Colección Especial I

Artistas: Antonio Martorell

Arnaldo Roche-Rabell

Carmelo Sobrino

Eddie Ferraioli

Toni Hambleton

Jaime Suárez

Charles Juhasz-Alvarado

Jorge Zeno

Melquíades Rosario

María de Mater O’Neill

Antonio Martorell San Juan, Puerto Rico, 1939

Las muchas pieles del Caribe 2008

Bordado sobre servilleta de lino 12 x 12”

Martorell es el artista más polifacético del país. Ha incursionado en todos los medios de la plástica, en el teatro y en la literatura. En todos ellos ha sobresalido. Sus obras poseen un profundo significado y mediante el abarrotamiento de imágenes, releja sus concepciones políticas e ideas sobre la realidad de su país en el mundo globalizado. Es también un artista con una carrera extensa y sólida; sobresale en la década del sesenta, setenta, ochenta, noventa y al día de hoy, su obra continúa siendo puntual e innovadora. En Las muchas pieles del Caribe, deconstruye y reconstruye el mapa del archipiélago caribeño. Para realizarlo adquirió un mapa del área y lo calcó moviendo constantemente el papel, de esta forma las islas se entrelazan y se entrecruzan creando una nueva geografía. Según nos dice: “Se traslapan, se sobreponen, se solapan, se vuelven a encajar una con otra. Ya Puerto Rico no es Puerto Rico”. Es la nueva visión del Caribe que “cada vez es más Caribe”. Un caribe en el que la miseria empuja las fuerzas migratorias y fuerza a una reestructuración.

Arnaldo Roche Rabell Santurce, Puerto Rico, 1955

Hermanos de sangre 2009

Impresión digital con tinta pigmentada sobre papel de acuarela 13 ½ x 11”

Impreso por John Betancourt En Roche Rabell encontramos la proximidad de la naturaleza, la humana y la del reino vegetal, en una simbiosis de tensión y equilibrio en la que unos y otros se reconocen y acogen, entremezclando sensaciones y sentimientos, como formando parte de un universo de delicada estabilidad, tanto física como emocional. Su producción llena de símbolos cuenta una historia personal que remite al pasado, pero utiliza como metáfora la vivencia de dos artistas en tiempos distintos [Vincent Van Gogh y él mismo], con tragedias y genialidad compartidas; ambos son reflejo de lo mismo, de la necesidad de aprehender la naturaleza y las emociones para evitar que escapen o se borren; son el esfuerzo espiritual de la creación que suda y huele, que tensa el cuerpo del que hace; el que produce, para complacer a quien admira, el que reposa. Su obra está llena de referencias y citas de carácter historicista, pero manifiestas como una postura conceptual contemporánea; no existen en el afán de la erudición inútil que pretende mostrar todo el conocimiento sin destino; por el contrario, es un recurso para cuestionar a la pintura misma en su desenvolvimiento histórico.

Carmelo Sobrino

Manatí, Puerto Rico, 1948 Pasillos

2008 Serigrafía sobre caja de galletas reciclada

Dimensiones variables Pintor, grabador, dibujante, pensador, amante de la libertad en el arte y activista ambiental. Uno de sus pasatiempos favoritos es dibujar las caras de sus amigos en servilletas. A Sobrino no lo detiene la moda ni el qué dirán, su obra es libre como él. Sus pinturas siempre han nacido de su necesidad de expresar la realidad puertorriqueña. Son pinturas barrocas como su patria; pinturas que recogen los problemas, complicaciones y ambigüedades de su país. Son además sensuales, abarrotadas, alegres y de colores brillantes. Su interés en el ambiente lo ha llevado a realizar la serie de cajas recicladas. Abre las cajas de los productos que compra y pinta la parte de adentro para luego re-armarlas al revés. Para la obra del Círculo del Arte, seleccionamos uno de estos últimos diseños y realizamos una serigrafía sobre una caja de Rovira Biscuits. La obra puede ser enmarcada o armada como una caja. Como serigrafía es un interesante juego de colores y una dinámica composición de formas irregulares. Al ser armada vemos una serie de misteriosos pasillos que ocultan la realidad o nos fuerzan a buscar los misterios que un gran edificio nos proporciona. Son pasillos sin gente, pasillos abandonados, pasillos que nos llevan a querer saber que hay detrás de las paredes y nos invita a reflexionar sobre la realidad actual. Le corresponde a usted terminar la obra, ya sea enmarcándola o armándola.

Eddie Ferraioli Santurce, Puerto Rico, 1950

Amuleto 2008

Prenda realizada en vidrio fundido 3 ¼” de largo en forma piramidal

Sus obras son reflejos de sus interpretaciones, de sus sueños, ilusiones, pensamientos, realidades y también el canto de las sirenas. La serie de puertas se convierte en una entrada al pasado, a la oligarquía del hacendado pero a la misma vez nos hace recordar, añorar y también recuperar imágenes y sueños perdidos. Realidades y fantasías, cuentos de hadas, libélulas, magas, diosas, vírgenes, uvas playas, mangles, rosas, amapolas, flamboyanes todas entremezcladas en un hermoso juego de formas y colores. Son imponentes Vírgenes salvadoras de la naturaleza. También en su serie de frutos prohibidos vemos plátanos, piñas, corazones, panas, anones y uvas playa.

Para la obra del Círculo del Arte, le pedimos que nos hiciera una prenda. Comenzó a jugar y experimentar con las piezas en el horno. Hizo muchas hasta que una le gustó tanto que decidió usarla. Desde hace meses la lleva colgada a su cuello. Durante su viaje por el Mediterráneo y Egipto, joyeros le preguntaban por la pieza. Querían saber su significado o poder, y entonces se convirtió en su amuleto. Y también en una pieza que puede ser usada tanto por hombres como mujeres. Dejó entonces de ser prenda femenina para ser objeto de admiración, objeto de protección. La pieza está hecha con cristal Bullseye que tiene un coeficiente de expansión de 90.0 lo que lo hace uno de los cristales más fuertes. También tiene un maravilloso brillo y colorido. Está realizada con cristal transparente que ha sido tratado con una lámina de oro de 23 quilates y cristal negro. Su forma de pirámide invertida es la que sacamos de su cuello para reproducirla y entregarla a ustedes.

Toni Hambleton Ciudad México, México, 1934

Luna 2006

Bronce 11 x 5 x 2.5

Hambleton se considera una cazadora de formas. También cuenta historias al entrecruzar formas, estructuras, arquitecturas, imágenes y significados. Formas ancestrales, formas cotidianas, formas de la naturaleza o formas inventadas se entrelazan y se mezclan para crear estructuras armoniosas y misteriosas. Para la obra del Círculo del Arte, la artista creó un pequeño tótem coronado con una media luna. El interesante juego de las texturas, crea misterio y añade sofisticación al a obra, fundida en México. Las piezas fueron firmadas y numeradas por la artista. Luna es una obra pequeña en tamaño, pero grande en su monumentalidad.

Jaime Suárez San Juan, Puerto Rico, 1946

Paisaje estratificado 2008

Collage de barrografías 10 x 2”

Escultor, ceramista, escenógrafo, arquitecto, educador y defensor de las artes. Sus esculturas en barro, vasijas, placas, estructuras e instalaciones, nos hacen recordar nuestras raíces. Sus paisajes, topografías y estratigrafías hablan de la patria. El Tótem Telúrico (1992) fue, según sus palabras, “el primer monumento público que nos obligó como pueblo a mirar hacia arriba” y mientras lo hacíamos descubríamos procesos de nuestra historia. Y es que Suárez se interesa por estudiarnos como pueblo, como estructura social. Entra en nuestra arqueología para darnos claves del pasado o, tal vez, del futuro. De ahí que sus obras sean tan poderosas y cobren vida propia.

El artista se inspira en la topografía criolla y ve el barro como generador de vida; superficie terrestre que recibe los embates del tiempo y fuerza al espectador a cuestionarse su ser. También se preocupa por la destrucción de nuestro ambiente. Para la pieza del Círculo del Arte, Suárez realizó un collage de barrografías, que es la técnica que ha venido utilizando durante los últimos dos años Por esta razón, cada pieza es única y diferente, ya que todas están hechas a mano. Estas obras no pueden ser numeradas, puesto que son uni-ejemplares. Paisaje estratificado habla de las múltiples capas de nuestra cultura, una sobre otra, sobre otra, y de la complejidad en la que nos ha tocado vivir.

Charles Juhász-Alvarado Base militar en las Filipinas, 1968

Melanerpes Portoricensis (sobre martillo) 2008-2009

Resina PVC y madera de árbol de guayacán 13 x 6 ½ x 4”

El artista ha creado para el Círculo del Arte Melanerpes Portoricensis (sobre martillo) tomando como figura central al pájaro carpintero puertorriqueño. Convierte al ave en noble ebanista con el oficio de trabajar y labrar la madera al posarla sobre un martillo. El modelo del martillo está tomado directamente del martillo favorito (el de la suerte) que Juhász tiene en su estudio, con el que ha trabajado hace veinte años y relacionaba con el pájaro carpintero. Para identificar la herramienta como suya, decidió grabar en el mango el nombre científico del ave “Melanerpes Portiricensis”. Para el artista las aves tienen que ver con los viajes, el vuelo, las migraciones, pero el carpintero en particular, es una metáfora al trabajo duro. Juhász no eligió un ruiseñor, más ligado al canto, o un pájaro bobo, que de “bobo” –indica con su acostumbrado sentido del humor- no tiene nada. Cada ejemplar de esta serie fue hecho de PVC (resina sintética, altamente resistente y flexible) y exquisitamente terminado como si fuera una talla, técnica favorita de Juhász. Cada pico está tallado por las manos del artista en madera del árbol de guayacán, lo cual hace que cada pieza sea única.

Jorge Zeno Washington, DC, 1956

Dibujos en Madrid: una visita íntima 2009

Impresión digital sobre papel, encuadernado a mano 6 x 4 ¼”

Impreso por Marquand Editions, Marquand Books, Inc. Seattle

A Zeno le ha gustado dibujar desde que era niño, tomó clases de dibujo, pintura y grabado con varios artistas en San Juan, Nueva York y la Ciudad de México. Hasta cierto punto, Zeno es un autodidacta, ya que dejó el ambiente académico para salir a las calles a dibujar. El primer museo que Zeno visitó para dibujar su colección permanente fue el Museo de Arte de Ponce. Cuando en 1994 Luis A. Ferré adquirió una pintura de Zeno para la colección del Museo, el artista usó el dinero para viajar a Europa. Uno de sus recuerdos más queridos fue dibujar los trabajos en la colección del Musée Gustave-Moreau, en París. En octubre del 2008, Zeno visitó Madrid como parte de un viaje organizado por el Museo de Arte de Ponce. La selección de dibujos que hizo basados en las obras de la colecciones de la Fundación Lázaro Galdiano y del Museo de Arte Thyssen-Bornhemisza constituyen la base de su proyecto para el Círculo del Arte. Dibujos en Madrid: una visita íntima es del mismo tamaño en el cuaderno de bocetos del artista y las palabras que Zeno escribió en torno a sus dibujos se refieren a su percepción de las pinturas y los comentarios de los guías del museo.

Melquíades Rosario Morovis, Puerto Rico, 1953

Implemento 2007

Madera 8 3/16 x 15 x 5”

Escultor, instalador, grabador y artista conceptual. Desde sus comienzos de su carrera sorprendió con sus esculturas ensambladas con pedazos de troncos de árboles mayormente sin pulir. Estos materiales eran generalmente rescatados del aserradero o de árboles caídos. Utiliza además para sus obras objetos encontrados, clavos y maderas rústicas cortadas de manera que puedan ser ensambladas con facilidad. Para la pieza del Círculo del Arte, Rosario retoma su tradicional técnica: madera con pedazos adheridos a ella. Todas las piezas fueron construidas a mano por la escultora Masaro Pérez. La escultura consiste en una maceta, objeto de uso cotidiano en la cocina que también era un arma de defensa de las mujeres y que hoy ha caído en desuso. Atiborra la maceta con objetos usados principalmente por los hombres en sus deportes. El objeto se convierte en un híbrido donde los roles masculinos y femeninos se funden, creando un nuevo orden de cosas. El orden actual. La llama Implemento, un objeto único que pudo se utilitario, intimidante, que implementa nuevas formas de seducción y/o convencimiento. Un objeto único que pudo ser utilitario, intimidante, que implementa nuevas formas de seducción y/o convencimiento. Un objeto preñado de carga social, como la mayoría de sus piezas. Según el artista, esta obra finaliza una etapa de su carrera.

María de Mater O’Neill

San Juan, Puerto Rico, 1960 Enable Blue [Flat Mode]

2006 Impresión comercial utilizando pinturas metálicas Pantone

8.5 x 12.5” María de Mater O’Neill, mejor conocida por Marimater, se ha destacado como pintora, grabadora, diseñadora gráfica y cineasta. Sus pinturas han sido brillantes, llenas de exuberante colorido caribeño. En su obra hemos podido notar su interés barroco por abarrotar las superficies de imágenes, símbolos y colores. Muchas de sus obras son dípticos o polípticos cuyas imágenes, disímiles, compiten y a la vez se integran en difíciles juegos estéticos y teóricos.

Para el Círculo del Arte, O’Neill realizó una versión plana de su obra Enable Blue. Ambas versiones están inspiradas y rinden homenaje al artista francés Yves Klein [1928-62], creador del “Klein Blue”. Klein tuvo una carrera corta pero durante siete años reto la mayoría de los convencionalismos del arte hasta el momento. Es dentro de esto retos que O’Neill transita. La importancia del proceso, el cuestionamiento de la autoría, la presencia o ausencia del artista en la creación, la energía que puede tener un color, son algunos de los planteamientos de Klein que O’Neill utiliza para esta obra.