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Trinidad Soto Acebal Anastasia Ferreiro Angeles Krause

MODA POP “las nuevas tendencias en diseño indumentaria”

Índice

Primera parte: Introducción

Síntesis…………………………………….2

Objetivos…………………………………..3

Hipótesis…………………………….…….4

Segunda parte: Enfoque teórico

1.1Pop Art…………………………….….....5

1.2Arte y diseño en el siglo xx…………..….6

1.3 Andy Warhol……………………….…...6

1.4 Versace……………………………….....7

1.5 El arte de vestirse…………………….…8

1.6 Diseño en Argentina………………..…..8

Tercera parte: Análisis

Objetivos generales…………………………..11

Objetivos específicos…………………………15

Cuarta parte:

Bibliografía……………………………….…18

Quinta parte: Anexo

Anexo i: Imágenes.

Anexo ii: Entrevistas.

Anexo iii: Fichas.

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1)

SÍNTESIS

¿ Para que sirve nuestra investigación? Nuestra producción sirve para entender y entrar

en el tema de la moda, es decir para tomar contacto con las nuevas tendencias y para

entender como la vanguardia argentina aplica el Pop Art en la moda actual. También

darnos cuenta que se pueden tomar elementos de un arte lejano en el tiempo, ajeno a

nuestro país, para fusionarlo con una expresión de diseño con valor artístico.

¿Por que es importante este tema con el diseño de indumentaria? Es importante ya que

a pesar de los años que pasaron desde la existencia del Pop Art, se sigue aplicando hoy

en día en el diseño de indumentaria. Esto se demuestra a la luz de que las influencias del

Pop Art se extienden hasta la actualidad con diversos matices y su nueva aplicación en

las prendas continua siendo moderno y llamativo.

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OBJETIVOS GENERALES

Describir los estilos de los distintos artistas que aplican el Pop Art en sus prendas

en Palermo Soho en Plaza Serrano.

Caracterizar las técnicas de estampados de remeras más utilizadas por los

diseñadores de indumentaria de plaza Serrano.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS

Identificar los motivos más utilizados

Caracterizar al producto

Describir el proceso de producción creativo de los artistas

diseñadores.

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HIPÓTESIS

El Pop Art a pesar que surgió hace varios años sigue siendo algo llamativa y creativa.

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2) MARCO TEORICO

“El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que tuvo un gran

impacto cultural en el mundo ya que produjo un cambio en el ánimo artístico, social e

individual” (Ostewold Tilman, 1992). Surgió a mediados de los años 50 en el Reino

Unido y a finales de la misma década en Estados Unidos. “Puede afirmarse que el Pop

es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop),

caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos

dejan de ser únicos para producirse en serie” (Ruhber, Shneckenburger, Fricke, Honnef,

2007). Según Charlotte y Peter Fiell, autores del libro “Diseño del siglo XX” (dirigen

una asesoría de diseño en Londres especializada en la venta, adquisición, estudio y

promoción de objetos de diseño. Ambos han impartido numerosas conferencias, han

ejercido como comisarios en varias exposiciones y han escrito un gran número de

artículos y libros acerca del diseño), el Pop Art no solo influyó en la obra de los artistas

posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de

moda. Varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como

artistas publicitarios. También se apropió de las técnicas de la producción masiva,

basadas en la fotografía, el diseño gráfico y la imprenta (Charlotte y Peter Fiell 2005).

Fue una reacción en contra de lo artísticamente establecido en la época, el

"expresionismo abstracto". Fue un movimiento artístico que produjo un fuerte impacto

cultural a nivel mundial, ya que era totalmente representativo de su época porque se

basaba en crear algo novedoso con algo que la gente ya tuviera asimilado y fuese

cotidiano, es decir, la cuestión fue hacer de lo impersonal un estilo, usando imágenes

comerciales. El uso de estos conceptos cotidianos fue lo que produjo el gran impacto y

mas adelante la trascendencia hasta nuestros tiempos, ya que a diferencia de los estilos

anteriores, como Pollok o Rothko a los cuales la gente no entendía, esta nueva corriente

mostraba a la gente cosas que ellos ya conocían desde antes. En otras palabras, lo que

hizo fue bajar al arte desde ese lugar tan incomprendido e inalcanzable hacia las masas

populares, mostrando a una figura popular, como lo es Marilyn Monroe, o una lata de

sopas Campbell, a la cual todo el mundo tenía exceso en una góndola de supermercado.

Sus principales precursores fueron:

Lichtenstein: el cual expresaba su arte a través de comics, lo que hizo fue

http://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_art%C3%ADstico

http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XX

7


redireccionar al arte de círculos cerrados hacia un gran publico. Él reprodujo modelos

ya existentes, pero sacados de contexto. Hizo de una pequeña pieza, algo enorme, lo

multiplicaba infinitas veces, etc. (Luis Sánchez Pescador, 2004)

Warhol: establecido como principal artista pop, este diseñador y cineasta

estadounidense desempeño un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del

estilo. Hacia que el espectador se identificara claramente con la obra, ya que

pensaba que el arte no podía seguir aislado y creía que el expresionismo era

indescifrable. Reemplazo al cliente de arte por un "consumidor", asocio el

lenguaje del arte a cosas reconocibles. Se considera creador de ideas y conceptos

cuya ejecución debe llevarse a cabo impersonal y mecánicamente. (Paola L.

Fraticola, 2009)

Claes Oldenburg: Artista americano, una de las figuras más destacadas del arte

Pop. A partir de 1962 introdujo un cambio sustancial en el modo de reconstruir

los objetos cotidianos y empleó para ello lonas rellenas de estopa, con lo que sus

formas no eran estables, a la vez que agigantaba sus tamaños. Con estas

esculturas quiere provocar un desplazamiento de la percepción que

habitualmente se tiene de los objetos que nos rodean. Por su interés en lo

paradójico, Oldenburg está más cercano al dadaísmo o surrealismos originales

que el resto de los artistas pop. (Catalina Macías, 2010)

James Rosenquist: Es un artista famoso estadounidense del Pop Art. Su

especialidad es coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas

Las combina, superpone, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias

visuales. Esto puede dejar sin aliento al espectador, haciendo que consideren

incluso los objetos más familiares (un remolque, o una caja de detergente,

etcétera) de las maneras más abstractas y provocativas. (Cristina Alejos Cañada,

2009)

8


El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores sino que también ejerció

una fuerte influencia en los diseños de otras áreas, como por ejemplo el diseño de

muebles, el diseño de interiores y el caso que nos convoca en el presente estudio, el

diseño de indumentaria.

“El Diseño es una actividad humana volitiva, una actividad abstracta que implica

programar, proyectar, coordina una larga lista de factores materiales y humanos,

traducir lo invisible en visible, en definitiva, comunicar. Incluye juicios de valor,

aplicaciones de conocimientos, adquisición de nuevos conocimientos, uso de intuiciones

educadas y toma de decisiones” (Frascara, 2000). “El diseño es una actividad creativa

cuyo propósito es establecer las cualidades multifacéticas de objetos, procesos servicios

en su ciclo completo de vida. Por lo tanto, el Diseño es el factor principal de la

humanización innovadora de las tecnologías y el factor crítico del intercambio cultural y

económico” (ICSID (International Council Of Societies of Industrial Design), 2004).

“Los elementos conceptuales del diseño, el punto, la línea, el plano son conceptos

abstractos; cuando son visibles se convierten en FORMA: un punto sobre un papel tiene

unas dimensiones, un color y una textura concreta, y lo mismo ocurre con la línea y

plano, en el caso del diseño bidimensional, donde los volúmenes visibles son

imaginarios. Las formas son los modos en que se distribuye l materia en el espacio,

como la sintaxis y la gramática en el lenguaje hablado o escrito, y existen en nuestras

mentes clasificando nuestras vivencias y sensaciones. Son los conceptos del diseño,

expresados en el material que se utiliza para plasmarlos y por ellos distinguimos

elementos de nuestra experiencia y percibimos su significado.” (Manuel Gash, 1992)

“Se ha dicho hasta la saciedad que el sentido del color era simplemente el resultado de

la incidencia de diferentes longitudes de onda en el ojo humano. Pero, si bien este es el

efecto puramente físico, las ultimas investigaciones confirman la antigua idea griega del

color como “lo que siempre acompaña la forma” (Manuel Gash, 1992)

Según Dondis el color son representaciones monocromáticas que están cargados de

información y es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en

común (Dondis, 2010).

“El arte es actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una

habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión

particular del mundo.” “El arte es una manifestación de la raza humana capaz de

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expresar o generar un sentimiento en una tercera persona utilizando recursos sonoros,

visuales o plásticos.” (Tolstoi León, 2003).llllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllll

“Tendencia se utiliza como sinónimo de moda, en el sentido de tratarse de una especie

de mecanismo social que regula las elecciones de las personas. Una tendencia es un

estilo o una costumbre que maraca una época o lugar. En la década del 60´, por ejemplo,

la tendencia marcaba el uso de ropa muy colorida, con grande estampados y pantalones

Oxford” (Definición. De, 2011)

“Moda, en sentido general, es un conjunto aplicable a diferente fenómenos de actividad

humana, que reflejan cambios constantes en cuanto a criterios. El termino “moda”

procede de modus que, en latín, significa “elección” y se refiere a las costumbres, el

modo de proceder y la forma de vestir y peinarse propias de cada es tapa de la

humanidad. En el caso del vestuario, moda significa la forma particular de vestirse en

cada temporada” (Larissa Lando, 2009)

El diseño de indumentaria empezó a aplicar el Pop Art a mediados de los 60. Andy

Warhol, dibujante, pintor, grafista, cineasta, fotógrafo, productor musical y empresario,

es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Sus obras

fueron unas de las principales influencias en el diseño indumentaria. Los diseñadores

estampaban motivos del Pop art, como por ejemplo la figura de Marilyn Monroe

(principal y icono del Pop Art), principalmente en las minifaldas. Todo podía ser motivo

de una expresión plástica desde Marilyn, una banana, una lata de sopa, un Cómic etc.

(Alfonso Burguillo, 2007)

En los años 70 importantes diseñadores como Versace, Gucci, Valentino, entre otros,

empezaron a utilizar elementos de Pop Art en sus desfiles y en el diseño de sus textiles.

(Richard Martin, 1998). Lo más propio de esta década fueron los pantalones anchos,

oxford o “pie de elefante”. Tan anchos que dejaban ocultos los zapatos de alta

plataforma, prototipo de la época. Era muy característico el uso de mucho color,

estampados, la psicodelia, círculos, espirales y flores de colores en la ropa. La tendencia

hippie que surgió en los 60, se acentuó en los 70. Trajo consigo la ropa étnica, como

chaquetas Nehru, túnicas y blusas orientales y africanas. Desde mediados a finales de

los 70 los caftanes, kimonos, jalabiya y otros estilos orientales, tanto árabes, hindúes o

africanos tuvieron gran acogida entre las multitudes. Los bolsos y bikinis de crochét de

10


las islas griegas, mantones españoles, ponchos sudamericanos, faldas estilo campesino,

chalecos tibetanos y chinos, pañuelos hindúes, adornos y complementos de los indios

americanos, pulseras, collares, joyas de todas partes del mundo. Una gran cantidad de

elementos étnicos se incorporaron en el vestir. El mundo comenzó a globalizarse a

través de la moda. En lo que se refiere a zapatos, las plataformas tuvieron un gran auge

a principios de la década, y a finales, los tacones aguja resurgieron. Los abrigos largos

tendieron a decaer en esta década, y tuvieron más preponderancia las chaquetas cortas,

de terciopelo, telas acolchonadas, de lana, o impermeables. (Black Label, 2008)

El estilo de los años 80 impactaba por los colores que eran muy variados, accesorios y

sobre todo los peinados. Fueron años de diseños revolucionarios, colores casi

fluorescentes, combinados con negro: fucsia, azul metálico, amarillo limón. Los trajes

más emblemáticos de la década fueron las remeras holgadas y coloridas, frecuentemente

estampadas y con grandes hombreras, también los pantalones ajustados, los chalecos,

las faldas rectas y minifaldas. Parte de esta moda tomaba elementos con raíces en el Pop

Art, ya que era característico de aquel arte el uso de colores puros, brillantes y

fluorescentes y una expresión despojada de limites y preconceptos. El estilo Punk fue

más característico de esta época, a pesar de esto algunos diseñadores de indumentaria

seguían aplicando el Pop Art en sus obras. Se observaban también fusiones que

mezclaban todas aquellas expresiones con libertad y sin limites. (Fraschini Fanca, 2009)

La moda en los años 90 no estuvo caracterizada por un estilo específico, sino que más

bien se definió como un impulso de las personas por marcar su individualidad a través

de la ropa. Lo que sí está claro, es que en estos años se relajó la atmósfera ochentera,

típicamente fastuosa y exuberante, para dar paso a la simplicidad y a la comodidad. Es

así que el prét-a-porter adquiere relevancia para la mujer.

En líneas generales, se destacan como usuales los pantalones de tiro bajo, los escotes

prominentes y el jean que no pierde la presencia que tenía en los ochenta, sino que por

el contrario, llega para quedarse; los desteñidos y rotos eran “plaga”. Por su parte, las

remeras cortas hasta el ombligo, resultaron ideales para lucir piercings y tatuajes. En

cuanto a los accesorios, el uso de carteras y cintos se mantuvo. Roy Lichtenstein,

amplió el campo del pop art con sus enormes pinturas al óleo imitando viñetas de

cómics. Los diseñadores aplicaban los cómics en los bolsos y carteras (Roxyk, 2009).

11


Hoy en día los diseñadores de Argentina toman ciertos elementos del Pop Art, los que

son transformados por su creatividad individual. En Argentina encontramos expresiones

pop principalmente en remeras y luego en bolsos, zapatillas, polleras, blusas,

cinturones, etc. Se observa una mezcla de arte nacional con aquel pop art original en

algunas obras de los diseñadores, como por ejemplo el uso de la imagen del Che

Guevara en carteras. Motivos típicos de nuestra cultura son validos en esta fusión para

los diseñadores vanguardistas. El resultado de esta fusión lo encontramos

principalmente en Palermo Soho, donde encontramos un producto original, vanguardista

y estético.

12


3)

Objetivos generales

Describir los estilos de los distintos artistas que aplican el Pop Art en sus prendas en

Palermo Soho en Plaza Serrano.

Algunos de los artistas de Plaza Serrano utilizan el Pop Art en sus obras. Uno de los

artistas utiliza obras de Andy Warhol como a Marilyn Monroe. Otro de los artistas

utiliza las técnicas de Andy Warhol como la multiplicación de las imágenes, o la

distorsión de los colores, también la utilización de colores fluorescentes.

Otro artista aplica el Pop art no utilizando iconos famosos sino objetos comunes de la

vida cotidiano como una botella de Heineken, como por ejemplo utiliza una bicicleta y

le agrega diversos colores muy característico del pop art, también retoca las imágenes

utilizando el mismo efecto de Andy Warhol.

13


Caracterizar las técnicas de estampados de remeras más utilizadas por los

diseñadores de indumentaria de plaza Serrano.

Introducción

El deseo de agregar color y diseño a los materiales textiles es casi tan antiguo como la

humanidad. Las primeras civilizaciones usaron el color y diseño para distinguirse y

separarse de los demás. El estampado textil es la más importante y versátil de las

técnicas usadas para agregar diseño, color y especialidad a las telas. Puede considerarse

como una técnica que combina arte, ingeniería, y tecnología de teñido para producir

imágenes que solamente existían en la imaginación del diseñador textil. El estampado

textil puede ser considerado como un teñido localizado. En tiempos antiguos, el hombre

usó estos diseños e imágenes principalmente para telas para vestir.

Algunas de las técnicas de impresión de hoy en día, más prácticas y usadas por los

diseñadores de indumentaria son:

Estampado de pantalla de cama plana

Una pantalla separada debe ser construida o grabada para cada color en el diseño de

estampado. Si el diseño tiene cuatro colores, entonces cuatro pantallas deben ser

grabadas.La moderna máquina de pantalla de cama consiste de un aparato alimentador,

una tina de cola, una banda giratoria continua de hule, arneses de mesa de estampado

para levantar y bajar las pantallas planas, y un conducto con una tina de goma con doble

cuchilla. El aparato alimentador permite una alimentación precisa del tejido dentro de la

banda de hule. Al alimentarse el tejido a la máquina se fija ligeramente a la banda para

prevenir cualquier manchado o distorsión durante el proceso de impresión. La banda

lleva el tejido bajo las pantallas, que están en posición levantada. Una vez que están

bajo las pantallas, el tejido para, las pantallas se bajan y una tina automática se mueve a

través de la pantalla, empujando la pasta de estampado a través del diseño o las áreas

abiertas de las pantallas. Las pantallas se levantan la banda mueve el tejido al siguiente

color con precisión y se repite el proceso. Ya que cada color se ha aplicado, el tejido es

removido de la banda y llevado entonces a través del proceso de fijación requerido. La

14

banda de hule es continuamente lavada, secada y regresada al área de alimentación del

tejido.

Estampado de pantalla rotatoria

En una operación básica, las máquinas de pantalla rotatoria y pantalla plana son muy


similares. Ambas usan el mismo tipo de aparato alimentador, tina de cola, banda

giratoria (mesa de estampe), secador, y equipo de fijado. El proceso involucra alimentar

la tela inicialmente en la banda de hule. El tejido avanza debajo de las pantallas

rotatorias, las pantallas giran con el tejido. La pasta de estampe se alimenta

continuamente al interior de la pantalla a través de un tubo o barra. La pantalla gira y el

rodillo de goma empuja la pasta de estampe a través de los diseños de la pantalla dentro

del tejido. Como en el estampado de cama plana, solamente se puede aplicar un color en

cada pantalla. Después de la aplicación del estampado, el proceso es el mismo que en el

estampado de pantalla plana.

Grabado con Láser

Unos de los más moderno métodos de pantallas es conocido como grabado en láser.

Aquí, el diseño original se digitaliza en sistema CAD (computer-aided design por sus

siglas en inglés). Un diseñador textil calificado separa cada color del diseño. Al mismo

tiempo, las pantallas rotatorias se cubren con resina, y la resina se endurece

completamente. La pantalla recubierta se carga con un mandril, que se une a un láser

grabado. La máquina graba la pantalla usando el diseño digitalizado CAD. Otra vez, un

solo color es posible por pantalla. El láser evapora el material de la pantalla sin dañarlo,

que esta normalmente formado de una malla de Níquel para pantallas rotativas

modernas. El grabado con láser ha expandido ampliamente las posibilidades de diseño

para el estampado de pantalla rotativa.

Estampado de Inyección de Tinta Digital

El más reciente método para estampar textiles es el estampado digital por inyección de

tinta. Desde el punto de vista de la técnica, este proceso es idéntico a una impresora de

inyección de tinta usada con casi todas las computadoras. Sin embargo, para telas,

estas máquinas son de 60 a 84 pulgadas de ancho. El estampado digital ofrece

tremendas capacidades de diseño. Diseños con imágenes de calidad fotográfica son

posibles con esta técnica. Por supuesto, este método usa un sistema CAD con imagen

digitalizada. Presenta la oportunidad de cambiar de un diseño a otro inmediatamente

15

sin desperdicio de tela estampada. Este método ha sido usado con el scanner de cuerpo

para producir telas estampadas que están hechas a la medida de la persona. Muchos

individuos pronostican este método como una técnica del futuro.

16


Objetivos específicos

Identificar los motivos más utilizados

Los motivos utilizados en las prendas de indumentaria pueden ser exactamente copiados

de las obras o bien pueden ser adaptados a personajes y objetos contemporáneos.

Los artistas de aquellos años intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y

elevarlas a la categoría de arte.

Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de

personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de

este estilo.

El retrato, como sucedió en en épocas anteriores, toma una gran fuerza. Todas las

personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se

pudieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly...para que dejasen constancia de su

paso por la modernidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de lo

motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica,

la expresividad queda relegada a un segundo término, Manteniendo la supremacía un

estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

Ademas, se implementa mucho el motivo de la historieta apuntillada y con colores

saturados, editadas tal y como las hacían Warhol y Kandinsky.

17


Caracterizar al producto

Algunos de los diseñadores de la feria de Palermo Soho aplican el Pop Art en sus

diseños, principalmente en remeras, blusas y musculosas.

Las características observadas en estas prendas son:

Generalmente de manga corta.

Tanto para hombre como para mujer.

Son prendas utilizables en el día como en la noche.

De algodón, ya que es mas apto para el estampado.

Coloridas: colores fluorescentes, brillantes como los originales de las obras pop.

Estampados de Marilyn Monroe, The Beatles, Jimi Hendrix entre otras figuras de

los años 60, sacados de la mano de los artistas de los 60'.

Precio accesible.

“Efectos fotográficos Andy Warhol” aplicados en las remeras.

Calidad media.

Se utiliza la ilusión óptica y el espacio tridimensional.

Juego con patrones, contrastes y colores.

Textura: Suave.

Resistentes al lavado.

18


Describir el proceso de producción creativo de los artistas diseñadores.

19


4)

Bibliografía: Marco teórico

Alfonso Burguillo (2007): “Nave de arte”, Buenos Aires, Plata, Cap. “Pop Art”.

Black Label (2008): “Hoy moda” ,Paris ,Romeo. Cap. “Moda ropa años 70”.

Catalina Macías (2010): “Las historias que nos cuenta el arte”, Madrid, Alianza.

Charlotte y Peter Fiell (2005): “Diseño del siglo XX”, Madrid, Tashen.

Cristina Alejos Cañada (2009): “Pintura y Artistas”, Barcelona, Ediciones. Cap.

“James Rosenquist”.

“Definición de tendencia” definición.de.com, 2 de mayo 2011

http://definicion.de/tendencia/

Dondis (2010): “La sintaxis de la imagen”, Barcelona, GG Diseño.

“Evolución de la moda- años 90” (2 de Junio de 2009): http://roxyk.blogspot.es/

Frascara, Jorge (2000): “El diseño de comunicación”, Buenos Aires, Infinito. Cap.

“Una definición del área”

Fraschini Franca (13 de Agosto 2009): “Moda de los años 80” Imjuer.com..

Fraticola Paola (2009): “Andy Warhol”. 18 de noviembre,

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/warhol.html

http://www.imujer.com/2009/08/13/moda-de-los-anos-80/

International Council Of Societies of Industrial Design (ICSID): 2004, “Diseño”,

www.icsid.org

Lando Larissa (2009): “Diseño de modas: Conceptos básicos”, United States, CBH

Books.

León Tolstoi (2003): “¿Qué es el arte?”, Buenos Aires, Antigua.

Luis Sánchez Pescador (2004): “Roy Liechtenstein y el Pop Art”, Madrid,

Candencialatina.

Manuel Gash (1992): “ Técnicas de pintura y diseño”, Madrid, Genesis.

Cap. “El lenguaje visual”.

Osterwold Tilman (1992): “Pop Art”, Madrid, Taschen,.

Richard Martin (1998): “Versace”, España, Poligrafa.

Ruhrberg, Schneckenburger, Fricke, Honnef (2007): “Arte del siglo XX”,

Madrid, Marin,.

http://definicion.de/tendencia/

http://roxyk.blogspot.es/

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/warhol.html

http://www.imujer.com/2009/08/13/moda-de-los-anos-80/

http://www.icsid.org/

20


Anexo

Anexo i: imágenes

Imágenes de Pop Art

Obra de Andy Warhol

Campbell´s Soup Cans, 1962 (pop art,

21

1


Andy Warhol

Marilyn Monroe, 1965

23


Roy Lichtenstein

Drowning Girl, 1963

3

24


Andy Warhol

The Mailyns, 1962

4

25


Imágenes de la aplicación del Pop Art en diseños de indumentaria

Palermo Soho, Plaza Serrano

Abril 2011

5

26



Abril 2011

6

27



Abril 2011

7

28



Abril 2011

29

8



Abril 2011

30

9



Abril 2011, toma fotográfica en via publica

10

31



Abril 2011

11

32


Cuadro de análisis

Nº de

imagen

Década Descripción

de la imagen

Soporte

físico

Elementos

predominantes 1 60´ Ilustración de la

lata Campbell´s

por Andy

Warhol.

La lata Color rojo

tipografía.

2 60´ La imagen

muestra a

Marilyn Monroe

uno de los

principales

icono del Pop

Art. Es una obra

de Andy Warhol

Cuadro

Se muestra una

Fuerte

saturación del

color.

alteración de los

colores

característico a

las obras de

Warhol.

3

60´ Es un obra de

Roy

Linchtenstein.

Es un comic de

una mujer.

Cuadro Se utiliza el

puntillismo y la

gigantografía

como elementos

predominantes.

4 60´ Es una obra de

Andy Warhol.

Principal

imagen Marilyn

Monroe.

Cuadro Se utiliza la

multiplicación

de la imagen y

la distorsión de

colores.

Nº de

imagen

Año y mes Descripción de

la imagen.

Soporte

físico

Elementos

predominantes

5 Abril 2011 Remera básica

con estampado

de obra de Andy

Warhol. Es una

obra de Andy

Warhol basada

Remera

de

algodón

Colores vivos y

llamativos.

Saturación

Cambio de color

Marilyn Monroe

33

en la imagen de

Marilyn

Monroe.

6 Abril 2011 Se utiliza la

multiplicación

de la imagen que

es Andy Warhol

y colores

vibrantes. El

diseñador utiliza

las tecnicas de

Andy Warhol.

Remera

de

algodón

Colores

vibrantes. La

foto de Andy

Warhol

7 Abril 2011 Se utiliza la

alteración del

color sobre la

imagen que es

Frida Calos.

Remera

de

algodón

Colores

fluorescentes.

Frida Calos

8 Abril 2011 Mezcla de una

foto de los

Beatles con

ilustraciones

Remera

de

algodón

Colores vivos.

The Beatels.

9 Abril 2011 Multiplicación

de la imagen la

bicicleta en

diferentes

colores.

Remera

de

algodón

Se utiliza los

tres colore

primarios.

Bicicletas.

10 Abril 2011 La billetera tiene

estampado un

comic.

Billetera

de

plástico

Historieta

11 Abril 2011 La imagen

muestra

diferentes

remeras con sus

diferentes

estampado como

la marca de

Heineken, el

signo hippie, Bob

Marley, Don

Ramon, la virgen,

caricaturas.

Remeras

de algodón

Se utiliza

colore

brillantes,

cálidos.

35

Anexo ii: Entrevistas

ENTREVISTAS Tema: " Las nuevas tendencias en indumentaria artistica"

Datos personales

Nombre: Enrique Ortega

Edad: 32

1. Para vos… ¿Qué es diseñar?

Para mi diseñar darle un acabado a algo, con cosas que tenés en tu cabeza.

2. ¿Cómo te defines como diseñador?

No me considero diseñador de modas, son mas bien un artista plástico, utilizo las prendas como medio.

3. ¿En que te especializas? ¿Qué experiencias tenés en este campo?

Me especializo en el diseño de lo que es el aplique a la prenda, lo que se llamaría "estampa". Hace varios años que trabajo de esto.

4. ¿Tenés algún tipo de formación o sos autodidacta?

Estudie bellas artes, nunca fui diseñados 5. ¿Recordás la primera pieza que diseñaste? ¿Y la primera que vendiste?

Recuerdo..(ríe) fue muy mala, ya que quise imitar algo y me fue pésimo.

6. ¿Qué habilidades y aptitudes tiene que tener un diseñador de modas?

Apertura, ante todo, apertura de mente. Mas allá de la creatividad, que termina siendo un factor mas, si sos cerrado de cabeza no se puede.

7. ¿Cómo se relaciona el arte con el diseño?

Considero que el arte es la base de el diseño contemporáneo, claramente.

8. ¿Cree usted que el diseño de modas es un arte?

Por supuesto, es todo un proceso de empape cultural.

9. ¿Te consideras un artista? ¿por qué?

36

Si si, porque todo sale de acá (señala la cabeza), al fin y al cabo todo se reduce a vos y tus ideas.

10. ¿Qué buscas expresar a través de tus diseños?

Emociones, me gusta hacer viajar a la gente en el tiempo, con cosas que hace mucho no se ven pero en algún rincón de nuestra memoria todos tenemos.

11. ¿Quién fue tu mayor influencia?

Definitivamente en ninguno de los diseñadores contemporáneos. (ríe)

12. ¿En qué te inspiras? ¿Qué tipo de inspiración encontrás en el Pop Art?

Me gusta mirar obras realizadas hace tiempo. El pop art es muy rico en diseños, me gusta la manera en la cual se situó en la sociedad. Se me hace fascinante la diferencia abismal que tiene con sus precedentes.

13. ¿Porqué pensás que el Pop Art transciende en la actualidad?

Puede haber sido por esto mismo, por encontrar cantidades industriales de material artístico en objetos o situaciones que todo el mundo creía común.

14. ¿Crees que Palermo Soho, específicamente la zona de Plaza Serrano, es un

lugar apto o propicio para comercializar este tipo de diseños?

Y.. por algo todos terminamos amuchados acá (risas). Es una zona a la cual mucha gente, sobre todo turistas, se dirige a comprar.

15. ¿Qué lugar crees que ocupa la feria de plaza serrano en cuanto a diseños?

Creo que lleva la puntera, claramente. 16. ¿Cómo es la competencia entre los diseñadores?

Yo soy diferente a todos, a mi acuden los que buscan algo especifico. El problema de este lugar es cuando todos ofrecen lo mismo.

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