catalogoinversiones

CURADURÍAINVER$IONE $

INVERSIONES ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES

ANTIGUA ESTACION DEL FERROCARRILARMENIA, COLOMBIA

CASA DEL ENCUENTRO MUSEO DE ANTIOQUIAMEDELLIN, COLOMBIA

ESTE CATÁLOGO HA SIDO PUBLICADO POR LA CURADURÍA INVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES] PARTICIPANTE DEL 13 SALÓN REGIONAL DE ARTISTAS ZONA CENTRO OCCIDENTE DEL MINISTERIO DE CULTURA DE COLOMBIA, CON APOYO DE LAS SIGUIENTES INSTITUCIONES:

THIS CATALOG HAS BEEN PUBLISHED BY THE CURATORIAL PROJECT INVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES], THAT PARTICIPATES IN THE 13 SALÓN REGIONAL DE ARTISTAS ZONA CENTRO OCCIDENTE - MINISTERIO DE CULTURA DE COLOMBIA, WITH THE SUPPORT OF THE FOLLOWING INSTITUTIONS:Ministerio de Cultura de ColombiaGobernación de AntioquiaAlcaldía de MedellínCentro Colombo AmericanoComfenalcoMuseo de AntioquiaUniversidad de AntioquiaUniversidad EAFITDetroit Mini Assembly Line© CURADURÍA INVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES]Análida CruzFemke LutgerinkAdriana RiosCarlos UribeINVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES] CATÁLOGO / CATALOGHecho en Detroit Mini Assembly Line, un equipo de producción liderado por Nina Bianchi y Corine VermeulenMade on the Detroit Mini Assembly Line, a production team led by Nina Bianchi and Corine Vermeulen.DISEÑO/DESIGN: Corine Vermeulen & Nina BianchiENCUADERNACIÓN/BINDING: Joaquin Olmedo Usuga Builes (Sastre/Tailor) y grupo de estudiantes de la Universidad de AntioquiaTRADUCCIÓN/TRANSLATION: Adriana Rios & Jonathan RandIMPRESIÓN/PRINTING: El TiempoEXPOSICIÓN/EXHIBITIONCOORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN/PRODUCTION COORDINATOR: Antonio Valencia MadridRegistro Fotográfico/Documentation: Antonio Valencia y artistasSEDES/VENUES: Antigua Estación del Ferrocarril. Armenia, Colombia. 2009Casa del Encuentro. Museo de Antioquia. Medellín, Colombia, 201042 Salón Nacional de Artistas. 2011

TODOS LOS DERECHOS RESERVADOSALL RIGHTS RESERVEDAgradecimientos / Thanks to:

Ministerio de Cultura de Colombia

Centro Colombo Americano

Gobernación de Antioquia

Alcaldía de Medellín

Gobernación del Quindío

Alcaldía de Armenia

Gobernación de Caldas

Alcaldía de Manizales

Gobernación de Risaralda

Alcaldía de Pereira

Museo de Arte de Pereira

Museo de Antioquia

Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe

Universidad de Antioquia

Fundación Universitaria Bellas Artes

Museo de Arte Moderno de Medellín

Centro de Desarrollo Cultural de Moravia

Comfenalco Antioquia

Comfama

Universidad EAFIT

Citadellarte Fondazione Pistoletto

Cámara de Comercio de Medellín para Antioquia

Casa Tres Patios

Casa Imago

Banasta - Llanogrande

Casa Monsalve – Santa Fe de Antioquia

Taller Sitio Estudio

Galería Móvil

Open Studios

Gracias a las siguientes personas: / Thanks to the following

people: Nelly Peñaranda, Nydia Gutiérrez, Conrado Uribe, Rosa

Angel, Vicky Benedetti, Javier Gil, Francesco Bernabei, Santiago

Vélez, Lucía González, Gilberto Morales, Luis Alfonso Agudelo,

Gerardo Lema, Joaquín Olmedo Usaga Builez, Hernando

Blandón, Juan Alberto Gaviria, Bairo Martínez, Jorge Iván

Bermúdez, Hernando Muñoz, Patricia Velásquez, Luis Fernando

Arango, Laura Puerta, Fredy Clavijo, Mauricio Rivera, Rodrigo

Grajales, Viviana Angel, Alvaro Hoyos, Jhon Wilson Ospina, Juan

Fernando Ospina, Alejandro Vásquez, Mauricio Carmona, Victor

Muñoz, Libia Posada, Camilo Restrepo, Liliana Correa, Esteban

Zapata, Cristina Vasco, Johnny Correa, Luz Ángela Gómez, Lina

Constanza Ceballos, Juan Camilo Londoño, Maira Alejandra

Montoya, Diego Alexander Villada, Gabriel Mario Vélez, Natalia

Restrepo, Natalia Echeverri, Douglas Weathersby, Catherine

D’Ignazio, Julika Rudelius, Femke Lutgerink, Análida Cruz,

Carlos Uribe, Adriana Rios, Antonio Valencia, Juliana Cardona,

Jonathan Rand, Fernando Arias, Jonathan Colin, John Quiceno,

el equipo de trabajo de Open Studios y a todos aquellos que

colaboraron de una otra forma para hacer este proyecto posible.


INVERSIONES: [arte + intercambios + transacciones] es un proyecto curatorial que propone una investigación y reflexión sobre el arte y sus implicaciones económicas, a través de la exploración de los conceptos de intercambio, inversión y transacción, roles y oficios mediados por artistas, apropiación y resignificación de marcas, estrategias de consumo, circulación y coleccionismo, así como de las relaciones entre comunidades y artistas en la región Centro Occidente: departamentos de Antioquia, Caldas, Risaralda y Quindío, y de estos, con otros que operan en diversos lugares del mundo, quienes presentan diversas alternativas de articulación y problematización de los supuestos de arte, economía, sociedad y representación.

La pertinencia de la economía en las relaciones humanas de nuestro tiempo, la cual cruza todos los campos: desde lo político, militar, social, cultural, religioso e ideológico, y cuyo sistema rige todas las acciones cotidianas de la humanidad, se refleja en ésta, a través de relaciones capitalistas, expansivas y globalizantes en todos los países, culturas y sistemas. La economía de mercado absorbe, controla y juega a su amaño con los productos de artesanos, diseñadores y artistas, y establece ante la sociedad unos valores ficticios que engloban la imagen que ésta tiene de estos productores. Igualmente, en los modos de vida de estas personas, de la misma manera que cualquier otro individuo o ciudadano que hace parte del sistema social y económico, se está sujeto a las especulaciones de la oferta y la demanda, a las variables del producto interno bruto, los intereses bursátiles y el oligopolio de los bancos, así como de la influencia en el poder adquisitivo que producen las deudas externas sobre los países subdesarrollados. Las prácticas artísticas progresivamente se acercan a estos problemas desde diversos flancos: desde posturas críticas, generando proyectos de economía y cultura, planteando formas alternas de organización y supervivencia distantes de lógicas mercantiles, generando dinámicas de intercambio, comunicación y redes.

Como proyecto articulado a los Salones Regionales de Artistas, nuestro interés es plantear la región, no como un asunto de identidad geopolítica, sino en un marco de particularismos dentro del mundo

INVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES]

INTRODUCCIÓNglobalizado. Estos particularismos, sin desconocer la importancia del contexto del arte, ligan las historias locales y el comportamiento de las comunidades al flujo de las economías de mercado. La idea de curaduría expuesta, propone entonces, una reflexión crítica y a su vez retrospectiva por parte de este equipo y de los artistas invitados y/o convocados, en torno a las prácticas de vida y modos de intercambio como fenómeno social, en las ciudades, municipios, ámbitos rurales, e incluso países, donde los artistas nativos de estas regiones ejerzan sus prácticas artísticas. El aporte al debate sobre la región está en crear oportunidades, potenciar intercambios y fortalecer las plataformas de visibilización de los artistas en la esfera internacional, sobre todo aquellos que presenten reflexiones, prácticas, señalamientos y alternativas sobre el tema. La figura del intercambio, entonces, se asume no sólo como problema a trabajar sino como estrategia. Es decir se pretende, adicional a la producción artística, incentivar el intercambio de ideas, prácticas, artistas, curadores extranjeros, instituciones; además de potenciar circuitos de circulación, residencias, intercambios, redes, etc.

No es gratuito que desde la década de los noventa hasta hoy, el arte se genere en otros escenarios: encuentros, intercambios, redes, blogs, páginas web, etc., donde es el artista quien invita al publico a tener una participación activa utilizando diversas estrategias. Es allí, donde las relaciones se pluralizan y dinamizan. En resumen, el artista es un negociador en potencia y el escenario de su práctica, un lugar de concertación, de encuentro, de conexiones, citas, celebraciones, contratos, entre otras, validadas en lo fundamental por la relación artista-clientes (Nicolás Bourriaud, 2006).

Paradójicamente, el mercado y los espacios de formación artística han contribuido a la polarización de las posturas posibles frente a aquellas prácticas artísticas que difieren en su táctica para integrarse a espacios de socialidad. Así, de manera simultánea, circulan una serie de obras que cumplen con la tradición de lo artístico, es decir: el buen gusto, la distinción, lo contemplativo, lo exclusivo que se sirven de los espacios tradicionales e institucionales como el museo, la galería, el circuito de coleccionistas y dealers, para su empoderamiento y para tranquilidad

de ciertas franjas sociales. En el otro extremo, aparecen señaladas una serie de prácticas que al ser tachadas de progresistas o de avanzada, son relacionadas con lo político, lo subversivo, lo contestatario, lo no convencional e irracional, todos fantasmas asociados al imaginario conservador del deber ser de las sociedades latinoamericanas.

En Colombia desde los años setenta hemos presenciado, cada vez con mayor frecuencia, incursiones y señalamientos de artistas que interesados en integrar su práctica a las dinámicas de la vida cotidiana y de la economía real, se han enfrentado al sistema de la institución arte, así como a los distintos ordenamientos y significados sociales sobre la práctica artística. Sin embargo, no ha sido un proceso homogéneo ni generalizado, por el contrario, las múltiples opciones tomadas de forma individual o colectiva difieren sucesivamente por la especificidad de las condiciones de posibilidad social, cultural, económica, política y estética implícitas en cada iniciativa. En la región Centro Occidente, conformada por el eje de ciudades intermedias: Medellín-Manizales-Pereira-Armenia, se manifiestan actualmente intereses comunes como a nivel nacional, tanto de proyectos de artistas que operan en los espacios tradicionales para el consumo y circulación, como los que emplean otras tácticas artísticas en iniciativas de tipo social y en la construcción de espacios públicos de relación.

Los primeros tienen su ambiente de trabajo en los espacios tradicionales como museos, galerías y centros culturales, pero operan bajo lógicas “otras”, o no “hegemónicas”, logrando abrir espacios de participación directa a sujetos no-artistas. En segundo término, existen artistas que emplean las tácticas artísticas en iniciativas de tipo social y que se basan por lo general en un grupo interdisciplinario que propone acciones directas en espacios específicos, y desde allí, animan diálogos entre saberes sociales o populares y los “saberes expertos” que puedan presentar, abriendo otros espacios de circulación y de apropiación de prácticas cotidianas del espacio público, o afectando las políticas culturales mismas que promueven y patrocinan muchas de estas múltiples salidas, resistencias y disentimientos a las fracturas y contradicciones

contemporáneas de la práctica artística en comunidad.Como proyecto curatorial, INVERSIONES:

[arte + intercambios + transacciones], apuesta por este tipo de prácticas, reconociendo artistas y colectivos artísticos y culturales de Antioquia y el Eje Cafetero que hacen legítimo y urgente el accionar de un quehacer artístico reflexivo sobre el mercado y la economía real, presentándolo como una variable capaz de detonar diversos paradigmas, abriendo posibilidades reales de intervención fundadas en la responsabilidad del artista y de su práctica, con el otro y con su entorno inmediato, y en la cada vez más imperiosa afirmación de la relación: sujeto artista-sociedad.

Estas plataformas de discusión se proponen como proyección del 13 Salón Regional de Artistas a otras regiones del país, al 42 Salón Nacional de Artistas, y a otros países, a través de intercambios entre artistas e instituciones locales y artistas e instituciones de otras localidades en el mundo. De esta manera se busca ampliar los circuitos de conexión de las prácticas artísticas de nuestras regiones con los planteamientos y desarrollos de agentes externos que pueden aportar con otras miradas a esta discusión sobre un tema (problema) de interés global. El intercambio, en consecuencia, es el eje medular de este proyecto de investigación, el techo/sombrilla que cobija los procesos, discursos y relaciones que serán proyectadas para el desarrollo de la investigación, el acompañamiento de los proyectos, la puesta en escena, los espacios pedagógicos y la circulación del Salón

ANALIDA CRUZ FEMKE LUTGERINK ADRIANA RÍOSCARLOS URIBE EQUIPO CURATORIAL

NINA BIANCHI Y CORINE VERMEULENDISEÑO IMAGEN Y CATÁLOGO

ANTONIO VALENCIACOORDINADOR DE PRODUCCIÓN Y MONTAJE


INVERSIONES: [arte + intercambios + transacciones] is a curatorial project that conducts research about art and its economic implications, through the exploration of concepts such as exchange, investment and transaction, roles and offices mediated by artists, appropriation and resignification of trade marks, consumerism strategies, circulation and collectionism. The relationships between communities and artists within the Central-Western Region: including the Colombian states of Antioquia, Caldas, Risaralda and Quindio interact with other artists and communities around the world, proposing alternative ways to articulate ideas regarding art, economy, society and representation.

Today the pertinence of economy in human relationships crosses all fields: the political, military, social, cultural, religious and ideological. Monetary systems rule every daily action, reflected in the form of expansive capitalist relationships in all countries, cultures and economic systems. The market economy absorbs, controls and plays to its liking with the work of artisans, designers and artists and establishes fictitious values that inflate the image that society has over these artists.

It also does that to the life style of the artists, in the same way that any other individual or citizen who is part of a social and economic system is subject to the speculations of supply and demand, to the variables of the gross domestic product, stock-exchange interests and the oligopoly of banks, as well as the influence of the wealth power that is produced by the external debt over developing countries.

Artistic practices approach these problems from diverse points of view: from critical stances, creating projects on economy and culture, proposing alternative forms of organization and survival which are distant from market dynamics and creating exchange and communication strategies.

As a project that is linked to the Regional Salon of Artists, our interest is to think about the region, not as a matter of geopolitical identity, but as a framework within a globalized economy. Without ignoring the importance of their artistic context being local within a globalized world, links local stories and the behavior of a society to the market flux. This curatorial project proposes a critical reflection about life practices and

INVERSIONES [ARTE + INTERCAMBIOS + TRANSACCIONES]

INTRODUCTIONforms of exchange as a social phenomenon in countries, cities, towns and rural areas.

Our contribution to the debate about the region lies in creating opportunities, to promote exchanges and to strengthen platforms to make artists more visible internationally, particularly for those who present alternative and practical reflections on the subjects that concern us.

Exchanges then, are not only taken as a problem to work through, but as strategy . In addition to the artistic production, our project aims to encourage the exchange of ideas, artists, curators, and institutional representatives, as well as to enhance the circulation of art in the community.

Since the nineteen-nineties, art has been made in alternative ways such as encounters, exchanges, networks, blogs, websites, etc, where the artist invites the public to have an active participation using diverse strategies. This way relationships become plural and dynamic. In short, the artist is a negotiator, and the context of their own practice is a place to discuss, to make connections, to celebrate, and to distribute work that is validated by the relationship between the artist and client (Nicolas Bourriaud, 2006)

The paradox is that the market and art education institutions have both contributed to the polarization of the possible points of view that face those artistic practices that differ in their tactics to integrate themselves into social spaces.

At the same time there are a series of artworks that meet the tradition of the arts: good taste, distinction, the contemplative, and the exclusive, that help traditional and institutional spaces such as museums, gallery spaces, collectors, dealers, become empowered, and provide tranquility to certain social spheres. In the other extreme, there are a series of practices that appear to be harassed because they are thought of as progressive or avantgarde, they are usually political or subversive, non-conventional and sometimes even irrational.

In Colombia, during the seventies, artists became interested in integrating their practice into the dynamics of daily life and thus had fought the institutional system.

But this has neither been a homogeneous process, nor a generalized one. On the contrary, the multiple options chosen by an individual or a collective differ continuously from each other due to the specificity of the conditions of possibilities that are implicit in every social, cultural, economic, politic and aesthetic initiative.

In the Central-Western region, that is constituted by the cities of Medellin, Manizales, Pereira and Armenia, common interests are being manifested, including projects made by artists that function in traditional spaces for exhibition, as well as those projects that use diverse social tactics.

Artists that work in traditional spaces have their working environment set in museums, gallery spaces or cultural centers, but still operate under “other” logics, not the “hegemonic” logic that still open new spaces for direct participation to non-artists. The second kind are artists who employ social tactics and are usually based on an interdisciplinary group that proposes direct actions in specific spaces, and from there they promote dialogues between expert knowledge and popular knowledge.

As a curatorial project: INVERSIONES: [arte + intercambios + transacciones] (investments/inversions: art + exchanges + transactions), responds to this type of artistic practice, acknowledging artists and artistic and cultural collectives, that make inevitable reflections about the market and the economy, presenting them as variables capable of detonating various paradigms. This way real opportunities are created to make interventions funded in the artists responsibility with its practice and its immediate context, with the other and him/her, making stronger the relationship between artist and society.

These platforms of discussion are proposed as a projection of the 13 Regional Salon of Artists to other regions in Colombia, for the 42nd National Salon of Artists, and then to other countries, through exchanges between artists and institutions in other localities in the world. In this way we seek to widen the circuits of connection for all artistic practices in our region with the developments made by external agents that can contribute their ways of seeing to this subject matter of global interest.

In consequence, the exchange, is the core of this project, it is like an umbrella that covers all the processes, discourses and relations that will be projected onto the development of this research project, accompanying the projects, the setting up of the exhibition, as well as the pedagogical and circulation spaces of the Salon.

FEMKE LUTGERINK ADRIANA RÍOSANALIDA CRUZCARLOS URIBE CURATORIAL TEAM

NINA BIANCHI Y CORINE VERMEULENEXHIBITION IDENTITY AND CATALOG DESIGN

ANTONIO VALENCIAPRODUCTION COORDINATOR


DIFFERENT CURRENCY, KINDRED SPIRIT

FEMKE LUTGERINKCURADORA

Cuando miro hacia atrás y recuerdo las dos semanas que estuve en Medellín, Colombia, a comienzos de Julio de 2009, una gran sonrisa me invade. La razón de mi visita fue una invitación de la curadora colombiana Adriana Rios Monsalve, a quien conocí cuando ambas vivíamos en Boston, EEUU. Ella me invitó a hacer parte del equipo curatorial para el proyecto Inversiones. El libro que tiene en sus manos en este momento da cuenta del proyecto y del proceso de trabajo.

El proyecto Inversiones circula alrededor del tema del arte y la economía. Bastante amplio, tengo que admitir. Este enfoque surgió de la idea de que arte y economía en Colombia tienen una relación especial. Por un lado, el arte es bastante crítico respecto a los (dudosos) sistemas de poder económico, y por el otro lado el arte en ocasiones termina incorporado a esos mismos sistemas, ya sea por estatus y/o por razones económicas. En una perspectiva más amplia, el equipo curatorial de Inversiones se dio cuenta de que muchos artistas y otros profesionales del arte alrededor del mundo estaban también tocando el tema del arte y la economía. Proyectos como New Currency, un proyecto internacional que comenzó en Nueva York como “una repuesta artística a las circunstancias económicas cambiantes a las que se enfrenta la comunidad artística contemporánea” realizado por 31 artistas y el curador Dan Cameron1 o Take the Money and Run, un proyecto sobre “la relación entre el valor simbólico y económico del arte” organizado por el centro de arte De Appel en

Amsterdam (Holanda)2. Inversiones trata de conectar esas historias económicas locales a las globales y muestra distintas estrategias artísticas usadas para contar estas historias.

Adriana y yo llevábamos un tiempo comunicándonos acerca del proyecto. Estando en dos países, aún más, en dos continentes – Yo vivo en Europa, en Amsterdam, Holanda – y sorteando la diferencia horaria, no era (y no es) fácil comunicarse confortablemente. Al principio de nuestras conversaciones se ocurrían muchos artistas y proyectos, pero sin saber exactamente en qué dirección nos dirigíamos. Yo no sabía qué esperar de las propuestas que enviaron los artistas de los cuatro departamentos que conforman el Salón Regional de Artistas y que iban a ser el centro de Inversiones. Las convocatorias abiertas para exposiciones pueden ser fantásticas, pero también decepcionantes, en términos de lo que la gente envía. Y en este caso nosotros no solamente pedimos portafolios, sino que también pedimos propuestas para desarrollar nuevos trabajos específicamente para este proyecto. Mi visita a Medellín clarificó no sólo la manera en que el proyecto debía desarrollarse, sino que también subrayó la importancia de la estructura artística colombiana, y más específicamente la del Salón Regional de Artistas. El material que recibimos excedió todas mis expectativas. Las personas en nuestro equipo de curaduría, por su puesto Adriana Ríos, pero también Análida Cruz y Carlos Uribe me acogieron con gran hospitalidad. Ellos

fueron receptivos de nuevas ideas y tuvimos un debate constructivo. Muchos debates en realidad.

Permítanme hacer un pequeño interludio para decirles cómo fue mi experiencia en Medellín. En mi opinión siempre es especial llegar a un lugar con una tarea específica. Porque uno tiene una razón para estar allí, con la esperanza de tener algo para dar y para compartir. Después de un largo vuelo, llegué muy adentrada la noche. Cuando bajábamos en el carro, descendiendo desde la montaña hacia Medellín, la ciudad se desenrolló ante mis ojos. Hermoso ver el valle completamente lleno de pequeñas luces que indican que hay vida. Disfruté la temperatura en la ciudad, y los jugos de fruta fueron maravillosos. Me di cuenta que nunca había visto una piña madura, así que no sabía que eran rojas. Por supuesto tuve la oportunidad de conocer el otro lado de esta bella ciudad: su violencia, sus drogas, su pobreza y todos los problemas afines. Sentí la ciudad, la gente me contaba historias y las veía reflejadas en los temas que abordaban los artistas. A pesar de que la ciudad puede ser insegura en ciertos momentos y lugares me sentí apoyada por la gente a mi alrededor durante todos esos días. Me di cuenta de que un grupo de amigos cercanos es crucial para apreciar la vida en esta ciudad.

Al mismo tiempo de mi estadía en Medellín, mi amiga y fotógrafa holandesa Corine Vermeulen3 también estaba en la ciudad. Ella estaba conectada a nuestro proyecto, pero también vino a hacer su propio trabajo fotográfico. Ambas compartimos una habitación en el espacio de residencias artísticas Tres Patios4 Algo interesante pasó durante nuestra estadía. Corine salía a explorar los barrios de la ciudad con varias personas distintas y yo conocí la ciudad y la región a través de la revisión de los portafolios y de las propuestas, y de las reuniones con artistas y otros donde discutíamos ideas. En la noche tuvimos un asomo a la vida nocturna de la ciudad con cenas, un poco de baile y muchas conversaciones sobre la ciudad. Antes de dormir Corine y yo nos contábamos lo que nos sucedió durante el día. Y nos dábamos cuenta de que muchas de nuestras experiencias correspondían, que describían el mismo mundo, pero que fueron obtenidas de maneras

diferentes y paralelas.Regresemos a Inversiones. El proyecto no está

diseñado para desarrollar una exposición únicamente, para juntar obras de arte, sino como un proyecto de investigación curatorial. En tiempos actuales se puede ser curador de muchas maneras, uno puede asumir múltiples roles al mismo tiempo. Yo estoy interesada en el rol del facilitador, pero también en el rol del instigador de procesos en pro del desarrollo de nuevos trabajos, nuevos temas para ser resaltados o viejos temas para localizarlos en nuevos contextos. Para mí el curador y el artista son parte del mismo proceso donde se discute, se pelea, se voltean las ideas al revés y se trata de encontrar el punto medio para así desarrollar un empate interesante: una exposición, un libro, un ensayo o cualquier otro medio que sea apropiado para cumplir el propósito.

Inversiones iba a ser un proyecto con un gran “color local” que yo no conocía hasta el momento. Cuando revisamos todos los proyectos me di cuenta que mucho del arte parecía familiar en la manera de acercarse y en las técnicas. Sin embargo, los temas y las urgencias descritas estaban claramente conectadas a las regiones de Colombia. Esto, para mí, implica que estas historias vale la pena contarlas. Considero que es un reto artístico y curatorial contar una historia local y con esa historia (metafóricamente) referirse a la historia global. Traté de concentrarme en las propuestas capaces de lograr eso. Siendo alguien de afuera, eso era lo que yo podía aportar. Si los proyectos artísticos y sus historias me hablaban a mí, probablemente le hablarían también a otras personas que no estaban familiarizadas con las circunstancias específicas.

Algunos temas abordados en los proyectos artísticos los consideramos vitales, por ejemplo la dolorosa problemática de la economía de la prostitución infantil, pero las propuestas en sí mismas parecían no estar (aún) lo suficientemente desarrolladas, y por eso no fueron elegidas. Con nuestra manera de abordar esta investigación podíamos pedirle a personas de otras disciplinas que hablaran de esos temas, ya fuera escribiendo un texto, dando una conferencia o un taller. Y con un tema que circula al rededor del arte y


FEMKE LUTGERINK

la economía también cobraba sentido conectarse con otras formas de expresión más cercanas al mercado. Por ejemplo al incluir artistas que han abierto una tienda o galerías comerciales a quienes les interese participar. Inversiones también invita unos artistas internacionales, como el Instituto para las Cosas Infinitamente Pequeñas de Boston (EEUU) y crea una estación documental con una perspectiva internacional para hacer más claro el hecho de que el tema hace parte de un mundo más amplio. Y, con el proyecto viajando a otros lugares, con el tiempo iría creciendo.

Un riesgo de asumir Inversiones como un proyecto de investigación, incluyendo el desarrollo de nuevas obras de arte, es que algunas de las ideas fallan. Y algunas veces la idea general es más fuerte que los proyectos individuales. Sin embargo, la suma de las partes puede ser muy poderosa al abordar temas urgentes y mostrar que el mundo del arte es capaz de hacerlo a muchos niveles.

Para concluir este texto vuelvo a la gran sonrisa del principio. Inversiones fue un proyecto enriquecedor en términos de cómo nos aproximamos a él y como se desarrolló. Me dio la oportunidad de trabajar y conocer mucha gente interesante (y amigable). Me hizo consciente de la situación en la que vivo, que Holanda es un pequeño país muy organizado con un gran sistema de becas para las artes. Hay temas de los cuales preocuparse, pero comparados con los asuntos tocados por los artistas en Colombia, nuestras urgencias están a otro nivel. La implementación de las artes en la sociedad colombiana, y su contribución, es maravilloso de ver. Sin embargo, también veo la frustración por las pocas oportunidades y los escasos recursos disponibles.

Fue ahí cuando me di cuenta de que el rol que juegan los Salones Regionales de Artistas, y al siguiente año el Salón Nacional de Artistas, es muy importante. Cuando me fui, deseé sobremanera haberme quedado para terminar lo que comenzamos allí. Desafortunamente, esto no fue posible. Espero que el futuro nos traiga oportunidades de unirnos en un estado mental similar al que encontré y que promueva el tráfico creativo. Y de nuevo, esto me hace sonreír.

Femke Lutgerink5, Historiadora del Arte y Curadora Holandesa. Co-directora de FOTODOK 6 en Utrecht, Holanda

1. http://www.anewcurrency.com/2. http://www.deappel.nl/exhibitions/e/664/3. www.corinevermeulen.com4. www.casatrespatios.org5. http://www.femkelutgerink.nl/6. http://www.fotodok.org/

CONTACTO:[email protected]

CONSIDERO QUE ES UN RETO ARTÍSTICO Y CURATORIAL CONTAR UNA HISTORIA LOCAL Y CON ESA HISTORIA (METAFÓRICAMENTE) REFERIRSE A LA HISTORIA GLOBAL. TRATÉ DE CONCENTRARME EN LAS PROPUESTAS CAPACES DE LOGRAR ESO.


El año 2009 se inició bajo la estela de una inminente crisis económica, y frente a ella, el proyecto Curatorial Inversiones: [arte+intercambios+transacciones] de los 13 Salones Regionales de Artistas de la Zona Centro Occidente de Colombia, departamentos de Antioquia, Caldas, Risaralda y Quindío, presentó al escenario artístico Nacional y particularmente a la Zona Centro-Occidente una propuesta pertinente sobre “el arte y sus implicaciones económicas, a través de la exploración de los conceptos de intercambio, inversión y transacción, roles y oficios mediados por los artistas, apropiación y re significación de marcas, estrategias de consumo, circulación y coleccionismo”.1

Pero ¿Qué futuro tendría nuestra empresa, comprometida con un tema tan álgido como el de la economía, con pronósticos desfavorables y una problemática que toca el bolsillo de artistas y de los entes comprometidos en los procesos culturales de las Regiones y de la Nación?

La respuesta se aclara, al iniciar el año 2010 y al leer en el Boletín Económico Regional Eje Cafetero del tercer trimestre de 2009, publicado por el Banco de la República que: “Los niveles de desempleo en el Eje Cafetero durante el trimestre móvil julio-septiembre registraron aumentos. El caso más preocupante es Pereira que continúa como la ciudad con mayor desempleo, 23,1%; mientras que en Armenia y Manizales la tasa se situó en 17,8% y 15,9%, en su orden” y más adelante: “…la mayor tasa de desempleo,

BALANCE AÑO 2009-2010

ANÁLIDACRUZCURADORA

principalmente en Pereira, es el efecto de las menores remesas recibidas por las familias de esta región.” 2

En otros medios informativos, las secciones económicas hablan del inconformismo por el aumento salarial. En una emisora de la región se escucha la propaganda que incentiva a las familias del Eje Cafetero, para que sus remesas se sigan invirtiendo en vivienda; y las vallas publicitarias que invitan a invertir en la prometedora Región del Eje Cafetero.

Es así, que al hacer el balance de fin de año sobre la investigación Curatorial, la información ofrecida por los medios de comunicación fue clave para aclarar la pertinencia del proyecto curatorial en el escenario artístico y económico de la región y del país.

Los proyectos exhibidos en la antigua Estación del Ferrocarril de la ciudad de Armenia, durante el mes de Octubre de 2009, fueron una ganancia. En cifras numéricas podríamos llegar a un 70% de satisfacción; el porcentaje restante hizo eco con la crisis económica por la que pasa el Eje Cafetero, y de la cual, muchas instituciones comprometidas con la cultura aprovecharon para no brindar su apoyo a los Salones por falta de recursos económicos.

Un 100% de acierto, lo dejaron los artistas que expusieron al público de la región del Eje Cafetero en octubre de 2009, en febrero de 2010 en Antioquia y en los 42 SNA en Cartagena, proyectos que de una u otra forma se relacionan con la economía global, la economía laboral, la economía política, la economía

social y el mercadeo. Los 18 artistas y/o colectivos seleccionados,

sin ser especialistas en economía y con una bolsa de trabajo distribuida de acuerdo a las necesidades económicas de cada proyecto, hicieron visibles desde la pintura, el dibujo la fotografía, la instalación, el performance y el video, “posturas críticas, formas alternas de organización y de supervivencia distante de las lógicas mercantiles.” 3

Desde la macro y la micro economía, la plataforma expositiva de los proyectos, nos situaron en la realidad socio-económica en la que nos desenvolvemos. Las obras fueron el resultado de sus relaciones con las comunidades frágiles y desamparadas y en condiciones de desplazamiento ubicadas en espacios rurales y urbanos.

Desarrollaron y pusieron en práctica modelos económicos para mejorar la calidad de vida y contribuir con el mejoramiento del Medio Ambiente. Registraron los estragos que causan las inversiones e intereses multinacionales extranjeros en poblaciones sumidas a la explotación, desolación, desarraigo y desplazamiento. Elaboraron mapas e hicieron recorridos que dan cuenta de las necesidades básicas insatisfechas y miseria, de desigualdad y de la población bajo la línea de pobreza.

Crearon estrategias de mercadeo y de responsabilidad social empresarial para terminar con la pobreza en el mundo. Invitaron a la reflexión cuestionando el mercadeo y el consumo del arte.

Para concluir el balance de 2009 y dar inicio a la Itinerancia en la ciudad de Medellín, doy el crédito a l@s que convencimos y nos apoyaron, en esta empresa, por los aportes en efectivo, en especie o con trueques, los cuales, hicieron posible su realización. La Itinerancia de los 13SRA en Medellín, en febrero de 2010, presenta al público el balance de sus inversiones $ como uno de los objetivos planteados por la Investigación Curatorial.

Análida Cruz Quintero, Lic. Filosofía y Letras, Presidenta de la Fundación Rural Galerie, Artista, Docente de la Universidad Tecnológica de Pereira, Asesora de la Biblioteca de la Alianza Colombo Francesa de Pereira, Curadora de Inversiones: [arte+intercambios+transacciones], 13SRA. CONTACTO:

[email protected]

1. Introducción Curaduría Inversiones2. Boletín Económico Regional Eje Cafetero3. Introducción Curaduría Inversiones


PAREJA DISPAR: ARTE Y ECONOMÍA

NYDIA GUTIÉRREZ ESCRITORA INVITADA

Las relaciones arte-economía son absurdamente fundamentales. Y el absurdo viene de la paradójica naturaleza definitivamente inútil del arte que, como lo señalara Hanna Arendt con asombrosa lucidez, es el único tipo de objetos que fabricamos en tanto homo faber, que no sirve ni para el consumo, ni para el uso ni para el intercambio, sino que cumple una necesidad de orden simbólico puesto que intenta ofrecer una cierta ilusión de trascendencia . Pero la sola insinuación o promesa de trascender nuestra naturaleza mortal acotada entre nacimiento y muerte resulta tan poderosa que lo convierte en algo extraordinariamente entrañable a cualquier ser humano, mas allá de las diferencias que nos distinguen como individuos o como pueblos. Por ello, mas allá de las dificultades que encierra el admitir dicha conversión, termina por transformarse en un objeto ideal para ser asumido como valor de cambio. Valor que le damos.

La conversión ocurre en un intrincado espacio donde convergen múltiples actores: el mercado del arte, o la transformación, paradójica, de un bien inútil por naturaleza y valioso sólo en el intercambio simbólico, en un objeto con valor de cambio, con precio en términos financieros. Este mercado se genera y crece desde ese centro inasible de inutilidad y sobrevaloración de su objeto, y revela su importancia en la sofisticación de su desarrollo: el coleccionismo y toda la actividad lucrativa o sin fines de lucro que genera; el universo entero de galerías y museos, espectáculos y productos

relacionados y en general, la estrafalaria rueda de actividad financiera que estimula; pero también el mercado es responsable de un sinfín de actividades mas sutiles que afectan la vida del inmenso número de participantes de todos esos procesos: artistas, galeristas, coleccionistas, trabajadores de museos, y tantas y tan disímiles audiencias a las que se orientan tan distintas expresiones artísticas como conocemos.

No obstante, especialmente en el campo de las artes visuales los análisis y reflexiones sobre ese otro mundo al que pertenecen a contrapelo de su naturaleza parecen darse solo en el territorio exclusivo de quienes se especializan en el significado del primer significante de la frase que lo denomina como mercado del arte. Los especialistas en inversiones, los economistas, los comerciantes, los de ese lado de la frase, son los que regularmente piensan, estudian y mayoritariamente determinan –incluso con muchas veces inexplicables tonalidades moralizantes- lo que son las relaciones arte-economía. En el terreno de la economía y del mercado se le analiza con la rigurosidad y exhaustividad que merece un bien que ofrece rentabilidad casi ilimitada; pero ese matrimonio no se piensa desde el otro involucrado. Mucho de verdad y mucho de tabú dificultan su abordaje desde el campo artístico.

Es explicable pensar que no les falta razón a quienes asumen una posición purista, centrada en el estricto campo de la creación artística (como si un campo así pudiera definirse con precisión), y defienden

una radical separación entre arte y mercado, o arte y economía financiera. La razón que les asiste deriva sin duda de esa inutilidad primera que revela su pertenencia a necesidades menos concretas que las vinculadas a nuestra actividad como fabricantes del mundo. Tiene su lógica pensar que algo que nace para llenar una necesidad simbólica debería mantenerse incontaminado de la extrema concreción que significa la aparición de las transacciones financieras como reguladoras de la vida en la tierra. Pero la realidad es que esa misma condición tan especial, tan universalmente especial, dispara a los objetos simbólicos hacia la esfera de lo que todos queremos preservar y eso es algo que presiona hacia arriba el valor comercial de cualquier objeto. Y lo pagamos. Al menos en el mundo occidental ubicamos al arte entre las cosas mas caras, y reconocemos con dinero a los artistas que lo producen, independientemente de que ello para nada signifique que todo lo que se paga como arte realmente lo es, o todo lo que es verdaderamente arte se paga bien. Pero eso cae ya en otro terreno de la reflexión que merece espacio aparte.

Lo que quiero señalar en este breve escrito es mas bien como la valoración del arte en términos económicos encierra nada mas y nada menos que el modo de vida de todos los conformantes de este campo, que como se insinuó antes, se funde con muchas otras actividades sociales públicas y privadas. Ello sin duda relativiza la legitimidad de todas las actividades

que realizamos en torno, o en pro, de la difusión y conocimiento del arte, no solo cuando ocurren en el entorno de coleccionismo y galerías comerciales, sino también sin duda, cuando son desarrolladas por los museos y la crítica. Dicha legitimidad está siempre relacionada a esa cinta de doble cara girando vertiginosamente en espiral que es el ascenso, o descenso (según quien lo mire) del arte como objeto inútil pero valorable y su concreción como objeto pagable. Las implicaciones éticas de semejantes procesos son exigentes, sin duda. Pero no deberían justificar esa especie de tabú que silencia o impide el análisis de ese fenómeno desde el lado simbólico, me parece que a todas luces, para su propia desventaja. Porque si bien es cierto que las motivaciones del artista en su proceso creativo deberán mantenerse fuera de esas implicaciones, el resto de la cadena de actividades de orden artístico con vinculaciones mas o menos importantes con lo financiero, lo económico en general, deberían ser reflexionadas, estudiadas, también desde acá, para que las decisiones profesionales rompan esa especie de aparente indiferencia que en realidad oculta muchas dudas e incertidumbres nunca discutidas. Esos análisis y reflexiones no deberían permanecer silenciados sino seriamente pensados y abiertamente discutidos por los artistas, quienes ocupan en esto una posición central, y rigurosamente investigados por curadores, museólogos, críticos, profesores y demás profesionales interesados.

Por otra parte, es conocido que en los tiempos

UNA CURADURÍACONTEMPORÁNEA PUEDE – Y ES CONVENIENTE QUE ASÍ SEA- PROPONER REFLEXIONES SOBRE UN TEMA TAN AJENO A LA NATURALEZA DEL ARTE, PERO TAN CERCANO A SU EXISTENCIA COMO ES SU RELACIÓN CON LA ECONOMÍA.


actuales, el arte mismo ha diluido sus siempre inestables barreras y su siempre ficticia ubicación al otro lado de la vida, en el terreno de lo puramente objetual, avaluable, como lo quiere el mercado. El arte contemporáneo, mucho se ha dicho que entre otras cosas justamente para dificultar su conversión en mercadería, ha buscado diluirse en su contexto, esfumarse en sus relaciones, hacerse inasible en su entramado social. El mercado parece haber actuado como un reto que la naturaleza del arte tiende a resistir de todas maneras, y que sin duda ha ocupado un lugar importante en la obra de grandes artistas de siempre, entre los cuales en el Siglo XX nombres como Duchamp y Haacke merecen especial atención.

De allí el interés de una curaduría como Inversiones. Una curaduría contemporánea puede –y es conveniente que así sea- proponer reflexiones sobre un tema tan ajeno a la naturaleza del arte, pero tan cercano a su existencia como es su relación con la economía. Las obras en la exposición no van a dar respuestas concretas como las que puede intentar un economista a las preguntas que surgen en esa relación, no es eso lo que se espera. Pero las posibilidades de reflexión propuestas por esta curaduría, por lo menos estimulan y facilitan la toma de consciencia sobre ese otro factor que tanto implica en los aspectos concretos de todas las actividades involucradas. Aunque quizás sea cada vez mas difícil definir los bordes de la artisticidad en las obras de los artistas, en esta exposición la ambigüedad

NYDIA GUTIÉRREZ


inquietante de las respuestas al llamado de esta curaduría aloja una vez mas lo que las hace arte. Lo que pasa es que también deja a la luz ángulos inéditos de su compleja relación con actividades motorizadas a su vez por intereses económicos, lo cual tiende a liberarlas del silencio culposo que les impide abordarla. Porque en todo silencio culposo parecen esconderse estrategias de dominación, que quizás facilitan la fortaleza del mercado frente al arte, y que fácilmente se disfrazan en la actitud purista que impone el silencio.

Nydia Gutiérrez: Investigadora Independiente en Arte, Arquitectura y Museología. Ha siso Directora de la Fundación Generando Maestros Artesanos, Co-Directora de MUSEIA, Arte Arquitectura y Museología, Jefe de la División de Pintura y Escultura del Museo de Bellas Artes de Caracas y museóloga en distintas instituciones en Venezuela, Colombia y Perú.

PRODUCTION NOTE: THIS CATALOG WAS

INTENDED TO BE CUT AND TRIMMED

AROUND THE DOTTED LINE. UPON

DELIVERY TO THE PRINTER, IT TURNED

OUT TO BE IMPOSSIBLE TO DO SO.

EMBRACING THE ERROR, WE HOPE YOU

ENJOY THE EXTRA WHITE SPACE. SINCERELY, NINA & CORINE

NOTA DE PRODUCCIÓN: ESTE CATÁLOGO

PRETENDÍA SER CORTADO POR LA LÍNEA

PUNTEADA. CUANDO FUE ENTREGADO A LA

LITOGRAFÍA, NO FUE POSIBLE HACERLO.

ESPERAMOS QUE USTEDES APROVECHEN

EL ERROR Y GOCEN EL ESPACIO EN BLANCO EXTRA.

SINCERAMENTE, NINA Y CORINE


Durante las últimas décadas, el artista ha ido prestando especial atención al desarrollo y profesionalización de su actividad con el objetivo –destacable dentro del proyecto de Investigación Curatorial “Inversiones: arte, intercambios y transacciones”–, de ser valorado como profesional en su área y de manera ideal, obtener de su trabajo un sustento digno, tal como puede llegar a sucederle a cualquier profesional de otra área. Sin embargo, es una situación de la cual sólo en casos puntuales, se logra el sostenimiento económico como resultado de su actividad profesional.

Que el medio del arte en Colombia goce actualmente de un mejor escenario comparado con el de décadas anteriores es una certeza; se afirma que mayores son los espacios de circulación, diálogo, intercambio, y en últimas, son más amplias las posibilidades para el desarrollo profesional en las artes. Pero los espacios de acción no siempre son áreas de estudio en las facultades de arte, y muy particulares son los casos en los que se prepara a sus estudiantes para enfrentarse al mundo real en cuanto a su movilidad o productividad económica.

¿Cuál es la realidad con la que se encuentran los recién egresados de facultades de arte dentro del contexto nacional?

PRÁCTICAS DE SUBSISTENCIAGuías de museos, asistentes de investigación,

profesores escolares, diseñadores gráficos o de web, son sólo algunas de las actividades remuneradas que

ARTE Y ECONOMÍA: EL ARTE COMO PRODUCTO

NELLY PEÑARANDA ESCRITORA INVITADA

son ofrecidas como prácticas de subsistencia para los jóvenes artistas de hoy; pero ¿Son estas parte de las posibles actividades para las cuales han sido preparados tras años de formación profesional?

El artista de hoy en Colombia recibe parte de su formación después de abandonar las aulas y tras el enfrentamiento a un mundo pocas veces conocido; por lo que es posible que uno de los problemas frente a lo que se denomina prácticas de subsistencia se enfoque en un desconocimiento de la variedad de especialidades que podrían existir dentro de un mismo escenario.

No se educa en arte sólo para hacer artistas, por lo que el inconveniente bien podría ser de educación y la manera en que es impartida. Algunos de los modelos de educación fueron adoptados y adaptados de realidades geográficas, históricas y de tradición diferentes, y posiblemente más favorables, por lo que ante condiciones esencialmente diferentes, la ley del rebusque también se ha hecho inminente.

La recursividad y la incesante búsqueda de adecuación a un modelo real y sobre todo propio y eficaz es una de las características del arte joven nacional.

SER ARTISTA EN EL MERCADOTradicionalmente el posicionamiento del

artista dentro de los escenarios de mercado dentro o fuera del país, ha requerido la vinculación de actores de otras disciplinas a beneficio de una estructuración comercial adecuada y que busca un lucro para todas las partes que componen la operación. Generalmente

son los administradores de empresas o los especialistas en comercio y finanzas quienes -haciendo del mercado del arte su negocio de vida o proyecto de crecimiento comercial-, fueron delimitando la actividad del artista en la producción de lo que hicieron materia prima de su principal fuente de enriquecimiento, el comercio de piezas de arte.

Aún cuando la situación pareciera ideal y la encomienda del comercio la efectúe quien fue formado para hacerla, varias han sido las acciones que han mostrado al comercio del arte como actividad de poca monta durante las últimas décadas. La puesta en marcha de la profesionalización como artista y su labor, -realizar obras de arte y convertirlas en el objeto principal de la actividad comercial- también ha desvirtuado el accionar del mismo gremio, polarizando lecturas, complejizando objetivos y por supuesto generando desinformación.

Existen los individuos comerciantes, conocidos dentro de la jerga del medio como dealers que basan su labor en una transacción comercial que en algunos casos, complace necesidades decorativas y de ocupación de un espacio, mientras en otros, saca ventaja de un posicionamiento establecido por el mercado y que fuera dictado especialmente por la exaltación de famas adquiridas en otras plazas. Siendo el primero de los casos el que mayor perjuicio ha causado a las operaciones de valorización del rol del artista como profesional. La actividad del artista llega a ser asumida como la de un agraciado prestador de servicios de ornamentación y atavío.

La diferencia entre las dos maneras de consecución de producto podría radicar además de entre varias otras cualidades de la obra, marcadas por sistemas de coherencia, concepto o manejo técnico, por lo que fuera mencionado como aprovechamiento de una popularidad preexistente, y que ha sido generada por diferentes empresas que persiguen objetivos adicionales a los de cambios monetarios por artículos netamente decorativos. ¿Cómo se logra esta actividad de una manera correcta?, ¿cómo se evita caer en un mercantilismo de tienda en donde la transacción no se limita a satisfacer las demandas de un posible

comprador que busca rellenar espacios o paredes?Están los espacios de carácter privado que

buscan crecer con los artistas a quienes representan y trabajan a favor de su posicionamiento y desarrollo. La presencia de la galería ha adquirido importante relevancia a la hora de realización de una transacción; y el verdadero galerista va de la mano de sus artistas, colabora en su crecimiento y se ocupa de ubicar la obra en colecciones públicas y especialmente privadas, atendiendo cuidadosamente las ofertas que puedan ser presentadas a su artista con el ánimo de cuidarle y brindarle un posicionamiento.

ESPACIOS DE INTERCAMBIOSi la existencia de espacios para la exhibición

y comercialización es mayor pero no por esto suficiente, son los mismos artistas quienes se hacen museólogos, curadores, críticos, comercializadores, gestores o hasta galeristas, pues las necesidades así lo demandan.

Existen dentro de sus prácticas de subsistencia y específicamente hablando dentro de las intenciones de inclusión en los circuitos del mercado no un desplazamiento de sus intereses, sino nuevas visualizaciones hacia posturas que colaboren con el correcto posicionamiento de las actividades artísticas y de enriquecimiento a otros componentes del engranaje productivo, pero esta vez desde necesidades reales y desde nuevas áreas de especialidad que, en la mayoría de los casos, son de libre elección. Sólo así, se ha visto el crecimiento reciente de las plataformas de intercambio y su articulación adecuada para el beneficio de sus diferentes actores.

Nelly Peñaranda, Directora de la Revista Arteria y gestora de ArtBo (Feria de Arte de Bogotá)



HI LOW TECH

ALEJANDRO VÁSQUEZ

Alejandro VásquezVive y trabaja en Medellín, ColombiaHIGH LOW TECHVideo instalación. 2009

Haciendo un contraste ambiguo entre tecnología rudimentaria y alta tecnología, el carro de vendedor ambulante aparece en un escenario tecnológico simulando un manual de instrucciones de un vehículo electrónico o mecánico de altas especificaciones, propio de una industria avanzada.

Evidentemente se ironiza sobre un objeto de apariencia precaria y sin tecnología, que es uno de los medios de subsistencia más usados por las comunidades de países latinoamericanos para la economía diaria, ya qué aparte de trabajar libre de impuestos, transitan por las calles de los barrios y centros urbanos acercándose al consumidor más fácilmente.

Alejandro VásquezLives and works in Medellín, ColombiaHIGH LOW TECHVideo Installation, 2009

Making an ambiguous contrast between rudimentary technology and High-Technlogy, a street vendor cart appears in a technological scenario simulating an instruction manual of an electronic or mechanic vehicle with high specifications that belongs to an advanced industry.

It is an ironic commentary of an object with a precarious look and without much technology, and is one of the subsistence mediums used by communities in Latin American countries for their daily economy. They are tax exempt and can move around the city easily.


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ALEJANDRO VÁSQUEZ

1 — 3, Hi Low Tech


Colectivo Lengüita ProduccionesViven y trabajan en Medellín, ColombiaICONOMÍA, 2009Acción Urbana / Plataforma Mediática

Es un proyecto de intervención de diferentes espacios públicos, mediante acciones publicitarias. El objetivo es generar reflexiones que abarquen temas como: las relaciones entre macro y micro-economía, dinámicas de oferta y demanda y el poder comercial de la publicidad y los medios. Iconomía re-significa y utiliza los medios de comunicación con el interés de promocionar e iconizar la imagen de un individuo, que subsiste en cualquier ciudad y pueblo colombiano a través de ventas ambulantes, dándole el estatus de gran marca y estableciendo una plataforma mediática que lo señale como sujeto de atención de masas.

Lengüita Producciones Artists CollectiveLive and work in Medellín, ColombiaICONOMY, 2009Urban Performace/Media Platform

This is a project about intervention in public spaces, using publicity strategies. The objective is to generate a reflection about the relationship between macro and micro economies and the commercial power of advertisement and the media. Iconomy resignifies and uses mass media with the interest to promote and make the image of an individual become an icon. It gives the status of a trade mark to a person who subsists in any city or town in Colombia selling candy and cigarettes on the streets, establishing a media platform, such as radio and TV commercials as well as public banners, to gain the attention of the masses.

ICONOMÍA

COLECTIVO LENGÜITA PRODUCCIONESCRISTINA VASCO, MAIRA ALEJANDRA MONTOYA, LUZ ÁNGELA GÓMEZ, LINA CONSTANZA CEBALLOS,

JUAN CAMILO LONDOÑO, JOHNNY CORREA, DIEGO ALEXANDER VILLADA


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COLECTIVO LENGÜITA PRODUCCIONES

1 — 3, Iconomía


Mauricio RiveraVive y trabaja en Pereira, ColombiaCON$ULTORPerformance. 2009

Con$ultor es un performance colaborativo, basado en prácticas ceremoniales del Putumayo colombiano. Esta acción depende del intercambio de conocimientos y del diálogo entre autor y coautor, que en este caso son el Chamán y su paciente.

Existe una analogía entre el Chamán y el artista, pues ambos hacen ver de la realidad lo que de forma desprevenida no vemos; y esta condición es la que los vuelve autores. El paciente colaborador pasa a ser coautor artístico de la experiencia estética, la cual se estructura a partir de la interacción con una matriz de análisis complementa el diagnóstico chamánico.

Mauricio RiveraLives and works in Pereira, ColombiaCON$ULTORPerformance, 2009

Con$ultor is a collaborative performance based on indigenous ceremonial practices from Putumayo in Colombia. This performance depends on the exchange of knowledge and dialogue between author and coauthor, in this case the Shaman and their patient.

There is an analogy between Shaman and artist, because both help people see what is hidden at first glance. It is this condition that makes them both authors. The collaborator/patient becomes coauthor of this aesthetic experience, which is built on an analytic matrix, that complements the Shamanic diagnosis.

CON$ULTOR

MAURICIO RIVERA

CONTACTO:performancecolaborativo.blogspot.com/[email protected]

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MAURICIO RIVERA

1 — 3, Con$ultor


Natalia Restrepo & Natalia EcheverriViven y trabajan en Medellín, Colombia e Isla Reunión, respectivamentePROYECTO DE DESCARTE: EL FUTURO ESTÁ EN LA BASURA, 2008 - en proceso

Este es un proyecto relacional y pedagógico que surge como una alternativa de economía sostenible para los habitantes del barrio Moravia y sectores aledaños en la ciudad de Medellín, donde las comunidades son tanto participantes como beneficiarias. A partir de la realización de diversos talleres, como: juguetes híbridos, lámparas recicladas, joyería de papel y cartón, y finalmente, encuadernación, se hace partícipe a personas de diferentes edades en procesos de reciclaje creativo como alternativas de inserción en circuitos comerciales o laborales y de sostenibilidad familiar.

“El futuro está en la basura”, como sus integrantes coherentemente lo presentan, es sin duda, la principal enseñanza de éste proyecto: que la materia prima que ha dado sentido a un barrio asentado en el antiguo basurero municipal y a la vivencia de sus gentes, lo inservible para otros, es una alternativa para todos.

Natalia Restrepo & Natalia EcheverriLive and work in Medellin, Colombia and French Reunion Island respectivelyDE DESCARTE: THE FUTURE IS IN GARBAGE, 2008

This is a relational art project that arises as a sustainable alternative economy for the inhabitants of Moravia, Medellin, where the community are the participants as well as the beneficiaries. The artists develop diverse workshops such as: hybrid toys, recycled lamps, paper and card board jewelry and book binding. Through these workshops, people of different ages participate in many different kinds of creative recycling projects giving an additional value to garbage as a sustainability strategy for their families.

Without a doubt, “The future is in garbage”, as its participants present it, is the main learning experience of this project. Here the raw material that has given meaning to a whole neighborhood that sits on the old Municipal dump for four decades makes the “useless” for most of people, an alternative economy for their inhabitants.

DE DESCARTE: EL FUTURO ESTÁ EN LA BASURA

NATALIA RESTREPO & NATALIA ECHEVERRI

CONTACTO:[email protected]@gmail.com

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NATALIA RESTREPO & NATALIA ECHEVERRI

1 — 4, De Descarte: El Futuro está en la Basura


Camilo Restrepo Vive y trabaja en Medellín, ColombiaLAS OPORTUNAS TRISTEZAS DE FERNANDOÓleo sobre lienzo (Serie realizada por diversos autores). 2008-2009

Esta obra presenta una serie de óleos que reelaboran la fotografía de Ingrid Betancourt tomada del video que las FARC difundieron como prueba de vida meses antes de su liberación. Las versiones pintadas de la foto fueron encargadas a siete pintores del Parque Lleras en Medellín expertos en copiar cuadros de Fernando Botero. Cuando las copias de estos pintores son elaboradas con cuadrícula su habilidad funciona casi a la perfección. Pero cuando se trata de adoptar el estilo de un artista establecido -la “marca” Botero- para hacer una creación original bajo los parámetros de éste, se evidencia en cada cuadro la imaginación, la destreza y la torpeza de quienes aceptaron este encargo. Además de indagar sobre las lógicas del coleccionismo y los mercados alternativos que lo nutren, esta obra -mezcla de fotografías mediáticas, arte oficial y arte populares un comentario irónico sobre las dinámicas comerciales y las apetencias estéticas, al adelantarse a un posible cuadro de Fernando Botero que encajaría adecuadamente al lado de su versión de Tirofijo.

Camilo RestrepoLives and works in Medellín, ColombiaTHE OPPORTUNISTIC SADNESS OF FERNANDOOil on canvas (series made by different authors), 2008-2009

This project presents a series of paintings based on a picture of Ingrid Betancourt taken from a video that FARC spread through the media as proof of her survival months before she was liberated. These paintings were commissioned to seven painters from Lleras Park in Medellin who are professional copyists of Botero’s work. Using a grid these painters can make copies almost to perfection, but when they adopt the style of the artist -the Botero “trade mark”- the painters imagination, skills or clumsiness are evident in each piece.

Besides inquiring about collectionism and the alternative markets that feed it, these pieces (a mix of images taken out of the media, official art and popular art) are an ironic commentary about commercial dynamics and aesthetic desire, to be ahead of a possible painting made by Fernando Botero that would fit perfectly next to his version of Tirofijo.

LAS OPORTUNAS TRISTEZAS DE FERNANDO

CAMILO RESTREPO

CONTACTO: [email protected]

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CAMILO RESTREPO

1 — 3, Las oportunas tristezas de Fernando


Fredy ClavijoVive y trabaja en Pereira, ColombiaPROYECTO EN LA JUGADAAcción relacional con niños trabajadores. 2009

Proyecto relacional con el que el artista a través de una acción performática convoca a los niños y niñas trabajadores en las calles de las ciudades de la región para que jueguen a diferencia de estar obligados por otros a trabajar. A través de una estación móvil de juego con diversos artefactos y dispositivos lúdicos el artista “pagará” a los infantes por su tiempo, estableciendo un tipo de transacción económica desde el juego -su derecho-, por otra que los obliga –contravención-.

En la jugada apela a una lectura crítica y radical desde el arte sobre las políticas públicas en torno a los derechos de los niños a disfrutar de su infancia y a no ser manipulados por los adultos en otras acciones, pero entre líneas, devela la crisis social y económica que viven nuestras comunidades urbanas

Fredy ClavijoLives and works in Pereira, Colombia ON THE GAMERelational Art Project with Working Children, 2009

This is a relational art project where the artist, calls together children that are forced to work on the streets of Pereira. Through a series of traditional games the artist pays the children to play instead of work. Clavijo pays the children so that they can meet their monetary “obligations” at home, giving back the kids their right to play.

On the game is a critical reflection from an artists perspective regarding the public policies around children rights to enjoy their childhood and not to be manipulated by adults. It exposes the social and economic crisis that urban communities experience, particularly in Colombia.

EN LA JUGADA

FREDY CLAVIJO


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FREDY CLAVIJO

1 — 4, En la jugada


Colectivo Do-mingueros Viven y trabajan en Pereira, ColombiaPROYECTO MINGA: UNA ALTERNATIVA ECONÓMICA Componente relacional y pedagógico. 2009

Es un proyecto relacional que propone invertir la lógica de los actuales sistemas de mercado retomando antiguos modelos indígenas de intercambio y trabajo comunitario. El grupo interdisciplinario de artistas comparte con los campesinos habitantes de la vereda San Juan San Marcos , (ruralidad del pie de monte del parque de Los Nevados cercana a Pereira) la práctica de LA MINGA, una experiencia de intercambio de saberes donde confluyen agroecología, educación medio ambiental, construcción, arquitectura y arte.

El proceso pedagógico de MINGA se centra, en este caso, en la práctica del mosaico y el aprovechamiento del reciclaje, conceptos espaciales y técnicas de construcción; aspectos que van alentando la adecuación de las viviendas y la gestión económica de la vereda al mismo tiempo que desarrolla su carácter procesual vinculando a los campesinos tanto a la práctica como a la promoción del proceso siendo ellos mismos protagonistas durante la exhibición y presentación del proyecto.

Do-mingueros Artists CollectiveLive and work in Pereira, ColombiaMINGA PROJECT: AN ALTERNATIVE ECONOMYRelational and Pedagogical Component, 2009

This project proposes to invert the logic of the current market system using old indigenous models of exchange and community work. This interdisciplinary group of artists shares an activity called Minga with the inhabitants of the rural area of San Juan San Marcos (near Snow Mountains National Park). Minga is an exchange of knowledge exchange where agro-ecology, environmental education, construction, architecture and art converge.

In this case the pedagogical process of Minga focuses on the making of mosaics, using recycled materials and construction techniques. This process encourages the improvement of their living spaces to better their general living situation and their economy. At the same time it links the community to the process inherent to the project as well as the promotion of it. The local inhabitants are the protagonists during the exhibition and presentation of the project.

MINGA: UNA ALTERNATIVA ECONÓMICA

COLECTIVO DO-MINGUEROSVIVIANA ÁNGEL, ÁLVARO HOYOS Y JOHN WILSON OSPINA

CONTACTO:[email protected]@[email protected]

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COLECTIVO DO-MINGUEROS

1 — 7, Minga: una alternativa económica


Douglas WeathersbyVive y trabaja en Boston, EEUU.ES INAUGURAL RETROSPECTIVEMural en banner. 2009

Su trabajo involucra la práctica de labores comunes y gestos extraordinarios de creatividad. Douglas incluye el trabajo en su arte y al mismo tiempo, su arte dentro del trabajo, al punto de diluir la distinción entre uno y otro. Todo esto lo hace bajo la cobija de su propio negocio: Environmental Services.

A través de la limpieza, la organización de oficinas, la construcción y la instalación de obras de arte se subvierte la función de los materiales prácticos, usándolos para propósitos estéticos. Hay una contradicción entre su fascinación con lo sutil de la materia imperceptible, como el polvo, y su interés en producir masivamente la publicidad de su negocio. En esencia, él está haciendo su arte cada vez más comercial. Pero aparte de vender servicios, su arte es la mayoría de las veces invendible, y definitivamente no comercial.

ES Retrospectiva Inaugural es una introducción a Environmental Services usando un collage de tamaño mural que incluye facturas y contratos de los siete años que tiene su empresa. Cada uno de estos documentos da cuenta de las transacciones económicas y del resultado de cada trabajo, usando el registro fotográfico.

Douglas WeathersbyLives and works in Boston, United StatesES INAUGURAL RETROSPECTIVEMural, 2009

Douglas Weathersby’s art involves the ordinary practice of labor, and extraordinary gestures of creativity. Most artists perform odd jobs to support their art. Weathersby wraps work into his art, or conversely, art into his work to the point where he has obscured the distinction. He does this under the umbrella of his own business, Environmental Services.

Whether he is scrubbing a dirty sink, arranging dust, or wrapping blue painter’s tape around a ladder, Weathersby seeks opportunities to see familiar objects, material, and space in a new light.

There is an intriguing contradiction between Weathersby’s fascination with subtle, imperceptible matter, such as dust, and his interest in overproduced advertising that packages his business. He is, in essence, making his art more commercial. But aside from selling his services, his art is often unsalable, and distinctly not commercial. Weathersby does not try to reconcile his subtle installations with the commercial branding of his business; he directly juxtaposes the two through his photography and design work.

The ES Inaugural Retrospective is an introduction to Environmental Services through a mural sized photo collage Of ES’ seven year billing history. Each bill records financial transactions and perceptions (in the form of photos) on the job site.

ES INAUGURAL RETROSPECTIVE

DOUGLAS WEATHERSBY


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DOUGLAS WEATHERSBY

1, ES Inaugural Retrospective


Esteban Zapata Vive y trabaja en Medellín, ColombiaPABLO IN COMMERCEObjetos de yeso. 2009

Pablo en el comercio, es un proyecto que propone construir una serie de piezas en yeso con la forma del extinto narcotraficante Pablo Escobar, en diferentes facetas relacionadas con las múltiples identidades que el capo proyectaba en Antioquia y en el mundo. Estas estéticas referidas al vestuario, que construyen imaginarios e ideas locales sobre el personaje, son el motivador de esta propuesta de circulación y consumo que entra a competir con la multiplicidad de personalidades con apariencia de figura que se ofertan día a día, tanto en mercados formales como informales.

Como primera estrategia las piezas serán distribuidas en negocios artesanales de la ciudad de Medellín y de pueblos enfocados al turismo, valiéndose de la imagen previa que tiene el visitante al llegar a la ciudad; quien desea saciar su curiosidad sobre el mito “Pablo”. La idea es posicionar un producto que se adecúe a la necesidad y curiosidad del turista, con el aliciente de que ésta es una pieza exclusiva. Las piezas están disponibles igualmente en tiendas de arte y en La Tienda Inversiones dispuesta como plataforma de circulación y venta.

Esteban Zapata Lives and works in Medellin, ColombiaPABLO IN COMMERCEPlaster Objects, 2009

Pablo in Commerce is a project that builds a series of pieces made in plaster portraying the deceased Drug Lord Pablo Escobar. The pieces portray the different facets of the multiple personalities that Escobar projected in Antioquia and the rest of the world, including “congressman”, “Robin Hood,” and “average citizen”.

This project uses figures that are about 25 cm tall to be sold at craft stores in Medellin, Armenia and tourist towns in Colombia, taking advantage of tourists curiosity about the mythic Escobar. Being an exclusive product, these pieces are available at art stores as well as the Inversiones Shop during the time of the exhibition.

PABLO IN COMMERCE

ESTEBAN ZAPATA


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ESTEBAN ZAPATA

1 — 3, Pablo in Commerce


CORPORATE COMMANDS

THE INSTITUTE FOR INFINITELY SMALL THINGS

The Institute for infinitely small thingsViven en Boston, Estados UnidosCORPORATE COMMANDSInvestigación y performace

El Instituto para las Cosas Infinitamente Pequeñas es un colectivo abierto de 5 a 20 miembros según el proyecto y cuyos artistas principales son Kanarinka y Pirun. Ellos llevan a cabo investigación creativa y participativa que pretende transformar espacios públicos dominados por intereses privados. Usando performance y conversación, ellos ´cosas pequeñas` de carácter social y político, tales como la publicidad corporativa, los nombres de las calles, y la terminología de seguridad que surgió después del 11 de septiembre de 2001. Ellos publican los resultados de sus investigaciones en mapas, libros y videos.

Las base de datos internacional de comandos corporativos es un trabajo instruccional, donde se realiza una acción preformativa tan literal como sea posible, de publicidades imperativas tales como: Just do it, Tren on the future, live without limits, Tap into great taste, Think different. Comandos que en su mayoría son ignorados por el público sobresaturado de publicidad.

Esta información es posteriormente tabulada y analizada buscando una mejor comprensión de los mecanismos que actúan tras el abuso del poder y sus implicaciones culturales en sentido amplio.

The Institute for infinitely small thingsLive and work in Boston, United StatesCORPORATE COMMANDSResearch project and performance

The Institute for Infinitely Small Things conducts creative, participatory research that aims to temporarily transform public spaces dominated by corporate and political agendas. Using performance and conversation, we investigate social and political “tiny things”. These have included corporate ads, street names, and post-9/11 security terminology. The Institute markets dissent through its research reports in the form of maps, books and videos. This interdisciplinary group has a varied and open membership of 20+ people.

The Institute for Infinitely Small Things performs corporate commands where they occur in the urban landscape. We try to perform each command as literally as possible. Corporate Commands are advertisements on posters and billboards in public spaces where corporations tell you to DO something. A corporate command is an instruction to you, the viewer, in the imperative form. Typically, corporate commands instruct you in abstract modes of being, i.e. Live Like You Mean It, Just do it, Tren on the future, live without limits, Tap into great taste, Think different. The Institute is interested to see what happens when we take this language literally, right where it occurs.


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THE INSTITUTE FOR INFINITELY SMALL THINGS

1 — 3, Corporate Commands


Juan Fernando OspinaVive y trabaja en Medellin, Colombia¡LA PLATA LLAMA LA PLATA!Instalación. 2009

Cada año el mismo cuento: el presidente sube el salario por decreto y chillan los trabajadores, ¿Ha de ser así toda la vida? Sí!. A no ser que los “camelladores” dejen de quejarse y aprendan a invertir en lugar de estar pensando sólo en los zapatos y en el almuerzo. Está comprobado que con el salario mínimo cualquier persona inteligente es capaz de hacer milagros, o si no, !Mire!.

Juan Fernando OspinaLives and works in Medellin, Colombia MONEY CALLS MONEY!Installation, 2009

Every year it’s the same thing: the President raises the minimum wage by law and the workers cry. Is it going to be like that for the rest of our lives? Yes! Unless the workers stop complaining and learn to invest instead of thinking only about shoes or lunch. It has been proven that with the minimum wage any intelligent person is capable of miracles. If you don’t believe, just take a look!

¡LA PLATA LLAMA LA PLATA!

JUAN FERNANDO OSPINA


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JUAN FERNANDO OSPINA

1 — 4, ¡La plata llama la plata!


Nina Bianchi y Corine VermeulenViven y trabajan en Detroit, Estados UnidosMINI LÍNEA DE ENSAMBLE DE DETROIT Instalación. 2009

La Mini Línea de Ensamble de Detroit es un equipo de producción nomádico que vive en Detroit y es liderado por Nina Bianchi y Corine Vermeulen. Ellas emplean fuerza laboral y herramientas locales para producir ediciones limitadas de libros y publicaciones. El concepto de la línea de ensamble está influenciado por los procesos de manufactura de Henry Ford, integrado a la Impresión Por Demanda contemporánea.

La instalación inaugural de la Mini Línea de Ensamble de Detroit se llevó a cabo en 2008 en el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, que había sido el hogar de un showroom para automóviles. El equipo de trabajo utilizó una grapadora y una guillotina industriales, y papel de impresión láser para producir tres catálogos secuenciales para la exposición Considering Detroit, culminando en un recuento comprensivo de la exposición, diseño y proceso de producción.

En Colombia tuvimos en cuenta el papel que Medellín ha desempeñado como uno de los más grandes centros textiles de Latinoamérica y trabajamos con un sastre local para terminar el proceso de encuadernación. El diseño del catálogo, que usted sostiene en sus manos, es una estructura flexible compuesta de páginas autónomas que pueden ser organizadas en cualquier orden.

CONTACTO: ninabianchi.com / [email protected] / [email protected]

Nina Bianchi y Corine VermeulenLive and work in Detroit, USADETROIT MINI ASSEMBLY LINE Installation, 2009

Detroit Mini Assembly Line is a nomadic production team based in Detroit, Michigan and led by Nina Bianchi and Corine Vermeulen. The team employs local labor and utilizes local manufacturing tools to produce limited edition books and publications. The assembly line concept is influenced by Henry Ford’s manufacturing processes (Fordism) and integrated with contemporary “print-on-demand” (POD) practices.

Detroit Mini Assembly Line’s inaugural installation took place in the summer of 2008 at the Museum of Contemporary Art Detroit, notably the former home of an automotive showroom. While on site at MOCAD, the team utilized tools such as a high-powered saddle stitcher, an industrial paper cutter and a common office color laser printer to produce three sequential catalogs for the Considering Detroit exhibition. Each version of the catalog is built upon the last, culminating into a comprehensive overview of both the exhibition, design and production process.

For our Colombia assignment, considering Medellin’s role as one of the largest textile centers in Latin America, we proposed to work with a local tailor to be the binding (stitching) component in the process. The design of the catalog, which you are holding in your hands now, is a loose, flexible structure composed of autonomous pages that can be arranged in any given order.

DETROIT MINI ASSEMBLY LINE

NINA BIANCHI & CORINE VERMEULEN

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NINA BIANCHI & CORINE VERMEULEN

1, Detroit Mini Assembly Line July 2, 20082, Detroit Mini Assembly Line July 10, 20083, Detroit Mini Assembly Line July 25-, 2008


Luis Fernando Arango DuarteVive y trabaja en Manizales, ColombiaINVERSIONES PARAÍSO AL 4%Plataforma de comunicación y reflexión. 2009 – 2019

Este proyecto plantea el lanzamiento de una plataforma artística de comunicación que promueve intercambios con grupos interdisciplinares, instituciones, empresarios y redes de artistas a nivel local, nacional e internacional que ayuden a impulsar activamente una reflexión crítica sobre la distribución de la riqueza en el mundo. Busca conmover y convencer a las 512 personas más ricas del planeta para que donen el 4% de sus fortunas y de esta forma acabar con la inequidad y la extrema pobreza en la Tierra.

El proyecto se propone como una negociación una transacción con los más poderosos al proponerles una reinversión de utilidades pero en el sentido más humanitario, como si la humanidad misma declarara un impuesto a los patrimonios más altos, una tasación que permita acabar con la miseria de 3.000’ 000.000 de personas.

Luis Fernando Arango DuarteLives and works in Manizales, ColombiaPARADISE 4% INVESTMENT COMPANYCommunication Platform, 2009 – 2019

This project launches an artistic communication platform to promote exchanges with interdisciplinary groups, institutions, company owners and networks of artists at the international, national and local level to help boost a critical reflection about wealth distribution.

It seeks to move and convince the 512 wealthiest people on the planet to donate 4% of their fortunes to end inequity and extreme poverty on earth.

INVERSIONES PARAÍSO AL 4%

LUIS FERNANDO ARANGO

CONTACTO: inversionesparaisoal4xciento.blogspot.cominversionesparaisoal4xciento@gmail.com

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LUIS FERNANDO ARANGO

1 — 3, Inversiones Paraíso al 4%


Mauricio Carmona & Luis Alfonso Agudelo Medellín, ColombiaINVENTAR EL AGUA

Este proyecto surge de una expresión utilizada por don Luis Alfonso Agudelo, que recoge claramente la forma en la que él y muchos de los habitantes del barrio Moravia, en Medellín (Antiguo basurero municipal), se enfrentan a sus condiciones de vida, llevándolos a generar soluciones a las necesidades básicas a través de la apropiación de los recursos que encuentran a su alcance.

Don Luis, quien desde finales de los años setenta desarrolló diversas técnicas para el abastecimiento de agua y energía eléctrica para su barrio, fue trasladado por la administración municipal en el 2008 a un apartamento en el último piso de uno de los bloques del conjunto de “interés social” Álamos 1. Él recurre a sus conocimientos como fontanero para la construcción de un sistema de recolección y aprovechamiento de agua lluvia, por medio de la implementación de un dispositivo que se conecta a un tubo de PVC ubicado en una esquina de su habitación, que evacúa el agua de la terraza del edificio, configurando una nueva red de tubería que reconduce el agua hacia el interior de la vivienda, para almacenarla en unos recipientes ubicados en la cocina y posteriormente aprovecharla en actividades que no requieren de agua potable.

Mauricio Carmona & Luis Alfonso AgudeloMedellín, ColombiaINVENTING WATER

This project comes from an expression used by Luis Alfonso Agudelo, Inventing Water, that describes clearly the way he and the other inhabitants of Moravia, Medellin face their living conditions. They come up with solutions for their basic needs through the appropriation of resources that they have within their reach in order to build a better place in the middle of the old municipal dump.

Luis Alfonso developed several techniques to supply his neighborhood with water and electricity for four decades. In 2008 he was relocated by the Municipal Administration to an apartment at the Alamos I housing project. Using his knowledge as a plumber to build a rainwater collection system, he implemented a device that connects to a PVC pipe located on the corner of his room, that drains water from the terrace, configuring a new net that redirects water towards the interior of the apartment. Then it is stored in some containers

INVENTAR EL AGUA

MAURICIO CARMONA & LUIS ALFONSO AGUDELO EN MEMORIA DE DON LUIS ALFONSO AGUDELO (SANTO DOMINGO, 1947 – MEDELLÍN, 2009).

IN MEMORY OF LUIS ALFONSO AGUDELO (SANTO DOMINGO, 1947 – MEDELLÍN, 2009).


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MAURICIO CARMONA & LUIS ALFONSO AGUDELO

1, Inventar el agua


Laura Puerta BarcoVive y trabaja en Manizales, ColombiaFIGURITAS COLECCIONABLES: GALERÍA DE BOLSILLOÁlbum y láminas adhesivas. 2009

Dentro de la curaduría Inversiones, se plantea Figuritas coleccionables: Galería de bolsillo como un proyecto curatorial que no está al margen del mercado, a partir de estrategias alternativas que incentivan la cultura del coleccionismo del arte a través de la publicación y venta de un álbum de figuritas coleccionables. Cada figurita es la impresión en adhesivo de una obra bidimensional de un artista residente en la región Centro Occidente del país, para lo cual se realizó una convocatoria abierta a la que se presentaron 80 obras, de las cuales cuatro fueron seleccionadas. Estas obras, junto a otras cinco de artistas invitados, fueron convertidas en calcomanías de colección y de edición limitada.

Tanto los álbumes como las calcomanías son para la venta en las cuatro principales ciudades de la región. El 50% del ingreso de cada calcomanía vendida es entregado al artista. Además de ser un espacio para la colección, cada álbum tiene el contacto de cada uno de los artistas participantes, generando vínculos permanentes entre los creadores de las diversas ciudades, siendo éste también un proyecto para la difusión y circulación de las prácticas artísticas regionales.

Laura Puerta Barco Lives and works in Manizales, ColombiaCOLLECTIBLE FIGURINES: POCKET GALLERYAlbum and Stickers, 2009

Within Inversiones, Collectible Figurines: Pocket gallery is a curatorial project that is not set aside from the market but uses alternative strategies that incentivize a collector’s culture by using the publication and selling of an album of collectible adhesive figurines. Each figurine is a printed sticker of a two dimensional artwork by a regional artist, selected by an open call for works. Four works were chosen out of the 80 that were submitted plus five more pieces by invitation. Each piece was printed as a collectible sticker for a limited edition album.

These albums and stickers are for sale in the four main cities of the region: Medellín, Manizales, Pereira and Armenia. Fifty percent of the proceeds will go to the artist. In addition to being a collection of artwork, the album includes information of the participating artists to create a connection between the artists of the region, helping communication and the circulation of regional artistic practices.

FIGURITAS COLECCIONABLES: GALERÍA DE BOLSILLO

LAURA PUERTA

CONTACTO:figuritascoleccionables.blogspot.com

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LAURA PUERTA

1, Figuritas coleccionables: Galería de bolsillo


Liliana Correa Vive y trabaja en Medellín, ColombiaTARJETAS DE VISITA [MEDELLÍN, MANIZALES, PEREIRA Y ARMENIA] Fotografía digital. 2009

En una apropiación del concepto clásico de TARJETA DE VISITA, este proyecto de creación fotográfica busca indagar a partir del retrato de mujeres en sus hogares, la construcción de modelos estéticos y el significado de los objetos cotidianos que representan la diversidad social y económica de nuestro país; desde una perspectiva documentalista y etnográfica se abordan imaginarios populares en el espacio específico de las salas de los hogares colombianos, para este caso en ciudades como Pereira, Armenia, Manizales y Medellín.

Liliana Correa Lives and works in Medellín, ColombiaVISITING CARDS [MEDELLÍN, MANIZALES, PEREIRA Y ARMENIA] Digital photography, 2009

This project appropriates the classic concept of carte de visite (French “visiting card”) by portraying women in their homes. These photographs inquire about the construction of aesthetic models and the meaning of everyday objects that represent social and economical diversity in Colombia. With a documentary and ethnographical perspective the way society thinks is addressed within the specific space of their living rooms, in this case in the cities of Pereira, Armenia, Manizales and Medellin.

TARJETAS DE VISITA

LILIANA CORREA

CONTACTO:flickr.com/photos/lilianacorrea/[email protected]

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LILIANA CORREA

1 — 3, Tarjetas de visita


ECONOMIC PRIMACY

JULIKA RUDELIUS

Julika RudeliusVive y trabaja en Amsterdam y New York ECONOMIC PRIMACY Video Instalación. 2005

La obra de Julika Rudelius investiga el comportamiento humano, y los códigos y características que los grupos usan para identificarse. Los medios son parte de esta identificación: Exponer la vida privada es un objeto de intercambio deseado en televisión.

En Economic Primacy hombres de negocios en Holanda exponen sus convicciones y prejuicios sobre el dinero, sobre tenerlo o no, sobre quién, entre un rico, un millonario o un multimillonario es el más pobre. Este proyecto es una proyección doble, con múltiples cámaras.

Julika RudeliusLives and works in Amsterdam and New York ECONOMIC PRIMACYVideo Installation, 2005

Rudelius’ work investigates human behavior, as well as the codes and characteristics that groups use to identify themselves. The media has taken a part in this identification; exposed private life is a wanted trade object on TV.

In Economic Primacy Dutch businessmen expound their convictions and prejudices about money, about having money, about who is the poorest person in a room that includes a rich person, a millionaire and a multimillionaire. This project is a double projection, using multiples video cameras.


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JULIKA RUDELIUS

1 — 4, Economic Primacy


Víctor MuñozVive y trabaja en Medellín, ColombiaLA PIRÁMIDE DE LADRILLO Plataforma de comunicación y mercadeo. 2009

Este proyecto de participación solidaria propone insertarse en los procesos de producción urbana, las dinámicas de venta y oferta de inmuebles, y señalar desde la participación colectiva la dimensión popular y participativa de la población. Igualmente, pretende comentar, revisar y utilizar el fenómeno “pirámide” a nivel económico cultural y a nivel histórico, sus variables y apropiación en el imaginario de las comunidades del Eje Cafetero y Antioquia.

La pirámide con los ladrillos donados es construida en el espacio público donde puede ser vista abiertamente y utilizada como referente cultural y comercial. El material obtenido (ladrillos) será posteriormente utilizado en programas de construcción de vivienda social o de habitación, este proceso será llevado a cabo a través de fundaciones de vivienda, solidaridad social y filantropía, entre otras de su tipo. Será una instalación donada y en donación, por lo cual se configura como una transacción material y de voluntades.

Victor MuñozLives and works in Medellin, ColombiaTHE BRICK PYRAMIDCommunication and marketing platform, 2009

This project proposes to insert itself into the processes of urban production and real state dynamics using a participatory strategy while it comments on, revises and uses the socio- economic, and historical phenomenon of the pyramid, its variable appropriation within communities, particularly from Antioquia, Risaralda, Caldas and Quindio.

A pyramid using donated bricks is built in the public space outside the exhibition space, where it is seen and used as a commercial and cultural landmark. The materials that make up the installation are then donated again to be used for housing construction programs for low income families through a foundation set-up for this purpose.

LA PIRÁMIDE DE LADRILLO

VÍCTORMUÑOZ


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VÍCTORMUÑOZ

1 — 2, La pirámide de ladrillo


Colectivo Arboleda Viven y trabajan en Armenia, ColombiaÑUCO, ÑENGUE Y MAÑÉ Fotografía digital. 2009

La crisis económica de los departamentos del Eje Cafetero en Colombia, región que se ha caracterizado por ser “Rica, Joven y Poderosa”, presenta diversos contrastes y desigualdades en la calidad de vida que se evidencian principalmente en las ciudades capitales que la conforman. Los giros, envíos y remesas del exterior fenómeno de la inmigración creciente ha repercutido en las formas de acumulación de las familias y se presenta como una forma de apropiación transcultural que niega los rasgos de identidad y establece nuevos modelos en las arquitecturas locales a través de las estéticas de ostentación.

Ñuco, ñengue y mañé es un proyecto de investigación y creación interdisciplinario, que plantea develar una realidad socio cultural que es aceptada y reproducida cotidianamente. Señala las implicaciones estéticas, sociológicas y económicas, a través de recoger y arrojar elementos visuales y testimoniales que den cuenta del contraste en torno a los imaginarios ciudadanos, su representación y significación local.

Arboleda Artists Collective Live and work in Armenia, ColombiaÑUCO, ÑENGUE Y MAÑÉDigital photography, 2009

The economic crisis in the Colombia states of Caldas, Risaralda and Quindio, a region that has been named “rich, young and powerful”, presents diverse contrasts and inequalities in their quality of life that manifest themselves in the three main cities of the region. Money transfers from abroad are a phenomenon of growing emigration which have had repercussions in the ways in which families accumulate their wealth and it is presented as a form of trans-cultural appropriation that blends together their identity characteristics and establishes new models of aesthetics which are particularly reflected on architectural facades.

Ñuco, ñengue y mañé is an interdisciplinary project combining research and creation that seeks to unveil a sociocultural reality that is accepted and reproduced on a daily basis. It points out the aesthetic, sociologic and economic implications, by gathering visual elements as a testimony of a culture.

ÑUCO, ÑENGUE Y MAÑÉ

COLECTIVO ARBOLEDAJORGE IVÁN BERMÚDEZ, HERNANDO MUÑOZ Y PATRICIA VELÁSQUEZ


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COLECTIVO ARBOLEDA

1 — 4, Ñuco, Ñengue y Mañé


Libia PosadaVive y trabaja en Medellín, ColombiaDE LA SERIE ATLAS BÁSICO: SALA DE EMERGENCIAInstalación, dibujo, impresión digital, litografía. 2009

De la serie Atlas Básico: sala de emergencia en un espacio aséptico y ambiguo, entre paisaje geográfico y hospitalario, están dispuestas una serie de ocho camillas de rescate, en las cuales se ha sustituido la lona, por un fragmento en blanco y negro del mapa de Colombia. Sobre estos fragmentos de mapa se encuentran trazadas, las principales rutas de desplazamiento forzado en Colombia, así como unos pequeños mapas de ruta, del desplazamiento diario, en busca de alimentos, descrito por un grupo de mujeres, en diferentes sectores de la ciudad de Medellín.

En otro lugar del espacio se haya dispuesta una rosa de los vientos doble, donde el oeste y el este han sido sustituidos por las palabras left y right y contiguo a esta, tres grupos de pequeños mapas, sobre pobreza y desigualdad en Colombia.

En esta serie, la artista nos presenta el mapa como cuerpo y soporte a la vez de esas “otras” cartografías, las no oficiales, reales pero invisibles, en las cuales se evidencian una serie de relaciones de poder, sociales, económicas y políticas que tienen su expresión final en el cuerpo, terreno de representación de la experiencia individual y colectiva.

Libia PosadaLives and works in Medellín, ColombiaFROM THE SERIES BASIC ATLAS: EMERGENCY ROOM Installation, drawing, digital print, lithography, 2009

From the Series Basic Atlas: Emergency Room. Within an aseptic and ambiguous space, between geographical and hospital like environments, eight stretchers are laid out. The stretchers’ fabric have been replaced with paper, each printed with a blank and white image showing part of the map of Columbia. Over these fragments of the map lines are drawn to represent the forced displacement routes in Colombia. This information was provided by a group of women from different neighborhoods in Medellin. In another place there is a compass, where east and west have been substituted by the words left and right. There are also three small stacks of maps printed on paper, about poverty and inequality in Colombia.

In this series the artist presents the map as a body and as the basics for “other” cartographies, unofficial ones, real but invisible. Here one can see all kinds of power relations, as well as social, economic and political relations that express themselves in the human body, the territory for individual and collective experience.

DE LA SERIE ATLAS BÁSICO: SALA DE EMERGENCIA

LIBIA POSADA


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LIBIA POSADA

1 — 4, De la serie Atlas Básico: Sala de Emergencia


Rodrigo GrajalesVive y trabaja en Pereira, ColombiaMARMATO MAL TRATOFotografía digital. 2009

La agonía es el estado previo a la muerte, este estado agónico es el que presenta la población de Marmato en el norte del departamento de Caldas, un pueblo minero que remonta su explotación de vetas desde el período de la Colonia.

A través de las imágenes fotográficas como último vestigio de las erosiones, de los desgastes, de las fisuras, del dolor y de la muerte; las inversiones, las transacciones, las especulaciones, los mercados, las transnacionales del poder, del capital y los gobiernos de estados indiferentes que privilegian las economías globales y dan la espalda a las culturas locales, son representados.

Rodrigo GrajalesLives and works in Pereira, ColombiaMARMATO MISTREATMENT Digital Photography, 2009

Agony is the state before death. It is this state that the population of Marmato represents. Marmato is a town located north of Manizales, Caldas, a mining town that has been exploiting gold veins since colonial times.

Using photographs as the last vestige of erosion, the images portray the worn out landscape, fissures, pain and death, product of the investments, transactions, speculations, markets, transnational power, capital and the indifferent governors that choose the global economy over the local culture.

MARMATO MAL TRATO

RODRIGO GRAJALES


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RODRIGO GRAJALES

1 — 4, Marmato Mal Trato


Gabriel Mario VélezVive y trabaja en Medellín, ColombiaPREPAGODispositivos interactivos. 2009

Al realizar el pago se cierra el circuito de una transacción cuyo supuesto es la garantía de un beneficio: un concepto básico de los sistemas de intercambio económico. No obstante son muchos los ámbitos donde el coste de oportunidad supera el rendimiento y la ganancia deriva en pérdida. Tal tipo de escarmiento se produce aún sin invertir en el mercado especulativo, lo que hace explícito el carácter fundamentalmente simbólico de todo el dispositivo.

Con Prepago, el espectador es conminado a tomar la decisión de pagar para acceder a la experiencia. No hay garantía de ganancia o beneficio. La vía para la sensación es a través de la dificultad e incluso |del castigo.

Gabriel Mario VélezLives and works in Medellín, ColombiaPREPAIDInteractive Devices, 2009

When a payment is made the circuit of a transaction is closed and is supposed to represent the guarantee of a benefit: the basic concept of the economic exchange system. Nevertheless the scope where the opportunity costs overcome performance and profit derives in loss is ample. This kind of lesson is produced even without investing in the speculative market, and this makes explicit the symbolic character of the device.

In Prepaid, the spectator is forced to make the decision to pay to access the experience. There is no guarantee of wining or getting any benefit. The path to getting a sensation is through a degree of difficulty or even punishment.

PREPAGO

GABRIEL MARIO VÉLEZ


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GABRIEL MARIO VÉLEZ

1 — 2, Prepago


ARTE Y ARTISTAS

COMO MEDIADORES CULTURALES EN

COMUNIDADES LOCALES

CARLOS URIBECURADOR

El Centro de Desarrollo Cultural de Moravia CDCM, equipamiento cultural construido por las dos últimas administraciones municipales, en cooperación con fundaciones privadas del país e inaugurado el 24 de mayo de 2008, es actualmente un proyecto comunitario piloto en Medellín por la dinámica cultural y educativa que ha mostrado en sus dos años de operación y por el nivel de apropiación de las comunidades vecinas, al constituirse en punto de referencia obligado sobre las prácticas culturales y las políticas del desarrollo cultural que se proyectan para diferentes sectores del área metropolitana del valle de Aburrá.

La zona de influencia del CDCM es la habitada por los vecinos de los barrios que confluyen en la Comuna 4 –Aranjuez- y en cuyo corazón se encuentra el barrio Moravia, el sector más joven en poblamiento, con escasos 40 años de urbanización no planificada y antiguo basurero de la ciudad, en el que habitan aproximadamente 48.000 habitantes, 3.500 de ellos en procesos de reasentamiento permanente, lo cual lo convierte en la barriada de mayor movilidad y densidad poblacional por área en el país y una de las más altas entre las ciudades latinoamericanas.

Como uno de los enfoques de reconstrucción del tejido social presente y con el propósito de acompañar a las comunidades involucradas, la Secretaría de Cultura Ciudadana, la caja de compensación familiar COMFENALCO Antioquia –operador del proyecto- y el Centro Colombo Americano de Medellín, consecuentes

con su acción de transformación social responsable desde el arte, convocaron en junio de 2008 a 21 artistas y colectivos de diferentes ciudades de Colombia –Cartagena, Bucaramanga, Medellín y Bogotá-.

Estos profesionales cercanos a experiencias relacionales y de trabajo en comunidad desde las prácticas artísticas presentaron proyectos de interacción y vínculo entre su práctica y las dinámicas sociales presentes, ahondando en las lógicas culturales de procedencia o glocalizadas así como en sus significados, en los fenómenos de identidad, memoria y transformación urbana consecuentes con el proceso de reubicación presente, en construir sentido a través de las pedagogías artísticas, el intercambio de saberes, la creación y afianzamiento de proyectos productivos o de sostenibilidad económica entre habitantes, entre otros tópicos; situados todos en la zona de Moravia y en la Ciudadela Nuevo Occidente –sector de reubicación distante 12 kilómetros de Moravia-, paisaje de la ciudad moderna y frontera para las nuevas oleadas de habitantes en la búsqueda de oportunidades económicas.

Este proceso de investigación y acción curatorial denominado Ex situ / In situ Moravia, prácticas artísticas en comunidad, del cual somos co-curadores Fernando Escobar, Juan Alberto Gaviria y quien escribe, se propuso ahondar en la dicotomía entre progreso vs desarrollo -los habitantes ex propiados o los que permanecerán in situ hasta una nueva ordenanza- y

cuestionar los modelos de desarrollo urbano aun imperantes en las ciudades del Tercer Mundo, incluidas las latinoamericanas -teniendo como caso de estudio a Moravia en Medellín-, en las cuales el ideal planificador de la sociedad y sus gobernantes desplaza a las comunidades locales de sus lugares de arraigo para recobrar los espacios perdidos por la diáspora del progreso, homogeneizándolo todo y borrando de paso: las arquitecturas, las dinámicas barriales, las organizaciones comunitarias, las redes de solidaridad espontánea, los circuitos de sobrevivencia individuales y/o colectivos, los lazos vecinales, la construcción cultural, los saberes, las estéticas de procedencia, la memoria…¡todo!

Ex-Situ / In-Situ Moravia, prácticas artísticas en comunidad se estructura a partir de dos ejes discursivos: los imaginarios y las acciones de intervención urbana, en las cuales la idea formal de la sociedad y de los modelos civilizatorios se imponen por vías de hecho, sobre la acción espontánea, cotidiana e informe de las distintas comunidades que refundan permanentemente y le dan sentido a los espacios de la ciudad, las zonas muertas (o “punto cero”, como el antiguo basurero en Moravia) y los lugares de tránsito, despreciados por el estatuto planificador moderno.

Es precisamente en ese espacio fronterizo entre la ciudad moderna y las comunas de Medellín, en esos lugares situados donde tiene su radio de acción el Centro de Desarrollo Cultural de Moravia como laboratorio social, en el que las prácticas artísticas en comunidad se ubican en el centro del conflicto descrito y se insinúan como el puente relacional de comunicación, que sin prescindir de lecturas críticas sobre la realidad, conectan a las comunidades entre sí y con sus lugares de memoria y vivencia, generando proyectos de economía y cultura, planteando formas alternas de organización y supervivencia distantes de lógicas mercantiles, generando dinámicas de intercambio, pedagogía creativa y sostenibilidad.

La indagación y el diálogo permanente que han establecido los 21 artistas y colectivos seleccionados -18 por invitación directa y 3 por convocatoria pública- para este proyecto, entre 2008 y 2010 con las

comunidades vinculadas: desplazados, reasentados, madres comunitarias, amas de casa, población afrodescendiente, indígenas, jóvenes de la comunidad hip hop, niños y niñas, estudiantes de las comunidades educativas, entre otros, en la construcción colectiva de lo público sobre procesos de refundación de la ciudad, la memoria histórica, el diálogo de saberes sociales, los imaginarios culturales, la creación de redes y el afianzamiento de las prácticas pedagógicas comunitarias en la producción de nuevos espacios públicos de encuentro, es sin duda, el mejor legado que el Centro de Desarrollo Cultural de Moravia y las instituciones que apoyan al proyecto Ex-Situ / In-Situ Moravia, prácticas artísticas en comunidad pueden aportar al desarrollo sociocultural de estos habitantes, en particular, y de las comunidades que los cobijan, en la resonancia que puedan tener estas acciones de alternativa económica desde el arte en la sociedad.

Ejemplo de ello, son los proyectos: Inventar el agua y De descarte: el futuro está en la basura, de Mauricio Carmona & Luis Alfonso Agudelo y Natalia Restrepo & Natalia Echeverri, respectivamente, que desde Moravia hacen parte de la curaduría Inversiones: [arte + intercambios + transacciones]. Ambos, abordan la complejidad del proceso de transformación urbana en la vivencia de sus habitantes, pero generan alternativas consecuentes con la memoria y la recursividad propias del ser latinoamericano: el caso de don Luis Alfonso como fontanero inventor de soluciones prácticas para mejorar la economía de sus vecinos en los nuevos apartamentos de reubicación, y el de Estella, La Costeña, Marisol y otros habitantes de Moravia quienes aprenden y enseñan la elaboración de objetos reciclados dignificando el insumo que históricamente representa a su comunidad ante la ciudad: la basura, y generando posibilidades de mejoramiento económico para sus familias.

Como “obra” en proceso Ex-Situ / In-Situ Moravia, prácticas artísticas en comunidad concibe además de las activaciones y acompañamientos permanentes a estos grupos o comunidades vinculadas, una estrategia de comunicación pública a través de varios canales o redes de participación: un periódico


comunitario ¿Qué pasa? con nueve ediciones donde la voz de la comunidad es quién guía el contexto de los proyectos desarrollados, una página web activa www.exsitu-insitumoravia.com con links y servidores de video y audio documental al igual que un blog para ampliar inquietudes, y un catálogo de 128 páginas con la memoria de las experiencias artísticas; éste último recoge cada uno de los procesos realizados por los artistas como mediadores culturales en las comunidades específicas que vincularon, las reflexiones y constructos teóricos que aportaron estos y el equipo de curadores convocantes, así como el acercamiento estético que la artista visual Natalia Echeverri realizó sobre las apropiaciones culturales desde las arquitecturas de procedencia en el sector de El Morro entre 1999 y 2005. El interés del equipo curatorial es ofrecer este material documental a los interesados de los diferentes campos disciplinares para que suscite reflexiones, no sólo académicas, sino un debate constructivo sobre las prácticas culturales en la generación de alternativas de crecimiento económico e intercambio creativo entre artistas y sujetos no-artistas.

De estos dos años en los cuales hemos creído que la continuidad es la mejor estrategia para cultivar confianza en un diálogo entre saberes distintos, pero no extraños, extiendo la gratitud a los artistas que han creído en el proyecto por su compromiso y actitud generosa, desprendida de todo ego en un mundo atractivo cada día por el mercado del arte; ante su postura independiente y alejada de todo éxito personal la cual prescinde de reconocimientos y estrategias de promoción, pero que ha encontrado igualmente un nicho de trabajo, de remuneración económica y de supervivencia artística que los dignifica. A los colegas curadores por aportar su discurso crítico sobre el campo expandido de las prácticas artísticas y sobre las experiencias que cada uno ha jalonado desde su posición teórica y práctica, Juan con su propuesta de arte social desde la galería del Centro Colombo Americano y Fernando desde su militancia independiente articulada a su maestría en geografía humana; a las entidades estatales, a la empresa privada, a las instituciones educativas y a las organizaciones

comunitarias que nos han respaldado. Finalmente, un agradecimiento sincero a las comunidades que participaron en la creación de estos espacios públicos de diálogo y relación, a cada uno de los habitantes vinculados por su convicción y deseo de establecer puentes con “otros”, sin desconfianza, pensando más en lo positivo que puede generar este encuentro de saberes, para el desarrollo de su Comunidad y de sí mismos.

Carlos Uribe, Curador y Director del Centro de Desarrollo Cultural de Moravia



El 18 de junio de 2009 se inauguró en las salas temporales del Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, la exposición Warhol. Mr. América. A pesar de que esta no es la primera exposición que se hace de este artista en el país –en 1974 el Museo de Arte Moderno de Bogotá hizo una muestra con una selección de sus obras–, sí puede ser la más importante que, en torno a Andy Warhol, se ha realizado en Colombia hasta la fecha. La muestra comprendió 26 pinturas, 57 serigrafías, 39 trabajos fotográficos y 2 instalaciones, así como 14 películas de Warhol que se exhibieron en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

Pero, ¿Por qué hablar de Warhol para introducir estas reflexiones sueltas en torno al mercado del arte? Por un lado, es un simple punto de partida. De otro lado sin embargo, me interesa proponer la tesis de que, de la misma forma en que para Arthur C. Danto se marca una transformación en las prácticas artísticas con las Brillo Boxes de Andy Warhol, así mismo éste artista puede servir de mojón para marcar un antes y un después en el mercado del arte y, especialmente, en la manera en las que los artistas se relacionan con él.

En Después del fin del arte, el arte contemporáneo y el linde de la historia, Danto introduce el concepto de lo post-histórico. No es del caso entrar en una disertación profunda en torno a las ideas de este filósofo, pero recoger, en términos generales, algunos conceptos, puede resultar iluminador, aunque parezca que no estamos hablando del mercado del arte.

ALGUNAS REFLEXIONES SUELTAS SOBRE

EL MERCADO DEL ARTE

CONRADO URIBE ESCRITOR INVITADO

ALGUNAS REFLEXIONES SUELTAS SOBRE EL MERCADO DEL ARTE

Las Brillo Boxes –en tanto que piezas que evidencian la ineficacia de los sentidos en la identificación y caracterización de las obras de arte: no hay nada que las diferencie, en su apariencia, con las cajas de la esponja lavaplatos en el supermercado– marcan el fin de una historia, la del modernismo, caracterizada por la irrupción de un nuevo nivel de conciencia, manifiesta en la pintura como un tipo de discontinuidad en la que la representación mimética se volvió menos importante que otro tipo de reflexión sobre los sentidos y los métodos de representación. Los modernismos son tanto estilo como estrategia y acción. Para Danto, Vincent Van Gogh y Paul Gauguin son algunos de los fundadores de este nuevo momento en la historia.

El arte contemporáneo en cambio se presenta como un estado en la producción de las artes que, desprendido de la narrativa maestra que dominó la modernidad, propone unos productos artísticos a los que no se les puede aplicar una lectura como la que había dominado el momento precedente. “(…) Lo contemporáneo es, desde cierta perspectiva, un período de información desordenada, una condición perfecta de entropía estética, equiparable a un período de una casi perfecta libertad. Hoy ya no existe más el linde la historia, todo está permitido.” Danto reconoce que la característica de todo este nuevo período es quizás la ausencia de estrategias claras, de una narrativa única, que marquen una dirección determinada. La norma es la ausencia de norma. La marca del arte contemporáneo

es, en contraste obligado con el modernismo, su condición demasiado pluralista en intenciones y realizaciones que evitan su comprensión bajo una única dimensión.

En una de sus múltiples declaraciones, Warhol dijo: “Un artista es aquel que produce cosas que la gente no necesita, pero que él –por alguna razón– cree que es una buena idea ofrecérselas. Es mucho mejor hacer arte comercial que arte por el arte, porque el arte por el arte no aporta nada al espacio que ocupa, mientras que el arte comercial sí. Si el arte comercial no aporta nada a su espacio, no tiene mercado”. Frases de este tipo, frívolas en apariencia, son la punta de iceberg de una estrategia con la que se pone en jaque muchos de los preceptos que rigieron las prácticas artísticas en la modernidad: la autonomía del arte (su autoexclusión de otros tipos de discursividad en una patética búsqueda de pureza); el paradigma del artista que emplea el arte como la manifestación última de su individualidad; y la obra de arte como un producto original, realizada en el estudio de un individuo y no en una fábrica o factory, como bautizó su taller. En realidad todo su procedimiento era una sagaz estrategia para socavar las ideas modernas de arte y artista.

Andy Warhol es, sin lugar a dudas, un artista fundamental cuando intentamos entender el fenómeno del arte y su mercado en la contemporaneidad. No sólo logró convertirse en un producto con una campaña de mercadeo tan exitosa como Coca-Cola, sino que además fue el primero en reconocer que el arte era una parte –natural– de un sistema de mercados, y que él era en elemento fundamental dentro de éste. “Comprar es más americano que pensar”, dijo Warhol en otra oportunidad, una frase que reconoce el carácter, la sub-estructura, de un contexto como el estadounidense. Hasta antes de la llegada e inserción de este artista en el campo del arte, el valor de la obra estaba determinado, como el de muchos otros productos culturalmente apreciados, no tanto por lo que pudiéramos llamar su “costo real”, sino por una serie de valores que se imponen tanto cultural como socialmente. Warhol fue el primer artista que no tuvo reparos en reconocer el arte dentro de un sistema de mercados, y a él mismo como parte crucial

de ese sistema. Antes de Warhol la noción de artista se basaba en la idea kantiana del genio. Con Warhol, y especialmente después del él, se puso de manifiesto que un artista bien puede no ser tan distinto de una estrella de Hollywood o del espectáculo de masas. Un ejemplo actual de lo anterior es el artista inglés Damien Hirst. Lugar común, pero ineludible, cuando se abordan este tipo de análisis, Hirst ha sabido emplear a su favor toda una serie de estrategias mercantiles en la construcción de una marca en la que difícilmente se distingue obra de figura.

Otra de las sentencias de Warhol reza que “el negocio del arte es más interesante que el propio arte,” frase con la que pareciera dar continuidad a su propósito por deconstruir la tradición del pensamiento moderno, la cual tiene una serie de lastres que han entrado a poblar el imaginario colectivo del gran público. Uno de ellos consiste en pensar que el arte debe hablar por sí mismo, convencer y conmover inmediatamente al espectador, quien, a su vez, debe pararse en una especie de contemplación muda y negadora tanto de su condición ontológica como del mundo alrededor. Según esta tradición filosófica, el valor inherente a la obra debe hacerla valer por sí misma. En consecuencia, el gran público desea ser confrontado directamente con las obras, individualizadas y expuestas, sin que intervenga ningún tipo de mediación, ambición en la que se reconoce el influjo de artistas que manifiestan un cierto disgusto por cualquier tipo de prácticas mediadoras que relativicen, contextualicen o inserten la obra dentro de ciertas formas de narratividad. Una de estas prácticas contemporáneas es la curaduría.

Sin embargo, a pesar del interés que manifestó Warhol por modificar las reglas del juego que marcaron la tradición moderna, y la posición que asumió frente a la circulación del arte como parte de dicha estrategia, cuando se observan las características del mercado del arte se reconocen una serie de evidencias que lo atan a la situación histórica que se deseaba dejar de lado. Justamente es el mercado el espacio en el que las obras encuentran la oportunidad inalterada para demostrar los valores inherentes enarbolados por la modernidad, puesto que el proceso de circulación se


da de manera aislada, separada y descontextualizada. En otras palabras, las obras mercadeadas circulan sin estar curadas, exentas de cualquier tipo de narratividad, teniendo que hablar, convencer y conmover por sí mismas. Es por esto que muchas personas sienten que el mercado del arte puede ser más disfrutable que cualquier proyecto curatorial. Es el mercado del arte el contexto en el que las piezas se siguen volviendo fetiches. Allí las obras pueden volverse iconos o no, como resultado de los altos niveles de circulación que ofrece tanto el mercado mismo como los medios masivos de comunicación de los que se sirve, y no por su exhibición en espacios constructores de relatos. Estamos ante una (nueva) vuelta al viejo orden, una situación políticamente reaccionaria en un contexto que ha gritado la desmaterialización de la obra; que ha propuesto el arte como una serie de prácticas que permiten –entre otras cosas– el encuentro y la participación; que ha comprendido a los artistas en tanto que agentes socio-culturales que se parecen más a un antropólogo o a un etnógrafo que a un pintor decimonónico.

Si el mercado del arte es más interesante que el arte mismo o no, es una decisión que le queda a cada quien. Lo que se debe reconocer es su vinculación atávica con la tradición modernista. Serán los artistas mismos, quizás, quienes se encarguen de proponer otros tipos de intercambio que revisen, redefinan y actualicen ese mercado.

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