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AllegroHDdestacados de programaciónmarzo 2021

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Destacados de programaciónmarzo 2021

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Ciclo Bernstein en el universo sinfónico de Mahler CONCIERTO | Gustav Mahler: Sinfonía n.º 9 – Leonard Bernstein & Filarmónica

de Viena | Estreno sábado 6 – pág. 3 CONCIERTO | Gustav Mahler: Sinfonía n.º 10 – Leonard Bernstein & Filarmónica

de Viena | Estreno sábado 6 – pág. 5

Ciclo Piazzolla 100.º aniversario CONCIERTO | Orquesta Real de Cámara de Valonia – Astor Piazzolla:

Tanguissimo | Redifusión jueves 11 – pág. 7 CONCIERTO | Marcela Roggeri – Homenaje a Astor Piazzolla | Estreno jueves 11

– pág. 9 DOCUMENTAL | Homenaje a Astor Piazzolla, un documental de Christopher

Nupen & José Montes-Baquer | Estreno jueves 11 – pág. 11 CONCIERTO | Festival de Verbier: András Schiff – Obras de Haydn & Beethoven

| Estreno sábado 13 – pág. 13

CONCIERTO | Orquesta Reino de Aragón, Orfeón Donostiarra & Ínigo Pírfano –

Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler | Estreno domingo 14 – pág. 15

CONCIERTO | ECOS Festival – La música antigua revive en España | Estreno

jueves 18 – pág. 17

Ciclo Mi ópera favorita DOCUMENTAL | Ruggero Raimondi & Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus

Mozart – Un documental de Paul Smaczny & Clara Fabry | Estreno viernes 19 –

pág. 19

CONCIERTO | Tomas Cotik [artista Naxos] | Estreno sábado 20 – pág. 21

BALLET | Luz fantasma – Un ballet de John Neumeier para el Hamburg Ballett

| Estreno domingo 21 – pág. 23

CONCIERTO | Diego Naser dirige Wagner & Mahler | Estreno jueves 25 – pág. 25

CONCIERTO | Momentos musicales con Barenboim – II. Fryderyk Chopin |

Estreno viernes 26 – pág. 27

CONCIERTO | Martha Argerich & Guy Braunstein: Una lectura romántica – Obras

de Schumann, Prokofiev, Franck & Kreisler | Estreno sábado 27 – pág. 29

CONCIERTO | Concierto para Europa 2017 – Andreas Ottensamer, Filarmónica

de Berlín & Mariss Jansons | Estreno domingo 28 – pág. 31



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El gran director estadounidense continúa su periplo «mahleriano» al frente de la gran

orquesta vienesa.

• Género: concierto, música clásica, música postromántica, orquestal.

• Director: Leonard Bernstein.

• Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

• Año: 1972.

• Lugar: Philharmonie, Berlin.

• Duración: 89 minutos.

En la década de 1970, el gran Leonard Bernstein (1918-1990) dirigió en directo la integral de las sinfonías de Gustav Mahler, uno de los compositores con los que guarda una relación más íntima y de cuya obra fue, sin duda, uno de los referentes en la historia de la interpretación. Concluye aquí este ciclo que hemos dedicado a su interpretación integral, y lo hace con las dos últimas sinfonías del genial compositor austríaco. Le acompaña, al igual que en este largo y apasionante viaje, la legendaria Filarmónica de Viena, que por aquel entonces vivía auténticos años dorados en los que se la consideraba la mejor orquesta del panorama internacional. Un lujo al alcance de su mano visto como nunca gracias a los comentarios que aparecen sobreimpresionados en nuestros programas.

Gustav Mahler (1860-1911), compositor y director austriaco, escribió obras de gran formato sinfónico y lieder –muchos de ellos con orquesta– y desarrolló una carrera como

director de orquesta que se tornó poderosa e innovadora, proporcionando un modelo del idealismo postwagneriano para el teatro musical alemán. Sus composiciones fueron consideradas inicialmente por algunos como excéntricas y por otros como nuevas

Ciclo Bernstein en el universo sinfónico de Mahler

Concierto | Gustav Mahler: Sinfonía n.º 9 Leonard Bernstein & Filarmónica de Viena Estreno sábado 6 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu



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expresiones del modernismo de la «Nueva Alemania» ampliamente asociada con Richard Strauss. Solo durante la última década sus obras comienzan a disfrutar del apoyo crítico y el éxito del público que ayudó a asegurar la supervivencia póstuma de su reputación como compositor más allá de los años del nacionalsocialismo en Alemania y Austria. Mahler sufrió el destino de innumerables compositores de origen judío que fueron prohibidos en un momento en que su música era todavía poco conocida y comprendida fuera de los países de habla alemana de Europa. El centenario de su nacimiento en 1960 inspiró el redescubrimiento popular de sus sinfonías, sobre todo en Inglaterra y los EE.UU., donde se hicieron rápidamente con un público joven y entusiasta. La tensión, el compromiso apasionado y el poder a menudo catártico de su música adquirieron una resonancia que se vio incrementada, en un periodo marcado por los movimientos de protesta, por la experimentación crítica y por unas ideas y estilos de vida poco convencionales. Hoy día es visto como una figura histórica que emerge como un mediador entre la tradición musical austro-alemana y los principios de la modernidad del siglo XX.

Compuesta entre 1908 y 1909, la Sinfonía n.º 9 en su última sinfonía completa y un extraordinario final para su ciclo sinfónico, que todavía tendrá que completarse con la Décima –inacabada–. Está considerada como el testamento del compositor, el gran final

para una autobiografía plasmada en sus obras, una especie de cataclismo humano de espesa hondura como solo Mahler es capaz de plasmar sobre el papel. Para muchos es la forma más humana y maravillosa que tuvo de despedirse de este mundo. Una obra que ya desde el primer movimiento parece esbozar su mundo, pero no un mundo cualquiera, sino su mundo interior, rico y profundo, el cual tendrá que recomponerse desde el inicio, cuando se muestra casi desmoronado, como un reflejo de su vida rota por todo lo que vivido y sufrido. Cuando la compuso Mahler ya había sufrido las tres grandes tragedias que marcarían sus últimos años de existencia: la muerte de su hija mayor, su dimisión de la Ópera de Viena y el diagnóstico de una lesión cardíaca, la cual pondría fin a su vida en 1911. Además, la relación que su esposa Alma mantenía con el arquitecto Walter Gropius fue un trago verdaderamente amargo que soportar. A diferencia de otras de sus creaciones, que abren perspectivas hacia nuevos paisajes, la Novena de Mahler es claramente un final de viaje, un último regalo con el que cierra no sólo la vida creativa del genial autor, sino también –más de una forma poética que literal– el Romanticismo como movimiento

cultural hegemónico, además de la existencia de la sinfonía como gran género orquestal. Estrenada en 1912, con la batuta de Bruno Walter al frente de la Filarmónica de Viena, al año siguiente de la muerte de Mahler, la obra fue elogiada con total admiración por algunos de los grandes intérpretes del momento: «Es una música que viene de otro mundo, viene desde la eternidad» [Karajan]; «Esta sinfonía no es solo la última, sino su mayor logro» [Klemperer]; «Es como si esta sinfonía fuera la obra de un oculto artista superior que utilizó a Mahler como su portavoz» [Schönberg].

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00289_Sinfonia_9_Mahler_Bernstein_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00289_Sinfonia_9_Mahler_Bernstein_2.jpg


Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 9. Filarmónica de Berlín | Leonard Bernstein. Philharmonie, Berlín. 1972.


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Final del viaje con la sinfonía inacabada del austríaco, en la legendaria versión de este

inigualable tándem musical.


• Director: Leonard Bernstein.

• Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

• Año: 1975.

• Lugar: Konzerthaus, Viena.


Para Gustav Mahler (1860-1911) la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico, como se ha podido comprobar en la integral que aquí concluye, la cual hemos ofrecido al completo a lo largo de los meses de enero y febrero, ofrecida como nunca antes, con nuestros comentarios específicos para ayudar a la comprensión contextual y musical de las composiciones. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Beethoven y pasando por Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de instrumentos poco convencionales. El elemento coral –que introdujera

Beethoven– no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la

Ciclo Bernstein en el universo sinfónico de Mahler




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escritura contrapuntística, pues concebía la orquestación como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad posible de las líneas. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital, a partes iguales, está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por separado –que también–, sino a su corpus sinfónico al completo en la más

brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz.

La muerte sorprendería a Mahler en pleno trabajo de composición de la Sinfonía n.º 10, por lo que de ella únicamente ha quedado completo el primero de los movimientos, su magnífico Adagio. No obstante, la estructura general de la obra también quedó planteada, e incluso esbozados algunos de los restantes movimientos. Mahler había planteado que su Décima constara de cinco movimientos: Andante - Adagio, Scherzo I, Purgatorio (Allegretto moderato), Scherzo II y Finale. Tras la muerte de Mahler, Alma entregó a Bruno Walter los manuscritos de la Sinfonía n.º 9 y La canción de la tierra para su estreno. Sin embargo, no hizo igual con los esbozos de la inacabada Décima, que Walter le aconsejaba destruir. Tras muchas dudas, en 1924 Alma publicó el facsímil del Adagio, único movimiento completado, y solicitó a su yerno, Ernst Krenek, que estudiase si era viable terminar la sinfonía. Krenek arregló el Adagio y el tercer movimiento con ayuda del «falsificador» de Bruckner, Franz Schalk, además de Otto Jokl y Alexander von Zemlinsky. Más tarde, el editor Richard Specht animó a Alma a buscar a un compositor de la talla de Mahler para que lo intentase de nuevo, y durante varios años se trató de convencer a Shostakovich y a Arnold Schönberg, pero siempre rehusaron la tarea. Las primeras grabaciones del Adagio datan de los años 50 y se basaron en la versión de Krenek y Jokl, pero no convencían a la crítica y el público. Por ello en 1960 la BBC pidió al musicólogo inglés Deryck Cooke que hiciera un estudio sobre ella, para terminar reconstruyéndola de nuevo.

En este extenso movimiento predominan las armonías cromáticas y un lenguaje que se sitúa muchas veces casi en la atonalidad. El uso de recursos como la inversión de los temas hace que se intuya también la influencia del dodecafonismo. Es un pasaje repleto de belleza y serenidad, en el que encontramos a un Mahler más visionario que nunca, que coquetea con la atonalidad y juega con los timbres, llegando incluso a crear un sorprendente cluster –un curioso efecto sonoro, inventado probablemente por Henry

Cowell en 1912, resultante de hacer sonar a la vez un grupo de notas próximas entre sí–. Por momentos el Adagio suena más cercano a Richard Strauss, e incluso a Béla Bartók, que al propio Mahler. Es por ello que algunos estudiosos califican a las reconstrucciones de Cooke y los otros como ineficaces, ya que en ellas los cuatro movimientos suenan excesivamente «mahlerianos», mientras que el movimiento original no va ya por los mismos derroteros que sus composiciones previas.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00290_Sinfonia_10_Mahler_Bernstein_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00290_Sinfonia_10_Mahler_Bernstein_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00290_Sinfonia_10_Mahler_Bernstein_3.jpg


Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 10. Filarmónica de Viena | Leonard Bernstein. Konzerthaus, Viena. 1975.






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Monográfico dedicado al gran creador argentino, con tres de sus inconfundibles obras en

las manos de la orquesta belga y dos magníficos solistas.

• Género: concierto, música clásica, música contemporánea, flauta, acordeón.

• Intérpretes: Marc Grauwels [flauta travesera], Christophe Delporte [acordeón].

• Orquesta: Real Orquesta de Cámara de Valonia.

• Año: 2017.

• Lugar: Arsonic, Mons.


El breve ciclo dedicado en febrero para rendir tributo al genial Astor Piazzolla (1921-1992), una de las grandes figuras en la historia de la música argentina se inicia con este concierto a cargo de la Real Orquesta de Cámara de Valonia, en el que ofrecen un recorrido monográfico para algunas de las composiciones de este compositor que de manera tan audaz supo difuminar los límites entre la música «académica» y la música «popular», acompañados por la flauta travesera de Marc Grauwels y el acordeón de Christophe Delporte.

De él se interpretan aquí algunas de sus obras más representativos, como Oblivion, sin duda uno de los más bellos tangos instrumentales que se pueden encontrar en el catálogo compositivo de Astor Piazzolla. En los años 80, durante su estancia en Estados Unidos, Piazzolla vendía su música para vivir, siendo allí donde compuso este tema, que después fue adquirido para la banda sonora de la película Enrique IV, el Rey loco, del italiano

Ciclo Piazzolla 100.º aniversario

Documental | Orquesta Real de Cámara de Valonia Astor Piazzolla: Tanguissimo Redifusión jueves 11 | 19:10 Arg/Chi/Par/Uru | 18:10 Bol | 17:10 Col/Ecu



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Marco Bellocchio. Existen numerosas variantes en los instrumentos utilizados para su interpretación, debido a su gran e impresionante popularidad, interpretándose aquí en una versión para flauta travesera y el omnipresente acordeón. La obra central es su Concerto «Hommage à Liège», una obra de escritura relativamente lírica dentro del lenguaje del maestro argentino del «Tango nuevo», que a menudo es conocido por infundir su estilo moderno de tango con una sensación de amargura y pérdida. Escribió este concierto para el Quinto Festival Internacional de Guitarra que se realizó en Lieja en 1985. Piazzolla escribió la obra para el guitarrista Cacho Tirao y para el bandoneón que él mismo tocó en su estreno con Tirao y la Filarmónica de Lieja, dirigida por Leo Brouwer. Una biografía de Piazzolla sugiere que el compositor tomó inspiración musical de la música del compositor inglés William Walton, aunque existe otra versión para dos guitarras, o la que aquí se interpreta, que sustituye la guitarra original por una flauta travesera. El recital se cierra con Histoire du Tango, una de las composiciones más famosas de Piazzolla, escrita originalmente para flauta y guitarra en 1986. A menudo se interpreta con diferentes combinaciones, incluido el violín sustituido por la flauta, y también el arpa o la marimba como sustituto de la guitarra. Histoire du Tango intenta transmitir la historia y la evolución del tango en cuatro movimientos: Bordello 1900, Café 1930, Nightclub 1960 y Concert d'Aujourd'hui. Ya que Piazzolla fue muy consciente del cambio de estilo de la danza nacional argentina a lo largo de su vida, era completamente natural que intentara recordar a sus críticos y admiradores por igual que el tango había comenzado un proceso de evolución musical que había alterado su sonido y estado de ánimo a través del mismo proceso. Histoire du Tango es el vehículo a través del cual lo hizo. No está escrito para la banda de tango estándar, sino que es una especie de abstracción de ese sonido en una suite clásica de poco más de veinte minutos que cubre la evolución de la danza durante el siglo XX.

Fue hace 60 años, en 1958, cuando Lola Bobesco creó los Solistas de Bruselas, conocido entonces como Ensemble de cuerda Eugène Ysaÿe y actualmente como Real Orquesta de Cámara de Valonia [ORCW]. En los principales escenarios internacionales, la orquesta ha trabajado regularmente con los más grandes artistas. De 2003 a 2013 se benefició del dinamismo y la fama de su director musical, Augustin Dumay. Bajo su dirección, la orquesta fue una invitada habitual en los principales festivales y centros del panorama internacional. Desde 2014 Frank Braley lo ha sucedido con entusiasmo como director musical. Bajo la dirección de su violín principal, Jean-François Chamberlan, ORCW se presenta regularmente en Bélgica y particularmente en la Federación de Valonia-Bruselas. En Bélgica, ORCW es colaborador regular de la Competición Internacional de Música Reina Elisabeth. En Mons, su ciudad de residencia, se ha asociado con Mars [Mons arts de la scéne], y bajo su apoyo ofrece un repertorio diverso y original, para el que cuenta cada temporada con lo mejor del panorama francés e internacional…

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00544_A00555_Orchestre_Royal_Wallonie_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00544_A00555_Orchestre_Royal_Wallonie_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00544_A00555_Orchestre_Royal_Wallonie_5.jpg

Documental | Orquesta Real de Cámara de Valonia Astor Piazzolla: Tanguissimo Redifusión jueves 11 | 19:10 Arg/Chi/Par/Uru | 18:10 Bol | 17:10 Col/Ecu

Astor Piazzolla: Concerto «Hommage à Liège», Oblivion y Histoire du Tango. Marc Grauwels, Christophe Delporte & Real Orquesta de Cámara de Valonia. Arsonic, Mons. 2017.


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La pianista argentina se une a algunos buenos amigos y talentos solistas para brindar un

hermoso homenaje al gran compositor marplatense, en su 100 aniversario.

• Género: concierto, música clásica, música contemporánea, piano, clarinete.

• Intérpretes: Marcela Roggeri [piano], Mariano Rey, Florent Héau [clarinetes], Pablo Ziegler [piano].

• Año: 2019-2021.

• Lugar: Londres; Teatro Jovellanos, Gijón; Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires.


En 2021 se cumple el 100.º aniversario del nacimiento de una de las grandes figuras de la música en argentina y uno de los compositores más trascendentes de Latinoamérica en el siglo XX, el genial Astor Piazzolla (1921-1992). En este programa, conformado por grabaciones realizadas en diversas localidades y salas de ciudades como Buenos Aires, Londres o España, la pianista argentina, residente en la capital inglesa, Marcela Roggeri ofrece un sentido y hermoso homenaje a quien el gran representante del llamado «Nuevo Tango». Se une en algunas de las piezas a dos clarinetistas de excepción, Mariano Rey y Florent Héau, así como al pianista y compositor argentino Pablo Ziegler. Las obras interpretadas en este concierto son las siguientes: Milonga del Ángel, Aire de la Zamba Niña, Ave Maria, C'est l'amour, Libertango, Oblivion, Bordel 1900, Milonga sin palabras, Adiós Nonino y Libertango [versión para dos pianos, con Pablo Ziegler]. Controvertido, apasionado y renovador de la escena musical hasta sus últimas consecuencias, de Piazzolla fue el mérito de haber sabido conjugar el tango de manera


Concierto | Marcela Roggeri Homenaje a Piazzolla Estreno jueves 11 | 20:00 Arg/Chi/Par/Uru | 19:00 Bol | 18:00 Col/Ecu



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tan brillante y fluida con otros géneros de la música clásica, de tal forma que resulta difícil diluir la línea que separa unos de otros, no tanto en forma y estructura, sino en carácter, instrumentación y aceptación por parte del público. Nadie como él supo aportar calidad intramusical y elevar al género a algo más que una producción popular de las calles y barrios de la Argentina de principios del siglo XX. Gracias a Piazzolla el tango se acercó como nunca antes –ni después– a la producción musical «académica» de manera tan

estrecha, llegando a darse la mano en más de una ocasión, sabiendo conjugar a la perfección la escritura musical más refinada con la permanencia de la esencia del género. Autor de más de 750 piezas, su obra consigue una singularidad creadora e insoslayablemente argentina, que muestra influencias sobre algunos de los mejores músicos del mundo en diversos géneros. Su escritura se caracteriza por su potencia estética; no se parece a ninguna otra. Cuando se escucha a Piazzolla irremediablemente se reflexiona y cuestionan los límites intergéneros.

De la gran tradición argentina del piano, Marcela Roggeri [marcelaroggeri.com] posee buena parte de las cualidades, además de esa pasión sudamericana que marca la diferencia. Nacida en Buenos Aires, Roggeri estudió con Ana Gelber y con Bruno Leonardo Gelber. De la cultura de su tierra heredó igualmente un temperamento nómada. A los 23 años partió a Europa [Alemania, Italia y Francia] para una primera serie de conciertos en dúo con Gelber, decidiendo después instalarse en París, donde va a seguir su formación con Germaine Dévèze, alumna de la gran Marguerite Long. Ha tocado bajo la dirección de algunos de los grandes maestros del panorama y ha actuado junto a orquestas de enorme categoría mundial: Filarmónica de Buenos Aires, Florida Philharmonic, Montpellier Philharmonic, Bohemian Pardubice Chamber Philharmonic y Dortmund Philharmonic, Ensemble Orquestral de Paris, Orchestre de Cannes, Sinfonia Varsovia, European Camerata o Chamber Baltic Orquestra. Varios de sus proyectos traducen su compromiso personal con acciones artísticas humanitarias en Brasil y Argentina, donde realiza de modo regular conciertos y clases magistrales a favor de asociaciones que luchan contra la pobreza. La crítica ve en ella «la más francesa de las pianistas argentinas». En enero de 2006 recibió, en Francia, el galardón de Revelación Internacional del año en los Victoires de la Musique Classique, que la consagró ante el gran público. Marcela vive actualmente en Londres. Su discografía incluye diversos registros dedicados tanto a la tecla del Barroco [Domenico Scarlatti y Antonio Soler] como a la creación postimpresionista [Erik Satie] y el repertorio contemporáneo [Astor Piazzolla, Aaron Copland, Sofia Gubaidulina], sin olvidarse de la música con ecos populares de su país natal, con especial énfasis en figuras tan relevantes como Carlos Guastavino y Astor Piazzolla.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00861_Marcela_Roggeri_Homenaje_a_Piazzolla_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00861_Marcela_Roggeri_Homenaje_a_Piazzolla_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00861_Marcela_Roggeri_Homenaje_a_Piazzolla_3.jpg

Concierto | Marcela Roggeri Homenaje a Piazzolla Estreno jueves 11 | 20:00 Arg/Chi/Par/Uru | 19:00 Bol | 18:00 Col/Ecu

Sinopsis: Obras de Astor Piazzolla. Marcela Roggeri, Mariano Rey, Florent Héau, Pablo Ziegler. Londres; Teatro Jovellanos, Gijón; Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires. 2019-2021.


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Una brillante demostración cinematográfica de quien una de las grandes figuras de la

música latinoamericana de todo el siglo XX.

• Género: documental, concierto, música clásica, música contemporánea, música popular, nuevo tango, violín, bandoneón.

• Intérpretes: Astor Piazzolla [bandoneón], Quinteto Astor Pizzolla, Gidon Kremer [violín], Astor Quartet.

• Director: Christopher Nupen & José Montes-Baquer [documental].

• Año: 1998.


Fue una de las leyendas de la música latinoamericana de todo el siglo XX. Controvertido, apasionado y renovador de la escena musical hasta las últimas consecuencias, Homenaje a Astor Piazzolla es un filme documental de Christopher Nupen y José Montes-Baquer con Astor Piazzolla y su Quinteto, además del violinista Gidon Kremer y su Astor Quartet, como grandes protagonistas. La ola de interés por el tango recorre actualmente el mundo, pero, lamentablemente, presenta poca sustancia y valor duradero. La música de Astor Piazzolla (1921-1992), por el contrario, tiene ambas cualidades y la historia de su búsqueda es conmovedora e impresionante. Esta película es un homenaje a un compositor del siglo XX que, como muchos otros antes que él en nuestra historia musical, sufrió serios prejuicios durante su vida y se convirtió en un éxito de ventas poco después de su muerte. Durante su vida, Piazzolla fue atacado desde ambos


Documental | Homenaje a Astor Piazzolla Un documental de Christopher Nupen & José Montes-Baquer Estreno jueves 11 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




lados de la música: por uno, los aficionados al tango estaban tan indignados por sus esfuerzos por darle al género algo más contemporáneo que decir, que su vida y su familia llegaron a ser amenazadas, e incluso llegó a ser agredido en la calle. Todo ello solo por tratar una forma de música popular que estaba muy arraigada en la cultura argentina. Por el otro, esto es, el mundo de la música clásica, se le infravaloraba como compositor contemporáneo serio, porque componía en el idioma del tango.

Piazzolla murió en Buenos Aires en 1992. Cinco años más tarde, en 1997, el disco de Gidon Kremer Hommage à Piazzolla se situó en el primer puesto de las listas de éxitos de música clásica en Alemania, Austria y Japón, y Nonesuch Records alcanzó su objetivo de ventas de fin de año a las seis semanas de su lanzamiento. El disco ha llegado a alcanzar niveles de ventas pop y Gidon Kremer se convirtió en el padre fundador de la nueva ola del tango. Lo que hace que esta historia sea doblemente reveladora es que Kremer era considerado por muchos músicos como el principal defensor de la música contemporánea y, musicalmente, el violinista más innovador y arriesgado del panorama internacional por aquel entonces. Sin duda, él hizo más por los compositores contemporáneos que cualquier otro solista de primer nivel en aquellas décadas, encandilando además al mundo musical por su apasionada defensa de la música de Piazzolla, que alcanzó un éxito internacional extraordinario. El filme presenta al propio Piazzolla con su último y mejor quinteto tocando tres de sus piezas más conocidas [Escualo, Invierno Porteño y Tangata], además de a Gidon Kremer y sus amigos Vadim Sakharov, Per Arne Glorvigen y Alois Posch deleitándose con cinco de sus composiciones en un concierto en el Queen Elizabeth Hall de Londres. También se incluye una entrevista muy interesante con el protagonista.

Astor Piazzolla (1921-1992) es una de las grandes figuras en la historia de la música argentina. Especialmente suyo es el mérito de haber sabido conjugar el tango de manera tan brillante y fluida con otros géneros de la música clásica, de tal forma que resulta difícil diluir la línea que separa uno de otros, no tanto en forma y estructura, sino en carácter, instrumentación y aceptación por parte del público. Nadie como él supo aportar calidad intramusical y elevar al género a algo más que una producción popular de las calles y barrios de la Argentina de principios del siglo XX. Gracias a Piazzolla el tango se acercó como nunca antes –ni después– a la producción musical «académica» de manera tan

estrecha, llegando a darse la mano en más de una ocasión, sabiendo conjugar a la perfección la escritura musical más refinada con la permanencia de la esencia del género. Autor de más de 750 piezas, su obra consigue una singularidad creadora e insoslayablemente argentina, que muestra influencias sobre algunos de los mejores músicos del mundo en diversos géneros. Su escritura se caracteriza por su potencia estética; no se parece a ninguna otra. Cuando se escucha a Piazzolla irremediablemente se reflexiona y cuestionan los límites intergéneros.

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Documental | Homenaje a Astor Piazzolla Un documental de Christopher Nupen & José Montes-Baquer Estreno jueves 11 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: Homenaje a Astor Piazzolla. Documental de Christopher Nupen & José Montes-Baquer, con la participación de Astor Piazzolla, Quinteto Astor Piazzolla, Gidon Kremer & Astor Quartet. 1998.


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Una de las mayores figuras del pianismo de las últimas cuatro décadas, el húngaro András

Schiff, se sube al escenario del festival alpino con un bello programa doble.

• Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

• Intérpretes: András Schiff [piano].

• Año: 2015.


El pianista húngaro András Schiff, nacido en Budapest en 1953, es hoy considerado y respetado como uno de los grandes del piano actual. En la edición de 2015 del Festival de Verbier ofreció un hermoso y apasionante programa doble protagonizado por dos grandes obras pianísticas de sendas figuras monumentales del pianismo clásico-romántico: Fran Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, con sus sonatas para piano n.os 62 y 32, respectivamente.

Schiff empezó sus clases de piano a los cinco años con Elisabeth Vadász. Más tarde continuó sus estudios musicales en la Academia Franz Liszt con los profesores Pál Kadosa, György Kurtág y Ferenc Rados, y en Londres con George Malcolm. Después de haber colaborado con las más prestigiosas orquestas y directores de todo el mundo, Sir András Schiff centra principalmente su actividad en recitales a solo, proyectos especiales donde toca a la vez que dirige, además de en la dirección en sí misma. Desde 2004 ha interpretado la integral de las 32 sonatas para piano de Beethoven en orden cronológico en más de veinte ciudades. En los últimos años su Bach se ha convertido en un destacado de los BBC Proms. También, Sir András Schiff se presenta regularmente en festivales como

Concierto | Festival de Verbier: András Schiff Obras de Haydn & Beethoven Estreno sábado 13 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




el de Verbier, Salzburgo o Baden-Baden, en salas como el Wigmore Hall, Musikverein o Philharmonie de Paris. Asimismo, dirige un festival en el Teatro Olimpico de la ciudad italiana de Vicenza, municipio de residencia de Cappella Andrea Barca, una orquesta de cámara compuesta por solistas internacionales, músicos de cámara y amigos, que el propio intérprete fundó en 1999. Juntos han aparecido en Carnegie Hall, Lucerne Festival o Salzburg Mozartwoche. Entre sus proyectos se incluye un ciclo de conciertos para teclado de Bach en Europa. Sir András también disfruta de una estrecha relación con la Chamber Orchestra of Europe, Budapest Festival Orchestra y Orchestra of the Age Enlightenment [OAE]. En 2018 aceptó el rol de Artista Asociado de la OAE, complementando así su interés por los instrumentos de teclado de época. Por otra parte, continúa apoyando a nuevos talentos principalmente a través de su programa Building Bridges [Tendiendo puentes]. También imparte clase en la academia Barenboim-Said y Kronberg, y da frecuentes conferencias y clases magistrales. En 2017, su libro Musik kommt aus der Stille con ensayos y conversaciones con Martin Meyer, fue publicado por las editoriales Bärenreiter y Henschel. Sir András Schiff ha sido galardonado con numerosos premios internacionales que incluyen la Medalla de oro del International Stiftung Mozarteum, la Gran Cruz del Mérito con estrella de la República Federal de Alemania, la Medalla de oro de la Royal Philharmonic Society, el título de Sir por sus servicios a la música y un Doctorado en el Royal College of Music [2018].

A diferencia de Mozart, Beethoven, Clementi y otros de sus casi contemporáneos, Franz Joseph Haydn (1732-1809) no era un pianista virtuoso, como reconoció, declarando en una ocasión: «No era un mago en ningún instrumento, pero conocía la fuerza y el funcionamiento de todos». Sin embargo, hasta Beethoven, la sonata para piano no se componía principalmente como vehículo para la técnica virtuosa –ese era el dominio del

concierto– sino como un cierto entretenimiento para los aficionados en la intimidad de

sus hogares. Haydn compuso sonatas para piano para diferentes estudiantes, y la amplia gama de sus habilidades explica los dispares niveles de sofisticación que se encuentran entre sus casi cincuenta sonatas que se conservan. La Sonata para piano n.º 62 en mi bemol mayor, Hob. XVI:52 se describe a menudo como la mejor obra de Haydn en este género, pues resulta excepcional tanto en tamaño como en alcance y manipulación del material melódico creado por el austríaco. Por su parte, las 32 sonatas para piano de Ludwig van Beethoven (1770-1827) forman parte de las obras más famosas del repertorio clásico. Compuestas a lo largo de casi tres décadas, estas 32 sonatas pianísticas dibujan casi toda la vida creativa del compositor. Actualmente conocidas como «las tres últimas sonatas», las n.os 30, 31 y 32 conforman un conjunto unificado y coherente que data de los años 1820-1822. La obra que cierra el género es un dechado de excelencia, un final

apasionante para un viaje sin apenas paragón en la historia de la música.

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Concierto | Festival de Verbier: András Schiff Obras de Haydn & Beethoven Estreno sábado 13 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: Franz Joseph Haydn: Sonata para piano n.º 62 en mi bemol mayor, Hob. XVI:52; Ludwig van Beethoven: Sonata para piano n.º 32 en do menor. András Schiff. Festival de Verbier. 2015.


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La orquesta española se une a una de las agrupaciones corales más importantes del país

para interpretar una de las obras sinfónicas más monumentales de la historia.

• Género: concierto, música clásica, música postromántica, vocal, coral, orquestal.

• Intérpretes: Carmen Solís [soprano], María José Montiel [mezzosoprano]; Orfeón Donostiarra.

• Director: Ínigo Pírfano.

• Orquesta: Orquesta Reino de Aragón.

• Año: 2019.

• Lugar: Sala Mozart, Auditorio y Palacio de Congresos, Zaragoza.


La extraordinaria Sinfonía n.° 2, de Gustav Mahler (1860-1911), llega en la visión de dos conjuntos españoles de importante proyección del norte del país, por un lado, la Orquesta Reino de Aragón, fundada en la ciudad de Zaragoza en 2011 por el músico aragonés Sergio Guarné, cuyo director titular desde la temporada 2013/2014 es Ricardo Casero. La ORA ha contado con las batutas invitadas de Isaac Karabtchevsky, Íñigo Pírfano, Diego Miguel-Urzanqui, José Antonio Sainz Alfaro y Marco Boemi. Está acompañada aquí por uno de los coros más longevos y de mayor trascendencia en el importante panorama coral de España: el Orfeón Donostiarra, que fundado en 1897 une a su larga trayectoria el prestigio de haber sido considerado largo tiempo como la más importante agrupación coral de España. Su repertorio abarca obras sinfónico-corales, ópera y zarzuela, así como un gran número de obras de folklore y polifonía a cappella. Su director desde 1987 es José Antonio Sainz Alfaro, a quien precedieron Secundino Esnaola, Juan Gorostidi y

Concierto | Orquesta Reino de Aragón, Orfeón Donostiarra & Ínigo Pírfano Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler Estreno domingo 14 | 20:00 Arg/Chi/Par/Uru | 19:00 Bol | 18:00 Col/Ecu




Antxon Ayestarán. Las solistas son la soprano Carmen Solís y la mezzosoprano María José Montiel, dos de las voces de mayor proyección en la lírica española actual.

Para Gustav Mahler la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Beethoven y pasando Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de instrumentos poco convencionales. El elemento coral no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la orquestación concebida como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad de las líneas. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por separado sino a su corpus sinfónico al completo, en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz.

Su Sinfonía n.º 2 en do menor, conocida como Auferstehung [Resurrección], por utilizar una musicalización de la oda homónima de Friedrich Gottlieb Klopstock, se puede etiquetar dentro de la estética del postromanticismo, que destaca por su poderosa y grandilocuente orquestación, así como por desarrollos inmensos, a veces casi inabarcables. El punto de mayor importancia es que esta sinfonía sirve para elaborar aún más aspectos que aparecían casi de forma embrionaria en su Sinfonía «Titán», por lo que algunos la consideran como la primera sinfonía real e íntegramente «mahleriana», sin la que es imposible concebir la grandiosidad de obras posteriores como las n.os 3 y 8, e incluso su célebre La canción de la tierra. Comenzada a componer en 1888, la sinfonía nació como Totenfeier [Ritos fúnebres], un poema sinfónico en un movimiento basado en el drama poético Dziady, del poeta polaco Adam Mickiewicz, que Mahler terminó en 1888. Cuando ya comenzaba a adquirir prestigio como director de orquesta, presentó su obra al Hans von Bülow, que tuvo una reacción sumamente desfavorable y la consideró antimusical. Profundamente desanimado, no obstante no abandonó su obra y posteriormente regresó al movimiento, agregando tres más a finales de 1893 para concluir la sinfonía hoy conocida como segunda. Dejó la obra por un tiempo, sintiendo que necesitaba un final. Este llegó en 1894, Hans von Bülow murió, y en el funeral Mahler oyó una musicalización de la oda Aufersteh'n, lo que supuso una revelación, y decidió terminar su obra con su propia versión de dicho poema.

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Concierto | Orquesta Reino de Aragón, Orfeón Donostiarra & Ínigo Pírfano Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler Estreno domingo 14 | 20:00 Arg/Chi/Par/Uru | 19:00 Bol | 18:00 Col/Ecu

Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 2 en do menor, «Resurrección». Carmen Solís, María José Montiel, Orfeón Donostiarra & Orquesta Reino de Aragón | Ínigo Pírfano. Sala Mozart, Auditorio y Palacio de Congresos, Zaragoza. 2019.


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El joven festival de música antigua, celebrado en la Región de Murcia, ofreció hasta un

total de seis micro-conciertos y otras actividades en el período de pandemia.

• Género: concierto, música clásica, música antigua, música renacentista, música barroca, voz, órgano, clave, flauta de pico.

• Intérpretes: Cantoría [Inés Alonso, soprano; Samuel Tapia, contratenor; Jorge Losana, tenor y director; y Valentín Miralles, bajo]; Serendipia Ensemble [Rita Rodríguez y Moisés Maroto, flautas de pico; Pablo Cantalapiedra; percusión]; Mavra [Amber Kay, soprano; Marina López, clave]; Silvia Márquez [órgano]; David Gutiérrez [traverso barroco]; Anacronía Ensemble [David Gutiérrez, traverso barroco; Pablo Albarracín, violín barroco; Marina López, clave; Marc de la Linde, viola de gamba; Luis M. Vicente, viola barroca].

• Año: 2020.

• Lugar: Sierra Espuña [Aledo, Alhama de Murcia, Librilla, Mula, Pliego y Totana], Región de Murcia.


En plena segunda ola de la pandemia que asoló el mundo, el ECOS Festival, que se desarrolla en varias localidades de Sierra Espuña [Aledo, Alhama de Murcia, Librilla, Mula, Pliego y Totana], un territorio con gran importancia histórico-cultural de la Región de Murcia, celebró su edición de 2020, ante la imposibilidad de ofrecer conciertos presenciales, con una serie de micro-conciertos digitales a cargo de algunos de los conjuntos y solistas con mayor proyección en el ámbito de la interpretación histórica de la música antigua en España. Este país, que actualmente se encuentra en pleno apogeo de estos intérpretes, situándolo parejo en nivel a algunos grandes países del mundo, presenta actualmente un muy numeroso número de intérpretes y ensembles dedicados a

Concierto | ECOS Festival La música antigua revive en España Estreno jueves 18 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




la recuperación del riquísimo patrimonio musical, tanto español como europeo, desde la Edad Media hasta pleno siglo XVIII. En este festival digital se difundieron seis pequeñas actuaciones que van desde el Renacimiento hasta el Clasicismo, que aquí se presentan ahora para su disfrute en Latinoamérica.

En esta programación se encontrarán los siguientes compositores, obras e intérpretes, en una mixtura entre algunos solistas ya muy establecidos en el panorama junto a algunos de los talentos jóvenes emergentes de más proyección en los próximos años: el cuarteto vocal Cantoría, conformado por Inés Alonso [soprano], Samuel Tapia [contratenor], Jorge Losana [tenor y director] y Valentín Miralles [bajo], ofrece su versión de «Teresica Hermana», del compositor español del Renacimiento Mateo Flecha «el Viejo» (1481–1553), desde el impresionante enclave del Estrecho de la Agualeja, en Aledo; el dúo de flautas Serendipia Ensemble [Rita Rodríguez y Moisés Maroto], junto al percusionista Pablo Cantalapiedra, interpretan las Disminuciones sobre «el Passamezzo», del compositor español Diego Ortiz (1510–1570), frente a la Ermita de los Remedios, en Pliego; el dúo Mavra, que componen la voz de Amber Kay y el clave de Marina López ofrecen, desde la Parroquia de San Bartolomé, en Librilla, la pieza «Have you seen but a white lily grow?», del inglés Robert Johnson (1583–1633); Silvia Márquez interpreta, desde el órgano histórico del Santuario de Santa Eulalia de Mérida, en Totana, la Partite sopra «La Romanesca» del compositor italiano Michelangelo Rossi (1602–1656); el traversista David Gutiérrez se presenta desde el patio del Museo Arqueológico Los Baños, en Alhama de Murcia, interpretando la Allemande de la Partita para flauta travesera en la menor, BWV 1013, de Johann Sebastian Bach (1685–1750); para finalizar, el conjunto Anacronía Ensemble [David Gutiérrez, traverso barroco; Pablo Albarracín, violín barroco; Marina López, clave; Marc de la Linde, viola de gamba; Luis M. Vicente, viola barroca] ofrece uno de los movimientos del Cuarteto de flauta Op. 5, n.º 2 en sol mayor, de Franz Joseph Haydn (1732–1809), desde el claustro del Convento de San Francisco, en Mula.

El ECOS Festival de Sierra Espuña se celebró por primera vez en 2017, y está organizado junto a la Mancomunidad Turística de Sierra Espuña, la Universidad de Murcia y la asociación Early Music Project, para revitalizar la vida cultural del territorio y atraer el turismo durante la época estival. En 2020 ECOS Festival contó con una dinámica propuesta de actividades digitales, seis mini-conciertos en streaming, mesas redondas, un concurso de videoclips y actividades complementarias que relacionan la música antigua con la historia, el turismo, la gastronomía, la filosofía y el patrimonio artístico. Esta conexión entre la música antigua y el patrimonio fueron el leitmotiv de las actividades digitales del ECOS Festival.

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Concierto | ECOS Festival La música antigua revive en España Estreno jueves 18 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: Obras de M. Flecha, D. Ortiz, R. Johnson, M. Rossi, J.S. Bach y F.J. Haydn. Cantoría, Serendipia, Mavra, Silvia Márquez, David Gutiérrez, Anacronía. Sierra Espuña [Aledo, Alhama de Murcia, Librilla, Mula, Pliego, Totana], España. 2020.


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Una de las grandes voces italianas de las últimas décadas narra su pasión por el inmortal

personaje mozartiano, en un nuevo episodio de esta serie documental.

• Género: documental, ópera, música clásica, voz.

• Intérpretes: Ruggero Raimondi, Andrea Silvestri, Janes Eaglen, Rockwell Blake, Daniela Dessí, Alessandro Corbelli, Giovanni Furlanetto, Adelina Scarabelli; Coro del Teatro Comunale de Bologna; Luca Ronconi [dirección de escena], Mergherita Palli [escenografía].

• Director: Paul Smaczny, Clara Fabry [documental], Riccardo Chailly [ópera].

• Orquesta: Orquesta del Teatro Comunale de Bologna.

• Año: 1992.

• Lugar: Teatro Comunale, Bologna.


Bajo el título de Mi ópera favorita se esconden una serie de documentales en los que varias de las grandes figuras del canto de la década de los ochenta y noventa del pasado siglo acercan sus títulos operísticos predilectos, hablando sobre ellos, sus roles en cada una de las óperas y su relación con los compositores. Tras el primero de ellos, ofrecido por Allegro HD y que tiene a Barbara Hendricks y a la ópera Don Pasquale, de Gaetano Donizetti, como protagonistas –próximos episodios se centrarán en figuras de la talla de Alfredo

Kraus, Katia Ricciarelli y Nello Santi–, llega un nuevo capítulo, dedicado aquí a la que está

Ciclo Mi ópera favorita

Documental | Ruggero Raimondi & Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart Un documental de Paul Smaczny & Clara Fabry Estreno viernes 19 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




considerada como una de las grandes obras maestras del género operístico: Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). La voz protagonista en este documental, filmado por el especialista Paul Smaczny junto a Clara Fabry, es la del gran barítono italiano Ruggero Raimondi, uno de los que mejor ha encarnado al personaje «mozartiano» en las últimas décadas.

Mientras un distinguido equipo creativo, encabezado por el director de orquesta Riccardo Chailly y el director de escena Luca Ronconi, prepara una producción de esta mítica ópera en el histórico Teatro Comunale de Bologna, Raimondi reflexiona sobre su propia interpretación del personaje central de Don Giovanni, cuyos comentarios y perspicacia conducen directamente al corazón de esta enigmática obra. Además de llevar al espectador a través de todas las etapas de preparación para la producción de la ópera, el filme observa a Raimondi relajándose con sus amigos, transmitiendo sus conocimientos y experiencia a los cantantes más jóvenes en el Conservatorio de Bologna y considerando otro papel clave en el repertorio de bajo-barítono, en muchos sentidos opuesto a Don Giovanni, el de Don Quichotte de Jules Massenet, inspirado en la figura inmortal de Cervantes. La gloriosa campiña italiana y la rica arquitectura de la propia ciudad son el telón de fondo de esta reveladora película sobre la vida y el pensamiento de uno de los mejores cantantes italianos de las últimas décadas.

El 29 de octubre de 1787 se produce en Praga uno de los estrenos más importantes de la historia de la ópera. Se pone en escena por primera vez la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, un dramma giocoso en dos actos con libreto de Lorenzo da Ponte, que pasará casi inmediatamente a convertirse en un título absolutamente legendario, fruto de una de las colaboraciones entre compositor y libretista más extraordinarias en la historia del género. La obra se gesta en Praga, a donde el 1 de octubre de 1787 se dirige el propio Mozart junto a su mujer, Constanze, con casi toda la partitura completa, pues el estreno estaba previsto para quince días después, aunque finalmente este se aplazó hasta el 29 del mismo mes. Es en diciembre de 1786 cuando se produce la génesis de esta gran obra, con el encargo que hacen a Mozart los empresarios del Nostizt–Theater, Pasquale Bondini y Domenico Guardasoni, ante el impresionante éxito que en la ciudad tuvo el estreno de La nozze de Figaro del propio autor. Mozart delega entonces la responsabilidad de redactar el libreto sobre el gran da Ponte, al que respetaba poderosamente. Este se pone a trabajar de inmediato en el mismo, a pesar de que se encontraba trabajando en otros libretos a la vez. Da Ponte realiza un exquisito trabajo de reescritura de la obra de Bertati, que recompone de un solo acto en dos, y que trata el tema de una menara realmente «donjuanesca», siendo como ere este buen amigo del célebre Casanova, quien parece asistió además a su estreno.

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Documental | Ruggero Raimondi & Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart Un documental de Paul Smaczny & Clara Fabry Estreno viernes 19 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: R. Raimondi, A. Silvestri, J. Eaglen, R. Blake, D. Dessí, A. Corbelli, G. Furlanetto, A. Scarabelli; P. Smaczny & C. Fabry [dir. documental]; Coro y Orquesta del Teatro Comunale de Bologna | R. Chailly. Teatro Comunale, Bologna. 1992.


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Exquisito recital de una de las grandes figuras actuales del violín, en un virtuoso y

expresivo recorrido por magníficas obras del repertorio.

• Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, violín, piano.

• Intérpretes: Tomas Cotik [violín], Tao Lin [piano].

• Lugar: Portland, Oregon.


Aclamado por Michael Tilson Thomas como «un excelente violinista», Tomas Cotik fue ganador del Primer premio en el Concurso Nacional de Música de Radiodifusión en su país natal, Argentina, en 1997, y ganador del Premio del Gobierno de Canadá para 2003-2005. En este breve recital presenta un recorrido por algunas de las más brillantes obras del repertorio, en un caleidoscópico programa que presenta las siguientes composiciones y autores, acompañado por el pianista Tao Lin: Nocturno Op. 27, n.º 2 [arreglo de Pablo de Sarasate], de Fryderyk Chopin (1810-1849); Introducción y Rondó capriccioso, de Camille Saint-Saëns (1835-1921); Recuerdos de la Alhambra [transcripción de Ruggiero Ricci], de Francisco Tárrega (1852-1909); Variaciones sobre un tema de Corelli (en estilo de Tartini), de Fritz Kreisler (1875-1962); Valse Triste, de Franz von Vecsey (1893-1935); Skerzo-Tarantelle, Op. 16, de Henryk Wieniawski (1835-1880); y Hora Staccato, de Grigoraș Ionică Dinicu (1889-1949). Se trata de una senda inteligentemente construida en la que tienen cabida algunas obras de corte claramente virtuosístico, pero otras en las que el carácter expresivo es más marcado. Además, en este recorrido será posible escuchar obras de compositores poco conocidos frente a algunos nombres de leyenda en la interpretación violinística y la composición musical.

Concierto | Tomas Cotik [Artista Naxos] Estreno sábado 20 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




Cotik es un artista ávido de grabaciones, por eso en su haber se encuentran hasta un total de quince CD para Naxos y Centaur Records, que incluyen colecciones completas de autores como Bach, Mozart, Schubert o Piazzolla. Varios de estos lanzamientos han recibido los mayores elogios de algunas de las publicaciones más conocidas, como Gramophone, Fanfare, American Record Guide, Downbeat y MusicWeb International. Su grabación de Schubert fue nominada como grabación del año por MusicWeb International y su último CD de Piazzolla en Naxos fue nominado para los International Classical Music Awards, mientras su nueva grabación de las sonatas completas de Mozart ha logrado alcanzar más de dos millones de escuchas en Spotify. Fue concertino rotativo de la New World Symphony y ha dado cientos de recitales y conciertos de música de cámara en todo el mundo como miembro de los aclamados cuartetos de cuerda Amernet, Delray y Harrington. Ha colaborado estrechamente con artistas como Joseph Kalichstein, Franklin Cohen y miembros de los cuartetos de cuerda Cleveland, Miami, Pro Arte, Vogler, Vermeer, Tokio y Endellion. Además, ha ofrecido numerosos conciertos de música de cámara a nivel internacional, dando recitales en Alemania, Holanda, Suiza, España, Canadá, Argentina, México, Japón y por todo Estados Unidos, participando en más de veinte festivales internacionales de música y creando proyectos de colaboración con artistas de diversos ámbitos.

En las últimas temporadas ha actuado en el Merkin Hall de Nueva York, en el Music Mountain Festival de Connecticut, en el Kennedy Center de Washington, así como en conciertos en Detroit, Las Vegas, Omaha, Nápoles, Tampa, Miami y en giras por California, México, Taiwán e Israel. Estos conciertos recibieron críticas entusiastas en el Strad y el Washington Post, entre muchas otras publicaciones. Comprometido con la transmisión de su pasión por la música, Tomas Cotik fue nombrado profesor asistente de violín en la Universidad Estatal de Portland en 2016, donde recientemente recibió el premio Dean's Council Award For Research, Scholarship & Creativity por sus significativas contribuciones a la investigación, la erudición y la actividad creativa a nivel internacional. Anteriormente enseñó en la West Texas A&M University, en la Florida International University y en la Frost School of Music de la Universidad de Miami. En el trabajo con sus alumnos, Tomas hace hincapié en un enfoque natural del instrumento, proporcionando herramientas para evitar tensiones físicas innecesarias. Sus numerosos artículos sobre esta filosofía, sobre la interpretación de la música de Bach y la pedagogía de las cuerdas han sido publicados por The Strad, American String Teacher Association Journal, American Music Teacher Magazine y National Association for Music Education Magazine.

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Concierto | Tomas Cotik [Artista Naxos] Estreno sábado 20 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: Obras de Fryderyk Chopin, Camille Saint–Saëns, Francisco Tárrega, Franz von Vecsey, Fritz Kreisler, Henryk Wieniawski y Grigoraș Ionică Dinicu. Tomas Cotik & Tao Lin. Portland.


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El célebre coreógrafo y su histórico ballet presentan uno de los primeros ballets creados

tras el período de cierre mundial de la cultura provocado por la pandemia.

Fotos © Kiran West

• Género: ballet, música clásica, música romántica, danza contemporánea, piano.

• Intérpretes: Hamburg Ballett, John Neumeier [coreografía, escenografía, iluminación y vestuario], Jürgen Rose [vestuario]; David Fray [piano].

• Año: 2020.

• Lugar: Festspielhaus, Baden-Baden.


A nivel internacional, el Ballet de Hamburgo [Hamburg Ballett] es una de las primeras compañías que ha vuelto a los escenarios tras el cierre internacional de los teatros y salas de concierto provocado por la pandemia mundial en el año 2020. Basándose en un concepto de higiene sanitaria absoluta, desde el 29 de abril se impartieron diez clases diarias de ballet en grupos reducidos. Casi inmediatamente, John Neumeier desarrolló la idea de crear un ballet observado y estructurado según el distanciamiento social obligado en esos tiempos. Al principio, no se sabía con certeza cuándo, dónde o ni siquiera si este ballet podría representarse públicamente. La obra fue un ejercicio de creatividad por pura necesidad del coreógrafo y sus bailarines. Tras cuatro semanas de creación, John Neumeier siguió trabajando en su ballet, bajo el título llamado Ghost Light [Luz fantasma], sobre música para piano del compositor del Romanticismo alemán Franz Schubert (1797-1828), interpretada por el pianista David Fray.

El concepto coreográfico de John Neumeier implicó a los sesenta bailarines de su compañía, pero con la intención de respetar el distanciamiento social, creó partes

Ballet | Luz fantasma Un ballet de John Neumeier para el Hamburg Ballett Estreno domingo 21 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu




diferenciadas en la obra para pequeños grupos de dos a ocho bailarines. En sus propias palabras: «Ghost Light es una obra de conjunto que estoy desarrollando en fragmentos. Es como las líneas instrumentales separadas de una sinfonía, o una comida tradicional japonesa: una secuencia de miniaturas cuidadosamente dispuestas, que espero sean ‘deliciosas’. Cómo se unirán las partes separadas para crear una obra completa dependerá del momento en que se nos permita acercarnos y tocarnos de nuevo». El título Ghost Light se inspira en una tradición teatral americana en la que una única lámpara en un poste metálico se enciende y se coloca en el centro del escenario después de un ensayo o una representación, lo que significa que ningún artista puede utilizar el escenario mientras permanezca encendida. La luz fantasma arde durante toda la noche, hasta que el escenario vuelve a cobrar vida al día siguiente.

El Ballet de Hamburgo «John Neumeier» es famoso más allá de la ciudad que lo acoge. Las giras internacionales lo han convertido no solo en un punto destacado de la escena internacional del ballet, sino también en uno de los embajadores culturales más importantes de Alemania. El corazón de la compañía es el director artístico y coreógrafo jefe John Neumeier, que dirige la compañía desde 1973. Neumeier es un maestro en la combinación de la tradición del ballet clásico con las formas de la danza contemporánea en sus obras, al tiempo que desarrolla un lenguaje coreográfico personal y único. Las conferencias–taller de John Neumeier [Ballett-Werkstatt] son toda una tradición muy especial ya del Ballet de Hamburgo. Durante estas matinés, que tienen lugar en el escenario de la Ópera Estatal de Hamburgo varias veces por temporada desde 1973, Neumeier, junto con su compañía, explica aspectos específicos de la historia del ballet: información sobre el repertorio actual o los antecedentes técnicos e históricos de los ballets tradicionales. Desde 1975, el festival de danza Días del Ballet de Hamburgo constituye el punto culminante y el final de cada temporada. Tradicionalmente, el festival se abre con el estreno de una nueva obra y termina con la Gala Nijinsky, en la que participan estrellas internacionales invitadas, así como el conjunto del Ballet de Hamburgo. Aunque la compañía actúa en la Ópera Estatal de Hamburgo, su hogar creativo, lugar de ensayo y centro educativo es un edificio independiente, el Centro de Ballet de Hamburgo, inaugurado en 1989. Fundada en 1978, la escuela de ballet, cuyas sus instalaciones presentan integrado un internado, un departamento de preballet y ocho clases profesionales, incluido un programa final de dos años de clase de teatro, lleva formando generaciones de bailarines varias décadas. El Centro de Ballet es también la sede del Joven Ballet Nacional, fundado por John Neumeier en 2011.

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Ballet | Luz fantasma Un ballet de John Neumeier para el Hamburg Ballett Estreno domingo 21 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu

Sinopsis: Luz fantasma. Un ballet de John Neumeier para el Hamburg Ballett. Música de Franz Schubert. John Neumeier [coreografía, escenografía, iluminación y vestuario], Jürgen Rose [vestuario]; David Fray [piano]. Festspielhaus, Baden-Baden. 2020.


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Apasionante programa doble dedicado a dos de los grandes reformadores de la orquesta

del siglo XIX.

Fotos © Kike Baraona


• Director: Diego Naser.

• Orquesta: Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela.

• Año: 2019.

• Lugar: Sala Simón Bolívar, Cnaspm, Caracas.


En este concierto al frente de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, el director uruguayo Diego Naser ofreció un hermoso programa protagonizado por dos de los grandes compositores de finales del XIX, como fueron Richard Wagner y Gustav Mahler. De ellos se interpretaron el Preludio de la ópera Tristan und Isolde, del operista germano, así como la Sinfonía n.º 4 del sinfonista austríaco, de la que se ofrece aquí el tercero de sus movimientos.

Tristán e Isolda [Tristan und Isolde], ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner (1813-1883), basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859, viendo su estreno en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Uno de los temas preferidos de los Minnesanger y trovadores fue la leyenda de Tristán e Isolda. De entre todas las versiones, el Tristán de Godofredo de Estrasburgo conduce en línea recta a Wagner, que escribió lo siguiente en una carta a Liszt desde Zúrich, el 16 de diciembre de 1854: «Puesto que nunca en mi vida he gozado de la verdadera dicha del amor, quiero construir un monumento

Concierto | Diego Naser dirige Wagner & Mahler Estreno jueves 25 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu




a ese sueño, el más bello de todos, un monumento donde el amor se sacie desde el comienzo hasta el final: tengo en la cabeza un Tristán e Isolda en proyecto…». En los años siguientes el plan adquiere formas cada vez más consistentes. El 27 de junio de 1857 Wagner interrumpe la gigantesca «Tetralogía de los Nibelungos» y comienza a ocuparse de Tristán. Por su parte, la Sinfonía n.º 4 de Gustav Mahler (1860-1911) se conformó a partir de su cuarto y último movimiento, que fue compuesto en 1892, completándola después con los tres movimientos anteriores, datados entre 1899 y 1901. La respuesta al porqué de que este movimiento fuera el generador de toda la sinfonía es simple. Este ya existía en forma de un lied independiente que llevaba por título «La vida celestial», pues su texto, tomado de una canción popular bávara, narra de forma ingenua los placeres de la vida celestial: «Wir geniessen die himmlischen Freuden» [gozamos de las alegrías celestiales]. Asimismo, este lied se incluía en el ciclo de lieder Des Knaben Wunderhorn [El cuerno mágico de la juventud]. Pero la obra era tenida en gran estima por su autor, pues inicialmente la incluyó como séptimo y último movimiento en su sinfonía precedente, aunque finalmente prescindió de ella por considerarla demasiado liviana para erigirse como el final de una obra tan monumental y ambiciosa. Tras su descarte, Mahler dejó a un lado la partitura para volver a ellos pasados algunos años, utilizándola como punto de partida –aunque

trataba del final– de la que pasaría a ser su Cuarta sinfonía. Con ello debió afrontar el reto

de componer los tres primeros movimientos en consonancia con la conclusión preexistente. En palabras del director uruguayo: «Este concierto tiene muchos sonidos diferentes. La obra de Wagner tiene un gran nivel de intensidad y, en sí misma, contiene todos los sentimientos de la humanidad. Quienes puedan asistir a esta presentación saldrán distintos de la sala. La música genera eso, cada vez que toca nuestro interior nos transforma».

Diego Naser es uno de los más destacados directores de orquesta de su generación. Ha dirigido grandes producciones de ballet y ópera como Consagración de la primavera, Carnaval de los animales, Pedro y el Lobo, El Quijote del Plata, Carmina Burana, La Sylphide, el estreno en España después de 220 años de la ópera perdida de Fernando Sor, Telémaco nell’ Isola di Calipso, así como Madama Butterfly de Giacomo Puccini, además de conciertos sinfónicos en numerosos países. Fue director musical y artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de Uruguay [Ossodre], logrando temporadas históricas y colaborando con artistas de talla mundial. Su grabación de nuevas piezas para guitarra del compositor italiano Simone Iannareli, dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Murcia, junto a Alex Garrobé, fue aclamada en España. Naser fue violista en orquestas como Filarmónica de Kiel, Camerata de Hamburgo, Orquesta de la Radio NDR de Hamburgo y violinista de la Filarmónica de Cámara de Viena y West Eastern Divan Orchestra, con Daniel Baremboim, actuando en los principales festivales de música del mundo. Próximamente dirigirá orquestas en Canadá, Rusia, México, Perú, Panamá, Brasil, España, Venezuela e Italia entre otros. Naser fue recientemente designado director invitado residente en 2020 de la Orquesta de las Américas con sede en Washington D.C.

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Concierto | Diego Naser dirige Wagner & Mahler Estreno jueves 25 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu

Sinopsis: Richard Wagner: Preludio, de Tristan und Isolde; Gustav Mahler: Sinfonía n.º 4 [mov. III]. Orquesta Sinfónica Simón Bolívar | Diego Naser. Sala Simón Bolívar, Centro Nacional de Acción Social por la Música, Caracas. 2019.


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El maestro argentino se presenta desde la magnífica sala Pierre Boulez de la Philharmonie

berlinesa en unos conciertos grabados sin público durante la pandemia.

• Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

• Intérpretes: Daniel Barenboim [piano].

• Año: 2020.

• Lugar: Sala Pierre Boulez, Philharmonie de Berlín.


Grabados durante la pandemia que asoló el mundo, cuando todos los teatros y auditorios de Alemania y medio mundo permanecían cerrados, el pianista y director Daniel Barenboim, toda una institución musical en el país germano, acudió a la imponente Sala Pierre Boulez de la Philharmonie de Berlín para registrar, en soledad o junto a unos pocos compañeros intérpretes, diversos programas bajo el título genérico Momentos musicales con Barenboim. Conformado por un total de cinco episodios, este ciclo, que está siendo emitido en Allegro HD entre los meses de enero y junio, dedica cada uno de dichos episodios a un compositor concreto. Tras el primero, dedicado a Robert Schumann, en este segundo episodio el pianista y director argentino-israelí-palestino-español se centra en una de las figuras centrales del pianismo, no solo de pleno Romanticismo, sino de la historia de la música: el franco-polaco Fryderyk Chopin, de quien interpreta una

selección con algunas de sus grandes composiciones para el instrumento: Etudes, Op. 25 [n.os 1 en la bemol mayor, 2 en fa menor y 7 en do sostenido menor]; Etudes, Op. 10 [n.os 4 en do sostenido menor, 6 en mi bemol menor y 8 en fa mayor], Nocturne, Op. 15, n.º 2 en fa sostenido mayor; Ballade n.º 1 en sol menor, Op. 23.

Concierto | Momentos musicales con Barenboim II. Fryderyk Chopin Estreno viernes 26 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




Fryderyk Chopin (1810-1849) fue un compositor polaco de nacimiento, aunque francés de adopción, que revolucionó considerablemente la interpretación y la composición para piano en la primera mitad del siglo XIX, siendo considerado como uno de los principales exponentes del Romanticismo musical. Su vida merece el calificativo de «romántica» por su brevedad y por sus sufrimientos, que se pueden concretar en tres aspectos esenciales: su enfermedad; el exilio de su patria natal, Polonia, que poco después de su marcha es invadida por Rusia; y el amor frustrado, que en 1836 habían hecho que no se consumara su compromiso con la adolescente Maria Wodzinska –cuya familia rechazó el compromiso a

causa de la enfermedad de Chopin– o la constante admiración que le profesaron mujeres

siempre inteligentes, apasionadas y casi siempre aristocráticas. La mayor parte de las piezas para piano de Chopin tienen un carácter introspectivo y, dentro de contornos formales claramente definidos, tienden a sugerir una cualidad improvisatoria. Aunque Chopin era concertista de piano, no se trataba de un ejecutante arrollador y teatral, y es probable que otros virtuosos hayan proyectado el aspecto heroico de su música con mayor énfasis que él mismo. Sin embargo, todas sus obras exigen del ejecutante no solo una técnica y una pulsación inmaculadas, sino asimismo un imaginativo empleo de los pedales y una discreta aplicación del tempo rubato, que el propio Chopin definía como un ligero impulso o retención dentro de la frase de la mano derecha, mientras que el acompañamiento de la mano izquierda prosigue en tiempo estricto.

Daniel Barenboim, pianista y director de orquesta argentino-israelí que debutó en Buenos Aires con tan solo siete años, logrando tal éxito que fue invitado por el Mozarteum de Salzburg para formarse en su prestigioso centro. Posteriormente continuó sus estudios con Nadia Boulanger, Ígor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma. En 1956 se presentó en Londres y Nueva York apoyado por Arthur Rubinstein. Con veinte años, las grandes orquestas del mundo requerían ya sus servicios, y en 1966 se incorporó como director de la English Chamber Orchestra. Desde entonces ha copado la práctica totalidad de los escenarios del mundo y se ha subido al podio frente a las mejores orquestas y teatros del mundo. Su interés interpretativo ha transitado por un vasto repertorio, que busca ofrecer bajo nuevas concepciones obras de los clásicos, mientras se preocupa de manera muy destacada por los contemporáneos del siglo XX, siendo uno de los máximos defensores de la creación del pasado siglo. Establecido en Alemania desde hace décadas, se ha erigido como una de las figuras más trascedentes de la escena musical germana, tanto en el ámbito orquestal, al frente de la Orquesta Estatal de Berlín –de la que es

maestro de capilla desde nada menos que 1992–, como en el operístico, situándose al

frente de la importantísima Ópera Estatal de Berlín desde ese mismo año, llevándola a los estándares de calidad más altos que se recuerdan, dedicando buena parte de sus esfuerzos no solo a los grandes títulos decimonónicos, sino también a la creación operística del siglo XX, de la que ha sido un importante valedor.

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Concierto | Momentos musicales con Barenboim II. Fryderyk Chopin Estreno viernes 26 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: Fryderyk Chopin: Etudes, Op. 25 [n.os 1, 2 y 7]; Etudes, Op. 10 [n.os 4, 6 y 8], Nocturne, Op. 15, n.º 2; Ballade n.º 1, Op. 23. Daniel Barenboim. Sala Pierre Boulez, Philharmonie de Berlín. 2020.


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Excepcional dúo de instrumentistas para dar vida a un exquisito programa en el que la

música de cámara cobra un hermoso sentido.

Fotos © Culiner Creative Circle

• Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, música de cámara, violín, piano.

• Intérpretes: Guy Braunstein [violín], Martha Argerich [piano].

• Año: 2020.

• Lugar: Sala Pierre Boulez, Philharmonie de Berlín.


Ella es una leyenda del piano, él ha colaborado como solista con los principales directores y orquestas del mundo. Ahora Martha Argerich y Guy Braunstein llegan a la Pierre Boulez Saal de la Philharmonie de Berlín para presentar su primer programa a dúo, un encuentro artístico que promete ser una experiencia musical extraordinaria en la que interpretan algunas de las obras que para la conjunción violín/piano compusieron, a lo largo de los siglos XIX y XX, algunos de los grandes representantes de la música europea en Alemania, Francia y Rusia, poniendo un acento especial en el Romanticismo musical, aunque con incursiones en un avanzado siglo XX. Así, pasarán por sus teclas del piano y cuerdas del violín las siguientes obras: Sonata para violín y piano en la menor, Op. 105, de Robert Schumann (1810–1856); Sonata para violín y piano en re mayor, Op. 94a, de Sergei Prokofiev (1891-1953); Sonata para violín y piano en la mayor, de César Franck (1822-1890); Liebesleid y Schön Rosmarin, de Fritz Kreisler (1975-1962).

Concierto | Martha Argerich & Guy Braunstein: Una lectura romántica Obras de Schumann, Prokofiev, Franck & Kreisler Estreno sábado 27 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu




El violinista Guy Braunstein nació en Tel Aviv y estudió bajo la dirección de Chaim Taub y más tarde en Nueva York con Glenn Dicterow y Pinchas Zuckerman. Comenzó a actuar como solista internacional y músico de cámara a una edad temprana y desde entonces ha actuado con muchas de las mejores orquestas y directores del mundo. Sus colaboraciones en música de cámara incluyen proyectos con Issac Stern, András Schiff, Zubin Mehta, Maurizio Pollini, Yefim Bronfman, Daniel Barenboim, Simon Rattle, Mitsuko Uchida y Angelika Kirschlager, entre otros. Fue la persona más joven en ser nombrado concertino de la Filarmónica de Berlín en el año 2000, cargo que ocupó durante doce años antes de dejarlo para seguir su carrera en solitario. Entre los hitos más recientes se encuentra el puesto de «Artista en residencia» con la Sinfónica de Trondheim en la temporada 2017/2018, que mostró la polifacética musicalidad de Guy con proyectos como director y solista. Recientemente, ha debutado con la Orquesta Sinfónica de Queensland y ha regresado a la sala Pierre Boulez así como a la Elbphilharmonie, para ofrecer recitales con la Sinfónica de Hamburgo, donde es «Artista asociado». En 2019/2020, Guy es «Artista en residencia» con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati y regresó a la Orquesta Sinfónica de Trondheim y a la Sinfónica de Hamburgo como solista y en funciones de dirección. También ha debutado con la Sinfónica de Vancouver y la Filarmónica de Helsinki, y ha ofrecido conciertos con la Dresdner Philharmonie, la Sinfonie Orchester de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Barcelona, la Orquesta de Cámara de Laponia y la Orquesta Sinfónica de Queensland, así como una extensa gira con la Israel Netanya Kibbutz Orchestra. Guy toca un raro violín fabricado por Francesco Roggieri en 1679.

La pianista Martha Argerich, nacida en Buenos Aires [1941], siempre sintió una gran afición por el piano, y empezó a recibir clases desde muy pequeña. Hizo su primera actuación en público con tan sólo cuatro años. En el año 1949 da su primer concierto oficial. No tarda mucho en empezar a recibir clases del prestigioso compositor y pianista argentino Vicente Scaramuzza. En el año 1954 se traslada a Viena, donde le imparte clases Friedrich Guida, y seguidamente a Ginebra, donde tiene como profesores a Madeleine Lipatti y a Nikita Magaloff. En el año 1957 gana dos concursos de piano, y en el año 1960 vuelve a recibir clases de otro prestigioso músico, el italiano Arturo Benedetti Michelangeli. En el año 1965 participa en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, consiguiendo el primer premio. A partir de la década de los 80 reduce sus interpretaciones de piano como solista y empieza a dedicarse más a los conciertos para piano y orquesta y música de cámara. Argerich está considerada como una de las máximas exponentes de su generación, y a lo largo de su vida ha obtenido un gran número de premios y reconocimientos, incluyendo tres Premios Grammy.

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Concierto | Martha Argerich & Guy Braunstein: Una lectura romántica Obras de Schumann, Prokofiev, Franck & Kreisler Estreno sábado 27 | 21:00 Arg/Chi/Par/Uru | 20:00 Bol | 19:00 Col/Ecu

Sinopsis: R. Schumann: Sonata para violín y piano, Op. 105; S. Prokofiev: Sonata para violín y piano, Op. 94a; C. Franck: Sonata para violín y piano en la mayor; F. Kreisler: Liebesleid y Schön Rosmarin. Sala P. Boulez, Philharmonie de Berlín. 2020.


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Nueva cita con otra edición del magnífico concierto que la excepcional orquesta berlinesa

dedica al «Viejo continente», con un exquisito y variado programa.

Fotos © M. Rittershaus

• Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, orquestal, clarinete.

• Intérpretes: Andreas Ottensamer [clarinete].

• Año: 2017.

• Lugar: Pafos, Chipre.


Cada año, desde 1991, la Filarmónica de Berlín conmemora el aniversario de la fundación de la orquesta, el 1 de mayo de 1882, con un concierto en una ciudad europea diferente de importancia cultural, con la intención de celebrar al continente y a la Unión Europea. En la edición de 2017 se trasladaron a la ciudad chipriota de Pafos, situando un escenario a las orillas del mar para ofrecer un programa en el que el clarinete y la música sinfónica se erigieron como protagonistas. Desde su estreno en 1991, la dirección de este Concierto para Europa anual de la Filarmónica de Berlín ha estado principalmente en manos de los directores titulares Claudio Abbado y Simon Rattle. Mariss Jansons, estrechamente vinculado a la orquesta desde hace más de cuarenta años, forma parte del reducido número de invitados a dirigir el concierto. Jansons ya había dirigido otro de estos conciertos con anterioridad, en Estambul en 2001, y ahora dirige un programa centrado en obras de Carl Maria von Weber y Antonín Dvořák, contando con la participación solista del austríaco Andreas Ottensamer, clarinete principal de la Filarmónica de Berlín. Este espectáculo al aire libre ofrece unas vistas impresionantes del castillo del puerto de Pafos,

Concierto | Concierto para Europa 2017 Andreas Ottensamer, Filarmónica de Berlín & Mariss Jansons Estreno domingo 28 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu




construido por los bizantinos y restaurado tras ser destruido por los otomanos. Miembro de la Unión Europa desde 2004, la República de Chipre es conocida por los aficionados a la música clásica por ser el escenario de la ópera Otello, de Verdi, basada en el texto homónimo de William Shakespeare. Además, frente a la costa de Pafos, según el mito, es el lugar donde Afrodita pisó tierra firme recién salida del mar. Sería difícil imaginar una patrona mejor que la diosa de la belleza y el amor para un concierto entregado al entendimiento y la concordia europeos.

Dos obras son las que sitúan al espectador en pleno Romanticismo alemán, de la mano de Carl Maria von Weber (1786-1826), comenzando por la obertura de su ópera Oberon, una de las obras de concierto más interpretadas de este autor. Le sigue su Concierto para clarinete n.º 1 en fa menor, Op. 73, una joya para el instrumento que, al igual que Mozart antes y Brahms después, fue inspirada por un importante virtuoso de su tiempo: Joseph Heinrich Bärmann, miembro de la orquesta de la corte de Múnich que desarrolló técnicas de interpretación hasta entonces desconocidas para el clarinete y asesoró estrechamente al compositor en la redacción de la obra. En el concierto, dos virtuosos movimientos exteriores enmarcan un melancólico Adagio que contiene un irresistible diálogo camerístico entre el instrumento solista y un trío de trompas.

Antes de pasar a la parte puramente sinfónica se interpreta una breve pieza compuesta por el joven compositor y violonchelista Stephan Koncz, su Fantasía húngara sobre temas de Carl Maria von Weber. Koncz Su fue chelista principal en la Orquesta de Cámara del Festival de Verbier. Tras haber sido miembro de la Orquesta de la Ópera Estatal de Viena durante dos años, Stephan Koncz se incorporó a la sección de violonchelos de la Filarmónica de Berlín a principios de la temporada 2010/2011. Para finalizar el programa se interpreta la Sinfonía n.º 8 en sol mayor, Op. 88 de Antonín Dvořák (1841-1904). Desde su primera interpretación, esta Octava del compositor bohemio, compuesta en el período estival de 1889 en su villa de Vysoká, alcanzó un gran éxito. La composición, que nunca resulta trágica ni siquiera en sus pasajes solemnes, está llena del espíritu de la Naturaleza, con los principios de la construcción de los movimientos relajados en favor de un estilo más narrativo. El final, un conjunto de variaciones basadas en un tema triádico simple, incluso en forma de una cantilena elegíaca para violonchelo, se abre con una fanfarria de las trompetas y se cierra con una eficaz floritura del mismo instrumento. Sin embargo, cualquier asociación con el ejército es errónea, como explicó en una ocasión el director de orquesta Rafael Kubelik: «En Bohemia, las trompetas nunca llaman a la batalla, ¡siempre llaman al baile!».

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Concierto | Concierto para Europa 2017 Andreas Ottensamer, Filarmónica de Berlín & Mariss Jansons Estreno domingo 28 | 19:00 Arg/Chi/Par/Uru | 18:00 Bol | 17:00 Col/Ecu

Sinopsis: C.M. Weber: Obertura de Oberon y Concierto para clarinete n.º 1, Op. 73; S. Koncz: Fantasía húngara sobre temas de C.M. von Weber; A. Dvořák: Sinfonía n.º 8, Op. 88. A. Ottensamer & Filarmónica de Berlín | M. Jansons. Pafos, Chipre. 2017.


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