GUIA DE CÓMIC Ejemplo de guión dibujado Si el mismo guión fuera dibujado, contendría la acción con dibujos muy preliminares y con diagramación transitoria. Algo que podría ser como lo siguiente, y que además podría contener notas aclaratorias y correcciones en el mismo guión.

En todo caso, la manera de realizar un guión depende de lo que cada guionista y dibujante considere más efectivo y cómodo para él (o ella).Lo importante es que en un guión escrito cada escena debe ser explicada para que el dibujante pueda materializar exactamente lo que el guionista visualiza mentalmente .En cambio en un guión dibujado las descripciones sobran, pues para eso hay imágenes. En cuanto a temas, al igual que en el cine,podemos distinguir algunos géneros como aventuras,histórico,fantasía,misterio,terror,romántico,ciencia ficción,epopeya medieval, espada y brujería,biográfico,policial,humor,político,satírico,erótico,deportivo,y un larguísimo etcétera que dependerá de la intención del creador de la historia.

Algo que al principio parece obvio, pero en lo que a veces no se repara es en un aspecto de la narración del cómic y que es de gran ayuda para guionistas y dibujantes. La narración del cómic es elíptica, es decir que podemos generar “saltos” en la continuidad y estos lapsos serán completados por el lector. Esto permite que si tenemos una viñeta con una escena todo lo que esté entre esa viñeta y la siguiente será completado en la mente del lector. Si tenemos en un cuadro a un hombre amenazando con un arma a otro que lo mira aterrorizado y en el siguiente cuadro mostramos a la ciudad vista desde arriba con una onomatopeya de un balazo sabemos que el hombre mató al otro, y no tuvimos que ver la secuencia, gracias al ritmo narrativo y a nuestra capacidad de completar los agujeros en la realidad, no requerimos de toda la información, sino sólo la necesaria. Esto es fundamental en la narrativa del cómic y también en cine. En la plancha anterior del dibujante Jordi Bernet podemos ver como la acción “salta” de un cuadro a otro y sin afectar la continuidad y dándole dinamismo a la narración gráfica. Realización visual Una vez que tenemos nuestro guión definitivo debemos pasar a dibujarlo. Para ello es conveniente conocer ciertos conceptos. -Viñeta: es la unidad mínima narrativa y gráfica del comic, representa una escena. Gráficamente corresponde a una ilustración. La sucesión de varias viñetas nos permite narrar una historia. -La tira: es una franja horizontal, o en ocasiones vertical, compuesta por tres o cuatro viñetas que nos narran un fragmento de una historia mayor, tradicionalmente seria y de aventuras. Si es humorística normalmente no continúa, sino que se resuelve en su totalidad en la misma tira. -La página: También llamada plancha, usualmente está formada por seis a doce viñetas que cuentan una historia o parte de ella, dependiendo de la extensión del guión. -Las revistas, álbumes y libros: Son historias a veces continuadas, como en el caso de las revistas, o completas como los álbumes y libros y constan de 32 o más páginas. -Globos de diálogo: son esos “globos” o bocadillos que indican que un personaje está hablando ,o pensando.

-Cuadros de texto: a veces es necesario incluir información en la viñeta, para eso se puede utilizar uno o varios cuadritos explicativos. También se usan cuando no hay diálogos, sino sólo narración en “off ”,por decirlo así.

-Onomatopeyas: son los “efectos de sonido” del cómic, al carecer de sonido una manera de representarlo es escribiéndolo con palabras. -Líneas de movimiento: también llamadas líneas cinéticas. Nos permiten describir un movimiento marcando su trayectoria. Es conveniente evitar su uso exagerado, pues puede

llegar a ser un un recurso facilista y poco creativo. Si tomamos una figura cualquiera y le agregamos en forma sucesiva distintas orientaciones de líneas de movimiento, a la misma figura, obtenemos la ilusión de distintos movimientos. Si bien es un recurso muy útil, según mi modo de ver es preferible agotar otros recursos para expresar movimiento antes de abusar de estas líneas, o bien usarlas en combinación con esos otros recursos.

Diagramación El modo como ordenamos las distintas viñetas nos entrega un diseño más atractivo visualmente y nos permite manejar de mejor modo el ritmo narrativo. Algunas de las variantes de diagramación partiendo de una modulación básica de nueve cuadros por página.

Ejemplos de dibujantes famosos trabajando con el diseño de página.

Rotulación Si bien hoy en día es común ver textos escritos en el computador, la escritura a mano por un letrista especializado o por el propio dibujante aún resulta una opción más artística. Para eso, los globos de diálogo deben tener las dimensiones adecuadas para contener el texto. La tipografía debe ser legible y de rápida visualización, sin adornos ni formas complicadas, salvo en títulos o en diálogos o textos cuya intención se potencie con alguna tipografía especial.

Creación de personajes Uno de los aspectos más importantes en cine es contar con los actores que llevarán a cabo las acciones de la historia. Depende de la historia el tipo físico que se requerirá para cada personaje. Es muy común y efectivo trabajar con estereotipos, como que los buenos son bonitos, los malos son feos, etc. De ese modo logramos que rápidamente el lector se involucre en la historia, pues los tipos físicos que observa son similares a los que reconoce. Por supuesto que hay autores que logran romper los estereotipos y entregan personajes psicológicamente complejos y muy bien trabajados gráficamente que no corresponden en absoluto a los estereotipos esperables para cada personaje. La ambientación también juega un rol muy significativo y debe ser parte del diseño preliminar, vestimentas, armamentos, peinados y todo lo que sitúe espacio temporalmente a nuestros personajes debe ser estudiado y definido cuidadosamente en forma previa. Otro punto muy sensible es que el personaje en sí debe ser diseñado previamente con toda la gama de expresiones que mostrará, además las distintas vistas de los rostros y cuerpo deben estar solucionadas con antelación. Tomas de perfil, de frente, desde abajo, desde arriba, semiperfiles, y todas las que se requieran deben estar siempre dibujadas antes de empezar la acción, ya que debe siempre parecerse a sí mismo y no a otro personaje, esa coherencia formal es crucial en la continuidad y credibilidad del cómic. Un mismo rostro puede tener múltiples expresiones, como podemos ver en este excelente ejemplo de Josep M. Beá.

También los movimientos del cuerpo deberían ser estudiados con anterioridad. La creación y diseño de personajes implica crear tipos definidos, aquí el gran Enrique Breccia presenta personajes ancianos, llenos de personalidad y presencia y perfectamente vestidos y ambientados. Se puede adivinar la perfidia de los ancianos vestidos de españoles y la tranquilidad del indígena.

En las siguientes imágenes podemos ver la importancia de poder dibujar a nuestro personaje desde todos los ángulos necesarios, así ayudamos a romper la monotonía. No olvidemos que se debe cuidar que el personaje se “parezca” siempre a sí mismo, la pérdida de esa coherencia es un error que comúnmente comenten los principiantes.

A continuación incluimos algunos consejos de dos grandes dibujantes, Juan Zanotto y Rubén Meriggi, ambos contenidos en la serie Los Dibujantes ,publicada en la revista argentina Skorpio a fines de los ʼ80 y principios de los ʼ90.