ARTESANÍA ESPAÑOLA DE VANGUARDIA

Innovación y diseño en las industrias artesanas contemporáneas

EXCELENTES

LOEWE Calidad y vanguardia son los dos factores que han

cimentado y salvaguardado durante más de un siglo

y medio de historia la continuidad de esta legendaria

firma de artículos de piel cuyo futuro se augura aún

más prometedor de la mano de su actual director

artístico, el británico Stuart Vevers. La capacidad de

Loewe para adaptarse a los nuevos tiempos,

manteniendo el espíritu original de la marca, está

dando sus mejores frutos junto a Vevers quién

además de explorar novedosas aplicaciones en el

campo de la piel está revisando y actualizando con

gran acierto una selección de los artículos

históricamente más representativos de la firma con

la intención de custodiar a la marca por el camino

de la innovación través de la excelencia del

producto.

Fundada en Madrid en 1846 por el maestro marroquinero de procedencia alemana Enrique Loewe

Roessberg, la casa se ha distinguido desde sus inicios por la calidad de sus productos de piel elaborados

artesanalmente. Loewe Roessberg desarrollaría su conocimiento y destreza en el mundo de la piel de la

mano de los grandes artesanos de la capital española de la época, habituales proveedores de la corte. Para

la década de 1890 la primera tienda que luciría el nombre de Loewe en la puerta, ubicada en la madrileña

calle Príncipe, ya habría adquirido un importante renombre entre los aristócratas, atraídos por sus

productos a medida y bajo pedido. Tanto fue así que el rey Alfonso XIII le otorgaría en 1905 el título

oficial de “Proveedor de la Corte Real”.

Esta determinación de su fundador por elaborar artículos artesanales de marroquinería de alta calidad tuvo

su continuidad en las generaciones inmediatamente posteriores y ha perdurado hasta hoy. La historia de

Loewe a lo largo del siglo XX es un ejemplo de progresión poco frecuente y excepcional por cómo ha ido

sorteando los avatares históricos y adaptándose a cada nueva época. Así, el mismo año que acababa la

guerra civil española, abría su boutique insignia en la Gran Vía de Madrid y tan sólo un año después hacía

lo propio en el Paseo de Gracia de Barcelona a pesar de que eran pocos quienes podían permitirse adquirir

sus artículos. Entre los afortunados, sonados nombres como Ava Gardner, Deborah Kerr o María Callas

serían embajadoras de lujo para la firma. En esta época, Loewe inició un periodo de expansión hasta los

años setenta que le llevaría a abrir tiendas por toda la geografía española y también en ciudades como

Londres, Hong Kong y Tokio. Al frente se encontraba ya el bisnieto del creador, Enrique Loewe Lynch,

hoy presidente de la Fundación Loewe.  

Pero si hay algo que destaca en particular entre todos sus artículos de piel, son sus bolsos. En los años

setenta, la firma lanzaría el que se ha convertido en el símbolo de la marca: el Amazona. Un modelo

flexible hecho en ante deportivo que carecía de forro, algo posible gracias a la pericia de los artesanos que

aseguraban que cada puntada dentro y fuera del bolso fuera maestra. En los ochenta se haría muy popular

también el Napa Flamenco, un bolso informal de coloridos tonos que

carecía casi de estructura y que se convirtió en una metáfora de la

expresión radical de la época. Asimismo, la calidad de la piel es una

cuestión indivisible en el caso de Loewe. No es posible hacer

determinados bolsos o prendas artesanalmente si el material de

partida no es el adecuado. La piel usada por Loewe procede de un

cordero criado en la región templada del Pirineo español. Se trata de

pieles extremadamente suaves de tan sólo 0,7 milímetros de grosor,

teñidas orgánicamente, abrillantadas a mano y pulidas con cilindros

de cristal. Destacan también por su colorido, como el famoso ante oro que evoca el color de la tierra

quemada por el sol. Todo ello en conjunto otorga a las pieles de Loewe de la flexibilidad, color, brillo y

resistencia adecuados para los desafíos técnicos planteados en su diseño, que finalmente han de ser

resueltos por quienes confeccionan las piezas artesanalmente en los talleres de accesorios de Getafe

(Madrid) y el de prendas Ready to Wear de Barcelona.

En 1996 el principal grupo de bienes de lujo del mundo, LVMH, adquiriría Loewe tras un primer acuerdo

de distribución internacional que ya se había establecido previamente en los años ochenta. Si bien, su

base se continúa encontrando en el Madrid que la vio nacer; esa capital “exótica, elegante y eléctrica” en

palabras de Stuart Vevers. Seducido por España, igual que en su momento lo fue el fundador de la firma,

Loewe ha entrado bajo su tutela creativa en otra era. Vevers ha recuperado, por ejemplo, el mítico bolso

Amazona y lo ha actualizado otorgándole llamativos colores como el rosa chicle o asas en tonos flúor.

En lo que se refiere a la colección Ready to Wear, Loewe presenta en su desfile en París dos veces al año

las propuestas más experimentales de Vevers: pieles ultra finas y ligeras, con texturas a base de corte al

láser o colores imposibles. Además, el británico acaba de lanzar una nueva colección que se ha

denominado Leather Icons, integrada por productos básicos de piel como pantalones pitillo, faldas tubo o

chaquetas moteras. Asimismo, Loewe continúa ofreciendo piezas totalmente personalizadas y exclusivas

a través de su colección anual Made to Order.

LLADRÓ Si hay una empresa que no necesita presentación, esa

es Lladró. Sus piezas de porcelana decorativa se

encuentran presentes en los hogares de todo el mundo

desde que iniciara su expansión en los años sesenta,

siendo una de nuestras firmas más internacionales.

Lladró es paradigma de un modelo empresarial que

combina tradición y modernidad de una manera

ejemplar tanto en sus productos como en su gestión

empresarial. Además, en los últimos tiempos, se ha

lanzado a colaborar con diseñadores de múltiples

rincones del planeta contando con la distinguida

contribución de Jaime Hayon, nuestro diseñador más

internacional, que colabora con la empresa como

asesor artístico.

Fundada en Valencia en 1953 por los hermanos Juan, José y Vicente Lladró, la empresa se concibió como

un taller de creación artística y producción artesana destinado a la concepción y producción de figuras de

porcelana de alta calidad. Con un estilo expresivo muy personal y característico, sus figuras desde

siempre han estado muy ligadas a la manifestación de los sentimientos más trascendentales de la vida.

En los años sesenta Lladró inició su expansión internacional, cautivando primero al público

estadounidense y después a otros países con una arraigada afición por las figuras de porcelana como

Reino Unido y Alemania. La aceptación de las piezas de Lladró en la cultura anglosajona favoreció la

introducción de la firma en otros países más remotos como Australia y Nueva Zelanda, e incluso Japón en

los años setenta. La empresa destina hoy el 80% de su producción a la exportación y concentra gran parte

de sus ventas en los mercados norteamericano, japonés, australiano y británico.

A pesar de esta escalada internacional, Lladró continúa siendo una empresa con una producción

totalmente artesanal. La firma crea todas sus figuras en lo que se ha venido a denominar La Ciudad de la

Porcelana, ubicada en el municipio valenciano de Tavernes Blanques. Más que una fábrica, se trata de un

taller de artesanos a gran escala donde conviven los estudios de los artistas con otros espacios destinados

a la formación, la investigación y el esparcimiento, de manera que estos puedan dar lo mejor de sí mismos

en un entorno inspirador. Estas instalaciones se inauguraron en 1969 y desde entonces han ido creciendo

hasta alcanzar los 100.000 m2 con los que cuenta hoy. Aquí, los tres hermanos Lladró han sido artistas y

mecenas al mismo tiempo, formando a nuevos maestros y discípulos procedentes sobre todo de la

Facultad de Bellas Artes y de la Escuela de Artes y Oficios de San Carlos de Valencia.

Lladró además sigue siendo en la actualidad una empresa totalmente familiar. Las hijas de Juan, Ángeles

y Rosa, dirigen hoy la empresa junto con su padre. Los tres, junto con Jaime Hayon en calidad de asesor,

forman el comité de creatividad cuyo cometido es revisar todas las propuestas de los escultores y del

equipo de diseño, concretar qué temáticas se trabajarán y decidir qué proyectos se llevarán finalmente a

cabo. Sin dejar de lado su estilo personal, Lladró se ha adentrado últimamente en otros terrenos a través

de la innovación y la diversificación de sus productos, incorporando incluso piezas funcionales.

Asimismo ha iniciado un periplo de colaboraciones con diseñadores de prestigio afines a la marca como

Bodo Sperlein, el estudio Committee o los valencianos CuldeSac. Con el proyecto Re-Cyclos estos

diseñadores han conseguido devolver la vida a piezas del pasado que habían quedado descatalogadas,

otorgándoles un nuevo aire de elegancia y un significativo toque contemporáneo.

Una de las grandes apuestas de Lladró ha sido reclutar como

asesor artístico al madrileño Jaime Hayon, el diseñador español

con mayor repercusión internacional en estos momentos. Es

importante decir que cuando Hayon inició su colaboración con la

firma, hace ahora algo más de cinco años, aún no había

alcanzado el renombre que tiene en la actualidad. Lladró intuyó

por su trabajo hecho hasta el momento, muy sensible a la

producción artesana, que Hayon podría aportar algo especial a la

empresa. Y así fue. No sólo ha asesorado a Lladró en la estética

de sus nuevas producciones sino que también ha creado para la

firma colecciones propias. Con The Fantasy (en la imagen), que daba rienda suelta al mundo surreal y de

fantasía que caracteriza al universo creativo Hayon, Lladró dio una tripe vuelta de tuerca a su estilo

dejando clara su apuesta por las nuevas tendencias y por continuar estando presente en los hogares de las

generaciones venideras.  Como taller de arte que es además de empresa, Lladró cuenta con piezas suyas en

museos como El Hermitage de San Petersburgo (Rusia), el Museo del Cincuentenario de Bruselas

(Bélgica), el Museo Internacional de Cerámica de Faenza (Italia) o el Museo Nacional de Cerámica

González Martí de Valencia, entre otros. Además, ha recibido en varias ocasiones el Premio Príncipe

Felipe, que ha venido a reconocer su labor de internacionalización (1993), su competitividad (1997) y su

gestión de marca (2002). En la actualidad cuenta con cerca de 1000 empleados, filiales en el extranjero,

una red de tiendas propias situadas en las principales zonas comerciales del mundo y cerca de 4000

puntos de venta distribuidos por 123 países.

CERÁMICA CUMELLA Fundado en 1880 en Granollers (Barcelona), la trayectoria de

este taller cerámico estuvo muy vinculada a lo largo del siglo

XX al nombre del artista Antoni Cumella, Premio Nacional

de Artes Plásticas en 1980. Lo que inicialmente fue un

obrador familiar dedicado a la elaboración de cerámica y

alfarería popular, principalmente ollas y cazuelas, encaminó

progresivamente su producción hacia la cerámica aplicada a

la construcción de la mano de Antoni Cumella, una

estructura que hacía posible al mismo tiempo la realización

de su obra personal. Sería a partir de los años sesenta cuando

el taller se especializa en la producción de gres destinado a la

arquitectura, testigo que toma su hijo, Toni Cumella

Vendrell, tras el fallecimiento de su padre en 1985.

Antoni Cumella, fascinado desde joven por las obras de Gaudí y el pabellón que construyó Mies van der

Rohe para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929, solía trabajar a menudo con arquitectos de

la época entre los que destacan nombres como Josep María Fargas, Enric Tous, Antoni de Moragas y José

Antonio Coderch. Con Xavier Busquets, por ejemplo, colaboró en varios proyectos, como el muro-celosía

hecho en 1960 para la nueva sede del Colegio de Arquitectos de Barcelona o los revestimientos del

edificio de la Mutua General de Seguros (Barcelona, 1978). Con Oriol Bohigas y Josep María Martorell

proyectaría en los años sesenta su propia casa de Granollers, donde Antoni Cumella incluyó muchas de

sus indagaciones creativas aplicadas a la cerámica y a los espacios.

Del mismo modo, su hijo Toni Cumella haría lo propio a partir de los años ochenta con arquitectos de su

tiempo: Cristian Cirici, Pep Bonet, Lluís Clotet y Óscar Tusquets del estudio Per, Josep María Botey, el

dúo Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano, Patxi Mangado, José Antonio Martínez Lapeña & Elías Torres

así como Jean Nouvel, entre otros. El taller se ha centrado definitivamente en la cerámica aplicada a la

construcción, tanto para la creación de innovadoras obras contemporáneas como para la rehabilitación de

edificios históricos. Muy celebradas han sido sus sucesivas intervenciones en el Hospital de Sant Pau o el

Parque Güell de Barcelona y también sus más recientes colaboraciones con arquitectos como Alejandro

Zaera-Polo, Enric Ruiz-Geli y el estudio Enric Miralles & Benedetta Tagliabue.

Con Alejandro Zaera-Polo, co-fundador junto con Farshid Moussavi del estudio londinense Foreign

Office Architects, Cerámica Cumella participó en el proyecto del pabellón de España para la Exposición

Universal de Aichi (Japón) en 2005. El diseño del pabellón destacaba por su espectacular fachada

multicolor, en forma de celosía a gran escala realizada mediante piezas cerámicas hexagonales de

potentes tonos. Con esta envoltura a modo de celosía los arquitectos querían reflejar en clave

contemporánea el legado islámico-cristiano de la cultura española. Las piezas hexagonales hacían

referencia a las tracerías propias del estilo gótico e islámico, decoraciones arquitectónicas formadas por

combinaciones de figuras geométricas. Sus potentes colores provenían de elementos recurrentes de la

cultura española como el vino, la sangre de las corridas de toros, el sol o la arena. En 2010, Cerámica

Cumella ha trabajado también en otra celosía para el Centro de Educación Infantil y Primaria Martinet de

Cornellà de Llobregat, un proyecto de Mestura Arquitectes.

Con el estudio Enric Miralles & Benedetta Tagliabue, dirigido por ésta última tras el fallecimiento de

Miralles, la empresa ha colaborado en los proyectos del Parque de Diagonal Mar y el Mercado de Santa

Caterina de Barcelona (en la imagen). La cubierta de éste, terminado en 2005, ha sido uno de sus trabajos

más visibles y eso que sólo se puede

divisar en su totalidad desde los pisos de

mayor altura de los edificios vecinos.

Cumella elaboró los paneles hexagonales

cerámicos que componen la ondulante

cubierta, cuyo colorida disposición

caleidoscópica está inspirada en las cajas

de frutas y verduras.

Asimismo, la vivienda Villa Nurbs que el arquitecto Enric Ruiz-Geli terminó en 2009 en Empuriabrava

(Girona) ha sido otro de los proyectos más notorios en el que la empresa de Granollers ha participado en

los últimos tiempos. Su fachada, que parecen escamas de reptil, está hecha con piezas cerámicas

volumétricas que requirieron una sofisticada digitalización previa y que fueron perfiladas posteriormente

de manera manual y pintadas por el artista Frederic Amat.

Por su trayectoria previa, su importante producción artística y la progresiva integración de procesos

tecnológicos punteros al mismo tiempo que ha mantenido una producción artesanal, Cerámica Cumella

recibió en 2009 el Premio Nacional de Artesanía, considerando que aúna de una forma excepcional los

valores de un oficio tradicional gestionado con una clara visión de futuro. Tradición, innovación,

investigación y desarrollo tecnológico, son los atributos que mejor definen la actividad de esta empresa

que ha sido capaz de abrirse a la colaboración con otros colectivos profesionales aportando una gran

calidad técnica y formal.

TEIXIDORS

El dulce tacto y la sencilla belleza,

única e irrepetible, de cada uno de los

productos de Teixidors son la cabeza

más visible de una comprometida

historia empresarial que bien merece

la pena conocer en detalle pues otorga

además a estas extraordinarias piezas

textiles un emotivo valor añadido del

que resulta imposible no quedar

totalmente fascinado. Teixidors nació

como una cooperativa textil en 1983

en Terrassa (Barcelona) de la mano de Marta Ribas, trabajadora social especializada en psiquiatría, y Juan

Ruiz, ingeniero técnico en electrónica y textil. El objetivo era integrar laboral y socialmente a través de

una actividad que pudiera servir como terapia a personas con dificultades de aprendizaje, es decir con

discapacidad psíquica. Para tejer en un telar hace falta coordinar una actividad física y mental que resulta

ideal para estimular la psicomotricidad de las personas con problemas de aprendizaje. Si para cualquier

persona la acción de tejer ya es considerada positiva, más lo es para este tipo de discapacitados pues

obliga a coordinar una serie de movimientos con las manos y los pies, mantener la atención, seguir un

ritmo así como respetar un orden y una disciplina.

La empresa partió totalmente de cero: formó al personal en el arte de tejer, diseñó los productos,

desarrolló una estructura comercial e incluso tuvo que construir los telares de madera en los que

trabajarían sus empleados. La principal razón para ello fue que no existían en el mercado español telares

profesionales como los que ellos iban a necesitar, basados en modelos originales de principios del siglo

XIX. Sí existían fuera de España pero el coste de traerlos era demasiado elevado. Así, en el verano de

1982 fabricaron sus seis primeros telares con la ayuda del Centro de Formación y Trabajo Flog de Maig

de Cerdanyola, dependiente de la Diputación de Barcelona. El verano siguiente sería en los talleres de la

Escuela de Artes y Oficios del Ayuntamiento de Terrasa donde encontrarían la oportunidad de construir

otros seis telares más. Asimismo, la cooperativa consiguió recuperar del desguace maquinaria del siglo

pasado, como no podía ser de otra manera en esta zona de tanta tradición textil. Hoy cuentan con 22

telares y un taller de carpintería propio que ha permitido, además de la fabricación de nuevos telares a

medida que los han ido necesitando, ir introduciendo en los mismos las mejoras necesarias que iban

surgiendo según avanzaban los años.

En los talleres de Teixidors se tejen desde productos para vestir, como bufandas o chales, hasta

complementos para la casa como mantas, cubrecamas, colchas, cortinas, mantelerías y cojines. Para ello

emplean diferentes tipos de materiales como el algodón, el lino, la seda y las lanas Merino, Mohair,

Cashmere, Alpaca, Shetland y Lambswool. Si bien la elección de la calidad de los tejidos es muy

importante, también lo es la manera en que posteriormente se trabajen. En Teixidors los tejidos se

realizan artesanalmente. En su taller, ubicado en un antiguo local en el que hasta los años setenta se

fabricaban medias de nylon, los tejedores manejan las lanzaderas y los batanes con las manos mientras

que sus pies van escogiendo los pedales apropiados con la precisión de un percusionista. Poco a poco, la

urdimbre se va entrecruzando con la trama y aparece el tejido. Después, una repasadora comprueba, mide

y pule los nudos de la urdimbre, corrigiendo cualquier posible desliz. Tras una fase de lavado y

planchado, se ultiman los flecos y vainicas para finalmente coser las etiquetas.

Sus productos no siguen modas, son sencillos y sobrios, pero

irradian la fuerza y la calidad inconfundibles de lo hecho

artesanalmente. De su diseño se encarga un pequeño

departamento formado por Antònia Bové, diplomada en diseño

textil y encargada de la estrategia de producto, Montse Lligé,

diseñadora textil y encargada de I+D, y Jaume Mas, técnico

textil. Su producción, aunque reducida debido a sus

condicionantes productivos, es requerida en países como

Alemania, Italia, Bélgica, Francia, Luxemburgo, Austria, Suecia,

Reino Unido, Estados Unidos y Japón. Dentro del complicado sector textil, dominado por cambiantes

modas y por gigantes de producciones escandalosamente competitivas, Teixidors ha encontrado su hueco

aún yendo completamente a contracorriente con un insólito proyecto empresarial de integración laboral

basado en un trabajo creativo pensado expresamente para personas en riesgo de exclusión, con una

configuración a modo de cooperativa que da además la oportunidad a sus trabajadores de convertirse en

socios de pleno derecho. Todo ello le valió en 2008 para recibir el Premio Nacional de Artesanía, el más

importante galardón de este sector que entrega la Fundación Española para la Innovación en la Artesanía

(FUNDESARTE) a través del Ministerio de Industria, Turismo y Comercio de España. Con ello se

reconoció no sólo su labor social y su esfuerzo por recuperar un oficio artesano, sino también cómo han

conseguido rescatarlo manteniendo toda su esencia pero adaptándolo a las vicisitudes del mercado actual,

con unos productos de diseño elegante y sensible capaces de atravesar fronteras y de resultar competitivos

dentro y fuera de España.

ENRIC MAJORAL La trayectoria de Enric Majoral

(Sabadell, 1949) como joyero

artesano y autodidacta tiene sus raíces

en la Formentera de los años setenta.

Habiendo pertenecido a una familia

ligada a la artesanía marroquinera,

estudió en la Escuela de Artes y

Oficios de Sabadell y en la

Universidad Politécnica de Barcelona

donde se formó como delineante y

arquitecto técnico. Sin embargo,

encaminaría definitivamente su futuro por la senda de la orfebrería y joyería autodidacta a su llegada a la

isla balear en 1972. Si uno conoce la isla, aprecia a simple vista cómo ésta impregna cada una de las

piezas que Enric Majoral diseña. Es su fuente de inspiración y para él “un espacio de reconstrucción,

regeneración y renovación de energías”, según sus propias palabras.

La obra de Majoral tiene por tanto un sello personal inconfundible que fusiona de una manera magistral

su fascinación irrefrenable por la naturaleza de la isla, donde a día de hoy continúa pasando la mitad más

calurosa del año, con un lenguaje estético contemporáneo insólitamente avanzado teniendo en cuenta el

carácter remoto y poco accesible de Formentera. Este estado virgen sin embargo, que es precisamente lo

que la convierte en un lugar especial, ha potenciado además paralelamente en él un gusto por el

primitivismo que Enric Majoral plasma especialmente en su obra personal.

Aunque en un principio su actividad estuvo ligada a los mercados de artesanía que empezaban a asentarse

en Ibiza y Formentera en los años setenta, en la actualidad cuenta con nueve tiendas propias y un número

de puntos de venta en aumento dentro y fuera de España, entre los que se encuentran países como Israel o

Japón. Entre sus dos talleres, ubicados en Barcelona y Formentera, trabajan 15 artesanos. El diseño de las

piezas lo define Enric, pero recientemente se han incorporado también como diseñadores su hijo Roc

Majoral y Abril Ribera. Ambos empezaron a aprender el oficio en el taller en 1994, pasando a ser

diseñadores de la casa en 2003.

Al mismo tiempo que se ha ido expandiendo comercialmente, sus creaciones se han ido dividiendo

progresivamente en dos líneas de joyería. En la actualidad, Majoral desarrolla por un lado colecciones y

por otro su obra personal. Las colecciones tienen una estructura más comercial; abarcan toda una

concienzuda familia y son la expresión de un estilo de joyería moderno que combina materiales

novedosos y técnicas poco ortodoxas. Su obra personal, sin embargo, es su expresión artística y tiene una

fuerte carga conceptual. Es la más ligada al primitivismo y a la experimentación.

De su obra personal destacan trabajos como las Joies de Sorra, unas piezas de textura áspera y granulada,

como si estuvieran recubiertas de arena. Están hechas en plata, oro o bronce y presentan unos colores

oxidados y una pintura que las asemejan a fósiles o pequeños objetos de pasado remoto que se hubieran

quedado sedimentados en la playa. También es muy significativa la colección Trossos de Formentera,

piedras que Enric Majoral ha recogido de los acantilados de la isla y que ha convertido en joyas. Se trata

de piezas trabajadas con la sierra y el buril y que conservan los líquenes y musgos que el agua y el sol les

han hecho crecer. Son pequeños seres vivos, enmarcados en metal y convertidos en piezas de joyería.

De sus colecciones, son especialmente espectaculares

por su lenguaje estético contemporáneo las piezas de la

trilogía integrada por las líneas Tonga, Samoa y Fiji,

todas ellas inspiradas en las guirnaldas y collares de

flores típicos de la Polinesia. También destacan por su

corte minimalista las colecciones Posidònia y Xips,

unas piezas que evocan respectivamente las plantas

marinas del mismo nombre que a menudo se

amontonan secas en las playas formentereñas y la joyería étnica de países árabes hecha tradicionalmente

de monedas. Asimismo, en la colección Porcellana se observa el gusto de Majoral por introducir

materiales a veces poco frecuentes en la joyería como es en este caso la porcelana.

Enric Majoral cuida tanto el diseño de sus piezas como el del resto de soportes que acompañan a lo que se

ha convertido ya hoy en toda una marca. En 2010 ha renovado el diseño de su imagen gráfica de la mano

del diseñador Martín Azúa. Su nuevo logotipo refuerza esa sensibilidad hacia las formas primitivas del

fundador de la firma. Además, su web ha incorporado una tienda on-line ejemplar que destaca por la

impecable calidad del material gráfico que permite, al posible interesado en comprar, apreciar al detalle

las particularidades de cada pieza. Enric Majoral recibió en 2007 el Premio Nacional de Artesanía que

otorga el Ministerio de Industria de España y también ha sido galardonado con el Premio a la Trayectoria

que entrega el Colegio de Joyeros de Cataluña, JORGC. Tiene dos piezas de la serie Joies de Sorra en la

colección permanente del Museum of Arts and Design (MAD) de Nueva York y su obra personal es

requerida por galerías internacionales como la también neoyorquina Aaron Faber.

ARTURO ÁLVAREZ

Adoptando el nombre de uno de sus

fundadores y principal diseñador de la

marca, nace en 1994 en Santiago de

Compostela la firma de iluminación

Arturo Álvarez. La corta trayectoria de

esta empresa es un significativo ejemplo

de cómo una pequeña iniciativa artesana

puede llegar a convertirse en una gran

marca. Su historia resulta original,

además, por la manera en que Álvarez ha

ido adaptándose a las tendencias,

investigando con nuevos materiales al mismo tiempo que recuperaba técnicas antiguas y artesanales que

ha ido enriqueciendo con las tecnologías más avanzadas.

Arturo Álvarez trabajó especialmente el vidrio durante la primera etapa de la empresa, revisando de un

modo muy personal la técnica Tiffany, que tradicionalmente venía combinando vidrio de múltiples

tonalidades y tiras de cobre en la tulipa de la lámpara. Simplificando esta técnica al máximo y utilizando

estaño, los primeros modelos de Arturo Álvarez se manifestaron como una versión sencilla y minimalista

de las lámparas Tiffany, hechos con pocas piezas de vidrio y en un solo color aunque en ocasiones muy

puntuales llegaban a incorporar hasta un máximo de tres tonos.

Ésta fue la principal actividad de Arturo Álvarez hasta que en 2003 la necesidad de empezar a explorar

otros caminos creativos le condujo a nuevos materiales como el mosaico de vidrio, la madera, las tiras de

polipropileno, la silicona o las mallas metálicas de construcción. Álvarez descontextualizó algunos de

estos materiales, sacándolos de su entorno habitual y aplicándolos a la iluminación. Así surgió la lámpara

Bety hecha con tiras de polipropileno, que hoy forma parte de los fondos del Museo de Artes Decorativas

de Barcelona. También está hecho con el mismo material el modelo Aros, cuyo diseño además fue

concebido basándose en técnicas de cestería tradicionales. Recientemente está trabajando en particular el

tablero marino, de donde han surgido dos atractivos diseños de estilo nórdico denominados Uxi y Shio.

En 2007 la empresa decide dar un importante paso adelante incorporando diseños de otros profesionales

del sector. Surge así Lab Arturo Álvarez, una nueva línea de productos concebida como un laboratorio de

ideas y un espacio de reflexión en torno al mundo de la iluminación. Héctor Serrano, El Último Grito y

Martín Azúa son algunos de los diseñadores que han colaborado ya con esta nueva marca de Arturo

Álvarez que se caracteriza por la estética rompedora de sus diseños. De esta nueva línea es la imponente

lámpara V de Héctor Serrano o la Guau de El Último Grito que reproduce el efecto de un eclipse y fue

galardonada con un premio de diseño Red Dot en 2010.

Por otro lado, Arturo Álvarez realiza además piezas a medida para proyectos. Uno de sus últimos trabajos

lo ha hecho de manera totalmente artesanal en colaboración con el diseñador Martín Azúa con quien

acaba de confeccionar una escultural lámpara de pie para el espacio ON/OFF de uno de los edificios de la

Cidade da Cultura de Santiago de Compostela, concebida por el arquitecto Peter Eisenman.

Los procesos de elaboración artesana tienen un gran

peso en el diseño de los productos de esta firma gallega.

Sin embargo, su apuesta por la innovación le ha

conducido a un modelo muy específico de producción

que alterna procedimientos artesanos con técnicas

innovadoras realizadas por operarios altamente

cualificados. Su particular modelo híbrido forma parte

de lo que se están viniendo a denominar artesanías

industriales. Una nueva manera de entender la artesanía

totalmente volcada en la protección de los valores

culturales que ésta transmite a la vez que incorpora

materiales y tendencias estéticas actuales así como

metodologías y herramientas empresariales propias de

nuestro tiempo. Arturo Álvarez quedó finalista en los Premios Nacionales de Artesanía de 2008 y sus

lámparas Gea y Fluo han sido galardonadas con el premio de diseño Good Design que concede The

Chicago Athenaeum en 2008 y 2009 respectivamente.

CERABELLA Los orígenes de esta empresa de velas artesanales

se remontan a 1862 cuando Francisca Abella dejó

atrás su pueblo leridano natal para emprender la

aventura de la ciudad, abriendo un obrador de

candelas y cirios en el barrio del Raval de

Barcelona. En un principio, su producción estuvo

orientada hacia productos de uso eclesiástico y de

consumo básico que suplieran la falta de luz

eléctrica. El obrador se llamaría Cerería Abella

hasta que en los años setenta del siglo pasado la

cuarta generación de la familia emprende el camino

hacia la modernización de la empresa. Es entonces

cuando nace la marca actual, Cerabella, surgida de

lo providencial del apellido de su fundadora.

En la década de los setenta la generación que

todavía hoy lleva la gerencia de la empresa

decidió, sin abandonar la fabricación de los productos básicos que hacían hasta el momento, empezar a

investigar en las posibilidades decorativas de las velas más allá del mero uso funcional. Es en esta época

cuando la empresa impulsa la primera ampliación del obrador, primero a Cerdanyola del Vallès y

posteriormente a Sentmenat, donde se ubican actualmente sus instalaciones de casi 8.000 m2 en la

provincia de Barcelona. En la localización inicial del Raval continúa hoy la venta al por mayor.

Así, Cerabella comenzó a diversificar su producción sumando la vela decorativa al que había sido hasta

entonces su producto tradicional. En los años ochenta monta su departamento creativo, integrado en la

actualidad por cuatro personas de formación multidisciplinar que conocen además a fondo el oficio

artesano, una cuestión crucial para poder explorar las posibilidades expresivas de la cera. En los noventa,

comenzaría a realizar colaboraciones con personalidades del ámbito creativo como André Ricard, Javier

Mariscal, Óscar Tusquets o Toni Miró. Más recientemente, la firma ha colaborado con diseñadores

industriales emergentes como Luki Huber, Martín Azúa e Hiroshi Tsunoda.

Cerabella, que hoy ya cuenta con la quinta generación

incorporada a la empresa, está integrada por 64 trabajadores

de los cuales 45 elaboran artesanalmente el producto con

ayuda de ciertos procesos industriales. Pero aunque algunos

procesos previos o de acabados se hayan mecanizado, en el

campo de la cerería la mayor parte de la producción es fruto

de un trabajo artesanal. De hecho, las velas dependen de

algo tan primario como la meteorología para acelerar o

retardar el proceso de solidificación. En Cerabella se continúa haciendo la inmersión, la única forma de

hacer velas cilíndricas de cierto grosor sumergiendo la mecha en sucesivos baños de cera hasta que se

consigue el cuerpo deseado. Aunque en muchas de sus velas decorativas se utiliza el moldeado, vertiendo

cera fundida en moldes, posteriormente se pasan manualmente por diferentes coladas para conseguir

efectos de texturas o color. El proceso puede implicar desde horas hasta un día entero para una sola vela.

Además, Cerabella no sólo es un caso ejemplar por lo significativo de actualización; también lo es por la

concienzuda expansión de la comercialización de sus productos. Su catálogo se encuentra hoy dividido en

diferentes líneas que abarca, además de las velas eclesiásticas, todo tipo de productos para decoración,

regalo, ocasiones especiales, velas perfumadas y velas de exteriores. Destaca su colección de velas de

autor, que entronca con las tendencias actuales, para la que ha formado tándem con personalidades como

los diseñadores de moda Sybilla y Ailanto o el reconocido ilustrador internacional Jordi Labanda.

Además, ha producido velas para marcas como Loewe, Carolina Herrera, Germaine de Capuccini y la

vanguardista firma Comme des Garçons. Vende internacionalmente y sus productos se pueden encontrar

en prestigiosas tiendas como la Conran Shop británica. En 2009, Cerabella fue seleccionada por su

colección “Alga, Fossil y Gea” como finalista de la categoría de Producto en los Premios Nacionales de

Artesanía que entrega el Ministerio de Industria, Turismo y Comercio de España.

CASOS DE ESTUDIO

APPARATU

Hace sólo cinco años que

Xavier Mañosa (Barcelona,

1981) montó Apparatu y en

tan corto espacio de tiempo

ha conseguido posicionarse

como uno de los más

interesantes ceramistas del

momento. Por aquella época

se encontraba instalado en

Berlín. Quizá coger

perspectiva le sirvió para terminar dedicándose a lo que desde pequeño había visto hacer a sus padres y

que había rechazado por rebeldía durante su formación como diseñador industrial en la Escuela Superior

de Arte y Diseño Llotja de Barcelona. Lo interesante en su caso ha sido la combinación de ambos

factores. Su perspectiva y afán por experimentar como diseñador más el conocimiento del oficio por el

entorno familiar, aunque suele subrayar que su proceso es principalmente artesanal y que “lo de diseñar”

sólo le sale si alguna vez “piensa antes de hacer”.

Su padre, Joan, aprendió el oficio de manos de un ceramista portugués. Junto con su pareja, Aurora,

montarían su propio taller que ahora comparten con su hijo Xavier, quien hasta el año 2009 tuvo su base

creativa en Berlín. El taller se encuentra en Sant Cugat (Barcelona), en un antiguo polígono industrial

donde anteriormente se fabricaban cerámicas para el sector de la construcción y que ahora funciona como

un centro de antigüedades, así que el entorno resulta de lo más inspirador.

Lo que distingue a Mañosa como ceramista

contemporáneo es fundamentalmente su

atrevimiento a la hora de mezclar materiales y

de explorar nuevas expresiones formales. De

este modo, sus primeras piezas iban desde la

recreación en cerámica de la forma de un

extintor hasta floreros inspirados en las ubres

de una vaca. Los floreros Pissarro fueron una

de sus primeras propuestas con repercusión;

hechos en loza y recubiertos con pintura de

pizarra, permitían al usuario su constante personalización al poder escribir con tiza sobre ellos.

Asimismo, no dudó en revestir de lana sus floreros Costurero inspirados en la forma de una bobina de

hilo. Últimamente ha mezclado plástico y metal en su colección Der/Die/Das (en la imagen), unos

jarrones y floreros cerámicos que presentan coloridos churretes realizados con estos materiales y que

proceden de objetos encontrados y fundidos en el taller.

Otra cuestión que Xavier Mañosa abordó desde el inicio, que es manifestación evidente de su formación

como diseñador y de su pertenencia a una generación digital, fue la puesta en escena de su obra. Por un

lado, se definió como marca. Apparatu hace referencia a la palabra “aparato” y fue una expresión surgida

tras un accidente fonético entre el alemán y el catalán. Por otro, dio visibilidad a su trabajo a través de una

web y de su participación en innumerables eventos dentro y fuera de España. Las piezas de Apparatu se

han podido ver en las ferias y festivales sobre diseño contemporáneo de Londres, Frankfurt, Saint-

Étienne, Tokio, Nueva York, México y Estocolmo. También en Madrid y Barcelona, pero su visión es

completamente internacional y no se ciñe al mercado español, prueba de ello es que su web sólo está en

inglés.

Además, Xavier Mañosa está continuamente abierto a colaborar con otros diseñadores. Con el estudio de

origen turco-alemán Mashallah Design desarrolló la serie Superfax, que se llamó así porque la fueron

definiendo por fax estando los primeros en Berlín y Mañosa en el taller de Barcelona. Mashallah es un

estudio centrado en los procedimientos digitales, lo cual choca con la producción artesanal de Apparatu y

quizá por eso resulta tan especial la colección de objetos cerámicos definidos digitalmente que surgió

entre ambos. Recientemente, Xavier Mañosa ha colaborado también con el diseñador gráfico e ilustrador

Alex Trochut, nieto del famoso tipógrafo que inventara el tipo Súper-Veloz. De la misma edad que

Mañosa y muy bien considerado en el mundo de la ilustración, la tipografía y el diseño gráfico actual,

ambos han realizado unas piezas conjuntamente con ilustraciones de Trochut además de los floreros

Manga, inspirados en los abrigos plumíferos.

LUZIFER LAMPS En los planes de Mariví Calvo

(Valencia, 1960) y Sandro Tothill

(Brisbane, Australia, 1966)

probablemente nunca estuvo

programado montar una empresa de

iluminación. Todo surgió de una

manera fortuita cuando Mariví Calvo,

licenciada en Historia del Arte y en

Bellas Artes, manipulaba unas chapas

de madera sobre una mesa de luz que

utilizaba para hacer collages. Los

efectos luminosos que produjo la

chapa de madera al interactuar con la luz sorprendieron a ambos. Tanto, que lo utilizaron como idea para

embarcar a una serie de artistas en una exposición en la que se utilizaría este sistema como soporte de las

obras. Corría el año 1996 y la progresiva aceptación que en exposiciones sucesivas fueron teniendo las

lámparas hechas por Calvo y Tothill en colaboración con artistas utilizando este sistema, les planteó la

necesidad de organizarse como empresa. Y así fue como surgió Luzifer lamps.

La empresa, conocida hoy en el ámbito internacional como LZF,

siempre ha tenido una producción artesanal. Desde los primeros

modelos hechos en colaboración con artistas, que Mariví Calvo y

Sandro Tothill hacían en su propia casa, hasta la industria artesana

que son hoy con sede en una antigua bodega de Chiva (Valencia).

La elaboración de sus imponentes lámparas, que ganan en

expresividad en espacios colectivos, se realiza en estas

instalaciones reconvertidas en un inmenso taller artesano donde

tras adquirir y seleccionar las planchas de madera natural, las

tratan y troquelan para el montaje a mano. Primero se les da forma,

después se les aplica cola o pequeños herrajes y, por último, se les

coloca la instalación eléctrica. Las lámparas de LZF no son en realidad ni objetos puros de artesanía ni

tampoco industriales, se encuentran a medio camino. Ni tienen una estética tradicional, pues son piezas de

diseño contemporáneo concebidas por diseñadores, ni están elaboradas en serie industrialmente sino con

medios artesanales en ediciones reducidas.

LZF empezó muy pronto a realizar colaboraciones con diseñadores. Los modelos Hola (1997) y

Margarita (1999) diseñados por Miguel Herranz marcaron el inicio de un interesante camino por el que la

empresa continuaría adentrándose años después, tras un malogrado coqueteo con el polipropileno a

finales de los años noventa. Recién estrenado el siglo XXI, Luzifer lamps decide volver a sus orígenes

centrándose en la chapa de madera como difusor de luz. Sus investigaciones le llevarían en 2001 a

patentar el Polywood, un tratamiento aplicado a la chapa a base de poliéster que mejora las propiedades

de éste material de manera que resulta más maleable y se puede manipular, troquelar y cortar mejor.

La colaboración que Luzifer lamps han mantenido con diseñadores desde sus inicios ha resultado muy

fructífera para la empresa pues estos, tal y como se le presupone a un diseñador, le han dado mil y una

vueltas a la chapa de madera. Los primeros fueron Miguel Herranz y Ray Power, que empezaron a

colaborar con la empresa a finales de los años noventa. Herranz ha realizado algunos de los modelos más

emblemáticos de la marca, como los ya nombrados Hola y Margarita confeccionados con una ancha

chapa de madera ondulada al estilo de los años setenta. Después llegaron los modelos Sioux (2003) y

Mikado (2004), con otro concepto totalmente diferente pues estaban hechos ya con planchas troqueladas

de un ancho mucho menor. La Mikado, con los juegos de luces y sombras que producen sus flecos,

recibió un premio Design Plus en 2006. También recibió éste premio el mismo año el sinuoso modelo

Link de Ray Power, quien recientemente ha firmado el aerodinámico modelo Air distinguido asimismo

con un premio Good Design en 2009. Y en los últimos tiempos otra de sus colaboraciones más fructíferas

la vienen realizando con el estudio del valenciano Luis Eslava, quien ha creado arrebatadores modelos

como Agatha o Armadillo así como el primer paso de la empresa hacia la diversificación de sus

productos: el parabán Paisley.

ISOBRE Luis Garrido (Cádiz, 1977) y Alejandro

Ulloa (San Sebastián, 1971) decidieron

montar iSobre el día en que vieron a Steve

Jobs, alma máter de la empresa de

productos electrónicos Apple, sacar el

nuevo ordenador portátil que presentaba la

firma de un sobre de oficina. Se trataba

del MacBook Air, el portátil más delgado

diseñado hasta el momento. La maniobra

de Steve Jobs aquel mes de enero de 2008,

muy dado a los golpes de efecto de este tipo en las presentaciones de novedades de Apple, corrió como la

pólvora desde San Francisco al resto del planeta encendiendo la mecha de estos dos apasionados por la

fotografía, la moda y el diseño gráfico asentados en Cádiz, que inmediatamente se pusieron manos a la

obra para diseñar una funda de piel acorde con un producto de semejante valor.

Habiendo detectado que en el mercado no existían muchas fundas de piel para ordenadores con un

mínimo de calidad y sin perder de vista la ocurrencia de Jobs, Luis y Alejandro decidieron diseñar una

funda para el MacBook Air precisamente con forma de sobre estilo Manila. El punto lo pondría que se

trataría de una funda hecha con piel de vacuno español de primera calidad y cosida por los más

experimentados artesanos de Ubrique, localidad gaditana conocida internacionalmente por ser donde se

realizan a mano los productos de piel de algunas de las firmas de complementos de moda más

importantes del mundo. Para rematar el diseño, bastó con añadir unos simples botones rojos y un cordón

para el cierre. Una pieza de corte tan sencillo como el producto que lo había inspirado.

Las fundas comenzaron a comercializarse rápidamente y, en un principio, sin marca. De hecho fueron los

propios primeros compradores quienes las empezaron a llamar iSobres, utilizando la i latina inicial con la

que Apple suele bautizar a sus productos en referencia a Internet. Con este panorama, no parecía que

tuviera mucho sentido montar una tienda al estilo tradicional para comercializar estas fundas. Lo más

lógico, sin duda, era hacerlo a través de Internet. Y así fue exactamente como lo hicieron, confiando en

expertos en la materia el desarrollo de la plataforma.

iSobre se han terminado por configurar como una marca en la

que Luis y Alejandro actúan como diseñadores, mientras que los

artesanos de Ubrique son quienes hacen realidad las ideas

creativas, aportando su conocimiento en la materia y en el

manipulado de la misma. El proceso de producción es muy

sencillo y comienza con una cuidada selección de las piezas de

nobuk y piel de vacuno. Las piezas se cortan y se cosen

manualmente con las medidas necesarias, siendo prensadas asimismo a mano. Incluso los botones, que

también son de vacuno, se lijan, liman, pintan y cosen a mano.

Aunque el proyecto nació inspirado en un producto en particular, la familia iSobre ha ido creciendo y

abarcando otros productos de Apple así como nuevos estilos. En la actualidad, algunos modelos son

fundas compatibles que se pueden usar tanto con el modelo MacBook Air como con el MacBook.

Adicionalmente, se han incorporado nuevas opciones para las versiones Pro de 15 pulgadas. El iSobre

original, que se llama Vintage, presenta un color camel que le asemeja al sobre Manila. Pero aparte han

surgido nuevos estilos, como el colorido Urban o el más serio y lujoso Minimal. Asimismo, la familia de

fundas iSobre se ha completado con opciones para las diferentes versiones de los teléfonos iPhone y, por

supuesto, para la tablet iPad.

La principal comercialización de los productos de iSobre se realiza a través de la tienda on-line, que se

puede visitar en inglés y en castellano. Esta visión internacional de sus diseños y su tienda en Internet

hace que el 80 por ciento de las ventas de iSobre a través de la web provengan de fuera de España. Sus

productos además, lejos de ser un conflicto para Apple, se venden en todos los Apple Retail Providers de

Europa así como en varias tiendas exclusivas de Estados Unidos, Canadá, Australia y Japón.

SAGENCERAMICS De la unión de La Cerámica

Valenciana de José Gimeno (Manises,

1925) y la diseñadora industrial

Nieves Contreras (Valencia, 1979)

nació en 2006 la marca

Sagenceramics, una nueva línea de

productos de diseño contemporáneo

lanzada por la veterana fábrica de

Manises con el objetivo de incorporar

a su producción una novedosa

tipología de piezas que hasta ese

momento nunca antes habían sido contempladas seriamente por la empresa como línea de negocio. El

modo en que lo hicieron es digno de estudio. Si hay algo a lo que los expertos en branding y definición de

nuevas líneas de negocio siempre aluden, es a la diversificación de marcas cuando, como en un caso

como este, una legendaria empresa a la que se la identifica con un determinado producto tradicional

decide dar el paso de actualizarlo pero sin cortar con la producción que venía realizando hasta la fecha.

Así fue como Vicente Gimeno, actual descendiente de la familia fundadora de La Cerámica Valenciana,

confió en la joven diseñadora industrial Nieves Contreras el proceso de creación de la nueva marca. Por

un lado, La Cerámica Valenciana continuaría con su producción habitual de piezas clásicas y azulejos

mientras que bajo la marca Sagenceramics se comercializaría una línea de productos más actual. Toda la

dirección de arte, es decir desde la imagen de la marca hasta la elección de los diseños, la llevaría a cabo

Nieves Contreras quien además de ser diseñadora industrial está especializada en gestión del diseño y

desarrollo de nuevos productos.

La idea de ambos era crear una nueva marca de objetos cerámicos con una clara vocación innovadora y

experimental pero al mismo tiempo con una producción artesana, totalmente volcada en la conservación

de técnicas tradicionales y conocimientos alfareros. Se trataba de hacer perdurar esta tradición,

actualizándola con objetos funcionales o decorativos de estética contemporánea así como experimentando

con nuevas técnicas, materiales e incluso tipologías alternativas.

Así fue como surgió la primera colección de Sagenceramics

en 2006, para la que como debut Nieves Contreras diseñó

gran parte de las piezas. Destacó el florero Bany! (en la

imagen), en el que las flores podían disfrutar de un baño en

toda regla. La pieza, que proponía una nueva disposición de

las flores en horizontal, cuenta incluso con un desagüe en

forma de tapón. Asimismo resultó novedosa la pieza Vasq,

un centro de mesa que también se podía llenar de agua para

colocarle velas flotantes encima o, como guiño, ponerle un patito de plástico.

Adicionalmente, Nieves Contreras ha incorporado a otros diseñadores al catálogo de Sagenceramics

como Elise Berthier, Frédéric Lintz, David Cercós, Víctor Carrasco y el estudio Nadadora. Así se unió al

catálogo de Sagenceramics el florero Fago de Elise Berthier, compuesto de una serie de tubos torneados a

mano y unidos entre sí con elásticos de colores; el propio usuario decide qué aspecto final le da. Y

también así llegó el sujetavelas Cross diseñado por Nadadora, una cruz con orificios de diversos tamaños

que permite acoplarle velas de diferentes diámetros. La huevera Ovni de Frédéric Lintz y el set de café

Ou! de David Cercós resultan novedosas también por su parte por el juego de analogías formales que

plantean.

En La Cerámica Valenciana se sigue trabajando de manera totalmente artesanal. En 2006 quedó finalista

en la categoría de Producto de los Premios Nacionales de Artesanía. Sus técnicas más habituales son el

torneado directo de la arcilla y el modelado manual, con y sin ayuda de molde. Las piezas se bizcochan,

cociéndolas en el horno a 1000º C una primera vez. Tras ser bizcochadas, se esmaltan bañándolas

manualmente. A continuación se repasan las impurezas y fallos de esmalte antes de decorarlas. La

decoración la realizan tanto de forma directa sobre la pieza como utilizando la técnica del estarcido, una

plantilla que define el perfil del dibujo. Para ello utilizan pinceles de pelaje muy fino y delicado. Y una

vez decoradas, se les da la cocción final.

VIALIS A medidos de los noventa, el diseñador

Jaime Serramalera (Barcelona, 1956)

decidió probar suerte en el ámbito

empresarial con el convencimiento, y el aval

de su trayectoria previa, de que podría ser

capaz de aportar algo nuevo a un mundo que

conocía muy bien: el de la zapatería. Tras

haberse formado como diseñador industrial

entre la escuela EINA de Barcelona y el

Politécnico de Milán, se trasladó a Menorca

con el objetivo de aprender el oficio de

zapatero. Al poco tiempo fundó la que sería

su primera marca de zapatos, María Design.

Más tarde se uniría a Pielsa como

responsable de producto, donde trabajó once

años. Al cumplir los cuarenta, le picó de nuevo el gusanillo de tener su propia marca. Serramalera echaba

en falta en el mercado español la existencia de una marca de zapatos de mujer con un diseño especial,

pues la oferta de la época le resultaba de lo más homogénea. Así, decidió ponerse él mismo manos a la

obra y probar de nuevo suerte como empresario.

Corrían finales de los años noventa cuando Serramalera empezó a tantear la aceptación de sus primeros

diseños con una pequeña colección de cuatro sandalias que puso a la venta en el barrio del Born de

Barcelona. Se encargó de todo, desde el diseñó de los modelos hasta la cajas donde iban metidos e incluso

compró las pieles. La fabricación, sin embargo, la dejó en manos de especialistas confiándola a un

pequeño taller de zapatos de Elda (Alicante). La acogida fue algo más que aceptable; Serramalera

recuerda que en aquella primera etapa a veces vendían hasta los muestrarios. Animado por la estable

aceptación que iban teniendo sus primeros diseños, llegó a la conclusión de que debía empezar a abrir

tiendas propias. A la primera, inaugurada en 1998 en el mismo barrio que había visto nacer la marca, le

han sucedido otras siete más distribuidas entre la propia Barcelona, Madrid y Berlín.

Efectivamente a Jaime Serramalera no le faltaba razón cuando

pensaba que hacía falta en el mercado español una firma de zapatos

para mujer que fuera capaz de proponer algo nuevo y especial, con

un diseño particular, fresco y atrevido. Vialis verdaderamente vino a

cubrir un hueco en el que había un notable vacío en España.

Estéticamente, uno de sus puntos más atractivos fue su interesante

mezcla de referencias, en especial procedentes de diseños clásicos

pero a su vez combinadas con influencias escandinavas y

connotaciones folk. Al mismo tiempo, se trataba de zapatos con una

vida útil muy larga; El segundo propósito que se planteó Serramalera cuando ideó la marca. El objetivo

era, por tanto, lograr un estilo de zapatos sofisticado y con una personalidad muy particular pero cómodos

por encima de todo, para poder ser llevados a diario. Y aquí es donde entra en juego un tercer factor: la

calidad. Sin ella, no es posible hacer zapatos que aguanten un trote cotidiano.

En la actualidad, Vialis cuenta con medio centenar de trabajadores. En el equipo de diseño trabajan tres,

que se apoyan a su vez en los conocimientos de las dos patronistas, la costurera y el técnico de calidad de

la fábrica de Alicante. Como apoyo externo, colabora con el estudio de diseño gráfico de Emilio

Lekuona, que se encarga de la dirección creativa de su imagen.

La mayoría de los zapatos de Vialis se realizan artesanalmente en Alicante, aunque la firma trabaja con

una perspectiva global por lo que algunas de sus líneas, como la de las zapatillas playeras Aro que sacó en

2004, se fabrican en Vietnam. En las instalaciones de Alicante, realizan desde sandalias totalmente

hechas a mano de principio a fin hasta botas. El tiempo medio de elaboración de unos zapatos es de dos

horas, interviniendo en el proceso entre 12 y 14 personas. Dependiendo de la colección, pueden estar

realizando entre 15.000 y 33.000 pares por temporada. Hoy la marca vende en más de treinta países a

través de 300 tiendas multimarca.

PESETA Laura Martínez del Pozo (Bilbao, 1978) y Jaime

Sevilla Moreno (Sagunto, 1978) se juntaron para

montar Peseta a principios del siglo XXI con la

intención de hacer productos textiles. Su gran pasión

eran las telas, por eso las piezas de Peseta destacan por

encima de todo por su interesante conjugación textil.

Éste sería el cincuenta por ciento de su ADN. El otro

cincuenta por ciento responde a su muy estudiado y

reducido catálogo; una particular selección de

complementos que se han convertido en

representativos del sello Peseta y entre los que

destacan sus bolsos mochileros, carteras y riñoneras.

Además, también realizan carteras, cinturones,

billeteras, estuches, llaveros o mantelerías.

Al principio su producción era muy reducida. Sólo

elaboraban pequeñas series con telas encontradas en

todas partes del mundo. Cada modelo tenía su nombre y sus detalles propios. Con el tiempo la demanda

creció, por lo que en 2006 decidieron montar una tienda-taller en el barrio de Malasaña de Madrid. En la

actualidad, sus diseños se producen en dos talleres más, siendo uno de ellos una cooperativa del Sur de la

provincia. Laura se encarga de los diseños y es quien junto con los talleres marca las directrices las

piezas; Jaime se ocupa de las ventas, la gestión y la comunicación. Ninguno de los dos tiene formación

previa en producción artesana ni en gestión empresarial; sencillamente se dedican a lo que sabe hacer

mejor cada uno.

Según fue creciendo la marca, la presentación de

sus nuevos productos a través de colecciones se

terminó por convertir en una necesidad. Desde

2009 y siguiendo el calendario de la moda,

presentan dos colecciones al año. Así, a los

productos básicos de la casa añaden accesorios

diferentes a lo habitual y apuestas atrevidas. Aparte

han realizado colaboraciones con otras marcas,

algunas tan importantes como el reconocido

diseñador estadounidense Marc Jacobs para quién han hecho hasta el momento gorras para ir en bicicleta,

un bolso de grandes dimensiones con forma de ukelele, una cartera que ellos llaman Pasaportera y un

bolso de grandes dimensiones bautizado como Bolsaco. También han colaborado con la firma vasca

Loreak Mendian y los españoles establecidos en Berlín Potipoti. Asimismo han diseñado un Kit Museo

para llevar un cuaderno, bolígrafo y postales, que se vende en la tienda La Central del Museo Nacional

Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Desde su web venden nacional e internacionalmente y sólo con

echarle un vistazo no cabe ninguna duda de que quién está detrás pertenece a una generación digital.

Aunque la marca haya crecido, en Peseta todo continúa haciéndose totalmente a mano. Como la

producción depende directamente de las telas que adquieren, eso termina por definir el aspecto final de

muchos de los modelos. Algunas telas las encuentran en tiendas y mercados de todo el mundo en sus

viajes. Otras proceden de fabricantes españoles de tejidos tradicionales o han sido compradas en ferias de

telas, a través de Internet o a fabricantes y almacenistas con muestrario. Aceptan donaciones de amigos y

familiares, pues a lo mejor de ello surgen telas que nunca hubieran comprado. También en menor medida

reciclan prendas o realizan estampación propia en digital.

Les gustan los tejidos que tienen una historia que contar. Desde una tela de rayas ibérica de tumbona

hasta los estampados temáticos de Estados Unidos, los tartanes escoceses, las africanas enceradas de

colores locos, los provenzales franceses, el denim japonés, los tejidos rústicos del norte de Europa, la tela

mejicana de Purépecha, los hilados egipcios, las cretonas y popelines de flores de Gran Bretaña o

estampados raros procedentes de India o China. Aparte de que las mezclas se hacen con un criterio

estético, un factor sorpresa en sus productos es que pueden estar juntando una tela griega con otra

estadounidense, lo cual culturalmente conecta dos países que en diferentes épocas históricas fueron dos

imperios.

MARRE MOEREL Dice de sí misma que se siente una artesana

industrial. Por un lado, porque gran parte de su

trabajo lo realiza artesanalmente. Por otro, porque al

mismo tiempo trabaja como diseñadora industrial. Y

es que Marre Moerel (Breda, Holanda, 1966) ha

tenido una formación tan nutrida que no se la puede

definir utilizando una sola cualificación. Primero se

formó en su Holanda natal como diseñadora de

moda. A los 18 años salió de su país para estudiar

Escultura en Inglaterra. Posteriormente completó su

educación con un master en diseño de mobiliario en

el Royal College of Art de Londres. De ahí saltó a

Nueva York, donde durante diez años trabajó como

diseñadora, artista y docente en la Parsons School of

Design. En 2002 aterriza en Madrid, en cuyo barrio

de Malasaña abrió un multiespacio que funciona

simultáneamente como galería, tienda y taller.

Mientras que por un lado Marre Moerel ha diseñado piezas de mobiliario para marcas como la sueca

Offecct o la española Celda, por otro una gran parte de su trabajo está relacionado con un proceso

totalmente artesanal. En este contexto es donde se manifiesta de una manera más evidente su formación

como escultora. En su tienda-taller de Madrid elabora la mayoría de sus piezas y además las comercializa

ella misma. Si como diseñadora de mobiliario trabaja con cualquier tipo de materiales, en este otro

terreno manifiesta una preferencia total por la cerámica. Los diseños

que realiza en éste contexto son una mezcla de esculturas y objetos

funcionales. Moerel explica que ya desde que estudiaba Escultura

tendía a hacer piezas muy funcionales, motivo por el cual decidió

formarse posteriormente como diseñadora de mobiliario para tratar de

entender si ese era su camino y asimismo averiguar si era posible

hacer objetos funcionales de una manera escultural. Sin embargo, en

este asunto continúa a día de hoy navegando entre dos aguas, lo que la

convierte en una rara avis muy especial. Para Moerel el equilibrio

estaría en combinar un cierto trabajo técnico, como el que realiza

como diseñadora, con la implicación emocional que requiere trabajar

artesanalmente.

En el ámbito artesano, formas muy recurrentes en sus piezas proceden de terceros objetos; algunos de

ellos cotidianos, otros encontrados fortuitamente. Moerel reproduce sus formas en barro, en ocasiones

sacando moldes, y cuando éste aún está blando lo manipula, deforma o combina con otras formas

obteniendo así piezas nuevas. El proceso es totalmente intuitivo y no realiza esquemas ni dibujos previos

por ordenador, como por el contrario se suele hacer en el diseño de mobiliario. Algunas de sus piezas más

conocidas son la serie de lámparas Biology, los boles de la serie Botany, los jarrones con ramas Rozen y

la colección Mutations, surgida a partir de raíces y vísceras de animales como riñones o hígados. Se trata

de piezas con mucho carácter en las que a primera vista se aprecia el trabajo artesano y personal que hay

detrás. Moerel crea estas piezas, además, utilizando el mismo lenguaje contemporáneo con el que concibe

sus diseños de mobiliario.

Por otro lado, Marre Moerel se convirtió en la comercial de sus piezas artesanas totalmente por accidente,

aunque era una idea que le rondaba en la cabeza. Algunas de sus primeras creaciones cerámicas las

empezó comercializando la firma italiana Cappellini, una de las empresas más vanguardistas en el ámbito

del hábitat. Colaborando con esta empresa, Moerel se dio cuenta de que era muy difícil tener un control

sobre la apariencia final de los objetos, las ventas reales y la promoción de los productos. Además,

cuando se diseña para empresas puede ocurrir que algunas piezas nunca lleguen a ver la luz, algo que

como a todos los diseñadores también le ha ocurrido a Moerel. Y así fue como decidió montar su propia

tienda-taller. De esta manera sus piezas siempre verían la luz y tendría controladas de primera mano las

ventas y su promoción. Marre Moerel es una habitual de ferias como la parisina Maison & Objet.

LA MEDITERRÁNEA De la asociación de 17 profesionales

del vidrio asentados en la localidad

valenciana de L’Ollería surgió en

1975 el embrión de La Mediterránea,

una empresa visionaria para la época

especializada en la transformación del

vidrio reciclado. A pesar de las

dificultades históricas y económicas

del momento, la empresa crecería de

manera continua llegando a fusionar

en 1982 tres cooperativas locales, surgiendo así definitivamente La Mediterránea tal y como se la ha

conocido posteriormente. Su producción se basaba en una amplia oferta de productos de decoración y

menaje realizados principalmente en vidrio y posteriormente también en cerámica, que se llevaban a cabo

en una fábrica diferente en la localidad de Ribarroja. Tras un par de décadas de continúo crecimiento y

expansión, exportando a más de setenta países y siendo galardonada con múltiples premios que rondan la

cuarentena, La Mediterránea no pudo esquivar la primera crisis económica del siglo XXI que le terminó

llevando a un concurso de acreedores y después a la liquidación. Recientemente, el fondo de capital

riesgo Valcapital ha repescado la empresa con el objetivo de relanzarla.

En La Mediterránea se alternaban hasta el momento del cierre en 2008 procesos completamente

artesanales de manipulación del vidrio con otros totalmente mecanizados. Uno de los cambios más

importantes del reflote emprendido por Valcapital consiste precisamente en la desaparición de éste último

pues dependía de un horno que consumía mucha energía y obligaba a producir grandes tiradas de un solo

producto. Así, en estos momentos, la empresa se ha decantado por una producción mucho más flexible

hecha en hornos de tamaño medio y pequeño, apostando totalmente por procesos artesanales,

ocasionalmente semiautomáticos.

Dependiendo del tipo de pieza, la producción resulta más o menos

artesanal. En los modelos de las nuevas líneas denominadas

Ecovintage y Trendy, los productos son trabajados semiartesanalmente

de manera que el vidriero recoge el vidrio del horno y lo sopla dentro

de un molde para después acabar la pieza manualmente. En cambio,

las piezas de la línea Art son plenamente artesanas. Esto implica que

los maestros vidrieros de La Mediterránea trabajan el material sin

moldes, sacando una masa de vidrio del horno y colocándola sobre un

soporte de hierro para trabajarla a mano con papel o madera. El hecho

de utilizar papel o madera hace que el vidrio se enfríe de forma más

lenta y que el maestro tenga más tiempo para trabajar la pieza, lo cual

favorece a su vez un acabado más brillante.

Por otro lado, La Mediterránea enfocará de ahora en adelante en la configuración de un nuevo catálogo

mucho más ligado al diseño contemporáneo, una operación que será tutelada por quien hasta la fecha

había sido la coordinadora del departamento de diseño, Silvia García. Así, las colaboraciones con

diseñadores externos que tanta notoriedad habían dado anteriormente a la marca seguirán adelante. Como

ejercicio de iniciación de esta nueva etapa, La Mediterránea confió en el colectivo de diseñadores

Proyecto Revival (una agrupación a la que se le dedica más adelante un capítulo). Su propuesta consistió

en realizar una labor de revisión e investigación de moldes y piezas descatalogadas con el objetivo de

determinar si era posible su recuperación para la elaboración de nuevos productos. Surgieron así nuevas

lámparas, centros de mesa, decantadores y juegos de copas.

Por otro lado, con uno de los creadores de su pieza más icónica, Héctor Serrano, La Mediterránea tiene

previsto nuevos lanzamientos. La relación con el diseñador valenciano asentado en Londres viene de

largo, desde que junto con Alberto y Raky Martínez diseñara el botijo con forma de botella de plástico La

Siesta. Curiosamente una pieza hecha en cerámica ha sido el símbolo con el que se ha identificado a la

empresa durante muchos años. La Mediterránea prepara ya con Serrano una nueva colección de lámparas

de vidrio y corcho así como otros objetos.

PROYECTOS Y COLABORACIONES

OFICIS SINGULARS La institución Artesanía Catalunya viene desarrollando desde

2007 un interesante proyecto de colaboración con el

diseñador Gerard Moliné (Barcelona, 1977) dirigido a

reactivar una serie de oficios artesanos de gran arraigo en

diversas zonas de la geografía catalana. Estos oficios, que

han sido reconocidos bajo la denominación Oficis Singulars

de Catalunya, son actividades muy vinculadas a una materia

prima en concreto así como a una población o demarcación

específica catalana, factores que en su día terminaron por

generar una producción artesana particular en determinadas

zonas. Así, se han considerado Oficis Singulars la cerámica

de La Bisbal, el alabastro del Sarral, la sal de Cardona, la piel

de Vic o Igualada y la palma de Terres de l’Ebre, entre otros.

Bajo la dirección de Gemma Amat y la coordinación de

Gerard Moliné, el proyecto Oficis Singulars incide

específicamente sobre cada oficio promoviendo su adaptación al mercado contemporáneo al mismo

tiempo que preserva su autenticidad. Además de la recuperación de oficios tradicionales de Cataluña, los

objetivos de cada actuación son la búsqueda de nuevos lenguajes, el diseño de nuevos productos y el

establecimiento de una nueva metodología de comercialización.

Gerard Moliné, que se formó como diseñador industrial en la escuela Elisava de Barcelona, ha ido

reorientando su actividad con el transcurso de los años hacia el mundo de la artesanía. Tras haber

trabajado como diseñador industrial junto con Martin Azúa hasta el año 2006, Moliné decidió volcarse

definitivamente a título individual en la evolución y el progreso de los oficios artesanos convencido del

valor emocional de los objetos de producciones limitadas frente a las tiradas masivas industriales.

Además de coordinar Oficis Singulars, está realizando en la actualidad otro proyecto similar con las

artesanías de la Ruta del Tequila en México.

Para Moliné, el reto está en impulsar la innovación preservando la

cultura local; es decir, fusionar tradición y vanguardia sin perder la

identidad. Para ello, ha aportado a través de Oficis Singulars una de

las cosas que mejor saber hacer como diseñador: plantear nuevos

objetos. Con la colaboración de otros diseñadores, en cada oficio de

los que este programa ha incidido hasta la fecha se ha trabajado

conjuntamente con los artesanos en la creación de una nueva

colección de objetos. La interacción ha propiciado que diseñadores

y artesanos generaran los nuevos productos en equipo, aportando

cada uno el conocimiento en el que está especializado: el diseñador

su visión sobre la producción contemporánea, las tendencias y la

estética, y el artesano su pericia y sabiduría sobre el comportamiento del material. El resultado ha sido

una serie de objetos de lo más sugerentes. Algunos proponen nuevas piezas, como el cono de cerámica

para helados surgido en el proyecto de la cerámica de La Bisbal. Otros revisan objetos ya existentes,

como la cesta para la bici hecha de palma. Pero todos ellos enamoran a primera vista, de manera que uno

de los grandes objetivos ha quedado cumplido ya que de lo que se trataba era generar objetos que nos

volvieran a emocionar.

BONESTIL Creada en 1987 en la localidad valenciana de

Vallada, la trayectoria de esta empresa especializada

en mobiliario hecho artesanalmente con fibras

vegetales ha estado desde sus inicios muy ligada al

diseñador Ximo Roca. En los años ochenta, el

mobiliario tejido a mano con fibras naturales se

encontraba en triste decadencia debido al auge de

otros materiales y a que su estética tradicional no

ligaba con el gusto High Tech de la época. En los

últimos tiempos, sin embargo, este tipo de

mobiliario está viviendo un nuevo auge. Dos de las

principales razones de este resurgir están siendo, por

un lado, el hallazgo y desarrollo de nuevas fibras

sintéticas más resistentes y, por otro, la colaboración

de las empresas productoras con diseñadores que están transformado y actualizando radicalmente el estilo

de este tipo de mobiliario. Y precisamente esto es lo que desde 1989 viene haciendo Ximo Roca para

Bonestil, mucho antes de que tuviera lugar éste resurgir en la primera década del siglo XXI.

La colaboración de Bonestil con Roca se ha desarrollado en varios niveles a lo largo de estos años, pero

principalmente su labor ha sido la de diseñador y director de arte. Aparte de haber firmado sus propios

modelos, Roca ha confiado externamente el diseño de otras piezas a profesionales de prestigio como el

trío Lievore Altherr Molina, Lola Castelló o Pete Sans. Entre todos, las piezas de Bonestil empezaron a

destacar por su inusual estética, muy cercana en apariencia al mobiliario contemporáneo diseñado para

interiores. Así, muchos de sus modelos destacan por la combinación de la médula de caña natural con

otros materiales como la madera y en especial el tubo de acero, que ayuda a conformar la estructura de las

piezas y fue introducido por Bonestil como gran novedad en la confección de las patas.

La apuesta estética que inició la empresa no modificó ni un

ápice su forma de trabajar artesanalmente. Sus sillas,

sillones y mesas se tejen a mano con la única ayuda de un

punzón. Cada producto es tejido por manos expertas, para

cuya confección se necesitan entre 4 y 6 horas de trabajo.

Este proceso de trenzado manual mejora la transpiración de

las piezas y les otorga un mejor envejecimiento. Los

tejedores son principalmente mujeres de esta zona de

Valencia, que cuenta con una gran tradición en el trabajo de

las fibras vegetales y cuyo saber va pasando de madres a

hijas. Posteriormente, las piezas se sumergen en las cubas de

tintes que fortalecen los tejidos y después se las deja secar al sol durante 48 horas. En la actualidad,

Bonestil utiliza también fibras sintéticas y ha cambiado las cubas de tinte por baños que reúnen los

requisitos industriales y ecológicos que requiere la ley. Los tintes químicos que se utilizaban para pintar

la médula natural se han sustituido por tintes hidroalcohólicos, más respetuosos con el medio ambiente.

En el año 2000, el Centro de Artesanía de la Comunitat Valenciana le concedió la Etiqueta de Artesanía

que acredita su carácter artesanal, siendo la única empresa del sector de mueble contemporáneo a la que

se le había otorgado hasta el momento el calificativo de producto artesano.

PROYECTO REVIVAL Con el objetivo de ofrecer nuevas

propuestas creativas a aquellos sectores

interesados en revitalizar su actividad

nació en 2007 Proyecto Revival, un

colectivo de diseñadores emergentes

asentado en la Comunidad Valenciana

integrado por Alejandro Catalá, Álvaro

Hernández, José Alburquerque, Vicente

Luján, Marina Rodríguez y Pedro

Ochando. Desde sus inicios, debido a la

naturaleza renovadora del colectivo,

Proyecto Revival ha estado muy ligado a

la colaboración con empresas de producción artesana con dificultades para adaptarse a la actual situación

de su mercado.

Así, su primer proyecto lo realizaron junto con la fábrica de Manises Cerámicas Cabo, una empresa que

se había visto obligada a cerrar cuatro años atrás y se hallaba en proceso de demolición. Entre los objetos

que iban a ser aniquilados se encontraba una ingente cantidad de piezas ya bizcochadas. Proyecto Revival

trató de reconfigurar estas piezas, en su mayoría objetos de menaje y decoración típicos de la producción

cerámica de la zona, dotándolas de un nuevo uso y forma. El proyecto se llamó “Nuevas Propuestas

Cerámicas” y transformó ceniceros, tazas, saleros, platos, fuentes o ensaladeras de corte tradicional en

lámparas, floreros, portavelas e incluso altavoces de estética contemporánea. El ejercicio se llevó a cabo a

modo de taller, a través del cual los diseñadores investigaron qué nuevos usos se podía dar a aquellas

piezas y qué posibilidades de adaptación tenían al lenguaje estético actual. El proyecto pretendía

paralelamente ir más allá de la empresa en particular que les ocupaba, mostrando nuevos modos de

trabajar la cerámica en colaboración con diseñadores con el fin de estimular la industria tradicional

cerámica de Manises. Las piezas resultantes fueron dadas a conocer a modo de exposición en múltiples

localizaciones incluido el Salón de Artesanía de Valencia en 2009, donde tuvieron la oportunidad de

mostrar más de cerca al gremio artesano el ejercicio de diseño realizado por Proyecto Revival.

Después, Proyecto Revival se ha ocupado de otros materiales

como el papel o el vidrio. Con el papel han trabajado

desarrollado nuevas propuestas de mobiliario e iluminación,

desde estanterías a mesas de centro o lámparas. El ejercicio se

denominó “Ensayos sobre papel” y entre todas las propuestas

destacó la Paperlamp de Pedro Ochando, un modelo de

suspensión realizado con pulpa reciclada de papel.

Asimismo, en el año 2010 iniciaron un proyecto de colaboración

con la empresa valenciana especializada en objetos artesanales

de vidrio La Mediterránea. La labor de Proyecto Revival se centró esta vez en la revisión y recuperación

de moldes y piezas de vidrio descatalogadas con el objetivo de ampliar sus posibilidades de uso a través

de la creación de nuevas familias de productos. Así, a partir de la combinación de diversos recipientes

surgieron las luminarias Yunca y los centros de mesa Nadú; también una nueva tipología de vasos y

decantador para vino denominados Vaivén, a los que se les incorporó una esfera de vidrio en la base con

el fin de facilitar un movimiento giratorio que aireara y liberara el aroma de la bebida.

ARTESANÍA & DISEÑO Un local gratuito en el centro de Murcia, tres meses por

delante y un proyecto creativo que desarrollar,

autogestionar y divulgar. Ésta fue la permuta que la

Consejería de Cultura y Turismo en colaboración con la

Asociación de Promotores Inmobiliarios de la región de

Murcia ofreció en el verano de 2010 a los diseñadores

Cristina Carpena (Yecla, Murcia, 1981) y José

Alburquerque (Murcia, 1984) a través del programa

Distrito Artístico. Con el fin de revitalizar y dotar de

actividad aquellos locales de la ciudad de Murcia que se

encuentran en desuso, el programa Distrito Artístico

pone una serie de locales a disposición de artistas y

creativos murcianos para que estos desarrollen

proyectos de producción, exhibición o autogestión

artística. El doble objetivo es a su vez la promoción de

proyectos artísticos y su divulgación cultural,

favoreciendo la participación ciudadana a través de

espacios cotidianos.

Así, Cristina Carpena y José Alburquerque plantearon, durante los tres meses que les fue concedido uno

de estos locales, diversas acciones encaminadas a explicar al público general en qué consiste el diseño

como profesión y cómo es el proceso que se sigue a la hora de diseñar un producto. Además de mostrar

piezas diseñadas por profesionales de la región y de organizar un taller de creación de productos,

desarrollaron en vivo una línea de productos cuyo proceso fueron documentando y mostrando a los

visitantes, desde la fase de investigación hasta la exposición de los prototipos resultantes. Para ello,

atraídos por la rica tradición artesana de Murcia, decidieron trabajar en alianza con artesanos de la zona.

El proyecto se denominó Artesanía & Diseño y no era la primera vez que Cristina y José colaboraban con

artesanos pues ambos formaron parte del grupo fundacional de Proyecto Revival, del que aún

Alburquerque es miembro. En esta ocasión, trabajaron con la empresa especializada en esparto Arteblanc

de la localidad de Blanca y con el taller de alfarería y cerámica Romero y Hernández de Totana.

Tras una primera fase de investigación y análisis en torno a los materiales y técnicas con los que trabajan

estos dos talleres, Cristina y José fueron realizando los bocetos de los nuevos productos buscando aportar

nuevas aplicaciones. Cada idea se iba consultando con los artesanos para evaluar su viabilidad. Dado que

algunas piezas combinaban los dos materiales, fue fundamental coordinar a los talleres para su

producción. Las piezas de barro condicionaron el orden ya que la variabilidad de la temperatura y la

situación en el horno determinan las dimensiones finales de cada pieza. Así, una vez hechas las piezas de

barro, éstas viajaban hasta Blanca para que los estereros pudieran realizar su parte. Las tres piezas

resultantes son un ejemplo más de la excepcional fuerza que tiene un producto cuando dos sectores como

el del diseño y el artesano trabajan conjuntamente. La lámpara destaca por la bandeja de barro que rodea

su pantalla de esparto, que permite posar pequeños objetos sobre ella; la alfombra se divide en dos piezas

concéntricas, siendo una de ellas una diana para jugar a los dardos; y el taburete, con forma de macetero,

esconde un espacio de almacenaje tras su cojín de esparto.

TITO Juan Pablo Martínez (Úbeda, 1969) es hijo del prestigioso alfarero Juan Martínez Villacañas, conocido

como Tito, quien recibió el Premio Nacional de Artesanía en el año 2006. La labor de compromiso total

con el oficio emprendida por Juan Martínez Villacañas en los años sesenta desde su taller de Úbeda, ha

encontrado una valiosa prolongación en la obra de su hijo Juan Pablo Martínez quien da continuidad hoy

al taller Alfarería Tito de su padre, ya jubilado, y a la labor de toda una familia de gran tradición alfarera.

Así, Juan Pablo continúa hoy investigando y recuperando técnicas, pero sobre todo difundiendo los

valores de la alfarería a través de nuevos canales.

Uno de sus proyectos más recientes, con el que quedó

finalista en la categoría Innova de los Premios

Nacionales de Artesanía en 2008, lo realizó a petición

de la Fundación Federico García Lorca. Se trataba de

reproducir una serie de piezas en colaboración con

artistas del panorama internacional para la exposición

Everstill comisariada por Hans Ulrich Obrist, que se

celebró entre 2007 y 2008 en la casa-museo del poeta

en Granada conocida como la Huerta de San Vicente.

Hans Ulrich Obrist realiza este tipo de muestras en

diferentes casas-museo de personajes emblemáticos de

todo el mundo. En esta ocasión, una selección de treinta

artistas visitarían la de Lorca para concebir posteriormente una obra basada en el entorno del poeta. Juan

Pablo Martínez se encargaría de materializar la obra de la artista neoyorquina Roni Horn y el mexicano

Pedro Reyes. A petición de la primera, Alfarería Tito realizó una fiel reproducción utilizando nuevas

técnicas y materiales de una antigua perula, o cántaro de aguardiente, que había en casa de Lorca. Por su

parte Pedro Reyes, identificando el agua como un elemento recurrente en la obra del poeta, pediría a Tito

realizar un conjunto de “botijos imposibles” (en la imagen), algunos de ellos de complicada elaboración

por sus formas retorcidas que corrían riesgo de quebrarse durante el proceso de cocción.

Asimismo, Alfarería Tito ha realizado colaboraciones

con otros profesionales, como el arquitecto y diseñador

Xavier Claramunt (en la imagen), mientras que por otro

lado ha encontrado en el cine la plataforma ideal para

dar visibilidad a los valores de la alfarería tradicional.

De su taller han salido piezas que han contribuido a la

recreación de épocas pasadas en películas como

“Alatriste”, dirigida por Agustín Díaz Yanes y basada

en el protagonista de la serie de novelas escritas por

Arturo Pérez-Reverte “Las aventuras del capitán Alatriste” ambientadas en el Madrid del siglo XVII.

También ha realizado piezas para la película “Carmen” de Vicente Aranda, “Rosa y Negro” de Gérad

Jugnot, “Los Fantasmas de Goya” de Milos Forman, “De tu ventana a la mía” de Paula Ortiz así como

para la serie producida por Televisión Española “Águila Roja”.

Resulta también destacable por parte de Juan Pablo Martínez la labor que realiza internacionalmente

trazando canales alternativos de difusión. En Nueva York, por ejemplo, muestra sus piezas en

colaboración con las tiendas Carter & Cavero especializadas en la comercialización de aceite de oliva

español donde Tito vende sus productos además de realizar demostraciones en vivo de cómo se elaboran.

LA ALPUJARREÑA Conservando técnicas autóctonas a la par que

incorporando nuevas, La Alpujarreña lleva desde

1922 realizando alfombras artesanales desde la

granadina localidad de La Zubia. Todo comenzó

cuando un pintor de Granada reclutó a grupo de

entre los múltiples telares artesanos familiares que

había en el barrio del Albaicín para fundar La

Alpujarreña. Desde entonces la empresa viene

elaborando alfombras empleando el nudo

autóctono alpujarreño, que data del siglo XIII y se

realiza de una manera completamente manual

mediante telares verticales donde se van tejiendo

los bucles sobre la urdimbre con la ayuda de una

varilla de metal. Posteriormente incorporó la

técnica del nudo turco o gordiano, cuyo empleo en España se remonta al siglo XVII y que consiste en

formar el entrelazamiento de tal modo que las dos puntas del hilo se encuentren juntas en el espacio

comprendido entre dos cadenas contiguas de la urdimbre. Finalmente en los noventa incorporaron el

tufting manual, para el cual se utiliza una pistola que inserta cada nudo en su posición correspondiente

siguiendo un dibujo que previamente se ha hecho sobre una lona tensada en un bastidor metálico.

En La Alpujarreña, que cuenta hoy con un taller de más de cuarenta artesanos, todo el proceso de

elaboración se realiza íntegramente a mano. En sus instalaciones de La Zubia tiene lugar desde el diseño

de los bocetos y su dibujo sobre los telares hasta el tintado de lanas, el anudado y los retoques finales.

Esta estructura le permite además realizar diseños a medida

para proyectos especiales, uno de sus grandes valores. Sus

productos además están hechos con materiales naturales

como el algodón, el yute, el lino y la pura lana virgen, siendo

en un 95% biodegradables.

La Alpujarreña es un caso ejemplar de empresa artesana que

ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos en múltiples

aspectos empresariales y en particular en lo que se refiere al

diseño de sus productos. Por un lado, cuenta con un

departamento creativo a través de cuál lanza sus propios

diseños. Por otro, ha establecido interesantes colaboraciones

con diseñadores externos. Destacan especialmente las

colaboraciones realizadas con la diseñadora holandesa

Bárbara Broekman, con el diseñador madrileño Jacobo Pérez-

Enciso y con los valencianos Herme Ciscar y Mónica García.

La visión global por ejemplo de Pérez-Enciso, quien no sólo trabaja como ilustrador y diseñador gráfico

sino también como creador de espacios, dio como fruto un par de piezas de gran aporte decorativo. Se

trata de los modelos Arquitectura y JAPS, realizados con tufting manual; mientras que el primero se

distingue por su fuerte carácter ilustrativo, el segundo presenta una arrebatadora mancha de color que

dota a los espacios interiores de una vibrante energía. Por su parte, de Herme Ciscar y Mónica García

destaca especialmente el modelo Luces del Norte, que cambia de color dependiendo de por dónde se esté

mirando la pieza. Recientemente, además, La Alpujarreña ha elaborado las alfombras diseñadas entre

Javier Guerrero y Jon Gasca que comercializa la firma de origen vasco Stua, Premio Nacional de Diseño

2008.

SARGADELOS La historia de esta empresa gallega,

fundada en 1806, alternó a lo largo del

siglo XIX momentos gloriosos de gran

expansión con un triste cierre motivado

por pleitos familiares. Sería a mediados

del siglo XX cuando se iniciara la

recuperación de esta legendaria empresa,

que llegó a producir 20.000 piezas de loza

anualmente y en su mayor etapa de

esplendor dio trabajo a más de mil

familias de la zona contando incluso con la colaboración de expertos ceramistas del extranjero. Tras su

recuperación, iniciada en los años cincuenta, Sargadelos se ha convertido progresivamente en todo un

símbolo de la cultura galaica, trabajando mano a mano con artistas gallegos como Luis Seoane e Isaac

Díaz Pardo. Sus porcelanas se distinguen por la fuerte personalidad de sus diseños, inspirados en las

formas tradicionales y los motivos particulares de la cultura visual de Galicia.

La producción de Sargadelos abarca desde servicios y complementos de mesa, figuras ornamentales y

joyería hasta piezas especiales de porcelana para empresas, como los grifos de cerveza de Estrella Galicia

o determinados modelos de lámparas que comercializa la conocida firma Santa & Cole. En ocasiones

recupera modelos vintage, servicios y piezas de otras épocas que vuelve a introducir en el mercado en

series limitadas y numeradas. Las vajillas, figuras y joyas de porcelana de Sargadelos se decoran y

rematan artesanalmente después de salir de los hornos de sus factorías en O Castro (Sada, A Coruña) y

Sargadelos (Cervo, Lugo). Si bien en parte se comporta como una industria cerámica, su componente

manufacturero es tan importante que prácticamente resulta imposible encontrar dos productos

exactamente iguales. Sus procesos no están robotizados y toda la decoración se realiza a mano con

pinceles o estarcidos, nunca con calcas serigráficas. Además, ha desarrollado un proceso único de

horneado con el que consigue alcanzar esos colores tan luminosos propios de la marca.

Pera explorar su lado más experimental,

Sargadelos colabora habitualmente desde los

años cincuenta con artistas y diseñadores de

dentro y fuera de Galicia. Así, recientemente

ha elaborado la taza gigante que el artista

brasileño José Damasceno exhibió en 2008 en

el Museo Reina Sofía de Madrid. También el

artista Antonio Murado trabajó en 2007 en las

propias instalaciones de Sargadelos en el

desarrollo de un juego de café que le había encargado el New Museum de Nueva York. En estos últimos

años, la empresa ha realizado también colaboraciones puntuales con jóvenes diseñadores españoles como

los dúos Ailanto o El Último Grito. Los hermanos Aitor e Iñaki Muñoz de la firma de moda Ailanto

trasladaron a unos floreros ese toque especial de sus estampados por el que destacan sus colecciones; en

este caso la inspiración fue tomada de su colección Otoño-Invierno 2006-2007. Rosario Hurtado y

Roberto Feo de El Último Grito, por su parte, han visto convertidos en porcelana a través de Sargadelos

sus famosos Micos (en la imagen de la página anterior), unos juguetes abstractos que les comercializa la

empresa italiana Magis con los que los niños pueden jugar e interactuar adoptando múltiples posiciones.