ImpresionismoCaracterísticas del impresionismo

El impresionismo ha sido un movimiento artístico modernista que se originó en la Francia del siglo XIX como una reacción contra las rígidas reglas de la “pintura académica” de aquella época.Las técnicas utilizadas en el impresionismo lo distinguen de la forma tradicional de representar escenas en un papel. El movimiento creía en pintar una escena con colores y luces reales. Un pintor francés Pierre Bonnard describe claramente el objetivo de los pintores impresionistas: “Lo que busco es la primera impresión: quiero mostrar todo lo que uno ve al entrar por primera vez en la sala: lo que mi ojo percibe a primera vista”. Se trata de la vida vivida en pequeños encuentros.Con el arte impresionista, los pintores rápidamente plasmarían instancias fugaces de la vida moderna como ellos la concebían. Un actor y escritor italiano, Francesco Salvi, describe acertadamente el movimiento: “El impresionismo está en la raíz de todo el arte moderno, porque fue el primer movimiento que logró liberarse de ideas preconcebidas y porque cambió no solo la forma en que se representó la vida sino la forma en que se veía la vida”.

Las principales características del impresionismo

PinceladasLas pinceladas distintivas son una de las principales características del arte impresionista. Los pintores impresionistas utilizaron pinceladas rápidas, espontáneas, flojas, grandes. Esta técnica les separaba de la pintura de estilo tradicional, que exigía pinceladas invisibles para hacer la pintura de gran realismo. Sin embargo, las pinceladas visibles del impresionismo dan una textura a la pintura que atrapa o representa la esencia del tema.

Líneas

Las líneas del arte impresionista son a menudo borrosas, que no definen claramente un objeto de otro en un lienzo. Tales líneas crean un efecto de niebla, añadiendo una atmósfera de somnolencia y humor abstracto en la pintura. Los pintores impresionistas menudo se combinan diferentes técnicas como visible, fuerte, suave, juntas como para dar una luz y efecto de sombra a las pinturas.

IluminaciónLa iluminación era uno de los puntos centrales del movimiento impresionista. Pintores impresionistas como Monet mostraron la luz siempre cambiante sobre un tema a través de su obra. En cierto modo, los artistas impresionistas jugaron con luz en sus cuadros.

ColoresPinturas impresionistas se hicieron en general en colores separados, lo que permite a la percepción de los espectadores mezclarlos. Los colores en las pinturas reflejan diferentes tonos que se encuentran en el tema. Los colores utilizados por los pintores impresionistas se ven más vibrantes debido a la técnica de pintura rápida para coger una cualidad efímera del sujeto.

TemasPintores impresionistas rompen la norma de la pintura tradicional, introduciendo temas cotidianos en sus pinturas. En lugar de temas históricos, religiosos y clásicos, estos pintores pintaron obreros, mujeres paseando en el parque, picnics, etc. Estos temas son considerados como muy mundanos, y fueron inmortalizados en las pinturas impresionistas.

Representantes del impresionismo

Camille Pissarro Claude Monet Paul Cézanne Renoir

Obras representativas

Camille Pissarro. Avenue de l’Opera (1898) MANET: “Bar en el Folies Bergere”, 1882

MANET "Campo de amapolas" 

MANET

Postimpresionismo

Este término engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1.880 y 1.905, aproximadamente.El vocablo fue acuñado a posteriori y en él se engloban a Cezanne, Gaugin y Van Gogh, también a Toulosse-Lautrec.AL igual que los impresionistas, buscan su obra en el uso del color, pero rechazan representar fielmente la naturaleza, por lo que presentan una visión del mundo más subjetiva.También reaccionan contra la representación de lo fugaz que pregonan los impresionistas.

Las características principales del Postimpresionismo son:

Se concibe el arte como una actividad específica con reglas y realidad propia, distinto al entendimiento del arte como reproducción ilusoria de la realidad.

Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).

Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).

Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.

Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.

Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.

Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).

Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).

Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).

Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

Representantes

VICENT VAN GOGH (1.853-1.890) PAUL GAUGIN (1.848-1.903) TOULOUSE LAUTREC (1.864-1.901)

VICENT VAN GOGH (1.853-1.890)

Su obra no puede entenderse sin su personalidad atormentada, su búsqueda del sentido de la existencia.

Su obra consigue una gran carga pasional mediante la luz y el color, lo que prefigura el origen del expresionismo.

Sus pinceladas son vigorosas, vibrantes, de mucho color tiene una peculiar forma flamígera. Su color vibra y está exaltado por lo que anticipa el fauvismo (Matisse).

El estilo de Van Gogh evoluciona de un estilo sombrío, de perfiles realistas e integrados a creaciones vibrantes.

Usa colores estridentes que se relacionan y contrastan. Los contornos que rodean los objetos son oscuros y cierran un interior repleto de espesas capas de color uniforme.

Las pinceladas están llenas de pasta y se han dado de forma rápida. Emplea colores puros y pinceladas sinuosas que reflejan la influencia de la estampa japonesa.

Su admiración por el grabado japonés se observa en la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las exageradas perspectivas y la ausencia de sombras.

En su primera etapa en Holanda se dedica a pintar la vida de los campesinos y pobres de las ciudades.En su paleta predominan una gama de colores oscuros y sombríos, puestos en pinceladas con mucha pasta.

Los comedores de patatas (1.885).

Los girasoles (1.888).

 Famosa Noche estrellada.1.889

Autorretrato con la oreja vendada (1.889).

PAUL GAUGIN (1.848-1.903)Aprendió la técnica junto con Pissarro y expuso con los impresionistas, pero tras trasladarse e

Bretaña en 1.898, abandonó y superó el impresionistas.A partir de 1.891 se sintió atraído por la naturaleza y las gentes de países lejanos como Martinica y Tahití. Gaugin rechazó la sociedad moderna, la Europa industrial, el progreso... Buscó la autenticidad e ingenuidad de la naturaleza, sus gentes, del arte antiguo.

Su obra muestra dibujos de sólidos trazos, un cromatismo, colores violentos e intensos, falta de modelado y relieve, simplificación de volúmenes, ausencia de profundidad y perspectiva.La luz cede el protagonismo al color, fuerte y exuberante, cuyo violento y atrevido tratamiento anuncia el fauvismo.

El Cristo amarillo (1.889)

Mujeres tahitianas (1.891)

TOULOUSE LAUTREC (1.864-1.901)Al igual que Degás no se vio atraído ni por el paisaje ni por el aire libre.

Su obra se vincula a la vida nocturna de París, con los cabarets, especialmente el del Moulin Rouge, también con burdeles, el circo, el teatro, etc.

El baile en el Moulin Rouge (1.890).

La mujer en el toilette (1.889) 

Avisos

Tecnica “Litografia en la piedra”

Puntillismo/ Neoimpresionismo

Hacia 1.880, el impresionismo provocó una serie de revisiones. La priemera de ellas es el Neoimpresionismo, que intenta ir más allá del impresionismo y dar fundamento científico del proceso visual y operativo de la pintura.Este movimiento se preocupa por la unión entre el arte y la ciencia, aplicando hasta las últimas consecuencias las teorías sobre el color de Chevreul.El neoimpresionismo crea la técnica del puntillismo o divisionismo, que consiste en aplicar la pintura en el lienzo con minúsculas manchas de color puro en yuxtaposición.  Al verlo a cierta distancia, las manchas se funden.Los representantes más importantes son Seurat y Sgnac, quienes sientan las bases para corrientes posteriores como el fauvismo y el cubismo.

Representantes

Georges Pierre Seurat (1.859-1.891) Paul Signac (1.863-1.935)

Georges Pierre Seurat (1.859-1.891)

Todos sus cuadros dan la sensación de algo muy complejo. Elaboraba numerosos estudios previos, apuntes al aire libre que luego, en su estudio convertía en grandes composiciones.

 Bañistas en Asnieres (1.884). Domingo en la isla de la Grande Jatte (1.884).

Paul Signac (1.863-1.935)Fue discípulo de Seurat. Se sintió inclinado por el paisaje, al que aplicó el puntillismo por medio

de puntos que aumentaban su tamaño y se convierten en cortas pinceladas que recuerdad a los mosaicos.

El puerto de Saint-Tropez (1901).

El puerto de Marsella (1.906)

Simbolismo

El simbolismo fue un movimiento literario y artístico que aparece en Francia alrededor de 1885, como reacción al naturalismo y al impresionismo. Buscando explorar universos ocultos, los artistas elaboraron una estética tan lejos de la sensibilidad visual como del enfoque académico o científico. Por otra parte, el individualismo acerado o incluso neurótico, es otra de las características del simbolismo. El simbolismo se fue extendiendo por Europa sin generar estilo común debido a la influencia en sus respectivos países.

El simbolismo tiene como objetivo la búsqueda interior y la búsqueda de la verdad universal. Se buscaba interelacionar el mundo espiritual y el mundo sensible, haciendo uso de imágenes que expresaban distintas emociones.

Tal como su nombre lo indica, este movimiento utiliza un alto contenido de símbolos con el fin de comunicar emociones. También tiene características irracionales, fantásticas y subjetivas. Algunos de sus recursos eran:

La figura de la mujer.  Se coloca a la mujer en un lugar idealizado.

Lirios.  Representan la delicadeza o la melancolía.

Cisnes.  Son símbolos de pureza.

Pavos reales . Como símbolos de belleza y de vanidad.

Paisajes . Como la soledad.

Representante

Gustav Klimt

"El friso de Beethoven" (1902) "Esperanza II" (1907)

"Muerte y Vida" (1908)

"La Virgen" (1913)

Fauvismo

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos, el color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Representantes

Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen.

Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

Obras representativas

La danza, de Henri Matisse La Ratlla Verda

 

La Ratlla Verda

En la obra, vemos retratada a la esposa de Matisse. Es posible observar en su rostro un aspecto duro y ligero a la vez. La mirada de la mujer se encuentra ligeramente desviada hacia un punto fuera del cuadro del pintor.  La cara de la mujer se aleja de un aspecto femenino, al contrario, las formas son bruscas y de carácter duro. Lo más importante, es notar el juego de líneas y colores que Matisse plasma en su obra. Una característica del arte fauvista es el juego de colores, y en la obra presente, esta característica es claramente notable. Esta es una de las obras más destacadas del famoso Matisse.

LA DANZA. HENRI MATISSE: El artista simplificó los contornos de las figuras y redujo la gama de colores, pero a diferencia del rigor de Picasso, alcanzó un efecto lírico y sereno. El coro de las muchachas sin rostro y sin tiempo envuelve al espectador en un ritmo circular, sencillo y natural, que parece no tener fin.

Expresionismo alemán (Alemania 1905- 1919)

El Expresionismo, surgió como una reacción frente al impresionismo y fue en Alemania (1905-1919) donde se desarrolló plenamente. El Expresionismo más que un estilo artístico fue un movimiento muy comprometido que se enfrentó a una realidad con la cual no estaba de acuerdo y que se dio en todas las esferas, arte, literatura, cine o música.

Desde el punto de vista artístico había una oposición, como sucedía con los otros movimientos vanguardistas, a la utilización de formas y espacios tradicionales y se buscaba un acercamiento con la realidad.

El grupo Die Brücke (El Puente), se estableció en 1905 en Dresde, fundado por Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos eran estudiantes de arquitectura, pero abandonaron esta carrera para dedicarse de lleno a la pintura. Al año siguiente se unieron al grupo Nolde y Pechstein y Van Dongen, y ya en 1910 lo hizo Otto Müller. Las influencias en su arte fueron variadas, ya que estudiaron en profundidad las tradiciones germánicas y a sus autores más representativos Durero o Cranch, así utilizaron la xilografía (grabado sobre madera), con una gran tradición en aquel país, técnica a la que aplicaron también color y que influyó en el aspecto formal de las obras y que se tradujeron en formas angulosas y contrastadas sobre un fondo bidimensional. Por otro lado, también hubo influencias de la Secesión Vienesa o de autores como Van Gogh y de escultura africana y oceánica.

Dentro de los objetivos del grupo estaba la destrucción de las reglas y la búsqueda de la espontaneidad en el acto creativo. Sobre todo para ellos el arte era algo subjetivo que dependía totalmente de su creador, en el cual lo importante era la idea. Utilizaban así formas muy simplificadas y deformadas unidas a colores muy contrastados para de esa manera intentar transmitir mejor el valor interno de las cosas.

El grupo fue disuelto en 1913.

El grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), surgió en 1911, fundado por Wassily Kandinsky, Franz Marc, y formado por artistas como Paul Klee y Von Jawlensky.

En 1912 Kandisnsky y Marc publicaron la revista Der Blaue Reiter, este almanaque era para ambos el lugar donde artistas, escritores, etc., contribuyeran en la destrucción de los límites que se habían creado en el arte a lo largo de los siglos. Aunque había puntos que le conectaban con El Puente, como el estudio y la influencia de artes primitivas El Jinete Azul, era mucho menos contestatario que el anterior. Buscaban así desde el lirismo la depuración de la forma hasta llegar a la esencia.

Representantes

Die Brücke (el Puente), Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Müller.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) Wassily Kandinsky, Franz Marc.

Obras representativas

 

Ernst Ludwig Kirchner

"Fränzi ante una silla tallada"

"El grito" Edvard Munch

Cinco mujeres en la calle por

Ernest Ludwig Kirchner 

Cubismo (Francia 1907-1926)

Fue un movimiento revolucionario que surgió en Francia en 1907.

Se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva, pretende consolidar y generalizar.

Fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.

Vemos como se representan todas las partes de un objeto en uno mismo.

La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas. También se hace uso del collage. Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

El nacimiento del cubismo está profundamente marcado por el primitivismo. La influencia de las culturas primitivas quedaba reflejada en la pintura del artista malagueño al hacer uso de aquella simplicidad compositiva, del esquematismo, de las angulosidades y de los colores primarios. La obra "Las Señoritas de Avignon" de Picasso marca los orígenes del cubismo.

 En el cubismo encontramos distintas fases: el cubismo analítico, de 1909 a 1910, fase que se caracteriza por el uso de una multiplicidad de planos que se cruzan entre ellos y el uso de la monocromía; el cubismo hermético, de 1910 a 1912, en el que se van abandonando los planos y solo se visualizan las líneas; y el cubismo sintético, de 1912, donde aparece una suave policromía, una síntesis de los planos e introducción de palabras, letras y texturas dentro de la composición.

Representantes

Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Obras representativas

Fábrica en Horta de Ebro

Pablo Ruiz Picasso, año 1909.

Retrato de Picasso, 1912. 

Juan Gris La fábrica Río Tinto en L'Estaque, 1910

Georges Braque

Futurismo (Italia 1909-1915)

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un

caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Representantes

Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrá, Gino Severini, Marinetti.

Obras representativas

Estados de ánimo II. Los adioses (1911)

de Umberto Boccini

Retrato de Marinetti por Carlo Carrá (1910-11)

La ciudad se levanta por Umberto Boccioni una de las obras del Futurismo que entronan la velocidad 

“Muchacha en el balcón” 1912. Obra de Giacomo Balla.

Bauhaus, DTIJL “Constructivismo Ruso” (Alemania 1919-1930)

Bauhaus

La Escuela de la Bauhaus fue fundada en 1919 como la primera escuela de diseño del siglo XX.

La escuela de la Bauhaus fue una escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar. El traslado de la sede marca división de etapas dentro de la Escuela:

La primera etapa (1919 – 1923, Weimar). Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias entre artistas y artesanos.

La segunda etapa (1923 – 1925). Supuso la introducción de las ideas del Constructivismo   Ruso  y el Neoplasticismo (movimiento artístico iniciado en Holanda con el ideal de llegar a la esencia del arte eliminando lo superfluo).

La tercera etapa (1925 – 1933, Dessau). Transcurre hasta el cierre de la escuela en 1933 por el partido nazi. En esta nueva sede, la escuela se instala en el edificio más emblemático de la Bauhaus diseñado por Walter Gropius.

Arquitectura y diseñoEl diseño que se encuentra detrás de todos objetos creados por la Bauhaus, desde una tetera hasta un edificio, nace de las ideas del funcionalismo que se proponía desde la propia escuela. Una concepción conjunta de todas las artes, idea que se hereda del Modernismo: «Desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo».

Pintura y Arte

En nuestro acercamiento a la abstracción, es impensable realizar el recorrido sin partir de la escuela de la Bauhaus. Es cierto que no es el único punto. El constructivismo ruso fue una influencia importantísima en este camino.

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1921. Piet Mondrian.

Der Goldfisch, Paul Klee, 1925

Arquitectura

Nos encontramos con una Europa devastada por el conflicto bélico. Ciudades bombardeadas y sin medios económicos. El racionalismo propone una arquitectura que responde a las necesidades que Europa presenta en un momento determinado, pero sin dejar de lado las preocupaciones estéticas y artísticas. Por ejemplo, se proponen unos modelos estándar, fáciles de diseñar y de construir, y emplear en diferentes ocasiones. Es una arquitectura muy práctica, donde lo funcional condiciona la estética.

Villa Saboya, 1928, Le Corbusier

Pabellón Mies Van der Rohe. Exterior

DTIJL

Es un movimiento que cambió el mundo del arte.

Mientras Europa se autodestruye a principios del siglo XX en la primera gran guerra moderna, las artes ultiman varios frentes terminales, suicidas, abiertos por el Cubismo y encaminados a la disolución de las formas figurativas. Diferentes abismos para llegar a una nada que simbolice lo absoluto. Futurismo, Suprematismo, Constructivismo, Neoplasticismo. Este último, que surge en los Países Bajos y al que también se denomina De Stijl, es sin duda el más poético de todos y también el más humano y emotivo. Una aproximación visionaria a las artes plásticas cuya influencia se sigue considerando innovadora en nuestros días.

En 1913 Theo Van Doesburg es un joven pintor de influencia impresionista que, al leer la novela autobiográfica Pasos de Vasili Kandinsky, entiende que la verdadera dimensión espiritual de la pintura surge de la mente del artista y no de la realidad natural. Ocho años mayor que Theo, Piet Mondrian es un artista considerado en los círculos parisienses, de quien Apollinaire celebraba un innovador cubismo de intensidad abstracta que no se deja abrumar por la inevitable influencia de Picasso.

A la izquierda, el pintor Piet Mondrian, en una foto tomada en Nueva York en 1942. A la derecha, Theo van Doesburg y la que se convertiría en su mujer años después, Nelli (Petronella), en una imagen tomada en 1915.

A la izquierda, diseño del arquitecto Piet Klaarhammer y Vilmos Huszar. Al lado, maqueta de la casa particular diseñada por Van Doesburg.

En Weimar, a donde traslada la redacción de la revista, Van Doesburg también conoció a dos arquitectos que de alguna forma acabarían inspirando una segunda evolución teórica del movimiento De Stijl, Cornelis Van Eesterin y G. Th. Rietveld. Con ellos, realizaría varios proyectos que condensarían dicha aproximación, y que podría resumirse con esta sencillez: la arquitectura debía ser elemental, económica, funcional y no monumental.

De izquierda a derecha y de arriba abajo, composición de Bart van der Leck; 'Figuras Patinando', de Vilmos Huszár, y vidriera de Theo van Doesburg; y una composición de Piet Mondrian.

Constructivismo ruso

El término de constructivismo ruso hace referencia a un movimiento artístico, especialmente pictórico y arquitectónico, que surgió en Rusia en torno a 1914 y que realmente adquirió importancia algunos años después tras la Revolución bolchevique de 1917.

Quizás sea el constructivismo ruso la vanguardia artística desarrollada en el siglo XX que más paralelamente se ha vinculado a las corrientes políticas de un país; por aquellos años Rusia quedó devastada tras su paso por la Primera Guerra Mundial, la situación interna del país cada vez se tornaba más revolucionaria y paulatinamente se va fraguando un movimiento proletario que acabará tomando el poder.

Pese a que en su origen el término constructivista fue una connotación despectiva usada por el artista Kasimir Malévich para hacer referencia a la pintura de Rodchenko, pronto se creó en torno al mismo vocablo un conjunto de movimientos artísticos muy distantes geográficamente entre sí, por ejemplo, el referido como constructivismo holandés o neoplasticismo.

Por su parte en la antigua URSS el propio gobierno bolchevique impulsó el nuevo estilo a través del Narkompros, se estableció como centro del movimiento constructivista la Escuela de Arte y Diseño de Vjutemas en detrimento de la tradicional escuela de Bellas Artes establecida en Moscú.

La plástica es sencilla con formas simples y bien definidas, ciertos ecos estilísticos parecen remitir a la vanguardia futurista con una plástica tan simplicista que la abstracción se hace patente en cada una de las obras. Las formas constructivistas están fuertemente vinculadas con la corriente de pensamiento materialista.

Características Conceptuales:• Los representantes no ven sus obras como arte.• Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.• Propuestas racionales basadas en la tecnología y la mecánica industrial.• Los artistas consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de los ingenieros, como un “construir” de objetos utilitarios, aunque frecuentemente éstos tuviesen que crear su propia “finalidad” (inventar un uso).• Fin social : La “reconstrucción” de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.

Características Técnicas• Uso de la Fotomecánica al mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas relacionadas al diseño y al cine.

• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.• Uso de fotografía, las figuras geométricas y las tipografías en bloque.

Esta vanguardia se destacó por:

– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc.– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas.

– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

– Los objetos son geométricos y funcionales.

– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos que simbolizan el progreso.

– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como en objetos).

– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

PROUNSLissitzky desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS.

PROUNS, según Lissitzky corresponde a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura".Esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado.

Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos

fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.

Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador.El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico yla tipografía del siglo XXEl Constructivismo influyó de modo determinante en la evolución artística y arquitectónica de los años veinte, hasta el punto de que se crearon numerosas asociaciones, como:VCHUTEMAS (Taller Artístico Técnico Superior), que fue el principal centro de experimentación en Rusia;ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos); yOSA (Sociedad de Arquitectos Contemporáneos), entre otras.

Representantes

Kasimir Malevich (inició con el suprematismo)Vladimir Tatlin (padre del constructivismo) Alexander Rodchenko (pintor) Aleksei Gan (escribió los principios del constructivismo) El Lissitzky (inició el Diseño gráfico)

Obras representativas

Dadaísmo (Zúrich 1916-1925)

El dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió en Europa (ciudad suiza de Zúrich) en el año 1916. También conocido como movimiento Dada, esta vanguardia fue creada por un grupo de artistas (pintores, escritores y poetas) de la Primera Guerra Mundial refugiados en 1916 en Zúrich, Suiza.

Poseía como característica principal la ruptura con las formas de arte tradicionales.

Por lo tanto, el dadaísmo fue un movimiento con fuerte contenido anárquico.

La elección del nombre «Dada» no tiene un significado específico. Los fundadores del movimiento eligieron un nombre aleatorio en el diccionario, representando un acto no racional y casual, que eran algunas de las principales características del movimiento.

El propio nombre del movimiento deriva de un término francés infantil: dadá (juguete, caballo de madera). De ahí, se observa la falta de sentido y la ruptura con lo tradicional de este movimiento.

Características del Dadaísmo

Rompimiento con los modelos tradicionales y clásicos;

Espíritu vanguardista y de protesta;

Espontaneidad, improvisación e irreverencia artística;

Anarquismo y nihilismo;

Búsqueda del caos y desorden;

Contenido ilógico e irracional;

Carácter irónico, radical, destructivo, agresivo y pesimista;

Aversión a la guerra ya los valores burgueses;

Rechazo al nacionalismo y al materialismo;

Crítica al consumismo y al capitalismo.

Representantes

Jean Arp

Marcel Duchamp (1887-1968)

Pintor y escultor francés, su arte allanó el camino para movimientos como el Arte Pop y Op Art de los años 1950 y 1960. Reinterpretando el cubismo a su manera, interesado por el movimiento de modalidades.

El experimentalismo y la provocación lo condujeron a ideas radicales en arte, antes del surgimiento del grupo Dada (Zúrich, 1916). Creó los ready-mades, objetos escogidos al azar en la calles, y que después de una intervención leve y recibir un nombre, adquirieron la condición de objeto de arte.

En 1917, Realizo un urinol de vajilla que llamó «Fuente», Pero al ser presentado en una exposición de arte contemporáneo, fue rechazado, lo que de hecho confirma el carácter estético Dadaísta, explosivo para la sociedad en aquel momento, en que su principal concepto es la locura y la irracionalidad. Después hizo interferencias (pintó bigotes en la Mona Lisa, para demostrar su desprecio por el arte tradicional), inventó mecanismos ópticos.

Surrealismo (Francia 1925-1945)

Reúne a artistas anteriormente vinculados al Dadaísmo ganando dimensión internacional. Fuertemente influenciado por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), pero también por el marxismo, el surrealismo enfatiza el papel del inconsciente en la actividad creativa.

Este movimiento artístico se originó en reacción al racionalismo y al materialismo de la sociedad occidental.

Este arte fue una combinación del representativo, del abstracto, del irreal y del inconsciente. Entre muchas de sus metodologías están el collage y la escritura automática.

Durante la primera fase (1924 – 1929) los surrealistas recurren al automatismo (Cadáver exquisito, collage, frottage, grattage y calcomanía) para acceder al inconsciente. A nivel formal, muchos artistas optan por la abstracción.

Durante la segunda fase (1929 – 1945) los surrealistas tienden a prescindir del automatismo y recuperan la figuración.Autores: Joan Miró (Cadáver exquisito) (Estrella azul)Teléfono langosta – S.Dalí y Sillón “Los labios de me West”

Artistitas destacados del surrealismo

Salvador Dali

Joan Miró

René Magritte

Obras representativas

S. DALI

La persistencia de la Memoria (1931)

Construcción blanda con judías hervidas (1936)

El gran masturbador (1929)

Joan Miró

El carnaval del arlequín

Interior holandés

"Los amantes"

René Magritte

"Magia negra"

"El asesino amenazado"

Expresionismo Abstracto (1945 -1960)

Tachismo, Informalismo, Acción painting.

Expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Puede afirmarse que, hacia 1945, había conseguido un lenguaje totalmente propio, caracterizado por la independencia del dibujo con respecto a las manchas de color que aparecen a modo de áreas irregulares. Las tonalidades son evanescentes y cambiantes; a veces presentan calidades un tanto transparentes. En sus peculiares abstracciones, Gorky mezcla elementos provenientes de la naturaleza con otros imaginados, y logra crear un mundo absolutamente personal.

Durante las últimas décadas del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX París fue el centro y la capital de la renovación artística, pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de la ciudad por las tropas alemanas alteró por completo la situación.

Otros países como Estados Unidos asumieron el papel de centros de refugio de la cultura frente al fascismo, convirtiéndose así Nueva York en un baluarte de la vanguardia.

El crítico Clement Greenberg y otros centraron su atención en la obra de Jackson Pollock, como pintor representante del nuevo arte norteamericano, y a partir de 1945 se aprecia un interés creciente por la vanguardia norteamericana, apoyado por los medios de comunicación y la euforia por la victoria en la guerra. La irrupción de la vanguardia norteamericana se basaba fundamentalmente en una tendencia: el Expresionismo abstracto, bajo cuyo nombre cabían múltiples orientaciones pero todas ellas bajo el signo de la abstracción. Se trata de una generación o comunidad de artistas concreta, centrada en Nueva York desde los años cuarenta y que dura, aproximadamente, una década. Posteriormente se extendería por todo el mundo.

Junto a Jackson Pollock, destacan en este grupo Franz Kline, Willem de Kooning, Clifford Still, Mark Rothko y Barnett Newman.

Las manifestaciones más importantes del arte europeo del siglo XX han sido, por lo menos a los ojos de los norteamericanos, el cubismo y el surrealismo, y por eso mismo, este expresionismo abstracto tendrá su origen en ambos, aunque lo acabarán rechazando.

Características generales del expresionismo abstracto:- Preferencia por los grandes formatos- Uso del óleo sobre lienzo- Eliminación de la figuración (abstracción)- Concepción de la superficie de la pintura como "all-over" (no hay jerarquía ni límites)- Cromatismo muy limitado- Representan la angustia y el conflicto

Representantes

Jackson Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman.

Obras representativas

Jackson Pollock

Blue Poles: Number II, 1952

Mark Rothko - Sin título (1952-3) Guggenheim Bilbao Museoa

Arte concreto 1955-1975

OP ART

Teniendo como precedente a los estudios de impresionistas y puntillistas, la intención fue crear el movimiento y las imágenes a partir del contraste entre colores, formas y volúmenes, como producto de una excitación psicológica.

A mediadios de 1950 el color se convirtió en el protagonista y en la finalidad de las obras artísticas. La pretención de los artistas de este movimiento, como Victor Vasarely y Bridget Riley, fue la de crear ilusiones ópticas a través de la línea, el volúmen, el espacio y porsupuesto el color.

El “optical art” formó parte de la “abstracción concreta” y sus artistas hicieron hincapié en que la pintura abstracta no evoca algo fuera de ella, sino que posee un valor propio.

Represntante

Victor Vasarely

Obras representativas

Vasarely: Catch

Vasarely: Taymir, 1958-59

Pop Art (1958-1975)

El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales.

El término “Pop Art” es acreditado al crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art.

     Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

     Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola.

     Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más representativos. 

Representantes

R. Lichtenstein

A. Warhol

Jasper Johns

 Obras representativas del Pop-Art: 

1. ·  R. Lichtenstein, El beso.

2. ·  R. Lichtenstein, El crack.

3. ·  A. Warhol, Elvis, 1964.

4. ·  A. Warhol, Marilyn.

R. Lichtenstein, El crack.

·  R. Lichtenstein, El beso.

A. Warhol, Elvis, 1964

A. Warhol, Marilyn

Pintura figurativa (1970)

PINTURA FIGURATIVA (1970) La Pintura Figurativa, o en realidad Neofigurativa, se ha caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y de manera expresionista. Surge, en realidad, como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial. La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad (iconocidad), en particular la fi gura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas. Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami, Raysse, Klasen, Proweller) y la centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré).

También se habla de “Figuración abstracta” (son representaciones que pueden verse en algunas obras de pintores por lo general abstractos, como de Kooning, Franz Kline, Wols, Asger Jorn o Antonio Saura), “Figuración grotesco-primitiva” (grupo Cobra, Jean Dubuffet) y “Figuración connotativa” (Francis Bacon y grupo El Paso). A pesar de todo esto, el pintor más representativo del movimiento será el irlandés Francis Bacon, aunque también pueden nombrarse Jorge Figueroa Acosta, Fernando Botero, el Grupo Hondo, Antonio Berni, Verónica Ruiz de Velasco y Oswaldo Viteri, Clara Patricia Cano C. Derivaciones de esta tendencia son los pintores realistas del grupo alemán Zebra y los muchos hiperrealistas estadounidenses. Nació en Dublín en 1909. Su infancia no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfi na. Aunque sus primeros en- sayos datan del período comprendido entre 1929 y 1944 (la mayoría de estas telas serán destruidas por el propio pintor), es durante la

posguerra cuando da a conocer el tipo de pintura que le hará célebre. La visión atormentada de Bacon había de llamar necesariamente la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra y todos sus males, pero, así como los pintores informalistas orientan su angustia existencial hacia la indeterminación de la abstracción

Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia. La apuesta de Bacon por la figuración se formula desde la más absoluta subjetividad, tomando de la vanguardia aquellos elementos que le convienen para conseguir expresar la torturada realidad del hombre contemporáneo. Para la construcción de los seres que pueblan sus lienzos hace uso de la gestualidad del informalismo, la distorsión expresionista y la evocación onírica surrealista (la emotividad en sus diversas formulaciones). Tales seres quedan superpuestos a grandes superficies de color plano, ordenados muy cuidadosamente; para ello sigue normas extraídas de la tradición abstracta geométrica más austera, siguiendo la más rigurosa racionalidad compositiva. Emotividad y racionalidad confluyen pues en la pintura de Bacon y se conjugan en un equilibrio extraordinariamente fértil y atrayente.

Bacon utilizaría a menudo fondos rojizos para ubicar sus torturadas figuras. Las fuentes iconográficas en que Bacon se inspiraba para realizar sus obras podían provenir, como se ha dicho, de la historia de la pintura, pero eran los álbumes fotográficos de Muybridge (con sus estudios sobre el movimiento humano y animal) y las fotografías anónimas de diarios y revistas o los fotogramas de películas de Einstein o de Buñuel lo que constituía su archivo fundamental. Es así como se consagra como fi - gura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacon ocupa un lugar aparte. Toda su trayectoria se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX. Bacon, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés. “Study for a Pope VI” Francis Bacon

Representantes

Francis Bacon

Lician Freud

Obras representativas

Chica con gatito Retrato nocturno

Tres estudios de Lucian Freud

Francis Bacon

El papa Inocencio X de Velázquez Retrato de un hombre bajando una escalera

Bibliografía

http://listas.eleconomista.es/arteycultura/9736-10-obras-fundamentales-de-francis- bacon

https://www.browse-qoo.com/ar/search?hl=es- 419&gl=ar&q=Lucian+Freud&spell=1&sa=X&ved=0ahUKEwiLjvGLsPXiAhUeH7kGHXDzBgYQkeECCCsoAA

https://www.wikiart.org/es/artists-by-genre/pintura-figurativa#! #resultType:masonry

https://www.wikiart.org/en/andy-warhol/elvis-presley http://historiarteuniversal.blogspot.com/p/pop-art.html http://designhistoryeasd.blogspot.com/2013/06/surrealismo-1924-1945.html https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/klimt.htm https://historia-arte.com/movimientos/fauvismo https://historia-arte.com/artistas/vincent-van-gogh https://arte.laguia2000.com/pintura/el-expresionismo-aleman http://www.artedehoy.net/html/revista/malevich.html http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/13626.htm http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/

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