Una conversación entre Jack Pierson y Sema D’Acosta

NUEVA YORK. Octubre 2008

El estudio de JACK PIERSON (Massachusetts, 1960) se encuentra al oeste del

conocido barrio de Chelsea, el lugar exacto de Nueva York donde se sitúan ahora la

mayoría de las galerías de arte contemporáneo de Manhattan. Cuando los yuppies, la

especulación y los precios astronómicos empezaron a conquistar el Soho, no hubo más

remedio que mudarse a otra parte de la ciudad más asequible y menos concurrida: los

antiguos cobertizos industriales del Meatpacking District, que se han convertido ahora

en un lugar dinámico y visitable. Una zona comprendida entre las avenidas Novena y

Décima donde desvencijados almacenes de descarga se alternan con exquisitos locales

expositivos, espacios de vanguardia que muestran los últimos trabajos de los mejores

artistas del mundo.

Al adentrarnos en el taller de Pierson tenemos una sensación extraña, sorpresiva.

Es un amplio espacio muy luminoso cuyo suelo está cubierto enteramente por letras de

diferentes tamaños, formas y colores. Apenas hay sitio para dar un paso sin peligro de

pisar alguna de ellas. Son caracteres rescatados del olvido que se desparraman por

doquier sin ningún orden aparente, fragmentos desiguales que configuran las obras más

célebres del artista, sus wordpieces, construcciones hechas con viejas grafías

abandonadas que al agregarse forman frases o palabras sugerentes, símbolos que

reflejan de modo inevitable ese particular afecto que desprenden los objetos viejos. Una

congoja misteriosa, entendida por cualquier espectador sin necesidad de explicarle nada,

que nos habla de las aspiraciones y frustraciones del ser humano.

Enmarcado por inquietudes y sensibilidad -aun perteneciendo a una generación

posterior- en la que se ha denominado en llamar la Escuela de Boston, durante varios

años Pierson trabajó en publicidad produciendo imágenes de algunas de las modelos

más famosas del mundo, un cúmulo de conocimientos y experiencias que le sirven

como bagaje para concebir representaciones artísticas de una descuidada delicadeza,

instantáneas que en apariencia simulan preparadas poses de moda, pero que no son más

que irónicos guiños al desastre inherente que se esconde en la búsqueda continuada del

1

glamour. Afín a importantes fotógrafos formados también en esta ciudad, caso de Nam

Goldin, Philip-Lorca diCorcia o David Armstrong, a todos los une un sentimiento

extraño de desarraigo, de pérdida.

Sus trabajos, ya sean esculturas, instalaciones o dibujos, transmiten de manera

indescriptible un sincopado sentimiento de melancolía -a veces frágil y en otras

ocasiones más rudo-, proveniente de todo aquello no conseguido que tiene que ver con

lo hermoso que nos rodea y la belleza que ansiamos. Vivir conlleva aceptaciones,

renuncias forzosas que nos hacen la existencia más llevadera. Por eso las obras de

Pierson no son melodramáticas ni exageradas, sino más bien al contrario, participan de

una especie de narrativa de las emociones que se asienta en la realidad, en los recuerdos

y añoranzas de lo que fuimos o perdimos. El envés de las ilusiones no conseguidas es un

anhelo de esperanza no palpable y silencioso, un reverso que puede mostrarse con visos

angustiosos o incluso humorísticos, ahí yace la verdadera habilidad del artista

contemporáneo para construir parábolas creíbles y universales.

Afable y cordial, Jack en las distancias cortas es reservado, reflexivo y tendente

a la timidez. Le cuesta hablar sobre lo que hace porque no le gusta dar explicaciones.

Prefiere que sus trabajos comuniquen por sí mismos sin la obligación de tener que

acotar interpretaciones ni renunciar a las infinitas insinuaciones que pueda evocar su

obra en cada uno de nosotros.

Sema D’Acosta: En sus trabajos, en el corpus completo, subyace una tristeza honda por no conseguir aquello que se anhela, aquello que se quiere o desea…Y eso en el fondo es ser humano….Vivir aceptando que la vida es renunciar a lo que no podemos alcanzar…

Jack Pierson: Creo que es una buena observación, pero yo no lo veo de esa manera. Supongo que es la interpretación que quiero conseguir, pero cuando hago mi obra no soy consciente de esa valoración. Me resulta familiar que me diga eso de tener que renunciar a lo que anhelamos, pero creo que es una mirada a posteriori.

Entonces, cuando se enfrenta a la obra, ¿cómo lo hace?

De dos maneras: a veces surge de cuestiones formales y otras veces de cuestiones poéticas. Puedo empezar por una frase o una idea, cualquier cosa que quiero expresar… o simplemente por una textura, color o forma que quiero integrar, incorporar a ese trabajo. Y eso me lleva al texto. Otras veces puede ser al revés, que comience por un texto que quiero convertir en algo formal.

2

De alguna manera siempre emerge en su obra cuestiones relacionadas con el deseo. Todo deseo lleva incrustado, inevitablemente, una parte de frustración…

Sí, a no ser que se puede sacar de eso una obra que sirva para subsanar esa carencia.

Se percibe en sus piezas un poso de amargura, sin que eso implique necesariamente una valoración negativa. Asumir es aceptar, y aceptar es comprender….Comprender por ejemplo, el paso del tiempo… Recientemente ha fallecido Paul Newman, uno de los hombres más guapos del cine. Todo lo bello muere, caduca, pasa… ¿Tiene esto algo que ver con su trabajo?

Me gusta mucho el ejemplo porque me encanta Paul Newman. Creo que eso explica bien algunas cuestiones que tienen que ver con mi trabajo, por eso mis piezas tienen el aspecto que tienen. Yo cuando me expreso, cuando hago arte, no lucho por conseguir ningún tipo de inmortalidad. No pretendo ser presuntuoso ni misterioso porque sé que la obra que hago morirá conmigo. Yo no esculpo mármol, ni modelo, ni fundo bronce, sé que lo que hago no va perdurar a través del tiempo.

¿Son como VANITAS contemporáneas? ¿Recordatorios de la frugalidad de la condición humana?

Creo que sí. ¿Te refieres a las naturalezas muertas? ¿a calaveras, frutas, flores…?

Sí, pero teniendo en cuenta que la clave no está en el objeto representado, sino en el recordatorio trascendente al que nos remite esa obra, algo que alude a la finitud de la condición humana…Puede ser una calavera, una pompa de jabón o una flor…

Eso también ocurre con Morandi, que es un maestro de las Naturalezas muertas. Yo cuando empecé con estros trabajos lo que pretendía era tener una forma marcada, delimitada. Pretendía crear una especie de archivo histórico de mis ideas.

También hay mucha ambigüedad, las interpretaciones pueden ser muy abiertas…Y no me refiero sólo a las letras y palabras (wordpieces), que quizás son sus obras más conocidas, en general, también se percibe mucha sensualidad en lo que hace…Aunque el contenido sea burdo y a veces sexualmente explícito….

No normalmente, no creas, tiendo a ser conservador (Se ríe)… No, no, estoy bromeando, pero no creo realmente que sea tan sexualmente explícito.

Yo, personalmente, las encuentro piezas intimistas, delicadas antes que sexuales…Pero muchos han entendido su obra en clave sexual…

Bueno, pero ante eso yo no puedo hacer nada.

Hay una frase suya que me parece muy clarificadora en relación con su arte: “mi trabajo documenta el desastre inherente en la búsqueda del glamour”. Puedes comentarla.

3

No podemos ir por ahí intentando conseguir quimeras inalcanzables, no podemos agarrar el amor, no podemos tocar aquello que es imposible... Mi trabajo tiene que ver con aquello que perdemos.

Sus palabras, sus wordpieces siempre son significante y significado… Quieren decir mucho más de lo que se ve…Son muy profundas…Funcionan muy bien a nivel estético… Pero el que sepa inglés, además, puede entender el mensaje…

Me gusta que por encima del mensaje, sin comprender la frase o el texto, la obra comunique. Esa es la esperanza que tengo, si fuera al contrario, habría una parte fundamental que se perdería. Últimamente estoy intentando hacer obras más abstractas que no dependan tanto del idioma.

¿Por qué quiere ir más allá del lenguaje?

Quiero avanzar más allá de la tristeza que pueden desprender mis palabras, superarla. No todas las piezas son así, pero hay una tristeza inherente (e inevitable) en las cosas viejas al sacarlas de su contexto natural y yo quiero ir más allá. Busco cierta universalidad…

Ésa es la aspiración de todo artista…Sus esculturas hablan de sentimientos universales…Hablan de anhelos (‘Riches and Fame’, ‘Beauty’, ‘Heaven’, ‘Another time, Another place’…) y de la propia existencia (‘Comedie,’Tragedie, ‘Love’, ‘Nude’, ‘Solitude’….) del deseo (‘Pornography’, ‘Lust’…)…Todas estas wordpieces nos llevan a sentimientos universales…¿Qué hay detrás de estas obras?

Tienes razón, intento captar lo más básico: comer, beber, sexo, amor…Son cuestiones que conozco porque me afectan inevitablemente. De algún modo es algo que controlo, que entra en mi dominio. Intento poner señales para que la gente encuentre conexiones. Mientras más directo y honrado sea conmigo mismo, cuanto más directo pueda ser con mi propia narrativa, más personas podrán sentirse identificadas con la obra o conseguir acceder a ella. Hay una instalación que hice en 1990 (‘Diamond Life’) que recrea una habitación concreta donde yo vivía. Obviamente hay diferencias significativas y unos límites claros, antinaturales, porque estaba expuesta en una galería. Pero cuando estás allí, ante ella, es real. Eran cosas auténticas que me pertenecían y estaban próximas a mí. Al verlas, muchos se acercaron para contarme los recuerdos que les inspiraban y la mayoría, independientemente de su educación o condición, entendían lo que quería transmitir.

¿De dónde obtiene esas letras que utiliza en sus obras?

En estos momentos provienen de cualquier sitio. Al comienzo de mi carrera las obtenía necesariamente en las calles de Nueva York. Después he viajado a lo largo de toda América para conseguirlas.

These days they come from far and wide. In the early days of my career they came necessarily from the streets of NY. Later I traveled through America to get them.

¿Se ha parado alguna vez a reflexionar que esos caracteres formaban parte de otras palabras y otros contextos?

4

Sí, por supuesto. En algunas palabras el entorno previo está claro, es evidente, como ocurre en los carteles de las marquesinas de los cines. En otros casos el contexto está necesariamente codificado y en algunos otros trabajos es completamente genérico u anónimo. Ambas situaciones me resultan interesantes y atractivas.

Yes, of course. In some cases their previous context is clear, as in the movie marquee letters. In other cases the contexts are clearly codified and in some they are completely generic / anonymous which is also nice.

¿Qué valor le da el paso del tiempo?

Conceptos como el paso del tiempo, decadencia, salvación… pueden siempre ser construidos con un sentido romántico.

Well, the passage of time, decay, and salvation from the wrecking ball, can always be construed as romantic.

¿Es importante que sean letreros ya utilizados?

En un principio me empeñaba en no añadir imágenes que no existieran ya en el mundo, me limitaba sólo a reorganizar aquello que ya estaba creado por el hombre o por la naturaleza. Esta idea surgió de una especie de razonamiento lógico en relación con la Historia del Arte, a lo que habría que sumar un síntoma del malestar e inseguridad económica, dos ideas que son una constante en mi trabajo. ¿Le importaba a Picasso que la basura que usaba para crear una cabra hubiera sido usada antes o pensaba que estaba trabajando con un material nuevo? ¿No tiene eso su grandiosidad? Podría recurrir también a los dadaístas como ejemplo. Y sí, en ambas circunstancias, como en la mía propia, es importante -quizá más de lo que parece-, que esos componentes hayan sido usados antes. En mi caso, tanto formalmente como conceptualmente.

Early on, I was invested in the idea of not adding imagery that didn’t already exist to the world, of only rearranging stuff that had already been created by either man or nature. This notion came out of a sort of logical art historic reasoning, as well as, being a symptom of malaise and economic insecurity, which are often in my case inextricable. Was it important to Picasso that the “junk” he used to create a goat had been used before, or just that it was a new material to use? Was that a little grandiose? I could have also used the Dadaists as an example. And yes, in both cases, as well as my own, there is some importance, perhaps a lot, to the fact that these materials had been used before, in my case as much formally as conceptually.

Sus letras forman parte de carteles típicos de las ciudades y pueblos de Estados Unidos, en Europa no son tan habituales…Se perciben en ellas ciertos contravalores americanos, una especie de terreno melancólico que tiene sus fronteras en la frustración, en el vacío, en todo aquello que no se consigue…Si el presidente Obama representa, de algún modo, la consecución del sueño americano (la utopía nacional, la esperanza) su trabajo puede entenderse justo como lo contrario: un cúmulo de distopías, desesperanzas y pérdidas…

Dios, ¿Realmente cree que el mensaje que subyace en mi obra es lo contrario a la esperanza? Trabajo asumiendo que existe cierta luz de redención palpable en lo que

5

hago. Incluso, aunque podemos encontrar una parte de angustia en mis piezas, se supone que también tienen algo de humorístico. .

Good lord, is the message of my work really the opposite of hope? I was working under the assumption that there was some glimmer of redemption palpable in all of it. A lot of the time the angst in my work is supposed to be somewhat humorous you know.

¿Prepara mucho sus wordpieces? ¿Tiene algún modo concreto de trabajar?

Tengo tal inventario de signos, que eso facilita mucho la espontaneidad en mi procedimiento de trabajo. Si se me ocurre algo, puedo desarrollarlo en todas sus facetas enseguida. Con unos pequeños ajustes y teniendo mucho cuidado, puedo desarrollarlo infinitamente.

I have so much inventory of signage now that there can really be spontaneity to my process. If I think of something I can flesh it out right away then I tinker with it endlessly so in that way there is a lot of care. ¿Cuáles son sus inspiraciones?

En cuanto a la inspiración y al método de trabajo, a veces, sencillamente, tengo un término o una frase en mi cabeza que intento materializar. En otras ocasiones considero que dos palabras pueden funcionar bien juntas y trabajo con ellas hasta encontrar cómo podrían quedar mejor. En cuanto a la inspiración literal, imagino las señales –los enunciados o grafemas-, como si fueran lo primero. Una de mis primeras ediciones fotográficas era una imagen que encontré en Los Ángeles que decía Ángel de Juventud. Era un poema de dos palabras, que colgaba del cielo, que quería decir algo completamente distinto para mí a lo que significaba en ‘la vida real’. También he usado el letrero de una tienda cerca de Rue Saint Denis, en París, que tenía otro cartel en la fachada que decía Sueños de Cowboy. Cosas como éstas me siguen ocurriendo.

In terms of inspiration and process sometimes I have a word or phrase in mind that I set out to execute and sometimes there will be two letters that look good together and I’ll work towards finding a case in which they can be. In terms of literal inspiration, I guess signs themselves were the first. One of my first editioned photographs was a sign in LA that said ‘Angel Youth’. It was a two word poem hanging in the sky, that meant something completely different to me than it did ‘in real life’. There used to be a store near the Rue St.. Denis in Paris that had a huge sign out front that said ‘Cowboy Dreams’. Things like that get me going.

Su arte es un arte fragmentado de instantes y sensaciones….Da igual si es un dibujo, una fotografía, una instalación o una escultura… ¿Cómo lo describiría?

Bien, normalmente existe una determinada calidad emocional que crea conexiones entre los diferentes medios de expresión, pero esto también conlleva un sentido de inmediatez que se convierte en estilo. La ‘audiencia’ (el público) puede entender que está compartiendo, de alguna manera, una experiencia directa con mis emociones a través de mi trabajo, especialmente en el caso de los dibujos…Quizás sea así. Otra vez de nuevo en ‘la vida real’, tiendo a tener un comportamiento más calculado, con más sangre fría. También hay un aspecto representativo (performativo) en el trabajo que es importante y

6

a veces se pasa por alto; me temo que sería pretencioso por mi parte extenderme mucho en este aspecto.

Oh well, I usually say there’s an emotional quality that creates the connectivity between the various media but there’s also a sense of immediacy that becomes a style. The ‘audience’ if you will is meant to believe they’re having a very direct experience with my emotions especially in the case of the drawings and perhaps they are. Again ‘in real life’ I tend toward a more ‘sangfroid’ demeanor. There’s a performative aspect to the work that’s often overlooked and I’m afraid would be too pretentious for me to prattle on about very much.

Su obra posee un gran componente autobiográfico.

La mayoría de mis obras surgen de mi corazón o de mi experiencia.

Incluso su última exposición en Nueva York, en la galería Chaim&Read en 2006, se llamo precisamente Autorretrato.

No era exactamente una exposición, era más bien un catálogo.

¿Por qué ese conjunto de fotografías de diferentes jóvenes se llamaba autorretrato?

En todo eso hay mucho sentido del humor porque se ve a las claras que en ninguna de las fotos aparezco yo.

Pueden ser amigos suyos, allegados…

No, mayormente eran actores y modelos profesionales. Ese proyecto es una historia bastante larga. En ese momento de mi vida trabajaba mucho para revistas de moda, trabajaba con estrellas, con personas conocidas. Quería hacer algo que encajara con la fotografía editorial, con la publicidad, que representara lo que estaba haciendo en esa época.

Puede explicarlo con más detalle…

Yo no quería hacer de ninguna manera un autorretrato, pero por entonces me salía una obra que se parecía mucho a lo que hacía para publicidad, algo con el suficiente aire frívolo como para no ser considerado arte y demasiado bueno para desecharlo por su parecido con la fotografía de moda. Así que busqué la manera de que aquello funcionara y acabó conjugando una mezcla indeterminada de ternura salpicada de humor. Es como una broma, irónica, que esconde el anhelo de deseo que subyace en toda fotografía publicitaria. Intentaba ir más allá, cuestionar por qué algo que no tiene apariencia artística, que puede ser un anuncio de Calvin Klein, puede considerarse arte.

Esas imágenes tienen poco que ver con la fotografía actual, están interpretadas de un modo muy personal…

Las fotos de hoy todas parecen instantáneas. Cuando yo empecé se hacían fotos muy distintas que nada tienen que ver con las de hoy. Ahora nos fijamos en aspectos que

7

antes ni siquiera se tenían en cuenta, se lleva la mirada a lugares sin importancia. Una puerta, una luz, una ventana…Todo con un aire de misterio…Antes era diferente.

Háblenos un poco de la exposición que ha preparado para Málaga.

Son obras abstractas. Una especie de sondeo sobre cómo funciona la abstracción en mi obra.

¿En qué sentido?

No es todo nuevo, he introducido obras anteriores, pero haré también una selección de obras parecidas a éstas y aquéllas [señala un círculo construido con una serie de letras ‘o’ en azul que hay en la pared, y después otro conjunto de letras amontonadas, sin orden aparente, que hay en el suelo].

Son letras donde no es posible discernir un significado en ningún idioma…

Son palabras que se vuelven abstractas. La palabra sigue existiendo en el montón, pero con una disposición diferente, sin estructura ni jerarquía.

Es un giro más de tuerca. Sigue siendo lo mismo pero más complejo.

Exacto.

¿Le importaría comentar algo más?

Lo que he planeado para el CAC Málaga es una aventura hacia lo desconocido. Es todo reciente, aunque he usado el mismo material de los letreros del que hemos estado hablando antes. Estoy preparando obras nuevas que son no-objetivas y no-literales. Una parte es abstracción, otra es caligráfica, y hay una parte de cantatas. Habrá que hacer un esfuerzo para unir las diferentes partes y entender la progresión desde mis primeros trabajos hasta los más actuales. El tema de la exposición es el mismo que el objeto de todo mi trabajo: la esperanza.

What I have planned for the CAC Malaga is an adventure into the unknown! It’s all new work using the same signage material we have been discussing. I am preparing new work that is non-objective and no-literal. Some are abstractions, some calligraphic, and some are cantations. There will be an effort made to limn the lineage of the progression from the earliest examples of my work to these the most recent. The subject of the show is the same as the subject of all my work: hope.

¿Qué proyectos ha desarrollando o está desarrollando en 2009?

Tengo una exposición individual en mi galería de Nueva York, Chain&Read.

¿El trabajo será similar a lo visto en el CAC Málaga?

Esa es lo que yo quisiera, pero es difícil. La galería tiene otros intereses y espera piezas que se puedan vender.

8

¿Qué tiene en común con la generación de fotógrafos, como usted mismo, formados en Boston? Hablo de Philip-Lorca diCorcia, de Nan Goldin, de David Armstrong….¿Compartís muchas afinidades?

Ellos estudiaron juntos, yo fui unos años después. El elemento aglutinador es que todos aprendimos en el mismo sitio. A ellos les gustaba llamarse ‘La Escuela de Boston’ y esa denominación funciona bien para la gente, era una cuestión de marketing. De alguna manera todos tenían algo que ver con John Singer…

¿Mantiene el contacto con alguno?

Si, sí, estuve este fin de semana pasado en Lisboa con Nan Goldin. A David Armstrong lo veo mucho. Precisamente una revista de moda de Madrid nos encargó no hace mucho un trabajo juntos a Ryan McGinness, a David y a mí. Son personas, que aunque sean de una generación anterior, han marcada mi juventud y mis amistades.

¿Qué artistas han sido influyentes en su trayectoria?

Félix González-Torres, Ed Ruscha, Robert Gober…Edward Hopper me encanta….Ray Johnson, Breiner…Hay un precedente, un grupo de gentes que llegaron antes que yo y que son menos conocidos, caso de Breiner, que me interesan mucho.

¿Qué le atrae especialmente de estos artistas?

Que tienen una idiosincrasia propia. Que hay que hacer un esfuerzo, que hay que implicarse mucho, para entender lo que hacen como obra de arte.

¿Hacia dónde cree que le llevará su trabajo?

Creo que al final del camino me encontraré con la pintura abstracta pura. Ése es mi Santo Grial.

También quería antes de terminar, precisamente preguntarle por su pintura, menos común en su trayectoria, y por sus dibujos, que son más habituales. Ambos impulsivos, gestuales, intuitivos.

A lo mejor acaban fusionados, mezclados. Me apasiona Philip Guston porque consigue hacer las dos cosas con maestría. Me gustaría llegar hasta allí.

Philip Guston fue al revés, de la abstracción pura a la figuración y el objeto…

Es cierto, pero en esencia es lo mismo. Yo quiero andar mi camino sin prisas, me gustan las sensaciones que me produce pintar en un lienzo. Pintar es algo a lo que me resisto porque a lo mejor puedo decepcionar.

Quisiera agradecer la inestimable colaboración para esta entrevista de Robert Zemse, Ignacio Tovar y Olga Granado. Sin ellos no hubiese sido posible realizar este trabajo.

9