Jueves 1° de octubre de 2015 • 7:30 p.m.Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango

Viernes 2 de octubre de 2015 • 6:30 p.m.Quibdó, Auditorio Banco de la República

Lunes 5 de octubre de 2015 • 7:00 p.m.Villavicencio, Teatro la Vorágine

Miércoles 7 de octubre • 7:30 p.mFlorencia, Auditorio Ángel Cuniberti, Universidad de la Amazonia

CUARTETO DE GUITARRAS CORDAM (Colombia)

7ª SEMANA DE LA GUITARRA

TOME NOTA• Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de

prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad.

• Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena.

• Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar

durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas.

• Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus

equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música.

• Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes,

no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto.

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La serie de los jóvenes intérpretes y el concierto de hoy

Desde 1985 la Serie de los Jóvenes Intérpretes es parte importante de la programación musical del Banco de la República. En algunos casos estos recitales son la primera experiencia profesional de los mejores estudiantes de música del país y, con el paso de los años, ha demostrado ser un aporte al crecimiento artístico de músicos cuyas carreras continúan desarrollándose tanto en Colombia como en el exterior.

Treinta ensambles participaron en la convocatoria de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2015 en la categoría música de cámara y arpa clásica. Cinco agrupaciones de música de cámara, entre ellas el Cuarteto de Guitarras Cordam, fueron seleccionadas para presentarse en la temporada de conciertos 2015.

La Serie de los Jóvenes Intérpretes se vincula a la 7a Semana de la Guitarra Banco de la República presentando este cuarteto, el dúo de guitarras Robledo-Tobón y los solistas Roberto Hurtado (ganador del VII Concurso Nacional para Jóvenes Guitarristas Compensar) y Zahira Noguera (cuatro).

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Hernán Lozano, Lizeth Acosta, Viviana Buitrago y Santiago Rodríguez , guitarras El Cuarteto de Guitarras Cordam se conformó en 2011 por iniciativa de cuatro estudiantes de la cátedra de guitarra del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Su primer interés fue la difusión de arreglos concebidos para el formato de cuatro guitarras, con especialidad en la música barroca. Bajo la tutoría del maestro Egberto Bermúdez, hizo parte del Ensamble de Música Barroca desde 2011 hasta 2013. Luego, el creciente interés por difundir un nuevo repertorio, en especial el latinoamericano, hizo que el cuarteto recopilara varias obras, entre arreglos y originales, para ampliar su catálogo.

Cordam fue seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República del año 2015, y también para participar en el Segundo Festival Cuerdas al Traste, de la Universidad Central, y en festivales de guitarra organizados por la Universidad Nacional de Colombia. Participó en la cátedra Bogotá Musical y en el programa Play Back, del canal Prisma TV, ambos de la Universidad Nacional, y en la entrega de premios Comunica en Paz, del Ministerio de Cultura.

El cuarteto ha tomado clases magistrales con el Cuarteto de Guitarras de Dublín y el Cuarteto de Guitarras de Brasil, y con los maestros Andrés Villamil, Edwin Guevara, Irene Gómez, Johannes Reichert, Egberto Bermúdez y Sonia Díaz. Como parte de su travesía musical, Cordam ha interpretado obras de su repertorio en el Auditorio León de Greiff, la Sala Otto de Greiff, los auditorios Virginia Gutiérrez y Margarita González de la Universidad Nacional, el auditorio principal de la Escuela Fernando Sor, Uniandinos, la sede principal de la Logia Masónica de Colombia y la Hemeroteca Nacional, así como para la Revista Colombiana de Antropología e Historia, entre otros.

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JOHANN SEBASTIAN BACH(1685-1750)Arreglo: Hernán Lozano (n. 1990)

GENTIL MONTAÑA (1942-2011)

MÁXIMO DIEGO PUJOL (n. 1957)

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY(1840-1893)Original para orquestaArreglo: Andrew York (n. 1958)

ROLAND DYENS (n. 1955)

Concierto en la menor para cuatro clavecines, BWV 1065

AllegroLargo

Allegro

Michel (1989)

Grises y soles (1995)

Suite “El cascanueces”, Op. 71a(1892)

I.Obertura miniatura

II. Danzas característicasMarcha

Danza del hada de azúcarDanza rusa

Danza árabeDanza china

Danza de los mirlitones

III. Vals de las flores

BrésilsDa NaturezaChôro Legal

Marchinha do ceùModinhazùl

O Spirito do JoãoXaxarê

CONCIERTO No. 53

INTERMEDIO

PROGRAMA

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NOTAS AL PROGRAMA

Por Jaime Ramírez C.

Al tiempo que la guitarra se hacía un instrumento cada vez más familiar tanto en Europa como en las Américas, no solo se asoció a las prácticas instrumentales de virtuosos solistas, sino que también brilló por su adaptabilidad a una inmensa variedad de grupos de cámara y como instrumento que acompañaba a cantantes itinerantes. El formato instrumental presentado en el concierto de hoy rescata una práctica bastante generalizada entre los siglos XVI y XVIII, que se caracterizaba por agrupar diversos instrumentos de la misma familia; desde entonces y de manera bastante variable, se empezó a emplear el término inglés consort para indicar tanto el tipo de ensamble vocal como el tipo de ensamble de instrumentos de la misma familia; también podría haberse empleado para señalar sencillamente el tipo de música que interpretarían estos ensambles1.

Actualmente, el cuarteto para guitarras es un formato que recoge la síntesis de diversas tradiciones que han tenido albergue en la tradición coral, la práctica de cámara del clasicismo (ejemplificada en el cuarteto de cuerdas) y las prácticas tradicionales latinoamericanas de diversas regiones, como las estudiantinas, los tríos y los cuarteos de cuerdas pulsadas. Este tipo de formato ha contado con la aprobación y convocatoria de muchísimos estudiantes y profesionales de la música, lo cual ha permitido el desarrollo y exploración de nuevos repertorios y renovadas sonoridades. Al respecto, los miembros del Cuarteto Cordam comparten su experiencia de aproximación a este formato en la breve introducción que hacen al programa de hoy:

En principio, partimos de querer dar a conocer nuestro instrumento con todas las posibilidades sonoras que brinda: la guitarra cautiva no sólo por su sutileza y por su sonido cándido, sino también por la versatilidad que genera al ser interpretada con fuerza y pasión.

Cada adaptación que decidimos tocar fue pensada desde las ansias de explorar la guitarra y “desnudar” sus sonidos. De paso, cabe decir que obras como El cascanueces y el Concierto para cuatro clavecines de Bach son muy reconocidas en el ámbito de la música académica. Tener este repertorio dentro de nuestro quehacer puede generar en nuestro público sensaciones o recuerdos muy gratos, pero adosados a la magia que para nosotros supone la guitarra.

Es indiscutible la importancia de Johann Sebastian Bach (1685-1750) en la historia de la música. Si bien durante su vida fue más reconocido como instrumentista que como compositor, desde la primera mitad del siglo XIX y hasta nuestros días su amplia producción musical se ha considerado un paradigma de excelencia compositiva en el que se entrelazan el manejo impecable del contrapunto y la más rica gama de pasiones, y al mismo tiempo se sientan las bases armónicas sobre las cuales se han desarrollado las demás fuerzas fundamentales de la música.1 El término inglés consort parece haber surgido como una apropiación errónea del italiano concerto, que se empleó de manera desprevenida para nombrar, en el siglo XVI, los ensambles de voces o de instrumentos.

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El programa de hoy abre con la “adaptación de una adaptación”. La primera obra de nuestro recital corresponde al arreglo para cuarteto de guitarras escrito por Hernán Lozano del Concierto para cuatro clavecines en la menor, BWV 1065 de Bach. A su vez, Bach escribió el Concierto BWV 1065 como un arreglo para cuatro clavecines del Concierto en si menor para cuatro violines y continuo, RV 580 de Antonio Vivaldi. El empleo de transcripciones y arreglos fue una práctica bastante común en el Barroco, y Bach no se abstuvo de ella; de hecho, la mayoría de sus transcripciones y arreglos para diversos instrumentos corresponden al periodo que pasó en Weimar (1708-1717) y delatan curiosidades sobre la relación entre Bach y sus empleadores en esta ciudad.2

Si bien la estadía de Bach fue relativamente breve en Weimar, le permitió adentrarse en diferentes técnicas y estilos que vendrían a ser determinantes en sus composiciones posteriores; asimismo, logró cimentar vínculos profesionales y personales que rendirían frutos más adelante. La relación de Bach con Telemann prosperó desde Weimar, y a través del tiempo generó puntos de encuentro fundamentales para el concierto que hoy nos convoca.

En 1702, Telemann fundó el Collegium Musicum en Leipzig. Este ensamble contó con la participación de músicos semiprofesionales y jóvenes estudiantes que llevaban a cabo conciertos semanales. Entre 1729 y 1741 Bach fue el director del Collegium Musicum, y para estos conciertos semanales retomó muchas de sus obras y transcripciones anteriores adaptándolas como conciertos para uno o más clavecines. Se piensa que el Concierto BWV 1065 ―transcripción del Concierto en si menor para cuatro violines y continuo RV 580, perteneciente al L’Estro Armonico (“La inspiración armónica”) de Antonio Vivaldi― fue compuesto por Bach para ser interpretado junto con sus tres hijos, Wilhelm Friedemann, Johann Gottfried Bernhard y Carl Philipp Emanuel, quienes para entonces eran ya reconocidos como talentosos intérpretes y participaban recurrentemente en los conciertos semanales del Collegium Musicum.

El proceso de adaptación de este concierto por parte de Bach se ve reflejado nuevamente y de manera muy interesante en la versión del Cuarteto Cordam. Al respecto, Hernán Lozano, miembro del grupo y responsable de la versión que abre nuestro concierto, comenta:

La adaptación para cuatro guitarras del Concierto para cuatro clavecines en la menor, de Johann Sebastian Bach, empezó como un proyecto para contribuir al repertorio barroco de la guitarra clásica, específicamente en el formato de cuarteto de guitarras. En un principio se pensó como una adaptación del Concierto para cuatro violines en si menor de Antonio Vivaldi, pero debido a la capacidad polifónica de la guitarra se impuso como un reto técnico

2 En 1708, Bach fue empleado como organista de la corte por el duque de Weimar, Wilhelm Ernst, y posteriormente, desde 1714 y hasta 1717, ocupó también el cargo de Konzertmeister. El príncipe Johann Ernst, sobrino del duque Wilhelm, fue un compositor y organista aficionado que estudió con Bach y posteriormente asistió a la Universidad de Utrecht. Al retornar a Weimar en 1713, el joven príncipe llevó numerosas copias de conciertos de los maestros italianos del momento y pidió a Bach transcripciones y arreglos de estas obras. Esta solicitud le permitió a Bach conocer en detalle los conciertos de Vivaldi, que estimularon su apropiación de diferentes elementos.

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e interpretativo recrear en su lugar el contrapunto complejo del Concierto para cuatro clavecines de Bach. El proyecto para cuarteto de guitarras incluía orquesta barroca; después se hizo la reducción para cuatro guitarras sin orquesta, con lo que se incrementa el nivel técnico al incluir las partes de la orquesta en el formato de cuarteto de guitarras.

Gentil Montaña (1942-2011) es considerado uno de los grandes maestros de la música colombiana de nuestros días, así como una figura titánica en el área de la guitarra a nivel internacional. Inició sus estudios de violín en el Conservatorio de Ibagué, y a la edad de 13 años optó por la guitarra. Sus primeros profesores fueron Domingo González y Daniel Baquero. Posteriormente viajó a Europa para estudiar con Kakleen Keinell; más tarde volvió a Colombia, donde estudió con Blas Emilio Atehortúa y Gustavo Yepes. Michel es un pasillo para cuatro guitarras dedicado a Johnny Michel Montaña, hijo menor del maestro, y fue compuesto entre 1989 y 1990. Inicialmente esta obra fue pensada para el formato de trío santandereano, conformado por requinto tiple, tiple y guitarra, y fue interpretado en diversos talleres de composición por el Trío Arco Iris. Posteriormente, el maestro Montaña readaptó el trío para ser tocado por un cuarteto de guitarras, y sus primeras interpretaciones, llevadas a cabo en la Academia Luis A. Calvo, estuvieron a cargo del mismo maestro junto con reconocidos guitarristas cercanos suyos, entre los que se encontraban Roberto Martínez, Mario Riveros y Edwin Guevara.

El cuarteto Michel fue constantemente readaptado por el compositor, pensando si debería emplear una cuarta guitarra con scordatura3, afinando su sexta cuerda en re o en mi. Finalmente, la obra quedó con la cuarta guitarra afinando su cuerda más grave en re a pesar de encontrarse en la tonalidad de mi menor4.

El compositor y guitarrista argentino Máximo Diego Pujol nació en Buenos Aires en 1957. Heredó sus inclinaciones musicales de su padre, quien, antes de establecerse como odontólogo, se había desempeñado como cantante de tangos durante su juventud. El mismo Pujol describe ese descubrimiento de “una guitarra en el ropero” como el inicio de una relación inextinguible con la música, relación que fue alimentada por su talento, su disciplina y por los deseos de su padre de escuchar nuevamente la guitarra en manos de su hijo.

A la edad de ocho años, Pujol inició sus estudios de guitarra con “Don Gaspar Navarro, un paciente, vecino y amigo de su padre”, quien, además de tocar tangos y milongas, enseñaba guitarra a muchos niños de su barrio. Muy rápidamente mostró capacidades especiales para la guitarra y para la composición, por lo que continuó sus estudios con diversos maestros en sus años de juventud, hasta ingresar al

3 Scordatura es un término italiano empleado para indicar la afinación de un instrumento de cuerda de manera diferente al formato tradicional.4 Gran parte de la información sobre este cuarteto fue amablemente proporcionada por el maestro Edwin Guevara. El maestro Guevara fue alumno de Gentil Montaña, así como de sus hermanos Carlos y Frank Montaña; con el pasar del tiempo se convirtió en un amigo muy cercano de la familia, con la que mantuvo una relación filial y profundamente musical.

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Conservatorio Provincial Juan José Castro al terminar la escuela secundaria. Sus primeros años de conservatorio estuvieron acompañados de estudios superiores en matemáticas; al parecer, el joven Pujol no solo heredó de su padre una vocación musical sino también una dicotomía entre un futuro profesional en la música y una carrera tradicional. Progresivamente, la balaza se inclinó hacia el lado de la música, que le abrió diversas oportunidades acompañadas de un amplio listado de reconocimientos como guitarrista y compositor.

Su estilo compositivo puede describirse como una fusión entre el lenguaje del tango y el pensamiento formal académico a través de la guitarra como principal medio de expresión. Ha estudiado de manera profunda la obra de Heitor Villa-Lobos y de Leo Brouwer, en quienes encuentra aspectos renovadores para la historia de la guitarra; según él, la inclusión de recursos propios instrumentales como parte fundamental de su estilo generó un lenguaje guitarrístico inconfundible. Adicionalmente, Pujol se ha desempeñado por muchos años en la escena tanguera de Buenos Aires, desarrollando diversos proyectos con las más reconocidas figuras del tango de nuestros días, al tiempo que ha estudiado y analizado abnegadamente la obra de importantes compositores del tango tradicional, como Juan Carlos Cobián, Osvaldo Pugliese, Julián Plaza y Horacio Salgán, así como de la vanguardia tanguera epitomada en la obra de Ástor Piazzolla.

Especialmente para el concierto de hoy y con marcado entusiasmo, fue el mismo compositor quien decidió hacer una breve reseña sobre su obra Grises y soles:

Escribí la obra Grises y soles en el año 1995 por encargo del Cuarteto Martínez Zárate, quizás una de las agrupaciones de cámara más importantes y prestigiosas de mi país. La obra pinta musicalmente los fuertes contrastes de una gran ciudad como Buenos Aires, lo luminoso y lo oscuro, la riqueza y la miseria, la atracción y el rechazo, la dualidad presente en la condición humana, que se manifiesta con mucha crudeza en un gran conglomerado de gente como es mi ciudad. A esto hace alusión el título.

A propósito, quisiera transcribirles el texto que yo mismo escribí y que figura en la primera

página de la edición de la obra:

A propósito, quisiera transcribirles el texto que yo mismo escribí y que figura en la primera página de la edición de la obra:

Buenos Aires padece la misma esquizofrenia de sus habitantes. Ciudad Oculta y Palermo Chico nos ofrecen con la misma expresión los más hermosos teatros, los cafés más “chamuyadores”, los verdes más soleados y la más bruta miseria de adentro y de afuera. Pero su gente pasa de una vertiginosa soledad a una mirada franca y sin tiempo. Son sus grises y soles de adentro y de afuera.

Hacen falta unas aclaraciones: Ciudad Oculta es quizás el barrio más pobre de Buenos Aires, una “Villa miseria”, como le llamamos acá. Algo parecido a las favelas de Brasil. Palermo Chico es el barrio más rico. En nuestro argot o lunfardo, chamuyar significa conversar, a veces con algo de exageración, pero siempre con cariño y amabilidad.5

5 La información sobre la obra fue proporcionada por el maestro Pujol especialmente para este concierto. La información sobre la vida y obra del compositor, así como sus datos de contacto, se pueden encontrar en su página oficial www.maximopujol.com

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La música del Romanticismo podría describirse como propia de una etapa de vertiginosos contrastes, una etapa de introversión expresiva acompañada del reconocimiento de fuertes corrientes nacionalistas, una etapa de exploración de la armonía asida a la noción del intenso poder expresivo de la sencillez del lenguaje musical, y también una etapa caracterizada por la experimentación a través de miniaturas musicales contrapuestas a un lenguaje exuberante expresado por medio de grandes fuerzas instrumentales en formas extendidas. Parte primordial de esta exuberancia en el lenguaje musical quedó definida por la obra de Pyotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893), que sintetiza el legado y la tradición sinfónica austrogermánica, adaptándose a un lenguaje visceralmente personal pero indiscutiblemente ruso. El lenguaje orquestal de Tchaikovsky define para nosotros las grandes magnitudes de la estética romántica.

El ballet El cascanueces es una adaptación en dos actos de la historia de E. T. A. Hoffmann El cascanueces y el rey de los ratones. La obra se desarrolla en la noche de Navidad, en una casa de la aristocracia alemana del siglo XVIII donde los juguetes cobran vida y hacen de toda la parafernalia navideña un campo de batalla mientras los niños duermen; la obra termina con la transformación del pequeño soldado Cascanueces en un atractivo y valiente príncipe que lleva a su “dueña”, la pequeña Clara, a través de un mundo de fantasía y ensueño navideño. El ballet fue comisionado en 1891 y se estrenó en diciembre de 1892 en el Teatro Imperial Mariinsky de San Petersburgo, bajo la dirección coreográfica de Lev Ivanov, asistente del reconocido coreógrafo Marius Petipa.

La suite orquestal sobre el ballet es la que se presenta en el programa de hoy en arreglo para cuarteto de guitarras. Tchaikovsky arregló la suite para orquesta y la estrenó en marzo de 1892 ―nueve meses antes del estreno del ballet―, también en San Petersburgo. La obra fue un éxito inmediato y de alguna manera opacó el estreno del ballet. Posteriormente, diferentes versiones del ballet, a cargo de reconocidas figuras, como Balanchine, Nureyev y Flemming Flindt, así como las constantes reapariciones de la suite orquestal, han hecho de esta obra un ícono tanto de la música orquestal romántica como de la escena navideña europea.

El guitarrista, compositor y pedagogo francés Roland Dyens (n. 1955) inició sus estudios a la edad de nueve años, y cuatro años más tarde se incorporó a la cátedra del maestro español Alberto Ponce. En 1976, a los 21 años, obtuvo su licenciatura como concertista en la Escuela Normal Superior de París. En sus estudios de composición, adicionales a los de guitarra, sobresalió en las áreas de armonía, contrapunto y análisis. A lo largo de su carrera ha recibido gran cantidad de reconocimientos y galardones internacionales tanto por su prolífica labor de compositor como por su admirable desempeño interpretativo, que lo ha convertido en uno de los íconos vanguardistas de la guitarra en nuestros días.

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El recital de hoy cierra con Brésils, una obra de seis movimientos organizados a manera de suite, en la que Dyens explora diversos recursos tímbricos en la guitarra para recrear atmósferas características que se desenvuelven a medida que la audiencia recorre inconfundibles momentos musicales del folclor brasilero.

A manera de preludio, Da Natureza (De la naturaleza) ambienta la llegada de la audiencia a Brasil, recreando los diversos sonidos de la selva amazónica. Timbres y dinámicas se contrastan a medida que el recorrido avanza, hasta desembocar en el segundo movimiento, Chôro Legal (Choro agradable). El choro es una de las danzas típicas de Brasil; surgió a mediados del siglo XIX y se caracteriza por su ritmo vibrante y sincopado y por sus diversas secciones, que dan espacio a la improvisación y al virtuosismo.

Marchina do ceù (Marcha del cielo) recrea otro de los momentos más característicos de la cultura carioca; en este movimiento, la audiencia queda inmersa en las marchas que recorren las calles durante el Carnaval de Río. Es unos de los momentos en que se hace más evidente la exploración de diversas técnicas para recrear las escenas musicales de este carnaval, creciendo en dinámica y euforia festiva.

Modinhazùl genera el mismo contraste de tempo y carácter que la zarabanda proporciona en las suites instrumentales. La modinha (“moda” en portugués) es también otro de los géneros típicos del folclor brasilero y se caracteriza por su tempo lento y lirismo melancólico. La modinha llegó a Brasil en el siglo XVII como una adaptación de las canciones de amor populares en la música de salón de Portugal; de ahí deriva su nombre como “moda portuguesa”. O Spirito do João es un homenaje a João Gilberto (n. 1931), considerado uno de los más destacados representantes de la música brasilera de nuestros días. João Gilberto es reconocido como el padre del bossa nova y su legado se ha inmortalizado a través de un robusto listado de composiciones icónicas de la cultura carioca contemporánea.

Este recorrido por Brasil termina de manera eufórica con Xaxarê. El xaxádo es una danza que presumiblemente surgió en la zona de Pernambuco. Esta danza era practicada por los bandidos de la región, que celebraban sus victorias al tiempo que con fuertes textos denigraban de sus oponentes. Era prácticamente exclusiva de hombres, que al bailar arrastraban por el piso sus sandalias; el nombre de la danza es una onomatopeya que describe este sonido contra el suelo: xa-xa-xa.

La 7ª Semana de la Guitarra Banco de la República

cuenta con el apoyo de

Y con la colaboración de

Instituto Departamental de Bellas Artes y Colegio Hispanoamericano en Cali,Comfenalco Valle – Regional Buenaventura, Universidad de la Amazonia en Florencia,Cámara de Comercio de Honda, Universidad del Sinú en Montería, Gobernación de la

Guajira, Instituto Departamental de Cultura del Meta y Fundación Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo – Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta.

Consulte toda la programación de la 7ª Semana de la Guitarra en http://proyectos.banrepcultural.org/semana-de-la-guitarra