia, el impacto de la imagen, su importancia informativa. Este tipo de fotografía suele ir acompañada de un título y una leyenda que se limitan a responder, en conjunto, a varios o todos los elementos de la noticia, vale decir, "quién", "qué", "cuándo", "dónde" "cómo", etc.

En el caso de la fotografía de opinión se necesita, por el contrario, de una imagen polisémica, rica en simbolismo, que ofrezca un material visual susceptible de ser potenciado a través de una leyenda y/o un título.

En muchas ocasiones en las fotos de opinión el reportero gráfico maneja objetos, personas, y hasta llega a crear situaciones, de cara a emitir sus puntos de vista en torno a algún tema de actualidad.

CONCLUSIÓN

En la sociedad actual la fotografía desempeña un papel importante como medio de información, como instrumento de la ciencia y la tecnología, como una forma de arte y una afición popular. Es imprescindible en los negocios, la industria, la publicidad, el periodismo gráfico y en muchas otras actividades. La ciencia, que estudia desde el espacio exterior hasta el mundo de las partículas subatómicas, se apoya en gran medida en la fotografía. En el siglo XIX era del dominio exclusivo de unos pocos profesionales, ya que se requerían grandes cámaras y placas fotográficas de cristal. Sin embargo, durante las primeras décadas del siglo XX, con la introducción de la película y la cámara portátil, se puso al alcance del público en general. En la actualidad, la industria ofrece una gran variedad de cámaras y accesorios para uso de fotógrafos aficionados y profesionales. Esta evolución se ha producido de manera paralela a la de las técnicas y tecnologías del cinematógrafo.

FOTOGRAFÍA PERIODISTICA

La ganadora del Pulitzer de fotografía periodística 2007 es la imagen de una mujer judía encarándose con las fuerzas deseguridad israelíes durante el desalojo de los asentamientos en Palestina. (Oded Balilty / Associated Press)

FOTOGRAFÍA COMERCIAL Y PUBLICITARIA

FOTOGRAFÍA FAMILIAR

 

Autores:

Carvajal Argenis

Leonervis Hernández

Issa Ana

República Bolivariana de Venezuela

Ministerio de Educación Superior

Universidad Bicentenaria de Aragua

Núcleo Puerto Ordaz- Extensión San Félix

Comunicación Social

Introducción a los Medios de Comunicación

La fotografiaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa

1.Historia de la fotografía

2. Características de la fotografía 3. Características de la fotografía en blanco y negro 4. Partes y funciones de la cámara fotográfica 5. Tipos de cámara fotográfica 6. Historia de la cámara fotográfica 7. Técnicas de iluminación 8. Composición fotográfica 9. Fotografía y publicidad 10. Conclusión 11. Bibliografía

La cámara, técnicas de iluminación, composición fotográfica y su relación con la publicidad

Introducción

La palabra fotografía es de origen griego. Proviene de photos, que significa luz y graphis que significa dibujo, escritura. En otras palabras, sería "dibujar o escribir con la luz". Según la Enciclopedia Encarta 2004, la fotografía se define como "procedimiento por el que se consiguen imágenespermanentes sobre superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante."

En cambio, el término cámara deriva de la palabra latina camera que significa habitación o cámara. De acuerdo con el Diccionario de la Real Academia Española, la cámara fotográfica es un "aparato que sirve para hacer fotografías, y que consta de un medio óptico, el objetivo, y de un medio mecánico, el obturador."

La fotografía y la cámara están unidas por un vínculo muy fuerte. Pero se diferencian entre sí porque la primera es arte y la segunda es el aparato que la reproduce. Por otra parte, hay que saber mirar para lograr buenas fotografías, algo que parece difícil en fotografía, y al mismo tiempo indispensable. Para ello el requisito fundamental en este arte es aprender a mirar. Esto dependerá de la aceptación o rechazo del público en general. Por eso, se toma en cuenta normas básicas que sirven como guía, no obstante el fotógrafo puede tomarlas como referencia y cambiarlas a su manera, de manera que sucreatividad no se limite.

Obviamente la luz que desempeña un papel fundamental en fotografía. Sin embargo, hay distintas técnicas que se pueden llevar a cabo para lograr una mejor iluminación.

A continuación, señalaremos diversos tópicos relacionado con el arte de la fotografía como su historia, cómo se ha desarrollado, sus características, las características de la fotografía en blanco y negro, las partes y funciones de la cámara fotográfica, los diferentes tipos de cámara, la forma de cómo evolucionado dicho artefacto, las técnicas de iluminación, la composición fotográfica y la relación que existe entre Publicidad y Fotografía.

Historia de la fotografía

Tenemos como antecedente de la fotografía a Ibn al-Haitham -de origen árabe-, quien observó los eclipses solares y lunares. Éste hacía pasar los rayos expuestos por el astro rey e irradiados por el satélite natural mediante un pequeño agujero, los cuales se reflejaban en la pared opuesta de una habitación sombría, denominada Cámara Oscura.

A mediados de 1820, en Francia, el litógrafo Joseph Nicéphore Niépce llevó a cabo los primeros experimentos relacionados con la obtención de fotografías cuando exponía a la luz solar una placa impregnada de betún de Judea, soluble por acción de la luz.

En 1839, su paisano Jacques Daguerre se basó en el descubrimiento de Niépce, -con quien se asoció en 1829- y lanzó un método práctico: eldaguerrotipo, en el cual utilizó placas de cobre embarradas con yoduro de plata y las exhibió en cámaras de madera. Luego, se percató que podía conseguir imágenes más perfectas al aplicar el yoduro de plata sobre papel y después sobre placas de vidrio. Desafortunadamente, las fotografías tenían que ser preparadas y reveladas inmediatamente después de la exposición, de modo que el fotógrafo de campaña debía llevar una tienda y una gran cantidad de productos químicos.

Un científico británico de la Universidad de Cambridge llamado William Henry Fox Talbot hizo en 1840 experimentos similares a los de Daguerre, a través de transformaciones químicas de productos sensibles. Estos tuvieron como consecuencia unos negativos de los que podían sacarse copias. Sus "calotipos" sobre papel eran más fáciles de reproducir, pero gozaban de menor definición que los daguerrotipos.

El invento de Daguerre fue divulgado por todo el planeta. Sus tiempos de exposición era muy largos, al principio. Más adelante se fueron reduciendo considerablemente y el perfeccionamiento progresivo de la técnica provocó la aparición de una industria fotográfica.

Por otro lado, los escoceses David Octavius Hill y Robert Adamson realizaron sus retratos de estilo pictórico basándose en el experimento de Talbot, ya que la fotografía, en sus orígenes, tomó como modelo a la pintura y adoptó muchos de sus recursos.

En 1851, el británico Frederick Scott Archer permitió otra evolución en la fotografía al aplicar una mezcla de nitrocelulosa con alcohol y éter conocida como colodión, la cual permitía llevar a cabo negativos en cristal. Este sistema unía las ventajas del daguerrotipo y del calotipo. No obstante, el

fotógrafo debía sensibilizar la placa inmediatamente antes de la exposición y aprovechar la emulsión mientras estuviese húmeda.

Años más tarde, el retrato fotográfico cada vez se volvía más popular gracias a su verosimilitud y economía, dejando de lado al retrato pictórico. En 1854, el francés André-Adolphe-Eugéne Disdéri publicó el retrato más famoso –denominado "tarjeta de visita"- al utilizar negativos múltiples en una única placa de vidrio, de la que se obtenían pequeñas reproducciones. Expertos en fotografía como el francés Gaspard-Félix Tournachon (conocido como Nadar), y la inglesa Julia Margaret Cameron llevaron el retrato a un alto grado de precisión al rechazar el tradicional retoque y buscar un estilo propiamente fotográfico, con una preocupación especial por captar la psicología del personaje. Asimismo, Nadar elaboró las primeras fotografías aéreas desde un globo y el británico Roger Fenton fue el pionero de los reportajes de guerra gracias a una serie acerca del conflicto de Crimea, en 1855.

Las fotografías sólo podían hacerse en blanco y negro, pero en 1861 se conocían los principios fundamentales de la fotografía en color.

En 1887, otro británico, Eadweard Muybridge, tomó fotografías de las sucesivas fases del movimiento de una figura. Los artistas plásticos fueron influenciados por este experimento, sobre todo en los que pintaban carreras de caballos.

En 1888, el americano George Eastman (fundador de Kodak) lanzó un nuevo método consistente en aplicar la capa sensible sobre una cinta flexible de celuloide, de manera que los negativos podían almacenarse en rollos. Como resultado, el fotógrafo dejaba el laboratorio en casa, y el equipo resultó más sencillo. Gracias a este sistema, las cámaras se perfeccionaron y la fotografía se volvió más popular todavía.

A principios del siglo XX, fotógrafos como el estadounidense Alfred Stieglitz y el luxemburgués Edward Steichen animaron la aparición de publicaciones y la organización de exposiciones fotográficas, en estrecha relación con las tendencias artísticas contemporáneas. Y en 1907, Auguste y Louis Lumière establecieron unas placas de cristal para obtener fotografías en colores. Dichas placas fueron bautizadas como Autochromes Lumière.

La fotografía artística siguió explorando la vida cotidiana, sus personajes y sus paisajes, sin adornos ni retoques, como las del alemán August Sander, el francés Henri Cartier-Bresson, los estadounidenses Paul Strand, Ansel Adams y Walker Evans. Strand y Adams se dedicaron al paisaje, mientras que Evans se dedicó al periodismo gráfico sobre la época de la depresión económica, tras la crisis de 1929.

La verdadera fotografía en color surgió en 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas.

Con el paso del tiempo, se fueron reconociendo la fotografía como arte. Hasta los propios creadores plásticos se sintieron atraídos por los experimentos fotográficos. De estos casos, se pueden mencionar el del constructivista húngaro László Moholy-Nagy y sus imágenes de luz, el estadounidense Man Ray y

el surrealismo, y los alemanes John Heartfield y Hannah Höch quienes denunciaron la situación político-social a través del fotomontaje.

La fotografía se extendió rápidamente a todos las áreas de la creatividad humana y se transformó en un lenguaje de primera magnitud en una culturaprimordialmente visual, como es la contemporánea.

Características de la fotografía

La fotografía es el antecedente del cine, así que posee sus propias características:

Es estática. Al igual que el cine, se puede dar en diferentes colores y tonalidades como

blanco y negro, color y sepia. Cuando son cámaras con rollo, posee un negativo que debe ser revelado

con productos químicos para que pueda ser positivo. La luz es un elemento muy importante en la fotografía, pues no serviría de

nada fotografiar un objeto a oscuras. Se han creado miles de tendencias en este campo: publicitaria,

artística, personal, documental, etc.

La fotografía en blanco y negro

A pesar de que se usa en la actualidad fotos a color, fotografías digitales y muchos programas para el montaje (como Photoshop), todavía se sigue usando la fotografía en blanco y negro, aunque con menor frecuencia. Algunas de las razones son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de la película y el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo fotógrafo. Eso se deba a que los laboratorios están automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial, muy personal. Por eso es importante enumerar las características de la fotografía en blanco y negro para conocer mejor sus diferenciar de la fotografía a color:

Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta técnica se pueden observar mejor los detalles como volumen, luces, sombras, textura, profundidad, entre otros. En cambio, si fuese a color, estos detalles no se podrían observar con mejor claridad porque los que más resalta es el color mismo.

Brinda más posibilidades que el color para que el fotógrafo haga su propia interpretación de la realidad.

A partir del mismo negativo, el fotógrafo puede obtener imágenes muy distintas desde el punto de vista expresivo.

Ofrece más posibilidades de intervención que el color. La fotografía se hace en dos etapas, la toma y la fase de revelado y tiraje. Por eso se comprende que en la actualidad los aficionados y los auténticos artistas de la fotografía suelan preferir el blanco y negro.

Partes y funciones de la cámara fotográfica

Toda cámara posee una abertura en su parte frontal y, en su parte posterior, el material que va a ser impresionado por la luz. Al mismo tiempo, está compuesta por:

Caja o cuerpo de la cámara: Estuche cerrado a la luz que constituye el cuerpo de la cámara, valga la redundancia.

Película. Material fotosensible que experimenta una alteración química cuando es iluminado. Esta modificación es la que guarda la informaciónvisual del objeto en cada fotografía. Hay diferentes tipos de películas y varios formatos que determinan las características requeridas del conjunto de rayos necesario.

Diafragma: Dispositivo a base de laminillas móviles intercaladas, que se cierran un poco para dejar paso a la luz para que la película se pueda imprimir. El diafragma regula esa luz según unos números que pertenecen a las distintas aberturas. Cuanto mayor sea la apertura, dichos números son menores.

Obturador: Regula el tiempo que actúa la luz sobre la película sensible. Existen dos tipos:

Central: Cuando está situado en el propio objetivo De cortinilla o plano focal: Cuando está colocado ante la película, como

parte de la propia cámara y no del objetivo. Corrientemente, cuanta más luz haya, menor será la abertura.

Visor: Pequeña ventana para mirar por ella, puede tener una lente propia o utilizar un aparato que le permita ver a través del cuerpo de la cámara. Gracias a él, el fotógrafo ve y compone el tema,

Objetivo: Reproduce, sobre la película, el motivo. Puede acoplarse a las cámaras. Hay de varios tipos, los cuales diferencia por su distancia focal:

Los de 50 mm: Reproducen la imagen en sus proporciones reales. Son los más comunes.

Los de foco largo o teleobjetivos: Tienen una distancia focal más larga que los objetivos corrientes y permiten "aproximar" los objetos lejanos.

Gran angular: Posee una distancia focal menor que los usuales e incluye una mayor superficie del objeto, la gran mayoría de las veces con cierta deformación en sus extremos.

El ojo de pez: Objetivo de gran angular de mínima distancia focal que deforma la imagen de forma exagerada, como consecuencia las líneas rectas se presentan curvadas y se estrechan los detalles de los bordes. Solamente suele aplicarse cuando se busca deliberadamente dicho efecto.

Control de perspectiva: Corrigen la convergencia de líneas paralelas -distorsión común al resto de los objetivos- y se emplean sobretodo en la fotografía arquitectónica.

Los zoom: Originalmente fueron usados en las cámaras cinematográficas. Pueden acercar o alejar la imagen que se desea fotografiar.

Objetivo macro: Cuando se retratan objetos a muy corta distancia, se tiene la posibilidad de corregir las aberraciones ópticas.

Teleobjetivos: Es necesario incrementar la amplificación (distancia focal) y la apertura del sistema cuando se procura fotografiar imágenes de objetos lejanos para que capte la máxima energía posible. Evitar las excesivas dimensiones de la cámara, se prepara una lente convergente y otra divergente. Esto permitirá que aún con una distancia focal grande, la imagen esté enfocada.

Flash: Su función es iluminar objetos sin luz, o con luz insuficiente. El flash se desarrolló desde los primitivos sistemas que recurrían a la explosión de polvos de magnesio hasta las modernas bombillas y dispositivos electrónicos, que controlan la intensidad lumínica requerida.

Diafragma, obturador y lentes hacen posible la proyección de la imagen sobre el material sensible de una manera adecuada. Para que esto ocurra claramente es preciso ajustar la distancia entre las lentes del objetivo y la película, variable según la cercanía o alejamiento del objeto por fotografiar respecto de la cámara. Según esto, existe una relación numérica en el objetivo, a través de la cual el experto ajusta la imagen a la distancia. Algunas cámaras automáticas pueden realizar por sí solas esta operación.

También es primordial señalar otros elementos de la cámara, así como por ejemplo uno que está relacionado con el enfoque denominadoprofundidad de campo, que se vincula con el intervalo de distancias dentro del cual la imagen por fotografiar, la cual resulta bien definida en el enfoque. Ésta será menor cuanto más abierto esté el diafragma y mayor a medida que se cierre.

Otros elementos que pueden formar parte de la cámara son los filtros, que cambian la forma en que una película registra colores o valores tonales. Son discos de cristal y gelatina que se colocan delante del objetivo. A veces, están coloreados en función del efecto que se persigue. Hay otros decarácter especial, como los polarizados, que corrigen el efecto de los reflejos; los ultravioletas, que absorben los rayos ultravioletas; y losinfrarrojos, que se usan para hacer visibles efectos pobremente iluminados para la visión común.

Tipos de cámara

Aunque hay una gran variedad de tipos de cámara en el mercado, pero las más comunes son:

i.ii. Cámaras técnicas: Por lo general son más grandes y pesadas que las

medianas y pequeñas, y se suelen usar para trabajos de estudio, paisajes y fotografía de obras arquitectónicas.

iii. Cámaras de visor directo: Tienen un visor a través del cual el aficionado ve y encuadra la escena o el objeto. El visor no muestra la escena a través del objetivo, pero se aproxima bastante a lo que se retratará. A mayores distancias el efecto de paralaje es insignificante, a distancias cortas se aprecia más; esto hace que para el fotógrafo sea más difícil encuadrar con acierto.

iv. Cámaras réflex: Las cámaras réflex, tanto la SLR como la TLR, incluyen espejos que reflejan en el visor la escena que va a ser fotografiada. La

imagen que toma el objetivo superior o visor se muestra en la pantalla de enfoque gracias a un espejo colocado a un ángulo de 45º.

Historia de la cámara

Leonardo Da Vinci creó el antecedente rudimentario de la cámara fotográfica, el cual consistía en una caja con un orificio circular en uno de sus lados y un vidrio en el lado opuesto, en el que se reflejaban los objetos exteriores de manera invertida.

Sin embargo, después de la invención hecha por Ibn al-Haitham con respecto a la cámara oscura, se descubrió más adelante la manera de lograr una imagen más clara al colocar una lente de una distancia focal apropiada en el agujero porque a raíz de esto, comenzaron a usarse cámaras que consistían en tiendas de campaña como instrumentos de dibujo para reproducir edificios, campos, entre muchas cosas. Esto sucedió entre los siglos XVII y XVIII.

Niépce también estuvo involucrado en la historia de la cámara fotográfica porque en 1826 usó una hecha de madera fabricada por Charles y Vincent Chavalier en París, Francia.

La primera cámara portable fue construida por Johann Zahn en 1865. Las primeras cámaras fotográficas eran similares al modelo de Zahn, aunque generalmente con una mejora en el enfoque. Antes de cada exposición una placa sensibilizada era insertada en frente de la pantalla de observación parapoder grabar la imagen. El famoso daguerrotipo de Daguerre utilizaba placas cobre en el proceso, mientras que el proceso calotipo inventado por William Fox Talbot grababa las imágenes en papel.

La invención del proceso de placa mojada con colodión de Archer redujo drásticamente el tiempo de exposición, pero requería que el aficionado preparara y diseñara sus propios lentes, por lo general en un cuarto oscuro móvil. El complejo uso de las técnicas de ambrotipia y tintipia estuvo en auge a finales del siglo XIX. La técnica de la "placa mojada" fue un poco diferente de los diseños anteriores, aunque algunos modelos como el sofisticado Dubroni fueron incorporando las placas dentro de la cámara misma, dejando a un lado el cuarto oscuro. Otras cámaras incluso tenían múltiples lentes para hacer cartes de visite. Es importante mencionar también que en esta etapa estaba de moda el uso de los "bellows" para enfocar.

Iniciando el siglo XX, los expertos pudieron comprar las cámaras del tipo de caja y de fuelle. Después, la industria fotográfica inventó las cámaras del tipo de película de 35 mm y la cámara reflex. En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.

En 1925 apareció en Alemania la cámara de 35 mm, la cual estaba creada originalmente para hacer cine. Como era pequeña y económica, se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante esta etapa, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un

destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.

En plena II Guerra Mundial, surgieron muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, el estadounidense Edwin Herbert Land creó la cámara Polaroid Land, la cual adquirió fama porque se podían adquirir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

En la década de los 50’s se inventó la nueva forma de aumentar la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó de 100 ISO a de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. También entraron al mercado los dispositivos electrónicos (llamados amplificadores de luz), cuya función era incrementar la luz débil y registrar la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.

En la siguiente década, salió la película Itek RS, que permitía utilizar el zinc, el sulfuro de cadmio, el óxido de titanio y otros productos químicos más económicos, sustituyendo a los costosos compuestos de plata. La fotopolimerización hizo posible la producción de copias por contacto sobre papel normal no sensibilizado.

A finales del siglo XX, nacieron las cámaras digitales. Éstas resultaron ser más sencillas porque las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que tiene a su disposición múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria. Así, se pueden tomar miles de fotografías -dependiendo de la capacidad de la cámara-, en vez de comprar un rollo de 12, 24 ó 36 fotos y limitarnos a cierta cantidad de fotografías. Sumándole al revelado, los costos son elevados.

Técnicas de iluminación

Existen diversos factores importantes que se deben tomar en cuenta en la iluminación fotográfica:

Origen:

Luz natural: Es la que aporta el sol, la luna y las estrellas. Estas dos últimas, a diferencia del astro rey, se caracterizan su poca intensidad, y por eso raramente se utilizan. En cambio, el sol posee una luz más intensa. No obstante, la luz natural es más difícil de controlar porque cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color.

Luz artificial: Este tipo de luz se puede controlar, pero es más costosa e incómoda de usar, aparte de limitar la extensión de la superficie que se va a alumbrar. De ahí su complejidad. Puede ser continua (bombillo) o discontinua (flash).

Número de fuentes luminosas: Influye sobre el contraste y el modelado de la imagen. Para este caso, es recomendable usar el menor número posible de fuentes y emplear siempre una como luz principal. Con luz natural puede

aprovecharse, como luz secundaria o de relleno, una pantalla reflectante o un destello de flash.

Color: La longitud de onda de la luz y el color que posee el objeto lo determinan, excepto las sustancias fluorescentes.

Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo: Es preciso tomar en cuenta la luz y la altura, pues influyen enormemente en la fotografía. Los detalles principales dependerán de la posición de la fuente, incluso se pueden ocultar aquellos que no tienen importancia para el fotógrafo. Además, la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores tendrán mucho que ver con la dirección de la luz. Y si se manipula la luz de manera horizontal, pueden significar tranquilidad o ambientes de atardecer. La dirección de la luz se pueden usar de varias maneras, aunque las tres primeras son las más estudiadas y utilizadas por los expertos:

Frontal: La iluminación es directa y da al frente. Con ella, hacen que los objetos sean planos, los colores son más brillantes. e incrementa la cantidad de detalles. No obstante, posee una desventaja: Anula la textura.

Lateral: Cuando la iluminación está de lado. Este tipo de dirección acentúa el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales. Al mismo tiempo, realza la textura e intensifica el contraste de la imagen. A pesar de dichos atributos, da menor "información" sobre los detalles, como lo hace la luz frontal.

El contraluz: Cuando damos la espalda a la luz. Cuando se quiere simplificar un tema conocido, éste hace que los motivos se transformen en siluetas y se logra su contemplación. Sin embargo, anula los colores.

Alta: A diferencia de la luz frontal y para evitar confusiones, se aplica desde un punto alto y a una determinada altura, por ejemplo: una personaestá de pie y la lámpara está a la altura de su rostro.

Cenital: Ocurre cuando se alumbra desde arriba. Contrapicado: Cuando se ilumina desde abajo hacia arriba, es decir de

manera diagonal. Es utilizado mucho en fotografías de temas relacionados con el terror. Verbigracia de ello es cuando una persona ilumina su rostro con una linterna y lo apunta desde el mentón.

Contrapicado lateral: A diferencia de la luz anterior, se ilumina de un lado, sea el izquierdo o el derecho.

Difusión o forma de emanar y llegar al objeto: Hace que el borde de las sombras sean nítidas y podemos verificar la dureza o suavidad de la imagen. Se nombrarán a continuación los tipos de iluminación, los cuales están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa:

La luz dura: Proviene de fuentes pequeñas y alejadas, como por ejemplo como el sol y los bombillos. El grado de dureza está establecido por la distancia y el tamaño. Asimismo, si se quiere destacar la textura, la forma y el color, este tipo de luz es ideal porque ofrece el mayor grado de contraste. También es importante destacar que produce efectos fuertes y espectaculares

La iluminación semidifusa: Proviene de fuentes más grandes y cercanas al objeto. No obstante forma sombras definidas sin bordes nítidos. Aunque

subraya el volumen y la textura, no se producen sombras negras y vacías y ni el gran contraste de la luz dura. Los colores son parecen apagados, en otras palabras, sin brillo.

La luz suave: Es sumamente difusa y apenas genera sombras. La fuente luminosa debe ser muy extensa o, más bien proyectarse sobre una superficie muy grande y próxima (techo, pantallas, lienzos, etc.). A pesar de ser la más agradable y fácil de controlar, es la menos impresionante. Este tipo de luz resuelve los problemas de contraste. Las sombras son menos importantes y le da dominancia al volumen del motivo.

Composición fotográfica

La composición fotográfica es la manera en la que se organizan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que realmente queda en cuadro. Es decir, ordenan las figuras dentro del espacio visual disponible y dándole un sentido de unidad, de modo que resulte armoniosa y artísticamente equilibrada.

Los elementos que hay que percatarnos para formar el cuadro son la perspectiva, el horizonte, la diagonal, la línea "S", la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio y el ritmo.

Si le queremos dar un nuevo nivel de significado al encuadre, podemos variar la posición de la cámara para seguir el desarrollo de la acción, en otras palabras la capacidad de movimiento del encuadre. También es importante destacar los diversos aspectos en cada escena. En este proceso participa del montaje y se produce el "montaje dentro del plano".

Sin embargo, dentro de la composición, de todos los elementos citados con anterioridad hay dos que influyen en la composición que describiremos enseguida:

a.b. El equilibrio: Mientras más equilibrada sea la situación de los elementos

que la componen, más agradable resulta la fotografía. Su "peso visual" se debe a cómo se distribuyen las figuras. Los elementos de mayor masa visual se podrían colocar más al centro, y los más ligeros hacia los márgenes. La noción de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa. También se toma en el volumen y el peso que instintivamente se relaciona con cada elemento. Además, el equilibrio se asocia a las composiciones verticales, a la intensidad y al contraste de los colores. Una imagen mal equilibrada es rechazada inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no podrá ser captado.

c. El ritmo: Se define como el resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. Cuando se repite un motivo, la armonía de una escena aumenta. El ritmo permite unir los diferentes elementos de la escena para otorgarles unidad y fluidez. Las composiciones con ritmo excesivamente rígido (olas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc.), es aconsejable romperlas con algún pequeño objeto que no tenga nada que ver, pero que disminuya su rigidez y proporcione un centro de interés.

Enumeraremos las reglas básicas de composición que pueden servir como norte:

1.2. Elegir bien el encuadre y el punto de vista: Para ellos se escoge el

objeto que queremos fotografiar y buscar el punto de vista en el que sobresalga más. De esta manera dejaremos de lado aquellos elementos que nos desconcentren en pleno proceso.

3. La regla de los tercios: De manera imaginaria y tanto horizontal y verticalmente, fraccionamos la pantalla en tercios. El objeto debe estar en uno de los puntos de intersección de la cuadrícula imaginaria y no en el centro de la imagen.

4. Las líneas dominantes: Deben centrar la atención, no desviarla. Una de las normas más famosas de la composición es repetir las líneas y objetos, sobretodo si el motivo es una estructura. Las líneas pueden ser horizontales, verticales, curvas o cruzadas. Las diagonales y líneas en "S" se emplean para imprimir un cierto movimiento a las fotografías.

El fotógrafo puede hacer su composición de mil maneras, pero hay normas que si se llevan a cabo notaremos cómo la imagen obtenida produce sensaciones de mayor intensidad. En otras palabras, estas son algunas de las formas de composición más comunes:

Composición simétrica: Generalmente, muchos de los temas que se fotografían como personas, animales u objetos tienen uno o varios planos de simetría, incluso la línea del horizonte pueden actuar de cierta manera. Si los motivos ubicados a ambos lados del eje simétrico tienen el mismo "peso visual", la imagen puede ser agradable. Este tipo de composición es sencilla, solemne y formal. Sin embargo, resulta fría y sumamentemecánica.

Composición asimétrica: Las variantes que este tipo son infinitas. Es conocida con el nombre de las formas de letras o figuras que toman. Las más empleadas son la triangular y las realizadas en forma de "S", "L", o "C".

Composición con líneas: Las líneas pueden estar presentes en la imagen o existir tácitamente al unir sus elementos constituyentes. Aquí las líneas pueden actuar de distintas maneras como haciendo ingresar nuestra visión en la fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la foto lo más levemente posible.

Fotografía y publicidad

La fotografía es muy usada en publicidad, sobretodo cuando se toman fotos para vallas, anuncios, ilustraciones en libros y otras publicaciones. Se ha recurrido a ella para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Además, desde la década de 1920 se ha usado mucho con la intención de impulsar y dirigir el consumo, y como un elemento más de la publicidad. Los aficionados utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas para que sus imágenes sean atractivas. Y en mucho de los casos, hacen retoques en ellas para que se aproxime a la perfección que los medios y la publicidad han establecido en cuanto a la belleza humana.

Esta clase de imágenes ha tenido un fuerte impacto dentro de la cultura porque ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Los que más

se destacaron en esta área son: Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta sociedad; Richard Avedon, quien se hizo popular como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, polémico fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen habitualmente un gran contenido erótico.

Conclusión

La fotografía ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Muchos expertos han ido descubriendo la forma más sencilla de hacer las fotografías, tomando como referencia a los antecedentes para que este tipo de arte vaya mejorando cada vez más. A pesar de su evolución, a estas alturas hay expertos que se inclinan por las fotos en blanco y negro. Cada uno de ellos le da un significado, dependiendo del tipo de mensaje que quiera dejar. Gracias al blanco y negro, los detalles se pueden observar mejor, cosas que no ocurre en la fotografía a color. Por ser un arte, hay gente que está dedicada a ella como profesión y otra como hobbie. Para estimular esto, se han hecho cursos y concursos de fotografía, la cual va adquiriendo más y más aficionados.

También la cámara también se ha ido desarrollando. Además, hay muchos fotógrafos que no les gusta lo digital y prefieren lo tradicional. Este es el caso de los reporteros gráficos y los artísticos.

Pero en el caso de las cámaras digitales, se ha provocado una disminución en la industria fotográfica porque, como ya se dijo anteriormente, los consumidores optan por ella por su facilidad y toma fotografías de manera casi "ilimitada", es decir, en vez de limitarse a un rollo de 36 fotos, pueden tomar con la digital 200 fotos. No obstante, se ha hecho un estudio de mercado y se descubrió que mucha gente, aunque les guste tomar fotos a través de las cámaras digitales, les gusta verlas en formato revelado. Prestando atención a las necesidades de los clientes, se creó un sistema donde el clientepuede enviar sus fotografías a la página web y las mandan a imprimir. De esta manera, las tiendas fotográficas evitarán que quiebren y continúen en el mercado.

Con este trabajo, nos hemos dado cuanta que la mayoría de las veces, cuando se busca información acerca de la fotografía, se mezclan las historias de la fotografía con la de la cámara. Aunque ambas están estrechamente relacionadas, son diferentes entre sí. En la historia de la fotografía tomamos en cuenta su evolución de los químicos y el revelado, pero en la de la cámara, en el aparato en sí.

Las partes básicas de la cámara que señalamos con anterioridad, a veces cambian de nombre y otras no poseen flash. Todo dependerá del tipo de cámara que se va a usar.

Las técnicas de iluminación son ayudan a una mejor orientación en cuanto a la luz, ya que esta tiene una gran influencia en la fotografía. También es fundamental tomar en cuenta los factores nombrados anteriormente porque nos sirven como base para una exitosa sesión fotográfica.

Podría decirse que la composición es uno de los métodos donde el fotógrafo expresa su mayor creatividad porque él mismo selecciona los elementos y los va ordenando se acuerdo con el mensaje que quiera expresar.

Con respecto a la fotografía y publicidad, muchas modelos, actores, actrices y cantantes han sido retocados fotográficamente para que se acerquen a lateoría de la "perfección" de la belleza humana. Esta es la causa por la que muchas mujeres mueren cada año de anorexia y bulimia. Y cada año muchos hombres se han inyectado esteroides en los músculos para parecerse a aquellos que salen en las revista. Por eso mismo, una actriz famosa llama Jaime Lee Curtis, cuando fue fotografiada para la portada de cierta prestigiosa revista, prohibió que sus piernas sean retocadas por programas decomputadoras para mostrar al mundo cómo son sus piernas en realidad. De esta forma dejó un claro mensaje: Ni las celebridades de Hollywood son perfectas. Son simplemente humanos.

Como una conclusión total, podemos afirmar que, sin importar la tendencia que se está utilizando, la fotografía es una forma de comunicación entre el fotógrafo y su medio.

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