artez203

Carlos Gil Zamora

Número: 203 - año 19 · Marzo / Abril 2015 | Depósito Legal: SS-1154/97

Edita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: [email protected]

Portada | Foto del espectáculo ‘Hombres bisagra’ de Matarile Teatro ©Rubén Vilanova

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Bota la pelota mientras vota el pelota y en algunas esquinas la ilusión rebrota

Ni que decir tiene que acompañamos y nos acompañan acontecimientos teatrales que relucen más con la grasa que aporta la necesidad

de no dejar agujeros por los que se cue-len votos indecisos. Aunque sea de manera leve, en dirección opuesta a lo previsto en ocasiones, la Cultura también entra en almo-neda en tiempos electorales. Cuando menos nadie se atreve a manifestarse en contra, aunque tampoco se atrevan a reponer en las estanterías de las urgencias históricas los planes que ayuden a equipararnos en la materia con sociedades mucho más avan-zadas culturalmente. La convergencia con Europa, en general, está menos cerca hoy que hace treinta años.

Pero lo que hoy tenemos no es despre-ciable, aunque sí muy inseguro. Por lo que me declaro conservacionista. Está todo en manos de la voluntad de los equipos de gobierno, no hay reglamentación ni ley que obligue a ningún ayuntamiento, diputación, gobierno autonómico o estatal a hacer nada de lo hace respecto a las Artes Escénicas. Y eso no es saludable, eso provoca inestabilidad, propicia el escaqueo, lleva a que en unas épocas se construyan edificios y al día siguiente no se sepa qué hacer con ellos y en ellos, porque nadie, en ningún lugar se le ha ocurrido marcar un reglamento mínimo de usos y funciones de los teatros y salas de titularidad pública dedicados a la cultura de exhibición en vivo y en directo. Es un mal enquistado, que sería de agradecer se verbalizara y que alguna formación política de las concurrentes en los próximos comicios nos indicara si tiene alguna idea al respecto.

Decía que acompañamos un paso a la primavera con muchas pro-puestas, llevamos como es habitual últimamente, un suplemento a modo de catálogo de lo que va a suceder en Donostia en su dFERIA, una cita que lleva unos años asentando una propuesta clara, unos

años que coinciden, curiosamente, con un equipo de gobierno en el ayuntamiento del que depende su organización, en manos de una opción política que no es la de siempre. Se apunta este detalle por si sirve de orien-tación para la responsabilidad que se nos viene a cada uno de nosotros al introducir una papeleta u otra en las urnas.

En momentos de máxima vagancia inte-lectual uno piensa que cuestiones como la Cultura deberían estar fuera de la pelea po-lítica. Y si bien, sí sería oportuno sentar las bases mínimas, el marco obligatorio donde establecer los anclajes de edificios, presu-puestos, producción, formación y exhibición de cercanía, parece más que recomendable que cada opción política quiera marcar algunas diferencias en sus acciones de go-bierno en temas culturales. Hoy, por mucho

que nos queramos engañar, es muy difícil discernir sobre el partido gobernante viendo las programaciones de los teatros públicos. Hay una sospechosa uniformidad, por eso cuando uno nota realidades tan exuberantes, tan bien pergeñadas como lo que sucede en el Teatro Circo de Murcia, le lleva a pensar que sí, que los políticos condicionan, y deben tomar decisiones, pero que son los gestores los que deben marcar el terreno, proponer los planes, los objetivos y, desde luego, que les dejen cumplirlos. En este caso murciano me parece que se deben fijar todos. Su programación es buena, exigen-te, rigurosa y está incardinada con la producción local de manera explícita y colaborativa. Y tiene publicos. No quiero compararla con el otro teatro público de la ciudad para no amargar a nadie.

Puestos a señalar, yo voy a colocar mi obsesión actual en dos asuntos primordiales que pueden confluir: la necesidad de una ley de uso de los teatros públicos que deben convertirse en lugares de agitación cultural, de servicio a la ciudadanía en todo lo referente a las artes escénicas y visuales y comprometerse con la formación,

Editorial

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Opinión4 - 5 Editorial6 Rondas Escénicas – María-José Ragué-Arias7 Desde la Caverna – David Ladra72 Luz Negra – Josu Montero74 - 75 Postales argentinas – Jorge Dubatti76 Piedra de sacrificio – Jaime Chabaud77 El método griego – María Chatziemmanoui78 Cronicón de Villán y Corte – Javier Villán79 Vivir para contarlo – Virginia Imaz80 El lado oscuro – Jaume Colomer81 Las lejanías – Carlos Be82 Noticias desde los Fiordos – Víctor Criado

Estrenos 10 - 11 Antígona/ Medea/ Edipo Rey/ Entusiasmo

por Teatro de la Ciudad12 Bancarrota por Acrónioa Producciones13 La Gaviota de Antón Chéjov por Teatro

Arriaga14 ¡Fiesta! por Morfeo Teatro16 -18 Resto de estrenos

Festivales 20 - 21 Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de

Almería22 - 23 XXVIII FitCarrer de Vila-real24 - 25 ALT.15 - Fest. alternativo das Artes Escénicas

de Vigo26 XXV Festival Int. de Narración Oral Cuenta

con Agüimes27 XIX Teatralia28 XXXVIII Jornadas Int. de Teatro de Eibar29 - 30 Miscelánea de Festivales

Suplemento31 - 62 dFeria 2015

En gira64 - 70 Programaciones varias

Zona abierta 84 - 85 Escaparate86 - 90 Crónicas de: - Temporada Nueva York - Festival Internacional Santiago a Mil - MADferia

Esta revista ha recibidouna ayuda a la edición delMinisterio de Educación,Cultura y Deporte

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la producción y la exhibición no como una suerte de ofertas opor-tunistas sino con fórmulas bien ensayadas como son las compa-ñías estables y ello nos llevaría a intentar pensar en cambiar el paradigma productivo actual, porque parece un atraso muy grande seguir con un modelo económico en donde las producciones se deben amortizar de bolo en bolo, haciendo muchos kilómetros para cada uno, lo que distorsiona el coste de cada representación en-careciéndola porque cuestan más el transporte, las dietas, que el salario de los actuantes. Lo lógico sería, en términos económicos y de buen aprovechamiento de las inversiones, temporadas estables en cada teatro, compañías residentes y de repertorio y giras muy controladas y mejor organizadas. Eso cambiaría todo el modelo productivo, la distribución de ayudas y subvenciones y de verdad se podrían establecer programas de creación de públicos de manera más eficaz.

Sí, es posible. El problema grave está en la ordenación territorial, en el famoso Estado de las Autonomías, en que estamos hablando de diecisiete consejerías de cultura, con sus equipos y sus normas y sus objetivos particulares. Pero quizás se entre en un periodo constituyente que tenga en cuenta también estos asuntos cultura-les básicos. Y para que nadie lo olvide, hay tres naciones sin estado pero con lengua propia, Galicia, Euskal herria y Catalunya, que de-ben diferenciarse, pero dentro de un marco de funcionamiento de similares características.

Ya me he metido en la prosodia discursiva, en los deseos, pero uno ve como están organizados otros países y siente envidia. Y sorprende que habiendo visto otros funcionamientos nadie los pon-ga sobre la mesa para que los asuman los políticos, o algún par-tido. Nada de lo dicho anteriormente se logra en una legislatura, eso sería fruto de un Gran Pacto de Estado por la Cultura, pero tan necesario, benéfico e ilusionante como cualquier otro más tasado. El ser algo a medio y largo plazo es su gran dificultad, ya que no parece que los políticos tengan más aspiraciones que el hoy. Una mirada auténticamente generosa hacia las generaciones venideras sería muy importante para dejar apuntadas las claves del futuro.

La vida teatral sigue, a trompicones, con cambios en lugares como Almería y sus Jornadas de teatro del Siglo de Oro, que plan-tean una edición de transición, pero que se apunta con voluntad de establecer otra proyección y un mayor asentamiento institucional. Siguen llegando estrenos, es decir siguen apareciendo brotes de ilusión, pero en paralelo crecen las desigualdades, las situaciones de empobrecimiento y de desclasamiento profesional y laboral.

Que los políticos y sus asesores, nos expliquen qué quieren ha-cer con la Cultura y las Artes Escénicas. Lo del IVA es fácil, bajarlo al mínimo o al cero, sin dilación, pero ¿y qué más? Difusión, regene-ración social de los valores culturales democráticos, revisión seria, profunda, sin demagogias ni apriorismos de las instituciones dedi-cadas al ramo actualmente. Por ejemplo. Y consenso. Sí mucho con-senso para posicionar la cultura como un valor de uso importante y necesario por sus repercusiones sociales y hasta económicas.

6w w w . a r t e z b l a i . c o m

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Rondas escénicasMaría-José Ragué-Arias

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El TNC y Xavier Albertíduardo de Filippo (19001984) escribió en 1964 El arte de la comedia, obra en la que manifiesta su concepción del teatro, su verdad y su falsedad, y, muy especialmen-

te, las relaciones del teatro, de sus miembros, con los estamentos políticos de cada ciudad en la que representan sus espectáculos. La anécdota que preside la obra es la visita de la compañía teatral Oreste Campese que ha sufrido un accidente y que se ve obligada a pedir ayuda a las autoridades del lugar (…)Y resulta darse la coincidencia de que el mismo día, ha tenido lugar un accidente de tren… L’art de la comèdia es una lección de De Filippo sobre lo que es en realidad el arte teatral. La obra es sencilla y no coinciden en el escenario, casi en ningún momento, más de tres personajes. Pero es una lección, didáctica y amena. (…) Todo es un engranaje fluido que provoca comicidad inteligente. El director de la compañía teatral visitará a la autoridad local para pedir ayuda. Y aquí asistiremos a una ingeniosa, lúcida e inteligente exposición sobre el arte del teatro entre el director de la compañía y la autoridad local. Tan convincente está el director de la compañía que deja atemorizado al prefecto, creyendo que cualquiera de los actores se puede hacer pasar por otra persona, le puede engañar. (…) El director, ha esgrimido tales argumentos que pueden ser capaces de engañar a cualquier políti-co. Y ahí van las cinco escenas centrales. El director de la compañía se ha llevado por error la lista de visitas que el prefecto esperaba y a cada visita que recibe el prefecto se provoca la duda de si es la persona que debería recibir o es un actor que improvisa al perso-naje...” Este párrafo encabezaba mi crítica del “Art de la Comèdia” (El Mundo, 19.2.2015) que podemos ver en la Sala Gran del TNC. Y el siguiente es el párrafo final del comentario. “¿Realidad o teatro? Éste es el tema y aquí está el lucimiento de la comedia. L’art de la comèdia es un espectáculo inteligente y divertidísimo que nos habla de teatro en un tono jocoso que amaga una importante profundidad ¿Qué es más sincero, qué es mejor, la simulación de los actores o la verdad de quienes debían visitar a la autoridad local? ¿Y qué más da? La traducción es de Xavier Albertí, (…) quien parece estar en sintonía con (…) esta redefinición del teatro como verdad y como ficción. Además de mostrarnos las duplicidades de los personajes, De Filippo quiere mostrarnos también las tripas físicas del teatro su encubrimiento de la realidad. Y ahí tenemos un inicio y un final de la representación en las que vemos cómo surgen, cómo se abren, cómo se esconden, cómo se colocan, cómo desaparece toda la inge-niería teatral de un espacio escénico rico como el del TNC…”

Estoy hablando de un espectáculo importante dirigido y prota-gonizado por Lluís Homar que me llevó a pensar en Xavier Albertí director del TNC y responsable de la traducción de este espectáculo. Y reflexioné en su concepción de lo que debe ser un Teatro Nacional. Albertí ha seguido una trayectoria coherente en relación a los pro-pósitos que anunció al asumir la dirección del TNC, tras la también rica pero muy diferente etapa de Sergi Belbel. Aunque la coherencia no le ha evitado algún espectáculo fallido y lo que es peor, la falta de publicidad mediática ha provocado ausencias en actividades parale-las sobre todo, de un público interesado pero desinformado. Porque Albertí programa las temporadas con coherencia, queriendo cubrir

una serie de aspectos y/o épocas importantes. La temporada 13-14 tenía el lema de la “Frontera”, con un mo-

nográfico teatral y teórico sobre el tema, el intento, con éxito, de recuperar el teatro de Pitarra, un homenaje a la Barcelona de Car-men Amaya, una promoción de un nuevo autor, Josep Maria Miró y algunas conferencias en torno a los espectáculos programados y espectáculos de peso en la Sala Gran como “La rosa tatuada” de Te-nessee Williams y “Doña Rosita la Soltera” de Lorca o “Ocells i Llops” de Sagarra en la Sala Petita… Pero lo más asombroso, insisto, en esta etapa, son las actividades paralelas a todos los espectáculos, las lecturas, las conferencias, las exposiciones, las visitas…

¿Cuál es el lema de la actual temporada? Aunque agrupa sólo una parte de las actividades, es importante la muestra sobre “L’Origen de l’Oblit” La reflexión nos lleva al teatro catalán en el origen del franquismo, lecturas dramatizadas, exposición, conferencias… ¿Por qué el estreno de “L’Art de la Comèdia” me lleva a considerar el espectáculo como imagen de coherencia en la idea de teatro de Xavier Albertí?

Xavier Albertí lleva el teatro en la sangre y nos lo demostró en sus inicios, cuando yo le veía actuar en Tàrrega– maravillosas, creativas e imaginativas performances sobre temas musicales, operísticos… Xavier Albertí es teatro en todas sus facetas. En el TNC, nos ha mostrado su faceta de actor en los dos espectáculos inaugurales, el primero sobre las variedades –parte y fuente del teatro que no hay que olvidar– “Taxi al TNC” y el de esta temporada “Per co-mençar, sarsuela!” para reivindicar un género popular y arraigado entre nosotros y que Albertí ha estudiado y conoce a fondo. Porque la verdadera singularidad es la de ser músico y tener una formación no sólo teatral sino sobre todo musical, y ser un investigador en la música popular catalana de las últimas décadas. Su alter ego como director de orquesta, como Wanda Pitrowska, da muestras de su versatilidad teatral capaz de unir géneros de la frivolidad con el rigor de la música bien interpretada. Forma parte de su propósito de rei-vindicar un teatro musical con raíces propias que mostró en espec-táculos como Crónica sentimental de España, De Manolo a Escobar, El dúo de la africana, La corte del Faraón, Pinsans i Caderneres… Y no me atrevo a remontarme a “Un Otel-lo per a Carmelo Bene” que presentó en Tàrrega y luego en Sitges, a principios de los años 90… No quiero “bajar el listón”, pero eran excelentes e inteligen-tes espectáculos de pequeño formato. Hoy, los proyectos o el gran proyecto de Albertí para el TNC, necesita seguramente subvencio-nes, pero sobre todo necesita publicidad para aprovechar todas las ideas que bullen y se materializan Y volviendo a lo que significa la poética de la concepción teatral para un ente de dimensiones físicas y globalizadoras como el TNC, diría yo que quizá con mi deformada visión que busca la profundidad en el espectáculo, cuando el gran escenario del TNC, al final de “L’Art de la Comèdia” nos muestra sus “tripas” estamos viendo algo totalizador y globalizador, algo que nos concierne y nos impresiona y que nos da una imagen de cohe-rencia con una realidad profunda que podría ser un teatro nacional. Quizá por estas imágenes, me parece más significativa todavía esa prodigiosa síntesis teatral de “L’Art de la Comèdia”.

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Desde la caverna David Ladra

Una conjunción teatralon la fugacidad característica de todos los fenómenos si-derales, hemos podido presenciar en enero, del 9 al 11, una conjunción teatral de ésas que rara vez se ven entre

cuerpos celestes de tan gran magnitud. Por un lado, el Don Juan Te-norio de Zorrilla en el Teatro Pavón, sede provisional de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Y por otro, el Fausto de Johann Wolfgang Von Goethe en el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional. La comparación, vista así, parece desigual: ¿cómo asimilar a don José, un poeta de vida disipada nacido en la salvaje España, con un genio de la Ilustración que alumbró con su luz a media Europa y tuvo tiempo incluso, tras el Sturm und Drang, de internarse en el mundo real? Pero no nos precipitemos y retrocedamos dos siglos atrás.

Según el catedrático Rodríguez López-Vázquez, es con la repre-sentación en Córdoba de la comedia de Andrés de Claramonte Tan largo me lo fiáis cuando da comienzo, en agosto de 1617, la saga del Tenorio en Europa. Interpretada primero por la compañía de Jerónimo Sánchez, la montarán después otros grupos con todas las modifica-ciones y variantes que ello trae consigo. Pronto se la conocerá como El convidado de piedra, dado el asombro que produce la figura de la estatua parlante del Comendador en las funciones dadas en Nápo-les por las compañías de Pedro Osorio (1625) y Hernández Galindo (1626). Luego, su primer editor, el sevillano Manuel de Sande, barre para su casa y le añade El Burlador de Sevilla al título anterior para terminar conociéndose la obra con ambos nombres, El Burlador de Sevilla y convidado de piedra, cuando la represente la compañía de Roque de Figueroa en la corte. El que Tirso de Molina, su atribuido autor, llevara para 1617 más de un año afincado en la isla de Santo Domingo por su orden y el que nunca incluyese la comedia en ninguna de sus cinco recopilaciones, abunda en la atribución a Claramonte.

Procedente de dos fuentes temáticas, la escandalosa conducta de los libertinos cortesanos y su merecido castigo por la ira de Dios, la primera parte del Burlador se inspira en la licenciosa vida que por en-tonces se llevaba en Sevilla, recién conquistada a los árabes (la obra se desarrolla bajo el reinado de Alfonso XI, en el primer tercio del siglo XIV), mientras que la segunda, mucho más severa y rigurosa, nace de coplas y consejas de encuentros con los muertos procedentes del noroeste español. De modo que se enfrentan crudamente en la obra dos de los rasgos más propios de la raza: por un lado, su carácter depravado y lascivo, exento de moral cuando es posible; y por otro, cuando no hay más remedio, su total sometimiento al dogma de la Iglesia, que era por entonces en Castilla la Contrarreforma más brutal. Es ese contraste lujurioso entre disciplina y disfrute el que hará que el Burlador se propague en Europa con títulos como el Dom Juan ou le Festin de Pierre de Molière (1665), The Libertine de Thomas Chadwell (1676), No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague de Antonio de Zamora (1713), Don Giovanni Tenorio ossia Il dissoluto de Carlo Goldoni (1736), Don Giovanni, libreto de Lorenzo da Ponte para la ópera de Mozart (1787) o Don Juan und Faust del autor alemán Christian Dietrich Grabbe (1829) en donde queda claro que Fausto es

el arquetipo del hombre del norte europeo y don Juan del meridional.Volviendo a nuestro punto de referencia en 1600, el dramaturgo

isabelino Christopher Marlowe escribe en 1592 The Tragical History of the Life and Death of Doctor Faustus, para lo que se inspira en un primer Faustbuch de autor anónimo editado por Johan Spies en Frankfurt en 1587. Asesinado el autor, los Admiral´s Men de Londres representan la obra desde 1594 hasta 1597. Tras una primera edi-ción en 1604, aparece una versión ampliada del texto en 1616 que se imprimirá al menos cinco veces hasta 1663, que coincidirá con varias ediciones castellanas del Burlador: la de Manuel de Sande (1627-29), la recopilación hecha por Gerónimo Margarit en Barcelona en 1630 o la edición de Tan largo me lo fiáis de Simón Faxardo de 1634-35.

Como don Juan, Fausto reta a Dios, pero su rebeldía no sólo se limita a disfrutar de placeres humanos, como lo hace el Burlador, sino que desea alcanzar un conocimiento total de todos los arcanos que asocian nuestro mundo mortal al más allá y gozar de este modo del consiguiente poder universal. Un ansia que proviene de sus estudios de astrología, medicina y demás “artes mágicas” que, practicadas por brujos del Medievo, quieren fundarse ahora, en el Renacimiento, en la lógica y en lo racional. Al fin y al cabo un intelectual en vez de un vividor, Fausto está sometido al mismo tipo de barreras que nuestro Burlador. Ateo como Marlowe, tiene que plegarse a la Reforma que es en ese momento, en Inglaterra, sinónimo de predestinación. Dado que firmó un pacto con Satán y ya no es dueño de sus actos, no se podrá retractar. De igual modo y aun permaneciendo católico, será la Justicia divina la que, de acuerdo con el dogma, acabe con don Juan. Luego, los dos sucumbirán. Y así será sin excepción con todos quienes les sucedan como protagonistas hasta bien entrado el XIX.

El Fausto del pensante cristiano, aparecido en 1725 y Faustbuch más famoso del XVIII en Alemania, puso a Goethe (1749-1832) sobre la pista del personaje del doctor, que pronto se convirtió en su obse-sión. Cuatro hitos, que le llevaron toda la vida, marcaron su creación: un manuscrito de 1773, el Urfaust; Un fragmento de Fausto, su prime-ra publicación, de 1790; Fausto, una tragedia de Goethe (el Fausto I) publicada en 1808 y estrenada con gran éxito en Brunswick en 1829 aún en vida del autor; y el definitivo Fausto II, publicado en 1832, año de su muerte, y jamás representado en el XIX en toda su extensión. Ya en el Fausto I intervienen el crimen y el amor, como en Don Juan. Y el Fausto II se cierra –¡oh, maravilla!– con su ascenso a los cielos gracias a la intercesión de Margarita ante el trono de Dios. Igual que va a ocurrir, esta vez de la mano de Inés, con el Don Juan Tenorio de Zorrilla, popular heredero del Burlador estrenado en Madrid en 1844 no sin que el público y la crítica censuraran su “fácil” salvación. En un cielo plagado de astros de purpurina y estrellas de cartón, la insurrec-ción romántica causa la conjunción de ambas galaxias, el Fausto y el Don Juan, convirtiendo en clemencia el fuego eterno. De aquella defla-gración sideral nos quedan, hoy que todo ha pasado y no esperamos más, dos asteroides postmodernos que entrechocan muy de tarde en tarde, brillan por un momento, y caen al mar.*

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*Pueden encontrarse las críticas del Fausto y del Don Juan Tenorio en la sección de Opinión de www-artezblai.com


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El madrileño Teatro de la Abadía acogerá los estrenos de los tres espectáculos y la experiencia tea-tral que conforman esta primera

temporada de Teatro de la Ciudad: Me-dea, bajo la dirección de Andrés Lima; Edi-po Rey, con la dirección de Alfredo Sanzol; Antígona, con dirección de Miguel del Arco; y Entusiasmo, que cuenta con la dirección conjunta de los tres anteriores. Estas cua-tro producciones, precedidas por una serie de talleres, se presentarán en alternancia en las dos salas de La Abadía durante los meses de abril, mayo y junio.

Teatro de la Ciudad (TdlC) es un pro-yecto promovido por Miguel del Arco, An-drés Lima y Alfredo Sanzol, junto con sus tres productores habituales, Aitor Tejada, Joseba Gil y Gonzalo Salazar-Simpson. Está concebido como una apuesta por la inves-tigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El proyecto, además de mostrar sus propias produc-ciones, abre sus puertas a otros creadores contemporáneos y a los nuevos valores de la escena teatral. El TdlC se plantea volver a las raíces del teatro occidental, la tragedia greco-latina, y desarrollar en paralelo un montaje de creación colectiva cuyo conte-nido irá variando. El planteamiento artístico centra su búsqueda en la mirada contem-poránea del lenguaje de la tragedia griega, la investigación sobre los mecanismos del coro o las razones para el dolor y la furia de los mitos. El TdlC parte de una premisa: el deseo de vincular la formación y la explo-ración compartida a la creación y presenta-ción de espectáculos.

La puesta en marcha del proyecto co-menzó el año pasado con ocho talleres

centrados en la investigación de la esencia y las maneras de la tragedia, la dramatur-gia y la puesta en escena. Así, los directo-res han ido trabajando sobre algunos de los elementos fundamentales de la tradi-ción teatral greco-latina con actores pro-fesionales, investigadores, dramaturgos, escenógrafos, oyentes… Además, todo ese proceso de investigación y encuentro ha ido culminando en la producción y en la exhibición de diferentes montajes escénicos contemporáneos.

El 21 de abril tendrá lugar el primero de los estrenos: Antígona. Esta versión libre de la obra de Sófocles, adaptada y dirigida por Miguel del Arco, se podrá ver en la Sala San Juan de la Cruz del Teatro de la Abadía hasta el 21 de junio. Con coreogra-fía de Antonio Ruiz, el reparto lo confor-man los siguientes actores: Carmen Machi, Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Santi Marín. En palabras de Miguel del Arco, “ni Antígona ni Creonte

pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón... Ambos creen tener-la. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extremos... Los demás, sobrecogidos, al comprobar ‘cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fata-les para su identidad y su progreso’”.

Medea será el segundo de los montajes estrenados en la Sala San Juan de la Cruz, y estará en cartel del 23 de abril al 21 de junio. La obra cuenta con la dirección y adaptación de Andrés Lima, a partir de textos de la obra clásica de Séneca. El re-parto cuenta con el propio Andrés Lima, además de Aitana Sánchez-Gijón, que in-terpretará a Medea, y las actrices Laura Galán y Joana Gomila. Para su director, Medea es atrevimiento, “Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores, o mejor di-cho a nuestros dolores, o mejor dicho: si

TeaTro de la Ciudad esTrena ‘anTígona’, ‘Medea’ y ‘edipo rey’

Un proyecto que apuesta por la investigación teatral

Tres espectáculos, una experiencia teatral y ocho talleres compo-nen la primera temporada de Teatro de la Ciudad

©elNorte Comunicación

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el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embar-go no puedo dejar de mirar. Medea, tan contraria a la idea de vir tud de Séneca y sin embargo tan atractiva para el autor”.

El 24 de abril será el turno del estreno de Edipo Rey, que llegará al mismo escenario para ser representada también hasta el 21 de junio. El texto de Sófocles, con versión y dirección de Alfredo Sanzol, será defendi-do por Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón. Según Sanzol, “Edipo descubri-rá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz”.

Entusiasmo será el cuarto y último de los estrenos de Teatro de la Ciudad, una experiencia teatral que unirá a los tres di-rectores mencionados anteriormente. El montaje se escenificará en la Sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía, del 30 de abril al 21 de junio. Entusiasmo propondrá un punto de encuentro donde reinará el factor sorpresa. Así, el espectador no sabrá de antemano cuándo o dónde se producirá el hecho teatral. El reparto de la obra está aún por confirmar.

Talleres

La puesta en marcha de Teatro de la Ciu-dad comenzó el pasado mes de junio con la realización de un taller dedicado a Medea/Edipo/Antígona, concebido y realizado de forma conjunta por los tres directores bajo el lema ‘Mito y Razón’ dentro del convenio de colaboración con el Teatro de la Abadía. El planteamiento del taller centró su bús-queda en la mirada contemporánea del len-guaje de la tragedia griega, la investigación sobre los mecanismos del coro o las razo-nes para el dolor y la furia de los mitos. Los creadores invitaron a participar a una serie de artistas e intelectuales que aportaron su conocimiento en diferentes disciplinas rela-cionadas con el teatro griego, como el actor y director Mario Gas, la actriz Nuria Espert, el filólogo Andrés Pociña, el crítico Carlos

García Güal o el autor y traductor Alberto Conejero.

Tras las charlas con los invitados se abordó el trabajo práctico y de investiga-ción escénica, donde los directores invita-ron a participar a nueve actores y nueve actrices con el objetivo de plantear una primera investigación sobre el trabajo del coro griego. Algunos de los intérpretes participantes en esta fase inicial fueron Carmen Machi, Bárbara Lennie, Nuria Gar-cía, Israel Elejalde, Cristóbal Suárez, Aitana Sánchez Gijón, Irene Escolar y Rulo Pardo. Cada director eligió un pequeño fragmen-to de cada una de las tres funciones: coro y personaje. Miguel del Arco se centró en Antígona y Creonte, mientras que Andrés Lima abordó el mito de Medea, fijando su atención Alfredo Sanzol en Edipo Rey.

En octubre se realizó un taller de Dra-maturgia sobre la visión contemporánea de los mitos, con la participación de el filólogo Bernardo Souvirón, la profesora de la Re-sad Ana Isabel Fernández y varios autores contemporáneos como Juan Mayorga, José Padilla, Juan Cavestany o José Sanchís Si-nisterra. En su primera intervención, Ma-yorga expresó que ver a los tres directores juntos, trabajando simultáneamente en un proyecto conjunto, le producía un gran entusiasmo, sentimiento directamente pro-porcional a la insatisfacción que confesaba haber padecido con muchas traducciones de esas obras clásicas.

Por otra parte, dos han sido los talleres dedicados a Medea, uno de ellos en torno a la investigación sobre la voz del persona-je desde la perspectiva musical, que contó con la participación de las actrices Aitana Sánchez Gijón y Laura Galán Montijano, la cantante Joana Gomila, el músico Jaume Manresa, o el responsable de Coro de Jóve-nes de Madrid, Juan Pablo De Juan Martín, entre otros.

Uno de los talleres dirigido a Edipo contó con la presencia de Greg Hicks, actor de la Royal Shakespeare Company, que quiso compartir con los asistentes su experiencia en el trabajo actoral de los clásicos grie-gos. En el primer taller dedicado a Antígona participaron los colaboradores Arnau Vilà, en el apartado sonoro y musical, y el coreó-grafo y bailarín Antonio Ruz.

©elNorte Comunicación


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La obra Bancarrota de Acrónica Producciones se estrena el 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, en el Teatro Gayarre de Pamplona. El

montaje ha sido galardonado con el Primer Premio Gayarre al proyecto escénico, orga-nizado por el Teatro Gayarre y el Gobierno de Navarra. El objetivo de este premio es impulsar el proceso de creación, produc-ción, promoción y distribución de un pro-yecto escénico profesional de Navarra, así como favorecer su proyección en el merca-do de las artes escénicas. Bancarrota, con texto original de Carlo Goldoni, es un texto inédito en España, que será representado por primera vez en castellano.

Con dramaturgia de Álvaro Lizarrondo, la obra está dirigida por Fabio Mangolini, quien desde diciembre de 2011 hasta 2013 fue Presidente y Director Artístico de la Escuela de la Ópera Italiana. Bancarrota, texto escri-to hace más de 200 años, sorprende por su actualidad. “Un empresario acusado de que-brar de forma fraudulenta que, abusando de la confianza del público, se deshonra a sí mis-mo, arruina a su familia, roba, traiciona a los amigos y hace tuerto al comercio en gene-ral”, expresó Goldoni sobre el texto. Así, este hombre de negocios pondrá en juego toda la economía de la que dispone para lograr su objetivo. Derroche, lujo y gastos sin control (mariscadas, viajes a las Rocosas a esquiar y tarjetas opacas sin límite de gasto). “¿Va a resultar que el genio de los negocios es tan

ingenuo como para dejarse embaucar? Va a resultar que al final todos estamos regidos por las mismas estrellas”, comentan desde Acrónica. Para ellos, el panorama real al que Goldoni se refería explícitamente parece ser bastante próximo al de nuestra actualidad y, además, hoy en día este mismo escenario se hace universal o, si se prefiere, global.

Ion Iraizoz, Naiara Carmona, Txema Martín, Txus Pellicer y Hugo Nieto son los encargados de representar este choque entre el dinero y la humanidad, mezclando Comedia del Ar te y nuevas tecnologías au-diovisuales. La música original está creada por David Guindano.

Por otra parte, Bancarrota propone la

creación de una Escuela del Espectador, con el objetivo de conocer mejor al púbico, ge-nerar interés y curiosidad, abrir el proceso de creación del espectáculo y buscar nuevos públicos. Para sus creadores, “la Escuela del Espectador es una oportunidad para tran-sitar en los puentes vivos que constituyen creadores y espectadores y con ello sumar-se al proceso creativo: no consumir teatro, consumar conjuntamente la creación a tra-vés de la apropiación de sentidos”. Todo ello se realizará a través de varias acciones como presentaciones, una guía didáctica, un blog, redes sociales, encuentros, ensayos abiertos o un taller sobre la Comedia del Arte y Goldoni.

aCróniCa produCCiones esTrena ‘BanCarroTa’

La pugna entre el dinero y la humanidad

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Gustavo Tambascio vuelve a ponerse al frente de la nueva producción del Teatro Arriaga, La Gaviota de Antón Chéjov y como ya lo hiciera la tempo-

rada pasada con ‘Los enamorados’ de Carlo Goldoni este nuevo espectáculo cuenta con un plantel de actores y actrices vascos.

Con escenografía e iluminación de Daniel Bianco y vestuario de Jesús Ruiz, el repar-to de esta producción lo componen Maribel Salas, Mikel Losada, Lander Otaola, Antonio Rupérez, Ylenia Baglietto, Jon Ariño, Helena Dueñas, Itziar Atienza, Gabriel Ocina, Felipe Loza, Josu Bilbao y Zorion Egileor.

Todos ellos dan vida a los personajes de este clásico universal, un drama en cuatro

actos estrenado en San Petersburgo en 1896 –con un rotundo fracaso que lle-vó a Chéjov a huir de la ciudad y afirmar que abandonaba la escritura teatral–, y en 1898 en Moscú, bajo la dirección de Kons-tantín Stanislavski con un gran éxito y tras la que nacería una estrecha relación entre

ambos que influiría en su desarrollo creati-vo y profesional que tanto bien ha hecho al desarrollo del teatro mundial.

La gaviota es una de las cuatro obras con-sideradas por muchos las más importantes de Chéjov junto a ‘Tío Vania’, ‘Tres hermanas’ y ‘El jardín de los cerezos’ y de la literatura dramática universal.

Tambascio, director escénico de ópera y teatro además de dramaturgo, escritor, tra-ductor y pedagogo argentino exiliado de su país en 1976 ha dirigido obras de Shakes-peare, Bernhard, Dumas, Lorca o Goldoni entre otros y óperas de Haendel, Rosini, Mo-zart o Verdi en diversas ciudades de Europa y América.

TeaTro arriaga esTrena la gavioTa

Chéjov vuela en el Arriaga

Gustavo Tambascio ©Javier Naval


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Un viaje al teatro, la poesía, la música y la danza del Siglo de Oro. Así se pre-senta el espectáculo ¡Fiesta!, que se realiza como encargo del 40º aniver-

sario del Festival de Teatro del Siglo de Oro de El Paso (Texas). El montaje de Morfeo Teatro se estrenará en el Teatro Principal de Burgos el 6 de marzo, y viajará después a El Paso para representarse el 17 de marzo como fies-ta de apertura del festival.

El espectáculo se presenta como una re-creación moderna de una fiesta barroca de época, y pretende ser un homenaje al Siglo de Oro, un recorrido por los más conocidos momentos del teatro, la poesía, la música y la danza de época. Dentro de un espacio visual contemporáneo y bajo un vestuario clásico, un singular juego de personajes enmascarados deambularán en un univer-so visual de transparencias y sombras. Di-rigido por Francisco Negro, el montaje gira en torno a la figura del desamor, pasando por tres de las más famosas comedias del Siglo de Oro: ‘La vida es sueño’, de Calde-rón de la Barca, ‘El burlador de Sevilla’, de Tirso de Molina, y ‘El caballero de Olmedo’, de Lope de Vega. Completando la temática del amor en todas sus visiones ofrece un poemario selecto de Cervantes, sor Juana Inés y Quevedo, además de presentar un repertorio de piezas burlescas del Siglo de Oro, como una Jácara, una Loa erótica y un

Baile de palos.Para la creación de ¡Fiesta!, la compa-

ñía cuenta con la participación de Mariano Mangas, catedrático de guitarra clásica por el Real Conservatorio Superior de Mú-sica de Madrid y de guitarra española por el Conservatorio de Rotterdam, que pone música a todo el evento, ofreciendo un repertorio clásico de música del barroco, como ‘Canarios’ y ‘La españoleta’ de Gas-par Sanz y el ‘Fandango’ de Santiago de Murcia. Mariano Mangas está acompañado

por Jorge Jiménez, cantante y percusionista con instrumentos de época que interpreta ‘Ojos claros, serenos’ de Gutierre de Cetina y Antonio de Cabezón, así como la canción ‘Que de noche le mataron’ del romance del Caballero de Olmedo. Junto a ellos, la bailarina de danza española Sandra Pinilla muestra ejemplos de la época, como la se-guidilla, el fandango y el bolero. En cuanto a la interpretación, corre a cargo del pro-pio Francisco Negro, Mayte Bona y Felipe Santiago.

Morfeo TeaTro esTrena ‘¡fiesTa!’

Una ‘fiesta’ para homenajear al Siglo de Oro

Reestreno de El Buscón de QuevedoMorfeo Teatro es una compañía especializada en teatro clásico, con residencia en Burgos. Hasta la fecha ha realizado 11 puestas en escena. Este año y tras 10 años de su estreno en el Festival de Almagro 2005, vuelven a poner en escena la obra El Buscón de Quevedo. El montaje tuvo más de 200 repre-sentaciones y fue representado en una docena de festivales de clásico del estado y el extranjero. El espectáculo ha sido representado el 14 de febrero en el Teatro Zorrilla de Valladolid, y podrá verse también en Estados Unidos, tanto en el Festival de Siglo de Oro de El Paso como en el Festival de Teatro de San Antonio. El montaje presenta una puesta en escena en la que se ilustra la célebre novela de la picaresca, donde las peripecias de este truhán universal, príncipe de embustes y engaños, el buscón Pablos, recorre campos y ciudades de Castilla ofreciendo la más singular semblanza de la vida del siglo XVII en España. En la obra, el espectador podrá disfrutar de una panoplia de los más significativos autores del Siglo de Oro, como Cervantes, Lope de Vega y Calderón de la Barca, mostrando fragmentos de sus obras más emblemáticas. Francisco Negro y Mayte Bona conforman el elenco de este montaje basado en la novela “El Buscón” de Francisco de Quevedo.

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M I S C E L A N E A

Coproducción del CDN y Adentro Teatro, Adentro es la historia de una familia argentina de raíces espa-ñolas, formada por La Ne-gra, El Negro y la madre de ambos, Marga. Tristán Ulloa dirige este texto de Carolina Román, quien también par-ticipa como intérprete junto

con Nelson Dante, Araceli Dvoskin y Noelia Noto. En Adentro se maneja un continuo juego de contrastes: violencia y ternura, situaciones dramáticas pero con tintes de humor, tercer mundo versus primer mundo, América Latina versus Europa... Desde Adentro Tea-tro expresan que “el hermetismo y la endogamia en la que viven estos personajes los convierte en amorales. Los códigos que manejan son cuestionables pero no por ello dejarán de ser reconocibles para el especta-dor. Se trata de personajes tridimensionales, llenos de matices y claroscuros. En cualquier caso nunca se les juzga desde la autoría ni se les juzgará desde la puesta en escena”. La obra se estrena el 15 de abril y estará en cartel hasta el 17 de mayo en la Sala de la Princesa (Teatro María Guerrero).

La obra se presenta den-tro del programa “Escritos en la escena” del Centro Dramático Nacional. El proyecto plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desa-rrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando con un director y un grupo de intér-

pretes durante un tiempo determinado. En esta ocasión, Antonio Rojano es el creador del texto que dirige Paco Montes. En La ciudad oscura, el suicidio de un jockey reabre las viejas heridas de una nación. Un escritor en horas bajas, una inspectora de policía y una joven en busca de su origen cuentan esta historia sobre el pasa-do y el futuro de España. “Tras la Transición, cada vez estamos más seguros de que habitamos una casa en-cantada llena de presencias. El texto sólo pretende ser un receptor electrónico al que llegan estas psicofonías. Voces de los espectros políticos que habitan nuestro país y, sobre todo, de las cadenas emocionales que arrastran sus personajes”, cuenta Rojano. El espectáculo se podrá ver del 18 al 29 de marzo en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero de Madrid.

La ciudad oscura Adentro

Trilogía de la cegueraMaurice Maeterlinck, Premio Nobel de Literatura en 1911, es el autor de los textos que componen la trilogía y que se presentan como un es-pectáculo producido por el Centro Dramático Nacio-nal. Las obras, traducidas por Ana Rodríguez Partea-rroyo, son: La intrusa, di-

rigida por Vanessa Martínez, Interior con dirección de Antonio C. Guijosa y Los ciegos, con Raúl Fuertes como director. “En las tres obras hay un elemento dramatúrgi-co fundamental que las dota de un poder hipnótico para el espectador, llevándole a estar involucrado de principio a fin con lo que sucede, y que está íntimamente conec-tado con emociones profundas. Es el suspense. Y si a ese recurso dramatúrgico, le sumamos que el contenido y las temáticas de estas tres piezas atraviesan los mie-dos y terrores básicos del hombre contemporáneo, lo que Maeterlinck consigue son tres bombas de relojería”, afirman los directores. En su opinión, los textos no sólo poseen esa capacidad de sumergir al público en el es-pectáculo, sino que plantean preguntas radicales sobre la condición humana y su sentido. El montaje estará del 22 de abril al 24 de mayo en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

Uno de los mayores éxitos del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, Hedda Ga-bler es un retrato realista y psicológico de la alta socie-dad de finales del siglo XIX. Yolanda Pallín firma esta versión que dirige Eduardo Vasco. Ernesto Arias, Caye-tana Guillén Cuervo, José

Luis Alcobendas, Jacobo Dicenta y Verónika Moral con-forman el reparto. “Desmonta el arma. La belleza no es siempre una garantía. Tu feminidad puede ser un arma de doble filo. Quizá ya no es suficiente. Aunque todos siguen aquí para que puedas jugar con su destino; ellos siempre en tu cuerda floja mientras te sientas capaz de controlar el futuro. Limpia cada pieza. Mal asunto cuando lo que tienes no es lo que deseabas, cuando lo que eres no es lo que soñabas. Mal asunto si no soña-bas. Monta el arma de nuevo. Da lo mismo. Mantente fría. Vuelve a tus esquemas. Serena. No enseñes esa parte tuya tan oscura hasta que acabe todo. Sé libre al final. Tienes un arma”, expresa el director. El madrile-ño Teatro María Guerrero acogerá del 24 de abril al 14 de junio las representaciones del montaje coproducido por el Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y Noviembre Teatro.

Hedda Gabler

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Escrito y dirigido por Albert Arribas, Selecció cuenta la historia sobre el viaje del equipo de la selección de taiteitalija, un deporte mi-noritario parecido al hockey. La selección empezará el viaje con una cierta euforia justificada que irá modulan-do a medida que se acerque

el día de la final. Un periplo un poco más largo de lo que hubiera sido estrictamente necesario, que el equi-po aprovechará para fortalecerse, beneficiándose de unas pequeñas vacaciones conjuntas. Un viaje cargado de emociones colectivas, pero visto siempre desde la retaguardia por parte de cuatro jóvenes que pronto de-jarán de serlo y que aún no se han dado cuenta de que su futuro cada vez tiene más que ver con un presente cada día más real. Interpretada por Albert Prat, Jordi Collet, Joan Solé y Alberto Díaz, esta coproducción de Centaure Produccions y La Ruta 40 podrá verse en la Sala Fregoli de La Seca de Barcelona del 18 de marzo al 5 de abril.

Coproducido por La Cante-ra Teatro y ETC (Espacio Teatro Contemporáneo) - Cuarta Pared, la obra Líbrate de las cosas her-mosas que te deseo cierra la tetralogía ‘Del yo al noso-tros’. Una joven española de treinta años emprende un viaje hacia su propia África.

La relación con su pareja senegalesa la lleva, sorpresi-vamente, a su Burgos natal. Allí redescubre a su padre y su fauna pero sobre todo entenderá muchos de sus miedos y elecciones de vida. Un arriesgado texto de María Velasco que, partiendo de una experiencia per-sonal, se hace poesía y reflexión. “¿Y si África empe-zara en los Pirineos?”, expresa su autora. Dirigida por el argentino Jorge Sánchez, el montaje incorpora pro-yecciones y música en directo, entrelazando sonidos de un lado y otro del Estrecho. Interpretado por Marta Cuenca, Babou Cham y Roberto Iglesias, el espectáculo estará en cartel del 26 de febrero a 14 de marzo en la Sala Cuarta Pared de Madrid.

SeleccióL íbrate de las cosas...


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Casa de Belén. Tres herma-nos. Son las 20h del 24 deDiciembre. A las 21:30 lle-gan los padres para cenar.¿Cuántas cosas pueden ocu-rrir en ese lapso de tiempo? ¿Cuántas verdades caben en una sola cena?. Así se presenta el montaje En familia, dirigido por la

italiana Elena Olivieri, que cuenta con las labores de Carlos Puga como ayudante de dirección. La pieza es una creación colectiva, un striptease del alma, un via-je al interior de ese microcosmo que es la familia, de todo lo no dicho, de esas dinámicas únicas que unen y separan a la vez, de lo que inútilmente ocultamos, de la delgada línea entre amor y odio, entre comedia y drama. Tres hermanos, tres mundos completamente distintos que en su incomprensión se complementan. Las sevillanas Belén Ponce de León y Olga Rodríguez Vargas y el malagueño Ignacio Mateos son los intérpre-tes que se encargan de dar vida a los tres hermanos de En familia. El espectáculo estará en cartel en el espacio madrileño Nave 73 durante los miércoles del 4 al 25 de marzo.

Con dramaturgia, direc-ción e iluminación de Pe-dro Fresneda, Las calles corrían por las calles es un espectáculo que preten-de reconocer el genio en la multitud y mirar de frente al brillo de los lúcidos. Este montaje de la Compañía Teatro Ensalle cuenta con

la participación de los actores María Costa, Raquel Her-nández y Artús Rey para encarnar a los personajes. Desde la compañía gallega describen la pieza como “una provocación, una incitación, una llamada. Una maldita apología del margen. Un penúltimo intento. Salir para gritar, otra incoherencia. Darse la vuelta y dejar la mano atrás. ¿Para qué?, para nada, ‘por si aca-so’, como dice Carlos Sarrió. Esto es un poco de miedo a quedarse solo. A que no te necesiten. A que no valga de nada lo que haces. A la parálisis mental. Esto es un lugar de resistencia. Una estúpida llamada de atención. Una isla. Otro fracaso asegurado”. Las calles corrían por las calles se estrenará el día 5 de marzo de 2015 en el Teatro Ensalle de Vigo. El espectáculo estará en cartel hasta el día 8 del mismo mes.

Las calles corrían por...

Camargate

En familia

Cesc Gay debuta como autor y director teatral con la obra Els veïns de dalt (Los ve-cinos de arriba). El montaje es una comedia que reflexio-na sobre la vida en pareja y la sexualidad a través de dos parejas que viven en un mismo edificio. Un texto que trata temas como la convi-

vencia, la valentía, el sexo, el amor y la apariencia. La historia comienza cuando una noche Anna y Juli invitan a cenar a sus vecinos para enseñarles el piso y agradecerles la ayuda que les dieron cuando se instalaron a vivir en el edificio. A medida que pasa la noche, Anna y Juli van des-cubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, hecho que los lleva a replantearse su propia relación de pareja, que está llena de reproches e inmersa en una monotonía. La confrontación con los vecinos y entre ellos, los lleva al límite y les hace tomar decisiones definitivas sobre su relación. La obra es una dedicatoria a los vecinos de arri-ba del propio Casc Gay. Pere Arquillué, Àgata Roca, Nora Navas y Jordi Rico son los intérpretes de este espectáculo que estará en cartel del 19 de marzo al 17 de mayo en el Teatro Romea de Barcelona, y que después tiene prevista una gira por Cataluña durante el otoño de 2015.

La sala Baixos22 del Teatre Tantarantana de Barcelo-na acogerá el estreno de la obra Camargate, de la compañía residente Jorge-Yamam / TeatrodeCER-CA. El montaje forma parte de El Cicló, Ciclo de Com-pañías Independientes de Barcelona. Camargate es

una recreación teatral basada en la famosa conversa-ción en el restaurante La Camarga de la líder del PPC Alicia Sanchez Camacho y Victoria Álvarez (ex-amante de Jordi Pujol hijo) grabada por Método 3. A partir de la grabación real de la conversación de estos personajes se construye una “ficción teatral real” que va más allá. Se teatralizan otros documentos reales que muestran, casi de manera esperpéntica y cómica, como funciona la corrupción, nuestra política y sus pasillos. Con este pro-yecto quieren contribuir a la transparencia, a la libertad y a que el teatro vuelva a conectar con el público y la sociedad en la que vive. El arte y más concretamente el teatro puede tener sentido llegando allí donde el perio-dismo no puede llegar. El espectáculo, interpretado por Cristina Gàmiz, Anna Sabaté y Jorge-Yamam Serrano / Pep Duran se podrá ver del 11 al 29 de marzo.

E ls veïns de dalt


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Del 9 al 26 de abril se celebra la trigésima segunda edición de las Jornadas de Teatro del

Siglo de Oro de Almería en las que se mantienen sus progra-mas pero “con un diseño distin-to”, tal y como explica su nuevo director, Carlos Góngora. “Este es un año de transición para las Jornadas, ya estamos proyec-tando las del año próximo, con cambio de fechas, ubicación etc. En 2016 habrá un cambio radi-cal aún sabiendo que estamos en una transición” aclara Gón-gora, para añadir que continúa el formato hasta ahora conocido pero “la programación de es-pectáculos es más continuada, el fórum aumenta en número de días, las Jornaditas toman ma-yor relevancia y las exposiciones llegan a la calle”. Además esta edición se caracteriza porque las Jornadas “toman la calle con unas 75 actividades en la zona central de Almería durante dos semanas”, explica su director.

Cervantes

La programación escénica de las Jorna-das va a tener lugar en el Auditorio y el Teatro Apolo de la capital del 17 al 25, este año ininterrumpidamente, y comienza con En un lugar del Quijote, coproducción de Ron Lalá con la CNTC. Dirigida por Yayo Cáceres, sobre el escenario una versión libre y contemporánea de ‘Don Quijote de la Mancha’ en la que con humor, teatro

y música interpretada en directo se pro-pone un canto a la imaginación, al libre albedrío y a la rebeldía “tan necesaria en el marco de una época que guarda sor-prendentes parecidos con nuestra actual crisis de principios de siglo”.

Otra versión de Cervantes, en este caso de ‘El Licenciado Vidriera’ que La Chana presenta como Gaudeamus, una adapta-ción libre, cómica y satírica de esta nove-la ejemplar llevada al mágico mundo del teatro de objetos; un unipersonal escrito, interpretado y dirigido por Jaime Santos que centra la trama en el deseo de un jo-

ven pobre de ser el hombre más famoso de su tiempo por sus estudios y conocimientos. Y Cervantes es también el autor de El coloquio de los perros, en el que Morfeo Tea-tro ha convertido a sus dos protagonistas en un hidalgo depauperado y un mendigo harapiento, también “perros desheredados de la for tuna, que, con el mismo afán que Cervantes, narran sus expe-riencias entre lo amargo y la comedia, en una sutil, y a veces innegable, comparativa con nuestros tiempos”.

El rey Perico y la dama tuerta de Diego Velázquez es una comedia burlesca dirigida por Juan Dolores Caballero que ponen en escena Teatro del Velador, La Cantera Pro-ducciones y Distrito Teatro. Un ejemplo de cómo la co-media burlesca proponía un “mundo al revés” donde lo

trágico deja espacio a lo cómico, donde se prescinde de las unidades de tiempo y lugar, y se construye una gran ficción lúdica cuyo principal objetivo es la provo-cación de la risa. Una propuesta donde lo grotesco reúne preciosos personajes que se muestran, bajo la batuta del feísmo y el lirismo visual, en toda su extraña y dis-paratada ternura.

De Tirso de Molina es La mujer por fuer-za de la Cía. José Maya, un obra prota-gonizada por una mujer, “un personaje tremendamente transgresor que con su comportamiento, va a poner patas arriba

XXXII Jornadas de TeaTro del sIglo de oro - almería

Edición de transición de las Jornadas de Almería

El Teatro del Siglo de Oro toma la capital y parte de la provincia durante casi todo el mes de abril

Misterio del Cristo de los Gascones de Nao d´amores ©Pio Baruque

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todas las leyes cortesanas a las que están sometidos todos los hombres de esta co-media por mor de su reputación”, explica su director, José Maya.

Fernando Sansegundo es el encargado de la dramaturgia y la dirección de Barro-camiento de SioSi Teatro, obra que recrea la vida de María de Zayas y Sotomayor, sor Juana Inés de la Cruz y Feliciana Enríquez de Guzmán, tres autoras del Siglo de Oro. Mis-terio del Cristo de los Gascones, el espectá-culo más emblemático de Nao d´amores, se sumerge en el teatro primitivo desde una visión contemporánea, una obra en la que Ana Zamora hace una recreación libre de la ceremonia litúrgica que debía representar-se en la Iglesia de San Justo, en Segovia, en tiempos medievales.

Teatro Corsario por su parte sube a los escenarios El médico de su honra de Cal-derón de la Barca, una tragedia de muje-res en un mundo dominado por hombres en la que asoma la violencia machista, y Teatro de la Danza El lenguaje de tus ojos o El príncipe travestido, una versión con-temporánea escrita y dirigida por Amelia Ochandiano basada en el clásico de Pierre Marivaux.

Y también son sedes de las Jornadas los Auditorios de Roquetas de Mar y El Ejido. En el primero se va a poder disfrutar de dos espectáculos, Lazarillo de Tormes de Teatro La Paca, una recreación libre y di-vertida que el dramaturgo Tomás Afán ha realizado de la universal obra, y La es-cuela de los vicios de Quevedo, con la que Morfeo Teatro repite en las Jornadas mos-trando una obra en la que se representa la corrupción de ministros, magistrados y banqueros sin escrúpulos. A El Ejido Me-

phisto Teatro llega con una obra de Molié-re, El burgués gentilhombre.

FÓrum, Jornaditas y más

Las mesas redondas, conferencias, comunicaciones, master class, presenta-ciones etc. del Fórum de las Jornadas se celebrarán este año en el Hotel AC duran-te los jueves, viernes y sábados hasta el día 25, donde profesores universitarios e investigadores disertarán sobre el teatro clásico desde diferentes perspectivas y disciplinas.

Las denominadas Jornaditas repiten el esquema de las Jornadas –espectáculos y fórum– pero dirigido al público escolar, ya que además de los espectáculos que pon-drán en escena los escolares, estos po-drán disfrutar del espectáculo Una noche Blanca con los clásicos de la Cía. Blanca Marsillach, leer cartas de Santa Teresa en la actividad ‘Leer Almería’ que se desarro-llará en el Convento Las Puras, el fórum

–también en el Hotel AC– ‘Es moderno ser clásico’ o la exposición ‘Ell@s tam-bién fueron pequeñ@s’ que tendrá lugar en los escaparates de diversos comercios del centro de la ciudad.

A todo esto hay que añadir las expo-siciones ‘31 años no es nada’, ‘Pasaron por aquí’ y ‘Vestuarios para una época’ entre otras, además de las presentacio-nes de los libros ‘Comedia famosa de la conquista de Almería’ de Antonio Serrano o ‘El Quijote en verso’ de Alexis Díaz Pi-mienta. La programación en la capital se completa con el programa ‘Barrokocalle’ que a partir del día 12 convertirá el cen-tro de la ciudad en un teatro con recitales de versos, espectáculos de teatro, música barroca y pasacalles. Y a todo esto hay que añadir las extensiones de las Jorna-das por toda la provincia que llevará de gira por gran parte del territorio los es-pectáculos Barrocamiento de SioSi Teatro, Mucho Shakespeare de Malaje Sólo y Qui-jote y Sancho de Los Claveles.

El rey Perico y la dama tuerta


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Los días 30 de abril y 1, 2 y 3 de mayo se celebra una nueva edición del Fit-Carrer de Vila-real, la vigésima octa-va, que con una programación con

más de treinta espectáculos de otras tantas compañías continúa con la descentralización iniciada hace tres años, cuando Pau Ayet se hizo cargo de su dirección artística, una des-centralización en términos de “itinerancia de la programación, pues queremos que el fes-tival llegue a toda la ciudadanía de Vila-real, por lo que no se desarrolla únicamente en el centro de la localidad sino que las represen-taciones llegan a los barrios haciendo partí-cipe a todo el municipio”, explica Ayet.

El 30 de abril comienza esta edición con la celebración de las ‘III Jornadas de Artes de Calle’, que este año versan sobre el tema de la ‘Construcción’ y en las que el debate girará “en torno a la manera que se ha de construir el tejido destruido los últimos años; la construcción o deconstrucción desde lo artístico y creativo, pero también desde todas las partes que conforman el sector”, afirma Ayet, para añadir que también tendrá lugar la presentación del proyecto del Centro de Creación de Artes de Calle de Vila-real.

CoproduCCiÓn

La edición anterior el FITCarrer coprodujo el espectáculo Marat/Sade con la compañía local La Fam, y dando continuidad a esta línea de trabajo con compañías del municipio para la creación de espectáculos que tal y como apunta Ayet “traten temas sensibles socialmente”, este año ha contado con A Tempo Dansa, que presenta Destroyanes, una versión libre de Las Troyanas de Eurí-pides “que no pretende ser otra cosa que la propia destrucción de este clásico, quiero

decir, que no estamos trabajando con ‘Las Troyanas’ de Eurípides como guión sino como motor, como inspiración, pero hemos respetado algunos personajes y la esencia de la derrota como hace el autor, pero a nuestra manera y tratando el siglo que vivi-mos”, desvela Pepa Cases, directora artística de la compañía. La danza contemporánea, el teatro, el trabajo sobre zancos, el vídeo arte, la danza aérea, los efectos pirotécnicos y los escenarios móviles conforman este espectá-culo de gran formato para el que la compañía ha contado entre otros con la colaboración de los actores Nel.lo Nebot y Cristina Llop en la pantalla, Sol Picó y Claire Decroix para la coreografía y el mago Yunke como asesor de efectos especiales.

Se presentan también por vez primera espectáculos como No es cuchara la que va a la boca sino la boca la que va a la cucha-ra de Cia. Caí, obra de trapecio y la cuerda acompañada de videoproyecciones, Crudo Ingente de Nacho Vilar Producciones y de la que se harán varios pases diarios por desa-rrollarse la acción dentro de un coche, un

Encuentro de la coreógrafa y bailarina Alicia Soto o jugando con el título de la conocida novela de John Steinbeck, Factoría Los Sán-chez presenta De cartones y hombres, una obra que parte de la situación social actual y en la que su protagonista se construye su espacio vital a partir de cartones.

También se podrá disfrutar por vez pri-mera de los espectáculos de circo Equi-librando ilusiones de Circovito, Broken Circus de El Gran Dimitri, o Enfila S.A. de Estampades, una obra circense ambien-tada en una fábrica de hilo con una es-tructura de cuerdas que narra la historia a través de números de acrobacia. Y tras la presentación de parte del proyecto Ara Piscis II en Francia y América, Xarxa Teatre lo hace ahora en casa, un espectáculo de gran formato que ahonda en el mensaje pacifista para lo que utiliza todas las técni-cas escénicas habituales en sus montajes –itinerancia, grandes elementos móviles, uso escénico de la pirotecnia y de efec-tos lumínicos– y pone ante el público “la transformación de una sociedad agraria y

XXVIII FITCarrer VIla-real

Las artes de calle, un magma en expansión ciudadana

Una treintena de compañías conforman esta edición en la que se presenta la coproducción del festival con A Tempo Dansa

Do Not Disturb de Vaivén Circo

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festiva que termina por sucumbir al furor belicista”.

internaCionales

Aunque con menor presencia que en ediciones anteriores, el festival cuenta con compañías llegadas de la escena internacio-nal. Los británicos C-12 Dance Theatre pre-sentan una coreografía muy especial crea-da por Shaun Parker, en la que bailarines y carros de supermercado se funden para ofrecer una propuesta intensa, física y anár-quica, Trolleys. L’enterrement de Maman de los franceses Cacahuete es un espectáculo ambulante, humorístico y satírico donde el humor es el protagonista. También estará el humor negro en clave de clown de American Drim de los también franceses Les Bleus de Travaill, y también franceses son Barolosolo, que en Île O ofrecen un espectáculo incon-gruente donde sus dos personajes pasan de lo cómico a lo absurdo y la poesía y la música se vuelven acuáticas. Bram Graafland por su parte presenta De Gillende Keukenprins, un espectáculo rítmico y lleno de energía en el que el artista holandés cocina –o algo pare-cido– e interpreta música con un singular y excéntrico aparato musical.

La programación se completa con espec-táculos de compañías del panorama artístico estatal, entre las que destacan los espectá-culos que tienen los lenguajes del circo como método de expresión. Entre ellas encontramos La familia Romanesku, una familia acrobática, malabarista, voladora y muy payasa de La Fi-nestra nou circ. Lávant première de DĆlick es un canto al riesgo, al placer, al ritmo y a la música con mucho humor y elegancia creada con aparente sencillez. Mundos de papel de Volé Temps lleva al público con humor, espon-taneidad y técnicas de circo danza y música a un particular psiquiátrico, mientras que Do Not Disturb de Vaivén Circo es un espectáculo que con una potente escenografía trae a es-cena una fábrica de principios del siglo XX en la que cuatro intérpretes son llevados al límite del riesgo, de la absurdez y de la ternura. Joan Català propone una pieza de poesía corporal en Pelat, mientras que en clave de clown Jam –es decir Jaume Jové– ofrece Metre, y Ganso da vida a un showman gran experto en habi-lidades inútiles en Walkman. Música en vivo, danza acrobática y circo se fusionan en el montaje Heian de Zen del Sur, y la danza tra-dicional vasca es la base de Gelauziak, espec-táculo de Kukai creado junto a Cesc Gelabert en el que la danza y la tradición popular son

actualizadas a la sociedad contemporánea. También hay cabida para espectáculos itine-rantes como los coloridos animales de Traps de la compañía Efimer o Andante, espectáculo de Markeliñe encargado de clausurar esta edición, un teatro de máscara que “narra, de forma poética, sin palabras y con un cuidado sentido del humor, historias que no debería-mos olvidar. Historias de zapatos anónimos en época de guerra. Zapatos que podrían ser los nuestros”.

premi ramon Batalla

En esta edición se otorgará además el 4º Premi Ramón Batalla de Arts al Carrer, creado para el reconocimiento y puesta en valor de personas y/o entidades que desta-can por su dedicación y defensa de las Artes de Calle, y que este año es para Roser Vilá, fundadora de 23 Arts, “por su implicación, apoyo, apuesta y constante búsqueda de nuevos talentos y por su dedicación a las artes de calle”, tal y como afirma Pau Ayet, para añadir además que es un “galardón de corazón”. Los anteriores Premios han sido, en orden cronológico, para Xarxa Teatre, el centro de creación FAI AR y para el festival TAC de Valladolid.


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El Festival Alternativo das Artes Escé-nicas de Vigo ALT.15 se celebra del 9 al 15 de marzo, pero esta edición, la 14, comienza fuera de fechas

porque, tal y como apuntan desde Noescafé-Teatro, “este año, con más miserias que nunca nos hemos permitido el lujo de un preALT”, que tendrá lugar el 1 de marzo, en forma de fiesta-maratón de 6 horas de dura-ción dedicada a la compañía gallega Voado-ra. Se presentarán en una misma jornada los trabajos Waltz y Tokio3 junto a Quen goste de poesía que grite: “miseria”, propuesta creada especialmente para el festival en co-laboración con el alumnado de la ESAD. Esta fiesta teatral finalizará con la presentación el día 20 en el Auditorio del Concello de Vigo de

la última producción de Voadora, A Tempes-tade a modo de postALT.

La programación propiamente dicha de festival comienza el día 9 con la emisión en colaboración con el cineclub Lumiere de Vigo de la película ‘Five days to dance’, con la pre-sencia de los coreógrafos y protagonistas del film Amaya Lubeigt y Wilfried Van Poppel, que mantendrán una charla con el público.

Para el 11 se ha organizado el progra-ma ‘ALT.procrea en Femenino’ con el que se apoya y visibiliza el trabajo creativo femenino en colaboración con la Secreta-ría de cultura y el Área de Igualdade de la Universidade de Vigo. En complicidad con la Fundación Laxeiro y las bailarinas Mercé de Rande, Ánxela Blanco, Lez Cameselle, Kire-

nia C. Martínez y Beatriz Pérez se presenta una exposición de danza en la que cada bailarina ha creado una micropieza inspira-da en las obras de la exposición permanen-te, piezas con las que se crea un itinerario singular de la citada exposición.

Y dentro del mismo programa se presen-tan dos trabajos en proceso: el día 12 Cris-tina Balboa & Lúa Gándara de Funboa Escé-nica avanzarán su nuevo trabajo Sushi gratis y el 15 será el turno de In TIME, próximo trabajo de Ana Vallés y Sara Molina.

La puesta en escena el día 12 en el Audito-rio do Concello de Paus e petalas, una pieza íntima de danza contemporánea de la com-pañía portuguesa Circolando, da paso a los 5 trabajos que se podrán disfrutar el viernes

alT.15 - FesTIVal alTernaTIVo das arTes esCénICas de VIgo

Complicidad con la creación contemporánea arriesgada19 compañías y artistas conforman la programación de la décimo cuarta edición del Festival Alternativo das Ar-tes Escénicas de Vigo ALT.15, que se celebra del 9 al 15 de marzo en diversos espacios de la ciudad y que tiene a la compañía Voadora como protagonista del ‘preALT’. Este festival, organizado por la entidad no lucrativa Noescafé-Teatro, tiene como objetivos el apoyo a la creación escénica contemporánea, tanto gallega como

foránea, facilitando para ello lugares de trabajo, recur-sos económicos y humanos a través de residencias, o el programa ALT.procrea en Femenino. Busca crear activi-dades singulares, este año por ejemplo la fiesta-maratón con Voadora, ser lugar de estreno de nuevas creacio-nes y crear complicidades con otras estructuras de la localidad buscando para ello, el apoyo de organismos públicos.

Hombres bisagra de Matarile ©Ruybén Vilanova

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y que darán comienzo con La máquina de la soledad, primer trabajo en colaboración de Microscopía & Oligor, una propuesta para aforo limitado donde descubrir la intimidad de unos amantes, las aventuras de un co-hete o las desventuras de un emigrante a través de las cartas. Esta obra, que también se podrá ver el sábado y el domingo, dará paso al estreno en Casa das Artes del nuevo espectáculo de Karla Kracht & Andrés Bela-díez, 2062, creada al igual que su anterior ‘Zoowooz’ en “live cinema”, que también repiten función el sábado.

Otro estreno para el viernes, en este caso en el MARCO –Museo de Arte Contemporá-neo– y de la mano de la compañía gallega Anómico Teatro es Preferiría non facelo, un poema político que parte de la conocida fra-se del escribiente Bartleby. En el Conserva-torio Superior de Música estará la pieza de improvisación musical y de danza Iusisusu de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Mar-cos. Completa la programación del viernes Not never on time, un film escénico de Khea Ziater dirigido por Alex Gerediaga.

Cinco son también las propuestas escé-nicas preparadas para el sábado. A las dos ya citadas se les une la compañía mexicana residente en Barcelona Physical Momentum

Project que presenta Postskriptum, una pie-za de danza corta para espacios urbanos con grandes dosis de riesgo. Otro estreno, también en el MARCO, es STRPTS// Episodio 1 Mirlo & Rula, una historia de amor, intriga, sexo y corrupción en formato Live Cinema del colectivo Cinema Sticado. Y el reestreno, tras su presentación en el festival FITO de Ourense de Hombres bisagra de Matarile, “un delirio escénico de Baltasar Patiño y el músico Nacho Sanz, un concierto perfor-mativo danzado”.

El domingo, además de las dos funciones de Oligor & Microscopia se podrá disfrutar en el Auditorio do Concello con Bataille, una pieza de Pierr Rigal / Cie. Derniere Minute de Francia, donde un hombre de circo y un ar-tista de circo dan rienda suelta a un encarni-zado enfrentamiento lleno de humor y lucha. Con El agitador vortex de Cristina Blanco se cierra el ciclo dedicado al Live Cinema del MARCO y esta edición del ALT, una propuesta en la que la creadora se ve envuelta en un truculento asunto de asesinatos.

Not never on time de Guillermo Wickert & Alejandro Rojas Marcos


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La localidad canaria de Agüimes vuelve a ser el epicentro de la narración oral con la celebra-ción del 13 al 17 de marzo de

la vigésima quinta edición del Festival Internacional de Narración Oral Cuen-ta con Agüimes.

El festival se inaugura la tarde del día trece en el Teatro Auditorio de Agüimes con Miserere mei de Antonio López, que dará paso a las historias de La verdad imaginada de Olegario García Monte y familia de Pablo Albo. Una sesión de cuentos sórdidos con humor, amor, pasión y un pellizquito de poesía. Olegario es el protagonista de estas historias, “un niño normal al que la vida regaló una prima pelirroja, una hermana yonqui, una abuela muerta, un abuelo sabio y licencioso, unos tíos y tías extraordinarios, una madre libertina y un padre que adoptaba dis-tintas formas”, explica Albo.

El sábado por la mañana Albo ofre-cerá en el Teatro Cruce de Culturas una función dirigida al público infan-til, al que narrará Cuentos de aire. Historias de papel acompañado de sus libros, que se abrirán a la vista

de los asistentes para desplegar sus palabras, que saltarán del papel a la boca, de la boca al aire y del aire a las orejas. Al anochecer el Teatro Auditorio volverá a ser el lugar de en-cuentro donde disfrutar con la sesión compartida del colombiano Nicolás Buenaventura y la portuguesa Ana Sofía Pavía Cuentos, cantos y otros tantos, que dará paso al concier to narrado o cuentos musicalizados de Amancio Prada, CuentaCantos.

Comienza el domingo con una nue-va función para los más pequeños. Otra vez en el Teatro Cruce de Cul-turas pero a cargo de Nicolás Buena-ventura que deleitará al público con Amaranta porqué, una adaptación de un cuento de tradición oral llamado ‘Boca, brazo y pie’ conocido por el autor en Costa de Marfil y en la cos-ta pacífica colombiana. Por la noche y en el Teatro Auditorio tendrá lugar la Función colectiva de clausura con todos los narradores de esta edición. Además, para los días 16 y 17 se han organizado funciones para escolares, y el fin de semana Albo impartirá un taller de narración oral.

XXV FesTIVal InTernaCIonal de narraCIón oral - CuenTa Con agüImes

Contar cuentos sobre los escenarios canarios

Este año se podrá disfrutar con las historias de narradores como Pablo Albo, Nicolás Buenaventura o Ana Sofía Pavía

Pablo Albo

Nicolás Buenaventura

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Entre el 6 y 29 de marzo tendrá lugar la 19 edición del Teatra-lia, Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños

y Niñas de la Comunidad de Madrid, en la que participarán un total de 19 compañías procedentes de diversos países de América, África y Europa, mostrando propuestas de teatro de actores, de objetos, de sombras, de títeres, de magia, de danza y música.

La programación, que se desarro-llará en 42 espacios escénicos reparti-dos por toda la Comunidad de Madrid, contempla cerca de una veintena de propuestas, dando paso a más de un cen-tenar de funciones. La compañía legendaria procedente de la República Checa Drak Teatro escenificará Poslední trik Georgese Mélièse (El último truco de Georges Mé-liès), uno de sus míticos trabajos dirigido a niños y niñas de 7 años en adelante en el que fusionan teatro y magia con pro-yecciones de ritmo trepidante. Otra de las

propuestas destacadas de esta edición es Schlaf gut, süsser Mond (Duerme bien, dul-ce luna), fruto de la estrecha colaboración entre el Grupo Lyasa natural de Zimbaue y los austriacos Dschungel Wien, dirigido a niños de dos años en adelante que se dis-tingue por la fuerza, energía y vigor de los ritmos africanos, las impresionantes voces de los jóvenes artistas y la puesta en esce-

na del reconocido director de escena austriaco Stephan Rabl.

Teatralia se caracteriza por dar ca-bida en su programación a aquellas propuestas innovadoras, entre las que destaca la multidisciplinar Sueños de arena de Borja Ytuquepintas, la cata-lana L’Animé, creada en 2012, que deleitará al público de entre 6 a 12 años con Bhrava!, una pieza que tiene el humor como hilo conductor y cuyas protagonistas sorprenden con sus in-terpretaciones a través de la danza, el mimo, los títeres y los objetos, recrean-do un recorrido por pequeñas piezas

exquisitas. Así como la compañía titiritera El Retablo, que ofrecerá una historia de amor ambientada en el circo: Giuseppe y Peppina. Una domadora, el hombre más fuerte del mundo, un faquir y el payaso de nariz roja son algunos de los personajes de esta obra que está interpretada por actores y títeres, con música en directo, recomendada para niños y niñas a partir de 4 años.

TeaTralIa, FesTIVal InTernaCIonal de arTes esCénICas para nIños y nIñas

Obras de América, África y Europa se verán en Teatralia

Sueños de arena de Borja Ytuquepintas ©Marta G. Cardellac


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Durante el mes de marzo continúan las XXXVIII Jornadas Internaciona-les de Teatro de Eibar, que comen-zaron el pasado 20 de febrero con

la conferencia del dramaturgo y director Miguel del Arco titulada ‘¿Para qué sirve el teatro?’ y con la que se dio el pistoletazo de salida a esta edición. Este mes comienza con La mejor magia en la que Fábrica de Magos ha seleccionado a los magos Nuel Galán, Daniel Ka, Héctor Mancha y Mago Valen, que ofrecerán un espectáculo en forma de gala. Le sigue El reportaje, una obra sobre el pensamiento autoritario de Producciones del Ciclo “Nuestro Tea-tro” en la que Federico Luppi da vida a un general de la dictadura argentina preso en la cárcel, lugar donde va a ser entrevistado. La actualidad política es la protagonista de Ruz/Bárcenas de Teatro del Barrio, obra

dirigida por Alberto San Juan a partir del texto que Jordi Casanovas ha escrito de la declaración que el juez Ruz tomó al tesore-ro del Partido Popular.

El hombre almohada de Martin MacDo-nagh sube a los escenarios de la mano de la compañía Ilmaquinario teatro, una come-dia negra que profundiza en el influjo que la violencia juega en el desarrollo humano, mientras que La puta enamorada de Chema Cardeña es un homenaje al teatro clásico español a cargo de Euroscena. Toni Acosta

e Iñaki Miramón dan vida a los dos persona-jes de De mutuo desacuerdo, una comedia sobre las nuevas familias del siglo XXI de Pentación. Comedia es también aunque en forma de monólogo ¿Por qué los mayores construyen los columpios encima de un charco?, protagonizada por Luis Piedrahita. Las versiones en euskera y castellano de la coproducción de Tanttaka Teatroa y el CDN, La calma mágica y Barealdi magikoa, escri-tas y dirigidas por Alfredo Sanzol, Makinista de Markeliñe y Erdibana de Txalo Produkzio-ak, ambas en euskera, y el espectáculo de danza dirigido por Cesc Gelabert, Gelauziak de Kukai completan la programación junto a El cascanueces, espectáculo para público infantil y familiar de Teatro del Temple y las dos obras de teatro universitario, Las Bellas de Easo de Musikomeria y III de Ma-ricastaña.

Siguen las Jornadas de Eibar

La calma mágica ©marcosGPunto

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M I S C E L A N E A

La Mostra dÍgualada, Feria de teatro infantil y juvenil, celebra del 16 al 19 de abril su vigésimo sexta edición con más de sesenta compa-ñías que pondrán en escena un centenar de represen-taciones de teatro, magia, circo, clown, títeres, danza, música, multidisciplinar...

tanto de sala como de calle. La organización de la mos-tra, dirigida a partir de esta edición por Pep Farrés, ha seleccionado los espectáculos de entre las más de 300 propuestas para conformar una programación que este año hace especial énfasis en los montajes dirigidos al público juvenil. Aunque con especial presencia de com-pañías de habla catalana también acudirán a Igualada compañías del resto del estado y del panorama inter-nacional, tanto compañías emergentes como consoli-dadas. Además, y como es habitual, La Mostra cuenta con un espacio de negocio e intercambio, denominado La Llotja, en la que se organizan actividades de toda índole dirigidas para todo el sector.

Los días 14, 15 y 16 de abril Albacete vuelve a acoger una nueva edición de la Fe-ria de Artes Escénicas de Castilla-La Mancha, la dé-cima novena. Al cierre de esta edición aún no está ce-rrada la programación pero ya se conocen parte de las propuestas que se van a

dar a conocer sobre los escenarios del Auditorio Mu-nicipal y el Teatro Circo así como en la Filmoteca y en calles y plazas del centro de la ciudad. Equus de Cia. Ferroviaria, Arizona de Juan Carlos Rubio producida por Histrión Teatro, Los huerfanitos de Traspasos Kultur, El oscuro corazón de la noche de Falsaria de Indias, El show de Martin´s de Jes Matin´s Cia, la ópera Lélisir Dámore de Producciones el Telón, o el espectáculo de títeres para adultos Quijote de Bambalina Teatre Practicable. Y para el público infantil y familiar, las obras Libertia de Hor tzmuga Teatroa, La crónica del lobo de Elfo Teatro y El viaje de Martin de Titiriguiri además del show case Brea y Plumas de Babirusa Danza.

La Mostra dÍgualadaFeria Castilla-LaMancha

©Borja Relaño


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M I S C E L A N E A

Con la participación de co-reógrafos de todo el mundo se celebra del 12 al 15 de marzo el XIX International Solo Dance & Theatre Festi-val en Treffpunkt Rotebühl-platz, Stuttgart. De las más de 200 propuestas recibidas la organización ha seleccio-nado 18 piezas de las que la

gran mayoría serán estrenos. Este festival que propone ser un encuentro entre diferentes culturas cuenta con creadores llegados desde diversos puntos de Europa y de Israel, Estados Unidos, Egipto, Brasil, Ecuador o la República Democrática del Congo. Un renovado jura-do internacional se encargará de seleccionar las piezas galardonadas. Entre ellos se encuentra Roberto Scafati, director de ballet en el Teatro Ulm, la coreógrafa y bai-larina suiza Anna Huber o el brasileño Jorge Eduardo Schneider, cofundador y vicepresidente de la ABABTG – Associação de Bailarinos e Apoiadores do Balé Teatro Guaíra en Brasil. El festival rinde homenaje a Tanja Lie-dtke, cuya fundación financia el festival, junto con más apoyos de la ciudad de Stuttgart.

La segunda edición del Fes-tival Internacional de Teatro do Alentejo se celebra en las localidades portuguesas de Beja, Évora y Portalegre del 5 al 28 de marzo. Orga-nizado por la compañía de teatro Lendias d’Encantar, esta edición comienza con la coproducción entre Co-

lombia, Cuba y Portugal de Os cinco enterros de Pes-soa. La compañía colombiana Teatro Tierra presenta Los ritos del retorno y la cubana Teatro D´Dos hará lo propio con El baile, mientras que de Cádiz llega Al-banta Teatro para presentar Cádiz en mi corazón de Abel González Melo. El protagonismo de Pessoa es latente con la puesta en escena de su texto Inércia a cargo de UmColectivo y Teatro Turim. También se podrá disfrutar con Vêtoca de Animateatro, Três de-dos abaixo do Joelho de Mundo Perfeito, A nova Aragem de Chão de Oliva o dos espectáculos de la trilogía dedicada a la literatura americana de Teatro Mosca, O Som e Fúria y Moby Dick, además de es-pectáculos de calle, música etc.

FITA - Alentejo

MIT - São Paulo

Solo Dance - Stuttgart

46 compañías de 18 países de América y Europa con-forman la programación de la décima edición del Festi-val Internacional de Teatro de Santa Cruz, que tendrá lugar del 16 al 26 de abril. Organizado por la Aso-ciación Pro Arte y Cultura (APAC), este año el festival

retoma el lema ‘Multiplicando Miradas’ y tiene como objetivo centrar su mirada en el teatro iberoamerica-no con 126 funciones que se desarrollarán en su gran mayoría en escenarios de las ciudades de Santa Cruz y Tarija, con extensiones por poblaciones más pequeñas de la zona. Esta décima edición reunirá a compañías llegadas de España, Portugal, Bélgica, Francia e Italia y Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, El Salvador, el teatro latino de Estados Unidos, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Además de la programación oficial, el festival contará con una serie de actividades paralelas como el Encuentro de Escue-las Superiores de Arte Dramático o el denominado ‘El Jardín o Encuentro con Programadores Internacionales’ que tiene como objetivo difundir el teatro boliviano y al mismo tiempo propiciar el encuentro entre artistas, críticos, programadores, periodistas y público.

Del 6 al 15 de marzo se ce-lebra la 2ª MITsp - Mostra Internacional de Teatro de São Paulo con una exquisi-ta programación. Inaugura la mostra la versión de Yuri Butusov de A Gaviota de Chéjov en una puesta en escena del Theatre “Sati-ricon” ruso. Los brasileños

Cia Vértice presentan dos adaptaciones de Christiane Jatahy de Julia de Strindberg y E se elas fossem para Moscou? basada en ‘Tres hermanas’ de Chejov. Des-de Ucrania Woyzeck a cargo de Andriy Zholdak con puesta en escena de Svoboda Zholdak Theatre y de Cherkasy Academic Musical and Drama Theatre, y desde Suiza Stifters Dinge de Heiner Goebbels por Theatre Vidy-Lausanne. Otra Senhorita Julia de la alemana Schaubühne am lehniner platz dirigida por Katie Mitchell y Leo Warner y los rusos Dmitry Krymov Laboratory at Moscow Theatre School of Dramatic Art presentan Opus N.7. Una obra sobre el conflicto palestino israelí, Ariquivo del israelí Arkadi Zaides y As irmãs macaluso de los italianos Compagnia Sud Costa Occidentale completan el programa junto a la coproducción del MITsp con Toneelgroep Amsterdam y Canção de muito longe dirigida por Ivo van Hove.

FITCRUZ - Bolivia

TeatroSOLO (LONEtheater)Matías Umpierrez Castellano / Euskara Ordu eta leku desberdinetan

Diversas localizaciones y horarios - -

In BEtweenHelena Golab Castellano / English / Polski Intxaurrondo K.E. 13:00 50 min

LA NOCHE ÁRABEHika Teatroa - Kabia - Pabellón 6 Castellano Gazteszena (Egia K.E.) 17:00 80 min

EQUUSCompañía Ferroviaria Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 18:45 100 min

SOLITUDESKulunka Teatro Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Antzokia 21:00 85 min

LA MÁQUINA DE LA SOLEDADMicroscopía y Oligor Castellano San Telmo 22:45 80 min

DELICIASeda Producciones Castellano Victoria Eugenia Club 24:15 70 min



CYRANO DE NUEVA ORLEANSNEW ORLEANSKO CYRANOVaivén Producciones

Castellano / Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) 10:00 11:30 50 min

EL CIELO AHORAOlatz de Andrés Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 60 min

PEREZACielo Raso Testurik gabe / Sin texto Gazteszena (Egia K.E.) 13:00 50 min

IRAKURRIZShakti Olaizola Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club 17:30

19:30 30 min

GORPUTZAKolorearekin Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club 17:30 20 min

UN OBÚS EN EL CORAZÓNL’om imprebís Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 18:45 90 min

LA CALMA MÁGICA CDN / Tanttaka Teatroa Castellano Victoria Eugenia Antzokia 20:30 95 min

LA FIERAMariano Tenconi Blanco Castellano Espacio DSS2016 Gunea 23:00 55 min



L’HOMME ASSISCompagnie Yma Testurik gabe / Sin texto Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) 10:00 33 min

HAPPYEND Vaivén Producciones Castellano Intxaurrondo K.E. 11:00 100 min

TOUTES LES FILLES DEVRAIENT AVOIR UN POÈMEPaul les Oiseaux

Testurik gabe / Sin texto Gazteszena (Egia K.E.) 13:00 70 min

LAUESKU 22Lasala Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club 17:30 25 min

INNINGSColectivo Lamajara Danza Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Club 17:30 20 min

EL REPORTAJETeatro El Picadero Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 80 min

WALKING CITYCarmelo Segura Companhia Testurik gabe / Sin texto Victoria Eugenia Antzokia 20:30 60 min

LA FIERAMariano Tenconi Blanco Castellano Espacio DSS2016 Gunea 23:00 55 min

CABARET CHIHUAHUAPabellón 6 Castellano Espacio DSS2016 Gunea 24:00 120 min



TRIPLE SALTO JAUZI HIRUKOITZAPikor Teatro

Castellano / Euskara Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) 10:00 12:00 63 min

EL HOMBRE ALMOHADA ilMaquinario Teatro Castellano Intxaurrondo K.E. 11:30 90 min

BARBECHO Natxo Montero Castellano Gazteszena (Egia K.E.) 13:15 65 min

YO MATÉ A PINOCHETTeatro Errante Castellano Victoria Eugenia Club 17:30 65 min

COMPÁS DE ESPERA Choni Cía. Flamenca Castellano Antzoki Zaharra – Teatro Principal 19:00 60 min

¡MALDITO SEA EL TRAIDOR A SU PATRIA! Theatre Mladinsko Slovenski Victoria Eugenia Antzokia 20:30 75 min

DE LA PURÍSSIMADe la Puríssima Castellano Espacio DSS2016 Gunea 23:30 90 min

PROGRAMAZIOA | PROGRAMACIÓN

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Donostia arte eszenikoen eszenatoki handi bat bilakatuko da beste behin. dFERIAk antzerki eta dantza ikuskizunez osatu-tako programazio oparoa dakarkigu udaberriaren atarian. Lau egunez, martxoaren 9tik 12ra, 33 emanaldi izango dira gure hiriko zortzi agertoki ezberdinetan, eta, jarduera paraleloak ere askotarikoak izango dira. Donostia, bada, antzerki mun-duaren topaleku izango da beste urte batez; programatzaile, zuzendari, sortzaile, eta aktoreen topaleku. Eta, noski, zaleen topaleku, antzerki eta dantzazaleena, kulturzaleena. dFERIA jada erreferente bat da sektorean. Euskal Herriko arte esze-nikoen inguruan egiten den azoka bakarra da, eta hirian izan ohi diren zine eta musika jaialdiak osatzera datorrena, an- tzerkiaren ikuspuntutik. Eta azoka honek oso berezko du sor-mena trukatzeko gunea izatea, ikuskizun berritzaileen aterpe baita, eta hortaz plataforma bikaina da merkatua sustatze-ko. dFERIA, azken batean, antzerkiari eta dantzari hauspoa emateko sortu zen. Eta oraingo honetan identitatearen gaia hartuko du ardatz. Arteak hausnarketa egitera eramaten gai-tu, hori da bere ezaugarrietako bat, eta identitatearen gaiak aukera ugari emango dizkigu pentsarazteko; gure buruari zer garen galdetzeko, nork gure identitatea zergatik eraikitzen dugun galdetzeko, indibiduala eta kolektiboa, herri identi-tateak ere bere tartea izango baitu azokan. Hortaz, baliatu dezagun aukera hau, arte eszenikoetan murgiltzeko, eta gure buruari galderak egiteko.

dFERIA2015en XXI. edizioa aurkezten dugu. Aurtengo goiburua da Identitatea, norberaren ezaugarriak eta besteengandik be-reizten dituenak. Zentzu zabalean: gizarte-, politika-, kultura- edo arte-mailan. Eta horrela egin da, dFERIA definitu den unean eta feria bera argi identifikatzen duten nortasun-seinale batzuk eskuratu dituenean. Izan ere, antzerki zein dantzako ekitaldi bat da. Ikuspegi garaikiderako joera duen feria. Euskal sormenare-kin konprometitua. dFERIA-k ere beste leku batzuetara begiratzen du eta Latinoamerikarekin zabaldutako leihoa sendotzen du. Eta jakina, Estatura eta Europara ere begiratzen du. Es-treinaldien eta berrikuntzen aldeko apustua egiten du. Sektore profesionalean eztabaida sortzea eta gogoeta bilatzen ditu, eta profesional europarrei keinu bat egiten die, lehen aldiz ingelese-ra eta frantsesera gaintitulatutako dantza- eta antzerki-eskaintza eginez, gaztelaniaz aritzen ez diren programatzaileentzat eta kudeatzaileentzat ere erakargarria egiteko. Eta garrantzitsue-na, hau guztia lortzeko, erakundeen, entitateen, antolakuntzen, konpainien eta banakoen borondateak, babesak eta parte-har- tze aktiboak batzen dira. Guztiek ekarpenak egiten dituzte, lana eskaintzen dute eta ahalegin kolektibo baten ondoriozko errea-litate bihurtzen dute dFERIA. Mila esker haietako bakoitzari. Eta eskerrik asko ere urtez urte dFERIA-ra hurbiltzen zaretenoi, bizi duzuenoi, aberasten duzuenoi, eta proiektu erakargarria eta zo-ragarria izaten jarraitzeko oinarrizkoa den energia hori eta hain beharrezkoa den indarra ematen diozuenoi.Baina dFERIA jaialdi bat ere bada, jendeari, zaleari zuzendutako dantza- eta antzerki-ikuskizunez osatutako festa berezi bat. Lau egunetan 30 ikuskizun baino gehiago eskaintzen dira. Formatu diferenteak, zazpi gune diferente baino gehiago, forma ugariko ikuspegi eta kontzeptu artistikoak, Eslovenia, Frantzia, Bue-nos Aires, Txile, Mexiko, eta beste hainbat lekutatik etorritako ikuskizunak. Guztien gustuko edukiak, baina hutsalkeriatik edo show business-etik aldenduz. Jarduera paraleloak programatuz indartutako ikuskizunak. Programazio horrek eszenako ikuski-zunetara beste ikuspuntu batzuetatik –intimitate handiagoare-kin– hurbiltzeko aukera emango du. Aukera bikaina, zalantzarik gabe. Espero dugu kale ez egitea eta urtez urte Donostia bihurtzen den arte eszenikoen festa nagusia izaten jarraitzea.

Una vez más, Donostia se va a convertir en un gran escenario de las artes escénicas gracias a dFERIA, que nos trae una programa-ción llena de espectáculos teatrales y de danza en puertas de la primavera. Durante cuatro días, del 9 al 12 de marzo, 33 funciones van a tener lugar en ocho escenarios diferentes de nuestra ciudad, así como una variedad de actividades paralelas. Así pues, un año más, San Sebastián va a ser punto de encuentro del mundo del teatro para programadores, directores, creadores y actores. Tam-bién, por supuesto, punto de encuentro de los aficionados al teatro y a la danza, es decir, a la cultura. dFERIA es ya un referente indis-cutible para el sector. Se trata de la única feria de artes escénicas de Euskal Herria, y viene a completar, desde el punto de vista tea-tral, los festivales de cine y de música que tienen lugar en nuestra ciudad asi mismo, es connatural a esta feria el ser lugar de inter-cambio creativo, al acoger a espectáculos innovadores, y es, por tanto, una plataforma inmejorable para incentivar el mercado. Al fin y al cabo, dFERIA surgió para promover el teatro y la danza. En esta edición, el eje en torno al que gira es el de la identidad. El arte nos lleva a reflexionar, esa es una de sus características, y el tema de la identidad nos ofrece muchas oportunidades para ello; para preguntarnos qué somos, por qué construimos cada cual nuestra identidad, tanto individual como colectiva, pues la identidad como pueblo tendrá también su espacio en la feria. Aprovechemos, por tanto, esta oportunidad para sumergirnos en las artes escénicas y plantearnos preguntas.

Presentamos la XXI edición de dFERIA2015 en un año que tie-ne la Identidad como lema, rasgos propios y diferenciales con respecto a los demás. En un sentido amplio: social, político, cultural o artístico. Y se hace en un momento en el que dFERIA se ha ido definiendo y cuenta con unos signos de identidad que la definen claramente. Como es el ser un evento tanto de teatro como de danza. Una feria que tiende a lo contem-poráneo. Comprometida con la creación vasca. dFERIA mira también hacia otros lugares y consolida una ventana hacia Latinoamérica y por supuesto, mira también hacia el Estado y Europa. Apuesta por los estrenos y por las novedades. Bus-ca crear debate y reflexión en el sector profesional y realiza un guiño hacia los profesionales europeos concretando por primera vez una oferta de danza y de teatro sobretitulado al inglés y francés para que se convierta atractiva también a los ojos de programadores y gestores de habla no hispana. Y lo más importante, que para hacer todo esto se suman las volun-tades, los apoyos y las participaciones activas de institucio-nes, entidades, organizaciones, compañías y personas indivi-duales que aportan, trabajan y hacen de dFERIA una realidad fruto de un esfuerzo colectivo. Muchas gracias a cada uno de ellos y de ellas. Y gracias también a todos aquellos y aquellas que año tras año acudís a dFERIA, la vivís, la enriquecéis, le dais esa fuerza tan necesaria y esa energía fundamental para que siga siendo un proyecto ilusionante y apasionante. Pero dFERIA es también un festival, un festín de espectáculos de danza y teatro para el público, para el aficionado. En cuatro días se levanta el telón más de 30 veces. Distintos formatos, más de siete espacios distintos, visiones y conceptos artísti-cos variopintos, espectáculos venidos desde Eslovenia, Fran-cia, Buenos Aires, Chile, México, Francia… contenidos para todos los gustos pero escapando de la banalidad o del show business. Espectáculos reforzados con una programación de actividades paralelas que posibilitará acercarse al hecho escénico desde otros puntos de vista, con mayor intimidad. Una buena oportunidad sin duda que esperemos no defraude y siga siendo la gran fiesta de las artes escénicas en la que se convierte San Sebastian año tras año.

AGURRA / SALUDO

Nerea TxapartegiDonostiako Udal Gobernuko Kultura arduraduna

Responsable de Cultura del Gobierno Municipal de San Sebastián

Norka ChiapussodFERIAko zuzendaria / Director de dFERIA

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Identitatea zabaldu egin da, eta hedabideetan, sare soziale-tan, kafetegietan edo familiako bileretan XXI. mendeko sozie-tateek euren buruarekin edukitzen duten elkarrizketaren hitz nagusietako bat bihurtu da. Etengabe itxuraldatzen ari den gizarte batean gero eta esanahi gehiago dituen hitza da. XXI. mendean murgilduta gaudenean, kulturek eta azpikulturek esanahiz betetzen dute norberaren identitatearen banakako pertzepzioa, baina gauza bera ere egiten dute talde-identita-teekin. Testuinguru horretan, herritarrak euren identitate pro-pioa diseinatzeko ahalmena dutela konturatu dira, kategoria tradizionalei beste kategoria batzuk gehituz –nazionalitatea edo sexua, adibidez–, aukeraketarekin edo gustuarekin gero eta lotuagoak dauden kidegoen bitartez. Hauek dira ikus-entzule berriak. DSS2016EUren eta dFERIAren artean hasi-tako elkarrizketaren ondorioz, aurten, ikus-entzule horiengan pentsatutako mota askotako lankidetza-ekintzak adostu di-tuzte. Besteak beste, 2016 Espazioan dFERIAren meeting point-a ipintzea, Cabaret Chihuahua programatzea, gidoi-lan-tegi bat egitea edo TeatroSOLO proiektua. Hiriburutzaren eta dFERIAren ekipoak elkarlanean aritu dira jaialdiaren progra-mazioari DSS2016EUren baloreekin bat datorren ekarpena egiteko. DSS2016EUren helburu nagusien artean dago ekar-pen ukiezin batzuk eskaintzea, eta kultur agenteekin adostuta, ekarpen horiei metodologien, erlazioen edo proiektu espezi-fikoen forma ematea. Azken finean, dFERIAren kasuan zein hiriburutzarekin elkarlanean diharduten gainerako agenteen kasuan, helburua da mundu berriak, enpatia berriak, kidego berriak, konplizitate berriak ezagutzeko aukera eskaintzea. Identitate berriak ezagutzeko aukera.

Identidad ha crecido hasta convertirse en una de las palabras clave de la conversación que las sociedades del siglo XXI man-tienen consigo mismas en medios de comunicación, redes so-ciales, cafeterías o mesas familiares. Una palabra que no deja de adoptar nuevos significados en una sociedad en trepidante metamorfosis. Bien entrados en el siglo XXI, culturas y subcul-turas llenan de significado la percepción individual de la propia identidad, pero también lo hacen con las identidades colecti-vas. En este contexto, la ciudadanía ha tomado conciencia de su poder para diseñar su propia identidad añadiendo nuevas categorías a las tradicionales, como la nacionalidad o el sexo, con pertenencias cada vez más orientadas a la elección o el gusto. Estos son los nuevos públicos. La conversación abier-ta entre DSS2016EU y dFERIA cristaliza este año en diversas colaboraciones de la más diversa índole, pensadas para ellos. Desde la instalación del meeting point de dFERIA en el Espacio 2016, hasta la programación del Cabaret Chihuahua, pasando por un taller de guión o el proyecto TeatroSOLO, los equipos de la capitalidad y de dFERIA han colaborado para dotar a la programación del festival de una aportación alineada con los valores de DSS2016EU. Entre los principales objetivos de DSS2016EU está el de legar un conjunto de intangibles que, en conversación con los agentes culturales, tomen forma de me-todologías, relaciones o proyectos específicos. En resumen, tanto en el caso de dFERIA como en el del resto de agentes con los que colabora la capitalidad, el objetivo es ofrecer la posibilidad de descubrir nuevos mundos, nuevas empatías, nuevas pertenencias, nuevas complicidades. La posibilidad de descubrir nuevas identidades.

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PROGRAMAK / PROGRAMAS

Eszena T (Akitania-Euskadi)

Aurtengo edizioko berrietako bat. Baionako Eszena Nazionaleko lagunekin partekatzen dugun ESZENA T programak leiho berri hau irekitzeko aukera es-kaini digu.Akitaniako OARA sareak (hemengo SAREA - Euskal Antzoki Sarearen baliokidea) dFERIAn inplikatzeko konpromisoa hartu zuen, Akitania-Euskadi leihoa deituriko horretan. Ondorioz, OARAk Akitaniako bi ikuskizun ekarriko ditu eta dFERIAk sare horretako eragileak gonbidatuko ditu feria bere osotasunean ezagut dezaten; hau da, egitarauaz haraindi, lehen harremanak has daitezen, gure arteko lotura sendotu dadin eta etorkizunean proiektu komunak egin ditza-gun, guztion mesederako; eta baita ikuskizunak han eta hemen programa ditzagun bi aldeek.

Iberoamerikako leihoa

Latinoamerikako antzerkia hango herrialdetako errea-litate eta arazo sozio-ekonomikoei erantzuten dien antzerkia delakoan gaude. Jendeari zuzenean hitz egiten dion eta ikusleen kontzientziengan eragiteko xedea duen antzerkia delakoan, 2008tik aurrera dFERIA La-tinoamerikako konpainiak ekartzen saiatzen da.dFERIAk Iberoamerikako ikuskizunak hedatu, sustatu eta bultzatu nahi zituen dFERIAra datozen profesio-nalen artean, eta baita euskal konpainien presentzia sustatzea ere Latinoamerikako jaialditan, aipatu jaial-dietako zuzendariak gurera gonbidatuz.Atlantikoaren bi ertzetako artista eta profesionalen ar-teko lankidetza-sinergiak bultzatu nahi genituen ere.Aurten inoiz baino gehiago, INAEMak 2006an sortu-riko Iberescena Iberoamerikako funtsaren laguntza baitugu. Hori dela eta, aurtengo edizioko leiho honek herrialde eta estilo askotariko 7 ikuskizun hartuko ditu, Euskal Herriko proposamenak barne.

dFERIA Dantzan

dFERIAko “leiho”-rik zaharrena dugu hau. dFERIAk dantza bere ezaugarri bereziak eta garrantzia duen diziplina gisa sustatzeko erabaki irmoa hartu eta berehala, dFERIA Dantzan jaio zen. Konpainiei arte eszenikoen merkatuan sartzen laguntzeko erakus- leiho aproposa eskaintzea xede duen euskal dantzaren plataforma honek gure dantzak osotasunean duen kalitate artistikoa islatzen du. Erreminta irmoa eskainiz estatu mailan eta nazioartean merkatu be-rriak ireki ditzan. Honela, aurten ere, Eusko Jaurlaritzako Kultura Sai-lak eta dFERIAk sortu eta finantzatu “Dantza Bultza-tuz” programa eskainiko dugu, eta badira 15 edizio dagoeneko, 2001ean hasi baitzen. Aurten 5 dantza ikuskizun berri, erakargarri eta ezberdinak ikusteko aukera egongo da.

Feriaren historian zehar programa ezberdinak sustatu edo gauzatu izan ditugu. Aurtengoan, eta Iberoame-rikako funtsak eta Eusko Jaurlaritzak sustaturiko pro-gramekin batera, Eszena T aurkezten dugu.

A lo largo de la historia de la feria, varios han sido los pro-gramas y/o plataformas que se han impulsado o bien han tenido cabida en la misma. En esta edición, y junto a los programas fomentados por el fondo iberoamericano y por el Gobierno Vasco, presentamos Eszena T.

Eszena T (Aquitania-Euskadi)

Es una de las novedades de la presente edición, gra-cias al programa conjunto denominado ESZENA T, que compartimos con nuestros compañeros de la Scène Nationale de Baiona, surgió la posibilidad de abrir esta nueva ventana.La OARA en Aquitania (equivalente a la SAREA de aquí, Red Vasca de Teatros), adquirió el compromiso de impli-carse en dFERIA, en lo que hemos denominado la ventana Aquitania-Euskadi. OARA colabora con la presencia de 2 espectáculos de Aquitania, y dFERIA invita a programado-res de su red, para conocer la feria en toda su extensión, es decir, no sólo la programación, sino que puedan reali-zarse los primeros contactos para incrementar las relacio-nes entre nosotros y puedan surgir nuevos proyectos de futuro, beneficiosos para todos, así como la lógica circula-ción de los espectáculos en una dirección y otra.

Ventana Iberoamericana

En la creencia de que el teatro latinoamericano es un teatro que responde a las realidades y a las problemáticas socio-económicas de los países en los que se desarrolla. Como un teatro que habla a la gente directamente y con vocación de intervenir en las conciencias de sus públicos comenza-mos a trabajar en la presencia de compañías latinoamerica-nas en dFERIA desde 2008.dFERIA deseaba fomentar la distribución, circulación y pro-moción de espectáculos iberoamericanos entre los profe-sionales participantes en dFERIA, así como fomentar que compañías vascas también tuvieran presencia en festivales latinoamericanos invitando a directores de festivales rele-vantes en aquel continente.Buscábamos también promover sinergias de cooperación entre artistas y profesionales de ambos lados del Atlántico.Este año con más fuerza porque contamos con ayuda del fondo iberoamericano Iberescena creado en 2006 en el INAEM. Por este motivo, durante esta edición podremos disfrutar de 7 espectáculos de estilos muy diversos de dife-rentes países, incluyendo en la ventana también propuestas de Euskal Herria.

dFERIA Dantzan

Es la “ventana” más antigua en dFERIA. Cuando se tomó la decisión en firme de que dFERIA también promocionara e impulsara la danza como una disciplina con sus especifici-dades e importancia, se creo dFERIA Dantzan; plataforma de danza vasca que facilite a las compañías un escapa-rate propicio para su integración en el mercado de las ar-tes escénicas, dando una imagen de conjunto y solvencia artística. Como una manera más firme a la hora de abrir mercados nuevos a nivel estatal e internacional. Así se creó el programa “Dantza Bultzatuz” impulsado y financiado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco junto a dFERIA, un año más, y ya son 15 ediciones, desde 2001. Durante esta edición se presentarán 5 espec-táculos de danza novedosos, atractivos y de artistas muy diferentes entre sí.

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KONTZEPTUA, DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO, DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Matías Umpierrez PERFORMERS: Tessa Andonegi, Naiara Arnedo, Estibaliz Curiel, Chema Tena, Julen Vega, Mary Zurbano ARGAZKIA / FOTO: Gorka Bravo MUSIKA / MÚSICA: Rafael Sucheras ZUZENDA-RITZA LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Naiara Gonzalez Etxeberria KOKAPEN LAGUNTZAILEAK / ASISTENTES DE LOCALIZACIÓN: Imanol Jiménez, Jon San Julián, Antonio Arroyo, Xabier Urcaregi, Izaskun Martin WEBGUNEA / WEB: http://www.teatrosolo.com.ar

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TeatroSOLO (LONEtheater) reúne 5 intervenciones performá-tico-teatrales desarrolladas en 5 sitios específicos de una ciu-dad y construidas para el ingreso de un solo espectador a la vez. Estas 5 localizaciones mantienen un diálogo con las pro-blemáticas emergentes de la ciudad intervenida. Por medio de esta experiencia individual, el espectador redescubre una nue-va perspectiva tomando como llave de acceso distintas piezas teatrales que subsisten ocultas en medio del funcionamiento habitual de las localizaciones intervenidas. Este proyecto inter-ventivo retoma la metodología primaria de la representación, a partir de la práctica ancestral de la transmisión oral de historias y mitos de generación en generación, y la reconstruye en el presente. De esta manera, logra redescubrir esta metodolo-gía liberando al teatro de sus estructuras arquetípicas. Esta herramienta quita la teatralidad de la sala y desplaza el teatro a cualquier sitio de una población. Al intérprete lo aleja de su contexto plasmado de signos artificiales, y lo ubica en el centro de la escena real del relato. Al público, lo ayuda a escapar del sometimiento habitual de la platea, de su anonimato y le da un rol activo, e individual, dentro de la puesta. Esta experiencia ha sido presentada en varias ciudades del mundo como Nueva York, Buenos Aires, Sâo Paulo y Graus con gran éxito en el público y crítica. También ha sido galardonado con el premio R7 al mejor proyecto producido en Sâo Paulo en 2014.

TeatroSOLOk performance eta antzerki diren bost interben-tzio biltzen ditu, hiri bateko bost leku zehatzetan gauzatuak, eta aldiko ikusle bakar bat sar dadin eraikiak. Bost kokapen horiek elkarrizketan ari dira interbenitutako hiriaren arazo berrienekin. Bakarkako esperientzia horren bitartez, ikusleak ikuspegi berria aurkituko du, horretarako giltzatzat hainbat antzerki-lan hartuz, kokapen interbenituen ohiko funtziona-menduaren erdian ezkutuan daudenak. Interbentzio-proiek-tu hau antzezpenaren oinarrizko metodologiaz baliatzen da; ipuinak eta mitoak belaunaldiz belaunaldi ahoz transmiti- tzeko ohitura aspaldikotik abiatuta, orainean berreraikitzen du antzezpena. Hala, berraurkitu egiten du metodologia, eta antzerkia bere egitura arketipikoetatik askatzen du. Horri esker, aretoaren antzoki izaera ezabatu eta noranahi erama-ten da antzerkia. Aktorea urrundu egiten da zeinu artifizia-lez beteriko testuinguru batetik, eta kontakizunaren eszena errealaren erdi-erdian geratzen da. Ikus-entzuleei ere lagun-du egiten zaie beren eserlekuen loturatik ihes egiten, beren anonimotasunetik, eta rol aktiboa hartzen dute, nork berea, antzezpenean. Esperientzia hau New York, Buenos Aires, Sâo Paulo eta Graus hirietan aurkeztu da, besteak beste, eta arrakasta handia jaso du hala ikusleen nola kritikaren aldetik. Gainera, R7 saria eman zaio, 2014an Sâo Paulon ekoitzitako proiekturik onena izateagatik.

MATÍAS UMPIERREZTeatroSOLO (LONEtheater) Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Ordu eta leku desberdinetan Diversas localizaciones y horarios

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KOREOGRAFIA ETA INTERPRETAZIOA / COREOGRAFÍA E INTERPRE-TACIÓN: Helena Golab ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Mireia Gabilondo ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Oscar Grijalba MU-SIKA ETA ARGAZKIA / MÚSICA Y FOTOGRAFÍA: Laurentx Etxemendi

Este espectáculo performativo que combina danza, teatro, música e interpretación, habla sobre la dificultad de tomar decisiones bajo la premisa de que tomar una decisión supo-ne aceptar una renuncia. El equipo artístico que participa en el proyecto está presente en el escenario y comparte el es-pacio en tiempo real, haciendo configuraciones coreográfi-cas sujetas a la dramaturgia del espectáculo. Una obra en la que el humor se intercala con la melancolía de la indecisión, las posibilidades, las dudas y la incertidumbre.

Ikuskizun performatibo honek dantza, antzerkia, musika eta interpretazioa konbinatzen ditu, eta erabakiak hartzeko zail-tasunaz ari da, erabaki bat hartzeak uko bat onartzea su-posatzen duela abiapuntu izanik. Proiektuan parte hartzen duen talde artistikoa presente dago agertokian, eta denbora errealean partekaten du espazio hori, ikuskizunaren drama-turgiari lotutako konfigurazio koreografikoak eginez. Obra honetan, umorea tartekatzen da erabaki ezinaren, aukeren, zalantzen eta ziurtasunik ezaren melankoliarekin.

In BEtweenHelena GolabIntxaurrondo K.E. | 13:00Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 50 min ] Castellano, polski, english

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La noche árabe es una historia llena de magia tanto en forma como en contenido. Empieza en ese momento mágico en el que el día da paso a la noche y, a través de cinco personajes, nos habla de lo pasado, de lo vivido, de los ancestros, de los cambios en la vida de las personas, de la memoria primitiva y de las creencias del ser humano. Verano. En una vivienda, Franziska: una mujer joven que siendo niña fue víctima de un rapto que cambió su vida. No recuerda que vive atrapada en una maldición, ni que en el pasado fue una princesa árabe. Al quedarse dormida en el sofá, tres hombres intentarán despertarla con un beso: Karpati, vecino del edificio de enfrente, el novio de Fatima, Kalil, y el conserje del edificio, Lomeier. Uno de ellos le devolverá la consciencia a la encantada Franziska. Y entonces, como recuerda un refrán: Ojos que ven, corazón que siente.

Gau arabiarra, edukian eta forman magiaz beteriko istorioa da. Eguna gau bihurtzen den une magiko horretan hasiko da eta, bost pertso-naiekin batera, iraganaz, bizitakoaz, arbasoez, pertsonaiek bizitzan zehar izaten dituzten eraldaketez eta oroimen primitiboaz zein gizakia-ren sinismenetaz hitz egiten du. Uda. Etxebizitza batean, Franziska: txikitan bahiketa baten biktima izan zen emakume gaztea. Ahaztu egin du iraganean printzesa arabiarra izan zela eta maldizio batek harrapatuta bizi dela. Egongelako sofan lo geratu ondoren, hiru gizonezko saiatuko dira Franziska muxu batekin esnatzen: Karpati, parean dagoen eraikineko bizilaguna; Kalil, Fatimaren mutil-laguna eta Lomeier, eraikineko atezaina. Hiruetako batek itzuliko dio kontzientzia Franziska sorginduari. Eta orduan, atsotitzak dioen moduan: begiek ikusia, bihotzak jasoa.

LA NOCHE ÁRABEHika Teatroa - Kabia - Pabellón 6Gazteszena (Egia K.E.) | 17:00Antzerkia / Teatro [ 80 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

ZUZENDARITZA ETA DRAMATURGIA / DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: Borja Ruiz, Laia Ricart, Agurtzane Intxaurraga TESTUA / TEXTO: Roland Schimmelpfennig INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Ramón Barea, Oskar García, María Goiricelaya, Gabriel Ocina, Ane Pikaza, Iker Vergara SOINU GUNEA / ESPACIO SONORO: Edu Zalio PROIEKZIOAK / PROYECCIONES: Acrónica Producciones JANTZIAK / VESTUARIO: Azegiñe Urigoitia ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Javier García TALDE TEKNIKOA / EQUIPO TÉCNICO: Eraginstac EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Hika teatroa, KABIA Teatro espacio de Investigación DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Ane Pikaza BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Hika Teatroa

ZUZENDARITZA ETA MOLDAKETA / DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN: Paco Macià ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: César Oliva Bernal, Jaime Lorente, Eloí-sa Azorín, Toni Medina, Anaïs Duperrein, Antonio Mateos, Lorenza Di Calogero ESZENOGRAFIA ETA IRUDIA / ESCENOGRAFÍA E IMAGEN: Ángel Haro ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Pedro Yagüe MUSIKA / MÚSICA: Leandro Martínez-Romero Férez JANTZIAK / VESTUARIO: Eloísa Azorín ITZULPENA / TRADUCCIÓN: Isabel Guerrero, Paco Macià BIDEOA / VÍDEO: Carlos Belmonte EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Compañía Ferroviaria KOPRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: Teatro Circo Murcia BABESLEAK / COMPAÑÍA SUBVENCIONADA POR: Culturarts – Generalitat Valenciana, INAEM LAGUNTZAILEAK / COLABORAN: Universidad de Alicante, Ayuntamiento de Murcia.

Equus nos habla, en esencia, de la soledad del individuo frente a una sociedad “domesticada” que nos empuja a se-guir el camino marcado, el establecido, donde el “diferen-te” es marginado y donde se establecen los mecanismos para restituirlo a la “normalidad“.Allan, es un adolescente desequilibrado que busca su pa-sión por cauces alternativos que desembocan en un acto de violencia contra los caballos a su cargo, dejándolos ciegos. Un comportamiento abominable motivado por su frustración e inadaptación al mundo en el que ha sido edu-cado. Allan, se lanza sin frenos a las aguas bravas de sus instintos más vitales, en conexión con la naturaleza y los dioses antiguos; por el contrario Dysart se ve incapaz de renunciar a su posición social domesticada y prepotente.Shaffer nos plantea en el drama, el conflicto entre lo Apo-líneo y lo Dionisíaco; la racionalidad y el orden frente a la libertad, el desenfreno y lo instintivo.

Equus norbanakoaren bakardadeaz mintzo zaigu funtsean; bakardadea, markaturiko eta ezarritako bidetik ibiltzera bultzatzen gaituen gizarte “bezatu”aren aurrean, non “des-berdina” baztertu egiten baitute eta mekanismo batzuk bai-taude hura “normaltasun”era bideratzeko.Allan burua desorekatuta duen nerabea da; bestelako bi-deetatik bilatzen du pasioa eta azkenean zaintzen dituen zaldien kontrako indarkeria-ekintza bat egingo du, horiek itsutuz. Jokaera higuingarria, frustrazioak eta hezi duten mundura egokitu izanak ekarria. Allanek galgarik gabe jo-tzen du bere instinturik bizienen ur bizietara, naturarekin eta antzinako jainkoekin bat eginik; Dysart, aitzitik, ez da gai gizartean duen posizio bezatu eta larderiatsuari uko egiteko.Drama honetan, Shaffer-ek Apoloren eta Dionisosen arteko gatazka planteatzen digu; batetik, arrazionaltasuna eta or-dena; bestetik, askatasuna, bridaririk eza eta instintuak.

EQUUSCompañía Ferroviaria Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Antzoki Zaharra - Teatro Principal | 18:45Antzerkia / Teatro [ 100 min ] Castellano

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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Iñaki Rikarte INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Garbiñe Insausti, José Dault, Edu Cárcamo MUSIKA / MÚSICA: Luis Miguel Cobos ESZENOGRAFIA ETA JANTZIAK / ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Ikerne Gimenez ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Carlos Samaniego “Sama” MASKARAK / MÁSCARAS: Garbiñe Insausti EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Kulunka Teatro ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Rolando San Martín

Un anciano que ya sólo quiere jugar a las cartas. Un ancia-no que se queda viudo. Un anciano que no tiene con quién compartir el juego. Un hijo superado, una nieta adolescen-te. Un anciano que no se resigna. Una sociedad ciega. Una puta primeriza. Un equívoco. Una mosca.Y el tiempo jugando en contra.

Coproducción ESZENA T (Scene National de Baiona y Victoria Eugenia Antzokia)

Kartetan egin, besterik nahi ez duen agure bat. Alargundu den agure bat. Norekin jokatu ez duen agure bat. Buru-tu ezinik dabilen seme bat, biloba nerabe bat. Etsitzen ez duen agure bat. Gizarte itsu bat. Puta hasiberri bat. Gaiz-kiulertu bat. Euli bat.Eta denbora, kontrajokoan.

ESZENA T Koprodukzioa (Baionako Eszena Nazionala eta Victoria Eugenia Antzokia)

SOLITUDESKulunka Teatro Estreinaldia / Estreno

Victoria Eugenia Antzokia | 21:00Antzerkia / Teatro [ 85 min ] Testurik gabe (maskarak) / Sin texto (máscaras)

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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alberto Velasco TESTUA / TEXTO: Triana Lorite ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Juana Andueza, Juana Cordero, María Re-yes, Lucía Caraballo, David Bueno ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Karmen Garay JANTZIAK / VESTUARIO: Sara Sánchez de la Morena, Sampedro Accesories TWIN PEAKSEN MUSIKAREN MOLDAKETA / ARREGLO MÚSICA DE TWIN PEAKS: Ignacio Ysasi EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Lope García BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Seda

Delicia es una señora nihilista que, de cuando en cuando, re-cibe visitas de fantasmas. Ellos son una ayuda, un apoyo con quien hablar y entretenerse… pero no todas las visitas son agradables, y menos las reales, las que no se pueden evitar. El universo personal de Delicia ya está creado y prácticamente cerrado, no cabe nadie más… por eso, cuando su hija y su nieta van a visitarla para acabar comunicándole que tiene que marcharse de su propia casa porque se instalan ellas, tendrá que defenderse.

Delicia andre nihilista bat da, tarteka mamuen bisitak izaten dituena. Haiek laguntzen diote, babesgarri ditu, solaskide eta entretenigarri… baina bisita guztiak ez dira atseginak, are gutxiago bisita errealak, saihestu ezin direnak.Deliciaren unibertsoa osatua eta ia erabat itxita dago, han ez da beste inorentzako lekurik… horregatik, alaba eta bi-loba bisitan doazkionean esateko ezen bere etxetik alde egin behar duela, berak jarriko direla-eta han bizitzen, bere burua defendatu beharko du.

DELICIASeda Producciones Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Club | 24:15Antzerkia / Teatro [ 70 min ] Castellano

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SORKUNTZA, ERREALIZAZIOA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN, REALIZACIÓN E INTERPRETACIÓN: Shaday Larios, Jomi Oligor KOPRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: Oligor y Microscopía, Iberescena, TNT 2014. Terrassa Noves Tendencies KOLABORAZIOA / COLABORACIÓN: La Máquina de Teatro

La máquina de la soledad es un homenaje al objeto-carta y al correo postal. Es la amplitud de un instante hecho de una tecnología preca-ria, diminuta, invisible, que se activa cada vez que hay tinta entre las manos, frente a un papel, una distancia y una ausencia. Sus embra-gues son memorias que se van escribiendo con cada corresponden-cia recuperada, con la arqueología de objetos, imágenes y anécdotas insólitas investigadas con escribanos, carteros jubilados, archivos y trabajadores de correos.

La máquina de la soledad gutun-objektuari eta posta arruntari egin-dako omenaldia da. Istant baten zabaltasuna da, teknologia preka-rioz, txikiz, ikusezinez egindako istant batena, zeina abian jartzen baita eskuetan tinta dagoenean, paper baten aurrean, distantzia baten eta absentzia baten aurrean. Makinaren enbrageak oroitzapenak dira, be-rreskuratutako gutun bakoitzarekin idazten diren oroitzapenak, eskri-bauekin, postari jubilatuekin, artxiboekin eta postako langileekin iker-tutako objektu, irudi eta pasadizo bitxien arkeologiarekin.

LA MÁQUINA DE LA SOLEDADMicroscopía y Oligor Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

San Telmo Museoa | 9; 22:45 | 10; 20:30Antzerkia (Objektu teatro dokumentala) / Teatro (Teatro de objetos documental) [ 80 min ] Castellano


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Cyrano de Nueva Orleans está enamorado de la música, de la vida y del verso, pero sobre todo... está enamorado de Roxana. ¿Conseguirá Cyrano vencer sus miedos, sus complejos y su orgullo para declararle a Roxana su amor? Versión libre del drama heroico Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand, poeta y dramaturgo francés. Este espectáculo, que sucede en la Nueva Orleans de principios del siglo XX, está cargado de humor y de esce-nas emocionantes salpicadas con canciones en directo a ritmo de jazz.

Alguien va a una ciudad y se encuentra una escultura clásica junto a un rascacie-los. Está delante de dos construcciones separadas por 1.000 años. Y no pasa nada. La acumulación constante de la Historia provoca que, poco a poco, el pasado importe anecdóticamente y el presente tenga todo el interés. Pero el presente es sutil y frágil y parece que nin-gún acontecimiento histórico ahora tenga el peso que debería tener.

New Orleansko Cyrano musikaz, bizitzaz eta bertsoez dago maite-minduta baina, batez ere… Roxanaz. Lortuko al du bere beldurrak, konplexuak eta harrotasuna gainditzea eta Roxanari bere maitasuna adieraztea? Edmond Rostand poeta eta dramaturgo frantsesaren Cyrano de Bergerac bertsio librea da hau. Istorioa XX. mende ha-sierako New Orleansen gertatzen da, umorez eta eszena hunkigarriz beteta eta zuzenean eta jazz erritmoz ematen diren abestiz ere bai.

Nor bat hiri batera doa eta eskultura klasiko bat aurkitzen du etxeorratz baten ondoan. 1.000 urtek bereizten dituzten bi eraikinen aurrean dago. Eta ez da ezer gertatzen. Historia etengabe metatzeak ekarri du iraga-nak pixkanaka garrantzirik ez izatea eta orainak beretzea interes guztia. Baina oraina sotila eta hauskorra da, eta badirudi orain ezein gertaera his-torikok ez duela behar lukeen pisurik.

CYRANO DE NUEVA ORLEANSNEW ORLEANSKO CYRANOVaivén Producciones Estreinaldia / Estreno

Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | CAS: 10:00 EUS: 11:30Antzerkia / Teatro [ 50 min ]

EL CIELO AHORAOlatz de AndrésIntxaurrondo K.E. | 11:30Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 60 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Olga Margallo TESTUA / TEXTO: Antonio Muñoz de Mesa, Olga Margallo EUSKARAZKO BERTSIOA / VERSIÓN EN EUSKE-RA: Ainara Ortega ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Matías Carbia JANTZIAK / VESTUARIO: Rafael Garrigos, Armando S. Sánchez MUSIKA ETA SOINU GUNEA / MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Roberto Bazan ARGITAZPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rafa Catalina ANTZEZLEAK / INTÉRPRE-TES: Kepa Errasti, Itxaso Quintana, Álvaro Garayalde, Ainara Ortega, Asier Oruesagasti MUSIKARIAK / MÚSICOS: Roberto Bazan, Patxi Urchegui, José Miguel Pérez, Fernando Lleida, Javi García, Israel Tubilleja EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Ana Pimenta BANAKETA / DISTRIBU-CIÓN: Vaivén Producciones

KONTZEPTUA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO Y DIRECCIÓN: Olatz de Andrés SORKUN- TZA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: Idurre Azkue, Pilar Andrés, Isaak Erdoiza, Olatz de Andrés DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: El Conde de Torrefiel AR-GIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Gabo Punzo JANTZIAK / VESTUARIO: Alberto Sinpatron KO-PRODUKZIOA / COPRODUCCIÓN: BAD Jaialdia (Eusko Jaurlaritza, El Graner, Pasoa2-ren laguntzarekin) / Festival BAD (con el apoyo de Gobierno Vasco, El Graner, Pasoa2)

Nombre ObraNombre CompañíaLugar de celebración | Horario[ XX min ] Idioma

Gaizki tratatutako pertsonek ez dute titularretan tokirik. Tratu txarrak eta gaizki tratatzea ere hitzak besterik ez dira. Eta bereizi egiten ditugu, orden desberdinean jositako hitz berberak izan arren. Hitzak. Hitzak besterik ez. Horri buruz hitz egiten du Hitzak antzezlanak. Hitz zaurigarriez, hitz iraingarriez, hitz mingarriez… Hitzak besterik ez. Eta hit-zen artean gizon bat eta hiru emakume, bat eta bera dire-nak. Elkarri hitzik gozoenak esateko gai diren gizon bat eta emakume bat. Hitzak gozotasuna galtzen hasten diren arte. Hiru emakume eta gizon bat… eta umea.

Las personas que son tratadas mal, no tienen cabida en los titulares. Tratar mal o maltratar; tan solo un juego de pa-labras, que en realidad están unidas de diferente manera, pero a los que no damos el mismo signifi cado. Palabras. Tan solo palabras. De eso trata la obra de teatro Hitzak. De palabras. Palabras que hieren, que duelen, que menospre-cian... Tan solo palabras. Y entre esas palabras, un hombre y tres mujeres, que son la misma, capaces de decirse las palabras mas dulces hasta que la dulzura empieza a des-aparecer. Tres mujeres y un hombre.......y un niño.

JATORRIZKO IDEIA / IDEA ORIGINAL: Shakti Olaizola ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Lucio Baglivo ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Shakti Olaizola KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Lucio Baglivo, Stefano Fabris KOLABORAZIO ARTISTIKOA / COLABORACIÓN ARTÍSTICA: Maite Guevara, Stefano Fabris ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Naia Muñoz EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Shakti Olaizola KOLABORAZIOAK / COLABORACIONES: Pirineos de Circo, Bilboko Udaleko Kultura Saila / Área de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Shakti Olaizola JANTZIAK / VESTUARIO: Mayari Reta ARGAZKIA / FOTO-GRAFÍA: Barbara Govan BIDEOA / VÍDEO: Jesus Pueyo, Ivan Izagirre

Nos sumergimos en el mundo, un tan-to peculiar, de una chica. A través de su lectura, nos lleva por los distintos capítulos de una historia llena de re-cuerdos, descubrimientos, reflejos, sueños... A partir de las situaciones y los objetos que va encontrando a su paso comparte sus historias con nosotros. Nos hará soñar y disfrutar en ese mundo en el que está inmer-sa. Acciones y objetos cotidianos se convertirán en juego, desafío y deleite junto con el movimiento, la voz, los equilibrios, la danza y la contorsión. ¿Cómo terminará este viaje?

Irakurtzen ari den neska baten mundu bitxian murgiltzen gara. Pasarte desber-dinak dituen historio batetara eramaten gaitu, oroimenez, aurkikuntzaz, erre-flexuz, ametsez... betetakoa. Bidean aurkitzen dituen egoera eta objetuen bi-tartez bere burua aurkitzen du eta bere istorioak gurekin partekatzen ditu. Bera barrena dagoen munduan guk goza- tzea eta amets egitea lortuko du. Ekin- tzak eta egunerokotasuneko objetuak, jokoan, erronkan eta poztasunean bi-hurtuko dira mugimendua, ahotsa, ore-kak, dantza eta kontorsioarekin batera. Nola bukatuko da bidaia hau?

IRAKURRIZShakti OlaizolaVictoria Eugenia Club | 17:30 / 19:30Zirkoa - antzerkia / Circo - teatro [ 30 min ]

Pereza habla de la belleza que vive en cada acto del ser humano, en cada pala-bra, en cada gesto y que transciende, que vive, que pesa. Tumbado sobre una na-turaleza extensa, verde y negra, un bos-que que aprovecharía mi cuerpo hasta la última gota. Mi cuerpo se abandona, los músculos se dilatan sintiendo cada vez más cerca el contacto con la tierra, los huesos crujen cada vez que se hunden un poco más hacia dentro, siento que po-dría enraizarme aquí, que podría florecer la próxima primavera convertido en árbol, transformado en hierba.

Pereza gizakiaren ekintza, hitz eta keinu bakoitzean den edertasunaz mintzo da; edertasun horrek bizia du, pisua, hedatu egiten da. Natura zabal, berde, beltz baten gainean etzanda, nire gorputza azken tantaraino bere-tuko lukeen oihan batean. Nire gor-putza egonean dago, giharrak lasatu egiten dira lurraren ukitua gero eta gertuago sentituz, hezurrek kraska egiten dute hondoratu ahala, senti- tzen dut sustraitu egin naitekeela he-men, loratu egin nintekeela datorren udaberrian zuhaitz, belar bihurturik.

PEREZACielo RasoGazteszena (Egia K.E.) | 13:00 Dantza / Danza [ 50 min ]

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Igor Calonge ANTZEZLEAK / IN-TÉRPRETES: Beñat Urretabizkaia, Igor Calonge ARGIZTA-PEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Pedro Fres-neda, Raquel Hernández ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Cristina Libertad Bolivar EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Beatriz Churruca

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Gaizki tratatutako pertsonek ez dute titularretan tokirik. Tratu txarrak eta gaizki tratatzea ere hitzak besterik ez dira. Eta bereizi egiten ditugu, orden desberdinean jositako hitz berberak izan arren. Hitzak. Hitzak besterik ez. Horri buruz hitz egiten du Hitzak antzezlanak. Hitz zaurigarriez, hitz iraingarriez, hitz mingarriez… Hitzak besterik ez. Eta hit-zen artean gizon bat eta hiru emakume, bat eta bera dire-nak. Elkarri hitzik gozoenak esateko gai diren gizon bat eta emakume bat. Hitzak gozotasuna galtzen hasten diren arte. Hiru emakume eta gizon bat… eta umea.

Nombre ObraNombre CompañíaLugar de celebración | Horario[ XX min ] Idioma

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DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Wajdi Mouawad ANTZEZLEA / INTÉR-PRETE: Hovik Keuchkerian ZUZENDARITZA ETA MOLDAKETA / DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN: Santiago Sánchez ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Dino Ibáñez ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rafael Mojas IKUSENTZUNEZKO PROIEKZIOA / PROYECCIÓN AUDIOVISUAL: David Bernués JANTZIAK / VESTUARIO: Elena Sánchez Canales SOINU DISEI-NUA / DISEÑO DE SONIDO: José Luis Álvarez EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Ana Beltrán BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Emilia Yagüe Producciones

Una llamada en medio de la noche. Alguien, al otro lado del teléfono, dice “ven”. Wahab sale. Una ciudad extra-ña. El frío le hiela las pestañas. Recuerda el calor de su país. ¿Quién le llama? ¿Qué va a ocurrir? Aunque quizás, para Wahab, todo comenzó cuando tuvo que abandonar su país, su calor, el día que olvidó la forma del rostro de su madre... el día que un obús perforó su corazón. Contun-dente monólogo de Wajdi Mouawad, uno de los autores fundamentales del actual panorama teatral con el debut en teatro de Hovik Keuchkerian.

Dei bat gau erdian. Norbaitek, telefonoaz handik, “zatoz” esan du. Wahab kanpora atera da. Hiri arraro bat. Hotzak betileak izozten dizkio. Sorterriko beroa datorkio gogora. Nork deitu dio? Zer gertatuko da? Baina Wahabentzat, beharbada, sorterritik alde egin behar izan zuenean hasi zen dena, beroa han utzita, amaren aurpegiaren nolakoa ahaztu zuenean… obus batek bihotza zulatu zionean. Bakarrizketa sendoa idatzi du Wajdi Mouawad-ek, egungo antzerki-panoramako autore funtsezko batek, eta Hovik Keuchkerianek debuta egiten du antzerkian lan honekin.

UN OBÚS EN EL CORAZÓNL’om imprebís Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Antzoki Zaharra / Teatro Principal | 18:45Antzerkia / Teatro [ 90 min ] Castellano

Brota lo diverso. Sin etiquetas, sin encasillamientos, sin tener que dar un género que defina una manera de relacionarnos, de movernos.¿Cómo me identifico con mi cuerpo? ¿Qué veo? Y tú, ¿qué ves? Necesito que me mires para existir, así que por favor, toca antes de entrar.

Desberdintasuna erne da. Etiketarik, sailkatzerik gabe, genero bat eman beharrik gabe harremanetan jartzeko eta mugitzeko dugun modua definitzeko.Nola identifikatzen naiz neure gorputzarekin? Zer ikusten dut? Eta zuk, zer ikusten duzu? Zure begirada behar dut izango banaiz; be-raz, mesedez, jo atea sartu aurretik.

GORPUTZAKolorearekin Estreinaldia / Estreno

Victoria Eugenia Club | 17:30Dantza / Dantza [ 20 min ]

ZUZENDARIA / DIRECTOR: Jordi Cortés (Asociación Kiakahart) KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Jordi Cortés, Kolorearekin ANTZEZLEAK / INTÉRPRE-TES: Lorea Igartua, Xabier Madina, Alba Fernández, Nahia Iparragirre, Nerea Sánchez, Maylis Arrabit, Lierni Izeta, Alain Lersundi MUSIKA / MÚSICA: Collage Musical ARGAZKIA / FOTOGRAFÍA: Katrin R. Aldanondo JANTZIAK / VESTUARIO: Ioana Astigarraga Goikoetxea

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EGILEA ETA ZUZENDARIA / AUTOR Y DIRECTOR: Alfredo Sanzol ITZULTZAILEA / TRADUCTOR: Harkaitz Cano INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Sandra Ferrús, Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia, Aitor Mazo, Iñaki Rikarte OFF AHOTSA / VOZ EN OFF: Aitor Mazo MUSIKA / MÚSICA: Iñaki Salvador ES-ZENOGRAFIA ETA ATREZZOA / ESCENOGRAFÍA Y ATREZZO: Alejandro Andujar ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Xabier Lozano JANTZIAK / VESTUARIO: Ana Turrillas ZUZENDARI LAGUNTZAILEAK / AYUDANTES DE DIRECCIÓN: Aitziber Garmendia, Vito Rogado EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Fernando Bernués, Koro Etxeberria EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Centro Dramático Nacional, Tanttaka Teatroa

Tras probar unos hongos alucinógenos, Oliver comienza a ver que en el futuro se quedará dormido delante del ordenador y que un cliente le grabará con el móvil dando cabezadas. Oliver querrá que el cliente borre ese vídeo del móvil y el cliente no querrá. De la lucha de dos cabezones nace esta historia de bús-queda de la dignidad y del sentido de la vida. Un viaje iniciático que nos va a llevar a África, a los elefantes rosas, al amor, a la obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los ma-nantiales de los que surge el agua de la vida.

Onddo haluzinogeno batzuk jan ondoren, Oliver etorkizu-nean ordenagailuaren aurrean lo geldituko dela ikusten ha-siko da eta bezero batek mugikorrarekin burukadak ema-ten grabatuko duela. Oliverrek nahiko du bezeroak bideoa mugikorretik borratzea; bezeroak ez, ordea. Bi burugogo-rren borrokatik sortu da duintasuna eta bizitzaren zentzua bila-tzeari buruzko istorio hau. Iniziazioko bidaia honek Afrikara eramango gaitu, elefante arrosetara, maitasunera, obsesiora, bizileku-bortxatzeetara, ehizako eskopetetara, alkoholera, traiziora, lapurtutako ametsetara eta bizitzako ura ematen duten iturburuetara.

LA CALMA MÁGICACDN / Tanttaka TeatroaVictoria Eugenia Antzokia | 20:30 Antzerkia / Teatro [ 95 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Mariano Tenconi Blanco ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Iride Mockert MUSIKA / MÚ-SICA: Sonia Álvarez, Ian Shifres ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Oria Puppo JANTZIAK / VESTUARIO: Paola Delgado ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Matías Sendón KOREOGRAFIA ETA MUGIMENDUEN DISEINUA / COREOGRAFÍA Y DISEÑO DE LOS MOVIMIENTOS: Carolina Borca DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Gabriel Jofré ABESTIAK / CANCIONES: Tenconi – Bartolone, Alvarez-Shifres ERREALIZAZIO ESZENOGRAFIKOA / REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA: Valeria Abuin ARGAZKIA / FOTOGRAFÍA: Lucas Coiro ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Ignacio Bartolone EKOIZPEN OROKORRA / PRODUCCIÓN GENERAL: Ángela Carolina Castro

En la selva tucumana, en plena noche, una mujer comienza a asesinar hombres. Pero esta asesina no es sólo eso, es tam-bién una vengadora. Y es, también, una mujer tigre. Existe en el norte el mito del hombre tigre: quien baile sobre su cuero se convertirá en el animal. Existen en el norte también otras historias, historias que no son mitos. Historias de animales y de hombres. Historias de hombres que son animales. La fiera intenta fundar un territorio mítico y su protagonista es a la vez una heroína y una mujer común y corriente que se revela ante el abuso.

Tucumango oihanean, gau beltzean, emakume bat gizonak hiltzen hasi da. Baina ez da hiltzaile hutsa, mendekatzailea ere bada. Eta emakume tigrea ere bai. Iparraldean, bada gizon tigrearen mitoa: haren larruaren gainean dantza egi-ten duena, animalia hura bihurtuko da. Iparraldean badira beste historia batzuk ere, mito ez direnak. Animalien eta gizonen historiak. Animaliak diren gizonen historiak. La fie-ra lurralde mitiko bat sortzen saiatzen da, eta protagonista heroina eta emakume arrunt da aldi berean, gehiegikeriaren kontra oldartzen dena.

LA FIERAMariano Tenconi BlancoEspacio DSS2016 Gunea | 23:00 Antzerkia / Teatro [ 55 min ] Castellano

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HappyEnd es una asociación clandestina que proporciona a los sui-cidas ayuda para llevar a cabo su propósito relacionándolos entre sí. La asociación ha florecido al amparo de la crisis, pero últimamente, los brotes verdes y un optimismo creciente han provocado que los suicidas empiecen a brillar por su ausencia… El suicidio, guarnido con humor negro… HappyEnd es un retrato velado, satírico, solanesco y berlanguiano de la España de la burbuja inmobiliaria inducida, de los salarios desinflados y de la deuda estratosférica…

HappyEnd elkarte klandestino bat da suizidei laguntzen diena beren asmoa bete dezaten, nola eta elkarrekin harremanetan ja-rriz. Elkartea krisiari esker loratu da baina azkenaldian, kimu ber-deen eta baikortasun gero eta handiago baten ondorioz, gero eta gutxiago dira suizidak… Suizidioa, umore beltzez atondua. Ha-ppyEnd erretratu lausotu, satiriko bat da, Solanak eta Berlangak egina, higiezinen burbuilaren eraginaren, soldata eskastuen eta zor itzelaren erretratua…

HAPPYENDVaivén ProduccionesIntxaurrondo K.E. | 11:00Antzerkia / Teatro [ 100 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Chloé Hernandez, Orin Camus ANTZEZLEA / INTÉRPRE-TE: Orin Camus ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Sylvie Debare BIDEOA / VÍDEO: Mickael Arnal GEHIGARRIZKO MUSIKA / MÚSICA ADICIONAL: Burial, Aphex Twin, James Blake

Una mesa, una silla, un bailarín. El punto de partida de este trabajo ra-dica en el simple hecho de que en el mundo occidental vivimos encima de nuestras sillas. Nuestros antepa-sados se enderezaron, pero hemos continuado la evolución hacia una posición sentada. Un cuerpo senta-do manifiesta una rigidez aparente. No puede recorrer ninguna distancia y esta postura propicia el control de las emociones.

Mahaia, besaulkia, dantzaria. Lan honen abiapuntua gertaera soil bat da: Men-debaldeko mundu honetan gure aulkien gainean bizi garela. Gure arbasoak zutitu egin ziren baina guk eboluzionatzen jarrai-tu dugu, eserita egoteraino. Gorputz eseri batek zurruntasun itxurazko bat ageri du. Espazio horretan ezin da inora joan eta jarrera hori aproposa da emozioak kon-trolatzeko.

L’HOMME ASSISCompagnie Yma Estreinaldia / Estreno

Imanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | 10:00Dantza / Danza [ 33 min ]

TESTUA / TEXTO: Borja Ortiz de Gondra ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Iñaki Rikarte ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Ikerne Giménez ATREZZOA / ATREZZO: Marcos Carazo JANTZIAK / VESTUARIO: Ikerne Giménez MUSIKA ETA SOINU ESPAZIOA / MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Iñaki Salvador AR-GIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Xabier Lozano ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Xabi Donosti, Garbiñe Insausti, Ana Pimenta EKOIZPEN ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: Ana Pimenta EKOIZPEN EXEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Dorleta Urretabizkaia, Izaskun Imizkoz BANAKETA / DISTRIBUCION: Vaivén Producciones

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ZUZENDARITZA ETA KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Judith Argomaniz ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Jaiotz Osa, Itsasai Mediavilla, Judith Argomaniz MUSIKA / MÚSICA: David Holmes, Eddie Vedder, Antonio Vivaldi ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Gabriel Punzo JANTZIAK / VESTUARIO: Eider Ezenarro ARGAZKIA ETA BIDEOA / FOTOGRAFÍA Y VÍDEO: Diego Hernández

LauESku 22 invita a la reflexión interna sobre por qué aca-tar con total naturalidad y sumisión las normas, costumbres, reglas e imposiciones establecidas y dar por hecho solucio-nes y respuestas predeterminadas. El lenguaje coreográfico investiga sobre la conformidad y el enfrentamiento. A través de un partido de pelota, se exponen situaciones donde las propias reglas del juego se cuestionan.

LauESku 22 gogoetarako deia da, honako honi buruz: zergatik men egin naturaltasun eta menpekotasun osoz ezarriak zaizkigun arau, ohitura, erregela eta inposake-tei, eta zergatik onartu auzitan jarri gabe aurrez eman zaizkigun soluzioak eta erantzunak. Pilota-partida baten bitartez, hainbat egoera azaltzen dira jokoaren arauak auzitan jartzeko, ezarrita dagoena ez baita lehentasuna duena.

LAUESKU 22LasalaVictoria Eugenia Club | 17:30Dantza / Danza [ 25 min ]

IDEIA ETA KOREOGRAFIA / IDEA Y COREOGRA-FÍA: Valérie Rivière ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Mélissa Blanc, Chloé Hernandez-Camus, Stéphanie Pignon, Fanny Sage, Guillaume Siron OLERKIAK / POESÍAS: Timothée de Fombelle, Emily Dickinson, Richard Brautigan, Werner Lambersy, Carlo Bordini, Dyane Léger, Paul Eluard, Mauro Fabi, Paul Verlai-ne, Annie Le Brun, William Butler Yeats ELKARRIZ- KETAK / DIÁLOGOS: Stephan Wojtowicz MUSIKA / MÚSICA: Guillaume Siron, Bruno Ralle Baloo Pro-ductions ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Valérie Rivière JANTZIAK / VESTUARIO: Valérie Rivière, Hervé Poeydomenge, Emma Fournier ARGIZTAPENA / ILU-MINACIÓN: Eric Blosse, Fabrice Barbotin SOINUA / SONI-DO: Bruno Ralle, Loïc Lachaize ARGAZKIA / FOTO-GRAFÍA: Jean Baptiste Bucau

A la coreógrafa Valérie Rivière le encanta contar historias esbozadas con la energía y las emociones que nos transmiten los cuerpos. A través de la danza, el lenguaje poético de sus creaciones entrelaza sus colores y sus timbres con otras formas de arte. En Toutes les filles devraient avoir un poème la coreógrafa cede la palabra a poetas como Emily Dickinson, Richard Brautigan y Paul Eluard y destaca su esencia mediante los movimientos y el diálogo de un cuarteto de bailarines.

Valérie Rivière koreografoak izugarri maite du gorputzek transmititzen dizkigu-ten indarraz eta emozioez zirriborratutako istorioak kontatzea. Dantzaren bitar-tez, bere sorkuntzen hizkuntza poetikoak beste arte-forma batzuekin nahasten ditu. Obra honetan, koreografoak Emily Dickinson, Richard Brautigan eta Paul Eluard poetei utzi die hitza eta poeton funtsa nabarmendu du dantzari-laukote baten mugimenduen eta elkarrizketaren bitartez.

TOUTES LES FILLES DE-VRAIENT AVOIR UN POÈMEPaul les Oiseaux Estreinaldia Estatuan / Estreno Estado

Gazteszena (Egia K.E.) | 13:00Dantza / Danza [ 70 min ]

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ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Hugo Urquijo ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Federico Luppi, Susana Hornos, Juanjo Andreu EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Sebastian Blutrach, Teatro El Picadero de Buenos Aires

El reportaje nos acerca al momento en que un canal de te-levisión le ha pedido a un ex general de la nación argentina una entrevista que se realizará en el penal en el que el pro-tagonista cumple condena por su participación durante la brutal dictadura genocida que asoló a Argentina a partir de 1976. Este militar dará testimonio sobre el modo en el que participó en actividades de censura en el campo de la cultu-ra durante esos años, y más específicamente, en el incendio del teatro El Picadero en represalia al nacimiento de un gran movimiento cultural contra la dictadura argentina en 1976, que nació entre los telones de aquel teatro.

El reportajek une bat dakarkigu: une bat non telebista-kanal batek elkarrizketa bat eskatzen baitio argentinar nazioko jeneral ohi bati. Elkarrizketa kartzelan egingo da, protago-nista han baitago, 1976tik aurrera Argentina sakailatu zuen diktadura genozida basan parte hartzeagatik. Militar horrek azalduko du nola parte hartu zuen kultura arloko zentsura-eginkizunetan urte haietan, eta zehazkiago El Picadero an- tzokiaren erreketan. 1976an Argentinako diktaduraren kontra sortutako kultur mugimendu handi bat itotzeko, antzoki ha-ren errezelen artean sortua. El reportajek pentsaera autorita-rioa arakatzen du, umore kritikoz eta zorrotzez, eta orainari keinuka betiere.

EL REPORTAJETeatro El PicaderoAntzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00Antzerkia / Teatro [ 80 min ] Castellano

KONTZEPTUA ETA ZUZENDARITZA / CONCEPTO Y DIRECCIÓN: Reinaldo Ribeiro KOREOGRAFIA / COREOGRAFÍA: Daniel Rosado, Mireia Piñol, Reinaldo Ribeiro MUSIKA / MÚSICA: Godspeed Black Emperor, Sebastián García Ferro, Javier Gamazo JANTZIAK / VESTUARIO: Ariel Santiago Zalazar ARGIZTA-PENA / ILUMINACIÓN: Colectivo Lamajara OFF AHOTSA / VOZ EN OFF: Pere Molsosa EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Colectivo Lamajara

Innings es el término que en béisbol hace referencia a cada uno de los segmentos del juego. De este concepto nace la pieza como si de una partida se tratase: tres jugadores intentando imponerse al otro donde el trato y la estrategia evocan lugares extremos de la psique humana. Innings impregna el conflicto por excelencia, se deja impul-sar desde la emoción de cada uno de sus intérpretes.

Innings hitzak jokoaren segmentuak adierazten ditu beisbolean. Kon-zeptu hori du abiapuntu atzerki-lan honek, partida bat balitz beza-la: hiru jokalari nor baino nor, tratuak eta estrategiak giza psikearen muturreko egoerak gogorarazten dituztelarik. Inningsek gatazka ageri du, gatazka bere hutsean; aktore bakoitzaren emoziotik jasotzen du bulkada.

INNINGSColectivo Lamajara Danza Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Club | 17:30Dantza / Danza [ 20 min ]

WALKING CITYCarmelo Segura Companhia Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Antzokia | 20:30Dantza / Danza [ 60 min ]

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ZUZENDARITZA ARTISTIKOA ETA KOREOGRAFIA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA Y COREOGRAFÍA: Carmelo Segura KOREOGRAFIA LAGUNTZAILEA / ASIS-TENTE DE COREOGRAFÍA: Kristine Lindmark DANTZARIAK / BAILARINES: Kristine Lindmark, Chema Zamora, Yolanda Torosio, David Vilariño, Luis A. Largo, Iria Fernández, Max Allen. IKUS-ENTZUNEZKOAK ETA ANIMAZIOA / AUDIOVISUALES - ANIMACIÓN: Koldo Mikel Rus ARGIZTAPENA / DISEÑO DE LUCES: Israel AG Torrecilla JANTZIGINTZA / DISEÑO DE VESTUARIO: Rocío González. SOINU DISEINUA / DISEÑO DE SONIDO: Rubén Bustamante MAKINISTA BURUA / JEFE MAQUINISTAS: Miguel Marrupe EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Susana Estruga BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Marisol Pérez, María Fernández (La otra Banda)

Walking City habla, critica y parodia el sistema bajo el que vivimos en las grandes ciudades, haciendo un recorrido por diferentes situacio-nes cotidianas. Presenta a personajes en los que el espectador se verá reflejado. Es una oportunidad para el espectador de ser obser-vador de su realidad.

Walking Cityk egungo hiri handietako sistema jorratu, kritikatu eta parodiatzen du eguneroko egoera ezberdinak landuz. Ikuslearen enpatia lortuko duten pertsonaia ezberdinak aurkezten ditu. Aukera bikaina ikuslearentzako bere errealitatearen behatzaile bihurtzeko.

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Un chico de Durango muere en un accidente de co-che y llega a la vida de ultratumba. Para su sorpresa, se encuentra con que ha sido destinado al Cabaret Chihuahua, un local de esparcimiento del inframun-do. Allí experimenta el proceso de “catrinización” o esqueletización. Cabaret Chihuahua es el musical vasco zombi-mexicano para tiempos de crisis.

Durangoko mutil bat auto-istripu batean hiltzen da eta hilobiaz haragoko bizitzara iristen. Bere harridurarako, ikusiko du Chihuahua Kabaretera destinatu dutela, azpi-munduko aisiarako areto batera. Han, “katrinizatze” pro-zesua jasango du, hots, eskeleto bihurtzeko prozesua. Cabaret Chihuahua: krisialdietarako euskal musikal zonbi mexikarra.

TESTUA ETA ZUZENDARITZA / TEXTO Y DIRECCIÓN: Felipe Loza ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Enriqueta Vega, Lander Otaola, Mitxel Santamarina, Diego Perez, Quique Gago, Irene Bau, Iñaki Maruri, Ylenia Baglietto ESZENOGRAFIA DISEINUA / DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Jose Ibarrola ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: IñakiGarcia JANTZIAK / VESTUARIO: Enriqueta Vega, Fernando Arzuaga ATREZZOA / ATREZZO: Iñaki Etxeandía

CABARET CHIHUAHUAPabellón 6Espacio DSS2016 Gunea | 24:00Diziplina anitzeko ikuskizuna / Espectáculo multidisciplinar [ 120 min ] Castellano

ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Iker Legarda, Eneritz García, Beñat Aristi ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Tom Donnellan, Danolux GUNE ESZENIKOA / ESPACIO ESCÉNICO: Taupada Multimedia SOINU BANDA ETA IKUS-ENTZUNEZKOAK / BANDA SONORA Y AUDIOVISUALES: Taupada Multimedia TESTUAK / TEXTOS: María Velasco EUSKARAZKO BERTSIOA / VERSIÓN EN EUSKERA: Julia Marín ZUZENDARI LAGUNTZAILEA ETA KOREOGRAFIA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Eguzki Zubia ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Miguel Olmeda

DRAMATURGIA ETA ZUZENDARITZA / DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Tito Asorey ANTZEZLEAK / INTÉRPRETES: Noemí Rodríguez, Laura Míguez, Fer-nando González, Fran Lareu GUNE ESZENIKOA / ESPACIO ESCÉNICO: Luis Iglesias “Luchi” ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Tito Asorey JANTZIAK / VESTUARIO: Yaiza Pinillos ITZULPENA / TRADUCCIÓN: Manuel Vieites EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: Xingreira Producións, ilMaquinario BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Crémilo-EscenáTe

TRIPLE SALTO – JAUZI HIRUKOITZAPikor TeatroImanol Larzabal (Lugaritz K.E.) | 10:00 (CAS) | 12:00 (EUS)Antzerkia / Teatro [ 63 min ] Castellano / Euskara

EL HOMBRE ALMOHADAilMaquinario Teatro

Intxaurrondo K.E. | 11:30Antzerkia / Teatro [ 90 min ] Castellano

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Un inesperado accidente ferroviario trastorna la vida de la comunidad. La conmoción sufrida por los compañeros de la joven accidentada se traduce en una indisciplina preocupante, abatimientos crónicos y abandono escolar. El profesorado asiste impotente al desarrollo de los acontecimientos al faltarles recursos y estrategias para gestionar-lo. Inspirados en este hecho real, Triple salto quiere confrontar a los adolescentes y jóvenes con el fenómeno del duelo y reflexionar sobra la importancia de superarlo adecuadamente.

En un país totalitario sin nombre, Katurian, una escritora de maca-bros cuentos infantiles, está siendo interrogada por una pareja de policías a causa de la aparición en la ciudad de una serie de cadáve-res de niños. Ella lucha por defender su inocencia, pero todo cambia cuando descubre que en la celda contigua está presa su hermana, que padece un fuerte trastorno psicológico debido a los malos tra-tos que sufrió siendo niña, y que va a ser también interrogada.

Tren-istripu batek hankaz gora jartzen du komunitate baten bi-zitza. Istripua izan duen neska gaztearen lagunek hainbesteko astindua jaso dute non diziplina falta izugarri bat sortzen baita abaildura kroniko eta eskola-uzte bihurtzeraino. Irakasleek ez dakite zer egin, ez dute baliabiderik ez eta estrategiarik egoera kudeatzeko. Gertaera erreal honen bidez, maite den norbait galtzeak dakarren doluaren aurrean jarri nahi dira nerabe eta gazteak, eta hori behar bezala gainditzeak duen garrantziaz.

Herrialde totalitario izengabe batean, Katurian, haurrentzako ipuin makabroak idazten dituen emakume bat, polizia-bikote baten galderei erantzuten ari zaie, hirian haurren zenbait hilotz agertu direla-eta. Emakumea saiatzen da frogatzen errugabe dela, baina dena aldatzen da aldameneko ziegan ahizpa pre-so dutela jakitean. Ahizpak gaixotasun psikologiko latz bat du umetan jasandako tratu txarren ondorioz eta hura ere galdeka- tzeko asmoa dute.

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BARBECHONatxo Montero Gazteszena (Egia K.E.) | 13:15Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 65 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: français, english

YO MATÉ A PINOCHETTeatro Errante Estreinaldia Euskal Herrian / Estreno en Euskal Herria

Victoria Eugenia Club | 17:30Antzerkia / Teatro [ 65 min ] Castellano Azpitituluak / Subtítulos: english

ZUZENDARITZA ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Natxo Montero ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Pako Revueltas SOR-KUNTZA ETA INTERPRETAZIOA / CREACIÓN E INTERPRETACIÓN: Laia Cabrera, Natxo Montero ARGIZTAPENA ETA ARGAZKIA / ILUMINACIÓN Y FO-TOGRAFÍA: Gabo Punzo JANTZIAK ETA ESZENOGRAFIA / VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA: Natxo Montero BIDEOA / VÍDEO: Alaitz Arenzana MUSIKA / MÚSICA: A. Vivaldi, J.S. Bach

DRAMATURGIA / DRAMATURGIA: Cristian Flores ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Alfredo Basaure, Cristian Flores ANTZEZLEA / INTÉRPRETE: Cristian Flo-res DISEINUA / DISEÑO: Ricardo Romero SOINU GUNEA / UNIVERSO SONORO: Juan Manuel Herrera EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: José Luis Cifuentes

Barbecho es una reflexión en torno al propio proceso de creación. Un recorrido de movimientos y coreografías en el que afloran dife-rentes cuestionamientos alrededor de la pieza y como se posicionan los creadores ante ésta. El estado de barbecho nos posibilita dejar la prisa, las obligaciones… ofreciéndonos el mero hecho de estar, de esperar a que pase algo o no. Barbecho es el reposo, la necesidad de cambio, airearse para salir renovado y enfrentarse de nuevo a lo cotidiano. El ocio es juego y jugar es el barbecho del alma.

Manolo, un ex combatiente de un grupo revolucionario marginado del relato oficial, al reencontrarse con personas de su pasado les confiesa que mató a Pinochet. Esta declaración provocará reaccio-nes que Manolo no espera y que despertará su memoria en torno la política, al amor, a la amistad, a la muerte, al espacio festivo y a sus derrotas. Yo maté a Pinochet pone en relieve cómo la memoria permite un ejercicio crítico de evaluación del presente, no siempre grato de aceptar ni de escuchar.

Barbecho sorkuntza-prozesuari buruzko gogoeta bat da. Mugi-mendu eta koreografien segida bat, non hainbat gauza jartzen baitira auzitan obraren inguruan, baita sortzaileak piezaren au-rrean hartzen duten jarrera edo lekua ere. Lugorri egoerak aukera ematen digu presak, eginbeharrak… alde batera uzteko, egonean egoteko, zerbait gerta dadin edo gerta ez dadin itxaroteko. Bar-becho atsedenean egotea litzateke, aldaketa-beharrean ere bai; aireztatzea eta berritzea da, eta berriz ere egunerokoari aurre egi-tea. Aisialdia jolasa da, eta jolas egitea arima lugorri uztea da.

Manolok, poliziaren kontakizunetik bazter geratutako talde iraul-tzaile bateko borrokari ohi batek, iraganeko zenbait lagunekin topo egin eta Pinochet berak hil zuela esaten die. Adierazpen horrek Manolok espero ez dituen erreakzioak eragingo ditu eta oroimena piztuko dio; politikaz, maitasunaz, adiskidantzaz, herio-tzaz... Yo maté a Pinochet lanak agerian uzten du nola, oroimenari esker, oraina ebaluatzeko ariketa kritikoa egin daitekeen eta nola ez den beti gozoa gertatzen hori onartzea edo entzutea.

ZUZENDARITZA ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Manuel Cañadas ZUZENDARITZA ESZENIKOA / DIRECCIÓN ESCÉNICA: Estrella Távora ZUZENDARITZA MUSIKALA / DIRECCIÓN MUSICAL: Raul Cantizano DANTZA ETA KOREOGRAFIA / BAILE Y COREOGRAFÍA: Asunción Pérez “Choni” GITARRA ETA ZANFOÑA / GUITARRA Y ZANFOÑA: Raul Cantizano PERKUSIOA ETA TRONPETA / PERCUSIÓN Y TROMPETA: Antonio Montiel CANTE ETA HITZAK / CANTE Y LETRAS: Alicia Acuña FADISTA: Rosario Solano ARGIZTAPENA ETA KOORDINAZIO TEKNIKOA / ILUMINACIÓN Y COORDINACIÓN TÉCNICA: Nacho Sánchez SOINUA / SONIDO: Angel Olalla, Pepe Carnacea MAKINARIA ETA ERREJIDOREA / MAQUINARIA Y REGIDURÍA: Luis Almagro ESZENOGRAFIA / ESCENOGRAFÍA: Pictoorama JANTZIAK / VESTUARIO: Andrés González BIDEOA ETA ARGAZKIA / VÍDEO Y FOTOGRAFÍA: Daniel Belza DISEINU GRAFIKOA / DISEÑO GRÁFICO: Adán López MAKILLAJE / MAQUILLAJE: Charo Angulo BIDEO EKOIZPEN LAGUN- TZAILEAK / AYUDANTES DE PRODUCCIÓN DE VÍDEO: Guillermo Leal, Euri Carrión EKOIZPENA / PRODUCCIÓN: María Velasco MANAGEMENT ETA EKOIZPENA / MANAGEMENT Y PRODUCCIÓN: vecinasmanagement BANAKETA / DISTRIBUCIÓN: Elena Carrascal para 8co80 gestión cultural / Elena Carrascal 8co80 gestion culturalentzako

Una mujer espera. A lo largo de una noche, o un día, o uno de tantos. A lo ancho de un tiempo incierto... Espera. Una mujer cegada por sus propios fantasmas. Desdoblada entre un dolor que la inmoviliza y una rabia que le centrifuga las en-trañas, empujándola a escapar, a rebelarse ... Espera. Columpiando las horas. Tejiendo ella misma su propia mortaja. Durante este periodo de impuesta so-ledad, atenazado por la ausencia, comienzan a ponerse de manifiesto los más íntimos sentimientos surgidos de la incertidumbre. Todo un recorrido emocional por los recuerdos, los temores, las ilusiones rotas, la autodestrucción y la nece-sidad liberadora de desterrar el pasado para poder seguir viviendo.

Emakume bat zain. Gau batean, edo egun batean, edo auskalo noiz. Den-bora auskalo noizko batean… Zain. Emakume bat bere mamuek itsutua. Geldiarazten duen oinaze batek eta erraiak jaten dizkion, ihes egitera eta errebelatzera bultzatzen duen amorru batek erdibiturik. Zain. Ordupasa. Bere hil-atorra ehuntzen. Bakardade behartuzko aldi horretan, absentzia-ren atzaparretan, ziurtasunik ezetik sortutako sentimendurik barnekoenak hasten dira agertzen. Ibilbide emozional oso bat, oroitzapenetan barrena; beldur, ilusio hautsi, autosuntsiketan barrena; eta iragana kanporatzeko be-har askatzailea, bizirik segitzeko.

COMPÁS DE ESPERAChoni Cía. Flamenca Estreinaldia / Estreno

Antzoki Zaharra – Teatro Principal | 19:00Antzerkia - Dantza / Teatro - Danza [ 60 min ] Castellano

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¡MALDITO SEA EL TRAIDOR A SU PATRIA!Theatre Mladinsko Estreinaldia Estatuan / Estreno Estado

Victoria Eugenia Antzokia | 20:30Antzerkia / Teatro [ 75 min ] Slovenski Azpitituluak / Subtítulos: euskara, castellano

ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN: Oliver Frljić INTERPRETEAK / INTÉRPRETES: Primož Bezjak, Olga Grad, Uroš Kaurin, Boris Kos, Uroš Maček, Draga Potočnjak, Matej Recer, Romana Šalehar, Dario Varga, Matija Vastl EGILEAK / AUTORES: Borut Šeparović, Tomaž Toporišič MUSIKA ETA JANTZIAK / MÚ-SICA Y VESTUARIO: Oliver Frljić ZUZENDARI LAGUNTZAILEA / AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Matjaž Farič SOINUA / SONIDO: Silvo Zupančič ARGIZTAPENA / ILUMINACIÓN: Oliver Frljić, Tomaž Štrucl ERREJIDOREA / REGIDOR: Urša Červ

¡Maldito sea el traidor a su patria!, último verso del himno nacional de la antigua Yugoslavia, es una aproximación radical al amor y al odio a través del teatro que somete tanto a actores como a espec-tadores a un entresijo de locura y dolor. Original, provocador y sub-versivo, el espectáculo toma la guerra y los traumas políticos como contexto para evocar el auge del patriotismo y el nacionalismo en Europa y para hacer reflexionar al espectador sobre las fronteras de las libertades civiles y artísticas, la responsabilidad individual y colectiva, la tolerancia y los estereotipos.

Izenburua Jugoslavia ohiaren ereserkiaren azken bertsoa da. Lana amodioa eta gorrotoarenganako muturreko gerturatze bat da eta aktoreak zein ikusleak eromen eta minezko zirritu batean murgil-tzen ditu. Orijinala, zirikatzaile eta iraultzailea, ikuskizunak gerra eta trauma politikoen testuingurua hartu eta abertzaletasunak eta nazionalismoak Europan izan zuten gorakada gogorarazten digu, ikusleak askatasun zibil eta artistikoen arteko mugen, norba-nakoen eta taldeen erantzukizunaren, tolerantziaren eta estereoti-poen inguruan hausnar dezan.

AHOTSA ETA LETRAK / VOZ Y LETRAS: Julia de Castro KONTRA-BAXUA / CONTRABAJO: Miguel Rodrigáñez BATERIA / BATERÍA: Gonzalo Maestre PIANOA / PIANO: Jorge Vera ZUZENDARITZA ARTISTIKOA / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Enrique Gimeno DRAMA-TURGIA / DRAMATURGIA: María Folguera ARGIZTAPEN DISEI-NUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Irene Cantero ESTILISMOA / ESTILISMO: Jonathan Arsénico BIDEOA / VÍDEO: David Priego

De la Puríssima es un cuarteto musical formado por Julia de Castro, Miguel Rodrigáñez, Gonzalo Maestre y Jorge Vera. Sus señas de identidad son la innovación, la mezcla de géneros, una cuidada puesta en escena, el sentido del humor, la provocación y la interacción con el público. El cuplé permite el desarrollo escénico, la poe-sía carnal de una mujer sobre el escenario, como lo ha-cían aquellas diosas de los primeros años del siglo XX. Con trabajo duro e inspiración, el jazz eleva el género ínfimo, el cuplé, al más alto rango de un estilo musical, y las armonías contemporáneas hacen que este proyecto sea tan arriesgado como exquisito. El abanico de in-fluencias de la banda es muy amplio, desde Bill Evans a Lilian de Celis, pasando por el rock más puro de Robert Gordon, sin olvidar otros referentes.

De la Puríssima musika-laukote bat da, Julia de Castro, Miguel Rodrigañez, Gonzalo Maestre eta Jorge Verak osa-tua. Ezaugarri hauek ditu: berrikuntza, genero-nahasketa, eszenaratze ondo zaindua, umore-sena, probokazioa eta ikus-entzuleekiko jokoan sartzea. Cupléari esker, agertokia jokaleku bihur daiteke, agerian jar daiteke emakume baten poesia haragikoia, nola egiten baitzuten XX. mendearen ha-sierako jainkosa haiek. Lana gogor eginez eta inspirazioari esker, jazzak musika-estilo baten gorenera darama genero ezdeus bat, cuplea, eta gaur egungo harmoniek arriskutsu bezain fin bihurtzen dute proiektu hori. Bandak jaso duen eragin sorta oso zabala da, hasi Bill Evans-ekin eta Lilian de Celisenganaino, tartean delarik Robert Gordon-en rock hutsena, eta ahaztu gabe beste erreferente batzuk, hala nola Billie Holiday, Scott Lafaro, Raquel Meller, Eartha Kitt, Calle 13, Mina edo Keith Jarret.

DE LA PURÍSSIMADe la PuríssimaEspacio DSS2016 Gunea | 23:30Musika / Música [ 90 min ] Castellano

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SARREREN SALNEURRIAKPRECIOS DE LAS ENTRADAS

SARRERA SALMENTAVENTA DE ENTRADAS

ANTZOKI ZAHARREKO LEIHATILATAQUILLA TEATRO PRINCIPALKale Nagusia / Calle Mayor, 1Donostia / San Sebastián943 48 19 7011:30 – 13:30 / 17:00 – 20:00

VICTORIA EUGENIAKO LEIHATILATAQUILLA VICTORIA EUGENIAArgentinako Errepublika / Rep. Argentina, 2Donostia / San Sebastián943 48 18 1811:30 – 13:30 / 17:00 – 20:00

GAZTESZENA (EGIA K.E.)Baztan kalea / Calle Baztán, 21 Donostia / San Sebastián943 29 15 14

IMANOL LARZABAL ARETOA (LUGARITZ K.E.)Heriz, 20 Donostia / San Sebastián943 31 07 08

INTXAURRONDO K.E.Felix Gabilondo plaza, 1Donostia / San Sebastián943 27 93 43

Kultur Etxeen leihatilak, emanaldia hasi baino ordu bete lehenago zabaltzen dira.

Las taquillas de los Centros Culturales se abren una hora antes del inicio del espectáculo.

donostiakultura.com/sarrerak

Aldez aurretik / Venta anticipadaAntzoki Zaharra - Teatro Principal, Gazteszena (Egia K.E.), Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz K.E.), Intxaurrondo K.E., Victoria Eugenia Club:Otsaila 20 – 23 Febrero: 6€Otsaila 24 Febrero – Martxoa 1 Marzo: 8€ Martxoa 2 – 8 Marzo: 10€

Victoria Eugenia AntzokiaOtsaila 7 – 15 Febrero: 10€ / 6€Otsaila 16 – 22 Febrero: 15€ / 8€Otsaila 23 Febrero – Martxoa 8 Marzo: 18€ / 10 €

www.kutxasarrerak.net

dFERIA bitartean / Durante dFERIAVictoria Eugenia Antzokia: 20 €, 12 €Antzoki Zaharra-Teatro Principal, Gazteszena (Egia K.E.), Imanol Larzabal Aretoa (Lugaritz K.E.), Intxaurrondo K.E., Victoria Eugenia Club: 12 €OHARRA: TeatroSOLO, Matías Umpierrez: sarrerak martxoaren 3tik aurrera salgai: 6€ NOTA: TeatroSOLO, Matías Umpierrez: entradas a la venta a partir del 3 de marzo: 6€ *San Telmo eta DSS2016 Guneko ikuskizunak akreditatuentzako dira soilik.*Los espectáculos de San Telmo y Espacio DSS2016 son únicamente para acreditados.

Deskontuak / Descuentos%10eko deskontua kolektibo hauentzat Descuento del 10% para los siguientes colectivos:Donostia Kultura Bazkideak / Socios Donostia KulturaLangabetuak / Personas en paro30 urtetik beherako gazteak / Jóvenes menores de 30Pentsiodunak eta 65 urtetik gorako pertsonak Pensionistas y mayores de 65Deskontu hau leihatiletan bakarrik gauzatuko da Este descuento se llevará a cabo solo en las taquillas

Aurresalmenta berezia / Preventa especialVictoria Eugenia Antzokia:Otsailaren 7an eta 8an aurretik aipatutako kolektiboentzat / El 7 y 8 de febrero para los colectivosanteriormente citados.Beste guneak / Otros espacios:Otsailaren 20ean eta 21ean aurretik aipatutako kolektiboentzat / El 20 y 21 de febrero para los colectivosanteriormente citados. Aurresalmenta Victoria Eugeniako eta Antzoki Zaharreko leihatiletan, eta donostiakultura.com/sarrerak webgunean gauzatuko da.La preventa se realizará en las taquillas Teatro Victoria Eugenia y Teatro Principal, y en donostiakultura.com/entradasOrdu gaztea30 urtetik beherakoek sarrerak 3 euroan erosteko eskaintza Victoria Eugenia Antzokian eta Antzoki Zaharrean, emanaldia hasi aurreko ordu erdian.Info+: Victoria Eugenia Antzokiko eta Antzoki Zaharreko leihatiletan.Entradas a 3 euros para menores de 30 años en el Teatro VictoriaEugenia y Teatro Principal, media hora antes del inicio del espectáculo.+ Info: en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia y Teatro PrincipalDESKONTUAK EZ DIRA BATERAGARRIAK DESCUENTOS NO ACUMULABLESInformazio eguneratua / Información actualizada: www.donostiakultura.com

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BANATZAILEAKDISTRIBUIDORESHELENA GOLAB Rocío Pindado635 708 999 | [email protected]

HIKA TEATRO Amaia Kerexeta / Yolanda Bustillo633 252 200 | [email protected]

CÍA. FERROVIARIA Eloísa Azorín607 475 446 | [email protected]

KULUNKA TEATRO Isis Abellán606 608 168 | [email protected]

MICROSCOPÍA Y OLIGOR Javier Continente609 476 387 | [email protected]

SEDA PRODUCCIONES Lope García / Carles Harillo91 017 55 23 | [email protected]

VAIVÉN PRODUCCIONES Ana Pimenta Hernández637 532 955 | [email protected]

OLATZ DE ANDRÉS Olatz de Andrés605 119 414 | [email protected]

CIELO RASO Igor Calonge Martinez630 290 807 | [email protected]

KOLOREAREKIN Alba Fernández650 725 422 | [email protected]/kolorearekin

COMPAGNIE YMA Mélissa [email protected]

L´OM IMPREBÍS Emila Yagüe91 334 08 38 | [email protected]

TANTTAKA Julio Perugorria / Doltza Oararteta609 457 575 | 655 739 [email protected]

SHAKTI OLAIZOLA Shakti Olaizola619 379 311 | [email protected]

PAUL LES OISEAUX Laetitia [email protected]

LASALA Judith Argomaniz Jiménez646 929 930 | [email protected]

COLECTIVO LAMAJARA DANZA Isis López Sáez679 524 018 | [email protected]

TEATRO EL PICADERO Olvido Orovio Melero91 445 68 08 | 659 950 977 | [email protected]

CARMELO SEGURA María Soledad Fernández630 923 875 | 616 980 770 [email protected]

MARIANO TENCONI BLANCO Ariela [email protected]

PABELLÓN 6 Kike Gago656 798 246 | [email protected]

PIKOR TEATRO Miguel Olmeda Freire 94 541 03 92 | 94 541 00 60 | 656 799 294 [email protected]

ILMAQUINARIO TEATRO Carlos Martínez Carbonell678 460 559 | [email protected]

NATXO MONTERO Natxo Montero605 735 666 | [email protected]

TEATRO ERRANTE Cristian Flores685 712 318 | [email protected]://teatroerrante.wordpress.com

CHONI CÍA. FLAMENCA Elena Carrascal610 948 200 | [email protected]

THEATRE MLADINSKO Theatre [email protected]

DE LA PURÍSSIMA Lope García / Carles Harillo910 175 523 | [email protected]

MATÍAS UMPIERREZ Matías Umpierrez619 767 170 | [email protected]://matiasumpierrez.tumblr.com/

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IKASTAROAK

DRAMAGINTZA Patxo Telleria

Victoria Eugenia AntzokiaOtsailaren 7a eta martxoaren 7a bitartean, larunbatero | 11:00 – 13:00 10 lagun, 50 €

Hartzaileak: Antzerki-testuak idazteko interesa duten pertsonak: aurretiko eskarmentua eta kontzeptu teorikoen ezagutza ez dira beharrezkoak. Izan ere, ikastaro honen xedea da zenbait eredu, laguntza eta aholku eskaintzea inolako esperientziarik edo ezagutzarik ez duten lagunei.

Helburuak:Teorikoak: narrazio dramatikoaren teknika lantzea eta aipatua -literaturaren zein eszenaren arloei dagokienean- garatzeko baliabide, gako eta arau ego-kiak azaltzea.Praktikoak: larunbatero zuzeneko eskolak jasotzeaz gain, ikasle bakoitzak sare bidezko babesa izango du sortze-prozesuan zehar. Zehazteke dagoen leitmo-tiv berdinetik abiatuta (gai berbera, kokapen berbera ekintzarako, pertsonaia berberak edo abiaburu berbera istoriorako, esaterako), ikasleek mikro-antzer-kiko lan baten testua idatzi beharko dute.

ARTE ESZENIKOETAKO KONPAINIENTZAKO KOKAPEN DIGITALA

Victoria Eugenia Antzokia Martxoaren 9a | 11:00-14:00 15-20 konpainia, doan Gaztelania

Sare sozialek goitik behera aldatu dute komunikatzeko dugun ohiko era, batez ere gure publikoarekikoa. Informazioa eskura izateak erraztu egiten digu denoi elkarrizketa handi horretan parte hartzea. Eta komunikatzeko eran den paradigma berri horrek eragina du gure jarraitzaileen beharrak zein diren ulertzeko eran, gure edukiak egituratzean, eta haiekiko konexioa eta parte-hartzea lortzeko eran. Horrek guztiak behartzen gaitu saiatzera ulertzen nola dabiltzan sare sozia-lak, zein diren gure helburuetarako egokienak, eta haien emaitzak neurtzeko sistemak optimizatzen.Mintegi honen bidez, berehala aplikatu ahal izango dituzu, irizpide estrate-gikoz, zure komunikazio-estrategia sare sozialetan zehar optimizatzeko tres-nak eta teknikak.Mintegi hau kultur kudeatzaileei eta COFAEko arte eszenikoen ferietan par-te hartzen duten konpainietako marketing eta komunikazio arloko langileei zuzendua da. Oharra: Parte-hartzaileek ordenagailu eramangarri batekin edo tablet batekin etorri behar dute.

Antolatzailea: COFAE dFERIArekin lankidetzanKoordinazioa: Pepe Zapata (TekneCultura Gestióko bazkide eta aholkularia)

BILERAK

SAREAKO ASANBLADA

Intxaurrondo K.E. Martxoak 99:00 – 12:45

JARDUERA PARALELOAKACTIVIDADES PARALELAS

CURSOS

DRAMATURGIA Patxo Telleria

Teatro Victoria Eugenia 7 de febrero - 7 de marzo (sábados) | 11:00 – 13:0010 plazas, 50€

Dirigido a: Personas con inquietudes para escribir textos teatrales: no es necesaria experiencia previa, ni conocimiento de conceptos teóricos. Precisa-mente lo que se pretende es ofrecer pautas a los no iniciados y aquellos que tengan algún conocimiento previo, podrán ser orientados y tutelados durante este curso.

Objetivos:Teóricos: Indagar en la técnica de la narración dramática y descubrir claves, pistas y herramientas adecuadas para su desarrollo no solamente literario sino también escénico.Prácticos: Cada alumno creará recibirá las clases presenciales los sábados, y podrá contar con un tutelaje on-line durante el proceso creativo. Se plantea que cada uno cree un texto para micro-teatro partiendo todos de un mismo leitmotiv a determinar: mismo tema, misma localización de la acción, mismos personajes, o un mismo inicio de la historias, por poner unos ejemplos.

POSICIONAMIENTO DIGITAL PARA COMPAñÍAS DE ARTES ESCÉNICAS

Victoria Eugenia Antzokia 9 de marzo | 11:00-14:00 15-20 plazas, gratuito Castellano

Las redes sociales han transformado radicalmente la manera habitual de comu-nicarnos, especialmente con nuestros públicos. El fácil acceso a la información facilita que todos formemos parte de esa gran conversación. Y este nuevo paradigma de forma de comunicarnos afecta a la forma de comprender cuáles son las necesidades de nuestros seguidores, a la estructuración de nuestros contenidos, y a la manera de conseguir su conexión y participación. Todo ello obliga a un esfuerzo por entender cómo funcionan las redes sociales, por conocer cuáles son las más adecuadas a nuestros objetivos, y por optimi-zar los sistemas de medición de sus resultados.Con este seminario podrás aplicar de manera inmediata, con criterios estraté-gicos, herramientas y técnicas para optimizar tu estrategia de comunicación a través de las redes sociales.Este Seminario está dirigido a gestores culturales y personal de marketing y comunicación de las entidades vinculadas y compañías participantes en las ferias de artes escénicas de COFAE. Nota: Es necesario que los participantes asistan con un ordenador portátil o una tablet.

Organiza: COFAE en colaboración con dFERIA Coordinación: Pepe Zapata (socio y consultor de TekneCultura Gestió)

REUNIONES

ASAMBLEA DE SAREA

C.C. Intxaurrondo 9 de marzo9:00 – 12:45

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SEMINARIOS

ClíniCa de la obsesión: SEMINARIO PARA ARTISTAS - CREADORESMatías Umpierrez

Teatro Victoria Eugenia 2 - 7 de febrero Tardes (15:30 a 19:30), sábado (10:00 a 14:30) 10 personas, 50 € Castellano

¿Cómo se delimita la geografía del universo creativo de un artista? Este encuentro acerca a los participantes a delimitar la tenaz persistencia que obsesiona y genera la pulsión creativa de un artista. Durante los encuentros se analizarán las obras de artistas que se han impuesto en el mercado con-temporáneo de manera radical y cómo su ejemplo nos acerca a posibles metodologías para descubrir y enriquecer nuestro propio territorio creativo.Perfil y Cupo (Práctica): 10 artistas tendrán acceso a la sección práctica del seminario. Ellos pueden ser creadores de cualquier disciplina del arte, siem-pre y cuando su interés sea la creación - dirección de un proyecto.

1. Lunes. Módulo 1: 90´ + Módulo 2: 120´2. Martes. Día libre. Es necesario para que los alumnos trabajen, en la clase del día 1 se le da mucha tarea que deberán presentar en el día 2.3. Miércoles: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´4. Jueves: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´5. Viernes: Módulo 1: 120´ + Módulo 2: 120´6. Sábado: Módulo 1: 150´ + Módulo 2: 120´

PROCESOS DE CREACIÓN ARTÍSTICA

TeatroSOLO

TeatroSOLO es un proyecto del artista y director de escena Matías Umpierrez. Consiste en un proceso creativo por el que se pondrán en pie 5 piezas teatrales desarrolladas en 5 sitios específicos, no convencionales de la ciudad y cons-truidas para un único espectador cada vez. Tres de las cinco piezas teatrales parten de una base que Matías va adaptando a cada ciudad en la que desarrolla el proyecto, en este caso, San Sebastián. Las otras dos serán de nueva creación y la temática será la Identidad, tema de dFE-RIA 2015. También subrayar que dos de las seis piezas serán en euskera porque Matías contará con la colaboración de un ayudante de dirección euskaldun.Esta intervención ya fue presentada en Graus (Huesca), Buenos Aires, Nueva York y Sao Paulo (premiada como Mejor Proyecto del Año por el medio de comunica-ción brasileño R7)- en donde despertó gran expectación por parte del público y crítica, porque se constituye como una experiencia globalizada que cambia de forma y temas según la identidad de la ciudad en donde se representa. TeatroSOLO es una performance, una experiencia teatral que lleva a los acto-res / actrices a los límites; actuarán durante los cuatro días de la feria represen-tando cada uno su espectáculo de 30 minutos de duración en ocho funciones diarias para un único espectador en un espacio no convencional, y sin que nadie sepa o imagine que allí está sucediendo un hecho teatral. Esta experien-cia única permitirá al espectador transitar por distintos conflictos del arte, de la política y de la sociedad contemporánea y de su ciudad. Las audiciones para seleccionar a 6 actores vascos se han realizado el 3 de febrero y una vez seleccionados los mismos, iniciarán el proceso creativo a partir del 16 de febrero. TeatroSOLO es uno de los proyectos más ilusionantes y complejos que se han desarrollado en dFERIA en estos últimos años. Es inestimable la colaboración con EAB, junto con Donostia 2016 y con Iberescena. Gracias a ellos se ha podido poner en marcha este proyecto tan singular, interesante y enriquecedor a la vez, para todos los agentes implicados en el mismo.

PROCESO DE CREACIÓN COREOGRÁFICAJordi Cortés

Teatro Victoria Eugenia – Sala de danza 2 - 6 de marzoMañanas

dFERIA en colaboración con la Asociación Kolorearekin propone un proce-so de creación coreográfica. Bajo la dirección del coreógrafo Jordi Cortés, los miembros de la asociación crearán una pieza de danza que representarán en el marco de dFERIA 2015. Kolorearekin es una asociación que reúne a personas; a personas con y sin discapacidad, promoviendo experiencias creativas que den acceso al arte y la cultura. En Kolorearekin encontramos la diversidad como fuente de riqueza. Una plataforma para descubrir, crear, expresar y desarrollar nuestras capacida-des, dando lugar a la inclusión de diferentes colectivos. Una plataforma para

MINTEGIAK

ClíniCa de la obsesión: ARTISTA ETA SORTZAILEENTZAKO MINTEGIA Matías Umpierrez

Victoria Eugenia Antzokia Otsailaren 2tik 7raArratsaldeetan (15:30 -19:30), larunbatean izan ezik (10:00-14:30) 10 lagun, 50 € Gaztelania

Nola zedarritu artista baten sorkuntza-unibertsoaren geografia? Topaketa honen bidez, parte-hartzaileak artistarengan atergabe dirauen obsesioa, sor-kuntza-bulkada ernetzen diona, zedarritzera hurbilduko dira. Topaketetan, merkatu garaikidean erabat nagusitu diren artisten lanak aztertuko dira, eta ikusiko da nola haien adibideak zenbait metodologiatara hurbiltzen gaituen geure sorkuntza-arloa aurkitzeko eta aberasteko.Soslaia eta kopurua (praktika): 10 artistak izango dute mintegiko atal praktikoan parte hartzeko aukera. Artearen edozein arlotako sortzaileak izan daitezke, baldin eta proiektu bat sortzea eta zuzentzea badute helburu.

1. Astelehena. 1.modulua: 90´ + 2. modulua: 120´2. Asteartea. Eguna libre. Beharrezkoa da, ikasleei lan handia ematen bai-

tzaie egiteko, bigarren egunean aurkez dezaten.3. Asteazkena: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´4. Osteguna: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´5. Ostirala: 1.modulua: 120´ + 2. modulua: 120´6. Larunbata: 1.modulua: 150´ + 2. modulua: 120´

SORKUNTZA PROZESUAK

TeatroSOLO

TeatroSOLO Matías Umpierrez artista eta eszenako zuzendariaren proiek-tu bat da. Proiektua sortze-prozesu bitxi bat da, zeinak gure hiriko ezohiko 5 lekutan garatuko diren eta ikusle banarentzat egingo diren 5 antzerki-lan eraikiko dituen. Bost lanetako hiruk Matíasek proiektua hartzen duen hiri bakoitzera (gure ka-suan, Donostiara) egokitzen duen base bat osatzen dute. Beste biak berriak izango dira eta beren gaia, ondorengoa: Nortasuna, dFERIA 2015eko gai nagusia. Nabarmentzekoa ere lanetako bi euskaraz izango direla, Matíasek zuzendari laguntzaile euskaldun baten laguntza izango baitu.Proiektu hau hiri ezberdinetan gauzatu da dagoeneko -Graus (Huesca), Buenos Aires, New York eta São Paulon adibidez (azken honetan Urteko Proiekturik Onenari saria eman zion R7 hedabide brasildarrak)-, ikusmin handia sortuz ikusle eta kritikarien artean, esperientzia globalizatua izan arren bere gai eta formak aldatu egiten baitira hiri hartzailearen arabera. TeatroSOLO performance bat da, aktoreak muturreraino eramango dituen antzerki-esperientzia. Feriako lau egunetan, aktore bakoitzak 30 minutuko iraupena duen bere lana 8 aldiz eskainiko du, bakoitza ikusle bakar batentzat eta hiriko ezohiko leku batean, eta ingurutik dabiltzan pertsonek ezjakin, itsu izango dira bertan gertatzen denaren aurrean. Esperientzia bitxi honetan ar-tearen, politikaren, gizarte garaikidearen eta bere hiriaren gatazka ezberdinak igarotzeko aukera izango du ikusleak. 6 aktore euskaldunak hautatzeko entzunaldiak otsailaren 3an egin ziren eta behin aipatuak hautatuta, sortze-prozesua otsailaren 16an abiatuko da. TeatroSOLO dFERIAn azken urteotan garaturiko proiekturik pozgarriene-takoa eta konplexuenetakoa da. Aipatzekoa ere EAB, Donostia 2016 eta Iberescenaren laguntza ordainezina. Beraiei esker abiarazi ahal izan baitu-gu inplikatu eragile guztiontzat interesgarri bezain aberasgarria izango den proiektu bitxi hau.

SORKUNTZA KOREOGRAFIKORAKO PROZESUAJordi Cortés

Victoria Eugenia Antzokia – Dantza Aretoa Martxoaren 2tik 6raGoizetan

dFERIAk, Kolorearekin elkartearekin lankidetzan, sorkuntza koreografikorako prozesu bat proposatzen du. Jordi Cortés koreografoaren zuzendaritzapean, elkarteko kideek dantza-pieza bat sortuko dute dFERIA 2015ean aurkezteko. Kolorearekin pertsonak batzen dituen elkarte bat da, elbarritasun bat duten eta ez duten pertsonak; eta sorkuntza-esperientziak sustatzen ditu, arterako eta kulturarako sarbidea ematen dutenak. Kolorearekin elkartean pluraltasuna dugu aberastasun-iturri. Gure gaitasunak aurkitzeko, sortzeko, adierazteko eta garatzeko plataforma bat, hainbat kolektibori bertan sartzeko bidea ematen diena.

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TAILERRAK

DANTZA INTEGRATUKO TAILERRAJordi Cortés

Victoria Eugenia Antzokia – Dantza Aretoa Martxoaren 7a eta 8a10:00-14:00 eta 15:00 – 17:00 20 lagun, 15 € Gaztelania

Konexio berriak aurkitzea eta sortzea, ezohikoak eta harrigarriak; nork bere esperientzia ekarriko du; denen artean, askotarikoa. Presentzia eszenikoa lan-duko dugu, nola betetzen dugun espazioa, entzutearen garrantzia, begirada-rena, denbora menderatzeko gaitasuna, gorpuztasun berriak aurkitzeko eta geureaz harago iristeko gaitasuna. Dantzaren hizkuntzatik eta geure gorpuzta-sunetik, diskurtso komun bat sortzea, elkarrizketa erraz-arina.Dantza integratuak sorkuntza-gune bat eskaintzen digu mugimenduaren bitar-tez, non gorputz guztiak sartzen baitira, elbarritasuna dutenak eta ez dutenak, esperientzia dutenak eta ez dutenak. Desberdintasunean aurkitzen dugu abe-rastasuna, gorputzen askotarikoak, zein bere gorpuztasunarekin, mugimendua berriro aurkitzera gonbidatzen gaitu, geure burua berriro asmatzera, jolasaren eta sormenaren bitartez. Hartara, geure buruak bakarka eta taldean espresatu ahal izateko leku bat irekitzen da.

TOPAKETAK

MUGALARIAK

Martxoaren 10, 11 eta 12an, Gazteszenako emanaldiaren ondoren eta Vic-toria Eugeniara itzuli aurretik, gonbidatuta zaudete lehen eskutik ezagutze-ra Akitania eta Euskadiko antzokietan eta Mugalariak programaren barruan bizi izandako bitartekaritza-esperientziak. Herritarrekin partekaturiko hiru sorkuntza-prozesu, antzokietako arduradunek aurkeztuak Egia Kultur Etxean ardo pixka bat dastatzen dugun bitartean. Mugalariak DSS2016k eta DKk Errobi Mankomunitatearekin bultzaturiko programa bat da, eta Akitania-Eus-kadi euroeskualdearen babesa du.

COFAE TOPAKETAK II. SEKTOREAREKIN. BERRIZ ERE ELKARREKIN

Victoria Eugenia Antzokia - Areto Balioaniztuna Martxoaren 10a11:00

Estatu Espainiarreko arte eszenikoetako sektorearekiko topaketen bigarren edizioa. Helburua, sektoreak dituen behar eta problematika berriak ezagu- tzea eta azterketa konparatibo bat egitea 2008an feriek zuten egoeraren eta gaur egun dutenaren artean.Zer aldatu da ordutik hona? Entzun al ditugu sektorearen beharrak? Bide onetik al goaz? Horra topaketa hauetako galdera batzuk, abiarako.

LAN – MAHAIAK

ADDE, EUSKAL HERRIKO DANTZA PROFESIONALEN ELKARTEA

Victoria Eugenia Antzokia - Areto Balioaniztuna

Martxoaren 10ean, asteartea, 17:00etatik 20:00etara ADDEren barne-lana.

Martxoaren 11n, asteazkena, 10:00etatik 12:30era ADDEren barne-lana.

Martxoaren 11n, asteazkena, 12:30etik 13:00etara Amaiera gisa, egun irekia denon artean ondorioak ateratzeko.

Sortzaileak eta dantza-konpainiak ikusarazten laguntzeko praktikak.

descubrir, crear, expresar y desarrollar nuestras capacidades, dando lugar a la inclusión de diferentes colectivos.

TALLERES

DANZA INTEGRADAJordi Cortés

Teatro Victoria Eugenia – Sala de Danza 7 - 8 de marzo10:00-14:00 eta 15:00 – 17:00 20 personas, 15 € Castellano

Descubrir y crear nuevas conexiones, inusuales y sorprendentes, donde cada uno aportará su experiencia personal, en toda su diversidad. Trabajaremos la presen-cia escénica, cómo ocupamos el espacio, la importancia de la escucha, de la mirada, la capacidad de dominar el tiempo, la capacidad de descubrir nuevas corporeidades y trascender de la nuestra. Desde el lenguaje de la danza y nuestra fisicalidad personal crear un discurso común, un diálogo fluido.La danza integrada nos ofrece un espacio de creación a través del movimiento, donde todos los cuerpos con o sin discapacidad, con o sin experiencia tienen cabida. Es en la diferencia donde encontramos la riqueza, la variedad de cuerpos con sus movilidades propias nos invitan a redescubrir el movimiento y reinventar-nos mediante el juego y la creatividad. De esta manera se abre un lugar donde poder expresarse de manera individual y colectiva.

ENCUENTROS

MUGALARIAK

Los días 10, 11 y 12 de marzo, tras la función de Gazteszena y antes de volver al Teatro Victoria Eugenia, os invitamos a conocer de primera mano las experiencias de mediación vividas en teatros de Aquitania y Euskadi en el marco del programa Mugalariak. Tres procesos de creación compartidos con la ciudadanía presentados por los responsables de los teatros mientras compartimos un vino en el Centro Cultural de Egia. Mugalariak es un pro-grama impulsado entre DSS2016 y DK junto con la Mancomunidad Errobi, y que cuenta con el apoyo de la Eurorregión Aquitania-Euskadi.

ENCUENTROS COFAE CON EL SECTOR II. NOS VOLVEMOS A ENCONTRAR

Teatro Victoria Eugenia – Sala polivalente 10 de marzo11:00

Segunda edición de encuentros con el sector de las artes escénicas del Es-tado español con el objetivo de conocer las nuevas necesidades y problemá-ticas que aquejan al sector, así como realizar un análisis comparativo entre la situación de las ferias en el año 2008 y la actual.¿Qué ha cambiado desde entonces? ¿Hemos escuchado las necesidades del sector? ¿Vamos por buen camino? Son algunas de las preguntas de partida de estos encuentros.

MESAS

ADDE, ASOCIACIÓN DE PROFESIONALES DE LA DANZA DEL PAÍS VASCO

Teatro Victoria Eugenia - Sala polivalente

Martes 10 de marzo de 17:00 a 20:00 trabajo interno de ADDE.

Miércoles 11 de marzo de 10:00 a 12:30 trabajo interno de ADDE.

Miércoles 11 de marzo de 12:30 a 13:00 final de jornada abierta para compartir conclusiones.

Prácticas para apoyar la visibilización de creadores y compañías de danza.

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MADferia Artes EscénicasUrtarrila 20 - 23 Enero

FETEN. Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas Otsaila 22 - 27 Febrero

dFERIA Donostia / San Sebastián Martxoa 9 - 12 Marzo

Feria de Artes Escénicas de Castilla La Mancha Apirila 14 - 16 Abril

Fira de Teatre de Titelles de Lleida Maiatza 1 - 3 Mayo

Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa Maiatza 21 - 24 Mayo

Mostra de Teatre d´Alcoi Maiatza 30 Mayo - Ekaina 5 Junio

Palma Feria de Teatro en el Sur Ekaina 30 Junio - Uztaila 3 Julio

Feria Teatro de Castilla León Ciudad Rodrigo Abuztua 25 - 29 Agosto

FiraTàrrega Teatre al Carrer Iraila 10 - 13 Septiembre

Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca Iraila 28 Septiembre - Urria 1 Octubre

Fira Mediterrània de Manresa Urria 15 - 18 Octubre

Galicia Escena PRO Azaroa 3 - 5 Noviembre

FIET, Fira de Teatre Infantil i Juvenil de les Illes Balears Azaroa 8 - 12 Noviembre

Estatuko Arte Eszenikoetako Ferien koordinakundeaCoordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado

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KULUNKA TEATRO SolitudesMASKARA ANTZERKIA / TEATRO DE MÁSCARAS 2015655 701 388 | www.kulunkateatro.com

BOROBIL TEATROA Jokoz kanpo / Fuera de juegoANTZERKIA / TEATRO 2015656 759 557 | www.borobilteatroa.com

ATEA TEATRO (eta Factory Logistica S.L.) Zu gabeANTZERKIA / TEATRO 2015617 720 59 | 94 350 44 80 | www.zugabeantzerkia.wordpress.com

LA COCINA Una Casa de MuñecasANTZERKIA / TEATRO 2015635 708 999 | www.portal71.com

MARKELIñE Quijote AndanteANTZERKIA / TEATRO 201594 673 32 57 | 605 700 284 | www.markeline.com

L’ATELIER Taxidermia de un gorriónANTZERKIA / TEATRO 2015655 701 388

HIKA TEATROA La noche árabe / Gau arabiarraANTZERKIA / TEATRO 2014633 252 200 | www.hikateatroa.com

VAIVÉN PRODUCCIONES Cyrano de Nueva Orleans New Orleansko CyranoANTZERKIA / TEATRO 201494 343 30 46 | www.vaivenproducciones.com

CDN / TANTTAKA TEATROA La calma mágica / Barealdi magikoaANTZERKIA / TEATRO 201494 342 94 94 | 609457575 | www.tanttaka.com

VAIVÉN PRODUCCIONES HappyEndANTZERKIA / TEATRO 201494 343 30 46 | www.vaivenproducciones.com

PIKOR TEATRO Triple salto / Jauzi hirukoitzaANTZERKIA / TEATRO 2014945 41 00 60 | 656 799 294 | www.pikorteatro.com

K PRODUCCIONES Ejecución hipotecariaANTZERKIA / TEATRO 201491 334 08 38 | 616 431 404 | www.kproducciones.com

PEZ LIMBO MadriguerasANTZERKIA / TEATRO 2014699 363 336 | https://sites.google.com/site/pezlimbocreaciones/

TXALO PRODUKZIOAK Jon Beldurgabea / Juan sin miedoHAUR ANTZERKIA / TEATRO INFANTIL 201494 333 37 88 | 9615 791534 | www.txalo.com

TXALO PRODUKZIOAK ErdibanaANTZERKIA / TEATRO 201494 333 37 88 | 9615 791534 | www.txalo.com

TEATRO PARAÍSO NómadasHAUR ANTZERKIA / TEATRO INFANTIL 2014945 289 323 | 609 477 403 | www.teatroparaiso.com

TEATRO PARAÍSO BarrokinoHAUR ANTZERKIA / TEATRO INFANTIL 2014945 289 323 | 609 477 403 | www.teatroparaiso.com

HORMAN POSTER Magia simpática / Magia sinpatikoaANTZERKIA / TEATRO 2014626 411 558 | http://hormanposter.wordpress.com

TARTEAN TEATROA PankreasANTZERKI-DANTZA / TEATRO-DANZA 2014688 617 712 | www.tartean.com

TARTEAN TEATROA KibubuANTZERKI-DANTZA / TEATRO-DANZA 2014688 617 712 | www.tartean.com

MIKEL TELLO - KAIOLA TEATROA Llueve / Euria ari duANTZERKIA / TEATRO 2014667 557 635

ERRE & ARTEKA & MASKARADA Arkimedesen printzipioaANTZERKIA / TEATRO 2014659 131 291 | www.erreprodukzioak.com

PANTHA RHEI AstokilloTXOTXONGILLOAK / MARIONETASANTZERKIA / TEATRO 201494 528 70 78 | http://teatropantarhei.wordpress.com/

TANTTAKA TEATROA Zazpi aldiz elurANTZERKIA / TEATRO 201494 342 94 94 | 609 457 575 | www.tanttaka.com

TRASPASOS KULTUR Los HuerfanitosANTZERKIA / TEATRO /2014945 27 92 38 | www.traspasoskultur.com

GOLDEN APPLE QUARTET Mundo intrépidoANTZERKI MUSIKALA / TEATRO MUSICAL 2014609 408 982 | www.goldenapplequartet.com

EUSKAL EKOIZPENAK / PRODUCCIONES VASCAS

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ATX TEATROA Arren ganbara eta emeen sotoaANTZERKIA / TEATRO 2014638 324 105 | www.atxteatroa.com

MAITE TARAZONA Flores en las cunetasANTZERKIA / TEATRO 2014637 192 232

BARLUK TEATRO AdelaANTZERKIA / TEATRO 2014653 720 638 | www.barluk.es

MAuMA #ElkarrekinBakarrik / #SoloJunt@sANTZERKIA / TEATRO 2014653 714 312 | http://jonkoldo.wix.com/mauma/

EIDABE Egun berri batANTZERKIA / TEATRO 201494 479 43 15 | www.eidabe.com

DEABRU BELTZAK DrumbeakANTZERKIA / TEATRO 201494 402 99 92 | www.deabrubeltzak.com

ARTEDRAMA HamletANTZERKIA / TEATRO 201494 607 25 72 | 615 779 511 | www.artedrama.com

GORAKADA AladinoANTZERKIA / TEATRO 201494 681 67 43 | 609 457 575 | www.gorakada.com

GLU GLU PRODUCCIONES Hansel eta Gretel txokolatezko etxeanANTZERKIA / TEATRO 201494 412 48 01 | www.glugluproducciones.com

ADOS TEATROA El amor después del amorANTZERKIA / TEATRO 201494 327 81 09 | www.adosteatroa.com

LAURENTZI PRODUCCIONES Cuarteto del albaANTZERKIA / TEATRO 201494 644 47 95 | 600 793 251 | www.laurentziproducciones.com

GORAKADA Moby DickANTZERKI FAMILIARRA / TEATRO FAMILIAR 2015609 611 667 | www.gorakada.com

GAITZERDI OutKALE ANTZERKIA / TEATRO CALLE 2015619 415 537 | www.gaitzerdi.com

HORTZMUGA NolaKALE ANTZERKIA / TEATRO CALLE 2014660 278 782 | www.hortzmuga.com

HORTZMUGA LisystratasANTZERKIA / TEATRO 2015660 278 782 | www.hortzmuga.com

TARTEAN TEATROA Zergaitik Hamil?ANTZERKIA / TEATRO 2015688 617 712 | www.tartean.com

TARTEAN TEATROA AmourANTZERKIA / TEATRO 2015688 617 712 | www.tartean.com

TRAPU ZAHARRA La congaKALE ANTZERKIA / TEATRO CALLE 2014

GANSO Y CÍA WalkmanKALE ANTZERKIA / TEATRO CALLE 2014

DEABRU BELTZAK Danbor talkaKALE ANTZERKIA / TEATRO CALLE 2014

ADOS TEATROA El hijo de la noviaANTZERKIA / TEATRO 201494 327 81 09 | www.adosteatroa.com

HELANA GOLAB In BEtweenDANTZA–PERFORMANCE-MUSIKA DANZA-PERFORMANCE-MÚSICA 201594 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com

KUKAI - TANTTAKA Elkartze huí he rendez vous bctpeya...DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/

KREGO-MARTIN DANZA La ciencia de inocenciaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 201594 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com

OIHANE VARELA AIZPURUA Zein da hemen ardi bellza?DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015680 127 714

CÍA. ZIOMARA HORMAETXEA SymbiosisDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015669 631 744 | www.ziomarahormaetxe.wordpress.com

CÍA. CIELO RASO TormentaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015630 290 807 | www.ciacieloraso.com

DANTZAZ KONPAINIA Ni espioiDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015943 02 1136 | 629 889 826 | www.dantzaz.net

LA INTRUSA DANZA Mud GalleryDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2015692 157 395 | www.laintrusadanza.com

LOGELA MULTIMEDIA & EDSTEPS & PREDATORZ Bost 5HIRI DANTZA / DANZA URBANA 2015637 462 564 | www.logela.org

OLATZ DE ANDRÉS El cielo ahoraDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014605 119 414 | www.olatzdeandres.net

CÍA. CIELO RASO PerezaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014630 290 807 | www.ciacieloraso.com

LASALA LAUESKU 22DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014646 929 930 | http://www.lasala-lasala.com/

NATXO MONTERO BarbechoDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014605735666 | http://natxomonterodanza.blogia.com/

AUKERAN DANTZA KONPAINIA Bitsaren errautsak / Istorio bat edo mila istorioDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 201494 412 48 01 | www.glugluproducciones.com

MAUMA ReisilienciaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014653 714 312 | http://jonkoldo.wix.com/mauma/

ORGANIK DANTZA TxapeldunDANTZA-ANTZERKIA / DANZA-TEATRO 2014627 937 875 | www.organikdantza.com

EVA GUERRERO Después de todoDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014622 790 220 | www.evaguerrero.dooscolectivo.es

LA MICA Bárbara, II movimientoDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014652 197 042 | http://barbarahumanaconcola.wordpress.com

KRESALA EUSKAL DANTZA TALDEA & VERDINI DANTZA TALDEA Oteizaren kaxa beltza / La caja negra de OteizaEUSKAL DANTZA BERRIA / NUEVA DANZA VASCA 2014609 474 260 | 666 675 494 | www.Kresalaedt.com | www.verdini.org

DANTZAZ KONPAINIA Txoriak (zoroen itsasoa)DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014943 02 1136 | 629 889 826 | www.dantzaz.net

COLETIVO QUALQUER: LUCIANA CHIEREGATI E IBON SALVADOR GagDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014674 814 789 | https://www.facebook.com/colectivo.qualquer

COMPAñÍA DE DANZA IKER GÓMEZ Sylphides PIDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014639 533 917 | http://www.sylphides.es/

KREGO-MARTIN DANZA “…To be continued…”DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 201494 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com

HAATIK DANTZA KONPAINIA Ilargiaren malkoa / Lágrima de IunaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 201494 351 82 99 | 609 101 075 | http://www.haatik.com

LASALA Hooked (still) DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014646 929 930 | http://www.lasala-lasala.com/

ANAKRUSA DuoDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014669 550 572 | http://www.anakrusa.com/es/

AI DO PROJECT 119.104DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014605730547 | www.aidoproject.com

AI DO PROJECT Invisible beautyDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014605 730 547 | www.aidoproject.com

EVA GUERRERO Después de todoDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014622 790 220 | Http://www.evaguerrero.dooscolectivo.es

M’ ATAKALADANZA Corazón de anhelos y hieloDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014669 766 576 | https://corazondeanhelosyhielo.wordpress.com

NAIARA MENDIOROZ & JAVIER MURUGARREN Bi-hots / Dos sonidosDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014603 163 179 | 602 498 581 | www.murugalas.com

KUKAI-TANTTAKA GelajauziakDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014655 739 674 | http://www.kukai.info/index.php/eu/

VERDINI DANTZA TALDEA Verdini metodoa / Método VerdiniDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014677 034 841 | www.verdini.org

MARÍA IBARRETXE & RENATE KEERD Pink flamingos, crazy horsesDANTZA-ANTZERKIA / DANZA-TEATRO 2014699 751 506

PARASITE KOLEKTIBOA Estaba muerta / Jadanik hildaDANTZA-ANTZERKIA / DANZA-TEATRO 2014633 195 197 http://www.salabaratza.com/sala_baratza_aretoa/parasite_kolektiboa.html

PARASITE KOLEKTIBOA HautsaDANTZA-ANTZERKIA / DANZA-TEATRO 2014633 195 197 http://www.salabaratza.com/sala_baratza_aretoa/parasite_kolektiboa.html

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AUKERAN DANTZA KONPAINIA GeltokiaDANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 201494 412 48 01 | http://www.aukeran.com/

MARITZULI KONPAINIA Nundik noraEUSKAL DANTZA / DANZA VASCA 2014http://maritzuli.wordpress.com

ERTZA Madifathinka (Ekaitz magikoa / La tormenta mágica)DANTZA GARAIKIDEA / DANZA CONTEMPORÁNEA 2014688 642 736 | http://www.ertza.com/

ANITA MARAVILLAS GuauBESTE / OTROS 201594 410 07 98 | 635 708 999 | www.portal71.com

ERTZA Ikuslearen showa / El show del espectadorDIZIPLINA ANITZEKOA / MULTIDISCIPLINAR 2015688 642 736 | http://www.ertza.com/

SHAKTI OLAIZOLA IrakurrizZIRKOA / CIRCO 2014619 379 311 | www.shaktiolaizola.com

PABELLÓN 6 Cabaret ChihuahuaMUSIKALA / MUSICAL 2014656 798 246 | www.teatromutante.blogspotcom

PIANO BAT BERTSOTAN Piano bat bertsotanMUSIKALA / MUSICAL 2014675 719 699

MALAS COMPAñÍAS ZIRKO TALDEA TxatarraZIRKOA / CIRCO 2014608 025 997 | www.malaskompanias.com

KHEA ZIATER Not never on timeBESTE / OTROS 201494 416 49 20 | 667 715 757 | www.kheaziater.com

AGERRE TEATROA Andere Juana eta argonautakBESTE / OTROS 2014652 774 407 | www.agerreteatroa.com

EHUNDURAK PROIEKTUA EhundurakDIZIPLINA ANITZEKOA / MULTIDISCIPLINAR 2014628 757 533 | http://izaskunlapaza.tumblr.com

SOFIEDUBS Y ELCONCCERTINO D-RumboDIZIPLINA ANITZEKOA / MULTIDISCIPLINAR 2014658 748 177 | http://www.drumbo.net

LOGELA MULTIMEDIA BarbantxoDIZIPLINA ANITZEKOA / MULTIDISCIPLINAR 2014637 462 564 | www.logela.org


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La programación teatral del Teatro Arriaga comienza el mes de marzo con la puesta en escena los días 6 y 7 de la versión que Borja Ortiz de Gondra

ha realizado de El largo viaje del día hacia la noche de Eugene O´Neill. Juan José Afonso dirige esta propuesta de Iraya Producciones con un reparto encabezado por Vicky Peña y Mario Gas junto con los intérpretes Juan Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho, que dan vida a los miembros de una familia, perso-najes a través de los que O´Neill “ha sabido relatarnos a partir de su mundo más íntimo y personal los grandes enigmas del ser humano y su relación con el mundo (...) y nos termina enfrentando a grandes retos de nuestra exis-tencia. Es eso lo que hace de esta obra un clásico universal”.

José Carlos Plaza dirige Olivia y Eugenio

del peruano Herbert Morote, espectáculo de Pentación y Focus protagonizado por Concha Velasco en el que una madre y su hijo, un joven con síndrome de Down, se en-frentan a una situación extrema. La tragedia hace que esta madre rememore su pasado haciendo un sincero ajuste de cuentas has-ta plantearse una lúcida pregunta: “¿quién es normal en esta vida?”.

Aterballetto es una de las principales compañías de danza de Italia. Fundada en 1979 y tras visitar Bilbao con ‘Romeo and Juliet’ y ‘Pression/Incanto’ vuelve los días 27 y 28 de marzo para presentar un programa doble del coreógrafo Mauro Bi-gonzetti, Come un respiro con música de Haendel y Rossini cards, “una expresión de la música de Rossini, de su ritmo apre-miante, geométrica y precisa y, al final, de

un vitalismo dionisiaco”.La ópera también tendrá protagonismo

con tres propuestas. Para público adulto del 19 al 21 de marzo con Vanitas, natu-raleza muerta para voz, piano y violonche-lo del siciliano Salvatore Sciarrino en una propuesta del Teatro Real con la mezzo-soprano Marisa Martins, el violonchelista Dragos Balan y la dirección musical y piano de Ricardo Bini. También es una producción del Teatro Real de Madrid La pequeña ce-rillera (días 28 de febrero y 1 de marzo), mientras que La pequeña flauta mágica es una adaptación para el público infantil de la ópera de Mozart dirigida por Joan Font del Gran Teatro del Liceu. Ambas propues-tas forman parte del programa Opera Txiki, fruto del convenio de colaboración entre el Teatro Arriaga y la ABAO.

Grandes textos, ópera y ballet actual en el Arriaga

Aterballetto © A. Anceschi

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La compañía catalana T de Tea-tre presenta el 7 de marzo en el Teatro Barakaldo y por vez primera en Euskadi Mujeres

como yo, una comedia disparatada es-crita y dirigida por Pau Miró en la que cuatro mujeres (interpretadas por Ma-men Duch, Marta Pérez, Carme Pla y Montse Germán) que se acercan a los cincuenta se rebelan contra sus anodi-nas vidas. El día 14 Federico Luppi da vida en El reportaje a un ex-general de la dictadura argentina –implicado en el incendio del teatro El Picadero de Buenos Aires en 1981–, que va a ser entrevistado en la cárcel donde cumple condena; un uni-personal de Santiago Varela que muestra cómo funciona el pensamiento autoritario.

Chico Buarque es el autor de La ópera del Malandro (día 28), musical basado en ‘La ópera de tres centavos’ de Bertolt Bre-cht que pone en escena Teatro de Fondo con dirección de Vanessa Martínez. Una comedia llena de crítica a la corrupción y al abuso de poder interpretada en directo por ocho actores-cantantes y un cuarteto de dos guitarras, bajo y percusión.

La programación para público adulto de

abril comienza el día 11 con Hoy, última fun-ción, en el que Itziar Lazkano y Ramón Ba-rea dan vida al matrimonio formado por dos viejos actores que celebran una imaginaria última función acompañados de personajes imaginarios como Ionesco, Stanislavski... Una propuesta de Maki Escénica dirigi-da por Tadeus Wolski. El día 12 Tar tean Teatroa presenta Pankreas, comedia con-temporánea en verso y en euskera escrita por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi, obra que dará paso a dos clásicos univer-sales: El mercader de Venecia de Shakes-peare dirigida por Eduardo Vasco y a cargo de Noviembre Teatro el día 18, y El largo

viaje del día hacia la noche de Eugene O´Neill de Iraya Producciones el 25.

La danza llega a Barakaldo en forma de gala (19 de abril) con Es-trellas del Ballet Ruso, espectáculo dirigido por Yuri Vyskubenko e inter-pretado por algunos de los prime-ros bailarines de los grandes ballets como el Bolshoi o el Mijailovskii de San Petersburgo. Y de danza pero flamenca es Latente (24) del bailaor José Maya, propuesta que se enmar-ca en el ciclo ‘Viernes Flamenco’’,

dentro del que también se podrá disfru-tar de las propuestas musicales de David Palomar (20 de marzo) y Rocío Segura (10 de abril). La programación se com-pleta con dos funciones de BAI Match Impro de los alumnos de BAI Bizkaiko Antzerki Ikastegia dirigidos por Fer Mon-toya, y los programas Titerescena, con los espectáculos Cubo libre de la compa-ñía italiana Dromosofistas, Clown houses de los griegos Merlin Puppet Theatre y Código postal 00 de los catalanes Engru-na Teatre, y Teatro para escolares con Azken por tua de Dejabu y Makinista de Markeliñe.

Una programación para todos los públicos y gustos

Mujeres como yo de T de Teatre ©David Ruano


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M I S C E L A N E A

La Cia. Cielo Raso lleva al escenario de La Fundi-ción de Bilbao los días 7 y 8 de marzo Karaoke, pie-za dirigida por Igor Calonge en la que la compañía donostiarra vuelve a demostrar su lenguaje propio, ahondando en el uso de una delicada poética visual. El 14 de marzo, tras la residencia realizada en la sala bilbaina, los franceses Collectif a.a.O presentarán Ether, una pieza sensorial en el cruce de la danza y la informática. El 25 y 26 de abril la coreógrafa bilbaina Blanca Arrieta pondrá en escena Argh!, una pieza sobre “la determinación de estar, respirar y jugar en el lugar que ocupamos, sabiendo que aquello que se repite se experimenta siempre de forma diferente. La reivindicación de un tiempo y un espacio para imagi-nar y sentir”. Pero entre ambas piezas de danza La Fundición propone dos espectáculos. Guerrilla4 de El Conde de Torrefiel tendrá lugar los días 27 y 28 de marzo tras la residencia que la compañía catalana va a realizar en La Fundición. El Conde de Torrefiel está creando una serie de piezas denominadas Guerrilla en vista del estreno el próximo junio. Esta pieza es la primera entrega centrada en aspectos más teatrales y relacionada con el trabajo de los intérpretes, frente a las anteriores más cercanas a la acción performativa. El humor es el protagonista de Mr.Kebab de los se-villanos Pez en Raya; humor magia y mucho surrea-lismo que de manera absurda intenta dar al público gato por liebre, pero eso sí, a carcajada limpia. El cine también tiene su protagonismo con la emisión el 12 de marzo del film alemán ‘Una mujer sin historia’ de Alexander Kluge y una sesión de Cine de Danza el 28 de abril para celebrar, un día antes, el Día Internacio-nal de la Danza.

La programación de Kultur Leioa comienza el 1 de mar-zo con el preestreno de Jokoz Kanpo de Borobil Tea-troa, obra con el fútbol como telón de fondo, escrita por Arantxa Iurre y dirigida por Anartz Zuazua, que se encarga de clausurar Kultur Maratila, ciclo de ar-tes escénicas de creación artística en euskera. Para el Día Mundial del Teatro el escenario de Leioa acoge la última propuesta de La Zaranda, El grito en el cie-lo, con la que la compañía gaditana, fiel a su estilo, vuelve a reflexionar desde su particular visión sobre la libertad. Zanguango Teatro presenta por su parte el 17 de abril Cualquiera que nos viera, espectáculo dirigido por Miguel Muñoz en el que Txubio Fernández de Jauregi y Miguel Garcés dan vida a dos persona-jes encerrados en un antiguo gimnasio para abordar el comportamiento humano en todas sus facetas desde situaciones cotidianas y con el humor corrosivo y crí-tico que les caracteriza. La danza llega a Leoia con El cielo ahora, una pieza creada a partir de la relación básica mirada-movimiento-parada que la Cía. Olatz de Andrés pondrá en escena el 24 de abril. Un particular espectáculo de circo con música en directo protagoni-zado por una orquesta con una fuerte inclinación hacia lo absurdo; esto es ¡Disparate!, creación del artista danés Karl Stets que pone en escena la compañía ca-talana Cacophonic Pictures Orkestar el 7 de marzo. Y además, tres propuestas dirigidas al público infantil y familiar: el 15 de marzo Erpurutxo, la adaptación que Teatro Paraíso ha realizado del conocido cuento ‘Pul-garcito’; Auzokoak, obra que integra teatro y danza inspirada en el libro ‘La Brouille’ de Claude Broujon de la mano de Traversée Konpainia el 29 de marzo; y el concierto Rock`n`kids el 19 de abril.

La Fundición - BilbaoKultur Leioa

La Zaranda, El grito en el cielo Blanca Arrieta


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Fuera del ámbito de la progra-mación de dFeria –del 9 al 12 de marzo–, los escenarios de Donostia acogen una extensa

programación en la que destacan las actividades en torno a los días interna-cionales del Teatro y de la danza, así como el Día Internacional de la Mujer con la celebración de la XXX Semana de las Mujeres del 2 al 5 de marzo en Larratxo K.E. Con el tema ‘Disfruta de tu madurez’ se presenta una programa-ción con dos espectáculos, el monólogo No os lo vais a creer interpretado por Maribel Salas y El Ar te de la Entrevista de Emakume Ausar tak. Además el día 6 en Ernest Lluch K.E. Olatz Beobide & Amaia Lizarralde pondrán en escena Una a tres, dos monólogos escritos por Teresa Calo y Harkaitz Cano.

También son monólogos interpretados por mujeres los espectáculos Konpota de Dxusturi Teatroa –día 5 en Lugaritz K.E.– y Arquetipos de mujer: una búsqueda a cargo de Juana Lor, en Okendo K.E el día 7. y el espectáculo dirigido al público in-fantil y familiar Una niña de La Rous el día 8 en Lugaritz K.E.

La amplia ofer ta escénica para los más pequeños incluye el último espectáculo de Vaivén Producciones, la adaptación del clásico de ‘Cyrano de Bergerac’ de Edmond Rostand que han realizado Olga Margallo y Antonio Muñoz Mesa titulada New Orleansko Cyrano –día 14 en el Tea-tro Principal– y el mismo día pero en Egia K.E. la también adaptación de otro clásico universal, Kixote de Markeliñe o Aladdin a cargo de Gorakada el 28 de marzo en Larratxo K. E. No podían faltar además los espectáculos de payasos como Konpost eroak de Zirika Zirkus o Txo, mikmak txikia de los célebres Pirritx, Porrotx eta Mari-motots, todos ellos en euskera.

Día Del TeaTro

El 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, se concede el Premio Donostia de Teatro a la mejor obra en euskera representada en la ciudad el año anterior. La obra galardo-nada con el XV Donostia Antzerki saria es Arrastoak de Dejabu Panpin Laborate-gia que será representada este día tras la entrega del premio a la compañía.

La programación teatral para adultos se completa con el estreno de Gau arabiarra de Hika, Kabia Teatroa y Pabellón 6, obra basada en el texto de Roland Schimmel-pfennig –que también se incluye en la pro-gramación de dFeria–, el espectáculo La boda de los pequeños burgues de Bertolt Brecht que pondrá en escena el 15 de mar-zo en el Teatro Principal Marasmo Teatro, o la propuesta de Teatro del Barrio en copro-ducción con el Teatre Lliure, Ruz/Bárcenas, texto de Jordi Casanovas dirigido por Alber-to San Juan basado en el interrogatorio del juez Ruz a Luis Bárcenas –interpretados por Manolo Solo y Pedro Casablanc respec-tivamente– y que se podrá ver en Lugaritz K.E los días 21 y 22 de marzo.

En el Teatro Victoria Eugenia se podrá disfrutar los días 26 y 28 de marzo de El percusionista, “una propuesta teatral escrita desde el anhelo de contribuir al desarrollo del arte escénico africano y la difusión de la cultura de Guinea Ecuatorial” de Gorsy Edú, mientras que el 25 de abril Secuencia 3 pon-drá en escena la adaptación realizada por Eduardo Galán de El zoo de cristal, de Ten-nessee Williams, dirigida por Francisco Vidal e interpretada por Silvia Marsó, Carlos García Cortázar, Alejandro Arestegui y Pilar Gil.

la Danza y su Día

El 29 de abril se celebra el Día Interna-cional de la Danza, motivo por el que el día 26 tendrá lugar en el Teatro Victoria Eu-genia la XIX Gala del Día Internacional de la Danza organizada por la Asociación de Profesionales de Danza de Gipuzkoa. De danza es también el espectáculo Vaivén de Cia Antonio Ruz Danza –29 de marzo en Egia K.E.– y Atalak XXIV de Dantzaz Konpainia con la participación de Noemi Viana el 29 de abril en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia.

Más propuestas escénicas antes y después de dFeria

Los días internacionales de la mujer, el teatro y la danza protago-nistas de la programación escénica de marzo y abril en Donostia

Una niña de La Rous ©Gabriel Díaz Martínez-Falero

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La vasta programación del Teatro Circo de Murcia comienza el mes de marzo con La niña que vivía en una caja de zapatos, obra en la que Zum

Zum Teatre funde teatralidad y tecnología para ofrecer un espectáculo poético que forma parte del Ciclo al Teatro en Familia, programa que incluye además las propues-tas Jazz Tá, un concierto del cuarteto de Dixieland The Dixie Kings A mano, una delicada obra de teatro de objetos de El Patio Teatro, Atrapasueños, una obra que viaja al Gran Almacén de las pesadillas de niñas y niños de La Tar tana y la versión para dos actores y con mucho humor que ha realizado la compañía argentina Puro Grupo Teatro de la obra de Shakespeare que pasa a denominarse Romeo y Julieta, una obra en construcción.

El 19 de marzo, tendrá lugar el estreno de El sueño de Segismundo, coproducción de La Chimenea Escénica y el Teatro Circo de Murcia; una obra en clave de circo que sumerge al público en un mundo onírico donde el personaje principal, Segis-mundo, busca descubrir qué es real y qué es sueño.

Entre las propuestas para público adulto se encuentran también La can-tante calva, el clásico de Ionesco que ha llevado a escena Teatro de la Entrega en versión y dirección de Jose Bote, o Continuidad en los parques de Barco Pi-rata, una obra de Jaime Pujol dirigida por Sergio Peris-Mencheta en la que cuatro actores ponen en escena una colección de historias que confunden e inquietan a pesar de su aparente naturalidad.

YAK 42. No te reconozco de Somnis Teatre parte de un hecho real, el acciden-te en el que en 2003 perdieran la vida 62 militares españoles que volvían de Afganis-tán y Bosnia. Una obra escrita y dirigida por Ruben Pleguezuelos y Cristina Aniorte que tiene por objeto no olvidar este hecho y ho-menajear a los fallecidos.

Alfredo Sanzol por su parte es el autor y director de La calma mágica, coproducción del CDN y Tanttaka Teatroa que a través de una ensoñación da pie a un viaje iniciático que lleva al público hasta África, a los elefan-tes rosas, al amor, la obsesión o la traición, mientras que Iniciativas Teatrales sube a los escenarios una de las obras más inquietan-tes y conocidas de Agatha Christie, 10 negri-tos, en una versión de Ricard Reguant, quien también se encarga de su dirección.

Pero hay más: dos espectáculos dentro del Ciclo Humor Canalla, Sexpearemente de Producciones Sexpeare y The Lovers de Roma Calderón Roma; el monólogo y concier to techno-pop El amor es un pe-rro que viene del infierno; dos más en el Ciclo Microscena, Eya, el musical que na-rra la historia del día a día de Adán y Eva y Punto muerto con dirección de Rubén Cano y que tiene como particularidad el ser representado en el WC. Coincide con el Día Internacional del Teatro Teatro en 24 horas, piezas de teatro ganadoras del proyecto del mismo nombre de creación y montaje a lo largo de un día y que se muestran al público tras cuatro semanas de desarrollo. Y además de todo esto el 6º Festival Internacional de Magia Solida-ria de Murcia.

Fecunda primavera escénica en el Teatro Circo de Murcia

Continuidad en los parques de Barco Pirata

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Luz negraJosu Montero

Hacer sospechari padre lee en voz alta. Uno de mis recuerdos in-fantiles más vivos es el de su voz extendiéndose por la casa desde el lugar en que estuviese le-

yendo. Nuestra casa estaba llena de palabras. Por medio de la voz de mi padre, sus hijos nos acercamos a libros que entonces apenas entendíamos pero que sin duda se convir tieron en parte de nuestro paisaje interior. A través de la voz de mi padre nues-tras cabezas se llenaban de personajes, de imágenes, de ideas. Algún amigo ha querido vincular mi posterior vocación teatral con el hecho de que de niño, a través de mi padre, la literatura me entrase por el oído. Creo que sí, que probablemente aquellas lec-turas de mi padre están en la base de mi búsqueda de palabras que, pronunciadas desde el cuerpo de un actor, puedan despertar mundos en quien las es-cucha”. Este fragmento forma parte del epílogo de “Teatro. 1989-2014”, de Juan Mayorga, un breve epílogo titulado “Mi padre lee en voz alta” y con el que significativamente el dramaturgo ha querido cerrar el volumen. Hace ahora 20 años que subió a los escenarios la primera obra de Juan Mayorga (Madrid, 1965): “Más ceniza”; y 25 de su primera obra publicada: “Siete hombres buenos”. En este tiempo ha obtenido casi todos los premios, ha sido traducido a más de treinta idiomas y sus obras han sido representadas en todo el mundo. La editorial segoviana “La Uña Rota” se ha atrevido a publicar este bello y voluminoso libro –770 páginas– que recopila veinte obras de Mayorga seleccionadas por él mismo.

En los últimos años del franquismo y los de la transición se im-puso en España un teatro que abrió las puertas a las dramaturgias innovadoras que se venían desarrollando desde hacía décadas en Europa y en América. Teatro colectivo y experimental, en el que prevalecían los lenguajes no verbales, y en el que la figura esen-cial no era el autor sino el director. La democracia aprovechó estos mimbres para hacer del teatro espectáculo y fiesta. Los grandes dramaturgos silenciados por el franquismo siguieron desaparecidos y la generación siguiente hubo de desarrollar su trabajo en este ambiente hostil. Durante la segunda mitad de los 80 y los 90 se abre poco a poco paso una nueva generación de dramaturgos, que ha de enfrentarse al teatro como entretenimiento y al recelo de los teatros privados y públicos que ve en estos nuevos autores a unos aguafiestas que quieren problematizar la realidad. Así que se proclama que no hay autores para lavarse la conciencia. Pero lo cierto es que hay un buen puñado de creadores de gran talento que cree en la renovación del teatro y que cuenta como estupen-das aliadas a las Salas Alternativas, que dinamitaron el panorama teatral de aquellos años. De entre ellos destaca Juan Mayorga. Casi todos coincidían en que la palabra en el teatro tenía que alejarse de lo verborreico, lo logocéntrico, sermoneador, moralista o didáctico. El teatro ya no era un vehículo de comunicación sino un campo de batalla, el lenguaje oculta más que muestra, “hablando se enciende la gente”, que escribió alguien.

Mayorga es un raro ya que es filósofo y matemático de forma-ción, materias de las que ha impartido clases en institutos –de ahí salieron por ejemplo obras como “El chico de la última fila”–. Comenzó su andadura teatral formando parte de “El Astillero”, colectivo de dramaturgos, compañía teatral e incluso activa edito-rial. Mayorga es sin duda un hijo de la ilustración: “El arte teatral consiste en la representación de todas las posibilidades de la vida humana y de todas las posibilidades del lenguaje”. Pero hoy sólo se puede ser ilustrado poniendo la propia ilustración bajo sospe-cha. Su teatro apuesta por desvelar la realidad, llevar a escena lo que el ojo perezoso se resiste a mirar. “El teatro debe ser el lugar

en el que se hace visible aquella parte de la vida que no quiere mostrarse. El teatro es la máscara que desenmascara. Y nada hay más enmascarado que la actualidad, oculta bajo toneladas de información. El actor, con una palabra, con un gesto, puede retirar el velo que disfraza al mundo”. Teatro comprometi-do por tanto, pero bien lejos de didactismos y mani-queísmos. “No se trata de presentar la verdad como si se poseyese, sino que la verdad es el horizonte del teatro, lo tensiona”. Mayorga suele llamar a lo que hace teatro de ideas o de pensamiento, pero aclara: “Cuando defiendo un teatro de pensamiento no me refiero al pensamiento del autor; en el teatro de ideas lo que importa son las ideas del espectador, provocar desconfianza hacia lo que se dice. Eso es más necesario ahora, que vivimos tiempos oscuros. De mi teatro no creo que se pueda derivar una ima-

gen del mundo, sino más bien una sospecha”. Suele recurrir Ma-yorga a argumentos históricos, pero siempre para conseguir ese distanciamiento que permita tratar un asunto del presente. Su tesis doctoral giraba en torno a Walter Benjamin, probablemente de ahí su obsesión por la inquietante relación entre cultura y barbarie, por la manipulación de la verdad en la historia, por la soledad del indi-viduo en regímenes totalitarios como el nazismo o el estalinismo. La problematización del humanismo, de lo humano, le ha llevado también a otra forma de distanciamiento como es el de crear fábu-las, obras protagonizadas por animales: perros, gorilas o tortugas. Otra tendencia del teatro de Mayorga es el duelo escénico, esto es, dos personajes frente a frente, pero más que antagonistas, son el uno la sombra, el fantasma, la pesadilla del otro: “La lengua en pedazos”, “Reikiavik”, “El crítico”, “Animales nocturnos”, “El traductor de Blumemberg”, “Cartas de amor a Stalin”, “El gordo y el flaco” o incluso “El arte de la entrevista” se basan en ese enfrentamiento. “Himmelweg”, la obra que le abrió las puertas del CDN, es su pieza más representada. Y tal vez las que creó para Animalario, las que le dieron mayor proyección pública: “La boda de Alejandro y Ana”, “Hamelin” o “Últimas palabras de Copito de Nieve”. Pero lo cierto es que leídas hoy, las obras de Mayorga siguen produciendo inquietud, siguen agitando la conciencia del lector frente a una realidad que el dramaturgo sabe desvelar en toda su complejidad; nos la pone delante y nosotros no podemos hacer otra cosa que interrogarnos.

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TEATRO 1989-2014JUÁN MAYORGALa uña rota

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Jorge Dubatti

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Shakespeare se vuelve argentinoa literatura dramática de Shakespeare -como la de Mo-lière o la de los sainetes y grotescos criollos- tiene una marcada condición híbrida o, más precisamente, hete-roestructurada, es decir: en las estructuras de la letra

impresa (el texto dramático) Shakespeare inscribe tanto la literatu-ridad (lo propio de la literatura) como la teatralidad (lo propio del teatro). Se cruzan allí dos esencias, dos identidades. Shakespeare no hace sólo una literatura de la página o el libro (como el teatro de Schiller o el Musset), sino también una literatura de la escena, una literatura que se abre pentadimensionalmente como se abre la escena: en las tres dimensiones del espacio (ancho, alto, profun-didad), más la dimensión progresiva del tiempo, más la dimensión del convivio con los espectadores. Cuando se lee a Shakespeare, sus textos estallan pentadimensionalmente, se despliegan como es-cenas a través del tiempo en reunión. La de Shakespeare es una escritura cargada de saberes de hombre de teatro. Un buen camino para percibir esa hibridez puede hallarse en leer sus textos desde el diseño espacial y la dinámica artística de los teatros de su época, los isabelinos, como The Globe, donde Shakespeare trabajó.

Justamente fue ésta una de las principales razones por las que resultó ineludible la oportunidad que abrió el Teatro Shakespeare, montado en el Parque Thays (Libertador y Callao) entre octubre y diciembre pasados: poder asistir en Buenos Aires a la puesta de una obra de Shakespeare –en este caso Ricardo III– en una réplica con-ceptual de The Globe, montada como arquitectura efímera a través de una estructura tubular (layers).

Sorprendió la complementariedad del texto de Ricardo III con ese espacio singular, hábilmente explorada por el director Patricio Orozco, sin duda uno de los mayores conocedores del universo shakesperiano. (Orozco dirige la Escuela Shakespeare Argentina, Próspero Producciones, la Fundación Romeo y el Festival Shakes-peare Buenos Aires, instituciones desde las que genera múltiples acciones artísticas y educativas sobre el autor de Hamlet.) Ojalá el Teatro Shakespeare pudiera transformarse en un edificio estable, ya no efímero: Buenos Aires, como gran capital teatral del mundo, se merece contar con una sala así.

Cuando se ingresaba al espacio del Teatro Shakespeare llama-ban la atención el piso de tierra y césped (el suelo del Parque), el techo abierto al cielo, la estructura oval de las galerías de gradas, el escenario rectangular elevado, sin telón y con sendas puertas laterales. Pero la verdadera sorpresa se generaba cuando comen-zaba el acontecimiento teatral y ese espacio proponía una dinámica escénica única: lo que sucedía era muy diferente a lo que experi-mentamos en las salas a la italiana o incluso en las no convencio-nales. En el Teatro Shakespeare todo lo inundaba la luz del día y no se “oscurecía” el sector de los espectadores (entraron unos mil por función, entre parados en el césped y sentados en las galerías), tan visibles como los actores. Todos se veían las caras. En una suerte de dramaturgia del azar, se colaban el ruido de los aviones, de los trenes, del tránsito automovilístico de la Avenida Libertador, y el canto de los pájaros. Con el descenso de la noche, aparecían los mosquitos. Muchos espectadores, de pie en el césped, se acodaban

en el escenario, sus cabezas muy cerca de los pies de los actores. Otros se sentaban en el piso, y los actores circulaban entre ellos. Los actores les hablaban a los espectadores y éstos les contesta-ban, mientras tomaban mate, sacaban fotos o filmaban. La gente entraba y salía del teatro sin problemas, y como en el teatro de calle, se podía hablar en voz alta. Los actores escuchaban todo el tiempo lo que comentaba el público, y necesitaban sin duda replantear sus estrategias de concentración para no distraerse o tentarse. El “vivir juntos” del convivio llevado a su máxima energía.

Todo esto permitía el despliegue de una poética actoral de raíz popular, en la que Gabriel “Puma” Goity, en el personaje de Ricardo III, brilló con toda su potencia de gran capocómico. Goity dominó plenamente las posibilidades maravillosas de este teatro: hablaba y contestaba a los espectadores y se permitía increparlos como villano tragicómico con un “¡De qué se ríen, mierdas!”, se metía con el fotógrafo, “morcilleaba” e improvisaba para beneplácito de todos, comentaba el trabajo de sus compañeros, se salía deliberadamente de personaje, hablaba todo el tiempo sobre la obra de Shakespeare y sobre sus propios procedimientos de actuación (transformaba, como es común en el teatro popular, la enunciación en enunciado, como hacían los grandes actores Florencio Parravicini y Alberto Ol-medo, como hace también Antonio Gasalla). Había que verlo: Goity era una “máquina de teatro”. (Es sin duda uno de los capocómicos brillantes de la Argentina, ya lo señalamos con motivo de su prota-gónico en Los Locos Addams, se ha ido acentuando, pero ya estaba en El amor, Gorda o Un dios salvaje, además de sus trabajos en tele-visión). El Ricardo III de Goity combinaba con creatividad los matices de la farsa y el grotesco (explícitos en las imágenes de la gráfica, programa, afiches), el chiste popular, la tragicomedia y la tragedia. Se valía de latiguillos y agregaba expresiones en inglés. Este código se proyectaba a su vez en los trabajos de Eduardo Calvo y Florencio Laborda (los asesinos instrumento de Ricardo III). Siempre decimos que, en la Argentina, Shakespeare se vuelve argentino, y en este caso plenamente por la herencia de los actores populares naciona-les. En su adaptación, Orozco buscó multiplicar esa argentinización en diferentes niveles: expresiones de la traducción (aunque sin vo-seo local), la música (aparecía el tango), los cuchillos de “malevo” o “guapo” (en lugar de las espadas o los puñales).

Orozco contrastó la línea grotesca con la plenamente trágica, en la que la comicidad se ausentaba, trama encarnada por las actrices María Comesaña (destacable Reina Margarita), Susana Cart (Du-quesa), Cristina Pérez (Reina Isabel) y Ariadna Asturzzi (Lady Ana), especialmente en las tres primeras resonaba la evocación argentina de Madres de Plaza de Mayo y las Madres del Dolor. Fueron dieci-siete los actores de esta experiencia shakesperiana que sin duda marcó un capítulo en la historia de la recepción nacional del dra-maturgo: a los ya nombrados se sumaron Fabián Arenillas, Fabio Aste, Tomás de las Heras, Gonzalo Jordán, Pablo Lambarri, Agustín Maradei, Pablo Mariuzzi, Sebastián Pajoni, Nano Porras y el adoles-cente Tadeo Viano Galvé.

El final, en el que Richmond (Tomás de las Heras) mataba a Ri-cardo III y asumía el poder como Enrique VII, planteó una clave de

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Postales argentinas

lectura en la que Orozco eligió seguir la cosmovisión isabelina, apar-tándose del falso cliché contemporáneo de que a un tirano seguirá otro. Para Shakespeare y para Orozco se había restituido el orden inicial contra el caos de asesinatos impuesto por Ricardo III. La ima-gen digna, seria, joven de Richmond, en contraste con la de Ricardo, parecía indicar que se había hecho justicia y que, de acuerdo con los isabelinos, el nuevo rey contaba otra vez con la doble legitimi-dad: divina y humana. Orozco, creemos, quiso significar, metáfora mediante, que no todos los gobernantes son lo mismo, y rescató así la tarea política, nuevamente legitimada, como el gran desafío del futuro nacional e internacional. Su Ricardo III propuso al público que hay que creer en la política.

En otra ciudad, en La Plata (capital de la Provincia de Buenos Ai-res), en la Sala Armando Discépolo (calle 12, entre 62 y 63), luego de disfrutar de La comedia de los herrores (así, con “h”, versión de La comedia de las equivocaciones de Shakespeare), llegamos a la conclusión de que su adaptador y director, el joven teatrista Emiliano Dionisi, es mucho más que el excelente actor que hemos visto en otras creaciones (De hombre a hombre, Perderte otra vez, Iván y los perros).

La de Dionisi fue una dirección avezada, llena de ritmo y atracti-vos escénicos, muy laboriosa, que cautivó a niños, jóvenes y adultos, y que permitió pensar en la vigencia del legado teatral de Hugo Midón. Dionisi, uno de los auténticos continuadores del recordado director de Vivitos y coleando, domina plenamente un concepto de teatro derivado de la “estética de la multiplicidad” con la que tra-bajaba Midón –en todo su teatro, pero muy especialmente en sus reescrituras El Gato con Botas, Stan y Oliver, Popeye y Olivia)-, y en este caso Dionisi aplicó ese concepto a la versión de una de las comedias shakesperianas más deliciosas y difíciles de montar.

Fue un acierto de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires ha-ber convocado a Dionisi (quien ya había demostrado su capacidad de dirección con otra adaptación shakesperiana: Romeo y Julieta de bolsillo), así como el armado de un elenco en el que confluyeron actores de la ciudad de Buenos Aires (Mariano Mazzei, María Rosa Frega y Julia Gárriz, algunos de ellos con larga trayectoria en Mar del Plata) y de distintos puntos de la provincia: de Luján (Santiago Cu-lacciati) y de La Plata (Hilario Vidal, Diego Aroza y Oscar Ferreyra), todos de primer nivel.

En La comedia de las equivocaciones, con la fascinación renacen-tista por el rescate de la Antigüedad clásica, Shakespeare lleva a su máxima expresión la comicidad de situación, el enredo, el quiproquo (el procedimiento de tomar “una cosa por otra”, el malentendido) y el efecto “bola de nieve” (la gradación creciente de la complicación en la intriga). Lo hace a partir de la historia de dos hermanos ge-melos, idénticos –Antífolo de Éfeso y Antífolo de Siracusa-, y de sus respectivos criados gemelos, también idénticos –Dromio de Éfeso y Dromio de Siracusa-, separados en un naufragio. La ciudad de Éfeso vuelve a reunirlos sin que ellos lo sepan hasta el desenlace, y los cruces generan las más divertidas confusiones.

Shakespeare se inspira en una comedia latina de Plauto, pero, ge-nialmente, redobla el artificio, multiplica la complejidad de la intriga clásica. Uno de los grandes desafíos de esta pieza es, además, la actuación: tradicionalmente los dos Antífolo son encarnados por un solo actor, así también los dos Dromio, y en la versión de Dionisi se hicieron cargo de ellos, respectivamente, Mariano Mazzei y Santiago Culacciati. La puesta en escena exigió así una relojería precisa tanto en el vertiginoso armado de las situaciones como en la composición

y diferenciación de los hermanos. Mazzei y Culacciati hicieron un tra-bajo espléndido, por su maestría lo difícil parecía fácil y esa liviandad potenciaba el espíritu de lo cómico y la fascinación del espectador.

La versión de Dionisi multiplicó tanto el enredo como el lucimiento de la actuación y, a la vez, propuso una política de la diferencia que dio otra vuelta de tuerca a la pieza shakesperiana: mezcló el teatro con el cine. Planteó desde el programa de mano “presenciar el ‘detrás de escena’ de un estudio de cine perdido en el tiempo” y el espectador observaba, en el cruce de dos niveles de ficción (el espacio de grabación de la película y el mundo representado en la película), una gran pantalla, un depósito de utilería repleto de accesorios, la silla del director con su cono/megáfono y la claque-ta de tiza para el clásico “¡Acción!”. El principal procedimiento del cruce de teatro y cine consistió en una pantalla tajeada, gracias a la que los actores “entraban” y “salían” del film, un video con una sincronización tan efectiva que sorprendió al público y fue otra de las fuentes de comicidad y ludismo. A los actores mencionados, se sumaron en el video Sebastián Ezcurra (además supervisor artísti-co), Johanna Bernay y Mariela Ponsetti. El desempeño de todos los actores en vivo en escena y grabados en la pantalla, junto a los re-cursos de digitalización y montaje, favoreció la poética del enredo y, en el caso de Mazzei y Culacciati, el trabajo de desdoblamiento para la representación de los dos Antífolo y los dos Dromio. Fue magnífica la realización del video, cuyas locaciones despertaron seguramente en el espectador adulto más de un enigma. Confluyeron en esta dimensión visual impecable del espectáculo las colaboraciones de un amplio grupo de artistas: Ricardo Baldoni y Martín Pirrone en imagen, Fernando Massobrio en fotografía, Gabriela Fernández en el registro audiovisual, Javier Pistani en la dirección de video, Agustín Araujo y Agustín Dalponte en la asistencia de dirección del video, Sabrina Prieto en el diseño de escenarios, los mencionados Araujo y Pistani en animación y posproducción, Mariano Attolini en cámara y Lucas Guardincerri en gaffer, con la producción general de Perro Viejo & Lúdica Visual. Mucho trabajo concertado de artistas para lograr tan buen efecto, al que se sumaron para la relación con la es-cena el Equipo de Luminotécnica y efectos especiales y la asistencia de dirección de Carolina Otero.

Como se trataba de un “homenaje al cine clásico”, la escena tea-tral jugaba con diversas gamas del blanco, el negro y el gris (exce-lente trabajo de vestuario y de escenografía de Marisol Castañeda), y por momentos se recurría al movimiento mecanizado (a la manera chaplinesca), los carteles y la música del cine mudo (en manos de un gran creador musical: Gustavo García Mendy). Otro componente fueron los juegos de sonorización, que planteaban un enlace con los dibujos animados. Y también las citas al melodrama, como en el giro de la identidad de la abadesa/madre.

De fondo, Dionisi estableció un paralelo entre el carácter popular del teatro isabelino en el siglo XVI y el del cine en el mundo contem-poráneo, aspecto sobre el que ya insistió Jan Kott en Apuntes sobre Shakespeare. Pero creemos que en La comedia de los herrores el cine fue un magnífico aliado de la estética de la multiplicidad de raíz midoniana. Queda picando establecer las relaciones entre el teatro shakesperiano y el de Midón, sin duda profundas.

Baste decir que en la cartografía shakesperiana de la Argentina, Ricardo III y La comedia de los herrores se han ganado un lugar de privilegio que excede los límites de este comentario y requiere un estudio más extenso. Con el trabajo de directores y adaptadores como Dionisi y Orozco, Shakespeare se vuelve argentino.


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Piedra de sacrificioJaime Chabaud

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Políticas públicas sobre teatro en México: Juan Meliá (1)

uan Melía irrumpió de manera sorpresiva en la escena mexicana al ser nombrado Coordinador Nacional de Tea-tro del Instituto Nacional de Bellas Artes en 2009. Prác-

ticamente en el gremio teatral era un nombre que no le decía gran cosa a la mayoría, y por ello no fue poco el malestar que generó su designación. Parecía como si las altas autoridades culturales no pu-diesen comprender que los trabajadores del teatro querían a un igual en el puesto más importante de las decisiones que afectan al sector. Sin embargo, de forma meteórica, Juan logró ganarnos y meternos al bolsillo aún a los más reacios. Amén de ser un gestor que afronta las problemáticas de manera frontal, se ha distinguido por su claridad y honestidad. En muy poco tiempo se hizo de todos los hilos de las problemáticas del sector y hoy es un experto no sólo de lo que ocurre en México sino que posee una mirada sobre la escena iberoamericana nada despreciable.

Jaime Chabaud.- Has estado al frente de la Coordinación Nacional de Teatro ya 6 años. ¿Crees que las políticas públicas se han conso-lidado?

Juan Meliá.- Mi primera preocupación ha sido leer el estado que guarda la disciplina teatral en nuestro país. Detectar sus puntos fuer-tes y, al tiempo, poder observar correctamente aquellos vacíos o de-bilidades con los que convive. Dichas lecturas las hemos intentando transmitir tanto hacia la propia comunidad, como hacia las diversas instituciones que de manera separada atienden esta disciplina. Lo an-terior ha encaminado la construcción paulatina de nuevos lenguajes, objetivos o modelos comunes. Ha provocado el interés por la movili-dad y por encontrar nuevas formas y fuentes de financiamiento para incrementar la vida de las obras; también un punto importante, para generar la inclusión de nuevas voces y propuestas, ha sido el apostar de manera franca por los procesos de convocatorias nacionales, in-ternacionales y regionales. Todos estos puntos han sido y serán una constante ocupación en mi administración.

J.Ch.- En la ciudad de México la crisis de espacios escénicos ha creado un cuello de botella. Existe el mismo número de teatros que hace 30 años o menos, con una población teatral quintuplicada. ¿Cuál crees que es la salida?

J.M.- La dinámica que planteas, considero, debe ser leída desde una dimensión mayor. No puede ser observada solamente en la ciudad de México, ni se puede partir de que aumentado la cantidad de espacios escénico el problema se resuelve. La solución está en la ampliación del modelo actual y debe darse en una combinación de múltiples vías, objetivos articulados y un consenso claro de hacia dónde vamos. El modelo cultural mexicano, a través de sus fondos concursables, ha apoyado de manera clara a los creadores, pero no a la construc-ción de un entorno en donde ese creador pueda desarrollarse de manera articulada. No me refiero simplemente a la construcción de un mercado, me refiero a que varios elementos que han sido poco

utilizados deben aumentar su valor y articularse con lo que se cuenta a la fecha. Es claro también que en la ciudad de México se concreta un nivel altísimo de producción y presentación de obras teatrales, en los modelos independientes, comerciales y públicos. La emigración des-de diferentes regiones del país hacia la capital es histórica, tanto de autores, directores, actores y compañías. Por ello, que existan otros polos culturales en el país como está sucediendo con Guadalajara, Monterrey, San Luis Potosí, Xalapa o Yucatán, debe ser un objetivo compartido entre instituciones y comunidad teatral.

J.Ch.- En los teatros institucionales se puso de moda, como conse-cuencia de lo que te preguntaba, programar temporadas de pocas funciones. Incluso los espacios independientes, sobredemandados, están incurriendo en la misma estrategia. ¿Eso realmente le sirve al teatro, a las compañías, a los procesos creativos, al público?

J.M.- Es innegable que la ecuación cambió. En otros tiempos exis-tían menos compañías y obras producidas, la necesidad era otra. Hoy ha aumentado también la competencia entre ellas. Incluso estamos viviendo una época en donde existe la mayor cantidad de licenciaturas vinculadas hacia las artes escénicas, por consiguiente mayor canti-dad de egresados. Lo importante es preguntarse cómo debería ser el modelo. Establecer un parámetro y entorno justo para responder correctamente esa pregunta es muy complejo. ¿Deberían aumentar el número de salas públicas con su respectivo financiamiento? ¿Se de-bería apoyar de manera clara las salas independientes? ¿Se deberían coordinar de manera ineludible las salas públicas entre las diferentes regiones del país? Es claro que la respuesta a todas las preguntas es un sí. Lo anterior nos obliga a todos a dar un paso adelante, a no vivir de tiempos pasados siempre ubicados como mejores y ha construir lo que hoy día realmente se requiere.

J.Ch.- ¿Cuáles crees que serían las estrategias a emprender desde la comunidad artística?

J.M.- Es claro que se necesitaba más teatro de compañía, de gru-po, es decir, identificable, que inclinara la balanza en relación a las obras gestadas con ensambles creados para la ocasión. En relación a las estrategias que considero deberían emprender, las dividiría en lo artístico, productivo y en los conceptos de emprendeduría. Desde lo artístico el discurso propio, reconocible es innegociable. Desde lo productivo es fundamental construir modelos adecuados para cada obra o compañía, ni todas las obras deben ser concebidas para ser montadas por una compañía de carácter institucional, ni todas de-ben hacerse en formatos íntimos por ser independientes. Siempre he creído en los formatos y soportes necesarios dependiendo de la pro-puesta o discurso escénico. Por último, desde el concepto de empren-deduría, pensar y construir las obras para vidas largas, que posibiliten el enriquecimiento de las mismas. Dicha decisión es difícil de tomar en proyectos que tienen sus días contados, que no permiten la evolución del propio proyecto.

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El método griego María Chatziemmanouil

Károlos Kun y el Teatro de Arte de Atenas

l 14 de febrero de 2015 se cumplieron 28 años desde la muerte del actor, director y fundador del Teatro de Arte de Atenas, Károlos Kun. Kun nació en la ciudad de Prusa, en

Turquía en 1908, y su familia, una familia de comerciantes, se tras-ladó a Estambul cuando él tenía solo seis meses. Vivió en Estambul hasta que cumplió los 20 años y luego se fue a Paris para estudiar Estética en Sorbona. En 1929 se trasladó a Atenas, y empezó a trabajar como profesor de Lengua y Filología Inglesa en el Colegio Americano de Atenas (1930-1939). Dirigió por primera vez obras de teatro como Las aves y Pluto, de Aristófa-nes, o La tempestad de Shakespeare, prota-gonizadas por sus alumnos. En 1934 fundó, junto con el pintor Yanis Tsarújis y el autor y crítico de teatro Dionisios Devaris la compa-ñía semiprofesional “Escena popular”. En su declaración fundacional leemos:

“Creemos que todos los pueblos pueden ser creativos sólo cuando se sienten arraiga-dos en su tradición. (...) El teatro es un arte independiente, juzgado según las leyes del arte, no según si imita bien la vida o no.”

La compañía sobrevivió hasta 1936, y después de su disolución, Kun, quien renunció a su trabajo en el Colegio, empezó a colaborar como director con varias compañías hasta 1942.

En 1942, en plena ocupación alemana, Karolos Kun fundó el Tea-tro de Arte. Su primer estreno (7/10) fue El pato silvestre de Ibsen, en el teatro “Aliki”. En aquel mismo año fundó la Escuela de Arte Dramático del TdA, “para formar nuevos dramaturgos y actores, de modo que estén más cerca de los problemas de la sociedad moderna griega, de las tendencias estéticas de otros países y de la interpretación de la tragedia.”

“La era de la ocupación alemana fue una época emocionalmente rica. Uno podía recibir y dar muchas cosas. Rodeados por los riesgos, las privaciones, la violencia y el terrorismo, sentíamos la necesidad de la fe, de la confianza, de la unidad, de la alegría y del sacrificio”, cuenta Kun.

En 1943 se fundó el Grupo de Amigos del Teatro de Arte que aspira-ba a fomentar la comunicación y el desarrollo de un fuerte vínculo entre el espectador y el teatro, y apoyar económicamente el TdA. Después de varias aventuras, el TdA cesó sus operaciones en 1945 para empezar de nuevo en 1954 (con la obra de Thornton Wilder Nuestra Ciudad), esta vez en el famoso “Sótano” de la calle Pesmazoglu, en pleno centro de Atenas, el cual sigue siendo su escena principal hasta hoy.

“Pasamos por muchas etapas, pero siempre mantuvimos elementos de las anteriores, aunque las obras que estrenamos en la segunda eta-pa eran totalmente diferentes. En el segundo período estrenamos Ché-

jov, Pirandello, Wilder, Williams y Miller. Con Pirandello nos adentramos en el teatro del absurdo que nos encantó, como nos encantó igualmente el teatro de Brecht. Trabajamos simultáneamente sobre estas dos tenden-cias, que son los dos polos del teatro moderno.”

Kun introduce al público griego en el teatro de Lorca, entre otros, y a principios de los años 60, hace lo propio con el teatro del absurdo, estrenando Beckett, Ionesco, Genet, Pinter, Arrabal, etc. Además, amplía la gama del teatro moderno con Weiss, Bond y Strauss entre otros.

“Al mismo tiempo, pusimos las bases para un retorno a la tragedia y la comedia griega. En 1957 reestrené Pluto... En 1962 salimos por primera vez del país; presentamos en Pa-rís Las aves que fue galardonada con el Premio de las Naciones”.

Así comienza un largo e importante recorri-do en los ámbitos de la tragedia y de la come-dia griega, con grandes giras en el extranjero y varias participaciones en los festivales más importantes del mundo.

Sin embargo, a Kun le interesaba también el teatro neogriego: En 1957, El patio de las maravillas de Iákovos Kampanelis, –que des-empeñó para el teatro griego el papel que desempeñó Historia de una escalera de Buero Vallejo para el teatro español contemporá-neo–, abrió el camino para los escritores más jóvenes, encabezados por Dimitris Kehaídis y Lula Anagnostaki. Al mismo tiempo, se hizo un retroceso hacia las raíces del teatro griego, es decir hacia el teatro escrito justo después de la Guerra de la independencia griega (1821), con obras de Visantios, Koromilás, y otros.

En 1967, Kun dirigió Romeo y Julieta en Stratford con actores de la R.S.C. Durante los años de la dictadura de los coroneles (1967-1974), el TdA estrena obras como Woyzeck de Büchner, El juego del masacre de Ionesco, Final de partida y Esperando a Godot de Samuel Beckett a pesar de la censura y de su exclusión de eventos públicos y festivales.

En 1975 el TdA presenta en Epidáuro la evolución histórica de Las aves y se convierte así en el primer teatro después del Teatro Nacional en participar en el Festival de Epidáuro año sí año también, hasta hoy.

En 1985, el Estado griego, reconociendo la importante contribución del TdA al arte teatral en Grecia, lo ayuda a adquirir una segunda sala en Atenas.

Tras la muerte del maestro K. Kun, el TdA sigue su histórico reco-rrido bajo la dirección artística de sus colaboradores y/o alumnos. Desde el año pasado, la dirección del TdA, por primera vez en su historia, pasó a manos de una mujer: de la actriz, directora, traduc-tora y dramaturga Mariana Kálbari. Una nueva etapa empieza para este histórico teatro de Grecia.

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Cronicón de Villán... y corteJavier Villán

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El pimiento Verdi, revisitado

olver a revisar una obra dos años después de su estre-no es siempre una aventura. Nunca se sabe si la obra ha cambiado o si es uno el que ha cambiado mientras

la obra sigue siendo la misma. Es una experiencia peligrosa que solo acostumbro a repetir en casos muy especiales. Y en este caso especialísimo en mesa con derecho a cena, en primer plano de escenario, al borde mismo de la línea negra, al lado mismo de Brunilda y Sigfrido, dos wagnerianos recalcitrantes, vegetarianos y antitaurinos.

El pimiento Verdi es una ficción que se desarrolla en una taberna: casticismo frente a modernidad. Conforme a sus actitudes frente al arte moderno, -un arte degenerado, en cierto sentido, para los gustos tradicionales de Boadella- con la música le pasa lo mismo. Sin embargo, pese a la controversia feroz, Verdi y Wagner, cada uno en su estilo salen indemnes. Las acusaciones de antisemita y padre procesal del nazismo se sustentan en los propios escritos de Wagner. Y la compasión de Verdi, en el espléndido coro de los es-clavos de Nabuco. La crema nazi, Wagner quizá no tuviera tiempo o no conociera esas minucias del toro, era antitaurina. A Himmler, una corrida le hizo vomitar en Las Ventas; el olor a sangre. El olor a judío socarrado, sus cenizas por las chimeneas de los campos de exterminio, era más grato a su nariz. O quizá no, quién lo sabe.

El Pimiento Verdi lleva casi tres años de gira o de bolos y ha ganado, si cabe, en frescura, en pureza teatral necesaria para contrarrestar la abrumadora insistencia cantora y musical. No la ha herido ese mal hemorrágico de las obras de larga duración: la rutina. Con tan largo rodaje ha adquirido una fluidez, una natu-ralidad solo posible en los grandes cómicos. Y en el ojo vigilante, supongo, del director. A El pimiento Verdi lo califiqué en su dia con un cinco. O sea, cinco estrellas de obra maestra. Me ratifico. Y escribí más o menos lo siguiente.

“Artificio, puro artificio. Y, por lo tanto; teatro: puro teatro. Decir que Albert Boadella es un artista ingenioso sería un agravio. Es un titiritero genial como lo bautizaron los generales borrachuzos de La torna. (lo de genial es añadido mio): el gran guignol, la madre del teatro. Y la comedia de Arte. No le crean ustedes cuando hable de la miseria del ar te moderno que, en parte es verdad, aunque su teatro diga lo que diga Boadella, pertenece a la modernidad, una modernidad con raíces en la tradición.”

Este duelo musical, entre Verdi y Wagner, es tradición y es mo-dernidad; dos personajes, apuntalados en su música y los ren-cores de sus partidarios convier ten el escenario en una Fiesta. Ni Verdi es Verdi, ni Wagner es Wagner; ni Verdi es el embrión del sentimentalismo político, ni la música estruendosa de Wagner es el apuntalamiento sonoro de Hitler y el nazismo.

Los intérpretes se ponen el mundo por montera, aunque no sean taurinos y aunque Jesús Agelet improvise un redondo con la

bandeja de camarero a media altura, invocando a José Tomás que fue conciencia ética de la Fiesta y ahora es, sólo, una referencia fi-nanciera”. Entonces me preguntaba, y sigo preguntándomeo: ¿De dónde ha sacado Boadella a Elvia Sánchez, José Manuel Zapata, Antoni Comas, Luis Álvarez?. De donde ha salido ese prodigio de actriz, de mujer y de soprano llamada María Rey-Joly? “Dos se-cuencias memorables: una en la que mima el aburrimiento de una espectadora de Wagner y otra en la que traduce la narración de un argumento operístico. Confieso que la coloratura de las voces, que dicen los entendidos, me fascina menos que su dimensión de intérpretes. Dos sopranos, dos tenores y un barítono que inter-pretan y cantan en posiciones forzadas sin que la música ni la voz se resientan”.

Añado ahora: ese dominio del cuerpo y de la voz en posiciones inverosímiles, es más que una extraordinaria preparación técnica, es calidad de intérpretes, incluso el pianista Borja Mariño. A Jesús Age-let, que no canta, ya lo conocemos; es un genérico que en Joglars hacía de todo y todo lo hacía bien. Está sembrado y sería de desear que, agotado el recorrido natural de El Pimiento Verdi, vuelva a los escenarios. Para el crítico es un privilegio haber visto la función al lado mismo de Elvia Sánchez y José Manuel Zapata; calibrar sus gestos, descifrar sus miradas. Sin duda grandes cantantes, pero también excelentes actores. Jesús Agelet, Blas, hizo de maestro de ceremonias: “aquí un crítico”. Y Zapata: “que estamos en un mo-mento crítico?”. Y el crítico, “pues también, no lo dude usted?”.

Como conclusión, recupero algunas de las ideas de la crítica de hace dos años: “El Pimiento Verdi es la obra maestra de Boadella y eso que Boadella tiene muchas obras maestras. Es la depu-ración de un hombre de teatro que supera sus propias contra-dicciones. Cae, por ejemplo, en lo que más detesta, en el teatro didáctico, pero lo supera; ilustra a los incultos en música seria, que no pasamos de la copla, el flamenco y el jazz: a partir de El Pimiento Verdi todos sabemos del canon musical de la opera. Y regocija a los exquisitos que no verán traicionados a sus ídolos: la dialéctica entre ambos, un artificio, una farsa”. Es la obra, afir-mo, que no ha superado ni posiblemente superará; aunque con Boadella nunca se sabe.

La dialéctica del metateatro me es más familiar; cómo hacer teatro de lo simple, de los símbolos, cómo mostrar la tramoya y las trampas y los embustes del teatro; y cómo dirigir actores desde la entraña de la obra misma. Una nueva dimensión del teatro dentro del teatro, tan manoseado y mal entendido. Y la regocijante jerga de restos de un latín macarrónico, un italiano macarra y un alemán de opereta también macarrónico. Boadella se hará inmortal, para pesadilla de los nacionalismos salvajes y la farsa de los progres sedicentes. Pero será difícil que supere este Pimiento.

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Vivir para contarlo Virginia Imaz

Tomo la palabra (III)n las I Jornadas Internacionales sobre Mujeres, Voz y Narración Oral, “Tomo la palabra” celebradas los días 20 y 21 de octubre en la UNED de Madrid, la segunda jornada nos trajo por la mañana una mesa repleta de

estudios clásicos, coordinada por Antonio Moreno Hernández, así José María Lucas (UNED) disertó sobre “Las sirenas odiséicas o la seducción del relato”, y Helena Guzmán (UNED): “Comed sentados en esta sala y gozad del relato: Helena de Troya toma la palabra”. En su comunicación expuso como curiosamente, en la Odisea, frente a la Ilíada, Helena de Troya adquiere un perfil claramente positivo. En el canto IV (233-264) promueve el olvido de las hazañas doloro-sas que los invitados a su palacio recuerdan, y lo hace acudiendo al recurso de la palabra, de la estrategia psicológica del relato: contar una historia pasada que produzca deleite. Helena Guzmán analizó este pasaje de la Odisea en el que Helena se convierte en una sana-dora por medio de la palabra.

Helena Rodríguez Somolinos (Inst. de Lenguas y Culturas del Mediterráneo y Oriente Próximo. CSIC) llegó con unas interesantes reflexiones sobre el “Espacio público y privado en la poesía feme-nina griega” y Rosa Pedrero (UNED) reflexionó en “La mujer como narradora de historias en la novela griega” sobre el papel de las mujeres como contadoras de historias y cantoras en la antigua Gre-cia. Un rol en su opinión difícil de determinar. Aventuraba como casi seguro que las madres y nodrizas han tenido un papel relevante en la transmisión de los mitos griegos, pero que eran los poetas –hombres en su mayoría- quienes habían inmortalizado tales mitos. Me resultó apasionante su aproximación a las mujeres que aparecen en las novelas antiguas contando historias, y que en muchos casos, se acercan a esta idea extendida de la narración oral.

Pero existen muchas narratologías diferentes y María Teresa Na-varro Salazar (UNED) con gran elocuencia desgranó algunos “As-pectos de la narración femenina en óperas del siglo XIX: Aída (Ver-di), Senta (Wagner), Desdémona (Rossini) y Desdémona (Verdi)”

Después de la pausa, en una mesa coordinada por Margarita Almela Boix, pudimos escuchar a José Manuel de Prada Samper (University of Cape Town), filólogo e infatigable folclorista y acceder a parte del material oral que ha recopilado en relación a Serena Jacobs, una narradora del karro surafricano.

María Victoria Navas Sánchez-Élez (Universidad Complutense de Madrid) habló por su parte, sobre el “Reparto de papeles en la transmisión oral desde el punto de vista del género”, analizan-do una muestra de materiales de la literatura oral y tradicional presentes en comunidades rurales fronterizas, concretamente del área bilingüe castellano-portuguesa de Barrancos. El patrimonio cultural de dicha población portuguesa –romances, canciones, leyendas, anécdotas…– ha bebido esencialmente de fuentes es-pañolas. Su análisis mostraba que existía un claro reparto de pa-peles dependiendo del género y de las circunstancias específicas en las que el acto del habla se activa. Así las canciones relativas al servicio militar estaban vehiculados por los jóvenes. Mientras que los romances, leyendas, cuentos se transmitían principalmente, por voces de de mujer.

Margarita Alfaro Amieiro (Universidad Autónoma de Madrid): nos

acercó a la escritora Fátima Mernissi con su comunicación: “Infancia y aprendizaje en femenino de la expresión oral”

Consuelo Pintus (Università degli Studi di Milano): “Narrazione Cantata: il caso delle donne Chitrakar come esempio di emancipazio-ne femminile nella società indiana contemporanea”

La mesa redonda de la tarde contó con Pep Bruno, como coordi-nador y reunió en torno al tema de “Narradoras y repertorio” a las estupendas narradoras: Brigitte Arnaudiès, Estrella Escriñá, Martha Escudero y Concha Real. Una plantilla de lujo. Resoné profundamen-te con sus aportaciones, en el apasionante viaje a la búsqueda de una voz propia ¿Qué contamos? ¿Desde dónde contamos? ¿Por qué? ¿Para qué? ¿ Cómo creamos? ¿Cómo cocinamos un reperto-rio? Absolutamente fascinante.

Después de la pausa todavía pudimos deleitarnos con otras comunicaciones en una mesa coordinada por Dídac Llorens Cu-bedo. Así Antonio Ballesteros González (UNED) habló de la orali-dad en la poesía caribeña y africana en lengua inglesa escrita por mujeres”, Ana Zamorano (UNED) rescató “La mujer guerrera de Maxine Hong Kingston” y con ella introdujo la reflexión sobre la narradora multivocal.

Particularmente interesante para mí, que desarrollo también ac-tividad en el campo de la formación, fue la comunicación de Cate-rina Valriu (Universitat de les Illes Balears): “Mujeres que cuentan cómo contar: manuales sobre narración oral”. La comunicación se articuló como una revisión y reflexión sobre los manuales para cuentacuentos, desde el mítico Cómo contar cuentos de Sara Cone Bryant hasta otras producciones de la actualidad. Se planteaba cuándo y donde empezaron a surgir este tipo de libros (a finales del siglo XIX en Estados Unidos, a principios del s. XX en los países nórdicos), por qué se editaron, a qué público se dirigían (mayo-ritariamente narradoras vinculadas al mundo de la enseñanza y de la promoción de la lectura: maestras y bibliotecarias), quién los escribía y desde qué perspectiva. La mayoría están escritos por mujeres, entre ellas Elena Fortún. Cómo enfocan el acto de narrar y que pautas dan para hacerlo, qué cuentos proponen (la mayoría incluyen una selección de cuentos “aptos” o adecuados para ser narrados) y si establecen una especie de canon sobre la forma de narrar y las historias narradas. El conjunto bibliográfico al que hizo referencia puede aportar coordenadas encaminadas a conocer y valorar des de una óptica diferente el papel femenino en la transmisión oral contemporánea

Por último, Juan Pérez Andrés (UNED) disertó sobre las “Actrices que cuentan cosas. La mujer en el Teatro di Narrazione italiano”

Estas increíbles jornadas finalizaron con una sesión de cuentos coordinada por Brigitte Arnaudiès, en la que tuvimos el lujo de participar además de la propia Brigitte, Claudia Fonseca, Alicia Mo-híno, Catalina Contecontes, Magdalena Labarga, Concha Real, Marta Escudero, Concha Real y yo misma. Fue un magnífico cierre de dos días repletos de información, de intercambio, de encuentro… Todo un lujo y un placer tomar la palabra con estas narradoras de ex-cepción. Tomar la palabra juntas, para (re)conocernos. Tomar la palabra para dar voz a las sin voz. Tomar la palabra por nosotras y por todas nuestras compañeras.

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El lado oscuroJaume Colomer

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¿Cómo se elige ir al teatro?l secreto mejor guardado por los espectadores es cómo eligen, y con qué criterios, una obra de teatro. Si los espa-cios escénicos tuvieran esta información de sus públicos

podrían conseguir que sus resultados fueran excelentes. En el marco de una investigación en curso he tenido la oportunidad de realizar va-rias reuniones con grupos de espectadores de distintos perfiles para contrastar y complementar los resultados de una encuesta sobre con-sumo escénico y actitudes ante la oferta de los teatros de la ciudad. El espacio escénico, que es de titularidad pública y tiene un notable recorrido y prestigio, quiere conocer a sus espectadores para tomar decisiones acertadas. Los debates me han permitido tener argumen-tos de primera mano sobre los criterios que aplican los espectadores en la elección de una obra y qué tipo de experiencia escénica bus-can, y esto me ha llevado a una permanente reflexión. El estudio no está terminado, y supongo que en su momento tendré la ocasión de presentar resultados definitivos, pero avanzo algunas concusiones y consideraciones con el objetivo de fomentar la reflexión compartida.

La información aportada por el estudio me permite hacer tres con-sideraciones generales de carácter previo:

• Que en el universo de los espectadores hay una gran diversidad de gustos y preferencias, así como de procedimientos y criterios de elección. Se equivocan los que piensan que los espectadores tienen un comportamiento uniforme.

• Que los espectadores saben, en general, lo que quieren. Algunos lo argumentarán con un argot más teatral, otros con razonamien-tos más simples, pero la mayoría tienen capacidad crítica. Se equi-vocan también los que creen que aceptan cualquier propuesta.

• Que les gusta hablar de teatro y que su espacio escénico habitual les pregunte sobre su experiencia teatral y sus preferencias. Me consta que hay pocos espacios escénicos que dialoguen habitual-mente con sus espectadores.

Entrando ya en aspectos más específicos podemos deducir que hay tres perfiles de espectadores en relación al procedimiento de elección de una obra, aunque hay espectadores que aplican eclécticamente un combinado de ellos:

a. Los espectadores que confían en una sala y acuden a ver sus propuestas sin analizar previamente las obras programadas.

b. Los que van a ver una función por recomendación de terceros, sean familiares, amigos, compañeros de trabajo o críticos tea-trales.

c. Los que eligen una obra con criterios propios a partir de su expe-riencia. En este caso, el grado de experiencia teatral es un factor diferencial en relación a los criterios utilizados.

Los que eligen las obras a partir de sus propios criterios aplican habitualmente una combinatoria de factores entre los que se incluyen factores subjetivos de interés o calidad, y factores objetivos como las instalaciones, el precio y otros. Entre los factores subjetivos más cita-dos destacan la obra y el autor, la puesta en escena y el director ar-tístico, los intèrpretes, el género escénico, etc. Hay espectadores que consideran que el factor clave es la obra mientras otros consideran que es la interpretación. La mayoría consideran que son factores indi-sociables, y que su encaje es lo que permite que el espectador “entre”

en la obra, que viva cada historia relatada como si fuera una expe-riencia real, que le trascienda, que durante las horas o días siguientes recuerde frases o momentos, y que le guste comentarla con otros espectadores que la han visto o aconsejar a los demás que vayan a verla. Muchos comentan que una experiencia escénica es satisfactoria si tiene un grado notable de emotividad y es capaz de provocar una reflexión sobre la realidad personal y social.

La mayoría de espectadores tienen sus salas favoritas: aquéllas que han conseguido generar en ellos confianza en sus propuestas de valor porque coinciden con sus gustos o preferencias. Las salas favoritas se convierten progresivamente en sus proveedoras habituales porque les garantizan una buena elección. También hay algunos espectado-res que no crean vínculos con ninguna sala porque prefieren explorar nuevos estilos, estéticas y formatos, apostando por la diversidad y el riesgo de lo desconocido, paseando de sala en sala para descubrir nuevas experiencias.

Según los argumentos descritos, la calidad supuesta es el factor básico de elección de una obra. Al preguntarles qué consideran qué es la calidad van aportando significados notablemente distintos, lo que permite considerar que hay una calidad subjetiva, distinta de la calidad técnica u objetiva, que está vinculada a sus gustos, prefe-rencias y expectativas forjados a partir de su experiencia escénica, positiva o negativa, y que a veces el criterio de calidad que aplican los programadores no coincide con el suyo provocando desencuentros. A menudo consideran que la calidad de una programación requiere diversidad de contenidos y estéticas e innovación permanente en sus propuestas.

Hay factores complementarios que no determinan pero sí condicio-nan la elección. Uno de ellos es el precio. Aunque la mayoría de espec-tadores esporádicos dicen que si una obra les interesa no dejarán de verla por el precio de las entradas, los espectadores asiduos conside-ran que el precio es un factor muy importante. Si no les interesa una obra determinada, aunque las entradas sean muy baratas, no irán a verla, pero si una obra les interesa pueden renunciar a verla porque su precio supera lo que consideran justo o su capacidad adquisita. Los asiduos encuentran en los abonos, sobre todo si se ajustan a sus hábitos y magnitudes de consumo, una buena manera de reducir el coste por función.

Además del factor precio tienen en cuenta otros condicionantes ob-jetivos como la ubicación de la sala, las facilidades para aparcar o el fácil acceso con transporte público, las instalaciones, la comodidad de los asientos, la visibilidad y sonorización, la climatización, etc. Uno de los factores más decisivos en la elección de una sala como proveedora habitual es la atención que reciben del equipo de taquilla y de sala, especialmente en la gestión de incidencias como cambio de fecha, re-trasos, etc. y los servicios auxiliares que tiene el teatro, especialmente el servicio de cafetería y restaurante.

De los argumentos descritos se puede deducir que la mayoría de espectadores habituales eligen sus obras de forma racional, valoran-do los factores expuestos a partir de su experiencia, y que sólo hacen compra compulsiva los espectadores reactivos, ocasionales, que bus-can en el teatro más un acto social que una experiencia artística.

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Las Lejanías Carlos Be

Sobre el teatro alternativon el breve tiempo que llevo programando Selectos Pu-raenvidia, la hermana pequeña de La Casa de la Portera y La Pensión de las Pulgas, espacio de exhibición pero

también taller, en su sótano, de Alberto Puraenvidia, director de arte y escenógrafo de éste y los demás locales de la familia; en el breve tiempo que llevo programando, en concreto desde principios de enero, mantengo la misma postura, ahora también como gerente de una sala, que José Martret, socio fundador de Puraenvidia, quien recientemente, en una entrevista para El Mundo, verbalizaba ante el periodista José Luis Romo lo que todos sabemos pero, por no romper la botella, no decimos: este tipo de teatro no es rentable. El propio Martret resuelve el misterio, el hombre es un superviviente y el artista, dos: “Queremos seguir arriesgando y apostando por nuevas fórmula. No vamos a estar parados”. Mientras tanto, ¿pre-ferimos vivir con escaso oxígeno en el interior de esa botella que es el teatro alternativo? Parece que sí.

Podría ser una botella o el casco antiguo de una ciudad cualquie-ra, así podríamos representar al teatro alternativo. ¿Y la situación que está viviendo en estos momentos en Madrid? Sería el cuello, el cuello de esa botella, o las calles angostas que dan entrada al casco antiguo, ese casco antiguo donde el sol sólo se contempla luminoso desde las plazas, lugares por excelencia de teatro y encuentro.

En la mayoría de los espectáculos, me he guiado por una directriz básica, ésta es: exhibir obras en las que me hubiera gustado partici-par pero que, afortunadamente, ya lo han hecho otros y puedo dis-frutarlas como espectador. De alguna manera, supongo que muchos programadores se sentirán parte del proceso de la creación cuando tienen la oportunidad de apadrinar, aunque sean por unas pocas funciones, se espectáculo que tanto les gustó cuando lo vieron o tan buena espina les dio al conocer el dossier.

Este es mi caso con Edda, una joya escénica de pequeño forma-to escrita, dirigida e interpretada por un artista del Renacimiento en nuestros días, Andrea Caltran. El dossier llegó a mis manos y nos aventuramos. Es el espectáculo con el que se abrió el año. El público, es la escasa media docena de representaciones que lle-vamos, fluctúa de manera imprevista. El aforo máximo del espacio es de treinta y cinco asientos, aunque por las características de Edda, en la cual el público se sitúa en coro alrededor de la escena, hemos limitado la capacidad a veinticinco. Mientras que unos días tenemos que detener las reservas porque se ha cubierto el cupo de localidades, en otras nos devanamos los sesos las tuercas para no quedarnos en media sala de espectadores. La calidad no es la única variable que define la repercusión, eso está claro, pero ¿quién conoce la fórmula?

La escena alternativa madrileña está viviendo una congestión: los creadores han llegado al cuello de la botella. Es difícil calcular el nú-mero de salas teatrales abiertas actualmente en Madrid. La revista Godot registra unas 120 aproximadamente, 50 de ellas comerciales y las otras 70, pues sí, alternativas, eso sin contar la multiprogra-mación semanal, por la cual un teatro del primer grupo como es el Teatro Lara puede ofrecer semanalmente cerca de una docena de espectáculos y La Casa de la Portera, en el segundo grupo, casi

una decena. Pues sí, las salas alternativas se ahogan y sólo unas pocas sobrevivirán, las más fuertes o, en su defecto y como ocurre en las mejores novelas de aventuras, las más sagaces y ocurrentes, y La Casa de la Portera ha conseguido ser de estas últimas desde el día de su inauguración hasta la fecha, en la que ya prepara su retirada triunfal de la escena para dar paso a proyectos de mayor envergadura. Sí, se trata de crecer o morir en el intento. Nuestros teatros no se mantendrán siempre igual de la misma manera que nosotros tampoco somos los mismos. Cambiamos, evolucionamos, sucederemos a otros y otros nos sucederán. Ése es, en mi opinión, el movimiento natural del teatro, no hay que apretar en ninguna dirección, para descongestionar el cuello de la botella.

Lo dicho: transitar por el teatro alternativo no es cómodo para na-die, público incluido. El público de este tipo de teatro se caracteriza por cierta capacidad de riesgo que otro público no posee. Pueden sentirse tan incómodos como cualquier otra persona, pero supedi-taran la incomodidad al apetito de sus sentidos. El teatro alterna-tivo representa ese casco antiguo de esa gran ciudad que todos habitamos, ese casco mal iluminado, tenebroso, en el que muchas veces da miedo adentrarse, pero una vez has entrado y salido por tu propio pie, las luces en tus ojos han cambiado. Por eso estamos hablando de un publico exigente porque son capaces de poner en juego su criterio en pos de un espectáculo, ganen o pierdan. ¿Quién les ha mandado introducirse en la botella o bajar al centro de la ciudad? Con la amplia oferta de espectáculos cómodos, y con cómo-dos, además de a los aspectos más prosaicos, me refiero al epítome del teatro entendido como comodidad: el entretenimiento.

Una de las primeras lecciones que recibí al llegar a Madrid fue la siguiente: en teatro, hay que verlo todo. Pues toda la razón del mundo, sí. Los creadores escénicos, muchas veces emplazados al otro lado del espejo, un lado éste en el que creamos y, por ende, en el que la realidad se pierde de vista y muchas veces se moldea a nuestra voluntad y se desdibuja, no saben emerger del espejo sin trastabillar. Derrocar las propias ilusiones es duro; que otro te las derroque es más aceptable, aunque también ingrato. Sea como fue-ra, siempre es difícil comenzar una revolución desde el interior de un espejo cuando no sabes en qué estado se encuentra el dormitorio donde te tienen colocado en el tocador. ¿En llamas? ¿Entra el sol de invierno por las ventanas? Al otro lado del espejo, donde nos encon-tramos los creadores escénicos, se vive una realidad desdibujada. ¿Qué tal está la realidad? Hay que verlo todo, sí. Saber cómo está nuestro compañero, tratar de entender su situación, haga el teatro más vanguardista del mundo o el cómodo posible.

El teatro es un territorio y todos formamos partes de ese territo-rio, de ese organismo, a pesar de que acaso el estómago no quiso siempre ver la luz del sol y el pie nunca dejó de pedir que otros lleva-ran el paso, pero nosotros solos no trascenderemos, sino nuestras creaciones, sean individuales o colectivas. Nuestras acciones para alcanzar esa inalcanzable idea que es el teatro. El teatro es una idea y las ideas nunca mueren. Los hombres son mortales y por ello nun-ca llegaremos a ser una idea de nada, nuestras acciones sí. Pueden devenir teatro. No hay que parar.

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Noticias desde los fiordos Víctor Criado

Comunicación

veces me da por ponerme teórico, cosa que no me sucede a menudo, y reflexiono acerca de este término tan manido como desconocido; comunicación. Luego me

pongo político, lo cual es más habitual, y trato de repensar el con-cepto democracia, otro de los palabros de tirar sin usar, como un kleenex, y aún menos de comprender.

Cada día que me pongo el traje de ninja, rodeado de sillas de alumnos llenas de chicle usado ( que están pegados por la parte de abajo, como debe ser, igual que en las mesas), esperando a que entren a su aula para asistir a un trabajo teatral de naturaleza inte-ractiva y que versa sobre el concepto (ya van tres conceptos) iden-tidad, reflexiono sobre qué puedo aportar, a nivel teórico, a las artes escénicas. Es lo que tiene la fase de concentración del actor antes de comenzar el espectáculo. Un momento especialmente sensible e inasible, en el cual nos ponemos pensar en cualquier cosa. Luego digo que quién soy yo para aportar teorías, pero dejo de darle vuel-tas a eso, por que sino a dónde voy. Y me pongo a trabajar.

Indagar en la verdadera comunicación con el espectador. Mirar a los ojos de esos chicos, que a su vez con los suyos me

interrogan, cuestionan, valoran. Que me dan o me quitan, depen-diendo de la calidad teatral que haya logrado ofrecer. Y de otros muchos factores que yo no controlo.

Dejar de estar subido a un escenario, protegido por los focos, el sonido y la altura. Con la distancia o la cuarta pared de por medio, como una bufanda que te protege de la niebla en la que, a veces, se convierte el público.

Tratar al espectador como a un igual, como a un ser humano, como un reflejo. Pasivo al inicio, pero quizás no al final.

Reflexiono sobre un concepto (sigamos acumulando) que desde la primera vez que lo escuché me ha chirriado en los oídos; “mi público”. Siempre me ha resultado sospechoso. Como si el público fuese una propiedad, un objeto que se posee, sobre el que se de-cide qué, cómo y cuándo. Una masa informe llena de aplausos que tiene el deber de escucharte en silencio.

No, el público, los ojos de esos chicos, no es mío. Está ahí, ro-deándome, esperando algo de nosotros; una historia, una expe-riencia, un intercambio. Mi trabajo como actor, a parte de seguir la coreografía de palabras y movimientos, consiste en mirar a los ojos de esos chicos, uno a uno. Tratando de no dejar a ninguno de lado, lo cual, si de verdad lo pones a prueba, es más que difícil de lo que aparentemente parece; mirar de verdad, alma a alma. Ahí es donde se cuela el concepto democracia, entre las bambalinas invisibles ilu-minadas por fluorescentes y, si hay suerte (pero mucha suerte en Febrero y en Estocolmo), algún rayo de sol fugitivo.

Por eso me gusta, todas las mañanas agarrar mi mochila para dirigirme a un nuevo centro escolar, poner patas arriba (literalmen-te) las mesas de los alumnos (con chicle) y prepararme para jugar junto a ellos durante una hora. Porque la comunicación es directa, instantánea, real. Nuestro trabajo no es una forma “estática” que se ofrece como un “paquete”, es algo mas sutil y sensible, influido

por el entorno; esos chicos, sus edades, la composición del grupo de espectadores, la actitud de los profesores, la preparación previa (si la ha habido)… Muchas variables que hacen que el espectáculo adquiere diversas, infinitas formas. Es lo apasionante y complejo. Un ejercicio de comunicación constante, un trabajo en el cual cada espectador es valorado por igual, individualmente, tratando de lo-grar un contacto; dos segundos, una sonrisa, un gesto serio, una palabra, un movimiento…

El teatro ni puede ni debe tratar de competir con el cine, ni con la TV, ni mucho menos con Internet. La batalla está perdida de antema-no. Su lugar es otro, inalcanzable para esos medios de comunicación masivos llenos de tantas posibilidades, y a la vez limitados: es en el terreno de la comunicación directa, en la relación espectador-actor donde no tiene rival posible. Ahí, acompañados de la imaginación y la escucha, el teatro es insuperable.

Y es a ahí donde yo creo que hay que centrar la atención, cuando decidimos crear un trabajo teatral.

Ayer tuvimos que suspender, a pocos minutos del final, una re-presentación. La escuela donde actuábamos tenía algo extraño, frío, falto de vida. Lo notamos desde el primer momento en que pusimos los pies en ella. Los profesores sin energía, como si en su cabeza portasen un peso inmenso, los pasillos en silencio, las puertas con demasiadas cerraduras y llaves. Tristeza, frío, ausencia de luz. Hi-cimos tres funciones. La primera requirió un esfuerzo enorme para captar la atención de esos chicos y chicas, pero lo logramos, con una dosis extra de presencia y sinceridad. Exhaustos pero satisfe-chos por lo logrado. La segunda fue una actuación “globalizada”. Niños llegados hace una semana de Siria, un polaco, varios his-panohablantes, algún ruso, afganos… Ninguno hablaba sueco. Un reto actuar en tres o cuatro idiomas simultáneamente. Fantástico. Como su respuesta. Pero en la tercera el grupo de chicos de 11-12 años ya había sido demasiado afectado por el “entorno escolar”. Tuve que parar en un primer momento, para dar fin a una dinámica de risas asustadas. Les invité, a los que querían, a salir de la sala. Nadie lo hizo, demasiado miedo en los asientos y ojos. Continuamos, pero al final decidí parar la función. El teatro no lo puede todo. A los pocos minutos de quedarnos en silencio y solos en la sala, llamaron a la puerta, eran cuatro chicas del grupo de espectadores. Venían a pedirnos perdón, de modo voluntario (ningún profesor les había obligado, menos mal).

Nos confesaron, con tristeza, que lo que habían visto era lo mejor que les había ocurrido en todo el curso, pero que algo en su clase, y en la escuela estaba mal. No lo podían describir pero lo vivían, día a día. Les dijimos que eran valientes por hacer eso y que no era su culpa si su “actitud” no había sido “buena”. Nunca es culpa de un niño. Siempre hay algo, alguien detrás.

Creo que eso que sucedió en este último grupo es importante, tanto para nosotros, actores, como par ellos. Y tuvo lugar en un espacio teatral, con la comunicación a flor de piel. Directa. Ningún otro medio expresivo lo hubiera logrado.

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Estantería

Estantería

La editorial La libre de marzo ha publicado ‘Anatomía para la voz’ un manual en el que se aborda de forma sencilla los conocimientos anatómicos en relación con la voz humana. Un trabajo de Blandine Calais-Germain y François Germain dirigido a todas las personas que utilizan regularmente su voz o cuyo trabajo gira en torno a la misma.

Teoría TeatralTeoría Teatral

‘Coreografiar la historia europea: cuerpo, política, identidad y género en la danza’ es una publicación de la Universidad de Oviedo coordinada por Beatriz Martínez del Fresno. El libro recoge una decena de artículos e investigaciones de otras tantas teóricas y profesionales que abordan el arte de la danza a lo largo de la historia.

Con la publicación de ‘La investigación en danza en Es-paña 2014’ Mahali Ediciones vuelve a recopilar (ya lo hizo en 2010 y 2012) los trabajos que sobre danza se han realizado en el citado año y han sido presentados en las “Jornadas de danza e investi-gación” congreso bianual que organiza la Federación de Asociaciones de Profesiona-les de la Danza.

Teoría Teatral

El Servei de Comunica-ció i Publicacions de la Universitt Jaume I de Castellón ha publicado ‘La AMAEM María Guerre-ras. Asociacionismo de mujeres y acción cultural’ en el que la dramaturga y profesora Itziar Pascual ofrece un recorrido por la creación escénica de las

mujeres en el siglo XX y primera década del siglo XXI. Para ello Pascual toma como ejemplo dos proyectos, el Magdalena Project, red internacional de teatro de mu-jeres y Fortaleza de la Mujer Maya de Chiapas, México con los que se adentra en la historia del asociacionismo teatral en España y en la práxis de la AMAEM Marías Guerreras. Esta publicación, estudia el asociacionismo cultural de mujeres en el ámbito del género y las artes escénicas y destaca por el tratamiento que Pascual realiza a los aspectos teóricos de los conceptos utilizados, tales como el género y el sexo, la feminidad y lo femenino o la creación femenina y el arte feminista. Todo ello a través de numerosas citas y la descripción de los movimientos culturales de mujeres.

Teoría Teatral

Teoría TeatralTeoría TeatralTeoría TeatralTeoría Teatral

‘Historia del teatro en 105 argumentos’ de Liuba Cid re-coge el relato argumental de las obras más importantes de 71 dramaturgos que mar-can la evolución del teatro desde los griegos hasta el siglo XX. Argumentos teatra-les, reseñas de sus autores y descripción detallada de personajes, actos, cuadros y escenas. Una publicación de Ediciones Cumbres.

En ‘La acrobacia. Un recurso para la formación corporal del artista escénico’ su autor, Armando Collazos Vidal, ofre-ce una descripción detallada y completa de cada una de las secuencias y rutinas de las figuras acrobáticas con el fin de formar tanto a artistas de circo y teatro o bailarines o a educadores. Este libro ha sido publicado por la Univer-sidad del Valle de Colombia.

Atuel ha publicado ‘Lo que no se dice. Una teoría de la actuación’ en el que Raúl Se-rrano, teoriza sobre las ideas que constituyen la base de la sustentación teórica, re-flexiva pudiendo así generar otras distintas. Añadiendo a esto la experiencia de la práctica de la pedagogía tea-tral y sumando la producción de lenguaje hacen posible un pensamiento coherente.

Xóchitl González es la autora de ‘Manual práctico de diseño escenográfico’ libro de reciente publicación de la editorial mexicana Paso de Gato. El libro incluye reflexiones sobre los pasos a seguir desde el primer momento del proceso de creación de un pro-

yecto escénico hasta el diseño escenográfico y el estreno del mismo. Este manual recoge las entrevistas con ocho destacados escenógrafos de México, Alain Kerriou, Edyta Rzewuska, Gloria Carrasco, Jorge Ballina, Juliana Faesler, Mónica Raya, Sergio Villegas y Philippe Amand), que en forma de manual ofrecen y complementan las cinco eta-pas imprescindibles del proceso creativo de una creación escenográfica. El método expuesto en este libro “se presenta como un elemento de apoyo durante el proceso de aprendizaje y de creación [...] tomando siempre en cuenta que la creación artística depende, ante todo, de cada individuo y su contexto” aclara González, reconoci-da diseñadora de escenografía e iluminación.

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Kiosko

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El número 60 de ‘Paso de Gato’ revista mexicana de teatro que dirige Jaime Chabaud se presenta con un dossier central sobre el ‘Teatro chileno contem-poráneo’ en el que se repasa entre otros te-mas la creación de las dramaturgas chilenas de los siglos XX y XXI y

se ofrece, a través de un cuidado artículo la revisión de la memoria histórica que caracteriza el teatro chileno de post-dictadura. El presente número incluye además una entrevista realizada por Gabriel Yépez con el profesor alemán Hans-Thies Lehmann, autor del reconocido libro ‘Teatro posdramático’ y la publicación de la obra teatral ‘Hotel del Trueno’ del joven dramaturgo chileno Daniel Acuña Jara. Junto con el resto de secciones habituales de la revista tales como ‘Artistas en residencia’, ‘Perfil’ o ‘In memorian’, este número se presenta con dos sec-ciones nuevas: ‘Fotografía escénica’ y ‘Escenarios del cuerpo’, esta última con reportajes sobre el coreógrafo y bailarín Win Vandekeybus entre otros.

Paso de Gato

La última publicación de la revista italiana ‘Sipario’ es un número doble, 776 y 777 en el que se ofrece un extenso dossier en el que se ofrece un recorrido por los festivales de todo el país. Además de ofrecer crónicas de algunos de los festivales más interesantes a nivel europeo, se publica el texto teatral ‘Tino e Desy, come le foglie’ de Yannis Hott.

Sipario

‘Fiestacultura’ da cuenta en su número 61 en homenaje a Michel Crespin, fallecido el pasado mes de septiembre, la traducción en castellano de la entrevista realizada por Marcel Freyfont al fundador del festival de Aurillac. Le acompañan diversas crónicas como las de FiraTàrrega y FIT de Cádiz un artículo sobre el próximo 25 aniversario de Xarxa Teatre.

FiestaculturaFantoche

La publicación de UNIMA Fe-deración España, ‘Fantoche’ ofrece en su noveno número una entrevista en forma de conversación con Julio Michel, director de Titirimundi y Jaime Santos, director de La Chana Teatro. Le siguen los reportajes sobre la casa-taller de marionetas de Pepe Otal, sobre la compañía Los Narbón y los 30 años de Etcétera entre otros.

Candyce Leonard y John P. Gabrielle son los encargados de la selección, edición y análisis de los tres textos teatrales que se incluyen en ‘Teatro español en el Siglo XXI: actos de identidad’: Mag-nolia Café de Àngels Aymar, El biógrafo amanuense de Jerónimo López Mozo y El día en que inventé tu nombre de Teresa Calo. Una publicación de la Editorial Teatro de USA.

José Sanchis Sinisterra es el autor de Tres monólogos y otras variaciones publicación de Ñaque Editora que incluye los unipersonales’ Últimos golpes’ (a Marta Poveda), ‘La criatura o ¿sabe el pez qué es el agua?’ (a Fernando Ma-rías), ‘Julieta en la cripta’ (a Clara Sanchis) y seis piezas breves a partir de variaciones de obras de Chéjov, Kafka o Cervantes entres otros.

Tras el título ‘Ciclo de las resurrecciones’ la editorial La Uña Rota ha publicado tres textos de Angélica Liddell, ‘Primera carta de san Pablo a los corintios’, ‘Tandy’ y ‘You are my destiny’, una personal versión de La violación de Lucrecia de Shakespeare. El libro lo completan unos bellos cantos de amor, en forma de Salmos, y el diario ‘La novia del sepulturero’.

La editorial Artezblai continúa apostando por jóvenes dramaturgos con la publicación de la trilogía del uruguayo Gabriel Calderón drama-turgo, director de teatro y actor, integrante de la Compañía de artes escénicas Complot. Este libro incluye las obras ‘Uz. El pueblo’, ‘Or. Tal

vez la vida sea ridícula’ y ‘Ex. Que revienten los actores’. “Los secretos de familia, esa podría ser la definición y resumen de las obras de Gabriel Calderón. Pero atenerse a esta fórmula sería reducir la llegada y el alcance de su obra. A través de la familia -específicamente uruguaya- Calderón aborda casi todos los temas de la globalización: la violencia, las guerras, el terrorismo, la influencia de la religión, la sexualidad, la represión, la angustia del futuro y el fantasma del pasado. Presos de la histeria, los personajes, de naturaleza angustiados, estresados, se sumergen en delirios y se mueven por sus pasiones des-bordantes, por su paranoia o su esquizofrenia” explica Adel Hakim, dramaturgo y director teatral francés.

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Si algo ha caracterizado la esce-na neoyorkina reciente, ha sido la gran variedad de propuestas presentadas en los escenarios

de la ciudad, ya fuere en los teatros de Broadway, off-Broadway, City Center, Bro-oklyn Academy of Music o el Metropolitan Opera House. En todos, obras, musicales y óperas han hecho alarde de inventiva y excelencia actoral, mostrando además las tendencias y estilos que movilizan hoy la escena mundial.

En tal sentido, la producción de “The Maids” de Jean Genet por el Sydney Thea-tre Company dirigido por Benedict An-drews, fue uno de los eventos más espe-rados, dentro del Lincoln Center Festival, no solo por el prestigio de la Compañía, con amplia tradición sobre los escenarios de la ciudad, sino por la importancia de las actrices en los papeles protagónicos. Cate Blanchett (Claire) e Isabelle Huppert (Solange), electrizaron las tablas del City Center, con su interpretación de estas dos figuras emblemáticas en la producción del escritor. Los juegos de poder y someti-miento, exhibidos por Claire y Solange en la intimidad del cuarto de su ama (Eliza-beth Debicki) mientras, a sus espaldas, se hacen con los vestidos y accesorios que se convertirán después en armas morta-les, fueron desarrollados con gran maes-tría por las protagonistas.

La violencia contenida y los despliegues histriónicos, donde se asienta el melodra-ma, tuvieron en la puesta en escena su complemento idóneo con los espejos que multiplicaron las metamorfosis de las cria-das y su señora, y las paredes transpa-rentes dables de encerrar los códigos de la representación, dentro vitrinas expues-tas al voyerismo del espectador, o en labe-rintos móviles diseñados para evadirse de una aborrecida existencia. De hecho, en entrevista con la prensa neoyorkina, Cate Blanchett asentó que “la intensidad de la

pieza creó una serie de laberintos lleván-dome a perderme en ellos”; lo cual redun-dó en una magnificación y deformación de las ilusiones truncadas, de dos mujeres imposibilitadas para articular las causas de sus frustraciones y miedos, antes de que el telón cayera sobre ellas y sobre el horror de su inusitado crimen.

Por su parte, la Brooklyn Academy of Music (BAM) trajo a la ciudad sugeren-tes adaptaciones de Beckett, Pirandello y Shakespeare donde lo interesante a destacar fue, justamente, el modo como cada obra profundizó en la psiquis de los personajes hasta modularlos a su anto-jo, pero no sin antes extraviar al público asistente en un laberinto de sensaciones encontradas, sin posibilidad de evadirse ni rechazar las coincidencias con nuestros propios miedos y miserias. De este modo, “Not I, Rockaby, Footfalls” y “Embers” de Samuel Beckett, en producciones del Ro-yal Court Theatre de Londres y del Pan Pan Theatre de Dublin, respectivamente,

diseccionaron los prejuicios y temores más íntimos, abriendo heridas y exponien-do los desasosiegos contemporáneos, producto de la deshumanización de las sociedades a causa del aislamiento y la indiferencia generalizados.

La primera, bajo la dirección de Walter Asmus e interpretada por Lisa Dawn, con el apoyo de Billie Whitelaw, comprendió tres poderosos monólogos acerca de la soledad existencial, la vejez y la muer-te, recitados en la oscuridad de la sala, para que solo los contornos de una boca, el borde de una silueta o las pisadas del personaje pudieran llegar hasta la audien-cia, encerrada a su vez en su particular y privado espacio. El hecho de que hubiera sido el mismo Beckett quien, en los años setenta, entrenó personalmente y dirigió a Whitelaw, además de crear para ella el ter-cer monólogo, magnificó el sentido de la pieza, trayéndonos el eco del genial dra-maturgo en la interpretación de Dawn. Su voz resonó desde lo desgarrador de una

Temporada de Nueva York

Alarde de inventiva y excelencia actoral en la escena neoyorkina

The Maids

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mujer reconociéndose a sí misma, mien-tras se devuelve a la existencia pasada, el abandono, las enfermedades y el deterio-ro, que el paso del tiempo va cincelando en la psiquis y el cuerpo.

De manera similar, “Embers”, dirigi-da por Gavin Quinn, excava el drama de Henry (Andrew Bennett), sentado en una playa mientras relata incidentes de su vida pasada. En el diálogo con Ada (Áine Ní Mhurí) expone los tormentos que le causaron el suicido del padre en esa misma playa, la disfuncionalidad familiar, el fracaso como escritor y la falta de apo-yos emocionales para enfrentar el día a día. La puesta en escena profundizó en la desolación del protagonista, al presen-tarnos una enorme calavera dentro de la cual Henry y Ada conversaban sin que el público pudiera verlos. Únicamente la voz, proyectada desde minúsculos altavoces circundando el escenario, llegó hasta no-sotros transformándonos, como en “The Maids”, en voyeurs o, más precisamente, escuchas del torrente de palabras donde Henry se sumerge y nos ahoga. En pala-bras del director: “Embers es, en cier to sentido, una instalación consistente en una escultura con palabras. Uno mira a su alrededor y escucha palabras, en un experimento donde confluyen ambos ele-mentos. Básicamente, es la conjunción de luz, escultura y palabras oscilando y suce-diéndose simultáneamente”.

“Six Characters in Search of an Author” por el Théâtre de la Ville de París, dirigido por Emmanuel Demarcy-Mota, igualmente barajó el binomio ilusión-realidad, haciendo del escenario del mundo y el mundo como escenario paradojas dables de ironizar en torno al absurdo de personajes en busca de un autor que les dé sentido. Inmersa en los pormenores de su claustrofóbica existen-cia, esta enmarañada familia se pierde en un inconexo laberinto, hasta la intempestiva llegada de Madama Pace (Céline Carrère) quien revela, a los ojos de todos, la bre-cha entre lo que los personajes demandan y lo que la realidad manda, desatando la violencia del drama que no ha podido ser expresado anteriormente.

Una mise-en scène minimalista, contri-buyó a mantener la tensión y la atención sobre la metamorfosis de los caracteres, puntuando con la nítida iluminación las particularidades de cada uno, además de resaltar la fragmentariedad del argumen-to y el perfil propio de estas representa-ciones cual figuras indemnes al paso del tiempo. Algo que el mismo Pirandello había recalcado, cuando afirmaba que “quien ha tenido la suerte de nacer como persona-

je puede reírse hasta de la muerte, pues un personaje nunca muere. El individuo morirá, el escritor, como instrumento de creación también, pero su sus caracteres no desaparecerán nunca”.

El poder de la creación para empinarse por encima de la desaparición y el que-branto fue líricamente explorado en la pro-ducción de los “Shakespeare’s Sonnets” por el Berliner Ensemble, bajo la dirección y puesta en escena de Robert Wilson, con música de Rufus Wainwright. Aquí la voz del creador privilegió al poeta sobre el dramaturgo, si bien el elemento dramático estuvo presente en la ilación de los textos y la interpretación, a modo de canciones,

de las estanzas del bardo inglés. La con-junción entre ambos elementos produjo un espectáculo que espejeó la dinámica del cabaret-concert alemán, característi-ca de esta compañía fundada por Bertolt Brecht a fines de los años cuarenta.

Robert Wilson creó una sugestiva am-bientación, dándole a la iluminación un papel primordial para captar la mágica in-tensidad de los textos y el carácter lúdico de personajes, como extraídos de leyen-das medievales y fábulas clásicas. El con-junto quedó así circunscrito a un gabinete de curiosidades, al cual podía acercarse el espectador a fin de desentrañar los signos de una grafía visual, cuya nitidez enmar-có la esencia de estos sonetos donde la brevedad de la existencia, lo transitorio de la belleza y las trampas del deseo se transparentan desde el lenguaje y la ca-dencia. Ello, movido por una descarnada interpretación del amor, deslastrándolo de sus connotaciones románticas para transformarlo en el leit-motiv del miedo, la alienación y el daño, tanto físico como psíquico, de sus víctimas.

Tal fue, en parte, el argumento de la obra experimental de Dylan Marron “The Human Symphony” para el grupo New York Neo-Futurists, presentado en el New Ohio Theatre del West Village neoyorkino. Heredero de los artistas contra el establis-hment burgués, como John Reed y Marcel Duchamp, quienes hace exactamente un siglo fundaron la “república independiente de Greenwich Village” cual espacio utópi-co donde los tabúes políticos, sociales y sexuales habrían quedado abolidos, este joven dramaturgo, actor y director explo-ró una novedosa manera de hacer teatro, apoyándose para ello en las nuevas tec-nologías. De hecho, para cada función los actores fueron escogidos entre voluntarios del público a fin de interpretar, sin tener noción previa la pieza, siguiendo desde sus audífonos las indicaciones que Marron ha-bía grabado en una serie de iPods.

En una ambientación marcada por las marcas que darían pie a los improvisa-dos actores, la obra tejió un abigarrado conjunto de confesiones, de seres que habían buscado el amor y/o el sexo en los insospechados laberintos del cibe-respacio. Las voces en off de hombres y mujeres, provenientes de distintos es-tratos socioeconómicos y demográficos, conformó un colorido crisol del cual sus intérpretes fueron completamente ajenos, pues no podían escuchar sino las precisas instrucciones del director. Con esta estra-tegia quedó abolida la separación entre acción y representación, en aras de un

The Merry Widow

Six Characters in Search of an Author

Shakespeare’s Sonnets


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nuevo realismo dramático donde, en tanto iba desarrollándose la obra, sus intérpretes se metamorfoseaban, sin saberlo, en auténticos actores a los ojos del público. En palabras de Dylan Marron: “la puesta es un conjunto de historias de extraños que se encuentran en línea, interpretadas por extraños que se encuentran en persona sobre un escenario”.

“A Delicate Balance” de Edward Albee, dirigida por Pam MacKinnon para el John Golden Theater en Broadway, recoge esta impresión de extrañamiento de los personajes, pese a los años de convivencia entre ellos. Al igual que otras obras de encuentros y desencuentros de parejas en la producción de Albee, como “Who’s Afraid of Virginia Woolf” y “Marriage Play”, también aquí Agnes (Glenn Close) y Tobias (John Lithgow), des-tilaron la frustración y violencia contenida, provenientes de una larga coexistencia erosionando gradualmente la relación, hasta dejar únicamente el caparazón de lo que una vez fue amor. Las recriminaciones, temores y paranoias de la pareja encontraron eco en Julia (Martha Plimpton), la hija, y Claire (Lindsay Dun-can), la hermana de Agnes, dispuestas a destruir el “delicado balance” con el cual Agnes intentaba mantener una apariencia de buena convivencia entre los diversos miembros de esta fa-milia, perteneciente a la burguesía de Nueva Inglaterra. Una burguesía caracterizada por aborrecer el melodrama y evitar discutir abier tamente los problemas, magnificándose conse-cuentemente las tensiones y desavenencias entre ellos.

La dirección de MacKinnon destacó justamente tal atmós-fera, congelando como en un museo de cera o un “zoológico de cristal’, a la manera de Tennessee Williams, la acción a fin de acentuar la imposibilidad de profundizar en las raíces de dificultades y temores. Ello enrareció aún más la atmósfera, apoyada en una escenografía donde el interior de la casa care-cía de toda calidez, percibiéndose más bien como un elegante mausoleo por el cual circulaban los caracteres, hablándose en voz alta en vez de dialogar. La represión de las emociones que todo ello trajo consigo quedó perfectamente condensado en las palabras de Agnes cuando apunta: “Este es uno de esos días donde todo ocurre por debajo” de ellos mismos, podría completarse la idea, para ser subrayar lo turbio de las aguas donde esta familia naufragará irremediablemente.

En el lado diametralmente opuesto de tal espectro, llegó al Me-tropolitan Opera la nueva producción de “The Merry Widow” de Franz Lehar, coreografiada y dirigida por Susan Stroman, con Re-née Fleming (Hanna) y Nathan Gunn (Danilo) en los roles estelares. Esta alegre y frívola opereta de grandes posibilidades dramáticas, deleitó a la audiencia neoyorkina con la vivacidad de la música y lo irónico del libreto. Los enredos de faldas y fortunas, en el París de la belle époque, quedaron excelentemente encarnados en las vo-ces y actuaciones de estrellas, elenco, bailarines y coros, haciendo de la representación una fiesta para los sentidos.

El hecho de atraer a Stroman, ganadora de cinco Tonys, al Met, insufló la obra con un aire propio de los musicales de Broadway, sin perder la elegancia y el delicado fraseo de arias y recitati-vos. El glamour idealizado de la época quedó fielmente plasmado en el vestuario y la iluminación, hasta llevar el espectáculo a un brillante clímax, ambientado en los salones de Maxim’s. Aquí el can-can, los valses y las mazurcas encontraron su lugar dentro del abanico de dobles entendidos, intrigas amorosas y compo-nendas políticas, en un ambiente fútil y refinado haciéndole a Danilo exclamar, en medio de la fiesta, “¡que nuestros corazones permanezcan tan fríos como este champán!”.

Alejandro Varderi

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Con demasiada urgencia y espa-cio limitado recordamos nuestra presencia en el Festival Santiago a Mil, cada vez más encaminado

a convertirse en una gran plataforma internacional, aportando un despliegue de medios canalizados para incardinar el teatro chileno con el resto del mundo, es-pecialmente en los días de Platea, donde se concentran decenas de programadores internacionales con ganas de presenciar novedosas propuestas escénicas, inter-cambiar experiencias y planificar acciones y programaciones futuras.

El festival tiene una programación exu-berante, tanto en Santiago como en sus extensiones en barrios y otras poblaciones. Su importancia le da rango institucional. El nivel alcanzado por la programación gene-ral es de una calidad indudable. Procuramos siempre indagar en las obras chilenas.

Impactante nos pareció Los millonarios de la Compañía de Teatro La María, con dramaturgia y dirección de Alexis Moreno,

que retrata la sociedad chilena actual a partir de un hecho real, la acusación con-tra un comunero mapuche de asesinato que es defendido por un grupo de abo-gados demenciales, ricos, famosos, con poderío que aprovechan la ocasión para plantearse un reto que nada tiene que ver con la defensa del ciudadano. Texto disol-vente, ácido, muy bien planteado escéni-camente y con un reparto que logra dar verosimilitud a esos enloquecidos miem-bros de la clase alta, que nos informan de

las ideas y comportamientos de una parte de la sociedad chilena muy concreta.

Al igual, pero desde el polo opuesto es lo que retrata Acceso, de Pablo Larrain y Ro-berto Farías, interpretada por el primero en un alarde de entrega física, uso de lengua-je de calse que no da otra viisón la visión de la sociedad, de las aspiraciones de un excluido. Un texto vibrante, un espectáculo impactante en cuanto a la relación con el actor que rompe todas las paredes. Duro y reflexivo trabajo.

Vimos muchas obras más, pero no que-remos dejarnos de señalar Mar de Arístides Vargas en su encuentro con Teatro de los Andes, un trabajo en proceso de ajuste. Y el espectáculo de cierre de esta edición, El gramáfono, los surcos de la memoria un trabajo de plaza de gran formato a cargo de La Patogallina y La Patriótica Intere-sante, de alto contenido identitario, apro-vechando muchos recursos populares,

FesTival TeaTro a mil - saNTiago de Chile

El teatro chileno sigue dedicado a su gran tema: Chile

Carlos Gil Zamora

Acceso de Pablo Larrain


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Concentrada la actividad básicamen-te en ese espléndido lugar para las Artes que es el Matadero de Madrid, con dos incursiones en el socio pre-

ferencial, La Cuarta Pared, la edición de la Feria de Artes Escénicas de Madrid de 2015 mantuvo el nivel de exigencia nece-saria para que se siga considerando esta que arranca el año como angular y en su diseño actual, mejor definido, aprovechan-do los recursos de manera austera, pero con ambición artística, uno cree que lo más enjundioso es la parte teórica, las jornadas profesionales, en las que se debate, se es-cucha, se habla sobre la realidad actual de las artes escénicas, más allá de cualquier coyuntura o circunstancia con un grado de sinceridad de agradecer.

Lo importante, claro está, es la progra-mación, más en esta feria que está organi-zada directamente por la Asociación de em-presas, Artemad, lo que viene a significar mucho sobre lo seleccionado.

Nos dejó cavilando Vagos y maleantes,

de Luis Andrés con dirección de Gustavo del Río para Sudhum Teatro, ya que nos pareció adecuado el tema planteado, pero que no acababa de redondearse en esce-na. Algo parecido sentimos con Segismun-do, el príncipe prisionero, una versión para públicos jóvenes de la obra de Calderón, de Pitbull Teatro donde la idea y la intención superaba a lo mostrado.

Bien distinta es la sensación de Nunca

debimos empezar por ahí de Cambaleo Teatro, una perfecta conjunción entre lo pensado, lo trabajado y lo mostrado, en ese recorrido por la propia historia grupal, con preguntas cargadas de nostalgia mos-tradas con una estética reconocible.

Buen trabajo el presentado por El Gato Negro, un texto parateatral, Ildebrando Biribó. El último Cyrano, con dirección de Iñaki Rekarte y actuación de Alberto Castrillo-Ferrer, un trabajo redondo. El claves parecidas, pero con otro lenguaje, a partir de un texto de José Sanchis Sinis-terra, El canto de la rana interpretado por Yiyo Alonso con dirección de Emilio Valle lo percibimos como en proceso de elabora-ción definitiva.

Alicia Soto peleó contra los elementos, para presentar su nueva experiencia Des-concierto. Estudio 1. Nocturno, acompaña-da con el pianista Mario Rosado, una bella propuesta.

Xi madFeria

Buscando la sostenibilidad sin renunciar a lo fundamental

Carlos Gil Zamora

Ildebrando Biribó de El Gato Negro

artez203

Entertainment & Humor